TIPOS DE TEATRO ACTUACION Se conoce como actuación al proceso de investigación personal que hace el actor para descubrir a un futuro

personaje a representar. Dicho proceso comienza desde una interiorización para conocer el principio de dicho personaje y traerlo desde lo más profundo y transformarlo en un personaje integrado. La actuación es descrita como acciones hechas por un personaje dentro de la escena teatral. Aunque dichas acciones son auténticas, deberían por lo menos estar cargadas de una intención que permita que el observador se estimule y logre recibir el mensaje en su totalidad. Un actor es una persona que interpreta a un personaje en cine, televisión, teatro o radio. En ópera la actuación se consideraba más importante que el canto. En el momento actual se está llegando a un lógico mismo nivel de importancia entre actuación y canto, por lo que muchos directores de escena llaman también actores a los cantantes de ópera. La mujer dedicada a esta actividad se le llama actriz, en lugar de actor. Historia Recientes investigaciones han llegado a la conclusión de que las primeras manifestaciones del canto de la actuación surgen en Egipto, cuando se realizaban ritos en que los sacerdotes encarnaban a los dioses para explicar al pueblo el significado de sus enseñanzas y órdenes. El primer actor del que se tiene conocimiento escrito fue el griego Tespo, que actuó en el Teatro Dionisio en el año 534 a. C. En el escenario, Tespo habló en primera persona, interpretando de esta manera a un personaje. Hasta entonces ya se habían narrado historias ante una audiencia, pero siempre en tercera persona y, además, de forma cantada. La profesionalización de la actuación se inició en Europa en el siglo XVI; en Italia, con las primeras compañías profesionales de Comedia dell'Arte; en Inglaterra, con las compañías protegidas por la nobleza en tiempos de la reina Isabel (como la Lord Chamberlain's Men, la compañía de Shakespeare, que luego pasó a llamarse King's Men); en Francia, con la Comédie Française. Hasta el siglo XVII los actores sólo podían ser hombres. Se consideraba algo de mal gusto que una mujer actuase en un escenario. Así, en la época de Shakespeare los papeles femeninos eran interpretados por hombres o por muchachos jóvenes. Fue en los teatros de Venecia donde se produjo el cambio que permitió a las mujeres realizar interpretaciones teatrales.

COMEDIA La comedia es un género dramático que se caracteriza porque sus personajes protagonistas se ven enfrentados a las dificultades de la vida cotidiana, movidos por sus propios defectos hacia desenlaces felices donde se hace escarnio de la debilidad humana. La comedia se origina en el mundo griego, pero se va desarrollando por el Medievo y por la edad moderna, hasta llegar a nuestros días. Como los demás géneros dramáticos, dramática del personaje protagonista; personajes con un rol trágico en obras estos sean, por decirlo de algún modo, a la comedia lo determina la acción de ahí que no sea extraño encontrar de teatro cómicas, siempre y cuando personajes secundarios.

Como características, el personaje protagonista suele ser común y corriente y representar un arquetipo, es decir mentiroso, charlatán, fanfarrón, pícaro, enamorado, etcétera; es también inocente e inconsciente y, a diferencia de la tragedia, donde el personaje protagonista tiene un profundo sentido ético, en la comedia el personaje protagónico considera su moral como una cualidad importante; lo que lo hace ser muy vital, aunque esto es más bien un obstáculo para el personaje. Por ello, su conflicto dramático suele ser, las más de las veces, con la sociedad, además de consigo mismo, por lo que lucha por la superación de los obstáculos que le impiden realizarse consigo mismo o con esa misma sociedad. La comedia es, junto con la tragedia, una de las formas clásicas del drama griego, y uno de los tres géneros dramáticos llamados realistas. Rasgos de la comedia Conflicto: Comúnmente es generado por un vicio de carácter del protagonista. Este vicio de carácter es contrario al bienestar social de la comunidad en la que vive el protagonista. El bienestar social es relativo a la época y al lugar. El vicio de carácter del personaje protagónico lo lleva ser un transgresor de esa sociedad pues ha rebasado los límites de lo "conveniente" y por ello debe ser castigado; esto significa que el personaje vicioso es castigado socialmente, o sea, es puesto en ridículo. Protagonista: Es básicamente un personaje de baja calidad moral y que encarna algún vicio o defecto de los seres humanos (la envidia, la avaricia, la irreverencia o rebeldía, etc.) pero sumamente complejo. En el caso de Tartufo, lo que Molière, critica es la hipocresía, que se representa en este personaje, prototipo del mojigato que finge vivir valores que en verdad no

especialmente cuando se da el llamado "final trágico". Melodrama: Género que acentúa la emocionalidad de los personajes.tiene y que sólo persigue su bienestar a costa del daño que produce a los demás. Algunos teóricos del siglo XX insisten en la diferenciación categórica entre el Drama y el Teatro. la ausencia de un mediador entre el . una tendencia generalizada. un personaje vicioso que es ridiculizado. Género cinematográfico de temática seria y penosa. Un importante subgénero es el melodrama. entre los primeros quedaron inscritas la tragedia y la comedia ya existentes y. Desenlace: Es feliz para alguna de las fuerzas que se opone al protagonista o para todos. reconocidos como tales desde el Renacimiento. al drama como género literario (el texto). En tanto género literario. Existe una confusa tendencia dramática únicamente a todo lo que incluya elementos trágicos. Dramaturgia: Concepción escénica para la representación de un guión. siendo la primera la versión constituida en lo absoluto por elementos lingüísticos. pues. el texto dramático no es teatro hasta que se lleva a escena para ser visto por el público. puesto en ridículo. 2008 (UTC) DRAMA Según la definición griega clásica. según esta posición. siendo la particularidad de este la predominancia de la función apelativa del lenguaje. de lo que se considera como género literario. por un lado. --Palinuro67 (discusión) 02:19 2 sep. en los que se destacan lo trágico y lo dramático. • Para comprender mejor el término "Drama" se requiere hacer la siguiente aclaración y contextualización: Drama: Término que proviene del griego δράμα y significa "acción". formando parte entonces. Tragedia: Género griego caracterizado por escenas de gran confusión y desenlace infeliz. es decir. Posteriormente. Por ello. el drama se dividió desde sus inicios en la Grecia Antigua (donde se considera que el teatro tiene su nacimiento occidental) en Tragedia y Comedia. entre los segundos. el melodrama. que se centra en las pasiones humanas y los conflictos individuales. el drama se divide en géneros realistas y géneros simbólicos. menos para aquel que encarna el defecto que debe ser castigado. al teatro como de puesta en escena del propio texto dramático. hacer o actuar) es la forma de presentación de acciones a través de su representación por actores y por medio del diálogo. la farsa y la tragicomedia. drama (del griego δράμα. En pocas palabras.

