TIPOS DE TEATRO ACTUACION Se conoce como actuación al proceso de investigación personal que hace el actor para descubrir a un futuro

personaje a representar. Dicho proceso comienza desde una interiorización para conocer el principio de dicho personaje y traerlo desde lo más profundo y transformarlo en un personaje integrado. La actuación es descrita como acciones hechas por un personaje dentro de la escena teatral. Aunque dichas acciones son auténticas, deberían por lo menos estar cargadas de una intención que permita que el observador se estimule y logre recibir el mensaje en su totalidad. Un actor es una persona que interpreta a un personaje en cine, televisión, teatro o radio. En ópera la actuación se consideraba más importante que el canto. En el momento actual se está llegando a un lógico mismo nivel de importancia entre actuación y canto, por lo que muchos directores de escena llaman también actores a los cantantes de ópera. La mujer dedicada a esta actividad se le llama actriz, en lugar de actor. Historia Recientes investigaciones han llegado a la conclusión de que las primeras manifestaciones del canto de la actuación surgen en Egipto, cuando se realizaban ritos en que los sacerdotes encarnaban a los dioses para explicar al pueblo el significado de sus enseñanzas y órdenes. El primer actor del que se tiene conocimiento escrito fue el griego Tespo, que actuó en el Teatro Dionisio en el año 534 a. C. En el escenario, Tespo habló en primera persona, interpretando de esta manera a un personaje. Hasta entonces ya se habían narrado historias ante una audiencia, pero siempre en tercera persona y, además, de forma cantada. La profesionalización de la actuación se inició en Europa en el siglo XVI; en Italia, con las primeras compañías profesionales de Comedia dell'Arte; en Inglaterra, con las compañías protegidas por la nobleza en tiempos de la reina Isabel (como la Lord Chamberlain's Men, la compañía de Shakespeare, que luego pasó a llamarse King's Men); en Francia, con la Comédie Française. Hasta el siglo XVII los actores sólo podían ser hombres. Se consideraba algo de mal gusto que una mujer actuase en un escenario. Así, en la época de Shakespeare los papeles femeninos eran interpretados por hombres o por muchachos jóvenes. Fue en los teatros de Venecia donde se produjo el cambio que permitió a las mujeres realizar interpretaciones teatrales.

COMEDIA La comedia es un género dramático que se caracteriza porque sus personajes protagonistas se ven enfrentados a las dificultades de la vida cotidiana, movidos por sus propios defectos hacia desenlaces felices donde se hace escarnio de la debilidad humana. La comedia se origina en el mundo griego, pero se va desarrollando por el Medievo y por la edad moderna, hasta llegar a nuestros días. Como los demás géneros dramáticos, dramática del personaje protagonista; personajes con un rol trágico en obras estos sean, por decirlo de algún modo, a la comedia lo determina la acción de ahí que no sea extraño encontrar de teatro cómicas, siempre y cuando personajes secundarios.

Como características, el personaje protagonista suele ser común y corriente y representar un arquetipo, es decir mentiroso, charlatán, fanfarrón, pícaro, enamorado, etcétera; es también inocente e inconsciente y, a diferencia de la tragedia, donde el personaje protagonista tiene un profundo sentido ético, en la comedia el personaje protagónico considera su moral como una cualidad importante; lo que lo hace ser muy vital, aunque esto es más bien un obstáculo para el personaje. Por ello, su conflicto dramático suele ser, las más de las veces, con la sociedad, además de consigo mismo, por lo que lucha por la superación de los obstáculos que le impiden realizarse consigo mismo o con esa misma sociedad. La comedia es, junto con la tragedia, una de las formas clásicas del drama griego, y uno de los tres géneros dramáticos llamados realistas. Rasgos de la comedia Conflicto: Comúnmente es generado por un vicio de carácter del protagonista. Este vicio de carácter es contrario al bienestar social de la comunidad en la que vive el protagonista. El bienestar social es relativo a la época y al lugar. El vicio de carácter del personaje protagónico lo lleva ser un transgresor de esa sociedad pues ha rebasado los límites de lo "conveniente" y por ello debe ser castigado; esto significa que el personaje vicioso es castigado socialmente, o sea, es puesto en ridículo. Protagonista: Es básicamente un personaje de baja calidad moral y que encarna algún vicio o defecto de los seres humanos (la envidia, la avaricia, la irreverencia o rebeldía, etc.) pero sumamente complejo. En el caso de Tartufo, lo que Molière, critica es la hipocresía, que se representa en este personaje, prototipo del mojigato que finge vivir valores que en verdad no

siendo la particularidad de este la predominancia de la función apelativa del lenguaje. Por ello. menos para aquel que encarna el defecto que debe ser castigado. --Palinuro67 (discusión) 02:19 2 sep. según esta posición. Posteriormente. el texto dramático no es teatro hasta que se lleva a escena para ser visto por el público. drama (del griego δράμα. Tragedia: Género griego caracterizado por escenas de gran confusión y desenlace infeliz. hacer o actuar) es la forma de presentación de acciones a través de su representación por actores y por medio del diálogo. al drama como género literario (el texto). pues. puesto en ridículo. En pocas palabras. de lo que se considera como género literario. que se centra en las pasiones humanas y los conflictos individuales. entre los primeros quedaron inscritas la tragedia y la comedia ya existentes y. • Para comprender mejor el término "Drama" se requiere hacer la siguiente aclaración y contextualización: Drama: Término que proviene del griego δράμα y significa "acción". es decir. especialmente cuando se da el llamado "final trágico". siendo la primera la versión constituida en lo absoluto por elementos lingüísticos. un personaje vicioso que es ridiculizado. reconocidos como tales desde el Renacimiento.tiene y que sólo persigue su bienestar a costa del daño que produce a los demás. Algunos teóricos del siglo XX insisten en la diferenciación categórica entre el Drama y el Teatro. 2008 (UTC) DRAMA Según la definición griega clásica. la farsa y la tragicomedia. Melodrama: Género que acentúa la emocionalidad de los personajes. En tanto género literario. Un importante subgénero es el melodrama. al teatro como de puesta en escena del propio texto dramático. una tendencia generalizada. el drama se divide en géneros realistas y géneros simbólicos. Género cinematográfico de temática seria y penosa. el drama se dividió desde sus inicios en la Grecia Antigua (donde se considera que el teatro tiene su nacimiento occidental) en Tragedia y Comedia. en los que se destacan lo trágico y lo dramático. entre los segundos. Desenlace: Es feliz para alguna de las fuerzas que se opone al protagonista o para todos. por un lado. Existe una confusa tendencia dramática únicamente a todo lo que incluya elementos trágicos. formando parte entonces. Dramaturgia: Concepción escénica para la representación de un guión. la ausencia de un mediador entre el . el melodrama.

