TIPOS DE TEATRO ACTUACION Se conoce como actuación al proceso de investigación personal que hace el actor para descubrir a un futuro

personaje a representar. Dicho proceso comienza desde una interiorización para conocer el principio de dicho personaje y traerlo desde lo más profundo y transformarlo en un personaje integrado. La actuación es descrita como acciones hechas por un personaje dentro de la escena teatral. Aunque dichas acciones son auténticas, deberían por lo menos estar cargadas de una intención que permita que el observador se estimule y logre recibir el mensaje en su totalidad. Un actor es una persona que interpreta a un personaje en cine, televisión, teatro o radio. En ópera la actuación se consideraba más importante que el canto. En el momento actual se está llegando a un lógico mismo nivel de importancia entre actuación y canto, por lo que muchos directores de escena llaman también actores a los cantantes de ópera. La mujer dedicada a esta actividad se le llama actriz, en lugar de actor. Historia Recientes investigaciones han llegado a la conclusión de que las primeras manifestaciones del canto de la actuación surgen en Egipto, cuando se realizaban ritos en que los sacerdotes encarnaban a los dioses para explicar al pueblo el significado de sus enseñanzas y órdenes. El primer actor del que se tiene conocimiento escrito fue el griego Tespo, que actuó en el Teatro Dionisio en el año 534 a. C. En el escenario, Tespo habló en primera persona, interpretando de esta manera a un personaje. Hasta entonces ya se habían narrado historias ante una audiencia, pero siempre en tercera persona y, además, de forma cantada. La profesionalización de la actuación se inició en Europa en el siglo XVI; en Italia, con las primeras compañías profesionales de Comedia dell'Arte; en Inglaterra, con las compañías protegidas por la nobleza en tiempos de la reina Isabel (como la Lord Chamberlain's Men, la compañía de Shakespeare, que luego pasó a llamarse King's Men); en Francia, con la Comédie Française. Hasta el siglo XVII los actores sólo podían ser hombres. Se consideraba algo de mal gusto que una mujer actuase en un escenario. Así, en la época de Shakespeare los papeles femeninos eran interpretados por hombres o por muchachos jóvenes. Fue en los teatros de Venecia donde se produjo el cambio que permitió a las mujeres realizar interpretaciones teatrales.

COMEDIA La comedia es un género dramático que se caracteriza porque sus personajes protagonistas se ven enfrentados a las dificultades de la vida cotidiana, movidos por sus propios defectos hacia desenlaces felices donde se hace escarnio de la debilidad humana. La comedia se origina en el mundo griego, pero se va desarrollando por el Medievo y por la edad moderna, hasta llegar a nuestros días. Como los demás géneros dramáticos, dramática del personaje protagonista; personajes con un rol trágico en obras estos sean, por decirlo de algún modo, a la comedia lo determina la acción de ahí que no sea extraño encontrar de teatro cómicas, siempre y cuando personajes secundarios.

Como características, el personaje protagonista suele ser común y corriente y representar un arquetipo, es decir mentiroso, charlatán, fanfarrón, pícaro, enamorado, etcétera; es también inocente e inconsciente y, a diferencia de la tragedia, donde el personaje protagonista tiene un profundo sentido ético, en la comedia el personaje protagónico considera su moral como una cualidad importante; lo que lo hace ser muy vital, aunque esto es más bien un obstáculo para el personaje. Por ello, su conflicto dramático suele ser, las más de las veces, con la sociedad, además de consigo mismo, por lo que lucha por la superación de los obstáculos que le impiden realizarse consigo mismo o con esa misma sociedad. La comedia es, junto con la tragedia, una de las formas clásicas del drama griego, y uno de los tres géneros dramáticos llamados realistas. Rasgos de la comedia Conflicto: Comúnmente es generado por un vicio de carácter del protagonista. Este vicio de carácter es contrario al bienestar social de la comunidad en la que vive el protagonista. El bienestar social es relativo a la época y al lugar. El vicio de carácter del personaje protagónico lo lleva ser un transgresor de esa sociedad pues ha rebasado los límites de lo "conveniente" y por ello debe ser castigado; esto significa que el personaje vicioso es castigado socialmente, o sea, es puesto en ridículo. Protagonista: Es básicamente un personaje de baja calidad moral y que encarna algún vicio o defecto de los seres humanos (la envidia, la avaricia, la irreverencia o rebeldía, etc.) pero sumamente complejo. En el caso de Tartufo, lo que Molière, critica es la hipocresía, que se representa en este personaje, prototipo del mojigato que finge vivir valores que en verdad no

siendo la primera la versión constituida en lo absoluto por elementos lingüísticos. formando parte entonces. puesto en ridículo. siendo la particularidad de este la predominancia de la función apelativa del lenguaje. hacer o actuar) es la forma de presentación de acciones a través de su representación por actores y por medio del diálogo. Un importante subgénero es el melodrama. drama (del griego δράμα. de lo que se considera como género literario. pues. Posteriormente. entre los primeros quedaron inscritas la tragedia y la comedia ya existentes y. Desenlace: Es feliz para alguna de las fuerzas que se opone al protagonista o para todos. que se centra en las pasiones humanas y los conflictos individuales. Algunos teóricos del siglo XX insisten en la diferenciación categórica entre el Drama y el Teatro. un personaje vicioso que es ridiculizado. • Para comprender mejor el término "Drama" se requiere hacer la siguiente aclaración y contextualización: Drama: Término que proviene del griego δράμα y significa "acción". menos para aquel que encarna el defecto que debe ser castigado. Por ello. entre los segundos. Dramaturgia: Concepción escénica para la representación de un guión. --Palinuro67 (discusión) 02:19 2 sep. el drama se divide en géneros realistas y géneros simbólicos. por un lado. la ausencia de un mediador entre el . el melodrama. Tragedia: Género griego caracterizado por escenas de gran confusión y desenlace infeliz. Melodrama: Género que acentúa la emocionalidad de los personajes. al drama como género literario (el texto). 2008 (UTC) DRAMA Según la definición griega clásica. al teatro como de puesta en escena del propio texto dramático. Existe una confusa tendencia dramática únicamente a todo lo que incluya elementos trágicos. En tanto género literario. la farsa y la tragicomedia. en los que se destacan lo trágico y lo dramático. especialmente cuando se da el llamado "final trágico". el drama se dividió desde sus inicios en la Grecia Antigua (donde se considera que el teatro tiene su nacimiento occidental) en Tragedia y Comedia. según esta posición. es decir. En pocas palabras. una tendencia generalizada. el texto dramático no es teatro hasta que se lleva a escena para ser visto por el público. reconocidos como tales desde el Renacimiento. Género cinematográfico de temática seria y penosa.tiene y que sólo persigue su bienestar a costa del daño que produce a los demás.