Es decir. conmoviendo a éste. por ello. Se puede añadir la precisión. El análisis de un Drama puede ser hecho desde la crítica literaria. El drama como género cinematográfico Como género cinematográfico el drama siempre plantea conflictos entre los personajes principales de la narración fílmica provocando una respuesta emotiva en el espectador. la música. se . su posibilidad virtual de ser Teatralizado. Los problemas de los personajes están relacionados con la pasión o problemas interiores. esta en el hecho que toda forma espectacular responde a un contexto social. La mayoría de las películas promueven la moralidad como eje central y. Cuando esto último es bastante exagerado. en vez de caminar juntas. El primero en definir el melodrama fue el filósofo francés Jean-Jacques Rousseau. En este aspecto. la iluminación. etc. desde la perspectiva de la etnoescenología. (Cuadro es el cambio de escena en una obra dramática) MELODRAMA El melodrama. campo interdisciplinario que estudia los Fenómenos y Comportamientos Humanos Espectaculares Organizados (PCHSO) del Teatro que es un subgrupo dentro del conjunto de formas espectaculares organizadas. los músicos. pero su eje principal es el amor. al drama se le conoce por melodrama: En él. La temática de este tipo de películas es diversa. elementos que no le son propios al drama como realidad lingüística acotada solamente al discurso. los personajes quedan limitados al carácter simplista de buenos o malos. o de "empatía" que se construye en la relación al publico (Pradier. tienen una dimensión didáctica acusada. parecido al melólogo pero con varios personajes. pero particulares a un contexto histórico y cultural. La presencia de la música y la fotografía acentúan la credibilidad de la obra. la dramaturgia. debido a que interpela a su sensibilidad. 1996). evaluación del espectáculo. en cambio el análisis del teatro debe incluir factores como actuación. Rousseau lo definió con las siguientes palabras: "un tipo de drama donde las palabras y la música. etc. El Teatro sería la concreción del Drama que incluye el espectáculo. es una obra teatral cargada de trozos sentimentales subrayados por música. y el fenómeno de "relación simbiótica". etc. se organizan por medio de códigos que no son universales. la actuación.mundo creado o realidad ficticia y el lector. Etimológicamente el melodrama se define como teatro musical. y su manifestación espectacular por medio del teatro. La pertinencia de la evaluación de estos aspectos del teatro como forma espectacular. Se pueden distinguir tres aspectos claves dentro del análisis de una forma espectacular: la "espectacularidad" la "performatividad".

el término melodrama no se les aplica por lo general. y que esto se haga de una manera muy marcada. de un drama. atendiendo al gusto de cada persona. Algunas obras son escritas específicamente para su representación en el escenario. Actualmente la dramaturgia no sólo está relacionada con el texto teatral. el término melodrama también abarca películas que tienen una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva. pero otras son adaptadas por un profesional. o el tiempo. el trabajo del dramaturgo puede ser definido como un diseño. La dramaturgia da a la obra y a la actuación una estructura. OPERA . El dramaturgo en la pieza teatral. y donde la frase hablada es de cierta manera anunciada y preparada por la frase musical" La influencia del premio Nobel Jacinto Benavente asentó las bases del melodrama actual. llamado dramaturgo. la dramaturgia es dar forma a una historia de manera que pueda ser actuada. El melodrama está presente en la televisión como telenovela.presentan sucesivamente. de Bernardo Bertolucci. sino que está presente en toda obra escrita con el fin de poder representar una historia. Son películas dramáticas que buscan ser lo más realistas posibles. crea los personajes y conflictos que serán presentados dando la impresión de que acontecen "aquí y ahora". DRAMATURGIA Dramaturgia es el arte de composición y representación en el escenario. En cuanto a cine se refiere. Tenemos entre ellas Rompiendo las Olas de Lars von trier. Las telenovelas Hispanoamericanas y las soap operas anglosajonas son en su mayoría melodramas. Cabe notar que el cine y las series de televisión suelen utilizar a profusión la musicalización para transmitir o inducir las emociones. sino que en todo momento buscan dar un significado y connotación humana. pues tal término se ha convertido en una etiqueta despectiva. sin embargo. Persona de Ingmar Bergman y El último Tango en Paris. y tenemos a muchos realizadores de ellas. por ejemplo los guiones cinematográficos y telenovelas. Difiere de la literatura escrita común por ser más una estructuración de una historia de acuerdo con los elementos específicos del teatro. En la actualidad el término melodrama se aplica a cualquier obra actoril en formato audiovisual donde las emociones del espectador sean inducidas o favorecidas por la música. Esto no significa que no busquen experimentar con la narrativa. La pianista de Michael Haneke. Más que un escrito propiamente dicho. que con su contenido. o efectos visuales o especiales. En un sentido amplio. para las obras que intentan inducir más emoción con su musicalización y con el sentimentalismo exagerado.

está enseñado como una técnica de interpretación corporal. La pedagogía del mimo corporal permite al actor adquirir un estado mayor de autonomía. A partir de mediados del siglo XIX. por sobre el texto y la narrativa. TEATRO FISICO El teatro físico se conoce como una rama del llamado teatro contemporáneo. el mimo corporal hoy se utiliza como una herramienta en el mundo de las escuelas y de las universidades de teatro. Mimo corporal El mimo corporal o mimo dramático es un tipo de teatro físico creado por Etienne Decroux (1898 .La ópera es un drama cantado con acompañamiento instrumental que. El mimo corporal es un arte dramático del movimiento. El actor puede interpretar piezas con o sin texto. la orquesta tiene los instrumentos de una orquesta sinfónica. Existen varios géneros estrechamente relacionados con la ópera. como son el musical. En esto se diferencia de la pantomima. emociones. en ocasiones. eso es una elección estilística. Los cantantes son acompañados por una orquesta. la zarzuela y la opereta. en el cual destaca el lenguaje físico como principal motor de la dramaturgia del espectáculo teatral. El objetivo del mimo corporal dramático es de introducir el drama dentro del cuerpo.1991) y desarrollado por sus ayudantes y nuevas generaciones de profesionales. se canta en vez de ser hablada. pero con secciones de cuerda más pequeñas. arioso y aria. tríos. Sin embargo. tendencias. pueden aparecer combinadas con coro. vestuarios y actuación. predominantes en el teatro tradicional de occidente. resistencia y sorpresa. se representa en un espacio teatral ante un público. dudas.. En este medio. vacilación. y surgen formas cada vez más libres.. Por estos elementos pedagógicos. tales como escenografía. El mimo corporal dramático quiere representar lo invisible. También se cantan dúos. a diferencia del oratorio. La mayoría del tiempo. el mimo debe aplicar al movimiento físico esos principios que estén en el corazón del drama: pausa. Descripción El drama se presenta usando elementos típicos del teatro. pensamientos. la letra de la ópera (conocida como libreto). Todas éstas. peso. que es más un intento de cambiar palabras por gestos. cuartetos. . multiplicando sus posibilidades físicas e imaginativas a través del estudio de una técnica. y no una condición sine qua non del mimo corporal. La ópera tradicional basa su canto solístico en distintas modalidades de canto: recitativo. estas formas comienzan a abandonarse.

Claudio Cento y M. Un buen ejemplo de estas prácticas era la comedia del arte. apelativo que se daba al dios Dionisos. Cierto que se encuentran algunos ensayos en lengua vulgar. en cuerpo escénico no cotidiano.A pesar de esto. Sempronio. la fatalidad. desde los siglo XIII al XVI pero es indudable que la primera tragedia regular es Sofonisba. Otras veces. de aspecto grave y serio y calzando el coturno. cuya etimología deriva de la palabra griega τράγος /"trágos"/. Eurípides. las diez tragedias Tiempos modernos Entre los modernos no reapareció la tragedia hasta la época del Renacimiento y aun por traducciones o imitaciones de la antigüedad. compuesta por Trisino y representada en Roma en 1515. un ejemplo de ello es Antígona de Sófocles. es decir. social o intelectual del personaje principal. antigua manifestación físico-popular que hoy en día se vuelve a re-descubrir. Tiene en una mano cetros y a los objetos elevados o heroicos que ella trata y en la derecha un puñal ensangrentado. que es sacrificado así a esa fuerza que se le impone y contra la que se rebela con orgullo insolente o hybris. sobre todo. es considerada como la diosa o numen de la tragedia. su origen está arraigado en la Antigüedad. En . se la figura algunas veces con el Terror y la Piedad. ese le da una maza o clava para indicar la tragedia en los tiempos heroicos en los cuales estaba en uso esta arma. el sino. donde los ritos teatrales de oriente y occidente lograban la transformación del cuerpo cotidiano. Su nombre deriva del griego yo canto. TRAGEDIA La tragedia. La tragedia nació como tal en Grecia con las obras de Tespis y Frinico. En pos de ella. el hado o fatum. macho cabrío. unos ciento sesenta años después de la muerte de Sófocles y Eurípides y doscientos veinte años antes de la de Virgilio. inexpugnable e inevitable contra el universo o los dioses. las tragedias han de acabar generalmente en muerte o en la destrucción física. Las tragedias clásicas generan en el espectador la catarsis. y se consolidó con la tríada de grandes trágicos del clasicismo griego: Esquilo. moviéndose siempre hacia un desenlace fatal por una fuerza ciega. Sófocles. en Grecia. es una forma dramática cuyos personajes protagonistas se ven enfrentados de manera misteriosa. Grecia una representación teatral La primera tragedia latina la compuso Livio Andrónico y se representó en Roma en el año 54 de su fundación en tiempo del consulado de C. Aparte de los citados autores romanos. una de las nueve musas. Melpómene. También existen las tragedias de sublimación en la que el personaje principal es mostrado como un héroe que ante las adversidades se sobrepone por la fuerza de sus virtudes y el espectador termina admirándolo. Se representa ricamente vestida.

