TIPOS DE TEATRO ACTUACION Se conoce como actuación al proceso de investigación personal que hace el actor para descubrir a un futuro

personaje a representar. Dicho proceso comienza desde una interiorización para conocer el principio de dicho personaje y traerlo desde lo más profundo y transformarlo en un personaje integrado. La actuación es descrita como acciones hechas por un personaje dentro de la escena teatral. Aunque dichas acciones son auténticas, deberían por lo menos estar cargadas de una intención que permita que el observador se estimule y logre recibir el mensaje en su totalidad. Un actor es una persona que interpreta a un personaje en cine, televisión, teatro o radio. En ópera la actuación se consideraba más importante que el canto. En el momento actual se está llegando a un lógico mismo nivel de importancia entre actuación y canto, por lo que muchos directores de escena llaman también actores a los cantantes de ópera. La mujer dedicada a esta actividad se le llama actriz, en lugar de actor. Historia Recientes investigaciones han llegado a la conclusión de que las primeras manifestaciones del canto de la actuación surgen en Egipto, cuando se realizaban ritos en que los sacerdotes encarnaban a los dioses para explicar al pueblo el significado de sus enseñanzas y órdenes. El primer actor del que se tiene conocimiento escrito fue el griego Tespo, que actuó en el Teatro Dionisio en el año 534 a. C. En el escenario, Tespo habló en primera persona, interpretando de esta manera a un personaje. Hasta entonces ya se habían narrado historias ante una audiencia, pero siempre en tercera persona y, además, de forma cantada. La profesionalización de la actuación se inició en Europa en el siglo XVI; en Italia, con las primeras compañías profesionales de Comedia dell'Arte; en Inglaterra, con las compañías protegidas por la nobleza en tiempos de la reina Isabel (como la Lord Chamberlain's Men, la compañía de Shakespeare, que luego pasó a llamarse King's Men); en Francia, con la Comédie Française. Hasta el siglo XVII los actores sólo podían ser hombres. Se consideraba algo de mal gusto que una mujer actuase en un escenario. Así, en la época de Shakespeare los papeles femeninos eran interpretados por hombres o por muchachos jóvenes. Fue en los teatros de Venecia donde se produjo el cambio que permitió a las mujeres realizar interpretaciones teatrales.

COMEDIA La comedia es un género dramático que se caracteriza porque sus personajes protagonistas se ven enfrentados a las dificultades de la vida cotidiana, movidos por sus propios defectos hacia desenlaces felices donde se hace escarnio de la debilidad humana. La comedia se origina en el mundo griego, pero se va desarrollando por el Medievo y por la edad moderna, hasta llegar a nuestros días. Como los demás géneros dramáticos, dramática del personaje protagonista; personajes con un rol trágico en obras estos sean, por decirlo de algún modo, a la comedia lo determina la acción de ahí que no sea extraño encontrar de teatro cómicas, siempre y cuando personajes secundarios.

Como características, el personaje protagonista suele ser común y corriente y representar un arquetipo, es decir mentiroso, charlatán, fanfarrón, pícaro, enamorado, etcétera; es también inocente e inconsciente y, a diferencia de la tragedia, donde el personaje protagonista tiene un profundo sentido ético, en la comedia el personaje protagónico considera su moral como una cualidad importante; lo que lo hace ser muy vital, aunque esto es más bien un obstáculo para el personaje. Por ello, su conflicto dramático suele ser, las más de las veces, con la sociedad, además de consigo mismo, por lo que lucha por la superación de los obstáculos que le impiden realizarse consigo mismo o con esa misma sociedad. La comedia es, junto con la tragedia, una de las formas clásicas del drama griego, y uno de los tres géneros dramáticos llamados realistas. Rasgos de la comedia Conflicto: Comúnmente es generado por un vicio de carácter del protagonista. Este vicio de carácter es contrario al bienestar social de la comunidad en la que vive el protagonista. El bienestar social es relativo a la época y al lugar. El vicio de carácter del personaje protagónico lo lleva ser un transgresor de esa sociedad pues ha rebasado los límites de lo "conveniente" y por ello debe ser castigado; esto significa que el personaje vicioso es castigado socialmente, o sea, es puesto en ridículo. Protagonista: Es básicamente un personaje de baja calidad moral y que encarna algún vicio o defecto de los seres humanos (la envidia, la avaricia, la irreverencia o rebeldía, etc.) pero sumamente complejo. En el caso de Tartufo, lo que Molière, critica es la hipocresía, que se representa en este personaje, prototipo del mojigato que finge vivir valores que en verdad no

Posteriormente. al teatro como de puesta en escena del propio texto dramático. que se centra en las pasiones humanas y los conflictos individuales. En pocas palabras. siendo la particularidad de este la predominancia de la función apelativa del lenguaje. especialmente cuando se da el llamado "final trágico". Tragedia: Género griego caracterizado por escenas de gran confusión y desenlace infeliz. formando parte entonces. 2008 (UTC) DRAMA Según la definición griega clásica. en los que se destacan lo trágico y lo dramático. un personaje vicioso que es ridiculizado. Por ello. Existe una confusa tendencia dramática únicamente a todo lo que incluya elementos trágicos. según esta posición. drama (del griego δράμα. el drama se dividió desde sus inicios en la Grecia Antigua (donde se considera que el teatro tiene su nacimiento occidental) en Tragedia y Comedia. menos para aquel que encarna el defecto que debe ser castigado. Género cinematográfico de temática seria y penosa. En tanto género literario. entre los segundos. pues. • Para comprender mejor el término "Drama" se requiere hacer la siguiente aclaración y contextualización: Drama: Término que proviene del griego δράμα y significa "acción". Un importante subgénero es el melodrama. puesto en ridículo. la ausencia de un mediador entre el . Desenlace: Es feliz para alguna de las fuerzas que se opone al protagonista o para todos. es decir. al drama como género literario (el texto). el drama se divide en géneros realistas y géneros simbólicos. --Palinuro67 (discusión) 02:19 2 sep. Melodrama: Género que acentúa la emocionalidad de los personajes. de lo que se considera como género literario. el melodrama. entre los primeros quedaron inscritas la tragedia y la comedia ya existentes y. hacer o actuar) es la forma de presentación de acciones a través de su representación por actores y por medio del diálogo. el texto dramático no es teatro hasta que se lleva a escena para ser visto por el público. por un lado.tiene y que sólo persigue su bienestar a costa del daño que produce a los demás. la farsa y la tragicomedia. Dramaturgia: Concepción escénica para la representación de un guión. siendo la primera la versión constituida en lo absoluto por elementos lingüísticos. Algunos teóricos del siglo XX insisten en la diferenciación categórica entre el Drama y el Teatro. reconocidos como tales desde el Renacimiento. una tendencia generalizada.