esta en el hecho que toda forma espectacular responde a un contexto social. tienen una dimensión didáctica acusada. El primero en definir el melodrama fue el filósofo francés Jean-Jacques Rousseau. por ello. Los problemas de los personajes están relacionados con la pasión o problemas interiores. Rousseau lo definió con las siguientes palabras: "un tipo de drama donde las palabras y la música. los músicos. El drama como género cinematográfico Como género cinematográfico el drama siempre plantea conflictos entre los personajes principales de la narración fílmica provocando una respuesta emotiva en el espectador. Cuando esto último es bastante exagerado. etc. 1996). en vez de caminar juntas. la iluminación. El Teatro sería la concreción del Drama que incluye el espectáculo. la dramaturgia. La presencia de la música y la fotografía acentúan la credibilidad de la obra. y el fenómeno de "relación simbiótica". los personajes quedan limitados al carácter simplista de buenos o malos. Etimológicamente el melodrama se define como teatro musical. elementos que no le son propios al drama como realidad lingüística acotada solamente al discurso. El análisis de un Drama puede ser hecho desde la crítica literaria. se organizan por medio de códigos que no son universales. etc. se . y su manifestación espectacular por medio del teatro. en cambio el análisis del teatro debe incluir factores como actuación. parecido al melólogo pero con varios personajes. al drama se le conoce por melodrama: En él. debido a que interpela a su sensibilidad. campo interdisciplinario que estudia los Fenómenos y Comportamientos Humanos Espectaculares Organizados (PCHSO) del Teatro que es un subgrupo dentro del conjunto de formas espectaculares organizadas. Es decir. conmoviendo a éste. La mayoría de las películas promueven la moralidad como eje central y. su posibilidad virtual de ser Teatralizado. La pertinencia de la evaluación de estos aspectos del teatro como forma espectacular. la música. etc. En este aspecto. evaluación del espectáculo. (Cuadro es el cambio de escena en una obra dramática) MELODRAMA El melodrama. la actuación. La temática de este tipo de películas es diversa. pero particulares a un contexto histórico y cultural. Se puede añadir la precisión. Se pueden distinguir tres aspectos claves dentro del análisis de una forma espectacular: la "espectacularidad" la "performatividad". o de "empatía" que se construye en la relación al publico (Pradier.mundo creado o realidad ficticia y el lector. desde la perspectiva de la etnoescenología. pero su eje principal es el amor. es una obra teatral cargada de trozos sentimentales subrayados por música.

Son películas dramáticas que buscan ser lo más realistas posibles. En un sentido amplio. o el tiempo. Actualmente la dramaturgia no sólo está relacionada con el texto teatral. por ejemplo los guiones cinematográficos y telenovelas.presentan sucesivamente. pues tal término se ha convertido en una etiqueta despectiva. Las telenovelas Hispanoamericanas y las soap operas anglosajonas son en su mayoría melodramas. Tenemos entre ellas Rompiendo las Olas de Lars von trier. sino que en todo momento buscan dar un significado y connotación humana. llamado dramaturgo. el trabajo del dramaturgo puede ser definido como un diseño. Persona de Ingmar Bergman y El último Tango en Paris. En cuanto a cine se refiere. El dramaturgo en la pieza teatral. de un drama. Cabe notar que el cine y las series de televisión suelen utilizar a profusión la musicalización para transmitir o inducir las emociones. la dramaturgia es dar forma a una historia de manera que pueda ser actuada. y donde la frase hablada es de cierta manera anunciada y preparada por la frase musical" La influencia del premio Nobel Jacinto Benavente asentó las bases del melodrama actual. o efectos visuales o especiales. Esto no significa que no busquen experimentar con la narrativa. DRAMATURGIA Dramaturgia es el arte de composición y representación en el escenario. OPERA . Algunas obras son escritas específicamente para su representación en el escenario. y tenemos a muchos realizadores de ellas. atendiendo al gusto de cada persona. para las obras que intentan inducir más emoción con su musicalización y con el sentimentalismo exagerado. El melodrama está presente en la televisión como telenovela. En la actualidad el término melodrama se aplica a cualquier obra actoril en formato audiovisual donde las emociones del espectador sean inducidas o favorecidas por la música. crea los personajes y conflictos que serán presentados dando la impresión de que acontecen "aquí y ahora". y que esto se haga de una manera muy marcada. de Bernardo Bertolucci. sin embargo. el término melodrama no se les aplica por lo general. pero otras son adaptadas por un profesional. Difiere de la literatura escrita común por ser más una estructuración de una historia de acuerdo con los elementos específicos del teatro. Más que un escrito propiamente dicho. que con su contenido. sino que está presente en toda obra escrita con el fin de poder representar una historia. La dramaturgia da a la obra y a la actuación una estructura. La pianista de Michael Haneke. el término melodrama también abarca películas que tienen una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva.

vacilación. en el cual destaca el lenguaje físico como principal motor de la dramaturgia del espectáculo teatral. En esto se diferencia de la pantomima. vestuarios y actuación. Descripción El drama se presenta usando elementos típicos del teatro. como son el musical. se representa en un espacio teatral ante un público. Sin embargo. la orquesta tiene los instrumentos de una orquesta sinfónica. A partir de mediados del siglo XIX. el mimo corporal hoy se utiliza como una herramienta en el mundo de las escuelas y de las universidades de teatro. a diferencia del oratorio. Todas éstas. en ocasiones. y no una condición sine qua non del mimo corporal. pero con secciones de cuerda más pequeñas. Los cantantes son acompañados por una orquesta. . El mimo corporal es un arte dramático del movimiento. tríos. cuartetos. La ópera tradicional basa su canto solístico en distintas modalidades de canto: recitativo. por sobre el texto y la narrativa. El objetivo del mimo corporal dramático es de introducir el drama dentro del cuerpo. que es más un intento de cambiar palabras por gestos. Por estos elementos pedagógicos. La pedagogía del mimo corporal permite al actor adquirir un estado mayor de autonomía. Mimo corporal El mimo corporal o mimo dramático es un tipo de teatro físico creado por Etienne Decroux (1898 . Existen varios géneros estrechamente relacionados con la ópera. El mimo corporal dramático quiere representar lo invisible. arioso y aria. y surgen formas cada vez más libres. TEATRO FISICO El teatro físico se conoce como una rama del llamado teatro contemporáneo. el mimo debe aplicar al movimiento físico esos principios que estén en el corazón del drama: pausa. predominantes en el teatro tradicional de occidente.. se canta en vez de ser hablada. la zarzuela y la opereta. El actor puede interpretar piezas con o sin texto. peso. La mayoría del tiempo. emociones.. resistencia y sorpresa. estas formas comienzan a abandonarse. eso es una elección estilística. pensamientos.1991) y desarrollado por sus ayudantes y nuevas generaciones de profesionales. También se cantan dúos.La ópera es un drama cantado con acompañamiento instrumental que. tales como escenografía. la letra de la ópera (conocida como libreto). dudas. está enseñado como una técnica de interpretación corporal. En este medio. multiplicando sus posibilidades físicas e imaginativas a través del estudio de una técnica. tendencias. pueden aparecer combinadas con coro.

La tragedia nació como tal en Grecia con las obras de Tespis y Frinico. También existen las tragedias de sublimación en la que el personaje principal es mostrado como un héroe que ante las adversidades se sobrepone por la fuerza de sus virtudes y el espectador termina admirándolo. compuesta por Trisino y representada en Roma en 1515. Grecia una representación teatral La primera tragedia latina la compuso Livio Andrónico y se representó en Roma en el año 54 de su fundación en tiempo del consulado de C. Un buen ejemplo de estas prácticas era la comedia del arte. ese le da una maza o clava para indicar la tragedia en los tiempos heroicos en los cuales estaba en uso esta arma. Sempronio. TRAGEDIA La tragedia. el sino. En pos de ella. antigua manifestación físico-popular que hoy en día se vuelve a re-descubrir. Claudio Cento y M. Se representa ricamente vestida. macho cabrío. Las tragedias clásicas generan en el espectador la catarsis. es una forma dramática cuyos personajes protagonistas se ven enfrentados de manera misteriosa. en Grecia. desde los siglo XIII al XVI pero es indudable que la primera tragedia regular es Sofonisba. Eurípides. Su nombre deriva del griego yo canto. En . Otras veces. Cierto que se encuentran algunos ensayos en lengua vulgar.A pesar de esto. social o intelectual del personaje principal. y se consolidó con la tríada de grandes trágicos del clasicismo griego: Esquilo. es considerada como la diosa o numen de la tragedia. la fatalidad. apelativo que se daba al dios Dionisos. que es sacrificado así a esa fuerza que se le impone y contra la que se rebela con orgullo insolente o hybris. una de las nueve musas. cuya etimología deriva de la palabra griega τράγος /"trágos"/. Sófocles. inexpugnable e inevitable contra el universo o los dioses. se la figura algunas veces con el Terror y la Piedad. sobre todo. las tragedias han de acabar generalmente en muerte o en la destrucción física. un ejemplo de ello es Antígona de Sófocles. es decir. su origen está arraigado en la Antigüedad. el hado o fatum. de aspecto grave y serio y calzando el coturno. unos ciento sesenta años después de la muerte de Sófocles y Eurípides y doscientos veinte años antes de la de Virgilio. en cuerpo escénico no cotidiano. Aparte de los citados autores romanos. Melpómene. donde los ritos teatrales de oriente y occidente lograban la transformación del cuerpo cotidiano. moviéndose siempre hacia un desenlace fatal por una fuerza ciega. Tiene en una mano cetros y a los objetos elevados o heroicos que ella trata y en la derecha un puñal ensangrentado. las diez tragedias Tiempos modernos Entre los modernos no reapareció la tragedia hasta la época del Renacimiento y aun por traducciones o imitaciones de la antigüedad.