Episodios: pueden ser hasta cinco. siguiéndole después Racine que elevó a la perfección el restaurado género. Huertas. Dryden. éxodo. el poeta Jodelle. Casimir Delavigne. lo cuales son pasajes en los que el protagonista sufre. Otway. el primero en Francia. Ben Johnson. Voltaire. Entre los autores modernos que más se han distinguido en la tragedia hay que citar: • en España a Lope de Vega y Calderón de la Barca que compusieron verdadera tragedias a pesar de titularlas comedias. Schiller. Después vienen siete episodios entrelazados por cada estásimo para concluir con el éxodo. Jovellanos. es un canto de coro sin anapesto ni troqueo. los ya citados Corneille y Racine. Tamayo y Baus y Ventura de la Vega. Marlowe. En cuanto estásimo. intervención del coro que no es cantado. precede al párodo del coro. Goethe. Enschlager. en Italia. Párodos: cantos a cargo del coro durante la entrada por el párodo izquierdo presidio por un flautista. en Alemania y Austria. en Francia. Grillparzer. es la parte más importante por ser la dramática por excelencia y expresa el pensamiento e ideas del personaje. Roberto Garnier. Mairet y su ejemplo hasta que en 1635 apareció Corneille. en Dinamarca. pueden participar hasta tres actores pero sólo hablan dos y el otro está mudo o puede ser un monólogo. Martínez de la Rosa. Se le informa al espectador el por qué del castigo que va a recibir el héroe y en esta parte no interviene el coro. Las características generales son: se da la ubicación temporaria y se une el pasado del héroe con el presente. se utiliza el dialecto ático (más adecuado a los cantos corales debido a su musicalidad). Prólogo: Según Aristóteles es lo que antecede a la entrada del coro. Cienfuegos. hizo representar la tragedia de su invención Cleopatra cautiva. en Inglaterra. También a Quintana. Hardy Durier. Lemercier. • • • • • Partes de la tragedia griega Aristóteles en su Poética señala que las partes de la tragedia se dividen en prólogo. El prólogo. . 2. Addison. 3. Shakespeare. con su primera tragedia Medea. Alfieri y D'Annunzio. Metastasio. además de Crebillon. se dan danzas de avance y retroceso. episodio. En estas parte se realiza un canto lírico. Dentro de los episodios se pueden encontrar los agones. hay diálogo entre el coro y los personajes o entre personajes. y la parte del coro que se divide a la vez en párodo y estásimo.1552. 1.

y La . el drama satírico o la tragicomedia suele tratar un tema legendario. En realidad los estudiosos extienden generalmente la era isabelina hasta incluir el reinado de Jacobo I († 1625). escritas para celebrar el ascenso al trono del soberano. Estásimo: es la parte lírica-dramática donde el autor expresa sus ideas políticas. etc. las antiestrofas eran dichas por Corifeo (un representante del coro) 5. Estos mismos pueden estar divididos en estrofas y antiestrofas. también se le denomina como género psicológico. Los episodios son siempre separados por los estásimos. Macbeth (1606. hay de tres a cinco. hay cantos líricos y dramáticos. es la segunda entrada del coro y en esta parte no danza. sufriendo el pathos y muchas veces convirtiéndose en el pharmakon (el remedio para el mal). aunque en la tragedia griega antigua. filosóficas.4. Los dioses no intervienen en la vida de los hombres y puede haber más de una acción al mismo tiempo. por el coro. Carlos I. e incluso más allá. las cuales son siempre pronunciadas por el coro. homenaje a la dinastía Estuardo). y se asocia tradicionalmente a la figura de William Shakespeare (1564-1616).1 TRAGICOMEDIA Es una obra dramática en la que se mezclan los elementos trágicos y cómicos: También se le conoce como pieza. Shakespeare le dedica a Jacobo I algunas de sus obras principales. porque se parece a dicho término. como Otelo (1604). Es aquí donde aparece la enseñanza moral. aunque con efectos cómicos protagonizados. Se encuentra a medio camino entre la tragedia y la comedia: no se evitan las situaciones cómicas. generalmente en estos están sintetizados las características de una clase social. el héroe reconoce su error y es castigado (a veces con la muerte) por los dioses. Éxodo: es la parte final de la tragedia. incluyendo el de su sucesor. hablándose entonces de "teatro jacobino". El rey Lear (1605). El éxodo como los estásimos son siempre dichos por el coro o Corifeo.. religiosas. El hecho de que se prolongue más allá del reinado de Isabel I hace que el drama escrito entre la Reforma y la clausura de los teatros en 1642 se denomine Teatro renacentista inglés. En la Grecia clásica. hasta la clausura de los teatros en el año 1642 a causa de la llegada de la Guerra civil ("teatro carolino"). fundamentalmente. TEATRO ISABELINO El teatro isabelino (1558-1625) es una denominación que se refiere a las obras dramáticas escritas e interpretadas durante el reinado de Isabel I de Inglaterra (1533-1603). pero tampoco el desenlace trágico.

con éxito semejante al del "cine dentro del cine". como por el efecto del claroscuro. en la que el joven heredero al trono de Dinamarca contrata a un grupo de actores itinerantes para representar frente a los ojos de Claudio. para darle la vuelta al personaje mismo que está recitando. El bufón de El rey Lear. mostrando un fuerte acento manierista y Barroco en sus elaboraciones más tardías. . La tempestad tiene mucho de tragicomedia. LA TRAGICOMEDIA Y LO NOVELESCO Un drama muy ligado a los efectos escénicos y que se apodera de las emociones más violentas se asocia entonces a las pasiones del amor más morboso: el cuadro antiguo pintado con mano sutil es restaurado con trazos tan gruesos que casi ocultan el toque del artista. que incluye entre otros una "mascarada". la profundidad de la exploración filosófica le confieren mayor aliento. El período isabelino no coincide cronológicamente en su totalidad con el Renacimiento europeo y menos aún con el italiano. un drama que reconstruye el presunto asesinato. dejando la corte. proporcionaban el alivio cómico al público haciendo resaltar. La mezcla de géneros propia del renacimiento inglés fue también experimentada por los isabelinos. fusión de comedia y tragedia. la tragedia personal de Lear y la nacional de Inglaterra rota por la guerra civil. anticipando el distanciamiento irónico del teatro de Bertolt Brecht. Se ha visto en la mascarada de La tempestad. del que sospecha que ha asesinado a su padre. juntando lo trágico. pero el ejemplo más emblemático es el de Hamlet. Para esta clase de actores el dramaturgo isabelino inventa el teatro dentro del teatro. lo cómico y lo novelesco.tempestad (1611. disgustado y aterrorizado. cuyas tragedias y comedias mantuvieron sin embargo una mayor separación irónica y realista. tramando su asesinato. mas la ironía y la comicidad de los personajes. El teatro dentro del teatro Que el teatro isabelino era un "teatro abierto" y no sólo en el sentido literal del término parece demostrado también por el sentido de autoironía de los actores y de los dramaturgos isabelinos. había regalado todo su patrimonio. y la locura del rey caído en desgracia por la traición de sus hijas a las que. Lo mismo puede decirse de muchas otras grandes comedias de Shakespeare e isabelinas. No es por casualidad que los mismos dramaturgos renacentistas trabajasen contemporáneamente con obras del tipo "mixto". Al final Claudio se alza. por afecto. en las que lo cómico se mezcla fatalmente con lo trágico. Por esto el joven Hamlet se convencerá de la culpabilidad (hasta entonces no probada) de su padrastro. Se pueden encontrar otros ejemplos de esto entre los isabelinos. El actor gusta de hablar al público "entre líneas". pero también con el "teatro dentro del cine". interludio musical en honor del rey que asistió a la primera representación. como las "pastorales" o las "tragicomedias". como por otra parte ocurre en el cine moderno.