conmoviendo a éste. los músicos. etc. elementos que no le son propios al drama como realidad lingüística acotada solamente al discurso. la actuación. y su manifestación espectacular por medio del teatro. La pertinencia de la evaluación de estos aspectos del teatro como forma espectacular. los personajes quedan limitados al carácter simplista de buenos o malos. en vez de caminar juntas. esta en el hecho que toda forma espectacular responde a un contexto social. Es decir. evaluación del espectáculo.mundo creado o realidad ficticia y el lector. Cuando esto último es bastante exagerado. parecido al melólogo pero con varios personajes. su posibilidad virtual de ser Teatralizado. 1996). se . El primero en definir el melodrama fue el filósofo francés Jean-Jacques Rousseau. pero su eje principal es el amor. debido a que interpela a su sensibilidad. o de "empatía" que se construye en la relación al publico (Pradier. la música. En este aspecto. desde la perspectiva de la etnoescenología. por ello. La mayoría de las películas promueven la moralidad como eje central y. pero particulares a un contexto histórico y cultural. se organizan por medio de códigos que no son universales. es una obra teatral cargada de trozos sentimentales subrayados por música. la dramaturgia. tienen una dimensión didáctica acusada. en cambio el análisis del teatro debe incluir factores como actuación. etc. y el fenómeno de "relación simbiótica". La presencia de la música y la fotografía acentúan la credibilidad de la obra. al drama se le conoce por melodrama: En él. Rousseau lo definió con las siguientes palabras: "un tipo de drama donde las palabras y la música. La temática de este tipo de películas es diversa. etc. campo interdisciplinario que estudia los Fenómenos y Comportamientos Humanos Espectaculares Organizados (PCHSO) del Teatro que es un subgrupo dentro del conjunto de formas espectaculares organizadas. la iluminación. El análisis de un Drama puede ser hecho desde la crítica literaria. Los problemas de los personajes están relacionados con la pasión o problemas interiores. Se puede añadir la precisión. (Cuadro es el cambio de escena en una obra dramática) MELODRAMA El melodrama. El Teatro sería la concreción del Drama que incluye el espectáculo. Etimológicamente el melodrama se define como teatro musical. Se pueden distinguir tres aspectos claves dentro del análisis de una forma espectacular: la "espectacularidad" la "performatividad". El drama como género cinematográfico Como género cinematográfico el drama siempre plantea conflictos entre los personajes principales de la narración fílmica provocando una respuesta emotiva en el espectador.

el término melodrama también abarca películas que tienen una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva. Actualmente la dramaturgia no sólo está relacionada con el texto teatral. El melodrama está presente en la televisión como telenovela. de un drama. En la actualidad el término melodrama se aplica a cualquier obra actoril en formato audiovisual donde las emociones del espectador sean inducidas o favorecidas por la música. Cabe notar que el cine y las series de televisión suelen utilizar a profusión la musicalización para transmitir o inducir las emociones. Difiere de la literatura escrita común por ser más una estructuración de una historia de acuerdo con los elementos específicos del teatro. pero otras son adaptadas por un profesional. y que esto se haga de una manera muy marcada. Esto no significa que no busquen experimentar con la narrativa. el trabajo del dramaturgo puede ser definido como un diseño. El dramaturgo en la pieza teatral.presentan sucesivamente. el término melodrama no se les aplica por lo general. la dramaturgia es dar forma a una historia de manera que pueda ser actuada. Las telenovelas Hispanoamericanas y las soap operas anglosajonas son en su mayoría melodramas. que con su contenido. para las obras que intentan inducir más emoción con su musicalización y con el sentimentalismo exagerado. Algunas obras son escritas específicamente para su representación en el escenario. por ejemplo los guiones cinematográficos y telenovelas. y donde la frase hablada es de cierta manera anunciada y preparada por la frase musical" La influencia del premio Nobel Jacinto Benavente asentó las bases del melodrama actual. sino que en todo momento buscan dar un significado y connotación humana. y tenemos a muchos realizadores de ellas. OPERA . Tenemos entre ellas Rompiendo las Olas de Lars von trier. llamado dramaturgo. o efectos visuales o especiales. de Bernardo Bertolucci. Más que un escrito propiamente dicho. Persona de Ingmar Bergman y El último Tango en Paris. pues tal término se ha convertido en una etiqueta despectiva. Son películas dramáticas que buscan ser lo más realistas posibles. o el tiempo. En cuanto a cine se refiere. La pianista de Michael Haneke. sino que está presente en toda obra escrita con el fin de poder representar una historia. DRAMATURGIA Dramaturgia es el arte de composición y representación en el escenario. atendiendo al gusto de cada persona. La dramaturgia da a la obra y a la actuación una estructura. sin embargo. En un sentido amplio. crea los personajes y conflictos que serán presentados dando la impresión de que acontecen "aquí y ahora".

se canta en vez de ser hablada. se representa en un espacio teatral ante un público. Por estos elementos pedagógicos. tendencias. que es más un intento de cambiar palabras por gestos. en ocasiones. pensamientos. el mimo corporal hoy se utiliza como una herramienta en el mundo de las escuelas y de las universidades de teatro.. resistencia y sorpresa. También se cantan dúos. pero con secciones de cuerda más pequeñas.1991) y desarrollado por sus ayudantes y nuevas generaciones de profesionales. eso es una elección estilística. Descripción El drama se presenta usando elementos típicos del teatro. a diferencia del oratorio. Todas éstas. la letra de la ópera (conocida como libreto). La pedagogía del mimo corporal permite al actor adquirir un estado mayor de autonomía. arioso y aria. el mimo debe aplicar al movimiento físico esos principios que estén en el corazón del drama: pausa.. La ópera tradicional basa su canto solístico en distintas modalidades de canto: recitativo. tríos. la orquesta tiene los instrumentos de una orquesta sinfónica. . multiplicando sus posibilidades físicas e imaginativas a través del estudio de una técnica. Los cantantes son acompañados por una orquesta. por sobre el texto y la narrativa. y no una condición sine qua non del mimo corporal. El mimo corporal es un arte dramático del movimiento. estas formas comienzan a abandonarse. en el cual destaca el lenguaje físico como principal motor de la dramaturgia del espectáculo teatral. peso. y surgen formas cada vez más libres. En este medio. vestuarios y actuación. El objetivo del mimo corporal dramático es de introducir el drama dentro del cuerpo. vacilación. El actor puede interpretar piezas con o sin texto.La ópera es un drama cantado con acompañamiento instrumental que. En esto se diferencia de la pantomima. está enseñado como una técnica de interpretación corporal. Sin embargo. predominantes en el teatro tradicional de occidente. A partir de mediados del siglo XIX. Existen varios géneros estrechamente relacionados con la ópera. la zarzuela y la opereta. cuartetos. TEATRO FISICO El teatro físico se conoce como una rama del llamado teatro contemporáneo. emociones. como son el musical. tales como escenografía. Mimo corporal El mimo corporal o mimo dramático es un tipo de teatro físico creado por Etienne Decroux (1898 . El mimo corporal dramático quiere representar lo invisible. dudas. La mayoría del tiempo. pueden aparecer combinadas con coro.

Tiene en una mano cetros y a los objetos elevados o heroicos que ella trata y en la derecha un puñal ensangrentado. desde los siglo XIII al XVI pero es indudable que la primera tragedia regular es Sofonisba. Las tragedias clásicas generan en el espectador la catarsis. en Grecia. ese le da una maza o clava para indicar la tragedia en los tiempos heroicos en los cuales estaba en uso esta arma. antigua manifestación físico-popular que hoy en día se vuelve a re-descubrir. y se consolidó con la tríada de grandes trágicos del clasicismo griego: Esquilo. unos ciento sesenta años después de la muerte de Sófocles y Eurípides y doscientos veinte años antes de la de Virgilio. macho cabrío. Claudio Cento y M. Se representa ricamente vestida. un ejemplo de ello es Antígona de Sófocles. el hado o fatum. En . TRAGEDIA La tragedia. las tragedias han de acabar generalmente en muerte o en la destrucción física. una de las nueve musas. En pos de ella. el sino. sobre todo. moviéndose siempre hacia un desenlace fatal por una fuerza ciega. que es sacrificado así a esa fuerza que se le impone y contra la que se rebela con orgullo insolente o hybris.A pesar de esto. También existen las tragedias de sublimación en la que el personaje principal es mostrado como un héroe que ante las adversidades se sobrepone por la fuerza de sus virtudes y el espectador termina admirándolo. La tragedia nació como tal en Grecia con las obras de Tespis y Frinico. Un buen ejemplo de estas prácticas era la comedia del arte. Eurípides. Melpómene. Sempronio. Otras veces. en cuerpo escénico no cotidiano. las diez tragedias Tiempos modernos Entre los modernos no reapareció la tragedia hasta la época del Renacimiento y aun por traducciones o imitaciones de la antigüedad. es considerada como la diosa o numen de la tragedia. es decir. su origen está arraigado en la Antigüedad. se la figura algunas veces con el Terror y la Piedad. la fatalidad. Cierto que se encuentran algunos ensayos en lengua vulgar. apelativo que se daba al dios Dionisos. inexpugnable e inevitable contra el universo o los dioses. es una forma dramática cuyos personajes protagonistas se ven enfrentados de manera misteriosa. social o intelectual del personaje principal. Grecia una representación teatral La primera tragedia latina la compuso Livio Andrónico y se representó en Roma en el año 54 de su fundación en tiempo del consulado de C. Aparte de los citados autores romanos. cuya etimología deriva de la palabra griega τράγος /"trágos"/. Sófocles. de aspecto grave y serio y calzando el coturno. Su nombre deriva del griego yo canto. compuesta por Trisino y representada en Roma en 1515. donde los ritos teatrales de oriente y occidente lograban la transformación del cuerpo cotidiano.