• • • • • Partes de la tragedia griega Aristóteles en su Poética señala que las partes de la tragedia se dividen en prólogo. el primero en Francia. El prólogo. Addison. Párodos: cantos a cargo del coro durante la entrada por el párodo izquierdo presidio por un flautista. Tamayo y Baus y Ventura de la Vega. siguiéndole después Racine que elevó a la perfección el restaurado género. en Dinamarca. pueden participar hasta tres actores pero sólo hablan dos y el otro está mudo o puede ser un monólogo. Prólogo: Según Aristóteles es lo que antecede a la entrada del coro. Cienfuegos.1552. En estas parte se realiza un canto lírico. Grillparzer. episodio. además de Crebillon. en Inglaterra. Dryden. lo cuales son pasajes en los que el protagonista sufre. hizo representar la tragedia de su invención Cleopatra cautiva. Jovellanos. es la parte más importante por ser la dramática por excelencia y expresa el pensamiento e ideas del personaje. se dan danzas de avance y retroceso. el poeta Jodelle. Alfieri y D'Annunzio. Hardy Durier. Enschlager. Huertas. Se le informa al espectador el por qué del castigo que va a recibir el héroe y en esta parte no interviene el coro. en Italia. con su primera tragedia Medea. 2. También a Quintana. Voltaire. 3. Mairet y su ejemplo hasta que en 1635 apareció Corneille. hay diálogo entre el coro y los personajes o entre personajes. precede al párodo del coro. 1. Schiller. Goethe. Shakespeare. se utiliza el dialecto ático (más adecuado a los cantos corales debido a su musicalidad). . los ya citados Corneille y Racine. Ben Johnson. intervención del coro que no es cantado. Otway. Metastasio. Roberto Garnier. es un canto de coro sin anapesto ni troqueo. Casimir Delavigne. En cuanto estásimo. Las características generales son: se da la ubicación temporaria y se une el pasado del héroe con el presente. Dentro de los episodios se pueden encontrar los agones. Después vienen siete episodios entrelazados por cada estásimo para concluir con el éxodo. Episodios: pueden ser hasta cinco. Martínez de la Rosa. Marlowe. y la parte del coro que se divide a la vez en párodo y estásimo. Lemercier. Entre los autores modernos que más se han distinguido en la tragedia hay que citar: • en España a Lope de Vega y Calderón de la Barca que compusieron verdadera tragedias a pesar de titularlas comedias. en Alemania y Austria. en Francia. éxodo.

TEATRO ISABELINO El teatro isabelino (1558-1625) es una denominación que se refiere a las obras dramáticas escritas e interpretadas durante el reinado de Isabel I de Inglaterra (1533-1603). sufriendo el pathos y muchas veces convirtiéndose en el pharmakon (el remedio para el mal). Estásimo: es la parte lírica-dramática donde el autor expresa sus ideas políticas. religiosas. las antiestrofas eran dichas por Corifeo (un representante del coro) 5. Carlos I. Es aquí donde aparece la enseñanza moral. Macbeth (1606. Los episodios son siempre separados por los estásimos. por el coro. el héroe reconoce su error y es castigado (a veces con la muerte) por los dioses. escritas para celebrar el ascenso al trono del soberano. hay cantos líricos y dramáticos. etc. pero tampoco el desenlace trágico. incluyendo el de su sucesor. hasta la clausura de los teatros en el año 1642 a causa de la llegada de la Guerra civil ("teatro carolino"). El hecho de que se prolongue más allá del reinado de Isabel I hace que el drama escrito entre la Reforma y la clausura de los teatros en 1642 se denomine Teatro renacentista inglés. En la Grecia clásica. y La . Se encuentra a medio camino entre la tragedia y la comedia: no se evitan las situaciones cómicas. fundamentalmente. Los dioses no intervienen en la vida de los hombres y puede haber más de una acción al mismo tiempo. El éxodo como los estásimos son siempre dichos por el coro o Corifeo. Shakespeare le dedica a Jacobo I algunas de sus obras principales. e incluso más allá. el drama satírico o la tragicomedia suele tratar un tema legendario. y se asocia tradicionalmente a la figura de William Shakespeare (1564-1616). las cuales son siempre pronunciadas por el coro. filosóficas. homenaje a la dinastía Estuardo). generalmente en estos están sintetizados las características de una clase social. Estos mismos pueden estar divididos en estrofas y antiestrofas. porque se parece a dicho término. El rey Lear (1605). es la segunda entrada del coro y en esta parte no danza. aunque con efectos cómicos protagonizados. aunque en la tragedia griega antigua. En realidad los estudiosos extienden generalmente la era isabelina hasta incluir el reinado de Jacobo I († 1625).4. también se le denomina como género psicológico..1 TRAGICOMEDIA Es una obra dramática en la que se mezclan los elementos trágicos y cómicos: También se le conoce como pieza. hablándose entonces de "teatro jacobino". Éxodo: es la parte final de la tragedia. hay de tres a cinco. como Otelo (1604).

como las "pastorales" o las "tragicomedias". lo cómico y lo novelesco. la tragedia personal de Lear y la nacional de Inglaterra rota por la guerra civil. Al final Claudio se alza. El bufón de El rey Lear. por afecto. Lo mismo puede decirse de muchas otras grandes comedias de Shakespeare e isabelinas. LA TRAGICOMEDIA Y LO NOVELESCO Un drama muy ligado a los efectos escénicos y que se apodera de las emociones más violentas se asocia entonces a las pasiones del amor más morboso: el cuadro antiguo pintado con mano sutil es restaurado con trazos tan gruesos que casi ocultan el toque del artista. cuyas tragedias y comedias mantuvieron sin embargo una mayor separación irónica y realista. juntando lo trágico. dejando la corte. como por otra parte ocurre en el cine moderno. había regalado todo su patrimonio. para darle la vuelta al personaje mismo que está recitando. Se pueden encontrar otros ejemplos de esto entre los isabelinos. en las que lo cómico se mezcla fatalmente con lo trágico. . que incluye entre otros una "mascarada". y la locura del rey caído en desgracia por la traición de sus hijas a las que. anticipando el distanciamiento irónico del teatro de Bertolt Brecht. El teatro dentro del teatro Que el teatro isabelino era un "teatro abierto" y no sólo en el sentido literal del término parece demostrado también por el sentido de autoironía de los actores y de los dramaturgos isabelinos. en la que el joven heredero al trono de Dinamarca contrata a un grupo de actores itinerantes para representar frente a los ojos de Claudio. El período isabelino no coincide cronológicamente en su totalidad con el Renacimiento europeo y menos aún con el italiano. disgustado y aterrorizado. fusión de comedia y tragedia. mostrando un fuerte acento manierista y Barroco en sus elaboraciones más tardías.tempestad (1611. No es por casualidad que los mismos dramaturgos renacentistas trabajasen contemporáneamente con obras del tipo "mixto". como por el efecto del claroscuro. interludio musical en honor del rey que asistió a la primera representación. del que sospecha que ha asesinado a su padre. pero el ejemplo más emblemático es el de Hamlet. Para esta clase de actores el dramaturgo isabelino inventa el teatro dentro del teatro. un drama que reconstruye el presunto asesinato. mas la ironía y la comicidad de los personajes. El actor gusta de hablar al público "entre líneas". proporcionaban el alivio cómico al público haciendo resaltar. la profundidad de la exploración filosófica le confieren mayor aliento. Por esto el joven Hamlet se convencerá de la culpabilidad (hasta entonces no probada) de su padrastro. pero también con el "teatro dentro del cine". La tempestad tiene mucho de tragicomedia. Se ha visto en la mascarada de La tempestad. con éxito semejante al del "cine dentro del cine". La mezcla de géneros propia del renacimiento inglés fue también experimentada por los isabelinos. tramando su asesinato.