Fue sobre todo gracias a la renuncia a las reglas que el teatro isabelino pudo desarrollarse de aquellas formas nuevas en las cuales Shakespeare. saltando horas. Teatro de vanguardia . canibalismo. muerte. Marlowe y muchos otros encontraron campo fértil para su genio. El teatro isabelino introduce asimismo toda una serie de técnicas teatrales de vanguardia que fueron utilizadas siglos más tarde por el cine y la televisión. inventor del versi sciolti (verso libre). les hacen más semejantes a nosotros. demostrando que en esta época aún nos conmueven profundamente. Beaumont. que imita bastante fielmente el verso latino senequista. días. pero estos personajes no tienen la vida de los de Shakespeare. exaltando en verdad la cualidad universal de los grandes personajes históricos o legendarios. El verso blanco fue introducido por el Conde de Surrey cuando en el año 1540 publicó una traducción de la Eneida usando esta forma métrica. pentámetro yámbico carente de rima). En El rey Lear el abandono del viejo rey por parte de las hijas es el tema dominante (y no hay cosa que resulte más actual que el drama del abandono de los ancianos y de la fragmentación del núcleo familiar). Fletcher. consiguió imponerse mejor en el continente: sólo algunos clasicistas de corte académico como Ben Jonson siguieron al pie de la letra los preceptos. pero debe esperarse al Gorboduc de Sackville y Norton (1561) para que se usase en el drama para llegar a culminar en la epopeya bíblica de John Milton. infringiendo consolidados tabúes sociales (sexo.Innovaciones respecto al teatro continental La época isabelina no se limitó a adaptar los modelos: renovó felizmente el metro con el verso blanco (blank verse. La Poética de Aristóteles. Cualidad esta que. lejos de "empeorar" los personajes. el Paraíso perdido. dos jóvenes de catorce años que deciden en pocos días casarse y huir de casa. Con otro estilo y otra técnica. en toda su complejidad psicológica. El verso blanco juega una parte no menor confiriendo a la poesía la espontaneidad de la conversación y la naturalidad del recitado. locura). mientras se conserva la regularidad de los cinco pies del verso. La idea de usar un metro semejante se le ocurrió a Surrey por la versión de la Eneida de Molza. Modernidad y realismo de los personajes La relectura isabelina de los clásicos supuso un vendaval de innovaciones en historias ya milenarias. permaneciendo (sobre todo en el caso de Jonson) a nivel de "tipos" o "máscaras". meses con una agilidad casi pareja a la del cine moderno. en la representación del suicidio de los amantes. Cabe pensar en el amor "prohibido" entre Romeo y Julieta. El escenario inglés de finales del siglo XVI (sobre todo en Shakespeare) presenta un frecuente y rápido sucederse de escenas que hacen pasar rápidamente de un lugar a otro. que definió la unidad de tiempo y acción (la de espacio es un añadido de los humanistas) en el drama. liberando al diálogo dramático de la artificiosidad de la rima. incluso los temas sociales se tratan de manera moderna.

y que únicamente tienen en común un determinado número de premisas. De aquí que toda etiqueta resulte demasiado estrecha para englobar a escritores que proceden de distintos horizontes literarios. en especial. el estilo teatral que surgió a partir de la obra de aquellos.). En lugar de personajes bien caracterizados. un fenómeno teatral que se caracteriza por la negación de las formas establecidas y por la búsqueda de un nuevo y original lenguaje escénico. Historia Emerge en el París de los años cuarenta y principios de los cincuenta. Fernando Arrabal. Samuel Beckett. Se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado. alrededor de 1950. diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. las anti piezas del nuevo teatro nos presentan el reflejo de un mundo de pesadilla y una reflexión sobre el lenguaje hecha de absurdo e incongruencia. Teatro del absurdo Teatro del absurdo es un término que abarca un conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos en los años 1940. ideológicos y geográficos (es curioso observar que los más importantes autores coloniales han nacido fuera de Francia. abandono de la psicología como resorte escénico y abandono de todo realismo... no puede hablarse de escuela o de movimiento.. uno de cuyos primeros exponentes fue la obra "Ubu rey" de Alfred Jarry (1896) así como la enorme influencia de Antonin Artaud (1896-1948) con su libro "El Teatro y su doble" Como en la nueva novela. tanto en su aspecto técnico como de contenido. en las obras de Arthur Adamov. Jean Genet. En el teatro del absurdo tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona a la sociedad y el hombre. en las obras de ensueño de Strindberg y las novelas de James Joyce . en general. Estas premisas son esencialmente negativas y se concretan en un triple abandono: abandono de la intriga convencional. sino más bien de analogía entre varios autores en orden a la problemática teatral. y Jean Tardieu. de una estructura lógicamente construida y de diálogos brillantes.El Teatro colonial es un movimiento teatral que surge paralelamente a la anti novela o nueva novela (v. Eugene Ionesco. Sus precedentes se hallan en las tendencias innovadoras en el teatro desde inicios del siglo XX. A través del humor y la mitificación escondían una actitud muy exigente hacia su arte. '50 y '60 y. en Francia. Precedente Sus raíces pueden encontrarse en las obras de "moralidad alegórica" de la Edad Media y en los autos sacramentales (dramas religiosos alegóricos) de la España barroca. en la literatura del "no-sentido" de autores como Lewis Carroll. pero su producción dramática se hace en francés y sobre todo pensando en París).

Esslin consideró que estos dramaturgos daban expresión artística a la filosofía del absurdo de Albert Camus que . la obra Días felices de Beckett (1961) expresa una generalizada ansiedad del hombre sobre la aproximación de la muerte. El dramaturgo del absurdo viene a ser un investigador para el cual el orden. y en las farsas fráticas de Georges Feydeau. Tom Stoppard. de Ionesco. Antonin Artaud. Harold Pinter y Slawomir Mrozek. Aunque más bien a Beckett se le relaciona con el Teatro del absurdo donde la tragedia y la comedia chocan en una ilustración triste de la condición humana y la absurdidad de la existencia. Término El término lo acuñó el crítico Martin Esslin. sin interesarle tanto la aparición de la realidad objetiva como la percepción emocional de la realidad interior del autor. Origen Los autores comenzaron a aglutinarse bajo la etiqueta de lo absurdo como una forma de acuerdo frente a la ansiedad.y Franz Kafka. Es por ello que las imágenes del teatro absurdo tienden a asumir la calidad de la fantasía. Dramaturgo del absurdo La literatura del absurdo da muestra de la filosofía del dramaturgo de la cual Beckett es uno de los máximos representantes. Así. El dramaturgo del absurdo desmantelará el viejo universo cartesiano y su manifestación escénica. obras que tuvieron como continuadores directos el movimiento dadaísta y el surrealismo de los años 20 y 30. Algunas obras representativas son: Esperando a Godot. Una de las fuentes teóricas más potentes del teatro del absurdo fue El teatro y su doble. de Beckett y El rinoceronte. a través de la imagen concreta de una mujer hundida hasta la cintura en el suelo en el primer acto y hasta el cuello en el segundo. o de este último también La cantante calva. Samuel Beckett. en el drama grotesco de Alfred Jarry. la "psicología" y el lenguaje no son más que una serie de sucesivas aproximaciones a una realidad ambigua y decepcionante. Fuera del teatro: algunas de las películas de Luis Buñuel podrían catalogarse de absurdistas. si bien la clasificación es discutible. quien lo convirtió en título de un libro de 1962 sobre la materia. la justicia. obra originalmente publicada en 1938 de Antonin Artaud. Arthur Adamov. el sueño y la pesadilla. Jean Genet. creador del estilo del teatro de la crueldad. Entre los principales dramaturgos del teatro del absurdo se cuentan Alfred Jarry. por ejemplo. Eugène Ionesco. Virgilio Piñera. la libertad. lo salvaje y la duda ante un universo inexplicable y recayeron en la metáfora poética como un medio de proyectar sus más íntimos estados. mientras que en Rinocerontes de Ionesco (1960) se muestra la ansiosa preocupación acerca del esparcimiento de las inhumanas tendencias totalitarias mostrando a la población de una ciudad transformándose en salvajes paquidermos.