éxodo. En estas parte se realiza un canto lírico. Tamayo y Baus y Ventura de la Vega. y la parte del coro que se divide a la vez en párodo y estásimo. Ben Johnson. También a Quintana. Goethe. En cuanto estásimo. Lemercier. en Italia. Hardy Durier. Metastasio. es la parte más importante por ser la dramática por excelencia y expresa el pensamiento e ideas del personaje. Episodios: pueden ser hasta cinco. Las características generales son: se da la ubicación temporaria y se une el pasado del héroe con el presente. El prólogo. Schiller. hay diálogo entre el coro y los personajes o entre personajes. precede al párodo del coro. además de Crebillon. Después vienen siete episodios entrelazados por cada estásimo para concluir con el éxodo. en Alemania y Austria. Huertas. Mairet y su ejemplo hasta que en 1635 apareció Corneille. Shakespeare. Enschlager. Addison. Jovellanos. Grillparzer. es un canto de coro sin anapesto ni troqueo. 2. Voltaire. • • • • • Partes de la tragedia griega Aristóteles en su Poética señala que las partes de la tragedia se dividen en prólogo. en Francia. Dentro de los episodios se pueden encontrar los agones. pueden participar hasta tres actores pero sólo hablan dos y el otro está mudo o puede ser un monólogo. con su primera tragedia Medea. Entre los autores modernos que más se han distinguido en la tragedia hay que citar: • en España a Lope de Vega y Calderón de la Barca que compusieron verdadera tragedias a pesar de titularlas comedias. lo cuales son pasajes en los que el protagonista sufre. Alfieri y D'Annunzio. Otway. episodio. Casimir Delavigne. Prólogo: Según Aristóteles es lo que antecede a la entrada del coro. 1. el poeta Jodelle. siguiéndole después Racine que elevó a la perfección el restaurado género. Martínez de la Rosa. . Marlowe. Párodos: cantos a cargo del coro durante la entrada por el párodo izquierdo presidio por un flautista. en Inglaterra. 3.1552. el primero en Francia. hizo representar la tragedia de su invención Cleopatra cautiva. Roberto Garnier. se dan danzas de avance y retroceso. Cienfuegos. los ya citados Corneille y Racine. Se le informa al espectador el por qué del castigo que va a recibir el héroe y en esta parte no interviene el coro. Dryden. se utiliza el dialecto ático (más adecuado a los cantos corales debido a su musicalidad). intervención del coro que no es cantado. en Dinamarca.

pero tampoco el desenlace trágico. religiosas. Carlos I. generalmente en estos están sintetizados las características de una clase social. hablándose entonces de "teatro jacobino". Estos mismos pueden estar divididos en estrofas y antiestrofas. el drama satírico o la tragicomedia suele tratar un tema legendario. homenaje a la dinastía Estuardo). Se encuentra a medio camino entre la tragedia y la comedia: no se evitan las situaciones cómicas. Éxodo: es la parte final de la tragedia. es la segunda entrada del coro y en esta parte no danza. Es aquí donde aparece la enseñanza moral. En la Grecia clásica. e incluso más allá.1 TRAGICOMEDIA Es una obra dramática en la que se mezclan los elementos trágicos y cómicos: También se le conoce como pieza. aunque en la tragedia griega antigua. por el coro. incluyendo el de su sucesor. porque se parece a dicho término. El hecho de que se prolongue más allá del reinado de Isabel I hace que el drama escrito entre la Reforma y la clausura de los teatros en 1642 se denomine Teatro renacentista inglés. el héroe reconoce su error y es castigado (a veces con la muerte) por los dioses. Macbeth (1606. hay cantos líricos y dramáticos. y se asocia tradicionalmente a la figura de William Shakespeare (1564-1616). como Otelo (1604). El rey Lear (1605). Estásimo: es la parte lírica-dramática donde el autor expresa sus ideas políticas. etc. Los dioses no intervienen en la vida de los hombres y puede haber más de una acción al mismo tiempo. hasta la clausura de los teatros en el año 1642 a causa de la llegada de la Guerra civil ("teatro carolino"). fundamentalmente. filosóficas. escritas para celebrar el ascenso al trono del soberano.. también se le denomina como género psicológico.4. TEATRO ISABELINO El teatro isabelino (1558-1625) es una denominación que se refiere a las obras dramáticas escritas e interpretadas durante el reinado de Isabel I de Inglaterra (1533-1603). Los episodios son siempre separados por los estásimos. y La . hay de tres a cinco. sufriendo el pathos y muchas veces convirtiéndose en el pharmakon (el remedio para el mal). las antiestrofas eran dichas por Corifeo (un representante del coro) 5. En realidad los estudiosos extienden generalmente la era isabelina hasta incluir el reinado de Jacobo I († 1625). Shakespeare le dedica a Jacobo I algunas de sus obras principales. las cuales son siempre pronunciadas por el coro. El éxodo como los estásimos son siempre dichos por el coro o Corifeo. aunque con efectos cómicos protagonizados.

Lo mismo puede decirse de muchas otras grandes comedias de Shakespeare e isabelinas. un drama que reconstruye el presunto asesinato. La tempestad tiene mucho de tragicomedia. con éxito semejante al del "cine dentro del cine". del que sospecha que ha asesinado a su padre. como por el efecto del claroscuro. proporcionaban el alivio cómico al público haciendo resaltar. la tragedia personal de Lear y la nacional de Inglaterra rota por la guerra civil. y la locura del rey caído en desgracia por la traición de sus hijas a las que. Se ha visto en la mascarada de La tempestad. lo cómico y lo novelesco. en la que el joven heredero al trono de Dinamarca contrata a un grupo de actores itinerantes para representar frente a los ojos de Claudio. LA TRAGICOMEDIA Y LO NOVELESCO Un drama muy ligado a los efectos escénicos y que se apodera de las emociones más violentas se asocia entonces a las pasiones del amor más morboso: el cuadro antiguo pintado con mano sutil es restaurado con trazos tan gruesos que casi ocultan el toque del artista. . El período isabelino no coincide cronológicamente en su totalidad con el Renacimiento europeo y menos aún con el italiano. anticipando el distanciamiento irónico del teatro de Bertolt Brecht. La mezcla de géneros propia del renacimiento inglés fue también experimentada por los isabelinos. Para esta clase de actores el dramaturgo isabelino inventa el teatro dentro del teatro. mas la ironía y la comicidad de los personajes. fusión de comedia y tragedia. dejando la corte. tramando su asesinato. en las que lo cómico se mezcla fatalmente con lo trágico. pero el ejemplo más emblemático es el de Hamlet. como las "pastorales" o las "tragicomedias". pero también con el "teatro dentro del cine". que incluye entre otros una "mascarada". Al final Claudio se alza. El teatro dentro del teatro Que el teatro isabelino era un "teatro abierto" y no sólo en el sentido literal del término parece demostrado también por el sentido de autoironía de los actores y de los dramaturgos isabelinos. por afecto. cuyas tragedias y comedias mantuvieron sin embargo una mayor separación irónica y realista. la profundidad de la exploración filosófica le confieren mayor aliento. para darle la vuelta al personaje mismo que está recitando. interludio musical en honor del rey que asistió a la primera representación. como por otra parte ocurre en el cine moderno. mostrando un fuerte acento manierista y Barroco en sus elaboraciones más tardías. disgustado y aterrorizado. Por esto el joven Hamlet se convencerá de la culpabilidad (hasta entonces no probada) de su padrastro. El actor gusta de hablar al público "entre líneas". Se pueden encontrar otros ejemplos de esto entre los isabelinos. juntando lo trágico. había regalado todo su patrimonio. No es por casualidad que los mismos dramaturgos renacentistas trabajasen contemporáneamente con obras del tipo "mixto".tempestad (1611. El bufón de El rey Lear.