al drama se le conoce por melodrama: En él. tienen una dimensión didáctica acusada. la dramaturgia. Se puede añadir la precisión. los personajes quedan limitados al carácter simplista de buenos o malos. El primero en definir el melodrama fue el filósofo francés Jean-Jacques Rousseau. 1996). y el fenómeno de "relación simbiótica". elementos que no le son propios al drama como realidad lingüística acotada solamente al discurso. etc. Los problemas de los personajes están relacionados con la pasión o problemas interiores. El drama como género cinematográfico Como género cinematográfico el drama siempre plantea conflictos entre los personajes principales de la narración fílmica provocando una respuesta emotiva en el espectador. su posibilidad virtual de ser Teatralizado. en vez de caminar juntas. Cuando esto último es bastante exagerado. conmoviendo a éste.mundo creado o realidad ficticia y el lector. o de "empatía" que se construye en la relación al publico (Pradier. es una obra teatral cargada de trozos sentimentales subrayados por música. Rousseau lo definió con las siguientes palabras: "un tipo de drama donde las palabras y la música. pero su eje principal es el amor. En este aspecto. Etimológicamente el melodrama se define como teatro musical. esta en el hecho que toda forma espectacular responde a un contexto social. La mayoría de las películas promueven la moralidad como eje central y. El análisis de un Drama puede ser hecho desde la crítica literaria. Se pueden distinguir tres aspectos claves dentro del análisis de una forma espectacular: la "espectacularidad" la "performatividad". la música. la iluminación. por ello. y su manifestación espectacular por medio del teatro. Es decir. (Cuadro es el cambio de escena en una obra dramática) MELODRAMA El melodrama. la actuación. La presencia de la música y la fotografía acentúan la credibilidad de la obra. se organizan por medio de códigos que no son universales. La temática de este tipo de películas es diversa. en cambio el análisis del teatro debe incluir factores como actuación. etc. debido a que interpela a su sensibilidad. pero particulares a un contexto histórico y cultural. se . parecido al melólogo pero con varios personajes. los músicos. evaluación del espectáculo. desde la perspectiva de la etnoescenología. El Teatro sería la concreción del Drama que incluye el espectáculo. La pertinencia de la evaluación de estos aspectos del teatro como forma espectacular. etc. campo interdisciplinario que estudia los Fenómenos y Comportamientos Humanos Espectaculares Organizados (PCHSO) del Teatro que es un subgrupo dentro del conjunto de formas espectaculares organizadas.

La dramaturgia da a la obra y a la actuación una estructura. pero otras son adaptadas por un profesional. El dramaturgo en la pieza teatral. DRAMATURGIA Dramaturgia es el arte de composición y representación en el escenario. de Bernardo Bertolucci. y donde la frase hablada es de cierta manera anunciada y preparada por la frase musical" La influencia del premio Nobel Jacinto Benavente asentó las bases del melodrama actual. OPERA . o efectos visuales o especiales. Son películas dramáticas que buscan ser lo más realistas posibles. Más que un escrito propiamente dicho. En un sentido amplio. por ejemplo los guiones cinematográficos y telenovelas. Tenemos entre ellas Rompiendo las Olas de Lars von trier. sin embargo. crea los personajes y conflictos que serán presentados dando la impresión de que acontecen "aquí y ahora". En cuanto a cine se refiere. La pianista de Michael Haneke. el término melodrama no se les aplica por lo general. y que esto se haga de una manera muy marcada. Actualmente la dramaturgia no sólo está relacionada con el texto teatral. Difiere de la literatura escrita común por ser más una estructuración de una historia de acuerdo con los elementos específicos del teatro. la dramaturgia es dar forma a una historia de manera que pueda ser actuada. el trabajo del dramaturgo puede ser definido como un diseño. Cabe notar que el cine y las series de televisión suelen utilizar a profusión la musicalización para transmitir o inducir las emociones. El melodrama está presente en la televisión como telenovela. para las obras que intentan inducir más emoción con su musicalización y con el sentimentalismo exagerado. En la actualidad el término melodrama se aplica a cualquier obra actoril en formato audiovisual donde las emociones del espectador sean inducidas o favorecidas por la música. sino que está presente en toda obra escrita con el fin de poder representar una historia. Las telenovelas Hispanoamericanas y las soap operas anglosajonas son en su mayoría melodramas. o el tiempo. pues tal término se ha convertido en una etiqueta despectiva. Esto no significa que no busquen experimentar con la narrativa. y tenemos a muchos realizadores de ellas. atendiendo al gusto de cada persona. el término melodrama también abarca películas que tienen una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva.presentan sucesivamente. llamado dramaturgo. sino que en todo momento buscan dar un significado y connotación humana. Algunas obras son escritas específicamente para su representación en el escenario. que con su contenido. de un drama. Persona de Ingmar Bergman y El último Tango en Paris.

cuartetos. en ocasiones. tríos. se canta en vez de ser hablada. como son el musical. por sobre el texto y la narrativa. El objetivo del mimo corporal dramático es de introducir el drama dentro del cuerpo. que es más un intento de cambiar palabras por gestos. Mimo corporal El mimo corporal o mimo dramático es un tipo de teatro físico creado por Etienne Decroux (1898 . La mayoría del tiempo. emociones. vestuarios y actuación. Los cantantes son acompañados por una orquesta. En este medio. vacilación. dudas. Todas éstas. El mimo corporal dramático quiere representar lo invisible. Sin embargo. eso es una elección estilística. También se cantan dúos. y surgen formas cada vez más libres. tales como escenografía. pero con secciones de cuerda más pequeñas. En esto se diferencia de la pantomima. El mimo corporal es un arte dramático del movimiento. pueden aparecer combinadas con coro. la zarzuela y la opereta.La ópera es un drama cantado con acompañamiento instrumental que. La pedagogía del mimo corporal permite al actor adquirir un estado mayor de autonomía. tendencias. Por estos elementos pedagógicos. la letra de la ópera (conocida como libreto). en el cual destaca el lenguaje físico como principal motor de la dramaturgia del espectáculo teatral. resistencia y sorpresa. estas formas comienzan a abandonarse. la orquesta tiene los instrumentos de una orquesta sinfónica. el mimo debe aplicar al movimiento físico esos principios que estén en el corazón del drama: pausa. peso. TEATRO FISICO El teatro físico se conoce como una rama del llamado teatro contemporáneo. se representa en un espacio teatral ante un público.1991) y desarrollado por sus ayudantes y nuevas generaciones de profesionales. A partir de mediados del siglo XIX. el mimo corporal hoy se utiliza como una herramienta en el mundo de las escuelas y de las universidades de teatro. y no una condición sine qua non del mimo corporal. predominantes en el teatro tradicional de occidente. Existen varios géneros estrechamente relacionados con la ópera. arioso y aria. Descripción El drama se presenta usando elementos típicos del teatro. La ópera tradicional basa su canto solístico en distintas modalidades de canto: recitativo... pensamientos. multiplicando sus posibilidades físicas e imaginativas a través del estudio de una técnica. a diferencia del oratorio. . El actor puede interpretar piezas con o sin texto. está enseñado como una técnica de interpretación corporal.

una de las nueve musas. unos ciento sesenta años después de la muerte de Sófocles y Eurípides y doscientos veinte años antes de la de Virgilio. en Grecia. cuya etimología deriva de la palabra griega τράγος /"trágos"/. apelativo que se daba al dios Dionisos. Claudio Cento y M. En pos de ella. TRAGEDIA La tragedia. un ejemplo de ello es Antígona de Sófocles. el hado o fatum. moviéndose siempre hacia un desenlace fatal por una fuerza ciega. Cierto que se encuentran algunos ensayos en lengua vulgar. En . de aspecto grave y serio y calzando el coturno. es una forma dramática cuyos personajes protagonistas se ven enfrentados de manera misteriosa. donde los ritos teatrales de oriente y occidente lograban la transformación del cuerpo cotidiano. inexpugnable e inevitable contra el universo o los dioses. sobre todo. y se consolidó con la tríada de grandes trágicos del clasicismo griego: Esquilo. el sino. las tragedias han de acabar generalmente en muerte o en la destrucción física. Su nombre deriva del griego yo canto. antigua manifestación físico-popular que hoy en día se vuelve a re-descubrir. macho cabrío. La tragedia nació como tal en Grecia con las obras de Tespis y Frinico.A pesar de esto. que es sacrificado así a esa fuerza que se le impone y contra la que se rebela con orgullo insolente o hybris. es considerada como la diosa o numen de la tragedia. Se representa ricamente vestida. la fatalidad. es decir. Grecia una representación teatral La primera tragedia latina la compuso Livio Andrónico y se representó en Roma en el año 54 de su fundación en tiempo del consulado de C. social o intelectual del personaje principal. desde los siglo XIII al XVI pero es indudable que la primera tragedia regular es Sofonisba. Las tragedias clásicas generan en el espectador la catarsis. se la figura algunas veces con el Terror y la Piedad. su origen está arraigado en la Antigüedad. en cuerpo escénico no cotidiano. Melpómene. compuesta por Trisino y representada en Roma en 1515. Sófocles. Aparte de los citados autores romanos. Otras veces. Sempronio. Un buen ejemplo de estas prácticas era la comedia del arte. También existen las tragedias de sublimación en la que el personaje principal es mostrado como un héroe que ante las adversidades se sobrepone por la fuerza de sus virtudes y el espectador termina admirándolo. las diez tragedias Tiempos modernos Entre los modernos no reapareció la tragedia hasta la época del Renacimiento y aun por traducciones o imitaciones de la antigüedad. Tiene en una mano cetros y a los objetos elevados o heroicos que ella trata y en la derecha un puñal ensangrentado. Eurípides. ese le da una maza o clava para indicar la tragedia en los tiempos heroicos en los cuales estaba en uso esta arma.