Camus. la expresión corporal. inspiradas en sus doctrinas filosóficas. escribir. el mayor representante del existencialismo. en la Como recurso didáctico ha sido utilizado en todas las épocas y situaciones. . el mundo debe ser visto como absurdo. la semiótica teatral. Y lo que es más importante. su existencia. artísticos y sociales. en las cuales teoría y práctica se retroalimentan y se contemplan tanto los aspectos cognitivos de la formación como los aspectos afectivos. escuchar o hablar sino. decía que la humanidad tenía que resignarse a reconocer que una explicación completamente racional del universo estaba más allá de su alcance. la expresión artística o la educación emocional. perceptivos. Desde los diálogos teatrales creados ex professo por el humanista Juan Luis Vives para la enseñanza del latín a los universitarios durante el Renacimiento. Sus obras. Para delimitar bien todas las facetas de la enseñanza del teatro en la educación se deberían abordar. el fomento de la creatividad. desde un enfoque global.indica que la vida es inherentemente absurda y tal es su sentido. la responsabilidad que conlleva la capacidad de elegir de los seres racionales dejando a un lado las divinidades. la animación lectora. sobre habilidad de comunicar. tratan diferentes puntos de vista sobre la creación del hombre en cuanto a su naturaleza. hasta las relacionadas con los talleres de escritura. tener en cuenta los aspectos metodológicos que ayudan el desarrollo de la capacidad de interrelación de todas estas formas de expresión por medio de la interdisciplinariedad. las técnicas expresión y habilidades todo. en particular. áreas de conocimiento que van desde la teoría literaria. Teatro existencialista El teatro existencialista nació a mitades del siglo XX en Francia. psicomotores. la didáctica de las lenguas. hasta las modernas técnicas de dramatización que contemplan la enseñanza como un todo. En palabras de Esslin. en ese sentido. el arte dramático y otras. también es denominado como el teatro del compromiso social. Surgió con las obras del filósofo Jean Paul Sartre. Teatro en la educación El teatro en el ámbito de la educación forma parte de pedagógicas utilizadas para desarrollar las capacidades de comunicación de los alumnos centrándose no sólo en las lingüísticas de leer. Sin embargo. "Es una modalidad dramática que se rige por los principios existencialistas expresados en términos absurdos". el teatro no se puede reducir en la escuela a un mero instrumento didáctico. así como el objetivo de los humanos.

violencia entre otros. también cultivó este tipo de teatro Albert Camus y algunas obras de Anuillh guardan semejanzas con las existencialistas. era presentar ideas e invitar al público a hacer juicios acerca de ellas. desarrollando y popularizando el estilo. sino representar los lados opuestos de un argumento. Brecht describió este ideal como Verfremdungseffekt (Efecto de extrañamiento o alienación).Además de Sartre. . Como Stanislavski. En conclusión. Es lo contrario de la suspensión de la incredulidad. más que el entretenimiento o el mimetizar la realidad. el teatro existencialista fue el movimiento teatral con mayor preocupación sobre los temas actuales así como la situación de la humanidad de la época. Los personajes no deben imitar a las personas reales. de arquetipos o estereotipos. Al centrarse el Teatro Épico en lo político y social. Este teatro se diferencia de los demás de su momento por centrarse en el tema del individuo y la circunstancia que lo rodea. para posteriormente alentar al público sobre acciones. Teatro Épico El Teatro Épico (alemán: Episches Theater). pobreza. consiste en que el existencialista propone soluciones a los problemas y el teatro del absurdo prefiere presentar los problemas y dejarlos al juicio del público. intrínsecamente ligado al director alemán Bertolt Brecht. también conocido como el Teatro de la Alienación o Teatro de Política. a Brecht no le gustaba el espectáculo vacío. en particular contra el drama realista cuyo pionero era Konstantin Stanislavski. En el Teatro Épico se asume que el propósito de la obra. los cuales suelen ser problemas actuales y de toda una sociedad como los son conflictos tales como guerras. Aunque muchos de los conceptos relacionados con el Teatro Épico habían existido durante años o incluso siglos. Como los demás movimientos teatrales nacidos en esta época. dejando a un lado el tema en si. los argumentos manipulativos y la elevada emoción del melodrama. Brecht los unificó. El público debería siempre ser consciente de que está viendo una obra de teatro. Este género se enfocaba en la crítica. la diferencia entre estos 2. refleja una realidad interna y una preocupación extrema por la técnica utilizada para expresar diferentes situaciones y sentimientos. se produce un alejamiento de las teorías radicales de Antonin Artaud quien buscaba afectar al público en un nivel absolutamente irracional. es un tipo de teatro que surgió a principios del siglo XX. igual que el teatro del absurdo.Aparte de esto Brecht introdujo la técnica de distanciamiento. El teatro existencialista criticaba la situación contemporánea. conflictos entre países. Brecht buscó otra forma de escapismo. En general fue una reacción contra otras formas populares de teatro. que cambiasen el ambiente criticado. y debería permanecer a una distancia emocional de la acción. Más tarde Brecht preferiría el término de Teatro dialéctico para enfatizar el elemento de la argumentación y la discusión. pero donde Stanislavski intentó copiar el comportamiento real humano a través de técnicas de actuación para sumergir al público en el mundo de la obra.

pero en su lugar fui de compras". Por ejemplo. Técnicas Eran técnicas de producción comunes en el Teatro Épico la inclusión de escenarios irreales por su simplificación. Algunas tendencias interpretan el teatro de la crueldad como una obra que toque las fibras íntimas del público por el mero deslumbramiento y ritualización del espectáculo teatral. más radical. de manera irónica. La base en la que se inspira este movimiento teatral es la de sorprender e impresionar a los espectadores. por el contrario. inspirado en las ideas del escritor francés Antonin Artaud. Estas vagas ideas han dado lugar a numerosas propuestas muy diferentes entre sí. el actor se distancia de la obra y por lo tanto evita cualquier emocionalidad excesiva. en conflicto con el efecto emocional esperado. un personaje puede decir: "Podría haberme quedado en casa. Con un Gestus que claramente defina la actitud del personaje. y música que entra. en el cual se explotan al máximo sus posibilidades físicas y visuales. Brecht pensaba que era importante que las opciones de los personajes fueran evidentes e intentó desarrollar un estilo de actuación en el cual era evidente que los personajes elegían una opción en lugar de otra. y todo el mundo en la audiencia supo que el personaje estaba asustado. Un término acuñado por Brecht es el Gestus: una actitud física o un gesto que representa la condición del personaje independientemente del texto. anuncios o carteles que interrumpen y resumen la acción. convencer ni a la audiencia ni a ellos mismos de que son en realidad los personajes que interpretan. aunque el actor permaneció completamente calmado durante toda la obra. Otra tendencia. plantea que se debe golpear sentimientos primarios del espectador mediante escenas violentas y chocantes para . Brecht usaba la comedia para distanciar a su público de los hechos emocionales o serios y se vio muy influenciado por los musicales y los intérpretes de feria. Con esto se pretende dejar una huella en el espectador. mediante situaciones impactantes e inesperadas. Teatro de la crueldad Teatro de la crueldad es un movimiento teatral muy heterogéneo. que la obra lo marque. expuestas en su libro El teatro y su doble (1938). Los actores a menudo interpelan directamente al público sin estar interpretando su personaje (romper la cuarta pared) e interpretan múltiples papeles. por lo que incorporaba música y canciones en sus obras.También se contrapone al Teatro aristotélico en el que el espectador debía identificarse con el personaje (catarsis). La actuación en el Teatro Épico necesita que los actores interpreten sus personajes de manera convincente sin. Brecht se basó en el teatro chino: notó que el actor Mei Lan Fang interpretó una escena que requería que su personaje estuviera asustado tan sólo poniendo un mechón de su pelo en su boca.