Fletcher. lejos de "empeorar" los personajes. que definió la unidad de tiempo y acción (la de espacio es un añadido de los humanistas) en el drama. La idea de usar un metro semejante se le ocurrió a Surrey por la versión de la Eneida de Molza. permaneciendo (sobre todo en el caso de Jonson) a nivel de "tipos" o "máscaras". locura). días. En El rey Lear el abandono del viejo rey por parte de las hijas es el tema dominante (y no hay cosa que resulte más actual que el drama del abandono de los ancianos y de la fragmentación del núcleo familiar). que imita bastante fielmente el verso latino senequista. dos jóvenes de catorce años que deciden en pocos días casarse y huir de casa. meses con una agilidad casi pareja a la del cine moderno. liberando al diálogo dramático de la artificiosidad de la rima. exaltando en verdad la cualidad universal de los grandes personajes históricos o legendarios. Con otro estilo y otra técnica. El verso blanco juega una parte no menor confiriendo a la poesía la espontaneidad de la conversación y la naturalidad del recitado. Marlowe y muchos otros encontraron campo fértil para su genio. infringiendo consolidados tabúes sociales (sexo. demostrando que en esta época aún nos conmueven profundamente. incluso los temas sociales se tratan de manera moderna. saltando horas.Innovaciones respecto al teatro continental La época isabelina no se limitó a adaptar los modelos: renovó felizmente el metro con el verso blanco (blank verse. El teatro isabelino introduce asimismo toda una serie de técnicas teatrales de vanguardia que fueron utilizadas siglos más tarde por el cine y la televisión. les hacen más semejantes a nosotros. inventor del versi sciolti (verso libre). pero estos personajes no tienen la vida de los de Shakespeare. en toda su complejidad psicológica. muerte. consiguió imponerse mejor en el continente: sólo algunos clasicistas de corte académico como Ben Jonson siguieron al pie de la letra los preceptos. El escenario inglés de finales del siglo XVI (sobre todo en Shakespeare) presenta un frecuente y rápido sucederse de escenas que hacen pasar rápidamente de un lugar a otro. Modernidad y realismo de los personajes La relectura isabelina de los clásicos supuso un vendaval de innovaciones en historias ya milenarias. pero debe esperarse al Gorboduc de Sackville y Norton (1561) para que se usase en el drama para llegar a culminar en la epopeya bíblica de John Milton. Beaumont. Cualidad esta que. pentámetro yámbico carente de rima). La Poética de Aristóteles. Teatro de vanguardia . el Paraíso perdido. mientras se conserva la regularidad de los cinco pies del verso. en la representación del suicidio de los amantes. Cabe pensar en el amor "prohibido" entre Romeo y Julieta. El verso blanco fue introducido por el Conde de Surrey cuando en el año 1540 publicó una traducción de la Eneida usando esta forma métrica. Fue sobre todo gracias a la renuncia a las reglas que el teatro isabelino pudo desarrollarse de aquellas formas nuevas en las cuales Shakespeare. canibalismo.

De aquí que toda etiqueta resulte demasiado estrecha para englobar a escritores que proceden de distintos horizontes literarios. '50 y '60 y. En lugar de personajes bien caracterizados. en la literatura del "no-sentido" de autores como Lewis Carroll. un fenómeno teatral que se caracteriza por la negación de las formas establecidas y por la búsqueda de un nuevo y original lenguaje escénico. en general. de una estructura lógicamente construida y de diálogos brillantes. en Francia. Eugene Ionesco. Precedente Sus raíces pueden encontrarse en las obras de "moralidad alegórica" de la Edad Media y en los autos sacramentales (dramas religiosos alegóricos) de la España barroca. ideológicos y geográficos (es curioso observar que los más importantes autores coloniales han nacido fuera de Francia. en las obras de Arthur Adamov. y Jean Tardieu. Fernando Arrabal. En el teatro del absurdo tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona a la sociedad y el hombre. alrededor de 1950.. sino más bien de analogía entre varios autores en orden a la problemática teatral. abandono de la psicología como resorte escénico y abandono de todo realismo. uno de cuyos primeros exponentes fue la obra "Ubu rey" de Alfred Jarry (1896) así como la enorme influencia de Antonin Artaud (1896-1948) con su libro "El Teatro y su doble" Como en la nueva novela. las anti piezas del nuevo teatro nos presentan el reflejo de un mundo de pesadilla y una reflexión sobre el lenguaje hecha de absurdo e incongruencia. en las obras de ensueño de Strindberg y las novelas de James Joyce . en especial. pero su producción dramática se hace en francés y sobre todo pensando en París). Samuel Beckett. Historia Emerge en el París de los años cuarenta y principios de los cincuenta. diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. el estilo teatral que surgió a partir de la obra de aquellos. Se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado.. no puede hablarse de escuela o de movimiento. tanto en su aspecto técnico como de contenido.El Teatro colonial es un movimiento teatral que surge paralelamente a la anti novela o nueva novela (v. Jean Genet. Teatro del absurdo Teatro del absurdo es un término que abarca un conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos en los años 1940. y que únicamente tienen en común un determinado número de premisas. Sus precedentes se hallan en las tendencias innovadoras en el teatro desde inicios del siglo XX.. A través del humor y la mitificación escondían una actitud muy exigente hacia su arte.). Estas premisas son esencialmente negativas y se concretan en un triple abandono: abandono de la intriga convencional.

la obra Días felices de Beckett (1961) expresa una generalizada ansiedad del hombre sobre la aproximación de la muerte. Es por ello que las imágenes del teatro absurdo tienden a asumir la calidad de la fantasía. Así. la justicia. Entre los principales dramaturgos del teatro del absurdo se cuentan Alfred Jarry. de Ionesco. quien lo convirtió en título de un libro de 1962 sobre la materia. Esslin consideró que estos dramaturgos daban expresión artística a la filosofía del absurdo de Albert Camus que . Eugène Ionesco. Origen Los autores comenzaron a aglutinarse bajo la etiqueta de lo absurdo como una forma de acuerdo frente a la ansiedad. de Beckett y El rinoceronte. la libertad. si bien la clasificación es discutible. mientras que en Rinocerontes de Ionesco (1960) se muestra la ansiosa preocupación acerca del esparcimiento de las inhumanas tendencias totalitarias mostrando a la población de una ciudad transformándose en salvajes paquidermos. a través de la imagen concreta de una mujer hundida hasta la cintura en el suelo en el primer acto y hasta el cuello en el segundo. Fuera del teatro: algunas de las películas de Luis Buñuel podrían catalogarse de absurdistas. obra originalmente publicada en 1938 de Antonin Artaud. El dramaturgo del absurdo viene a ser un investigador para el cual el orden.y Franz Kafka. Samuel Beckett. en el drama grotesco de Alfred Jarry. El dramaturgo del absurdo desmantelará el viejo universo cartesiano y su manifestación escénica. lo salvaje y la duda ante un universo inexplicable y recayeron en la metáfora poética como un medio de proyectar sus más íntimos estados. Harold Pinter y Slawomir Mrozek. la "psicología" y el lenguaje no son más que una serie de sucesivas aproximaciones a una realidad ambigua y decepcionante. o de este último también La cantante calva. y en las farsas fráticas de Georges Feydeau. Tom Stoppard. Dramaturgo del absurdo La literatura del absurdo da muestra de la filosofía del dramaturgo de la cual Beckett es uno de los máximos representantes. por ejemplo. Antonin Artaud. Arthur Adamov. Aunque más bien a Beckett se le relaciona con el Teatro del absurdo donde la tragedia y la comedia chocan en una ilustración triste de la condición humana y la absurdidad de la existencia. Virgilio Piñera. creador del estilo del teatro de la crueldad. Algunas obras representativas son: Esperando a Godot. Una de las fuentes teóricas más potentes del teatro del absurdo fue El teatro y su doble. sin interesarle tanto la aparición de la realidad objetiva como la percepción emocional de la realidad interior del autor. Término El término lo acuñó el crítico Martin Esslin. el sueño y la pesadilla. obras que tuvieron como continuadores directos el movimiento dadaísta y el surrealismo de los años 20 y 30. Jean Genet.