En cuanto estásimo. Cienfuegos. Roberto Garnier. en Inglaterra. Goethe. Huertas. Después vienen siete episodios entrelazados por cada estásimo para concluir con el éxodo. Prólogo: Según Aristóteles es lo que antecede a la entrada del coro. . 3. en Francia. se utiliza el dialecto ático (más adecuado a los cantos corales debido a su musicalidad). en Alemania y Austria. hay diálogo entre el coro y los personajes o entre personajes. Se le informa al espectador el por qué del castigo que va a recibir el héroe y en esta parte no interviene el coro. además de Crebillon. Lemercier. intervención del coro que no es cantado. Mairet y su ejemplo hasta que en 1635 apareció Corneille. Addison. el primero en Francia. Voltaire. Enschlager. Otway. Martínez de la Rosa. pueden participar hasta tres actores pero sólo hablan dos y el otro está mudo o puede ser un monólogo. siguiéndole después Racine que elevó a la perfección el restaurado género. Grillparzer.1552. 2. en Italia. • • • • • Partes de la tragedia griega Aristóteles en su Poética señala que las partes de la tragedia se dividen en prólogo. Marlowe. Dryden. el poeta Jodelle. Párodos: cantos a cargo del coro durante la entrada por el párodo izquierdo presidio por un flautista. Hardy Durier. episodio. El prólogo. Schiller. con su primera tragedia Medea. Episodios: pueden ser hasta cinco. en Dinamarca. es la parte más importante por ser la dramática por excelencia y expresa el pensamiento e ideas del personaje. hizo representar la tragedia de su invención Cleopatra cautiva. Alfieri y D'Annunzio. En estas parte se realiza un canto lírico. Las características generales son: se da la ubicación temporaria y se une el pasado del héroe con el presente. 1. éxodo. Dentro de los episodios se pueden encontrar los agones. También a Quintana. Jovellanos. y la parte del coro que se divide a la vez en párodo y estásimo. Shakespeare. los ya citados Corneille y Racine. lo cuales son pasajes en los que el protagonista sufre. Ben Johnson. es un canto de coro sin anapesto ni troqueo. Casimir Delavigne. se dan danzas de avance y retroceso. Tamayo y Baus y Ventura de la Vega. precede al párodo del coro. Entre los autores modernos que más se han distinguido en la tragedia hay que citar: • en España a Lope de Vega y Calderón de la Barca que compusieron verdadera tragedias a pesar de titularlas comedias. Metastasio.

El éxodo como los estásimos son siempre dichos por el coro o Corifeo. las cuales son siempre pronunciadas por el coro. En realidad los estudiosos extienden generalmente la era isabelina hasta incluir el reinado de Jacobo I († 1625). religiosas.4. hay cantos líricos y dramáticos. Shakespeare le dedica a Jacobo I algunas de sus obras principales. las antiestrofas eran dichas por Corifeo (un representante del coro) 5.1 TRAGICOMEDIA Es una obra dramática en la que se mezclan los elementos trágicos y cómicos: También se le conoce como pieza. el drama satírico o la tragicomedia suele tratar un tema legendario. por el coro. pero tampoco el desenlace trágico. Carlos I. y se asocia tradicionalmente a la figura de William Shakespeare (1564-1616). es la segunda entrada del coro y en esta parte no danza. homenaje a la dinastía Estuardo). aunque con efectos cómicos protagonizados. como Otelo (1604). Los episodios son siempre separados por los estásimos. Los dioses no intervienen en la vida de los hombres y puede haber más de una acción al mismo tiempo. En la Grecia clásica. escritas para celebrar el ascenso al trono del soberano.. porque se parece a dicho término. El hecho de que se prolongue más allá del reinado de Isabel I hace que el drama escrito entre la Reforma y la clausura de los teatros en 1642 se denomine Teatro renacentista inglés. hablándose entonces de "teatro jacobino". sufriendo el pathos y muchas veces convirtiéndose en el pharmakon (el remedio para el mal). etc. el héroe reconoce su error y es castigado (a veces con la muerte) por los dioses. TEATRO ISABELINO El teatro isabelino (1558-1625) es una denominación que se refiere a las obras dramáticas escritas e interpretadas durante el reinado de Isabel I de Inglaterra (1533-1603). Estásimo: es la parte lírica-dramática donde el autor expresa sus ideas políticas. hasta la clausura de los teatros en el año 1642 a causa de la llegada de la Guerra civil ("teatro carolino"). fundamentalmente. Macbeth (1606. Se encuentra a medio camino entre la tragedia y la comedia: no se evitan las situaciones cómicas. aunque en la tragedia griega antigua. generalmente en estos están sintetizados las características de una clase social. Estos mismos pueden estar divididos en estrofas y antiestrofas. Éxodo: es la parte final de la tragedia. Es aquí donde aparece la enseñanza moral. también se le denomina como género psicológico. hay de tres a cinco. e incluso más allá. El rey Lear (1605). y La . incluyendo el de su sucesor. filosóficas.

No es por casualidad que los mismos dramaturgos renacentistas trabajasen contemporáneamente con obras del tipo "mixto". por afecto. pero el ejemplo más emblemático es el de Hamlet. cuyas tragedias y comedias mantuvieron sin embargo una mayor separación irónica y realista. un drama que reconstruye el presunto asesinato. Se pueden encontrar otros ejemplos de esto entre los isabelinos. pero también con el "teatro dentro del cine". la tragedia personal de Lear y la nacional de Inglaterra rota por la guerra civil. que incluye entre otros una "mascarada". .tempestad (1611. mas la ironía y la comicidad de los personajes. disgustado y aterrorizado. proporcionaban el alivio cómico al público haciendo resaltar. la profundidad de la exploración filosófica le confieren mayor aliento. como por otra parte ocurre en el cine moderno. El teatro dentro del teatro Que el teatro isabelino era un "teatro abierto" y no sólo en el sentido literal del término parece demostrado también por el sentido de autoironía de los actores y de los dramaturgos isabelinos. había regalado todo su patrimonio. en la que el joven heredero al trono de Dinamarca contrata a un grupo de actores itinerantes para representar frente a los ojos de Claudio. La mezcla de géneros propia del renacimiento inglés fue también experimentada por los isabelinos. para darle la vuelta al personaje mismo que está recitando. Para esta clase de actores el dramaturgo isabelino inventa el teatro dentro del teatro. Lo mismo puede decirse de muchas otras grandes comedias de Shakespeare e isabelinas. Por esto el joven Hamlet se convencerá de la culpabilidad (hasta entonces no probada) de su padrastro. LA TRAGICOMEDIA Y LO NOVELESCO Un drama muy ligado a los efectos escénicos y que se apodera de las emociones más violentas se asocia entonces a las pasiones del amor más morboso: el cuadro antiguo pintado con mano sutil es restaurado con trazos tan gruesos que casi ocultan el toque del artista. El actor gusta de hablar al público "entre líneas". anticipando el distanciamiento irónico del teatro de Bertolt Brecht. como por el efecto del claroscuro. Se ha visto en la mascarada de La tempestad. interludio musical en honor del rey que asistió a la primera representación. tramando su asesinato. El período isabelino no coincide cronológicamente en su totalidad con el Renacimiento europeo y menos aún con el italiano. La tempestad tiene mucho de tragicomedia. dejando la corte. con éxito semejante al del "cine dentro del cine". Al final Claudio se alza. juntando lo trágico. y la locura del rey caído en desgracia por la traición de sus hijas a las que. El bufón de El rey Lear. como las "pastorales" o las "tragicomedias". lo cómico y lo novelesco. fusión de comedia y tragedia. del que sospecha que ha asesinado a su padre. mostrando un fuerte acento manierista y Barroco en sus elaboraciones más tardías. en las que lo cómico se mezcla fatalmente con lo trágico.

