TIPOS DE TEATRO ACTUACION Se conoce como actuación al proceso de investigación personal que hace el actor para descubrir a un futuro

personaje a representar. Dicho proceso comienza desde una interiorización para conocer el principio de dicho personaje y traerlo desde lo más profundo y transformarlo en un personaje integrado. La actuación es descrita como acciones hechas por un personaje dentro de la escena teatral. Aunque dichas acciones son auténticas, deberían por lo menos estar cargadas de una intención que permita que el observador se estimule y logre recibir el mensaje en su totalidad. Un actor es una persona que interpreta a un personaje en cine, televisión, teatro o radio. En ópera la actuación se consideraba más importante que el canto. En el momento actual se está llegando a un lógico mismo nivel de importancia entre actuación y canto, por lo que muchos directores de escena llaman también actores a los cantantes de ópera. La mujer dedicada a esta actividad se le llama actriz, en lugar de actor. Historia Recientes investigaciones han llegado a la conclusión de que las primeras manifestaciones del canto de la actuación surgen en Egipto, cuando se realizaban ritos en que los sacerdotes encarnaban a los dioses para explicar al pueblo el significado de sus enseñanzas y órdenes. El primer actor del que se tiene conocimiento escrito fue el griego Tespo, que actuó en el Teatro Dionisio en el año 534 a. C. En el escenario, Tespo habló en primera persona, interpretando de esta manera a un personaje. Hasta entonces ya se habían narrado historias ante una audiencia, pero siempre en tercera persona y, además, de forma cantada. La profesionalización de la actuación se inició en Europa en el siglo XVI; en Italia, con las primeras compañías profesionales de Comedia dell'Arte; en Inglaterra, con las compañías protegidas por la nobleza en tiempos de la reina Isabel (como la Lord Chamberlain's Men, la compañía de Shakespeare, que luego pasó a llamarse King's Men); en Francia, con la Comédie Française. Hasta el siglo XVII los actores sólo podían ser hombres. Se consideraba algo de mal gusto que una mujer actuase en un escenario. Así, en la época de Shakespeare los papeles femeninos eran interpretados por hombres o por muchachos jóvenes. Fue en los teatros de Venecia donde se produjo el cambio que permitió a las mujeres realizar interpretaciones teatrales.

COMEDIA La comedia es un género dramático que se caracteriza porque sus personajes protagonistas se ven enfrentados a las dificultades de la vida cotidiana, movidos por sus propios defectos hacia desenlaces felices donde se hace escarnio de la debilidad humana. La comedia se origina en el mundo griego, pero se va desarrollando por el Medievo y por la edad moderna, hasta llegar a nuestros días. Como los demás géneros dramáticos, dramática del personaje protagonista; personajes con un rol trágico en obras estos sean, por decirlo de algún modo, a la comedia lo determina la acción de ahí que no sea extraño encontrar de teatro cómicas, siempre y cuando personajes secundarios.

Como características, el personaje protagonista suele ser común y corriente y representar un arquetipo, es decir mentiroso, charlatán, fanfarrón, pícaro, enamorado, etcétera; es también inocente e inconsciente y, a diferencia de la tragedia, donde el personaje protagonista tiene un profundo sentido ético, en la comedia el personaje protagónico considera su moral como una cualidad importante; lo que lo hace ser muy vital, aunque esto es más bien un obstáculo para el personaje. Por ello, su conflicto dramático suele ser, las más de las veces, con la sociedad, además de consigo mismo, por lo que lucha por la superación de los obstáculos que le impiden realizarse consigo mismo o con esa misma sociedad. La comedia es, junto con la tragedia, una de las formas clásicas del drama griego, y uno de los tres géneros dramáticos llamados realistas. Rasgos de la comedia Conflicto: Comúnmente es generado por un vicio de carácter del protagonista. Este vicio de carácter es contrario al bienestar social de la comunidad en la que vive el protagonista. El bienestar social es relativo a la época y al lugar. El vicio de carácter del personaje protagónico lo lleva ser un transgresor de esa sociedad pues ha rebasado los límites de lo "conveniente" y por ello debe ser castigado; esto significa que el personaje vicioso es castigado socialmente, o sea, es puesto en ridículo. Protagonista: Es básicamente un personaje de baja calidad moral y que encarna algún vicio o defecto de los seres humanos (la envidia, la avaricia, la irreverencia o rebeldía, etc.) pero sumamente complejo. En el caso de Tartufo, lo que Molière, critica es la hipocresía, que se representa en este personaje, prototipo del mojigato que finge vivir valores que en verdad no

En pocas palabras. hacer o actuar) es la forma de presentación de acciones a través de su representación por actores y por medio del diálogo. al drama como género literario (el texto). el drama se divide en géneros realistas y géneros simbólicos. el texto dramático no es teatro hasta que se lleva a escena para ser visto por el público. Género cinematográfico de temática seria y penosa. de lo que se considera como género literario. que se centra en las pasiones humanas y los conflictos individuales. Por ello. puesto en ridículo. es decir. según esta posición. Desenlace: Es feliz para alguna de las fuerzas que se opone al protagonista o para todos. entre los primeros quedaron inscritas la tragedia y la comedia ya existentes y. Existe una confusa tendencia dramática únicamente a todo lo que incluya elementos trágicos. Un importante subgénero es el melodrama. al teatro como de puesta en escena del propio texto dramático. siendo la primera la versión constituida en lo absoluto por elementos lingüísticos. • Para comprender mejor el término "Drama" se requiere hacer la siguiente aclaración y contextualización: Drama: Término que proviene del griego δράμα y significa "acción". pues. una tendencia generalizada. entre los segundos. drama (del griego δράμα. en los que se destacan lo trágico y lo dramático. el drama se dividió desde sus inicios en la Grecia Antigua (donde se considera que el teatro tiene su nacimiento occidental) en Tragedia y Comedia. Tragedia: Género griego caracterizado por escenas de gran confusión y desenlace infeliz. --Palinuro67 (discusión) 02:19 2 sep. En tanto género literario. reconocidos como tales desde el Renacimiento. la ausencia de un mediador entre el . especialmente cuando se da el llamado "final trágico". Algunos teóricos del siglo XX insisten en la diferenciación categórica entre el Drama y el Teatro. 2008 (UTC) DRAMA Según la definición griega clásica. formando parte entonces. la farsa y la tragicomedia.tiene y que sólo persigue su bienestar a costa del daño que produce a los demás. siendo la particularidad de este la predominancia de la función apelativa del lenguaje. un personaje vicioso que es ridiculizado. el melodrama. por un lado. Melodrama: Género que acentúa la emocionalidad de los personajes. Dramaturgia: Concepción escénica para la representación de un guión. Posteriormente. menos para aquel que encarna el defecto que debe ser castigado.