desde un enfoque global. "Es una modalidad dramática que se rige por los principios existencialistas expresados en términos absurdos". la expresión artística o la educación emocional. Teatro existencialista El teatro existencialista nació a mitades del siglo XX en Francia. así como el objetivo de los humanos. su existencia. Sin embargo.indica que la vida es inherentemente absurda y tal es su sentido. escribir. en ese sentido. hasta las relacionadas con los talleres de escritura. Desde los diálogos teatrales creados ex professo por el humanista Juan Luis Vives para la enseñanza del latín a los universitarios durante el Renacimiento. Sus obras. decía que la humanidad tenía que resignarse a reconocer que una explicación completamente racional del universo estaba más allá de su alcance. la animación lectora. inspiradas en sus doctrinas filosóficas. tener en cuenta los aspectos metodológicos que ayudan el desarrollo de la capacidad de interrelación de todas estas formas de expresión por medio de la interdisciplinariedad. . psicomotores. la expresión corporal. hasta las modernas técnicas de dramatización que contemplan la enseñanza como un todo. Camus. el mundo debe ser visto como absurdo. Para delimitar bien todas las facetas de la enseñanza del teatro en la educación se deberían abordar. Surgió con las obras del filósofo Jean Paul Sartre. en las cuales teoría y práctica se retroalimentan y se contemplan tanto los aspectos cognitivos de la formación como los aspectos afectivos. en particular. el teatro no se puede reducir en la escuela a un mero instrumento didáctico. las técnicas expresión y habilidades todo. el fomento de la creatividad. escuchar o hablar sino. la semiótica teatral. tratan diferentes puntos de vista sobre la creación del hombre en cuanto a su naturaleza. Teatro en la educación El teatro en el ámbito de la educación forma parte de pedagógicas utilizadas para desarrollar las capacidades de comunicación de los alumnos centrándose no sólo en las lingüísticas de leer. también es denominado como el teatro del compromiso social. Y lo que es más importante. la didáctica de las lenguas. En palabras de Esslin. sobre habilidad de comunicar. el arte dramático y otras. la responsabilidad que conlleva la capacidad de elegir de los seres racionales dejando a un lado las divinidades. el mayor representante del existencialismo. áreas de conocimiento que van desde la teoría literaria. artísticos y sociales. perceptivos. en la Como recurso didáctico ha sido utilizado en todas las épocas y situaciones.

violencia entre otros. Como los demás movimientos teatrales nacidos en esta época. más que el entretenimiento o el mimetizar la realidad. Este teatro se diferencia de los demás de su momento por centrarse en el tema del individuo y la circunstancia que lo rodea. consiste en que el existencialista propone soluciones a los problemas y el teatro del absurdo prefiere presentar los problemas y dejarlos al juicio del público.Además de Sartre. dejando a un lado el tema en si. Aunque muchos de los conceptos relacionados con el Teatro Épico habían existido durante años o incluso siglos. desarrollando y popularizando el estilo. igual que el teatro del absurdo. refleja una realidad interna y una preocupación extrema por la técnica utilizada para expresar diferentes situaciones y sentimientos. Teatro Épico El Teatro Épico (alemán: Episches Theater). Este género se enfocaba en la crítica. Más tarde Brecht preferiría el término de Teatro dialéctico para enfatizar el elemento de la argumentación y la discusión. . se produce un alejamiento de las teorías radicales de Antonin Artaud quien buscaba afectar al público en un nivel absolutamente irracional. sino representar los lados opuestos de un argumento. y debería permanecer a una distancia emocional de la acción. conflictos entre países. En general fue una reacción contra otras formas populares de teatro. el teatro existencialista fue el movimiento teatral con mayor preocupación sobre los temas actuales así como la situación de la humanidad de la época. En el Teatro Épico se asume que el propósito de la obra. era presentar ideas e invitar al público a hacer juicios acerca de ellas. El público debería siempre ser consciente de que está viendo una obra de teatro.Aparte de esto Brecht introdujo la técnica de distanciamiento. En conclusión. es un tipo de teatro que surgió a principios del siglo XX. Brecht buscó otra forma de escapismo. también conocido como el Teatro de la Alienación o Teatro de Política. intrínsecamente ligado al director alemán Bertolt Brecht. El teatro existencialista criticaba la situación contemporánea. en particular contra el drama realista cuyo pionero era Konstantin Stanislavski. de arquetipos o estereotipos. la diferencia entre estos 2. Brecht describió este ideal como Verfremdungseffekt (Efecto de extrañamiento o alienación). a Brecht no le gustaba el espectáculo vacío. Brecht los unificó. pobreza. pero donde Stanislavski intentó copiar el comportamiento real humano a través de técnicas de actuación para sumergir al público en el mundo de la obra. que cambiasen el ambiente criticado. los argumentos manipulativos y la elevada emoción del melodrama. Al centrarse el Teatro Épico en lo político y social. Como Stanislavski. para posteriormente alentar al público sobre acciones. los cuales suelen ser problemas actuales y de toda una sociedad como los son conflictos tales como guerras. Los personajes no deben imitar a las personas reales. Es lo contrario de la suspensión de la incredulidad. también cultivó este tipo de teatro Albert Camus y algunas obras de Anuillh guardan semejanzas con las existencialistas.

por el contrario. Los actores a menudo interpelan directamente al público sin estar interpretando su personaje (romper la cuarta pared) e interpretan múltiples papeles. y todo el mundo en la audiencia supo que el personaje estaba asustado. pero en su lugar fui de compras". Con esto se pretende dejar una huella en el espectador. Brecht usaba la comedia para distanciar a su público de los hechos emocionales o serios y se vio muy influenciado por los musicales y los intérpretes de feria.También se contrapone al Teatro aristotélico en el que el espectador debía identificarse con el personaje (catarsis). Otra tendencia. Técnicas Eran técnicas de producción comunes en el Teatro Épico la inclusión de escenarios irreales por su simplificación. Teatro de la crueldad Teatro de la crueldad es un movimiento teatral muy heterogéneo. Por ejemplo. plantea que se debe golpear sentimientos primarios del espectador mediante escenas violentas y chocantes para . aunque el actor permaneció completamente calmado durante toda la obra. en conflicto con el efecto emocional esperado. Algunas tendencias interpretan el teatro de la crueldad como una obra que toque las fibras íntimas del público por el mero deslumbramiento y ritualización del espectáculo teatral. y música que entra. Estas vagas ideas han dado lugar a numerosas propuestas muy diferentes entre sí. más radical. Brecht pensaba que era importante que las opciones de los personajes fueran evidentes e intentó desarrollar un estilo de actuación en el cual era evidente que los personajes elegían una opción en lugar de otra. anuncios o carteles que interrumpen y resumen la acción. un personaje puede decir: "Podría haberme quedado en casa. el actor se distancia de la obra y por lo tanto evita cualquier emocionalidad excesiva. por lo que incorporaba música y canciones en sus obras. inspirado en las ideas del escritor francés Antonin Artaud. en el cual se explotan al máximo sus posibilidades físicas y visuales. de manera irónica. La actuación en el Teatro Épico necesita que los actores interpreten sus personajes de manera convincente sin. que la obra lo marque. Con un Gestus que claramente defina la actitud del personaje. La base en la que se inspira este movimiento teatral es la de sorprender e impresionar a los espectadores. expuestas en su libro El teatro y su doble (1938). Brecht se basó en el teatro chino: notó que el actor Mei Lan Fang interpretó una escena que requería que su personaje estuviera asustado tan sólo poniendo un mechón de su pelo en su boca. convencer ni a la audiencia ni a ellos mismos de que son en realidad los personajes que interpretan. mediante situaciones impactantes e inesperadas. Un término acuñado por Brecht es el Gestus: una actitud física o un gesto que representa la condición del personaje independientemente del texto.