Modernidad y realismo de los personajes La relectura isabelina de los clásicos supuso un vendaval de innovaciones en historias ya milenarias. exaltando en verdad la cualidad universal de los grandes personajes históricos o legendarios. en la representación del suicidio de los amantes. les hacen más semejantes a nosotros. incluso los temas sociales se tratan de manera moderna. locura). pentámetro yámbico carente de rima). Con otro estilo y otra técnica. Fletcher. que imita bastante fielmente el verso latino senequista. pero debe esperarse al Gorboduc de Sackville y Norton (1561) para que se usase en el drama para llegar a culminar en la epopeya bíblica de John Milton. meses con una agilidad casi pareja a la del cine moderno. mientras se conserva la regularidad de los cinco pies del verso. Marlowe y muchos otros encontraron campo fértil para su genio. El teatro isabelino introduce asimismo toda una serie de técnicas teatrales de vanguardia que fueron utilizadas siglos más tarde por el cine y la televisión. El verso blanco fue introducido por el Conde de Surrey cuando en el año 1540 publicó una traducción de la Eneida usando esta forma métrica. lejos de "empeorar" los personajes. días. La idea de usar un metro semejante se le ocurrió a Surrey por la versión de la Eneida de Molza. inventor del versi sciolti (verso libre). En El rey Lear el abandono del viejo rey por parte de las hijas es el tema dominante (y no hay cosa que resulte más actual que el drama del abandono de los ancianos y de la fragmentación del núcleo familiar). El verso blanco juega una parte no menor confiriendo a la poesía la espontaneidad de la conversación y la naturalidad del recitado. consiguió imponerse mejor en el continente: sólo algunos clasicistas de corte académico como Ben Jonson siguieron al pie de la letra los preceptos. pero estos personajes no tienen la vida de los de Shakespeare. La Poética de Aristóteles. infringiendo consolidados tabúes sociales (sexo. que definió la unidad de tiempo y acción (la de espacio es un añadido de los humanistas) en el drama. demostrando que en esta época aún nos conmueven profundamente. Cabe pensar en el amor "prohibido" entre Romeo y Julieta. canibalismo. Cualidad esta que. Teatro de vanguardia . muerte. el Paraíso perdido. Fue sobre todo gracias a la renuncia a las reglas que el teatro isabelino pudo desarrollarse de aquellas formas nuevas en las cuales Shakespeare. permaneciendo (sobre todo en el caso de Jonson) a nivel de "tipos" o "máscaras". liberando al diálogo dramático de la artificiosidad de la rima. Beaumont.Innovaciones respecto al teatro continental La época isabelina no se limitó a adaptar los modelos: renovó felizmente el metro con el verso blanco (blank verse. saltando horas. en toda su complejidad psicológica. dos jóvenes de catorce años que deciden en pocos días casarse y huir de casa. El escenario inglés de finales del siglo XVI (sobre todo en Shakespeare) presenta un frecuente y rápido sucederse de escenas que hacen pasar rápidamente de un lugar a otro.

Precedente Sus raíces pueden encontrarse en las obras de "moralidad alegórica" de la Edad Media y en los autos sacramentales (dramas religiosos alegóricos) de la España barroca. Se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado. en las obras de Arthur Adamov. las anti piezas del nuevo teatro nos presentan el reflejo de un mundo de pesadilla y una reflexión sobre el lenguaje hecha de absurdo e incongruencia. tanto en su aspecto técnico como de contenido. Fernando Arrabal.. uno de cuyos primeros exponentes fue la obra "Ubu rey" de Alfred Jarry (1896) así como la enorme influencia de Antonin Artaud (1896-1948) con su libro "El Teatro y su doble" Como en la nueva novela. A través del humor y la mitificación escondían una actitud muy exigente hacia su arte. ideológicos y geográficos (es curioso observar que los más importantes autores coloniales han nacido fuera de Francia. de una estructura lógicamente construida y de diálogos brillantes. Estas premisas son esencialmente negativas y se concretan en un triple abandono: abandono de la intriga convencional.. Jean Genet. en Francia. en las obras de ensueño de Strindberg y las novelas de James Joyce . '50 y '60 y.). Teatro del absurdo Teatro del absurdo es un término que abarca un conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos en los años 1940. Sus precedentes se hallan en las tendencias innovadoras en el teatro desde inicios del siglo XX. De aquí que toda etiqueta resulte demasiado estrecha para englobar a escritores que proceden de distintos horizontes literarios. En lugar de personajes bien caracterizados. no puede hablarse de escuela o de movimiento. Historia Emerge en el París de los años cuarenta y principios de los cincuenta. Samuel Beckett. alrededor de 1950. Eugene Ionesco. en la literatura del "no-sentido" de autores como Lewis Carroll. en general. abandono de la psicología como resorte escénico y abandono de todo realismo.El Teatro colonial es un movimiento teatral que surge paralelamente a la anti novela o nueva novela (v. diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. y que únicamente tienen en común un determinado número de premisas. sino más bien de analogía entre varios autores en orden a la problemática teatral. un fenómeno teatral que se caracteriza por la negación de las formas establecidas y por la búsqueda de un nuevo y original lenguaje escénico. en especial. y Jean Tardieu. el estilo teatral que surgió a partir de la obra de aquellos.. pero su producción dramática se hace en francés y sobre todo pensando en París). En el teatro del absurdo tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona a la sociedad y el hombre.

mientras que en Rinocerontes de Ionesco (1960) se muestra la ansiosa preocupación acerca del esparcimiento de las inhumanas tendencias totalitarias mostrando a la población de una ciudad transformándose en salvajes paquidermos. quien lo convirtió en título de un libro de 1962 sobre la materia. de Ionesco. Samuel Beckett. por ejemplo. creador del estilo del teatro de la crueldad. Fuera del teatro: algunas de las películas de Luis Buñuel podrían catalogarse de absurdistas. lo salvaje y la duda ante un universo inexplicable y recayeron en la metáfora poética como un medio de proyectar sus más íntimos estados. Dramaturgo del absurdo La literatura del absurdo da muestra de la filosofía del dramaturgo de la cual Beckett es uno de los máximos representantes. Entre los principales dramaturgos del teatro del absurdo se cuentan Alfred Jarry. El dramaturgo del absurdo viene a ser un investigador para el cual el orden.y Franz Kafka. la libertad. Término El término lo acuñó el crítico Martin Esslin. Eugène Ionesco. la obra Días felices de Beckett (1961) expresa una generalizada ansiedad del hombre sobre la aproximación de la muerte. o de este último también La cantante calva. y en las farsas fráticas de Georges Feydeau. Virgilio Piñera. Tom Stoppard. Algunas obras representativas son: Esperando a Godot. Origen Los autores comenzaron a aglutinarse bajo la etiqueta de lo absurdo como una forma de acuerdo frente a la ansiedad. Arthur Adamov. obra originalmente publicada en 1938 de Antonin Artaud. Antonin Artaud. sin interesarle tanto la aparición de la realidad objetiva como la percepción emocional de la realidad interior del autor. el sueño y la pesadilla. Aunque más bien a Beckett se le relaciona con el Teatro del absurdo donde la tragedia y la comedia chocan en una ilustración triste de la condición humana y la absurdidad de la existencia. la "psicología" y el lenguaje no son más que una serie de sucesivas aproximaciones a una realidad ambigua y decepcionante. Una de las fuentes teóricas más potentes del teatro del absurdo fue El teatro y su doble. obras que tuvieron como continuadores directos el movimiento dadaísta y el surrealismo de los años 20 y 30. Esslin consideró que estos dramaturgos daban expresión artística a la filosofía del absurdo de Albert Camus que . de Beckett y El rinoceronte. a través de la imagen concreta de una mujer hundida hasta la cintura en el suelo en el primer acto y hasta el cuello en el segundo. en el drama grotesco de Alfred Jarry. Harold Pinter y Slawomir Mrozek. Jean Genet. si bien la clasificación es discutible. la justicia. Es por ello que las imágenes del teatro absurdo tienden a asumir la calidad de la fantasía. Así. El dramaturgo del absurdo desmantelará el viejo universo cartesiano y su manifestación escénica.