Cuando esto último es bastante exagerado. Se puede añadir la precisión. desde la perspectiva de la etnoescenología. La presencia de la música y la fotografía acentúan la credibilidad de la obra. Es decir. los músicos. Rousseau lo definió con las siguientes palabras: "un tipo de drama donde las palabras y la música. etc. la música. y su manifestación espectacular por medio del teatro. La temática de este tipo de películas es diversa. se organizan por medio de códigos que no son universales. (Cuadro es el cambio de escena en una obra dramática) MELODRAMA El melodrama. evaluación del espectáculo. tienen una dimensión didáctica acusada. la dramaturgia. y el fenómeno de "relación simbiótica". elementos que no le son propios al drama como realidad lingüística acotada solamente al discurso. al drama se le conoce por melodrama: En él. o de "empatía" que se construye en la relación al publico (Pradier. Se pueden distinguir tres aspectos claves dentro del análisis de una forma espectacular: la "espectacularidad" la "performatividad". La pertinencia de la evaluación de estos aspectos del teatro como forma espectacular. Etimológicamente el melodrama se define como teatro musical. parecido al melólogo pero con varios personajes. conmoviendo a éste. en vez de caminar juntas. es una obra teatral cargada de trozos sentimentales subrayados por música. su posibilidad virtual de ser Teatralizado. El primero en definir el melodrama fue el filósofo francés Jean-Jacques Rousseau. esta en el hecho que toda forma espectacular responde a un contexto social. En este aspecto. El análisis de un Drama puede ser hecho desde la crítica literaria. pero particulares a un contexto histórico y cultural. 1996). campo interdisciplinario que estudia los Fenómenos y Comportamientos Humanos Espectaculares Organizados (PCHSO) del Teatro que es un subgrupo dentro del conjunto de formas espectaculares organizadas. los personajes quedan limitados al carácter simplista de buenos o malos. Los problemas de los personajes están relacionados con la pasión o problemas interiores.mundo creado o realidad ficticia y el lector. la actuación. en cambio el análisis del teatro debe incluir factores como actuación. etc. la iluminación. El Teatro sería la concreción del Drama que incluye el espectáculo. se . debido a que interpela a su sensibilidad. El drama como género cinematográfico Como género cinematográfico el drama siempre plantea conflictos entre los personajes principales de la narración fílmica provocando una respuesta emotiva en el espectador. La mayoría de las películas promueven la moralidad como eje central y. etc. pero su eje principal es el amor. por ello.

atendiendo al gusto de cada persona. Más que un escrito propiamente dicho. La pianista de Michael Haneke. por ejemplo los guiones cinematográficos y telenovelas. El melodrama está presente en la televisión como telenovela. que con su contenido. y donde la frase hablada es de cierta manera anunciada y preparada por la frase musical" La influencia del premio Nobel Jacinto Benavente asentó las bases del melodrama actual. pues tal término se ha convertido en una etiqueta despectiva. el término melodrama también abarca películas que tienen una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva. La dramaturgia da a la obra y a la actuación una estructura. y que esto se haga de una manera muy marcada. para las obras que intentan inducir más emoción con su musicalización y con el sentimentalismo exagerado. Persona de Ingmar Bergman y El último Tango en Paris. sino que en todo momento buscan dar un significado y connotación humana. Esto no significa que no busquen experimentar con la narrativa. pero otras son adaptadas por un profesional. OPERA . o el tiempo. sin embargo. Tenemos entre ellas Rompiendo las Olas de Lars von trier. Difiere de la literatura escrita común por ser más una estructuración de una historia de acuerdo con los elementos específicos del teatro. Las telenovelas Hispanoamericanas y las soap operas anglosajonas son en su mayoría melodramas. la dramaturgia es dar forma a una historia de manera que pueda ser actuada. crea los personajes y conflictos que serán presentados dando la impresión de que acontecen "aquí y ahora". o efectos visuales o especiales. sino que está presente en toda obra escrita con el fin de poder representar una historia. Algunas obras son escritas específicamente para su representación en el escenario. En cuanto a cine se refiere. llamado dramaturgo. de un drama. el trabajo del dramaturgo puede ser definido como un diseño. de Bernardo Bertolucci. DRAMATURGIA Dramaturgia es el arte de composición y representación en el escenario. el término melodrama no se les aplica por lo general. Son películas dramáticas que buscan ser lo más realistas posibles. En la actualidad el término melodrama se aplica a cualquier obra actoril en formato audiovisual donde las emociones del espectador sean inducidas o favorecidas por la música. Actualmente la dramaturgia no sólo está relacionada con el texto teatral.presentan sucesivamente. En un sentido amplio. Cabe notar que el cine y las series de televisión suelen utilizar a profusión la musicalización para transmitir o inducir las emociones. y tenemos a muchos realizadores de ellas. El dramaturgo en la pieza teatral.

como son el musical. a diferencia del oratorio.. vacilación. arioso y aria. multiplicando sus posibilidades físicas e imaginativas a través del estudio de una técnica. que es más un intento de cambiar palabras por gestos. en ocasiones. tríos. el mimo corporal hoy se utiliza como una herramienta en el mundo de las escuelas y de las universidades de teatro. En esto se diferencia de la pantomima. A partir de mediados del siglo XIX. El mimo corporal es un arte dramático del movimiento. pueden aparecer combinadas con coro. Por estos elementos pedagógicos. la orquesta tiene los instrumentos de una orquesta sinfónica. La mayoría del tiempo. tales como escenografía.. La pedagogía del mimo corporal permite al actor adquirir un estado mayor de autonomía. predominantes en el teatro tradicional de occidente. y surgen formas cada vez más libres. la zarzuela y la opereta. se representa en un espacio teatral ante un público. en el cual destaca el lenguaje físico como principal motor de la dramaturgia del espectáculo teatral. TEATRO FISICO El teatro físico se conoce como una rama del llamado teatro contemporáneo. estas formas comienzan a abandonarse.La ópera es un drama cantado con acompañamiento instrumental que. está enseñado como una técnica de interpretación corporal. tendencias. También se cantan dúos. pensamientos. eso es una elección estilística. dudas. La ópera tradicional basa su canto solístico en distintas modalidades de canto: recitativo. El actor puede interpretar piezas con o sin texto. Mimo corporal El mimo corporal o mimo dramático es un tipo de teatro físico creado por Etienne Decroux (1898 . cuartetos. Sin embargo. Existen varios géneros estrechamente relacionados con la ópera. El objetivo del mimo corporal dramático es de introducir el drama dentro del cuerpo. por sobre el texto y la narrativa. pero con secciones de cuerda más pequeñas. vestuarios y actuación. Todas éstas. Los cantantes son acompañados por una orquesta. En este medio. Descripción El drama se presenta usando elementos típicos del teatro. el mimo debe aplicar al movimiento físico esos principios que estén en el corazón del drama: pausa. El mimo corporal dramático quiere representar lo invisible. peso. la letra de la ópera (conocida como libreto).1991) y desarrollado por sus ayudantes y nuevas generaciones de profesionales. resistencia y sorpresa. . y no una condición sine qua non del mimo corporal. emociones. se canta en vez de ser hablada.

desde los siglo XIII al XVI pero es indudable que la primera tragedia regular es Sofonisba. se la figura algunas veces con el Terror y la Piedad. antigua manifestación físico-popular que hoy en día se vuelve a re-descubrir. que es sacrificado así a esa fuerza que se le impone y contra la que se rebela con orgullo insolente o hybris.A pesar de esto. donde los ritos teatrales de oriente y occidente lograban la transformación del cuerpo cotidiano. Claudio Cento y M. La tragedia nació como tal en Grecia con las obras de Tespis y Frinico. el hado o fatum. Aparte de los citados autores romanos. en cuerpo escénico no cotidiano. apelativo que se daba al dios Dionisos. ese le da una maza o clava para indicar la tragedia en los tiempos heroicos en los cuales estaba en uso esta arma. es decir. También existen las tragedias de sublimación en la que el personaje principal es mostrado como un héroe que ante las adversidades se sobrepone por la fuerza de sus virtudes y el espectador termina admirándolo. Otras veces. la fatalidad. una de las nueve musas. Melpómene. un ejemplo de ello es Antígona de Sófocles. y se consolidó con la tríada de grandes trágicos del clasicismo griego: Esquilo. Cierto que se encuentran algunos ensayos en lengua vulgar. es considerada como la diosa o numen de la tragedia. es una forma dramática cuyos personajes protagonistas se ven enfrentados de manera misteriosa. Sempronio. Su nombre deriva del griego yo canto. cuya etimología deriva de la palabra griega τράγος /"trágos"/. Tiene en una mano cetros y a los objetos elevados o heroicos que ella trata y en la derecha un puñal ensangrentado. moviéndose siempre hacia un desenlace fatal por una fuerza ciega. Un buen ejemplo de estas prácticas era la comedia del arte. unos ciento sesenta años después de la muerte de Sófocles y Eurípides y doscientos veinte años antes de la de Virgilio. Eurípides. en Grecia. TRAGEDIA La tragedia. de aspecto grave y serio y calzando el coturno. Grecia una representación teatral La primera tragedia latina la compuso Livio Andrónico y se representó en Roma en el año 54 de su fundación en tiempo del consulado de C. macho cabrío. sobre todo. En . Las tragedias clásicas generan en el espectador la catarsis. el sino. En pos de ella. las tragedias han de acabar generalmente en muerte o en la destrucción física. Se representa ricamente vestida. las diez tragedias Tiempos modernos Entre los modernos no reapareció la tragedia hasta la época del Renacimiento y aun por traducciones o imitaciones de la antigüedad. inexpugnable e inevitable contra el universo o los dioses. compuesta por Trisino y representada en Roma en 1515. social o intelectual del personaje principal. Sófocles. su origen está arraigado en la Antigüedad.