pero estos personajes no tienen la vida de los de Shakespeare. infringiendo consolidados tabúes sociales (sexo. Cabe pensar en el amor "prohibido" entre Romeo y Julieta. La idea de usar un metro semejante se le ocurrió a Surrey por la versión de la Eneida de Molza. La Poética de Aristóteles. que definió la unidad de tiempo y acción (la de espacio es un añadido de los humanistas) en el drama. El teatro isabelino introduce asimismo toda una serie de técnicas teatrales de vanguardia que fueron utilizadas siglos más tarde por el cine y la televisión. lejos de "empeorar" los personajes. Marlowe y muchos otros encontraron campo fértil para su genio. mientras se conserva la regularidad de los cinco pies del verso. Cualidad esta que. en la representación del suicidio de los amantes. inventor del versi sciolti (verso libre). les hacen más semejantes a nosotros. El verso blanco juega una parte no menor confiriendo a la poesía la espontaneidad de la conversación y la naturalidad del recitado. En El rey Lear el abandono del viejo rey por parte de las hijas es el tema dominante (y no hay cosa que resulte más actual que el drama del abandono de los ancianos y de la fragmentación del núcleo familiar). meses con una agilidad casi pareja a la del cine moderno. demostrando que en esta época aún nos conmueven profundamente. pentámetro yámbico carente de rima). canibalismo. el Paraíso perdido. incluso los temas sociales se tratan de manera moderna. Beaumont. exaltando en verdad la cualidad universal de los grandes personajes históricos o legendarios. saltando horas. Con otro estilo y otra técnica.Innovaciones respecto al teatro continental La época isabelina no se limitó a adaptar los modelos: renovó felizmente el metro con el verso blanco (blank verse. El escenario inglés de finales del siglo XVI (sobre todo en Shakespeare) presenta un frecuente y rápido sucederse de escenas que hacen pasar rápidamente de un lugar a otro. muerte. El verso blanco fue introducido por el Conde de Surrey cuando en el año 1540 publicó una traducción de la Eneida usando esta forma métrica. Teatro de vanguardia . que imita bastante fielmente el verso latino senequista. permaneciendo (sobre todo en el caso de Jonson) a nivel de "tipos" o "máscaras". Fletcher. Fue sobre todo gracias a la renuncia a las reglas que el teatro isabelino pudo desarrollarse de aquellas formas nuevas en las cuales Shakespeare. Modernidad y realismo de los personajes La relectura isabelina de los clásicos supuso un vendaval de innovaciones en historias ya milenarias. liberando al diálogo dramático de la artificiosidad de la rima. días. pero debe esperarse al Gorboduc de Sackville y Norton (1561) para que se usase en el drama para llegar a culminar en la epopeya bíblica de John Milton. en toda su complejidad psicológica. locura). consiguió imponerse mejor en el continente: sólo algunos clasicistas de corte académico como Ben Jonson siguieron al pie de la letra los preceptos. dos jóvenes de catorce años que deciden en pocos días casarse y huir de casa.

Samuel Beckett. '50 y '60 y. diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. Fernando Arrabal.El Teatro colonial es un movimiento teatral que surge paralelamente a la anti novela o nueva novela (v.).. el estilo teatral que surgió a partir de la obra de aquellos. Jean Genet. uno de cuyos primeros exponentes fue la obra "Ubu rey" de Alfred Jarry (1896) así como la enorme influencia de Antonin Artaud (1896-1948) con su libro "El Teatro y su doble" Como en la nueva novela. en especial. en general. en las obras de Arthur Adamov. De aquí que toda etiqueta resulte demasiado estrecha para englobar a escritores que proceden de distintos horizontes literarios. En el teatro del absurdo tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona a la sociedad y el hombre. Eugene Ionesco. Se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado. A través del humor y la mitificación escondían una actitud muy exigente hacia su arte. Teatro del absurdo Teatro del absurdo es un término que abarca un conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos en los años 1940. en Francia. pero su producción dramática se hace en francés y sobre todo pensando en París). en la literatura del "no-sentido" de autores como Lewis Carroll. de una estructura lógicamente construida y de diálogos brillantes. las anti piezas del nuevo teatro nos presentan el reflejo de un mundo de pesadilla y una reflexión sobre el lenguaje hecha de absurdo e incongruencia. no puede hablarse de escuela o de movimiento.. en las obras de ensueño de Strindberg y las novelas de James Joyce . abandono de la psicología como resorte escénico y abandono de todo realismo. un fenómeno teatral que se caracteriza por la negación de las formas establecidas y por la búsqueda de un nuevo y original lenguaje escénico. Sus precedentes se hallan en las tendencias innovadoras en el teatro desde inicios del siglo XX. sino más bien de analogía entre varios autores en orden a la problemática teatral. y Jean Tardieu. tanto en su aspecto técnico como de contenido.. Historia Emerge en el París de los años cuarenta y principios de los cincuenta. Precedente Sus raíces pueden encontrarse en las obras de "moralidad alegórica" de la Edad Media y en los autos sacramentales (dramas religiosos alegóricos) de la España barroca. alrededor de 1950. ideológicos y geográficos (es curioso observar que los más importantes autores coloniales han nacido fuera de Francia. En lugar de personajes bien caracterizados. y que únicamente tienen en común un determinado número de premisas. Estas premisas son esencialmente negativas y se concretan en un triple abandono: abandono de la intriga convencional.

a través de la imagen concreta de una mujer hundida hasta la cintura en el suelo en el primer acto y hasta el cuello en el segundo. la libertad. de Beckett y El rinoceronte. Fuera del teatro: algunas de las películas de Luis Buñuel podrían catalogarse de absurdistas. Aunque más bien a Beckett se le relaciona con el Teatro del absurdo donde la tragedia y la comedia chocan en una ilustración triste de la condición humana y la absurdidad de la existencia. Dramaturgo del absurdo La literatura del absurdo da muestra de la filosofía del dramaturgo de la cual Beckett es uno de los máximos representantes. Antonin Artaud. El dramaturgo del absurdo desmantelará el viejo universo cartesiano y su manifestación escénica. creador del estilo del teatro de la crueldad. la obra Días felices de Beckett (1961) expresa una generalizada ansiedad del hombre sobre la aproximación de la muerte. Algunas obras representativas son: Esperando a Godot. Jean Genet. obra originalmente publicada en 1938 de Antonin Artaud. Origen Los autores comenzaron a aglutinarse bajo la etiqueta de lo absurdo como una forma de acuerdo frente a la ansiedad. la justicia. Tom Stoppard. lo salvaje y la duda ante un universo inexplicable y recayeron en la metáfora poética como un medio de proyectar sus más íntimos estados. Entre los principales dramaturgos del teatro del absurdo se cuentan Alfred Jarry. Arthur Adamov. Virgilio Piñera. Eugène Ionesco. Samuel Beckett. obras que tuvieron como continuadores directos el movimiento dadaísta y el surrealismo de los años 20 y 30. quien lo convirtió en título de un libro de 1962 sobre la materia.y Franz Kafka. por ejemplo. Es por ello que las imágenes del teatro absurdo tienden a asumir la calidad de la fantasía. mientras que en Rinocerontes de Ionesco (1960) se muestra la ansiosa preocupación acerca del esparcimiento de las inhumanas tendencias totalitarias mostrando a la población de una ciudad transformándose en salvajes paquidermos. Harold Pinter y Slawomir Mrozek. y en las farsas fráticas de Georges Feydeau. Esslin consideró que estos dramaturgos daban expresión artística a la filosofía del absurdo de Albert Camus que . sin interesarle tanto la aparición de la realidad objetiva como la percepción emocional de la realidad interior del autor. en el drama grotesco de Alfred Jarry. el sueño y la pesadilla. Una de las fuentes teóricas más potentes del teatro del absurdo fue El teatro y su doble. Término El término lo acuñó el crítico Martin Esslin. o de este último también La cantante calva. si bien la clasificación es discutible. de Ionesco. El dramaturgo del absurdo viene a ser un investigador para el cual el orden. la "psicología" y el lenguaje no son más que una serie de sucesivas aproximaciones a una realidad ambigua y decepcionante. Así.