la semiótica teatral. la responsabilidad que conlleva la capacidad de elegir de los seres racionales dejando a un lado las divinidades. Para delimitar bien todas las facetas de la enseñanza del teatro en la educación se deberían abordar. el fomento de la creatividad. en ese sentido. Teatro en la educación El teatro en el ámbito de la educación forma parte de pedagógicas utilizadas para desarrollar las capacidades de comunicación de los alumnos centrándose no sólo en las lingüísticas de leer. hasta las relacionadas con los talleres de escritura.indica que la vida es inherentemente absurda y tal es su sentido. tener en cuenta los aspectos metodológicos que ayudan el desarrollo de la capacidad de interrelación de todas estas formas de expresión por medio de la interdisciplinariedad. escribir. psicomotores. en particular. el teatro no se puede reducir en la escuela a un mero instrumento didáctico. así como el objetivo de los humanos. la expresión corporal. En palabras de Esslin. en la Como recurso didáctico ha sido utilizado en todas las épocas y situaciones. Sus obras. la expresión artística o la educación emocional. el mundo debe ser visto como absurdo. Surgió con las obras del filósofo Jean Paul Sartre. artísticos y sociales. escuchar o hablar sino. hasta las modernas técnicas de dramatización que contemplan la enseñanza como un todo. el arte dramático y otras. tratan diferentes puntos de vista sobre la creación del hombre en cuanto a su naturaleza. Sin embargo. "Es una modalidad dramática que se rige por los principios existencialistas expresados en términos absurdos". decía que la humanidad tenía que resignarse a reconocer que una explicación completamente racional del universo estaba más allá de su alcance. perceptivos. Camus. la animación lectora. Y lo que es más importante. sobre habilidad de comunicar. la didáctica de las lenguas. en las cuales teoría y práctica se retroalimentan y se contemplan tanto los aspectos cognitivos de la formación como los aspectos afectivos. áreas de conocimiento que van desde la teoría literaria. el mayor representante del existencialismo. . Teatro existencialista El teatro existencialista nació a mitades del siglo XX en Francia. su existencia. inspiradas en sus doctrinas filosóficas. Desde los diálogos teatrales creados ex professo por el humanista Juan Luis Vives para la enseñanza del latín a los universitarios durante el Renacimiento. desde un enfoque global. las técnicas expresión y habilidades todo. también es denominado como el teatro del compromiso social.

para posteriormente alentar al público sobre acciones. El teatro existencialista criticaba la situación contemporánea. el teatro existencialista fue el movimiento teatral con mayor preocupación sobre los temas actuales así como la situación de la humanidad de la época. desarrollando y popularizando el estilo. es un tipo de teatro que surgió a principios del siglo XX. los argumentos manipulativos y la elevada emoción del melodrama. Al centrarse el Teatro Épico en lo político y social. conflictos entre países. que cambiasen el ambiente criticado. de arquetipos o estereotipos. los cuales suelen ser problemas actuales y de toda una sociedad como los son conflictos tales como guerras.Aparte de esto Brecht introdujo la técnica de distanciamiento. Aunque muchos de los conceptos relacionados con el Teatro Épico habían existido durante años o incluso siglos. igual que el teatro del absurdo. intrínsecamente ligado al director alemán Bertolt Brecht. también cultivó este tipo de teatro Albert Camus y algunas obras de Anuillh guardan semejanzas con las existencialistas. El público debería siempre ser consciente de que está viendo una obra de teatro. la diferencia entre estos 2. Teatro Épico El Teatro Épico (alemán: Episches Theater). Más tarde Brecht preferiría el término de Teatro dialéctico para enfatizar el elemento de la argumentación y la discusión. Este género se enfocaba en la crítica. a Brecht no le gustaba el espectáculo vacío. dejando a un lado el tema en si. Este teatro se diferencia de los demás de su momento por centrarse en el tema del individuo y la circunstancia que lo rodea. consiste en que el existencialista propone soluciones a los problemas y el teatro del absurdo prefiere presentar los problemas y dejarlos al juicio del público. Brecht buscó otra forma de escapismo. pero donde Stanislavski intentó copiar el comportamiento real humano a través de técnicas de actuación para sumergir al público en el mundo de la obra. En el Teatro Épico se asume que el propósito de la obra. Es lo contrario de la suspensión de la incredulidad. más que el entretenimiento o el mimetizar la realidad. Brecht describió este ideal como Verfremdungseffekt (Efecto de extrañamiento o alienación). se produce un alejamiento de las teorías radicales de Antonin Artaud quien buscaba afectar al público en un nivel absolutamente irracional. En general fue una reacción contra otras formas populares de teatro. refleja una realidad interna y una preocupación extrema por la técnica utilizada para expresar diferentes situaciones y sentimientos. sino representar los lados opuestos de un argumento. era presentar ideas e invitar al público a hacer juicios acerca de ellas.Además de Sartre. también conocido como el Teatro de la Alienación o Teatro de Política. Los personajes no deben imitar a las personas reales. violencia entre otros. pobreza. En conclusión. y debería permanecer a una distancia emocional de la acción. en particular contra el drama realista cuyo pionero era Konstantin Stanislavski. Como Stanislavski. Como los demás movimientos teatrales nacidos en esta época. . Brecht los unificó.

plantea que se debe golpear sentimientos primarios del espectador mediante escenas violentas y chocantes para . en el cual se explotan al máximo sus posibilidades físicas y visuales. Estas vagas ideas han dado lugar a numerosas propuestas muy diferentes entre sí. La base en la que se inspira este movimiento teatral es la de sorprender e impresionar a los espectadores. y todo el mundo en la audiencia supo que el personaje estaba asustado. Con esto se pretende dejar una huella en el espectador. pero en su lugar fui de compras". Brecht usaba la comedia para distanciar a su público de los hechos emocionales o serios y se vio muy influenciado por los musicales y los intérpretes de feria. inspirado en las ideas del escritor francés Antonin Artaud. expuestas en su libro El teatro y su doble (1938). Con un Gestus que claramente defina la actitud del personaje. Algunas tendencias interpretan el teatro de la crueldad como una obra que toque las fibras íntimas del público por el mero deslumbramiento y ritualización del espectáculo teatral. aunque el actor permaneció completamente calmado durante toda la obra. que la obra lo marque. Otra tendencia. por el contrario. Teatro de la crueldad Teatro de la crueldad es un movimiento teatral muy heterogéneo. Brecht se basó en el teatro chino: notó que el actor Mei Lan Fang interpretó una escena que requería que su personaje estuviera asustado tan sólo poniendo un mechón de su pelo en su boca. convencer ni a la audiencia ni a ellos mismos de que son en realidad los personajes que interpretan. Técnicas Eran técnicas de producción comunes en el Teatro Épico la inclusión de escenarios irreales por su simplificación. en conflicto con el efecto emocional esperado. Un término acuñado por Brecht es el Gestus: una actitud física o un gesto que representa la condición del personaje independientemente del texto. anuncios o carteles que interrumpen y resumen la acción. Por ejemplo. más radical. el actor se distancia de la obra y por lo tanto evita cualquier emocionalidad excesiva. mediante situaciones impactantes e inesperadas. Brecht pensaba que era importante que las opciones de los personajes fueran evidentes e intentó desarrollar un estilo de actuación en el cual era evidente que los personajes elegían una opción en lugar de otra. y música que entra. La actuación en el Teatro Épico necesita que los actores interpreten sus personajes de manera convincente sin.También se contrapone al Teatro aristotélico en el que el espectador debía identificarse con el personaje (catarsis). un personaje puede decir: "Podría haberme quedado en casa. Los actores a menudo interpelan directamente al público sin estar interpretando su personaje (romper la cuarta pared) e interpretan múltiples papeles. de manera irónica. por lo que incorporaba música y canciones en sus obras.