También a Quintana. en Dinamarca. Ben Johnson. Jovellanos. El prólogo. Roberto Garnier. Otway. Enschlager. intervención del coro que no es cantado. Hardy Durier. hizo representar la tragedia de su invención Cleopatra cautiva. se utiliza el dialecto ático (más adecuado a los cantos corales debido a su musicalidad). . lo cuales son pasajes en los que el protagonista sufre. Cienfuegos. Párodos: cantos a cargo del coro durante la entrada por el párodo izquierdo presidio por un flautista. el poeta Jodelle. siguiéndole después Racine que elevó a la perfección el restaurado género. los ya citados Corneille y Racine. Alfieri y D'Annunzio. en Italia. es un canto de coro sin anapesto ni troqueo. 1. se dan danzas de avance y retroceso. Martínez de la Rosa. • • • • • Partes de la tragedia griega Aristóteles en su Poética señala que las partes de la tragedia se dividen en prólogo. en Francia. además de Crebillon. Marlowe. Metastasio. Shakespeare. Voltaire. el primero en Francia. Schiller. Se le informa al espectador el por qué del castigo que va a recibir el héroe y en esta parte no interviene el coro. en Alemania y Austria. en Inglaterra. Grillparzer. Después vienen siete episodios entrelazados por cada estásimo para concluir con el éxodo. Goethe. episodio. 2. hay diálogo entre el coro y los personajes o entre personajes. Casimir Delavigne. Huertas. 3. pueden participar hasta tres actores pero sólo hablan dos y el otro está mudo o puede ser un monólogo. Episodios: pueden ser hasta cinco. Mairet y su ejemplo hasta que en 1635 apareció Corneille. es la parte más importante por ser la dramática por excelencia y expresa el pensamiento e ideas del personaje. con su primera tragedia Medea. Dentro de los episodios se pueden encontrar los agones. Tamayo y Baus y Ventura de la Vega.1552. precede al párodo del coro. Lemercier. Prólogo: Según Aristóteles es lo que antecede a la entrada del coro. Dryden. y la parte del coro que se divide a la vez en párodo y estásimo. Entre los autores modernos que más se han distinguido en la tragedia hay que citar: • en España a Lope de Vega y Calderón de la Barca que compusieron verdadera tragedias a pesar de titularlas comedias. En cuanto estásimo. Las características generales son: se da la ubicación temporaria y se une el pasado del héroe con el presente. éxodo. En estas parte se realiza un canto lírico. Addison.

incluyendo el de su sucesor. Se encuentra a medio camino entre la tragedia y la comedia: no se evitan las situaciones cómicas. porque se parece a dicho término.. Estásimo: es la parte lírica-dramática donde el autor expresa sus ideas políticas. hablándose entonces de "teatro jacobino". y se asocia tradicionalmente a la figura de William Shakespeare (1564-1616). Shakespeare le dedica a Jacobo I algunas de sus obras principales. sufriendo el pathos y muchas veces convirtiéndose en el pharmakon (el remedio para el mal). hasta la clausura de los teatros en el año 1642 a causa de la llegada de la Guerra civil ("teatro carolino"). escritas para celebrar el ascenso al trono del soberano. las cuales son siempre pronunciadas por el coro. generalmente en estos están sintetizados las características de una clase social.1 TRAGICOMEDIA Es una obra dramática en la que se mezclan los elementos trágicos y cómicos: También se le conoce como pieza. Carlos I. también se le denomina como género psicológico. Los episodios son siempre separados por los estásimos. hay de tres a cinco. el héroe reconoce su error y es castigado (a veces con la muerte) por los dioses.4. hay cantos líricos y dramáticos. religiosas. como Otelo (1604). aunque con efectos cómicos protagonizados. el drama satírico o la tragicomedia suele tratar un tema legendario. y La . e incluso más allá. filosóficas. Macbeth (1606. El éxodo como los estásimos son siempre dichos por el coro o Corifeo. En la Grecia clásica. El rey Lear (1605). Es aquí donde aparece la enseñanza moral. El hecho de que se prolongue más allá del reinado de Isabel I hace que el drama escrito entre la Reforma y la clausura de los teatros en 1642 se denomine Teatro renacentista inglés. pero tampoco el desenlace trágico. fundamentalmente. las antiestrofas eran dichas por Corifeo (un representante del coro) 5. Los dioses no intervienen en la vida de los hombres y puede haber más de una acción al mismo tiempo. aunque en la tragedia griega antigua. por el coro. etc. TEATRO ISABELINO El teatro isabelino (1558-1625) es una denominación que se refiere a las obras dramáticas escritas e interpretadas durante el reinado de Isabel I de Inglaterra (1533-1603). Estos mismos pueden estar divididos en estrofas y antiestrofas. Éxodo: es la parte final de la tragedia. En realidad los estudiosos extienden generalmente la era isabelina hasta incluir el reinado de Jacobo I († 1625). es la segunda entrada del coro y en esta parte no danza. homenaje a la dinastía Estuardo).

mostrando un fuerte acento manierista y Barroco en sus elaboraciones más tardías. . Se ha visto en la mascarada de La tempestad. pero el ejemplo más emblemático es el de Hamlet. como por otra parte ocurre en el cine moderno. El teatro dentro del teatro Que el teatro isabelino era un "teatro abierto" y no sólo en el sentido literal del término parece demostrado también por el sentido de autoironía de los actores y de los dramaturgos isabelinos. Por esto el joven Hamlet se convencerá de la culpabilidad (hasta entonces no probada) de su padrastro. El período isabelino no coincide cronológicamente en su totalidad con el Renacimiento europeo y menos aún con el italiano. Para esta clase de actores el dramaturgo isabelino inventa el teatro dentro del teatro. La tempestad tiene mucho de tragicomedia. del que sospecha que ha asesinado a su padre. El actor gusta de hablar al público "entre líneas". LA TRAGICOMEDIA Y LO NOVELESCO Un drama muy ligado a los efectos escénicos y que se apodera de las emociones más violentas se asocia entonces a las pasiones del amor más morboso: el cuadro antiguo pintado con mano sutil es restaurado con trazos tan gruesos que casi ocultan el toque del artista. mas la ironía y la comicidad de los personajes. un drama que reconstruye el presunto asesinato. fusión de comedia y tragedia. cuyas tragedias y comedias mantuvieron sin embargo una mayor separación irónica y realista. proporcionaban el alivio cómico al público haciendo resaltar. tramando su asesinato. juntando lo trágico. dejando la corte. disgustado y aterrorizado. El bufón de El rey Lear. pero también con el "teatro dentro del cine". lo cómico y lo novelesco. en la que el joven heredero al trono de Dinamarca contrata a un grupo de actores itinerantes para representar frente a los ojos de Claudio. como las "pastorales" o las "tragicomedias".tempestad (1611. para darle la vuelta al personaje mismo que está recitando. la tragedia personal de Lear y la nacional de Inglaterra rota por la guerra civil. como por el efecto del claroscuro. anticipando el distanciamiento irónico del teatro de Bertolt Brecht. y la locura del rey caído en desgracia por la traición de sus hijas a las que. la profundidad de la exploración filosófica le confieren mayor aliento. había regalado todo su patrimonio. que incluye entre otros una "mascarada". Al final Claudio se alza. con éxito semejante al del "cine dentro del cine". Se pueden encontrar otros ejemplos de esto entre los isabelinos. en las que lo cómico se mezcla fatalmente con lo trágico. interludio musical en honor del rey que asistió a la primera representación. No es por casualidad que los mismos dramaturgos renacentistas trabajasen contemporáneamente con obras del tipo "mixto". por afecto. La mezcla de géneros propia del renacimiento inglés fue también experimentada por los isabelinos. Lo mismo puede decirse de muchas otras grandes comedias de Shakespeare e isabelinas.