inspiradas en sus doctrinas filosóficas. la didáctica de las lenguas. decía que la humanidad tenía que resignarse a reconocer que una explicación completamente racional del universo estaba más allá de su alcance. el fomento de la creatividad. la responsabilidad que conlleva la capacidad de elegir de los seres racionales dejando a un lado las divinidades. en ese sentido. "Es una modalidad dramática que se rige por los principios existencialistas expresados en términos absurdos". Surgió con las obras del filósofo Jean Paul Sartre. la animación lectora. hasta las relacionadas con los talleres de escritura. escribir. escuchar o hablar sino. Camus. el arte dramático y otras. desde un enfoque global. Sus obras. el teatro no se puede reducir en la escuela a un mero instrumento didáctico. su existencia. en particular. tratan diferentes puntos de vista sobre la creación del hombre en cuanto a su naturaleza.indica que la vida es inherentemente absurda y tal es su sentido. las técnicas expresión y habilidades todo. la expresión artística o la educación emocional. . Sin embargo. la semiótica teatral. Teatro en la educación El teatro en el ámbito de la educación forma parte de pedagógicas utilizadas para desarrollar las capacidades de comunicación de los alumnos centrándose no sólo en las lingüísticas de leer. en las cuales teoría y práctica se retroalimentan y se contemplan tanto los aspectos cognitivos de la formación como los aspectos afectivos. Desde los diálogos teatrales creados ex professo por el humanista Juan Luis Vives para la enseñanza del latín a los universitarios durante el Renacimiento. así como el objetivo de los humanos. tener en cuenta los aspectos metodológicos que ayudan el desarrollo de la capacidad de interrelación de todas estas formas de expresión por medio de la interdisciplinariedad. Para delimitar bien todas las facetas de la enseñanza del teatro en la educación se deberían abordar. Teatro existencialista El teatro existencialista nació a mitades del siglo XX en Francia. hasta las modernas técnicas de dramatización que contemplan la enseñanza como un todo. el mayor representante del existencialismo. áreas de conocimiento que van desde la teoría literaria. En palabras de Esslin. Y lo que es más importante. la expresión corporal. psicomotores. sobre habilidad de comunicar. también es denominado como el teatro del compromiso social. perceptivos. artísticos y sociales. el mundo debe ser visto como absurdo. en la Como recurso didáctico ha sido utilizado en todas las épocas y situaciones.

desarrollando y popularizando el estilo.Aparte de esto Brecht introdujo la técnica de distanciamiento. refleja una realidad interna y una preocupación extrema por la técnica utilizada para expresar diferentes situaciones y sentimientos. Brecht los unificó. Es lo contrario de la suspensión de la incredulidad. pero donde Stanislavski intentó copiar el comportamiento real humano a través de técnicas de actuación para sumergir al público en el mundo de la obra. intrínsecamente ligado al director alemán Bertolt Brecht. En general fue una reacción contra otras formas populares de teatro. Los personajes no deben imitar a las personas reales. los argumentos manipulativos y la elevada emoción del melodrama. a Brecht no le gustaba el espectáculo vacío. sino representar los lados opuestos de un argumento. más que el entretenimiento o el mimetizar la realidad.Además de Sartre. el teatro existencialista fue el movimiento teatral con mayor preocupación sobre los temas actuales así como la situación de la humanidad de la época. la diferencia entre estos 2. Brecht describió este ideal como Verfremdungseffekt (Efecto de extrañamiento o alienación). El público debería siempre ser consciente de que está viendo una obra de teatro. igual que el teatro del absurdo. Brecht buscó otra forma de escapismo. es un tipo de teatro que surgió a principios del siglo XX. también cultivó este tipo de teatro Albert Camus y algunas obras de Anuillh guardan semejanzas con las existencialistas. y debería permanecer a una distancia emocional de la acción. era presentar ideas e invitar al público a hacer juicios acerca de ellas. Este teatro se diferencia de los demás de su momento por centrarse en el tema del individuo y la circunstancia que lo rodea. Este género se enfocaba en la crítica. Como Stanislavski. pobreza. consiste en que el existencialista propone soluciones a los problemas y el teatro del absurdo prefiere presentar los problemas y dejarlos al juicio del público. El teatro existencialista criticaba la situación contemporánea. que cambiasen el ambiente criticado. . Más tarde Brecht preferiría el término de Teatro dialéctico para enfatizar el elemento de la argumentación y la discusión. de arquetipos o estereotipos. violencia entre otros. se produce un alejamiento de las teorías radicales de Antonin Artaud quien buscaba afectar al público en un nivel absolutamente irracional. dejando a un lado el tema en si. Al centrarse el Teatro Épico en lo político y social. para posteriormente alentar al público sobre acciones. Como los demás movimientos teatrales nacidos en esta época. En el Teatro Épico se asume que el propósito de la obra. Teatro Épico El Teatro Épico (alemán: Episches Theater). En conclusión. también conocido como el Teatro de la Alienación o Teatro de Política. Aunque muchos de los conceptos relacionados con el Teatro Épico habían existido durante años o incluso siglos. en particular contra el drama realista cuyo pionero era Konstantin Stanislavski. conflictos entre países. los cuales suelen ser problemas actuales y de toda una sociedad como los son conflictos tales como guerras.

La actuación en el Teatro Épico necesita que los actores interpreten sus personajes de manera convincente sin. Brecht usaba la comedia para distanciar a su público de los hechos emocionales o serios y se vio muy influenciado por los musicales y los intérpretes de feria. Brecht pensaba que era importante que las opciones de los personajes fueran evidentes e intentó desarrollar un estilo de actuación en el cual era evidente que los personajes elegían una opción en lugar de otra. de manera irónica. plantea que se debe golpear sentimientos primarios del espectador mediante escenas violentas y chocantes para . La base en la que se inspira este movimiento teatral es la de sorprender e impresionar a los espectadores. pero en su lugar fui de compras". y todo el mundo en la audiencia supo que el personaje estaba asustado. en conflicto con el efecto emocional esperado. mediante situaciones impactantes e inesperadas. convencer ni a la audiencia ni a ellos mismos de que son en realidad los personajes que interpretan. Con un Gestus que claramente defina la actitud del personaje. Técnicas Eran técnicas de producción comunes en el Teatro Épico la inclusión de escenarios irreales por su simplificación. Teatro de la crueldad Teatro de la crueldad es un movimiento teatral muy heterogéneo.También se contrapone al Teatro aristotélico en el que el espectador debía identificarse con el personaje (catarsis). Otra tendencia. Un término acuñado por Brecht es el Gestus: una actitud física o un gesto que representa la condición del personaje independientemente del texto. más radical. que la obra lo marque. Los actores a menudo interpelan directamente al público sin estar interpretando su personaje (romper la cuarta pared) e interpretan múltiples papeles. expuestas en su libro El teatro y su doble (1938). Estas vagas ideas han dado lugar a numerosas propuestas muy diferentes entre sí. anuncios o carteles que interrumpen y resumen la acción. y música que entra. por el contrario. Por ejemplo. Con esto se pretende dejar una huella en el espectador. un personaje puede decir: "Podría haberme quedado en casa. el actor se distancia de la obra y por lo tanto evita cualquier emocionalidad excesiva. inspirado en las ideas del escritor francés Antonin Artaud. Algunas tendencias interpretan el teatro de la crueldad como una obra que toque las fibras íntimas del público por el mero deslumbramiento y ritualización del espectáculo teatral. en el cual se explotan al máximo sus posibilidades físicas y visuales. Brecht se basó en el teatro chino: notó que el actor Mei Lan Fang interpretó una escena que requería que su personaje estuviera asustado tan sólo poniendo un mechón de su pelo en su boca. por lo que incorporaba música y canciones en sus obras. aunque el actor permaneció completamente calmado durante toda la obra.