y normalmente. En el prólogo de la Comedia de Sepúlveda. de 1547. y revitalizaron el género en el siglo XX Carlos Arniches con su colección de sainetes Del Madrid castizo y los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero. que se representaba como intermedio de una función o al final. Alejandro Jodorowsky y en menor medida. en una acepción gastronómica. por las desconcertantes acciones de algunos de sus personajes. Su uso actual se generaliza en el siglo XVI alternando con el más común de paso. cuya denominación se aplicó en España a cualquier tipo de representación teatral. En Europa. entre la primera y segunda jornada de una obra mayor. en un acto. Entre los principales cultivadores de este subgénero cómico en el siglo XVIII se encuentran los gaditanos Luis Moncín y Juan Ignacio González del Castillo. Posteriormente en el Río de la Plata. El Living Theatre de New York. como "manjar entre dos platos principales". a fines del siglo XVI y durante el siglo XVII y XVIII hasta su prohibición en 1780.captar su atención (un claro exponente de esta tendencia. un pleito cómico situado al final del primer cuadro del mismo. se dice: . Evolución y estilo El término entremés procede del catalán y está documentado en el siglo XV como una especie de pantomima representada en banquetes cortesanos y. Fernando Arrabal. XIX y XX. Así se usa en el Entremés de la Representación de la historia evangélica de san Juan de Sebastián de Horozco. su equivalente es la farsa. protagonizada por personajes de clases populares. que solía representarse durante el Siglo de Oro español. de carácter popular. Sainete Un sainete es una pieza dramática jocosa. y los madrileños Ramón de la Cruz y Sebastián Vázquez. Armando Discépolo introducirá un giro sombrío y dramático en este género transformándolo en el "Grotesco Criollo". A finales del siglo XIX fue materia frecuente del llamado género chico y del teatro por horas. conocida en inglés como "in your face" -en tu cara. Martin McDonagh. Esta aplicación extrema de las ideas de Artaud ha ocasionado polémicas sobre el valor estético de la tendencia (que se considera que desvirtúa la idea original). Posteriormente será llamado sainete. célebre por sus obras de atroz violencia y sadismo). Entremés Se conoce como entremés (o paso) a una pieza dramática jocosa y de un solo acto. Harold Pinter. con autores especializados como Tomás Luceño y Javier de Burgos. Sustituye al entremés en el siglo XVIII. David Mamet. Entre los más importantes autores influidos por el teatro de la crueldad están: Peter Weiss. ya que un público traumatizado se preocupa más por el golpe emocional que por la trama misma. enlazado con la siguiente acotación: "Mientras vuelve el ciego pasa un entremés entre un procurador y un litigante". es decir.es el británico Martin McDonagh.

porque iban entre medias De la farsa. escribió: Y entre los pasos de veras Mezclados otros de risa Que.No os puede dar gusto el sujeto así desnudo de aquella gracia con que el proceso del suele ornar los recitantes y otros muchos entremeses que intervienen por ornamento de la comedia. El mismo Timoneda en El deleitoso (1567) dice: "Venid alegremente al Deleitoso / hallarlo heis repleto y caudaloso / de pasos y entremeses muy facetos". un buñolero y un villano bobo y procaz. de forma que una comedia buena con un mal entremés fracasaba irremediablemente. diferente del ya mencionado. el llamado entremés cantado. golpes y manteos en clara manifestación del carácter carnavalesco del género. pero una comedia mala con un buen entremés podía mantenerse en cartel y ser un éxito (los éxitos teatrales del Siglo de Oro no pasaban por lo general de una semana). sin embargo. Se ve pues en la denominación de paso era sinónima del algo más gastronómico entremés. que no tienen cuerpo en el sujeto de ella. y lo tenía por arquetipo de la comedia antigua que él había venido a renovar con su comedia nueva. Así era en el caso de algunas obras de Gil Vicente o Garci Sánchez de Badajoz. un pregonero. en la cual se contienen diversas comedias y farsas muy elegantes y graciosas con muchos entremeses y pasos apacibles (1565). a manera de descanso o interludio cómico. este ingenio llegó incluso a crear un subgénero entremesil. por otra parte. Había actores especializados en este género. Agustín de Rojas Villandrando. Sebastián de Horozco. la colección dramática La Turiana. en su obra El viaje entretenido (1603). en su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609). par ser representado en un convento de monjas el día de San Juan Evangelista. la tonadilla. acabó escribiéndose en versos e incorporando a veces números cantados que darían lugar a un género posterior. los llamaron Entremeses de comedias Desde que Luis Quiñones de Benavente (1600-1650) configuró definitivamente el género en el siglo XVII. era pues una acción no exenta de la principal. que intercambian insultos. Lope de Vega. Juan de Timoneda cita la palabra entremés precisamente en una de sus obras más conocidas. protagonizado por un fraile rezador y visitador de burdeles. y otros dos personajes populares. Al principio se escribía indistintamente en prosa o verso. como Cosme Pérez. recuperó su función subsidiaria y lo definía como un "alivio cómico" protagonizado por personajes populares "porque entremés de reyes no se ha visto". junto a los pasos de Lope de Rueda tenidos por antecedente del entremés. más conocido por su sobrenombre de Juan . En sus principios. Un entremés venía a venderse por el triple de lo que costaba una loa y tenía una importancia capital en un programa teatral del siglo XVII. Éste empezó a definirse con los Pasos de Lope de Rueda en el siglo XVI. escribió el primer entremés exento.

Son los autores más originales Miguel de Cervantes. Antonio de Zamora. Entran en esta etapa autores de entremeses primitivos como Lope de Rueda y Juan de Timoneda.Rana. Fase de decadencia del entremés. 3. Lauro Olmo y otros muchos. sin embargo. Recuperación y reivindicación. Luis Vélez de Guevara y otros muchos. 5. situado entre el segundo y tercer acto. el comienzo de la decadencia con el agotamiento de las ideas. 2. Recuperaron fundamentalmente el espíritu del entremés y algunas de sus características morfológicas: Valle-Inclán. cuando los teóricos de la Ilustración lo prohibieron por su vulgaridad y chabacanería. 4. Juan de la Hoz y Mota. Época de esplendor del entremés. seguidos por otros asiduos cultivadores del género que escribieron en esta época: Alonso de Castillo Solórzano. el castizo majo y el abate presuntuoso. En este nuevo género. Alonso Jerónimo de Salas Barbadillo. La pérdida de su vitalidad se compensa con esa dicha vistosidad y carga paródica. existe sin embargo repetición de algunos esquemas. pero no por motivos morales. • • • • . destacaron el gaditano Juan Ignacio González del Castillo y el madrileño Ramón de la Cruz. los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero. A fines del siglo XIX y principios del XX algunos autores reivindicaron la tradición farsesca del entremés. Se renueva con nuevos tipos: el petimetre afrancesado. Algunos entremeses. por otra parte. Fueron en primer lugar los autores del teatro por horas. Manuel de León Marchante. Antonio Hurtado de Mendoza. temas y modelos y. en 1778. ajenas al idealismo estético del Neoclasicismo. Todavía. formación y consolidación definitiva. Algunos de los autores más importantes de esta etapa son Jerónimo de Cáncer y Agustín Moreto. etcétera en la preguerra. Abarca íntegra la segunda mitad del XVII y empieza a desarrollarse el costumbrismo. etcétera. en su momento final. incluye los fines del siglo XVII y el siglo XVIII en que acaba por desaparecer de la escena. y a fines del siglo XVIII. produce el entremés algunas figuras interesantes como Francisco de Castro. reúnen gran vistosidad porque son destinados a Palacio y empiezan a aparecer elementos paródicos que vienen en último término de la llamada Comedia burlesca. pero es sustituido por el sainete. Carlos Arniches. en la posguerra Max Aub. desde la segunda mitad del XVI a mediados del XVII. Época de gran popularidad de los entremeses y de una abundante y prolífica producción de los mismos. era esta una oposición que se añadía a la de la Iglesia. con un argumento más desarrollado y sin apenas números cantados. Luis Quiñones de Benavente y Francisco de Quevedo. Nacimiento. La evolución del entremés se repartió a lo largo de cuatro etapas: • 1. una auténtica celebridad en su época y para quien escribieron gustosos los ingenios cortesanos no menos de cincuenta piezas. era este una pieza de carácter más extenso y menos lírico.