Innovaciones respecto al teatro continental La época isabelina no se limitó a adaptar los modelos: renovó felizmente el metro con el verso blanco (blank verse. en la representación del suicidio de los amantes. liberando al diálogo dramático de la artificiosidad de la rima. Marlowe y muchos otros encontraron campo fértil para su genio. les hacen más semejantes a nosotros. que imita bastante fielmente el verso latino senequista. Con otro estilo y otra técnica. Modernidad y realismo de los personajes La relectura isabelina de los clásicos supuso un vendaval de innovaciones en historias ya milenarias. muerte. Fletcher. dos jóvenes de catorce años que deciden en pocos días casarse y huir de casa. pentámetro yámbico carente de rima). La Poética de Aristóteles. demostrando que en esta época aún nos conmueven profundamente. En El rey Lear el abandono del viejo rey por parte de las hijas es el tema dominante (y no hay cosa que resulte más actual que el drama del abandono de los ancianos y de la fragmentación del núcleo familiar). pero debe esperarse al Gorboduc de Sackville y Norton (1561) para que se usase en el drama para llegar a culminar en la epopeya bíblica de John Milton. El teatro isabelino introduce asimismo toda una serie de técnicas teatrales de vanguardia que fueron utilizadas siglos más tarde por el cine y la televisión. meses con una agilidad casi pareja a la del cine moderno. el Paraíso perdido. locura). permaneciendo (sobre todo en el caso de Jonson) a nivel de "tipos" o "máscaras". incluso los temas sociales se tratan de manera moderna. El verso blanco fue introducido por el Conde de Surrey cuando en el año 1540 publicó una traducción de la Eneida usando esta forma métrica. El escenario inglés de finales del siglo XVI (sobre todo en Shakespeare) presenta un frecuente y rápido sucederse de escenas que hacen pasar rápidamente de un lugar a otro. saltando horas. Beaumont. consiguió imponerse mejor en el continente: sólo algunos clasicistas de corte académico como Ben Jonson siguieron al pie de la letra los preceptos. pero estos personajes no tienen la vida de los de Shakespeare. exaltando en verdad la cualidad universal de los grandes personajes históricos o legendarios. que definió la unidad de tiempo y acción (la de espacio es un añadido de los humanistas) en el drama. El verso blanco juega una parte no menor confiriendo a la poesía la espontaneidad de la conversación y la naturalidad del recitado. mientras se conserva la regularidad de los cinco pies del verso. Cabe pensar en el amor "prohibido" entre Romeo y Julieta. Fue sobre todo gracias a la renuncia a las reglas que el teatro isabelino pudo desarrollarse de aquellas formas nuevas en las cuales Shakespeare. lejos de "empeorar" los personajes. en toda su complejidad psicológica. canibalismo. Teatro de vanguardia . La idea de usar un metro semejante se le ocurrió a Surrey por la versión de la Eneida de Molza. Cualidad esta que. infringiendo consolidados tabúes sociales (sexo. inventor del versi sciolti (verso libre). días.

Se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado. en las obras de ensueño de Strindberg y las novelas de James Joyce . las anti piezas del nuevo teatro nos presentan el reflejo de un mundo de pesadilla y una reflexión sobre el lenguaje hecha de absurdo e incongruencia. un fenómeno teatral que se caracteriza por la negación de las formas establecidas y por la búsqueda de un nuevo y original lenguaje escénico.. uno de cuyos primeros exponentes fue la obra "Ubu rey" de Alfred Jarry (1896) así como la enorme influencia de Antonin Artaud (1896-1948) con su libro "El Teatro y su doble" Como en la nueva novela. no puede hablarse de escuela o de movimiento. alrededor de 1950. ideológicos y geográficos (es curioso observar que los más importantes autores coloniales han nacido fuera de Francia. el estilo teatral que surgió a partir de la obra de aquellos. pero su producción dramática se hace en francés y sobre todo pensando en París). De aquí que toda etiqueta resulte demasiado estrecha para englobar a escritores que proceden de distintos horizontes literarios... Eugene Ionesco. Jean Genet. tanto en su aspecto técnico como de contenido. En lugar de personajes bien caracterizados. Precedente Sus raíces pueden encontrarse en las obras de "moralidad alegórica" de la Edad Media y en los autos sacramentales (dramas religiosos alegóricos) de la España barroca. '50 y '60 y. y que únicamente tienen en común un determinado número de premisas. diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. Estas premisas son esencialmente negativas y se concretan en un triple abandono: abandono de la intriga convencional. y Jean Tardieu. Teatro del absurdo Teatro del absurdo es un término que abarca un conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos en los años 1940. en la literatura del "no-sentido" de autores como Lewis Carroll. Samuel Beckett. en las obras de Arthur Adamov. en general. En el teatro del absurdo tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona a la sociedad y el hombre. de una estructura lógicamente construida y de diálogos brillantes. sino más bien de analogía entre varios autores en orden a la problemática teatral. en especial. A través del humor y la mitificación escondían una actitud muy exigente hacia su arte. Fernando Arrabal. abandono de la psicología como resorte escénico y abandono de todo realismo.). en Francia. Sus precedentes se hallan en las tendencias innovadoras en el teatro desde inicios del siglo XX. Historia Emerge en el París de los años cuarenta y principios de los cincuenta.El Teatro colonial es un movimiento teatral que surge paralelamente a la anti novela o nueva novela (v.

obras que tuvieron como continuadores directos el movimiento dadaísta y el surrealismo de los años 20 y 30. la "psicología" y el lenguaje no son más que una serie de sucesivas aproximaciones a una realidad ambigua y decepcionante. y en las farsas fráticas de Georges Feydeau. Término El término lo acuñó el crítico Martin Esslin. Samuel Beckett. Así. el sueño y la pesadilla. por ejemplo. Dramaturgo del absurdo La literatura del absurdo da muestra de la filosofía del dramaturgo de la cual Beckett es uno de los máximos representantes. la libertad. Fuera del teatro: algunas de las películas de Luis Buñuel podrían catalogarse de absurdistas. obra originalmente publicada en 1938 de Antonin Artaud. creador del estilo del teatro de la crueldad. la obra Días felices de Beckett (1961) expresa una generalizada ansiedad del hombre sobre la aproximación de la muerte. quien lo convirtió en título de un libro de 1962 sobre la materia. Origen Los autores comenzaron a aglutinarse bajo la etiqueta de lo absurdo como una forma de acuerdo frente a la ansiedad. de Ionesco. Virgilio Piñera. Tom Stoppard. la justicia. a través de la imagen concreta de una mujer hundida hasta la cintura en el suelo en el primer acto y hasta el cuello en el segundo. Aunque más bien a Beckett se le relaciona con el Teatro del absurdo donde la tragedia y la comedia chocan en una ilustración triste de la condición humana y la absurdidad de la existencia. sin interesarle tanto la aparición de la realidad objetiva como la percepción emocional de la realidad interior del autor.y Franz Kafka. mientras que en Rinocerontes de Ionesco (1960) se muestra la ansiosa preocupación acerca del esparcimiento de las inhumanas tendencias totalitarias mostrando a la población de una ciudad transformándose en salvajes paquidermos. de Beckett y El rinoceronte. lo salvaje y la duda ante un universo inexplicable y recayeron en la metáfora poética como un medio de proyectar sus más íntimos estados. o de este último también La cantante calva. Es por ello que las imágenes del teatro absurdo tienden a asumir la calidad de la fantasía. si bien la clasificación es discutible. en el drama grotesco de Alfred Jarry. El dramaturgo del absurdo viene a ser un investigador para el cual el orden. Antonin Artaud. Entre los principales dramaturgos del teatro del absurdo se cuentan Alfred Jarry. Algunas obras representativas son: Esperando a Godot. El dramaturgo del absurdo desmantelará el viejo universo cartesiano y su manifestación escénica. Arthur Adamov. Jean Genet. Una de las fuentes teóricas más potentes del teatro del absurdo fue El teatro y su doble. Esslin consideró que estos dramaturgos daban expresión artística a la filosofía del absurdo de Albert Camus que . Eugène Ionesco. Harold Pinter y Slawomir Mrozek.