de 1547. su equivalente es la farsa. a fines del siglo XVI y durante el siglo XVII y XVIII hasta su prohibición en 1780. Alejandro Jodorowsky y en menor medida. que se representaba como intermedio de una función o al final. en un acto. Evolución y estilo El término entremés procede del catalán y está documentado en el siglo XV como una especie de pantomima representada en banquetes cortesanos y. enlazado con la siguiente acotación: "Mientras vuelve el ciego pasa un entremés entre un procurador y un litigante". entre la primera y segunda jornada de una obra mayor. Su uso actual se generaliza en el siglo XVI alternando con el más común de paso. Entremés Se conoce como entremés (o paso) a una pieza dramática jocosa y de un solo acto. de carácter popular. Posteriormente será llamado sainete. En el prólogo de la Comedia de Sepúlveda. con autores especializados como Tomás Luceño y Javier de Burgos. conocida en inglés como "in your face" -en tu cara. En Europa. El Living Theatre de New York. protagonizada por personajes de clases populares. Martin McDonagh. Entre los principales cultivadores de este subgénero cómico en el siglo XVIII se encuentran los gaditanos Luis Moncín y Juan Ignacio González del Castillo. Esta aplicación extrema de las ideas de Artaud ha ocasionado polémicas sobre el valor estético de la tendencia (que se considera que desvirtúa la idea original). y normalmente. y revitalizaron el género en el siglo XX Carlos Arniches con su colección de sainetes Del Madrid castizo y los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero. Sustituye al entremés en el siglo XVIII. se dice: . que solía representarse durante el Siglo de Oro español. como "manjar entre dos platos principales". y los madrileños Ramón de la Cruz y Sebastián Vázquez. ya que un público traumatizado se preocupa más por el golpe emocional que por la trama misma. A finales del siglo XIX fue materia frecuente del llamado género chico y del teatro por horas.es el británico Martin McDonagh. David Mamet. célebre por sus obras de atroz violencia y sadismo). Así se usa en el Entremés de la Representación de la historia evangélica de san Juan de Sebastián de Horozco. XIX y XX. Fernando Arrabal. en una acepción gastronómica.captar su atención (un claro exponente de esta tendencia. Posteriormente en el Río de la Plata. Armando Discépolo introducirá un giro sombrío y dramático en este género transformándolo en el "Grotesco Criollo". un pleito cómico situado al final del primer cuadro del mismo. Entre los más importantes autores influidos por el teatro de la crueldad están: Peter Weiss. Harold Pinter. Sainete Un sainete es una pieza dramática jocosa. por las desconcertantes acciones de algunos de sus personajes. es decir. cuya denominación se aplicó en España a cualquier tipo de representación teatral.

Se ve pues en la denominación de paso era sinónima del algo más gastronómico entremés. protagonizado por un fraile rezador y visitador de burdeles. el llamado entremés cantado. recuperó su función subsidiaria y lo definía como un "alivio cómico" protagonizado por personajes populares "porque entremés de reyes no se ha visto". junto a los pasos de Lope de Rueda tenidos por antecedente del entremés. Un entremés venía a venderse por el triple de lo que costaba una loa y tenía una importancia capital en un programa teatral del siglo XVII. a manera de descanso o interludio cómico. en su obra El viaje entretenido (1603). que no tienen cuerpo en el sujeto de ella. en la cual se contienen diversas comedias y farsas muy elegantes y graciosas con muchos entremeses y pasos apacibles (1565). Así era en el caso de algunas obras de Gil Vicente o Garci Sánchez de Badajoz. Sebastián de Horozco. diferente del ya mencionado. porque iban entre medias De la farsa. escribió: Y entre los pasos de veras Mezclados otros de risa Que. par ser representado en un convento de monjas el día de San Juan Evangelista. Lope de Vega. El mismo Timoneda en El deleitoso (1567) dice: "Venid alegremente al Deleitoso / hallarlo heis repleto y caudaloso / de pasos y entremeses muy facetos". la tonadilla. la colección dramática La Turiana. como Cosme Pérez. En sus principios. un pregonero. sin embargo. era pues una acción no exenta de la principal. pero una comedia mala con un buen entremés podía mantenerse en cartel y ser un éxito (los éxitos teatrales del Siglo de Oro no pasaban por lo general de una semana). Al principio se escribía indistintamente en prosa o verso. que intercambian insultos. de forma que una comedia buena con un mal entremés fracasaba irremediablemente. Éste empezó a definirse con los Pasos de Lope de Rueda en el siglo XVI. los llamaron Entremeses de comedias Desde que Luis Quiñones de Benavente (1600-1650) configuró definitivamente el género en el siglo XVII.No os puede dar gusto el sujeto así desnudo de aquella gracia con que el proceso del suele ornar los recitantes y otros muchos entremeses que intervienen por ornamento de la comedia. Juan de Timoneda cita la palabra entremés precisamente en una de sus obras más conocidas. y otros dos personajes populares. un buñolero y un villano bobo y procaz. este ingenio llegó incluso a crear un subgénero entremesil. Agustín de Rojas Villandrando. más conocido por su sobrenombre de Juan . acabó escribiéndose en versos e incorporando a veces números cantados que darían lugar a un género posterior. en su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609). escribió el primer entremés exento. por otra parte. y lo tenía por arquetipo de la comedia antigua que él había venido a renovar con su comedia nueva. golpes y manteos en clara manifestación del carácter carnavalesco del género. Había actores especializados en este género.

La evolución del entremés se repartió a lo largo de cuatro etapas: • 1. La pérdida de su vitalidad se compensa con esa dicha vistosidad y carga paródica. el castizo majo y el abate presuntuoso. Entran en esta etapa autores de entremeses primitivos como Lope de Rueda y Juan de Timoneda. el comienzo de la decadencia con el agotamiento de las ideas. pero no por motivos morales. los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero. con un argumento más desarrollado y sin apenas números cantados. en su momento final. Luis Quiñones de Benavente y Francisco de Quevedo. 2. ajenas al idealismo estético del Neoclasicismo. Lauro Olmo y otros muchos. 3. Todavía. era este una pieza de carácter más extenso y menos lírico. era esta una oposición que se añadía a la de la Iglesia. Algunos entremeses. situado entre el segundo y tercer acto. Época de gran popularidad de los entremeses y de una abundante y prolífica producción de los mismos. Antonio Hurtado de Mendoza. Nacimiento. Fase de decadencia del entremés. En este nuevo género. Época de esplendor del entremés. por otra parte. reúnen gran vistosidad porque son destinados a Palacio y empiezan a aparecer elementos paródicos que vienen en último término de la llamada Comedia burlesca. Se renueva con nuevos tipos: el petimetre afrancesado. en la posguerra Max Aub. Juan de la Hoz y Mota. formación y consolidación definitiva. existe sin embargo repetición de algunos esquemas. incluye los fines del siglo XVII y el siglo XVIII en que acaba por desaparecer de la escena. Abarca íntegra la segunda mitad del XVII y empieza a desarrollarse el costumbrismo. Carlos Arniches. Son los autores más originales Miguel de Cervantes. Recuperaron fundamentalmente el espíritu del entremés y algunas de sus características morfológicas: Valle-Inclán. Antonio de Zamora. Algunos de los autores más importantes de esta etapa son Jerónimo de Cáncer y Agustín Moreto. produce el entremés algunas figuras interesantes como Francisco de Castro. desde la segunda mitad del XVI a mediados del XVII. A fines del siglo XIX y principios del XX algunos autores reivindicaron la tradición farsesca del entremés. una auténtica celebridad en su época y para quien escribieron gustosos los ingenios cortesanos no menos de cincuenta piezas. etcétera en la preguerra. Alonso Jerónimo de Salas Barbadillo. pero es sustituido por el sainete. y a fines del siglo XVIII. Manuel de León Marchante. temas y modelos y. seguidos por otros asiduos cultivadores del género que escribieron en esta época: Alonso de Castillo Solórzano. 4. 5. cuando los teóricos de la Ilustración lo prohibieron por su vulgaridad y chabacanería. etcétera. sin embargo. Fueron en primer lugar los autores del teatro por horas. Luis Vélez de Guevara y otros muchos. • • • • . Recuperación y reivindicación.Rana. destacaron el gaditano Juan Ignacio González del Castillo y el madrileño Ramón de la Cruz. en 1778.