enlazado con la siguiente acotación: "Mientras vuelve el ciego pasa un entremés entre un procurador y un litigante". Armando Discépolo introducirá un giro sombrío y dramático en este género transformándolo en el "Grotesco Criollo". y normalmente. Entremés Se conoce como entremés (o paso) a una pieza dramática jocosa y de un solo acto. entre la primera y segunda jornada de una obra mayor. XIX y XX. Fernando Arrabal. a fines del siglo XVI y durante el siglo XVII y XVIII hasta su prohibición en 1780. por las desconcertantes acciones de algunos de sus personajes. conocida en inglés como "in your face" -en tu cara. se dice: . con autores especializados como Tomás Luceño y Javier de Burgos. protagonizada por personajes de clases populares. Posteriormente será llamado sainete. Así se usa en el Entremés de la Representación de la historia evangélica de san Juan de Sebastián de Horozco.captar su atención (un claro exponente de esta tendencia. En Europa. En el prólogo de la Comedia de Sepúlveda. que se representaba como intermedio de una función o al final. El Living Theatre de New York. Sustituye al entremés en el siglo XVIII. Entre los principales cultivadores de este subgénero cómico en el siglo XVIII se encuentran los gaditanos Luis Moncín y Juan Ignacio González del Castillo. A finales del siglo XIX fue materia frecuente del llamado género chico y del teatro por horas. su equivalente es la farsa. Entre los más importantes autores influidos por el teatro de la crueldad están: Peter Weiss. como "manjar entre dos platos principales". en un acto. y los madrileños Ramón de la Cruz y Sebastián Vázquez. en una acepción gastronómica.es el británico Martin McDonagh. David Mamet. Harold Pinter. que solía representarse durante el Siglo de Oro español. Evolución y estilo El término entremés procede del catalán y está documentado en el siglo XV como una especie de pantomima representada en banquetes cortesanos y. Alejandro Jodorowsky y en menor medida. ya que un público traumatizado se preocupa más por el golpe emocional que por la trama misma. un pleito cómico situado al final del primer cuadro del mismo. de carácter popular. Esta aplicación extrema de las ideas de Artaud ha ocasionado polémicas sobre el valor estético de la tendencia (que se considera que desvirtúa la idea original). Su uso actual se generaliza en el siglo XVI alternando con el más común de paso. de 1547. Martin McDonagh. cuya denominación se aplicó en España a cualquier tipo de representación teatral. Sainete Un sainete es una pieza dramática jocosa. es decir. Posteriormente en el Río de la Plata. y revitalizaron el género en el siglo XX Carlos Arniches con su colección de sainetes Del Madrid castizo y los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero. célebre por sus obras de atroz violencia y sadismo).

un pregonero. este ingenio llegó incluso a crear un subgénero entremesil. El mismo Timoneda en El deleitoso (1567) dice: "Venid alegremente al Deleitoso / hallarlo heis repleto y caudaloso / de pasos y entremeses muy facetos". Lope de Vega. por otra parte. era pues una acción no exenta de la principal. En sus principios. Así era en el caso de algunas obras de Gil Vicente o Garci Sánchez de Badajoz. en su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609). un buñolero y un villano bobo y procaz. diferente del ya mencionado. Juan de Timoneda cita la palabra entremés precisamente en una de sus obras más conocidas. pero una comedia mala con un buen entremés podía mantenerse en cartel y ser un éxito (los éxitos teatrales del Siglo de Oro no pasaban por lo general de una semana). a manera de descanso o interludio cómico. Al principio se escribía indistintamente en prosa o verso. sin embargo. la tonadilla. en su obra El viaje entretenido (1603). el llamado entremés cantado. como Cosme Pérez. protagonizado por un fraile rezador y visitador de burdeles. Se ve pues en la denominación de paso era sinónima del algo más gastronómico entremés. golpes y manteos en clara manifestación del carácter carnavalesco del género. Había actores especializados en este género. escribió: Y entre los pasos de veras Mezclados otros de risa Que. que intercambian insultos.No os puede dar gusto el sujeto así desnudo de aquella gracia con que el proceso del suele ornar los recitantes y otros muchos entremeses que intervienen por ornamento de la comedia. Un entremés venía a venderse por el triple de lo que costaba una loa y tenía una importancia capital en un programa teatral del siglo XVII. que no tienen cuerpo en el sujeto de ella. y lo tenía por arquetipo de la comedia antigua que él había venido a renovar con su comedia nueva. la colección dramática La Turiana. junto a los pasos de Lope de Rueda tenidos por antecedente del entremés. de forma que una comedia buena con un mal entremés fracasaba irremediablemente. escribió el primer entremés exento. en la cual se contienen diversas comedias y farsas muy elegantes y graciosas con muchos entremeses y pasos apacibles (1565). Agustín de Rojas Villandrando. Éste empezó a definirse con los Pasos de Lope de Rueda en el siglo XVI. Sebastián de Horozco. porque iban entre medias De la farsa. par ser representado en un convento de monjas el día de San Juan Evangelista. más conocido por su sobrenombre de Juan . los llamaron Entremeses de comedias Desde que Luis Quiñones de Benavente (1600-1650) configuró definitivamente el género en el siglo XVII. acabó escribiéndose en versos e incorporando a veces números cantados que darían lugar a un género posterior. y otros dos personajes populares. recuperó su función subsidiaria y lo definía como un "alivio cómico" protagonizado por personajes populares "porque entremés de reyes no se ha visto".

etcétera en la preguerra. los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero. era este una pieza de carácter más extenso y menos lírico. 3. reúnen gran vistosidad porque son destinados a Palacio y empiezan a aparecer elementos paródicos que vienen en último término de la llamada Comedia burlesca. seguidos por otros asiduos cultivadores del género que escribieron en esta época: Alonso de Castillo Solórzano. en su momento final. destacaron el gaditano Juan Ignacio González del Castillo y el madrileño Ramón de la Cruz. Luis Quiñones de Benavente y Francisco de Quevedo. pero es sustituido por el sainete. ajenas al idealismo estético del Neoclasicismo. La evolución del entremés se repartió a lo largo de cuatro etapas: • 1. La pérdida de su vitalidad se compensa con esa dicha vistosidad y carga paródica. 2. 5. incluye los fines del siglo XVII y el siglo XVIII en que acaba por desaparecer de la escena. y a fines del siglo XVIII. • • • • . Antonio Hurtado de Mendoza. 4. Abarca íntegra la segunda mitad del XVII y empieza a desarrollarse el costumbrismo. Algunos entremeses. etcétera. en la posguerra Max Aub. Antonio de Zamora.Rana. Se renueva con nuevos tipos: el petimetre afrancesado. A fines del siglo XIX y principios del XX algunos autores reivindicaron la tradición farsesca del entremés. en 1778. el comienzo de la decadencia con el agotamiento de las ideas. Lauro Olmo y otros muchos. Alonso Jerónimo de Salas Barbadillo. temas y modelos y. situado entre el segundo y tercer acto. Recuperación y reivindicación. existe sin embargo repetición de algunos esquemas. Entran en esta etapa autores de entremeses primitivos como Lope de Rueda y Juan de Timoneda. sin embargo. Juan de la Hoz y Mota. Nacimiento. Recuperaron fundamentalmente el espíritu del entremés y algunas de sus características morfológicas: Valle-Inclán. Fueron en primer lugar los autores del teatro por horas. formación y consolidación definitiva. con un argumento más desarrollado y sin apenas números cantados. Algunos de los autores más importantes de esta etapa son Jerónimo de Cáncer y Agustín Moreto. Manuel de León Marchante. Todavía. desde la segunda mitad del XVI a mediados del XVII. En este nuevo género. una auténtica celebridad en su época y para quien escribieron gustosos los ingenios cortesanos no menos de cincuenta piezas. Época de gran popularidad de los entremeses y de una abundante y prolífica producción de los mismos. Luis Vélez de Guevara y otros muchos. por otra parte. cuando los teóricos de la Ilustración lo prohibieron por su vulgaridad y chabacanería. el castizo majo y el abate presuntuoso. Son los autores más originales Miguel de Cervantes. Fase de decadencia del entremés. Época de esplendor del entremés. pero no por motivos morales. era esta una oposición que se añadía a la de la Iglesia. produce el entremés algunas figuras interesantes como Francisco de Castro. Carlos Arniches.