desde un enfoque global. hasta las relacionadas con los talleres de escritura. Teatro existencialista El teatro existencialista nació a mitades del siglo XX en Francia. Teatro en la educación El teatro en el ámbito de la educación forma parte de pedagógicas utilizadas para desarrollar las capacidades de comunicación de los alumnos centrándose no sólo en las lingüísticas de leer. la responsabilidad que conlleva la capacidad de elegir de los seres racionales dejando a un lado las divinidades. el fomento de la creatividad.indica que la vida es inherentemente absurda y tal es su sentido. . el arte dramático y otras. hasta las modernas técnicas de dramatización que contemplan la enseñanza como un todo. la didáctica de las lenguas. Surgió con las obras del filósofo Jean Paul Sartre. inspiradas en sus doctrinas filosóficas. escuchar o hablar sino. Camus. sobre habilidad de comunicar. así como el objetivo de los humanos. la expresión artística o la educación emocional. En palabras de Esslin. las técnicas expresión y habilidades todo. el mundo debe ser visto como absurdo. Sin embargo. escribir. en la Como recurso didáctico ha sido utilizado en todas las épocas y situaciones. el mayor representante del existencialismo. tratan diferentes puntos de vista sobre la creación del hombre en cuanto a su naturaleza. en particular. la animación lectora. Para delimitar bien todas las facetas de la enseñanza del teatro en la educación se deberían abordar. en las cuales teoría y práctica se retroalimentan y se contemplan tanto los aspectos cognitivos de la formación como los aspectos afectivos. decía que la humanidad tenía que resignarse a reconocer que una explicación completamente racional del universo estaba más allá de su alcance. Sus obras. Y lo que es más importante. áreas de conocimiento que van desde la teoría literaria. tener en cuenta los aspectos metodológicos que ayudan el desarrollo de la capacidad de interrelación de todas estas formas de expresión por medio de la interdisciplinariedad. psicomotores. en ese sentido. la expresión corporal. su existencia. artísticos y sociales. también es denominado como el teatro del compromiso social. la semiótica teatral. perceptivos. el teatro no se puede reducir en la escuela a un mero instrumento didáctico. Desde los diálogos teatrales creados ex professo por el humanista Juan Luis Vives para la enseñanza del latín a los universitarios durante el Renacimiento. "Es una modalidad dramática que se rige por los principios existencialistas expresados en términos absurdos".

El teatro existencialista criticaba la situación contemporánea. a Brecht no le gustaba el espectáculo vacío. pero donde Stanislavski intentó copiar el comportamiento real humano a través de técnicas de actuación para sumergir al público en el mundo de la obra. El público debería siempre ser consciente de que está viendo una obra de teatro. consiste en que el existencialista propone soluciones a los problemas y el teatro del absurdo prefiere presentar los problemas y dejarlos al juicio del público. para posteriormente alentar al público sobre acciones. Más tarde Brecht preferiría el término de Teatro dialéctico para enfatizar el elemento de la argumentación y la discusión. la diferencia entre estos 2. sino representar los lados opuestos de un argumento. Los personajes no deben imitar a las personas reales. Al centrarse el Teatro Épico en lo político y social. de arquetipos o estereotipos. refleja una realidad interna y una preocupación extrema por la técnica utilizada para expresar diferentes situaciones y sentimientos. dejando a un lado el tema en si. igual que el teatro del absurdo. pobreza. los argumentos manipulativos y la elevada emoción del melodrama. Brecht buscó otra forma de escapismo. Este género se enfocaba en la crítica. Es lo contrario de la suspensión de la incredulidad. Como Stanislavski. que cambiasen el ambiente criticado. En el Teatro Épico se asume que el propósito de la obra. Este teatro se diferencia de los demás de su momento por centrarse en el tema del individuo y la circunstancia que lo rodea. desarrollando y popularizando el estilo. más que el entretenimiento o el mimetizar la realidad. era presentar ideas e invitar al público a hacer juicios acerca de ellas. también conocido como el Teatro de la Alienación o Teatro de Política. . violencia entre otros. En conclusión. En general fue una reacción contra otras formas populares de teatro. Teatro Épico El Teatro Épico (alemán: Episches Theater). Como los demás movimientos teatrales nacidos en esta época. el teatro existencialista fue el movimiento teatral con mayor preocupación sobre los temas actuales así como la situación de la humanidad de la época.Además de Sartre. Brecht describió este ideal como Verfremdungseffekt (Efecto de extrañamiento o alienación). intrínsecamente ligado al director alemán Bertolt Brecht. Brecht los unificó. y debería permanecer a una distancia emocional de la acción. es un tipo de teatro que surgió a principios del siglo XX. se produce un alejamiento de las teorías radicales de Antonin Artaud quien buscaba afectar al público en un nivel absolutamente irracional. Aunque muchos de los conceptos relacionados con el Teatro Épico habían existido durante años o incluso siglos. en particular contra el drama realista cuyo pionero era Konstantin Stanislavski. los cuales suelen ser problemas actuales y de toda una sociedad como los son conflictos tales como guerras.Aparte de esto Brecht introdujo la técnica de distanciamiento. conflictos entre países. también cultivó este tipo de teatro Albert Camus y algunas obras de Anuillh guardan semejanzas con las existencialistas.

aunque el actor permaneció completamente calmado durante toda la obra. plantea que se debe golpear sentimientos primarios del espectador mediante escenas violentas y chocantes para . La actuación en el Teatro Épico necesita que los actores interpreten sus personajes de manera convincente sin. Los actores a menudo interpelan directamente al público sin estar interpretando su personaje (romper la cuarta pared) e interpretan múltiples papeles. anuncios o carteles que interrumpen y resumen la acción. por lo que incorporaba música y canciones en sus obras. Por ejemplo. en el cual se explotan al máximo sus posibilidades físicas y visuales. expuestas en su libro El teatro y su doble (1938). inspirado en las ideas del escritor francés Antonin Artaud. y todo el mundo en la audiencia supo que el personaje estaba asustado. y música que entra. Brecht usaba la comedia para distanciar a su público de los hechos emocionales o serios y se vio muy influenciado por los musicales y los intérpretes de feria. Estas vagas ideas han dado lugar a numerosas propuestas muy diferentes entre sí. que la obra lo marque. el actor se distancia de la obra y por lo tanto evita cualquier emocionalidad excesiva. Algunas tendencias interpretan el teatro de la crueldad como una obra que toque las fibras íntimas del público por el mero deslumbramiento y ritualización del espectáculo teatral. por el contrario. más radical. La base en la que se inspira este movimiento teatral es la de sorprender e impresionar a los espectadores. de manera irónica. pero en su lugar fui de compras". Brecht se basó en el teatro chino: notó que el actor Mei Lan Fang interpretó una escena que requería que su personaje estuviera asustado tan sólo poniendo un mechón de su pelo en su boca. mediante situaciones impactantes e inesperadas. en conflicto con el efecto emocional esperado. un personaje puede decir: "Podría haberme quedado en casa. Otra tendencia. convencer ni a la audiencia ni a ellos mismos de que son en realidad los personajes que interpretan. Teatro de la crueldad Teatro de la crueldad es un movimiento teatral muy heterogéneo.También se contrapone al Teatro aristotélico en el que el espectador debía identificarse con el personaje (catarsis). Un término acuñado por Brecht es el Gestus: una actitud física o un gesto que representa la condición del personaje independientemente del texto. Con esto se pretende dejar una huella en el espectador. Con un Gestus que claramente defina la actitud del personaje. Brecht pensaba que era importante que las opciones de los personajes fueran evidentes e intentó desarrollar un estilo de actuación en el cual era evidente que los personajes elegían una opción en lugar de otra. Técnicas Eran técnicas de producción comunes en el Teatro Épico la inclusión de escenarios irreales por su simplificación.