en un acto. En el prólogo de la Comedia de Sepúlveda. Alejandro Jodorowsky y en menor medida. conocida en inglés como "in your face" -en tu cara. célebre por sus obras de atroz violencia y sadismo).es el británico Martin McDonagh. y los madrileños Ramón de la Cruz y Sebastián Vázquez. por las desconcertantes acciones de algunos de sus personajes. enlazado con la siguiente acotación: "Mientras vuelve el ciego pasa un entremés entre un procurador y un litigante". Sustituye al entremés en el siglo XVIII. En Europa. Sainete Un sainete es una pieza dramática jocosa. con autores especializados como Tomás Luceño y Javier de Burgos. Martin McDonagh. que se representaba como intermedio de una función o al final. El Living Theatre de New York. Posteriormente será llamado sainete. un pleito cómico situado al final del primer cuadro del mismo. como "manjar entre dos platos principales". y revitalizaron el género en el siglo XX Carlos Arniches con su colección de sainetes Del Madrid castizo y los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero. y normalmente. cuya denominación se aplicó en España a cualquier tipo de representación teatral. Su uso actual se generaliza en el siglo XVI alternando con el más común de paso. Así se usa en el Entremés de la Representación de la historia evangélica de san Juan de Sebastián de Horozco. David Mamet. Entremés Se conoce como entremés (o paso) a una pieza dramática jocosa y de un solo acto. Fernando Arrabal. su equivalente es la farsa. Harold Pinter. Esta aplicación extrema de las ideas de Artaud ha ocasionado polémicas sobre el valor estético de la tendencia (que se considera que desvirtúa la idea original). a fines del siglo XVI y durante el siglo XVII y XVIII hasta su prohibición en 1780. entre la primera y segunda jornada de una obra mayor. Evolución y estilo El término entremés procede del catalán y está documentado en el siglo XV como una especie de pantomima representada en banquetes cortesanos y. es decir. Entre los más importantes autores influidos por el teatro de la crueldad están: Peter Weiss. Armando Discépolo introducirá un giro sombrío y dramático en este género transformándolo en el "Grotesco Criollo". de carácter popular. se dice: . A finales del siglo XIX fue materia frecuente del llamado género chico y del teatro por horas. ya que un público traumatizado se preocupa más por el golpe emocional que por la trama misma. XIX y XX. en una acepción gastronómica. Posteriormente en el Río de la Plata. de 1547.captar su atención (un claro exponente de esta tendencia. que solía representarse durante el Siglo de Oro español. protagonizada por personajes de clases populares. Entre los principales cultivadores de este subgénero cómico en el siglo XVIII se encuentran los gaditanos Luis Moncín y Juan Ignacio González del Castillo.

como Cosme Pérez. acabó escribiéndose en versos e incorporando a veces números cantados que darían lugar a un género posterior. de forma que una comedia buena con un mal entremés fracasaba irremediablemente. el llamado entremés cantado.No os puede dar gusto el sujeto así desnudo de aquella gracia con que el proceso del suele ornar los recitantes y otros muchos entremeses que intervienen por ornamento de la comedia. Al principio se escribía indistintamente en prosa o verso. más conocido por su sobrenombre de Juan . y otros dos personajes populares. la colección dramática La Turiana. que intercambian insultos. Había actores especializados en este género. escribió el primer entremés exento. pero una comedia mala con un buen entremés podía mantenerse en cartel y ser un éxito (los éxitos teatrales del Siglo de Oro no pasaban por lo general de una semana). en su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609). porque iban entre medias De la farsa. a manera de descanso o interludio cómico. por otra parte. diferente del ya mencionado. era pues una acción no exenta de la principal. Agustín de Rojas Villandrando. un buñolero y un villano bobo y procaz. y lo tenía por arquetipo de la comedia antigua que él había venido a renovar con su comedia nueva. este ingenio llegó incluso a crear un subgénero entremesil. Así era en el caso de algunas obras de Gil Vicente o Garci Sánchez de Badajoz. El mismo Timoneda en El deleitoso (1567) dice: "Venid alegremente al Deleitoso / hallarlo heis repleto y caudaloso / de pasos y entremeses muy facetos". en la cual se contienen diversas comedias y farsas muy elegantes y graciosas con muchos entremeses y pasos apacibles (1565). los llamaron Entremeses de comedias Desde que Luis Quiñones de Benavente (1600-1650) configuró definitivamente el género en el siglo XVII. escribió: Y entre los pasos de veras Mezclados otros de risa Que. par ser representado en un convento de monjas el día de San Juan Evangelista. Sebastián de Horozco. Éste empezó a definirse con los Pasos de Lope de Rueda en el siglo XVI. Se ve pues en la denominación de paso era sinónima del algo más gastronómico entremés. Un entremés venía a venderse por el triple de lo que costaba una loa y tenía una importancia capital en un programa teatral del siglo XVII. que no tienen cuerpo en el sujeto de ella. Juan de Timoneda cita la palabra entremés precisamente en una de sus obras más conocidas. protagonizado por un fraile rezador y visitador de burdeles. un pregonero. golpes y manteos en clara manifestación del carácter carnavalesco del género. En sus principios. junto a los pasos de Lope de Rueda tenidos por antecedente del entremés. la tonadilla. en su obra El viaje entretenido (1603). Lope de Vega. sin embargo. recuperó su función subsidiaria y lo definía como un "alivio cómico" protagonizado por personajes populares "porque entremés de reyes no se ha visto".

pero es sustituido por el sainete. formación y consolidación definitiva. reúnen gran vistosidad porque son destinados a Palacio y empiezan a aparecer elementos paródicos que vienen en último término de la llamada Comedia burlesca. Lauro Olmo y otros muchos. una auténtica celebridad en su época y para quien escribieron gustosos los ingenios cortesanos no menos de cincuenta piezas. • • • • . incluye los fines del siglo XVII y el siglo XVIII en que acaba por desaparecer de la escena. Nacimiento. cuando los teóricos de la Ilustración lo prohibieron por su vulgaridad y chabacanería. Juan de la Hoz y Mota. era esta una oposición que se añadía a la de la Iglesia. ajenas al idealismo estético del Neoclasicismo. Luis Vélez de Guevara y otros muchos. La pérdida de su vitalidad se compensa con esa dicha vistosidad y carga paródica. en su momento final. Época de gran popularidad de los entremeses y de una abundante y prolífica producción de los mismos. Antonio Hurtado de Mendoza. Se renueva con nuevos tipos: el petimetre afrancesado. era este una pieza de carácter más extenso y menos lírico. en la posguerra Max Aub. seguidos por otros asiduos cultivadores del género que escribieron en esta época: Alonso de Castillo Solórzano. con un argumento más desarrollado y sin apenas números cantados. etcétera en la preguerra. Son los autores más originales Miguel de Cervantes. A fines del siglo XIX y principios del XX algunos autores reivindicaron la tradición farsesca del entremés. Carlos Arniches. Abarca íntegra la segunda mitad del XVII y empieza a desarrollarse el costumbrismo. Alonso Jerónimo de Salas Barbadillo. y a fines del siglo XVIII. el comienzo de la decadencia con el agotamiento de las ideas. Recuperación y reivindicación. el castizo majo y el abate presuntuoso. Época de esplendor del entremés. Fueron en primer lugar los autores del teatro por horas. etcétera. 3. existe sin embargo repetición de algunos esquemas. Algunos de los autores más importantes de esta etapa son Jerónimo de Cáncer y Agustín Moreto. destacaron el gaditano Juan Ignacio González del Castillo y el madrileño Ramón de la Cruz. sin embargo. 5. los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero. Luis Quiñones de Benavente y Francisco de Quevedo. desde la segunda mitad del XVI a mediados del XVII. 2. situado entre el segundo y tercer acto. Todavía. En este nuevo género. Fase de decadencia del entremés. por otra parte. en 1778. 4. Antonio de Zamora. Algunos entremeses.Rana. Manuel de León Marchante. Recuperaron fundamentalmente el espíritu del entremés y algunas de sus características morfológicas: Valle-Inclán. temas y modelos y. produce el entremés algunas figuras interesantes como Francisco de Castro. pero no por motivos morales. La evolución del entremés se repartió a lo largo de cuatro etapas: • 1. Entran en esta etapa autores de entremeses primitivos como Lope de Rueda y Juan de Timoneda.