que tenía más posibilidades económicas que él y más aceptado por las mujeres. caricaturizados por sus sordos oídos y ciegos ojos ante la gente del hampa que los soborna. además. Por otra parte su lenguaje era mucho más realista y vivo que el de la comedia y prescindía de los alambicamientos retóricos y metafóricos de está siendo más directa y fresca. o también aquellos que huían de cumplir algún castigo o condena. presunción y vanagloria y se incorporaban a la sociedad organizada sin hallar hueco a su talante aventurero. aconsejándole lo que debe hacer. buscaban mejor manera de ganarse su sustento. El entremés se convirtió en una especie de desfile de tipos sociales populares o representativos de distintos oficios. Personajes Eran habituales personajes (o. tomando frecuentemente carácter satírico. la milicia era también criticada. Y eso supuso atraer las primeras críticas de los clérigos regulares y seculares. El opuesto al soldado y su rival era el sacristán. porque a ella iban a parar los segundones y aquellos que. acusado de envenenar y hacer morir a la gente como el médico. El escribano era popular y no entre los más agudamente zaheridos. es el personaje más frecuente. el baile entremesado etcétera. y que en el entremés ejerce muchas veces el papel de alcalde de pueblo o criado. malicioso aunque suele ser víctima de los engaños ajenos. los alguaciles. la mojiganga. integrado también por otros géneros como la loa. que cita importunamente medicinas y recetas en sus argumentos amatorios. terminando muchos de ellos como fanfarrones. y recogía todo tipo de tecnicismos relacionados con los oficios populares y. 1795): "Nunca supe lo que era la lengua castellana hasta que leí entremeses". caracterizados por su palurdez y paletez y muchas veces identificado con el bobo e incluso con un actor cómico característico. tipos) del entremés el bobo o simple. siempre a lomos de una mula para darse tono. el erudito padre Martín Sarmiento afirmó en su Declamación contra los abusos de la lengua castellana (Madrid. que no las tenían todas consigo en cuestión de espectáculos que consideraban inmorales o incentivadores del pecado. por no poderse adaptar al método y rigor del trabajo manual. Menos respetado y más maltratado es el letrado. mejor que personajes. camorristas o gorrones. muchos de ellos volvían al cabo de años cargados de heridas. reflejando de forma realista algunos temas que no podían aparecer en la pieza mayor. la milicia ofrecía los tipos del soldado pobre sin oficio y huésped triste de los figones. cuantioso producto de las universidades que ofrecían escapatoria a los hijos de la baja nobleza y de la burguesía y que podían siempre . se les caracteriza como ávidos de dinero y de confuso y culto lenguaje. con su costumbrismo. Sus personajes tenían un carácter popular y la temática derivaba frecuentemente hacia el costumbrismo. la jácara. y aparece repetidas veces al lado del alcalde simplón e ignorante como su contrapunto. el gran Juan Rana. El médico es figura muy atacada en el entremés a causa de sus pobres medios de curación. surgido de la fusión de la nobleza con la burguesía.El entremés formaba la parte más importante y sustancial del llamado teatro menor. los alcaldes rurales. el fin de fiesta. entre los cargos públicos. el vocabulario de la vida cotidiana del país. en ocasiones en ligera o discreta disputa con él. y solía ser un amante ridículo. rival en amores del sacristán y casi siempre desairado en ellos. tras el bobo. el baile. El boticario era personaje menos popular.

bravucones. De peor catadura eran los venteros. duelos. casamenteros o valientes o bravucones que se confunden ya en el XVIII con el militar mismo y se arrugan siempre cuando llega el momento de demostrarlo. son como el guapo de la obra y los romances vulgares. Los criados aparecen frecuentemente. que heredó todo lo que de ridículo se había echado encima al pobre hidalgo y responde a un contacto menos vivo con la realidad social. caballos blancos que desplumar y siempre avaros. Los mesoneros protagonizan un particular mundo de andariegos soldados. eran mirados con desprecio por el pueblo. digno de conmiseración más que de risa. a fines del XVII y en el siglo XVIII desaparece y es sustituido por el vizconde. como lo fuera en la novela picaresca: pobre en el fondo. los indianos eran siempre ricos inocentes. aparecen de dos maneras: como pobres víctimas de los huéspedes.incorporarse al estado clerical sin más estudios que los proporcionados por las universidades. gorrones. El marido ofrecía amplio campo al entremés en sus facetas de cornudo. mendigos. pero a veces también con un rasgo de carácter dominante: avaros. gente del hampa. siempre enamorados y enamoradizos. o como rateros ellos mismos. los negros . aunque sus intervenciones no son principales. Eran pendencieros. alegres y tunos y proporcionaron a la comedia. los portugueses. en los entremeses son presentados como trampolicantes burlones y auténticos genios de la picardía. amoladores. presentan. sin apenas avariantes. son muchachos de ingenua torpeza y aguda picardía. Aunque encarnaban la aristocracia intelectual del país. que siempre es inteligente y comedido. están en concordia y buena amistad con las gentes de mal vivir. más ladrones y de perversas y torcidas intenciones las más veces. campesinos y viajeros a la corte. Los estudiantes no aparecen favorecidos: siempre se hallan envueltos en aventuras de amor. fanfarroneando opulencia. altaneros y dados a cantar. es un campesino o un ciudadano que se guarnece de la siempre veleidosa mujer que le ha tocado quitar el sueño. timados o estafados. más cobardes que aquellos. a la novela picaresca y a la novela cortesana numerosos episodios y caracteres a la par que enriquecieron el idioma con giros. El poeta es tan pobre como el hidalgo y es caracterizado por su manía de reducirlo todo a verso. Los hombres aparecen con una impronta de profesión u oficio. riñas nocturnas. Los pajes entremesiles suscitan la risa con su hambre y glotonería sempiterna y con sus embustes y burlas. disputas con compañeros y bromas estudiantiles fuera de las horas de estudio. En la corte se mezclaban además genes de todo pelaje y la más diversa condición: los franceses eran frecuentes en los oficios de caldereros. cartujo. la apariencia de rudos y atontados en contraposición con el mismo tipo de la comedia. Es sin duda el tipo más deformado. burlado. buhoneros y castradores. celoso o embebido en las manías de su mujer. parlanchines. En cuanto al hidalgo es de menguado buen trato en el entremés. modismos y frases particulares. los flamencos eran más raros. y víctima de un concepto decadente y deformado de lo que había sido una gloriosa clase social. aunque no siempre.