en un acto. y los madrileños Ramón de la Cruz y Sebastián Vázquez. Martin McDonagh. Entremés Se conoce como entremés (o paso) a una pieza dramática jocosa y de un solo acto. conocida en inglés como "in your face" -en tu cara. que solía representarse durante el Siglo de Oro español. Posteriormente en el Río de la Plata. enlazado con la siguiente acotación: "Mientras vuelve el ciego pasa un entremés entre un procurador y un litigante". se dice: . cuya denominación se aplicó en España a cualquier tipo de representación teatral. XIX y XX. David Mamet. Así se usa en el Entremés de la Representación de la historia evangélica de san Juan de Sebastián de Horozco.captar su atención (un claro exponente de esta tendencia. En el prólogo de la Comedia de Sepúlveda. Fernando Arrabal. El Living Theatre de New York. como "manjar entre dos platos principales". Sustituye al entremés en el siglo XVIII. y revitalizaron el género en el siglo XX Carlos Arniches con su colección de sainetes Del Madrid castizo y los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero. En Europa. entre la primera y segunda jornada de una obra mayor. Esta aplicación extrema de las ideas de Artaud ha ocasionado polémicas sobre el valor estético de la tendencia (que se considera que desvirtúa la idea original). de carácter popular. de 1547. A finales del siglo XIX fue materia frecuente del llamado género chico y del teatro por horas. en una acepción gastronómica. por las desconcertantes acciones de algunos de sus personajes. y normalmente. Su uso actual se generaliza en el siglo XVI alternando con el más común de paso. Posteriormente será llamado sainete. protagonizada por personajes de clases populares. Evolución y estilo El término entremés procede del catalán y está documentado en el siglo XV como una especie de pantomima representada en banquetes cortesanos y. un pleito cómico situado al final del primer cuadro del mismo.es el británico Martin McDonagh. Armando Discépolo introducirá un giro sombrío y dramático en este género transformándolo en el "Grotesco Criollo". Alejandro Jodorowsky y en menor medida. Entre los más importantes autores influidos por el teatro de la crueldad están: Peter Weiss. a fines del siglo XVI y durante el siglo XVII y XVIII hasta su prohibición en 1780. ya que un público traumatizado se preocupa más por el golpe emocional que por la trama misma. Sainete Un sainete es una pieza dramática jocosa. es decir. célebre por sus obras de atroz violencia y sadismo). con autores especializados como Tomás Luceño y Javier de Burgos. su equivalente es la farsa. Entre los principales cultivadores de este subgénero cómico en el siglo XVIII se encuentran los gaditanos Luis Moncín y Juan Ignacio González del Castillo. Harold Pinter. que se representaba como intermedio de una función o al final.

a manera de descanso o interludio cómico. este ingenio llegó incluso a crear un subgénero entremesil. que no tienen cuerpo en el sujeto de ella. Así era en el caso de algunas obras de Gil Vicente o Garci Sánchez de Badajoz. en su obra El viaje entretenido (1603). por otra parte. Al principio se escribía indistintamente en prosa o verso. Se ve pues en la denominación de paso era sinónima del algo más gastronómico entremés. de forma que una comedia buena con un mal entremés fracasaba irremediablemente. y otros dos personajes populares. un pregonero. escribió el primer entremés exento. Había actores especializados en este género. recuperó su función subsidiaria y lo definía como un "alivio cómico" protagonizado por personajes populares "porque entremés de reyes no se ha visto". Lope de Vega. como Cosme Pérez. Éste empezó a definirse con los Pasos de Lope de Rueda en el siglo XVI. Juan de Timoneda cita la palabra entremés precisamente en una de sus obras más conocidas. la colección dramática La Turiana. porque iban entre medias De la farsa. en su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609). diferente del ya mencionado. Agustín de Rojas Villandrando. par ser representado en un convento de monjas el día de San Juan Evangelista. junto a los pasos de Lope de Rueda tenidos por antecedente del entremés.No os puede dar gusto el sujeto así desnudo de aquella gracia con que el proceso del suele ornar los recitantes y otros muchos entremeses que intervienen por ornamento de la comedia. protagonizado por un fraile rezador y visitador de burdeles. un buñolero y un villano bobo y procaz. El mismo Timoneda en El deleitoso (1567) dice: "Venid alegremente al Deleitoso / hallarlo heis repleto y caudaloso / de pasos y entremeses muy facetos". pero una comedia mala con un buen entremés podía mantenerse en cartel y ser un éxito (los éxitos teatrales del Siglo de Oro no pasaban por lo general de una semana). que intercambian insultos. más conocido por su sobrenombre de Juan . Un entremés venía a venderse por el triple de lo que costaba una loa y tenía una importancia capital en un programa teatral del siglo XVII. era pues una acción no exenta de la principal. golpes y manteos en clara manifestación del carácter carnavalesco del género. En sus principios. la tonadilla. los llamaron Entremeses de comedias Desde que Luis Quiñones de Benavente (1600-1650) configuró definitivamente el género en el siglo XVII. sin embargo. en la cual se contienen diversas comedias y farsas muy elegantes y graciosas con muchos entremeses y pasos apacibles (1565). escribió: Y entre los pasos de veras Mezclados otros de risa Que. acabó escribiéndose en versos e incorporando a veces números cantados que darían lugar a un género posterior. el llamado entremés cantado. Sebastián de Horozco. y lo tenía por arquetipo de la comedia antigua que él había venido a renovar con su comedia nueva.

Algunos de los autores más importantes de esta etapa son Jerónimo de Cáncer y Agustín Moreto. Nacimiento. Se renueva con nuevos tipos: el petimetre afrancesado. desde la segunda mitad del XVI a mediados del XVII. La pérdida de su vitalidad se compensa con esa dicha vistosidad y carga paródica. seguidos por otros asiduos cultivadores del género que escribieron en esta época: Alonso de Castillo Solórzano. en la posguerra Max Aub. Abarca íntegra la segunda mitad del XVII y empieza a desarrollarse el costumbrismo. 2. en 1778. situado entre el segundo y tercer acto. era esta una oposición que se añadía a la de la Iglesia. por otra parte. Época de esplendor del entremés. el castizo majo y el abate presuntuoso. reúnen gran vistosidad porque son destinados a Palacio y empiezan a aparecer elementos paródicos que vienen en último término de la llamada Comedia burlesca. temas y modelos y. Todavía. Recuperación y reivindicación. 4. Lauro Olmo y otros muchos. Recuperaron fundamentalmente el espíritu del entremés y algunas de sus características morfológicas: Valle-Inclán. Carlos Arniches. produce el entremés algunas figuras interesantes como Francisco de Castro. 5. pero es sustituido por el sainete. Fueron en primer lugar los autores del teatro por horas. Son los autores más originales Miguel de Cervantes. Juan de la Hoz y Mota. En este nuevo género. era este una pieza de carácter más extenso y menos lírico. 3.Rana. una auténtica celebridad en su época y para quien escribieron gustosos los ingenios cortesanos no menos de cincuenta piezas. los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero. Algunos entremeses. Época de gran popularidad de los entremeses y de una abundante y prolífica producción de los mismos. cuando los teóricos de la Ilustración lo prohibieron por su vulgaridad y chabacanería. sin embargo. formación y consolidación definitiva. Alonso Jerónimo de Salas Barbadillo. y a fines del siglo XVIII. destacaron el gaditano Juan Ignacio González del Castillo y el madrileño Ramón de la Cruz. Antonio Hurtado de Mendoza. Entran en esta etapa autores de entremeses primitivos como Lope de Rueda y Juan de Timoneda. en su momento final. etcétera. Manuel de León Marchante. existe sin embargo repetición de algunos esquemas. Fase de decadencia del entremés. La evolución del entremés se repartió a lo largo de cuatro etapas: • 1. ajenas al idealismo estético del Neoclasicismo. incluye los fines del siglo XVII y el siglo XVIII en que acaba por desaparecer de la escena. Antonio de Zamora. A fines del siglo XIX y principios del XX algunos autores reivindicaron la tradición farsesca del entremés. • • • • . con un argumento más desarrollado y sin apenas números cantados. Luis Vélez de Guevara y otros muchos. Luis Quiñones de Benavente y Francisco de Quevedo. pero no por motivos morales. el comienzo de la decadencia con el agotamiento de las ideas. etcétera en la preguerra.