además. El opuesto al soldado y su rival era el sacristán. terminando muchos de ellos como fanfarrones. con su costumbrismo. caracterizados por su palurdez y paletez y muchas veces identificado con el bobo e incluso con un actor cómico característico. Sus personajes tenían un carácter popular y la temática derivaba frecuentemente hacia el costumbrismo. y recogía todo tipo de tecnicismos relacionados con los oficios populares y. cuantioso producto de las universidades que ofrecían escapatoria a los hijos de la baja nobleza y de la burguesía y que podían siempre . Por otra parte su lenguaje era mucho más realista y vivo que el de la comedia y prescindía de los alambicamientos retóricos y metafóricos de está siendo más directa y fresca. El escribano era popular y no entre los más agudamente zaheridos. caricaturizados por sus sordos oídos y ciegos ojos ante la gente del hampa que los soborna. El boticario era personaje menos popular. y aparece repetidas veces al lado del alcalde simplón e ignorante como su contrapunto. que cita importunamente medicinas y recetas en sus argumentos amatorios. aconsejándole lo que debe hacer. en ocasiones en ligera o discreta disputa con él. presunción y vanagloria y se incorporaban a la sociedad organizada sin hallar hueco a su talante aventurero. el vocabulario de la vida cotidiana del país. el fin de fiesta. Personajes Eran habituales personajes (o. y solía ser un amante ridículo. El médico es figura muy atacada en el entremés a causa de sus pobres medios de curación. que tenía más posibilidades económicas que él y más aceptado por las mujeres. El entremés se convirtió en una especie de desfile de tipos sociales populares o representativos de distintos oficios. porque a ella iban a parar los segundones y aquellos que. rival en amores del sacristán y casi siempre desairado en ellos. integrado también por otros géneros como la loa. reflejando de forma realista algunos temas que no podían aparecer en la pieza mayor. la jácara. tras el bobo. por no poderse adaptar al método y rigor del trabajo manual. o también aquellos que huían de cumplir algún castigo o condena. camorristas o gorrones. el baile entremesado etcétera. el baile. acusado de envenenar y hacer morir a la gente como el médico. los alguaciles. entre los cargos públicos. mejor que personajes. Menos respetado y más maltratado es el letrado. muchos de ellos volvían al cabo de años cargados de heridas. se les caracteriza como ávidos de dinero y de confuso y culto lenguaje. malicioso aunque suele ser víctima de los engaños ajenos. tipos) del entremés el bobo o simple. surgido de la fusión de la nobleza con la burguesía. los alcaldes rurales. el erudito padre Martín Sarmiento afirmó en su Declamación contra los abusos de la lengua castellana (Madrid. 1795): "Nunca supe lo que era la lengua castellana hasta que leí entremeses". la milicia era también criticada.El entremés formaba la parte más importante y sustancial del llamado teatro menor. la mojiganga. y que en el entremés ejerce muchas veces el papel de alcalde de pueblo o criado. la milicia ofrecía los tipos del soldado pobre sin oficio y huésped triste de los figones. es el personaje más frecuente. tomando frecuentemente carácter satírico. que no las tenían todas consigo en cuestión de espectáculos que consideraban inmorales o incentivadores del pecado. siempre a lomos de una mula para darse tono. buscaban mejor manera de ganarse su sustento. Y eso supuso atraer las primeras críticas de los clérigos regulares y seculares. el gran Juan Rana.

a fines del XVII y en el siglo XVIII desaparece y es sustituido por el vizconde. altaneros y dados a cantar. cartujo.incorporarse al estado clerical sin más estudios que los proporcionados por las universidades. más cobardes que aquellos. Aunque encarnaban la aristocracia intelectual del país. campesinos y viajeros a la corte. sin apenas avariantes. siempre enamorados y enamoradizos. duelos. que heredó todo lo que de ridículo se había echado encima al pobre hidalgo y responde a un contacto menos vivo con la realidad social. riñas nocturnas. El poeta es tan pobre como el hidalgo y es caracterizado por su manía de reducirlo todo a verso. los indianos eran siempre ricos inocentes. digno de conmiseración más que de risa. gente del hampa. Es sin duda el tipo más deformado. De peor catadura eran los venteros. casamenteros o valientes o bravucones que se confunden ya en el XVIII con el militar mismo y se arrugan siempre cuando llega el momento de demostrarlo. celoso o embebido en las manías de su mujer. pero a veces también con un rasgo de carácter dominante: avaros. Los mesoneros protagonizan un particular mundo de andariegos soldados. o como rateros ellos mismos. la apariencia de rudos y atontados en contraposición con el mismo tipo de la comedia. están en concordia y buena amistad con las gentes de mal vivir. los negros . mendigos. a la novela picaresca y a la novela cortesana numerosos episodios y caracteres a la par que enriquecieron el idioma con giros. y víctima de un concepto decadente y deformado de lo que había sido una gloriosa clase social. aunque no siempre. alegres y tunos y proporcionaron a la comedia. aparecen de dos maneras: como pobres víctimas de los huéspedes. los portugueses. gorrones. Los pajes entremesiles suscitan la risa con su hambre y glotonería sempiterna y con sus embustes y burlas. fanfarroneando opulencia. burlado. son muchachos de ingenua torpeza y aguda picardía. En cuanto al hidalgo es de menguado buen trato en el entremés. más ladrones y de perversas y torcidas intenciones las más veces. parlanchines. timados o estafados. Los hombres aparecen con una impronta de profesión u oficio. disputas con compañeros y bromas estudiantiles fuera de las horas de estudio. El marido ofrecía amplio campo al entremés en sus facetas de cornudo. Los estudiantes no aparecen favorecidos: siempre se hallan envueltos en aventuras de amor. amoladores. los flamencos eran más raros. presentan. buhoneros y castradores. Los criados aparecen frecuentemente. modismos y frases particulares. Eran pendencieros. como lo fuera en la novela picaresca: pobre en el fondo. En la corte se mezclaban además genes de todo pelaje y la más diversa condición: los franceses eran frecuentes en los oficios de caldereros. que siempre es inteligente y comedido. aunque sus intervenciones no son principales. bravucones. en los entremeses son presentados como trampolicantes burlones y auténticos genios de la picardía. eran mirados con desprecio por el pueblo. caballos blancos que desplumar y siempre avaros. es un campesino o un ciudadano que se guarnece de la siempre veleidosa mujer que le ha tocado quitar el sueño. son como el guapo de la obra y los romances vulgares.