siempre a cuentas con su hidalguía y anticuados y risibles valores de figurón. vicio y artes. la embaucadora. la hechicera. Vicente Suárez de Deza. la celosa. Se les caracteriza por su ingenioso lenguaje y facultad de animar el cotarro con su ingenio chispeante y despejo y desenvoltura. su psicología mezcla la picardía. danzas y coplas. los montañeses. Francisco de Quevedo y Luis Quiñones de Benavente. la gitana graciosa. los gallegos son caracterizados por su servilismo y avaricia. eran busconas de calle que pululaban por las diversiones populares. Jerónimo de Cáncer. También tienen lugar en el cosmos del entremés la mujer redicha.seseantes y de lenguaje tenebroso salen casi siempre. . La beata hipócrita es también blanco de sátira más o menos directa. de origen campesino y burdas y primitivas maneras. Destacaron también Luis Vélez de Guevara. Autores Los más originales creadores de entremeses son Miguel de Cervantes. La mujer se daba en dos tipos: la recogida en los ambientes honestos del hogar y la familia y sumisa y bondadosa en un ambiente de valores tradicionales. En su fase final tanto unas como otras van a dar en celestinas o alcahuetas. Antonio Hurtado de Mendoza. La buscona era zaherida por su avaricia. en los bailes. para ser de la germanía hacía falta haber sido azotado alguna vez públicamente. o la suelta que iba a todas partes. De antigua raigambre es el personaje del ciego o coplero. si no. Francisco Bernardo de Quirós. los gitanos. Pedro Calderón de la Barca. incluidas las afueras del corral de comedias. La fregona es otro tipo femenino frecuente. mundo de la delincuencia y el hampa sórdido. Por debajo de todo este mundo estaba el de la germanía. la mujer prudente (apenas representada). Si eran de alta clase social y tenían clientela urbana y de estado noble o distinguido eran cortesanas. que se impone por su sensualidad o que es llevada a la vida alegre por la avaricia. Alonso Jerónimo de Salas Barbadillo. Sebastián Rodríguez de Villaviciosa. la mala intención y el mercantilismo de la devoción con la buena fe y a veces la ingenuidad. misterioso y alucinante que comprendía otro lenguaje en jerigonza. o con alguna gitanilla graciosa. condenado a galeras o haber estado en el saco o trullo. Todos ellos son ampliamente caracterizados por su lenguaje de sonidos mal articulados o vocablos mal interpretados. siempre mascullando la oración oportuna al caso y en pugna con los otros colegas del oficio que le ocupan un puesto de más negocio. salen solamente cuando hay que bailar o en la cárcel. la graciosa. Alonso de Castillo Solórzano. el burdel era el centro de operaciones. cuando no son personajes. como los negros. pertenecía a cualquier clase social.

Agustín Moreto. Creadores ligados al futurismo. Francisco Bances Candamo. que tiene dos acepciones básicas en castellano: Jacques L. en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. heredero del arte conceptual. utiliza el término performance en un sentido próximo a logro. la expresiones del arte expresiones (idénticas live art. Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo. a ejecución conseguida. No obstante. al constructivismo. realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar. El performance se opone a la pintura o la escultura. Antonio de Zamora y Francisco de Castro. action art. • El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo. biólogo francés y Premio Nobel. la palabra "Performance" se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa “performance art” que se refiere al arte en vivo. ya que n o es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística. Monod. • • • . el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. La palabra "performance" comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. al movimiento artístico fluxus events y al body art. espacio. La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX. al dadaísmo y al surrealismo. Performance El término performance es un anglicismo -palabra (voz) inglesaevitable. la acción poética. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta. la poesía visual y otras contemporáneo. iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración. La performance tiene parentesco con intermedia. Algunos llaman a tales o muy similares a la performance): intervenciones y manoeuvres. El performance está ligado a los happenings. con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas.

tal tipo de obra fue explicada por el propio John Cage como eventos teatrales y sin trama. por la imprevisibilidad. desde entonces tal forma artística y tal denominación fue adoptada en otros países. frecuentemente multidisciplinaria. Historia Se considera como el primer happening propiamente dicho a la obra Theater piece Nº1 realizada en 1952 por John Cage en el Black Mountain College. surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. El happening en cuanto manifestación artística es de muy diversa índole. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos. que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.que siempre busca redefinír sus formas y maneras-. Aunque el happening surge en Estados Unidos durante los 1950s y tuvo su apogeo durante los “alegres” 1960 con estéticas próximas al . como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. En enero de 1958 la frase acuñada por Kaprow es generalizada por la revista estudiantil de la Rutgers University Antologist. ya que busca una participación espontánea del público. Happening Happening (de la palabra inglesa que significa evento. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda. efímero. suceso). Manifestación artística. ocurrencia.• El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público. suele ser no permanente. En el arte contemporáneo. nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación. Jack Kerouac refiriéndose a Kaprow le llamó el hombre Happening al observar la obra 18 Happenings in 6 parts (1959). aunque fue Allan Kaprow (alumno de Cage) quien en abril de 1957 durante un Picnic artístico en la granja de George Segal uso la palabra happening para describir las improvisaciones que se representaban. la literatura o la cultura. La propuesta original del happening j que es difícil una real improvisación.

suele verse actualmente en los "happenings" un resultado completamente opuesto al enunciado. sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional" (George Maciunas) Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. Youri Messen-Jaschin. Fluxus "Fluxus-arte-diversión debe ser simple. Yoko Ono. tratar temas triviales. Tristan Tzara entre otros. Al Hansen. en efecto. es decir mucho antes de que Kaprow acuñara el término. Su autor las denominó acciones espectáculo. Bazon Brock. . George Brecht. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. si la intención planteada teóricamente y en sus orígenes es la de la participación activa de los espectadores para librarles de la masificación. muchas de ellas vinculadas al surrealismo y. Red Grooms. Marta Minujin. se encuentran claros precedentes del mismo en ciertas expresiones artísticas vanguardistas de “los años locos” ( los años 1920). Alejandro Jodorowsky. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978) Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos. Europa y Japón. Crítica El happening ha pasado a tener un carácter paradojal. muchos de los "happenings" terminan siendo un espectáculo más de la llamada cultura de masas. entretenido y sin pretensiones. Principales referentes Además de Cage y de Kaprow se consideran como principales realizadores de happenings a : Tadeusz Kantor. Robert Rauschenberg. Jim Dine. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. En España. Roy Lichtenstein. entre 1964 y 1960 los probos improvisaban verdaderos happenings en las plazas de Amsterdam. sobre todo al dadaísmo siendo claros antecedentes las exhibiciones no convencionales realizadas en el Cabaret Voltaire por Richard Huelsenbeck.llamado pop-art y a las del movimiento hippie. Claes Oldenburg. las primeras obras de happening fueron escritas en catalán por el poeta Joan Brossa en 1946. Wolf Vostell y Robert Whitman. Joseph Beuys.

Vito Acconci. se pinta. de expresar y de elegir. el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. Suele realizarse a modo de acción o performance. Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento. es "antes que todo un estado del espíritu. sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico.. con una documentación fotográfica o video gráfica posterior. e invierte la propuesta de Duchamp. introdujo lo cotidiano en el arte. luego no hay razón para que termine". se ensucia. . Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. Según Filiou.Fluxus. Asimismo Filiou opone el Fluxus al arte conceptual por su referencia directa. Yves Klein. en especial. de gran relevancia en los años 1960 en Europa y. De cierta manera Fluxus nunca existió. no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística. quien a partir del Ready Made. se cubre. sino el medio para una noción renovada del arte. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano. un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar. es decir. no sabemos cuándo nació. en Estados Unidos. Como Dadá. entendido como “arte total“. se retuerce.. que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage. Bruce Naumann. Body art El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual. inmediata y urgente a la realidad cotidiana. Se trabaja con el cuerpo como material plástico. se calca. El lenguaje no es el fin.

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