los alcaldes rurales. y solía ser un amante ridículo. en ocasiones en ligera o discreta disputa con él. Y eso supuso atraer las primeras críticas de los clérigos regulares y seculares. Menos respetado y más maltratado es el letrado. camorristas o gorrones. presunción y vanagloria y se incorporaban a la sociedad organizada sin hallar hueco a su talante aventurero. la jácara. tomando frecuentemente carácter satírico.El entremés formaba la parte más importante y sustancial del llamado teatro menor. El opuesto al soldado y su rival era el sacristán. tipos) del entremés el bobo o simple. Sus personajes tenían un carácter popular y la temática derivaba frecuentemente hacia el costumbrismo. caricaturizados por sus sordos oídos y ciegos ojos ante la gente del hampa que los soborna. que cita importunamente medicinas y recetas en sus argumentos amatorios. la milicia era también criticada. los alguaciles. el gran Juan Rana. el baile entremesado etcétera. muchos de ellos volvían al cabo de años cargados de heridas. reflejando de forma realista algunos temas que no podían aparecer en la pieza mayor. porque a ella iban a parar los segundones y aquellos que. la mojiganga. con su costumbrismo. aconsejándole lo que debe hacer. además. se les caracteriza como ávidos de dinero y de confuso y culto lenguaje. el baile. entre los cargos públicos. y que en el entremés ejerce muchas veces el papel de alcalde de pueblo o criado. El boticario era personaje menos popular. mejor que personajes. buscaban mejor manera de ganarse su sustento. por no poderse adaptar al método y rigor del trabajo manual. el erudito padre Martín Sarmiento afirmó en su Declamación contra los abusos de la lengua castellana (Madrid. terminando muchos de ellos como fanfarrones. 1795): "Nunca supe lo que era la lengua castellana hasta que leí entremeses". surgido de la fusión de la nobleza con la burguesía. acusado de envenenar y hacer morir a la gente como el médico. caracterizados por su palurdez y paletez y muchas veces identificado con el bobo e incluso con un actor cómico característico. el vocabulario de la vida cotidiana del país. que tenía más posibilidades económicas que él y más aceptado por las mujeres. siempre a lomos de una mula para darse tono. malicioso aunque suele ser víctima de los engaños ajenos. integrado también por otros géneros como la loa. el fin de fiesta. El escribano era popular y no entre los más agudamente zaheridos. que no las tenían todas consigo en cuestión de espectáculos que consideraban inmorales o incentivadores del pecado. y recogía todo tipo de tecnicismos relacionados con los oficios populares y. tras el bobo. Por otra parte su lenguaje era mucho más realista y vivo que el de la comedia y prescindía de los alambicamientos retóricos y metafóricos de está siendo más directa y fresca. y aparece repetidas veces al lado del alcalde simplón e ignorante como su contrapunto. rival en amores del sacristán y casi siempre desairado en ellos. cuantioso producto de las universidades que ofrecían escapatoria a los hijos de la baja nobleza y de la burguesía y que podían siempre . El entremés se convirtió en una especie de desfile de tipos sociales populares o representativos de distintos oficios. o también aquellos que huían de cumplir algún castigo o condena. El médico es figura muy atacada en el entremés a causa de sus pobres medios de curación. es el personaje más frecuente. la milicia ofrecía los tipos del soldado pobre sin oficio y huésped triste de los figones. Personajes Eran habituales personajes (o.

aunque no siempre. gorrones. que heredó todo lo que de ridículo se había echado encima al pobre hidalgo y responde a un contacto menos vivo con la realidad social. Los criados aparecen frecuentemente. la apariencia de rudos y atontados en contraposición con el mismo tipo de la comedia. en los entremeses son presentados como trampolicantes burlones y auténticos genios de la picardía. campesinos y viajeros a la corte. alegres y tunos y proporcionaron a la comedia. amoladores. como lo fuera en la novela picaresca: pobre en el fondo. En cuanto al hidalgo es de menguado buen trato en el entremés. El poeta es tan pobre como el hidalgo y es caracterizado por su manía de reducirlo todo a verso. Es sin duda el tipo más deformado. los negros . más cobardes que aquellos. modismos y frases particulares. riñas nocturnas. duelos. a la novela picaresca y a la novela cortesana numerosos episodios y caracteres a la par que enriquecieron el idioma con giros. gente del hampa. presentan. o como rateros ellos mismos. que siempre es inteligente y comedido. fanfarroneando opulencia. mendigos. buhoneros y castradores. eran mirados con desprecio por el pueblo. sin apenas avariantes. Los hombres aparecen con una impronta de profesión u oficio. es un campesino o un ciudadano que se guarnece de la siempre veleidosa mujer que le ha tocado quitar el sueño. pero a veces también con un rasgo de carácter dominante: avaros. Los mesoneros protagonizan un particular mundo de andariegos soldados. los flamencos eran más raros. a fines del XVII y en el siglo XVIII desaparece y es sustituido por el vizconde. caballos blancos que desplumar y siempre avaros. y víctima de un concepto decadente y deformado de lo que había sido una gloriosa clase social. son como el guapo de la obra y los romances vulgares. celoso o embebido en las manías de su mujer. Los pajes entremesiles suscitan la risa con su hambre y glotonería sempiterna y con sus embustes y burlas. Aunque encarnaban la aristocracia intelectual del país. son muchachos de ingenua torpeza y aguda picardía. De peor catadura eran los venteros. timados o estafados. casamenteros o valientes o bravucones que se confunden ya en el XVIII con el militar mismo y se arrugan siempre cuando llega el momento de demostrarlo. En la corte se mezclaban además genes de todo pelaje y la más diversa condición: los franceses eran frecuentes en los oficios de caldereros. cartujo. parlanchines. El marido ofrecía amplio campo al entremés en sus facetas de cornudo. digno de conmiseración más que de risa. altaneros y dados a cantar. siempre enamorados y enamoradizos. disputas con compañeros y bromas estudiantiles fuera de las horas de estudio. burlado. los indianos eran siempre ricos inocentes. están en concordia y buena amistad con las gentes de mal vivir. bravucones. los portugueses. más ladrones y de perversas y torcidas intenciones las más veces.incorporarse al estado clerical sin más estudios que los proporcionados por las universidades. Los estudiantes no aparecen favorecidos: siempre se hallan envueltos en aventuras de amor. Eran pendencieros. aunque sus intervenciones no son principales. aparecen de dos maneras: como pobres víctimas de los huéspedes.