en los bailes. la hechicera. la celosa. En su fase final tanto unas como otras van a dar en celestinas o alcahuetas. misterioso y alucinante que comprendía otro lenguaje en jerigonza. la mala intención y el mercantilismo de la devoción con la buena fe y a veces la ingenuidad. Se les caracteriza por su ingenioso lenguaje y facultad de animar el cotarro con su ingenio chispeante y despejo y desenvoltura. para ser de la germanía hacía falta haber sido azotado alguna vez públicamente. Sebastián Rodríguez de Villaviciosa. Por debajo de todo este mundo estaba el de la germanía.seseantes y de lenguaje tenebroso salen casi siempre. la mujer prudente (apenas representada). que se impone por su sensualidad o que es llevada a la vida alegre por la avaricia. Jerónimo de Cáncer. La fregona es otro tipo femenino frecuente. mundo de la delincuencia y el hampa sórdido. También tienen lugar en el cosmos del entremés la mujer redicha. Todos ellos son ampliamente caracterizados por su lenguaje de sonidos mal articulados o vocablos mal interpretados. La buscona era zaherida por su avaricia. La mujer se daba en dos tipos: la recogida en los ambientes honestos del hogar y la familia y sumisa y bondadosa en un ambiente de valores tradicionales. Francisco Bernardo de Quirós. el burdel era el centro de operaciones. Pedro Calderón de la Barca. si no. como los negros. Vicente Suárez de Deza. la gitana graciosa. salen solamente cuando hay que bailar o en la cárcel. De antigua raigambre es el personaje del ciego o coplero. danzas y coplas. su psicología mezcla la picardía. la embaucadora. incluidas las afueras del corral de comedias. o con alguna gitanilla graciosa. eran busconas de calle que pululaban por las diversiones populares. de origen campesino y burdas y primitivas maneras. los montañeses. condenado a galeras o haber estado en el saco o trullo. siempre mascullando la oración oportuna al caso y en pugna con los otros colegas del oficio que le ocupan un puesto de más negocio. cuando no son personajes. . siempre a cuentas con su hidalguía y anticuados y risibles valores de figurón. Si eran de alta clase social y tenían clientela urbana y de estado noble o distinguido eran cortesanas. Alonso Jerónimo de Salas Barbadillo. Autores Los más originales creadores de entremeses son Miguel de Cervantes. pertenecía a cualquier clase social. Destacaron también Luis Vélez de Guevara. Antonio Hurtado de Mendoza. La beata hipócrita es también blanco de sátira más o menos directa. Francisco de Quevedo y Luis Quiñones de Benavente. vicio y artes. la graciosa. Alonso de Castillo Solórzano. los gitanos. los gallegos son caracterizados por su servilismo y avaricia. o la suelta que iba a todas partes.

• • • . ya que n o es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística. biólogo francés y Premio Nobel. La performance tiene parentesco con intermedia. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta. Performance El término performance es un anglicismo -palabra (voz) inglesaevitable. Monod. La palabra "performance" comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. El performance está ligado a los happenings. action art. realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. No obstante. a ejecución conseguida. Creadores ligados al futurismo. La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX. al movimiento artístico fluxus events y al body art. la acción poética. al dadaísmo y al surrealismo.Agustín Moreto. la palabra "Performance" se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa “performance art” que se refiere al arte en vivo. Antonio de Zamora y Francisco de Castro. al constructivismo. heredero del arte conceptual. El performance se opone a la pintura o la escultura. la poesía visual y otras contemporáneo. espacio. utiliza el término performance en un sentido próximo a logro. • El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo. en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. la expresiones del arte expresiones (idénticas live art. que tiene dos acepciones básicas en castellano: Jacques L. Francisco Bances Candamo. iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración. el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar. Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo. Algunos llaman a tales o muy similares a la performance): intervenciones y manoeuvres. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara.

Aunque el happening surge en Estados Unidos durante los 1950s y tuvo su apogeo durante los “alegres” 1960 con estéticas próximas al . Manifestación artística. En el arte contemporáneo. que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda. Happening Happening (de la palabra inglesa que significa evento. Jack Kerouac refiriéndose a Kaprow le llamó el hombre Happening al observar la obra 18 Happenings in 6 parts (1959). El happening en cuanto manifestación artística es de muy diversa índole. tal tipo de obra fue explicada por el propio John Cage como eventos teatrales y sin trama. La propuesta original del happening j que es difícil una real improvisación. nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte. Historia Se considera como el primer happening propiamente dicho a la obra Theater piece Nº1 realizada en 1952 por John Cage en el Black Mountain College. surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores.que siempre busca redefinír sus formas y maneras-. aunque fue Allan Kaprow (alumno de Cage) quien en abril de 1957 durante un Picnic artístico en la granja de George Segal uso la palabra happening para describir las improvisaciones que se representaban. suceso). como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. desde entonces tal forma artística y tal denominación fue adoptada en otros países. frecuentemente multidisciplinaria. la literatura o la cultura. En enero de 1958 la frase acuñada por Kaprow es generalizada por la revista estudiantil de la Rutgers University Antologist. por la imprevisibilidad. efímero. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos. suele ser no permanente. ocurrencia. ya que busca una participación espontánea del público. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.• El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público.

Joseph Beuys. sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional" (George Maciunas) Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. Su autor las denominó acciones espectáculo. muchas de ellas vinculadas al surrealismo y. . Red Grooms. entre 1964 y 1960 los probos improvisaban verdaderos happenings en las plazas de Amsterdam. Youri Messen-Jaschin. Jim Dine. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. muchos de los "happenings" terminan siendo un espectáculo más de la llamada cultura de masas. Yoko Ono. las primeras obras de happening fueron escritas en catalán por el poeta Joan Brossa en 1946. Crítica El happening ha pasado a tener un carácter paradojal. En España. George Brecht. tratar temas triviales. suele verse actualmente en los "happenings" un resultado completamente opuesto al enunciado. entretenido y sin pretensiones. Europa y Japón. Claes Oldenburg. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. es decir mucho antes de que Kaprow acuñara el término. si la intención planteada teóricamente y en sus orígenes es la de la participación activa de los espectadores para librarles de la masificación. Tristan Tzara entre otros. Alejandro Jodorowsky. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978) Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos. Bazon Brock. sobre todo al dadaísmo siendo claros antecedentes las exhibiciones no convencionales realizadas en el Cabaret Voltaire por Richard Huelsenbeck. Marta Minujin. Robert Rauschenberg. en efecto. Al Hansen.llamado pop-art y a las del movimiento hippie. Wolf Vostell y Robert Whitman. Principales referentes Además de Cage y de Kaprow se consideran como principales realizadores de happenings a : Tadeusz Kantor. Fluxus "Fluxus-arte-diversión debe ser simple. se encuentran claros precedentes del mismo en ciertas expresiones artísticas vanguardistas de “los años locos” ( los años 1920). Roy Lichtenstein.

. quien a partir del Ready Made. Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento. inmediata y urgente a la realidad cotidiana. . en especial. luego no hay razón para que termine". Vito Acconci. el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Asimismo Filiou opone el Fluxus al arte conceptual por su referencia directa. con una documentación fotográfica o video gráfica posterior. Según Filiou. e invierte la propuesta de Duchamp. se pinta. El lenguaje no es el fin. sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico. se retuerce.Fluxus. un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar. Bruce Naumann. no sabemos cuándo nació. de gran relevancia en los años 1960 en Europa y. es decir. Yves Klein. se cubre. se ensucia. pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. Body art El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual. en Estados Unidos. no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística. entendido como “arte total“. sino el medio para una noción renovada del arte. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano. se calca. que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage. De cierta manera Fluxus nunca existió. Suele realizarse a modo de acción o performance. Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización.. Se trabaja con el cuerpo como material plástico. introdujo lo cotidiano en el arte. es "antes que todo un estado del espíritu. Como Dadá. de expresar y de elegir.

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