El médico es figura muy atacada en el entremés a causa de sus pobres medios de curación. Y eso supuso atraer las primeras críticas de los clérigos regulares y seculares. el baile. el fin de fiesta. acusado de envenenar y hacer morir a la gente como el médico. Sus personajes tenían un carácter popular y la temática derivaba frecuentemente hacia el costumbrismo. que cita importunamente medicinas y recetas en sus argumentos amatorios. malicioso aunque suele ser víctima de los engaños ajenos. el gran Juan Rana. caricaturizados por sus sordos oídos y ciegos ojos ante la gente del hampa que los soborna. con su costumbrismo. El opuesto al soldado y su rival era el sacristán. los alcaldes rurales. tomando frecuentemente carácter satírico. tipos) del entremés el bobo o simple. la mojiganga. camorristas o gorrones. el vocabulario de la vida cotidiana del país. que no las tenían todas consigo en cuestión de espectáculos que consideraban inmorales o incentivadores del pecado. siempre a lomos de una mula para darse tono. mejor que personajes.El entremés formaba la parte más importante y sustancial del llamado teatro menor. caracterizados por su palurdez y paletez y muchas veces identificado con el bobo e incluso con un actor cómico característico. o también aquellos que huían de cumplir algún castigo o condena. presunción y vanagloria y se incorporaban a la sociedad organizada sin hallar hueco a su talante aventurero. tras el bobo. y que en el entremés ejerce muchas veces el papel de alcalde de pueblo o criado. se les caracteriza como ávidos de dinero y de confuso y culto lenguaje. entre los cargos públicos. surgido de la fusión de la nobleza con la burguesía. El entremés se convirtió en una especie de desfile de tipos sociales populares o representativos de distintos oficios. buscaban mejor manera de ganarse su sustento. reflejando de forma realista algunos temas que no podían aparecer en la pieza mayor. la milicia ofrecía los tipos del soldado pobre sin oficio y huésped triste de los figones. muchos de ellos volvían al cabo de años cargados de heridas. integrado también por otros géneros como la loa. es el personaje más frecuente. el erudito padre Martín Sarmiento afirmó en su Declamación contra los abusos de la lengua castellana (Madrid. Por otra parte su lenguaje era mucho más realista y vivo que el de la comedia y prescindía de los alambicamientos retóricos y metafóricos de está siendo más directa y fresca. en ocasiones en ligera o discreta disputa con él. porque a ella iban a parar los segundones y aquellos que. aconsejándole lo que debe hacer. la jácara. Menos respetado y más maltratado es el letrado. cuantioso producto de las universidades que ofrecían escapatoria a los hijos de la baja nobleza y de la burguesía y que podían siempre . la milicia era también criticada. y recogía todo tipo de tecnicismos relacionados con los oficios populares y. y solía ser un amante ridículo. por no poderse adaptar al método y rigor del trabajo manual. y aparece repetidas veces al lado del alcalde simplón e ignorante como su contrapunto. el baile entremesado etcétera. Personajes Eran habituales personajes (o. terminando muchos de ellos como fanfarrones. El escribano era popular y no entre los más agudamente zaheridos. los alguaciles. además. 1795): "Nunca supe lo que era la lengua castellana hasta que leí entremeses". que tenía más posibilidades económicas que él y más aceptado por las mujeres. rival en amores del sacristán y casi siempre desairado en ellos. El boticario era personaje menos popular.

Los estudiantes no aparecen favorecidos: siempre se hallan envueltos en aventuras de amor. que siempre es inteligente y comedido. siempre enamorados y enamoradizos. y víctima de un concepto decadente y deformado de lo que había sido una gloriosa clase social. digno de conmiseración más que de risa. caballos blancos que desplumar y siempre avaros. celoso o embebido en las manías de su mujer. En la corte se mezclaban además genes de todo pelaje y la más diversa condición: los franceses eran frecuentes en los oficios de caldereros. más cobardes que aquellos. fanfarroneando opulencia. cartujo. mendigos. en los entremeses son presentados como trampolicantes burlones y auténticos genios de la picardía. riñas nocturnas. Los pajes entremesiles suscitan la risa con su hambre y glotonería sempiterna y con sus embustes y burlas. burlado. Los criados aparecen frecuentemente. aunque no siempre. presentan. los portugueses. Es sin duda el tipo más deformado. modismos y frases particulares. parlanchines. timados o estafados. Aunque encarnaban la aristocracia intelectual del país. bravucones. los flamencos eran más raros. es un campesino o un ciudadano que se guarnece de la siempre veleidosa mujer que le ha tocado quitar el sueño. como lo fuera en la novela picaresca: pobre en el fondo. buhoneros y castradores. son como el guapo de la obra y los romances vulgares. que heredó todo lo que de ridículo se había echado encima al pobre hidalgo y responde a un contacto menos vivo con la realidad social. aparecen de dos maneras: como pobres víctimas de los huéspedes. duelos. Los mesoneros protagonizan un particular mundo de andariegos soldados. altaneros y dados a cantar. El marido ofrecía amplio campo al entremés en sus facetas de cornudo. más ladrones y de perversas y torcidas intenciones las más veces. a la novela picaresca y a la novela cortesana numerosos episodios y caracteres a la par que enriquecieron el idioma con giros. eran mirados con desprecio por el pueblo. los negros . están en concordia y buena amistad con las gentes de mal vivir. Los hombres aparecen con una impronta de profesión u oficio. pero a veces también con un rasgo de carácter dominante: avaros. En cuanto al hidalgo es de menguado buen trato en el entremés. o como rateros ellos mismos. son muchachos de ingenua torpeza y aguda picardía. gorrones. De peor catadura eran los venteros. los indianos eran siempre ricos inocentes. aunque sus intervenciones no son principales.incorporarse al estado clerical sin más estudios que los proporcionados por las universidades. sin apenas avariantes. disputas con compañeros y bromas estudiantiles fuera de las horas de estudio. casamenteros o valientes o bravucones que se confunden ya en el XVIII con el militar mismo y se arrugan siempre cuando llega el momento de demostrarlo. gente del hampa. Eran pendencieros. la apariencia de rudos y atontados en contraposición con el mismo tipo de la comedia. campesinos y viajeros a la corte. amoladores. a fines del XVII y en el siglo XVIII desaparece y es sustituido por el vizconde. El poeta es tan pobre como el hidalgo y es caracterizado por su manía de reducirlo todo a verso. alegres y tunos y proporcionaron a la comedia.

Vicente Suárez de Deza. los montañeses. pertenecía a cualquier clase social. la mala intención y el mercantilismo de la devoción con la buena fe y a veces la ingenuidad. Jerónimo de Cáncer. o la suelta que iba a todas partes. siempre mascullando la oración oportuna al caso y en pugna con los otros colegas del oficio que le ocupan un puesto de más negocio. la embaucadora. danzas y coplas. los gallegos son caracterizados por su servilismo y avaricia. el burdel era el centro de operaciones. vicio y artes. De antigua raigambre es el personaje del ciego o coplero.seseantes y de lenguaje tenebroso salen casi siempre. Autores Los más originales creadores de entremeses son Miguel de Cervantes. Francisco Bernardo de Quirós. incluidas las afueras del corral de comedias. misterioso y alucinante que comprendía otro lenguaje en jerigonza. La buscona era zaherida por su avaricia. Alonso Jerónimo de Salas Barbadillo. si no. Todos ellos son ampliamente caracterizados por su lenguaje de sonidos mal articulados o vocablos mal interpretados. que se impone por su sensualidad o que es llevada a la vida alegre por la avaricia. siempre a cuentas con su hidalguía y anticuados y risibles valores de figurón. La mujer se daba en dos tipos: la recogida en los ambientes honestos del hogar y la familia y sumisa y bondadosa en un ambiente de valores tradicionales. Se les caracteriza por su ingenioso lenguaje y facultad de animar el cotarro con su ingenio chispeante y despejo y desenvoltura. Destacaron también Luis Vélez de Guevara. en los bailes. En su fase final tanto unas como otras van a dar en celestinas o alcahuetas. condenado a galeras o haber estado en el saco o trullo. los gitanos. o con alguna gitanilla graciosa. la gitana graciosa. Antonio Hurtado de Mendoza. Sebastián Rodríguez de Villaviciosa. Por debajo de todo este mundo estaba el de la germanía. También tienen lugar en el cosmos del entremés la mujer redicha. cuando no son personajes. su psicología mezcla la picardía. la hechicera. eran busconas de calle que pululaban por las diversiones populares. la graciosa. la mujer prudente (apenas representada). Francisco de Quevedo y Luis Quiñones de Benavente. La beata hipócrita es también blanco de sátira más o menos directa. . La fregona es otro tipo femenino frecuente. como los negros. mundo de la delincuencia y el hampa sórdido. salen solamente cuando hay que bailar o en la cárcel. de origen campesino y burdas y primitivas maneras. Pedro Calderón de la Barca. para ser de la germanía hacía falta haber sido azotado alguna vez públicamente. la celosa. Alonso de Castillo Solórzano. Si eran de alta clase social y tenían clientela urbana y de estado noble o distinguido eran cortesanas.

realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. No obstante. Creadores ligados al futurismo. al dadaísmo y al surrealismo. el cuerpo del artista y una relación entre este y el público.Agustín Moreto. al constructivismo. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara. la acción poética. • El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo. biólogo francés y Premio Nobel. La palabra "performance" comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. La performance tiene parentesco con intermedia. en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. action art. ya que n o es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística. la palabra "Performance" se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa “performance art” que se refiere al arte en vivo. al movimiento artístico fluxus events y al body art. espacio. la expresiones del arte expresiones (idénticas live art. con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. utiliza el término performance en un sentido próximo a logro. Monod. El performance está ligado a los happenings. Performance El término performance es un anglicismo -palabra (voz) inglesaevitable. heredero del arte conceptual. • • • . La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX. la poesía visual y otras contemporáneo. La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar. a ejecución conseguida. Antonio de Zamora y Francisco de Castro. Francisco Bances Candamo. que tiene dos acepciones básicas en castellano: Jacques L. Algunos llaman a tales o muy similares a la performance): intervenciones y manoeuvres. iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración. Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo. El performance se opone a la pintura o la escultura.

Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos. tal tipo de obra fue explicada por el propio John Cage como eventos teatrales y sin trama. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda. por la imprevisibilidad. suceso). efímero. En el arte contemporáneo. Happening Happening (de la palabra inglesa que significa evento. Manifestación artística. aunque fue Allan Kaprow (alumno de Cage) quien en abril de 1957 durante un Picnic artístico en la granja de George Segal uso la palabra happening para describir las improvisaciones que se representaban. El happening en cuanto manifestación artística es de muy diversa índole. nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte. ocurrencia. Aunque el happening surge en Estados Unidos durante los 1950s y tuvo su apogeo durante los “alegres” 1960 con estéticas próximas al . La propuesta original del happening j que es difícil una real improvisación.• El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público. desde entonces tal forma artística y tal denominación fue adoptada en otros países. En enero de 1958 la frase acuñada por Kaprow es generalizada por la revista estudiantil de la Rutgers University Antologist. Historia Se considera como el primer happening propiamente dicho a la obra Theater piece Nº1 realizada en 1952 por John Cage en el Black Mountain College.que siempre busca redefinír sus formas y maneras-. que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance. ya que busca una participación espontánea del público. como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. frecuentemente multidisciplinaria. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación. Jack Kerouac refiriéndose a Kaprow le llamó el hombre Happening al observar la obra 18 Happenings in 6 parts (1959). suele ser no permanente. la literatura o la cultura. surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores.

entretenido y sin pretensiones. muchas de ellas vinculadas al surrealismo y. sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional" (George Maciunas) Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. en efecto. Yoko Ono. Principales referentes Además de Cage y de Kaprow se consideran como principales realizadores de happenings a : Tadeusz Kantor. Crítica El happening ha pasado a tener un carácter paradojal. las primeras obras de happening fueron escritas en catalán por el poeta Joan Brossa en 1946. . En España. Al Hansen. se encuentran claros precedentes del mismo en ciertas expresiones artísticas vanguardistas de “los años locos” ( los años 1920). Tristan Tzara entre otros. sobre todo al dadaísmo siendo claros antecedentes las exhibiciones no convencionales realizadas en el Cabaret Voltaire por Richard Huelsenbeck. Wolf Vostell y Robert Whitman. Red Grooms. Bazon Brock.llamado pop-art y a las del movimiento hippie. Claes Oldenburg. es decir mucho antes de que Kaprow acuñara el término. George Brecht. Youri Messen-Jaschin. Fluxus "Fluxus-arte-diversión debe ser simple. Su autor las denominó acciones espectáculo. Marta Minujin. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. si la intención planteada teóricamente y en sus orígenes es la de la participación activa de los espectadores para librarles de la masificación. Joseph Beuys. Europa y Japón. Roy Lichtenstein. suele verse actualmente en los "happenings" un resultado completamente opuesto al enunciado. tratar temas triviales. muchos de los "happenings" terminan siendo un espectáculo más de la llamada cultura de masas. Jim Dine. entre 1964 y 1960 los probos improvisaban verdaderos happenings en las plazas de Amsterdam. Alejandro Jodorowsky. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978) Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos. Robert Rauschenberg.

De cierta manera Fluxus nunca existió. se cubre. en especial. Suele realizarse a modo de acción o performance. se pinta. Asimismo Filiou opone el Fluxus al arte conceptual por su referencia directa. . El lenguaje no es el fin. entendido como “arte total“. Yves Klein. se retuerce. de expresar y de elegir. Según Filiou. sino el medio para una noción renovada del arte. Bruce Naumann.Fluxus.. pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. e invierte la propuesta de Duchamp. que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage. Como Dadá. un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano. sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico. Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento.. Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. luego no hay razón para que termine". Se trabaja con el cuerpo como material plástico. introdujo lo cotidiano en el arte. no sabemos cuándo nació. se ensucia. en Estados Unidos. se calca. Body art El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual. quien a partir del Ready Made. inmediata y urgente a la realidad cotidiana. el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. de gran relevancia en los años 1960 en Europa y. es decir. no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística. es "antes que todo un estado del espíritu. Vito Acconci. con una documentación fotográfica o video gráfica posterior.

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