También tienen lugar en el cosmos del entremés la mujer redicha. Vicente Suárez de Deza. incluidas las afueras del corral de comedias. vicio y artes. o con alguna gitanilla graciosa. Alonso Jerónimo de Salas Barbadillo. en los bailes. danzas y coplas. La fregona es otro tipo femenino frecuente. que se impone por su sensualidad o que es llevada a la vida alegre por la avaricia. eran busconas de calle que pululaban por las diversiones populares. como los negros. o la suelta que iba a todas partes. siempre a cuentas con su hidalguía y anticuados y risibles valores de figurón. Por debajo de todo este mundo estaba el de la germanía. pertenecía a cualquier clase social. la mujer prudente (apenas representada). el burdel era el centro de operaciones. salen solamente cuando hay que bailar o en la cárcel. su psicología mezcla la picardía. de origen campesino y burdas y primitivas maneras.seseantes y de lenguaje tenebroso salen casi siempre. Antonio Hurtado de Mendoza. Autores Los más originales creadores de entremeses son Miguel de Cervantes. Francisco de Quevedo y Luis Quiñones de Benavente. la mala intención y el mercantilismo de la devoción con la buena fe y a veces la ingenuidad. Jerónimo de Cáncer. condenado a galeras o haber estado en el saco o trullo. siempre mascullando la oración oportuna al caso y en pugna con los otros colegas del oficio que le ocupan un puesto de más negocio. Sebastián Rodríguez de Villaviciosa. Todos ellos son ampliamente caracterizados por su lenguaje de sonidos mal articulados o vocablos mal interpretados. la celosa. la hechicera. Destacaron también Luis Vélez de Guevara. la gitana graciosa. Se les caracteriza por su ingenioso lenguaje y facultad de animar el cotarro con su ingenio chispeante y despejo y desenvoltura. En su fase final tanto unas como otras van a dar en celestinas o alcahuetas. cuando no son personajes. la embaucadora. Alonso de Castillo Solórzano. . La mujer se daba en dos tipos: la recogida en los ambientes honestos del hogar y la familia y sumisa y bondadosa en un ambiente de valores tradicionales. para ser de la germanía hacía falta haber sido azotado alguna vez públicamente. los gitanos. los gallegos son caracterizados por su servilismo y avaricia. Pedro Calderón de la Barca. los montañeses. la graciosa. mundo de la delincuencia y el hampa sórdido. De antigua raigambre es el personaje del ciego o coplero. La buscona era zaherida por su avaricia. Francisco Bernardo de Quirós. si no. Si eran de alta clase social y tenían clientela urbana y de estado noble o distinguido eran cortesanas. misterioso y alucinante que comprendía otro lenguaje en jerigonza. La beata hipócrita es también blanco de sátira más o menos directa.

al constructivismo. espacio. El performance está ligado a los happenings. la poesía visual y otras contemporáneo. que tiene dos acepciones básicas en castellano: Jacques L. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara. biólogo francés y Premio Nobel. • El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo. a ejecución conseguida. La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar.Agustín Moreto. Algunos llaman a tales o muy similares a la performance): intervenciones y manoeuvres. Performance El término performance es un anglicismo -palabra (voz) inglesaevitable. Monod. al dadaísmo y al surrealismo. la expresiones del arte expresiones (idénticas live art. la acción poética. Antonio de Zamora y Francisco de Castro. heredero del arte conceptual. al movimiento artístico fluxus events y al body art. Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo. • • • . Creadores ligados al futurismo. Francisco Bances Candamo. el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. la palabra "Performance" se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa “performance art” que se refiere al arte en vivo. action art. utiliza el término performance en un sentido próximo a logro. con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. No obstante. iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración. La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX. La palabra "performance" comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. El performance se opone a la pintura o la escultura. en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. ya que n o es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística. realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. La performance tiene parentesco con intermedia. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta.

efímero. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos. Manifestación artística. El happening en cuanto manifestación artística es de muy diversa índole. La propuesta original del happening j que es difícil una real improvisación. surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Historia Se considera como el primer happening propiamente dicho a la obra Theater piece Nº1 realizada en 1952 por John Cage en el Black Mountain College. suele ser no permanente. como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad.que siempre busca redefinír sus formas y maneras-. suceso). frecuentemente multidisciplinaria. ya que busca una participación espontánea del público. Jack Kerouac refiriéndose a Kaprow le llamó el hombre Happening al observar la obra 18 Happenings in 6 parts (1959). desde entonces tal forma artística y tal denominación fue adoptada en otros países. Aunque el happening surge en Estados Unidos durante los 1950s y tuvo su apogeo durante los “alegres” 1960 con estéticas próximas al . por la imprevisibilidad.• El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación. que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance. En el arte contemporáneo. ocurrencia. tal tipo de obra fue explicada por el propio John Cage como eventos teatrales y sin trama. nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte. aunque fue Allan Kaprow (alumno de Cage) quien en abril de 1957 durante un Picnic artístico en la granja de George Segal uso la palabra happening para describir las improvisaciones que se representaban. la literatura o la cultura. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda. Happening Happening (de la palabra inglesa que significa evento. En enero de 1958 la frase acuñada por Kaprow es generalizada por la revista estudiantil de la Rutgers University Antologist.

Al Hansen. Robert Rauschenberg. Su autor las denominó acciones espectáculo. Europa y Japón. se encuentran claros precedentes del mismo en ciertas expresiones artísticas vanguardistas de “los años locos” ( los años 1920). Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978) Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos. las primeras obras de happening fueron escritas en catalán por el poeta Joan Brossa en 1946. entretenido y sin pretensiones. Alejandro Jodorowsky. Marta Minujin. muchas de ellas vinculadas al surrealismo y. si la intención planteada teóricamente y en sus orígenes es la de la participación activa de los espectadores para librarles de la masificación. Wolf Vostell y Robert Whitman. Crítica El happening ha pasado a tener un carácter paradojal. Tristan Tzara entre otros. tratar temas triviales. Youri Messen-Jaschin. Roy Lichtenstein. Joseph Beuys. en efecto. Jim Dine. es decir mucho antes de que Kaprow acuñara el término. . En España. entre 1964 y 1960 los probos improvisaban verdaderos happenings en las plazas de Amsterdam. George Brecht. Yoko Ono. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. Bazon Brock. Principales referentes Además de Cage y de Kaprow se consideran como principales realizadores de happenings a : Tadeusz Kantor. Red Grooms. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. muchos de los "happenings" terminan siendo un espectáculo más de la llamada cultura de masas. Claes Oldenburg.llamado pop-art y a las del movimiento hippie. sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional" (George Maciunas) Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. suele verse actualmente en los "happenings" un resultado completamente opuesto al enunciado. sobre todo al dadaísmo siendo claros antecedentes las exhibiciones no convencionales realizadas en el Cabaret Voltaire por Richard Huelsenbeck. Fluxus "Fluxus-arte-diversión debe ser simple.

en Estados Unidos. De cierta manera Fluxus nunca existió. Body art El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual. Se trabaja con el cuerpo como material plástico. de gran relevancia en los años 1960 en Europa y. Bruce Naumann. pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. luego no hay razón para que termine". no sabemos cuándo nació. se calca. se cubre. Como Dadá. inmediata y urgente a la realidad cotidiana. Suele realizarse a modo de acción o performance. Vito Acconci. es "antes que todo un estado del espíritu. El lenguaje no es el fin. de expresar y de elegir.. un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar.Fluxus. entendido como “arte total“. se retuerce. no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística. Yves Klein.. Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. . sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico. e invierte la propuesta de Duchamp. el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. se pinta. con una documentación fotográfica o video gráfica posterior. Según Filiou. quien a partir del Ready Made. se ensucia. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano. introdujo lo cotidiano en el arte. es decir. Asimismo Filiou opone el Fluxus al arte conceptual por su referencia directa. sino el medio para una noción renovada del arte. que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage. Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento. en especial.

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