Por otra parte su lenguaje era mucho más realista y vivo que el de la comedia y prescindía de los alambicamientos retóricos y metafóricos de está siendo más directa y fresca. camorristas o gorrones. el fin de fiesta. la mojiganga. porque a ella iban a parar los segundones y aquellos que. y recogía todo tipo de tecnicismos relacionados con los oficios populares y. rival en amores del sacristán y casi siempre desairado en ellos. Menos respetado y más maltratado es el letrado. por no poderse adaptar al método y rigor del trabajo manual. El opuesto al soldado y su rival era el sacristán. o también aquellos que huían de cumplir algún castigo o condena. siempre a lomos de una mula para darse tono. acusado de envenenar y hacer morir a la gente como el médico. caricaturizados por sus sordos oídos y ciegos ojos ante la gente del hampa que los soborna. y solía ser un amante ridículo. que cita importunamente medicinas y recetas en sus argumentos amatorios. es el personaje más frecuente. El boticario era personaje menos popular. buscaban mejor manera de ganarse su sustento. la jácara. y aparece repetidas veces al lado del alcalde simplón e ignorante como su contrapunto. El entremés se convirtió en una especie de desfile de tipos sociales populares o representativos de distintos oficios. Personajes Eran habituales personajes (o. la milicia era también criticada. malicioso aunque suele ser víctima de los engaños ajenos. caracterizados por su palurdez y paletez y muchas veces identificado con el bobo e incluso con un actor cómico característico. además. aconsejándole lo que debe hacer. entre los cargos públicos. presunción y vanagloria y se incorporaban a la sociedad organizada sin hallar hueco a su talante aventurero. 1795): "Nunca supe lo que era la lengua castellana hasta que leí entremeses". el baile entremesado etcétera. con su costumbrismo. se les caracteriza como ávidos de dinero y de confuso y culto lenguaje. cuantioso producto de las universidades que ofrecían escapatoria a los hijos de la baja nobleza y de la burguesía y que podían siempre . El médico es figura muy atacada en el entremés a causa de sus pobres medios de curación. terminando muchos de ellos como fanfarrones. en ocasiones en ligera o discreta disputa con él. reflejando de forma realista algunos temas que no podían aparecer en la pieza mayor. tipos) del entremés el bobo o simple. que no las tenían todas consigo en cuestión de espectáculos que consideraban inmorales o incentivadores del pecado. surgido de la fusión de la nobleza con la burguesía. muchos de ellos volvían al cabo de años cargados de heridas. la milicia ofrecía los tipos del soldado pobre sin oficio y huésped triste de los figones. Sus personajes tenían un carácter popular y la temática derivaba frecuentemente hacia el costumbrismo. los alguaciles. el vocabulario de la vida cotidiana del país. Y eso supuso atraer las primeras críticas de los clérigos regulares y seculares. el erudito padre Martín Sarmiento afirmó en su Declamación contra los abusos de la lengua castellana (Madrid. tras el bobo. El escribano era popular y no entre los más agudamente zaheridos. los alcaldes rurales. tomando frecuentemente carácter satírico. mejor que personajes. integrado también por otros géneros como la loa. y que en el entremés ejerce muchas veces el papel de alcalde de pueblo o criado. el gran Juan Rana. que tenía más posibilidades económicas que él y más aceptado por las mujeres. el baile.El entremés formaba la parte más importante y sustancial del llamado teatro menor.

que heredó todo lo que de ridículo se había echado encima al pobre hidalgo y responde a un contacto menos vivo con la realidad social. riñas nocturnas. como lo fuera en la novela picaresca: pobre en el fondo. gente del hampa. En cuanto al hidalgo es de menguado buen trato en el entremés. digno de conmiseración más que de risa. a fines del XVII y en el siglo XVIII desaparece y es sustituido por el vizconde. aunque sus intervenciones no son principales. cartujo. Eran pendencieros. los flamencos eran más raros. Aunque encarnaban la aristocracia intelectual del país. más cobardes que aquellos. El poeta es tan pobre como el hidalgo y es caracterizado por su manía de reducirlo todo a verso. es un campesino o un ciudadano que se guarnece de la siempre veleidosa mujer que le ha tocado quitar el sueño. que siempre es inteligente y comedido. parlanchines. amoladores. siempre enamorados y enamoradizos. campesinos y viajeros a la corte. Los pajes entremesiles suscitan la risa con su hambre y glotonería sempiterna y con sus embustes y burlas. son muchachos de ingenua torpeza y aguda picardía. los portugueses. Los mesoneros protagonizan un particular mundo de andariegos soldados. fanfarroneando opulencia. los indianos eran siempre ricos inocentes. la apariencia de rudos y atontados en contraposición con el mismo tipo de la comedia. burlado. sin apenas avariantes. El marido ofrecía amplio campo al entremés en sus facetas de cornudo. bravucones. modismos y frases particulares. caballos blancos que desplumar y siempre avaros. están en concordia y buena amistad con las gentes de mal vivir. alegres y tunos y proporcionaron a la comedia. o como rateros ellos mismos. Es sin duda el tipo más deformado.incorporarse al estado clerical sin más estudios que los proporcionados por las universidades. altaneros y dados a cantar. aunque no siempre. duelos. Los criados aparecen frecuentemente. los negros . disputas con compañeros y bromas estudiantiles fuera de las horas de estudio. Los hombres aparecen con una impronta de profesión u oficio. De peor catadura eran los venteros. celoso o embebido en las manías de su mujer. presentan. aparecen de dos maneras: como pobres víctimas de los huéspedes. más ladrones y de perversas y torcidas intenciones las más veces. mendigos. pero a veces también con un rasgo de carácter dominante: avaros. gorrones. Los estudiantes no aparecen favorecidos: siempre se hallan envueltos en aventuras de amor. En la corte se mezclaban además genes de todo pelaje y la más diversa condición: los franceses eran frecuentes en los oficios de caldereros. son como el guapo de la obra y los romances vulgares. timados o estafados. buhoneros y castradores. y víctima de un concepto decadente y deformado de lo que había sido una gloriosa clase social. casamenteros o valientes o bravucones que se confunden ya en el XVIII con el militar mismo y se arrugan siempre cuando llega el momento de demostrarlo. en los entremeses son presentados como trampolicantes burlones y auténticos genios de la picardía. a la novela picaresca y a la novela cortesana numerosos episodios y caracteres a la par que enriquecieron el idioma con giros. eran mirados con desprecio por el pueblo.

cuando no son personajes. o con alguna gitanilla graciosa. Destacaron también Luis Vélez de Guevara. Francisco de Quevedo y Luis Quiñones de Benavente. vicio y artes. la gitana graciosa. Antonio Hurtado de Mendoza. siempre a cuentas con su hidalguía y anticuados y risibles valores de figurón. Todos ellos son ampliamente caracterizados por su lenguaje de sonidos mal articulados o vocablos mal interpretados. eran busconas de calle que pululaban por las diversiones populares. para ser de la germanía hacía falta haber sido azotado alguna vez públicamente. En su fase final tanto unas como otras van a dar en celestinas o alcahuetas. el burdel era el centro de operaciones. de origen campesino y burdas y primitivas maneras. Sebastián Rodríguez de Villaviciosa. salen solamente cuando hay que bailar o en la cárcel. . los gallegos son caracterizados por su servilismo y avaricia. como los negros. Alonso Jerónimo de Salas Barbadillo. misterioso y alucinante que comprendía otro lenguaje en jerigonza. incluidas las afueras del corral de comedias. Alonso de Castillo Solórzano. Francisco Bernardo de Quirós. mundo de la delincuencia y el hampa sórdido. si no. De antigua raigambre es el personaje del ciego o coplero. que se impone por su sensualidad o que es llevada a la vida alegre por la avaricia. Vicente Suárez de Deza. su psicología mezcla la picardía. La beata hipócrita es también blanco de sátira más o menos directa. la mala intención y el mercantilismo de la devoción con la buena fe y a veces la ingenuidad. o la suelta que iba a todas partes. los montañeses. La fregona es otro tipo femenino frecuente. condenado a galeras o haber estado en el saco o trullo. La mujer se daba en dos tipos: la recogida en los ambientes honestos del hogar y la familia y sumisa y bondadosa en un ambiente de valores tradicionales. pertenecía a cualquier clase social. la hechicera.seseantes y de lenguaje tenebroso salen casi siempre. la embaucadora. la celosa. los gitanos. la graciosa. la mujer prudente (apenas representada). Se les caracteriza por su ingenioso lenguaje y facultad de animar el cotarro con su ingenio chispeante y despejo y desenvoltura. danzas y coplas. en los bailes. Jerónimo de Cáncer. Por debajo de todo este mundo estaba el de la germanía. siempre mascullando la oración oportuna al caso y en pugna con los otros colegas del oficio que le ocupan un puesto de más negocio. También tienen lugar en el cosmos del entremés la mujer redicha. La buscona era zaherida por su avaricia. Pedro Calderón de la Barca. Si eran de alta clase social y tenían clientela urbana y de estado noble o distinguido eran cortesanas. Autores Los más originales creadores de entremeses son Miguel de Cervantes.

La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX. al movimiento artístico fluxus events y al body art. La palabra "performance" comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Antonio de Zamora y Francisco de Castro. El performance está ligado a los happenings. a ejecución conseguida. con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara. realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. biólogo francés y Premio Nobel. espacio. La performance tiene parentesco con intermedia. iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración. Monod. en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. la palabra "Performance" se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa “performance art” que se refiere al arte en vivo. ya que n o es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística. que tiene dos acepciones básicas en castellano: Jacques L. Francisco Bances Candamo. Algunos llaman a tales o muy similares a la performance): intervenciones y manoeuvres. heredero del arte conceptual. al dadaísmo y al surrealismo. utiliza el término performance en un sentido próximo a logro. El performance se opone a la pintura o la escultura. • • • . el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar.Agustín Moreto. No obstante. Performance El término performance es un anglicismo -palabra (voz) inglesaevitable. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta. action art. la poesía visual y otras contemporáneo. la expresiones del arte expresiones (idénticas live art. • El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo. Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo. la acción poética. Creadores ligados al futurismo. al constructivismo.

Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos. por la imprevisibilidad. nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte. ocurrencia. frecuentemente multidisciplinaria. aunque fue Allan Kaprow (alumno de Cage) quien en abril de 1957 durante un Picnic artístico en la granja de George Segal uso la palabra happening para describir las improvisaciones que se representaban.que siempre busca redefinír sus formas y maneras-. suceso). Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda. que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance. Manifestación artística. surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. ya que busca una participación espontánea del público. como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Aunque el happening surge en Estados Unidos durante los 1950s y tuvo su apogeo durante los “alegres” 1960 con estéticas próximas al . La propuesta original del happening j que es difícil una real improvisación. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación. Happening Happening (de la palabra inglesa que significa evento. En enero de 1958 la frase acuñada por Kaprow es generalizada por la revista estudiantil de la Rutgers University Antologist.• El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público. El happening en cuanto manifestación artística es de muy diversa índole. suele ser no permanente. Historia Se considera como el primer happening propiamente dicho a la obra Theater piece Nº1 realizada en 1952 por John Cage en el Black Mountain College. efímero. la literatura o la cultura. En el arte contemporáneo. desde entonces tal forma artística y tal denominación fue adoptada en otros países. Jack Kerouac refiriéndose a Kaprow le llamó el hombre Happening al observar la obra 18 Happenings in 6 parts (1959). tal tipo de obra fue explicada por el propio John Cage como eventos teatrales y sin trama.

entretenido y sin pretensiones. Robert Rauschenberg.llamado pop-art y a las del movimiento hippie. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. Su autor las denominó acciones espectáculo. tratar temas triviales. suele verse actualmente en los "happenings" un resultado completamente opuesto al enunciado. muchos de los "happenings" terminan siendo un espectáculo más de la llamada cultura de masas. Principales referentes Además de Cage y de Kaprow se consideran como principales realizadores de happenings a : Tadeusz Kantor. se encuentran claros precedentes del mismo en ciertas expresiones artísticas vanguardistas de “los años locos” ( los años 1920). Marta Minujin. Tristan Tzara entre otros. Crítica El happening ha pasado a tener un carácter paradojal. sobre todo al dadaísmo siendo claros antecedentes las exhibiciones no convencionales realizadas en el Cabaret Voltaire por Richard Huelsenbeck. Fluxus "Fluxus-arte-diversión debe ser simple. muchas de ellas vinculadas al surrealismo y. Joseph Beuys. En España. Roy Lichtenstein. Europa y Japón. Al Hansen. George Brecht. entre 1964 y 1960 los probos improvisaban verdaderos happenings en las plazas de Amsterdam. Bazon Brock. las primeras obras de happening fueron escritas en catalán por el poeta Joan Brossa en 1946. Jim Dine. Yoko Ono. Claes Oldenburg. Red Grooms. Wolf Vostell y Robert Whitman. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978) Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos. es decir mucho antes de que Kaprow acuñara el término. Youri Messen-Jaschin. Alejandro Jodorowsky. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional" (George Maciunas) Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. . si la intención planteada teóricamente y en sus orígenes es la de la participación activa de los espectadores para librarles de la masificación. en efecto.

con una documentación fotográfica o video gráfica posterior. Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento. e invierte la propuesta de Duchamp. Suele realizarse a modo de acción o performance. inmediata y urgente a la realidad cotidiana. no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística. Vito Acconci. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano. se pinta. Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. Se trabaja con el cuerpo como material plástico. se calca. Como Dadá.. no sabemos cuándo nació. Bruce Naumann. se cubre. luego no hay razón para que termine". de expresar y de elegir. sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico. es "antes que todo un estado del espíritu. el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Body art El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual. entendido como “arte total“.. quien a partir del Ready Made. El lenguaje no es el fin. De cierta manera Fluxus nunca existió. de gran relevancia en los años 1960 en Europa y. un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar. .Fluxus. Yves Klein. se ensucia. Asimismo Filiou opone el Fluxus al arte conceptual por su referencia directa. sino el medio para una noción renovada del arte. en Estados Unidos. se retuerce. es decir. que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage. Según Filiou. introdujo lo cotidiano en el arte. en especial. pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos.