P. 1
TIPOS DE TEATRO

TIPOS DE TEATRO

5.0

|Views: 41.636|Likes:
Publicado porwillyclown

More info:

Published by: willyclown on Dec 16, 2010
Copyright:Attribution Non-commercial

Availability:

Read on Scribd mobile: iPhone, iPad and Android.
download as DOC, PDF, TXT or read online from Scribd
See more
See less

06/05/2015

pdf

text

original

TIPOS DE TEATRO ACTUACION Se conoce como actuación al proceso de investigación personal que hace el actor para descubrir a un futuro

personaje a representar. Dicho proceso comienza desde una interiorización para conocer el principio de dicho personaje y traerlo desde lo más profundo y transformarlo en un personaje integrado. La actuación es descrita como acciones hechas por un personaje dentro de la escena teatral. Aunque dichas acciones son auténticas, deberían por lo menos estar cargadas de una intención que permita que el observador se estimule y logre recibir el mensaje en su totalidad. Un actor es una persona que interpreta a un personaje en cine, televisión, teatro o radio. En ópera la actuación se consideraba más importante que el canto. En el momento actual se está llegando a un lógico mismo nivel de importancia entre actuación y canto, por lo que muchos directores de escena llaman también actores a los cantantes de ópera. La mujer dedicada a esta actividad se le llama actriz, en lugar de actor. Historia Recientes investigaciones han llegado a la conclusión de que las primeras manifestaciones del canto de la actuación surgen en Egipto, cuando se realizaban ritos en que los sacerdotes encarnaban a los dioses para explicar al pueblo el significado de sus enseñanzas y órdenes. El primer actor del que se tiene conocimiento escrito fue el griego Tespo, que actuó en el Teatro Dionisio en el año 534 a. C. En el escenario, Tespo habló en primera persona, interpretando de esta manera a un personaje. Hasta entonces ya se habían narrado historias ante una audiencia, pero siempre en tercera persona y, además, de forma cantada. La profesionalización de la actuación se inició en Europa en el siglo XVI; en Italia, con las primeras compañías profesionales de Comedia dell'Arte; en Inglaterra, con las compañías protegidas por la nobleza en tiempos de la reina Isabel (como la Lord Chamberlain's Men, la compañía de Shakespeare, que luego pasó a llamarse King's Men); en Francia, con la Comédie Française. Hasta el siglo XVII los actores sólo podían ser hombres. Se consideraba algo de mal gusto que una mujer actuase en un escenario. Así, en la época de Shakespeare los papeles femeninos eran interpretados por hombres o por muchachos jóvenes. Fue en los teatros de Venecia donde se produjo el cambio que permitió a las mujeres realizar interpretaciones teatrales.

COMEDIA La comedia es un género dramático que se caracteriza porque sus personajes protagonistas se ven enfrentados a las dificultades de la vida cotidiana, movidos por sus propios defectos hacia desenlaces felices donde se hace escarnio de la debilidad humana. La comedia se origina en el mundo griego, pero se va desarrollando por el Medievo y por la edad moderna, hasta llegar a nuestros días. Como los demás géneros dramáticos, dramática del personaje protagonista; personajes con un rol trágico en obras estos sean, por decirlo de algún modo, a la comedia lo determina la acción de ahí que no sea extraño encontrar de teatro cómicas, siempre y cuando personajes secundarios.

Como características, el personaje protagonista suele ser común y corriente y representar un arquetipo, es decir mentiroso, charlatán, fanfarrón, pícaro, enamorado, etcétera; es también inocente e inconsciente y, a diferencia de la tragedia, donde el personaje protagonista tiene un profundo sentido ético, en la comedia el personaje protagónico considera su moral como una cualidad importante; lo que lo hace ser muy vital, aunque esto es más bien un obstáculo para el personaje. Por ello, su conflicto dramático suele ser, las más de las veces, con la sociedad, además de consigo mismo, por lo que lucha por la superación de los obstáculos que le impiden realizarse consigo mismo o con esa misma sociedad. La comedia es, junto con la tragedia, una de las formas clásicas del drama griego, y uno de los tres géneros dramáticos llamados realistas. Rasgos de la comedia Conflicto: Comúnmente es generado por un vicio de carácter del protagonista. Este vicio de carácter es contrario al bienestar social de la comunidad en la que vive el protagonista. El bienestar social es relativo a la época y al lugar. El vicio de carácter del personaje protagónico lo lleva ser un transgresor de esa sociedad pues ha rebasado los límites de lo "conveniente" y por ello debe ser castigado; esto significa que el personaje vicioso es castigado socialmente, o sea, es puesto en ridículo. Protagonista: Es básicamente un personaje de baja calidad moral y que encarna algún vicio o defecto de los seres humanos (la envidia, la avaricia, la irreverencia o rebeldía, etc.) pero sumamente complejo. En el caso de Tartufo, lo que Molière, critica es la hipocresía, que se representa en este personaje, prototipo del mojigato que finge vivir valores que en verdad no

drama (del griego δράμα. en los que se destacan lo trágico y lo dramático. menos para aquel que encarna el defecto que debe ser castigado. una tendencia generalizada. Algunos teóricos del siglo XX insisten en la diferenciación categórica entre el Drama y el Teatro. al teatro como de puesta en escena del propio texto dramático. puesto en ridículo. el texto dramático no es teatro hasta que se lleva a escena para ser visto por el público. el melodrama. el drama se dividió desde sus inicios en la Grecia Antigua (donde se considera que el teatro tiene su nacimiento occidental) en Tragedia y Comedia. por un lado. Dramaturgia: Concepción escénica para la representación de un guión. reconocidos como tales desde el Renacimiento. Tragedia: Género griego caracterizado por escenas de gran confusión y desenlace infeliz. Género cinematográfico de temática seria y penosa. • Para comprender mejor el término "Drama" se requiere hacer la siguiente aclaración y contextualización: Drama: Término que proviene del griego δράμα y significa "acción". Un importante subgénero es el melodrama.tiene y que sólo persigue su bienestar a costa del daño que produce a los demás. Desenlace: Es feliz para alguna de las fuerzas que se opone al protagonista o para todos. Posteriormente. siendo la primera la versión constituida en lo absoluto por elementos lingüísticos. la farsa y la tragicomedia. 2008 (UTC) DRAMA Según la definición griega clásica. según esta posición. especialmente cuando se da el llamado "final trágico". En pocas palabras. que se centra en las pasiones humanas y los conflictos individuales. un personaje vicioso que es ridiculizado. Por ello. al drama como género literario (el texto). Existe una confusa tendencia dramática únicamente a todo lo que incluya elementos trágicos. Melodrama: Género que acentúa la emocionalidad de los personajes. --Palinuro67 (discusión) 02:19 2 sep. siendo la particularidad de este la predominancia de la función apelativa del lenguaje. formando parte entonces. pues. la ausencia de un mediador entre el . entre los primeros quedaron inscritas la tragedia y la comedia ya existentes y. el drama se divide en géneros realistas y géneros simbólicos. hacer o actuar) es la forma de presentación de acciones a través de su representación por actores y por medio del diálogo. entre los segundos. En tanto género literario. es decir. de lo que se considera como género literario.

la actuación. 1996). al drama se le conoce por melodrama: En él. El drama como género cinematográfico Como género cinematográfico el drama siempre plantea conflictos entre los personajes principales de la narración fílmica provocando una respuesta emotiva en el espectador. su posibilidad virtual de ser Teatralizado. etc. El análisis de un Drama puede ser hecho desde la crítica literaria. En este aspecto. la dramaturgia. etc. los músicos. etc. desde la perspectiva de la etnoescenología. pero particulares a un contexto histórico y cultural. El Teatro sería la concreción del Drama que incluye el espectáculo. La mayoría de las películas promueven la moralidad como eje central y. Cuando esto último es bastante exagerado. La presencia de la música y la fotografía acentúan la credibilidad de la obra. Se puede añadir la precisión. La pertinencia de la evaluación de estos aspectos del teatro como forma espectacular. o de "empatía" que se construye en la relación al publico (Pradier. elementos que no le son propios al drama como realidad lingüística acotada solamente al discurso. campo interdisciplinario que estudia los Fenómenos y Comportamientos Humanos Espectaculares Organizados (PCHSO) del Teatro que es un subgrupo dentro del conjunto de formas espectaculares organizadas.mundo creado o realidad ficticia y el lector. por ello. en cambio el análisis del teatro debe incluir factores como actuación. la música. El primero en definir el melodrama fue el filósofo francés Jean-Jacques Rousseau. y el fenómeno de "relación simbiótica". los personajes quedan limitados al carácter simplista de buenos o malos. se organizan por medio de códigos que no son universales. tienen una dimensión didáctica acusada. la iluminación. Se pueden distinguir tres aspectos claves dentro del análisis de una forma espectacular: la "espectacularidad" la "performatividad". se . Es decir. Los problemas de los personajes están relacionados con la pasión o problemas interiores. (Cuadro es el cambio de escena en una obra dramática) MELODRAMA El melodrama. evaluación del espectáculo. conmoviendo a éste. La temática de este tipo de películas es diversa. pero su eje principal es el amor. Etimológicamente el melodrama se define como teatro musical. y su manifestación espectacular por medio del teatro. en vez de caminar juntas. parecido al melólogo pero con varios personajes. es una obra teatral cargada de trozos sentimentales subrayados por música. Rousseau lo definió con las siguientes palabras: "un tipo de drama donde las palabras y la música. esta en el hecho que toda forma espectacular responde a un contexto social. debido a que interpela a su sensibilidad.

En un sentido amplio. y donde la frase hablada es de cierta manera anunciada y preparada por la frase musical" La influencia del premio Nobel Jacinto Benavente asentó las bases del melodrama actual. que con su contenido. Difiere de la literatura escrita común por ser más una estructuración de una historia de acuerdo con los elementos específicos del teatro. o efectos visuales o especiales. Cabe notar que el cine y las series de televisión suelen utilizar a profusión la musicalización para transmitir o inducir las emociones. La pianista de Michael Haneke. DRAMATURGIA Dramaturgia es el arte de composición y representación en el escenario. el término melodrama no se les aplica por lo general. OPERA . Las telenovelas Hispanoamericanas y las soap operas anglosajonas son en su mayoría melodramas. por ejemplo los guiones cinematográficos y telenovelas. Actualmente la dramaturgia no sólo está relacionada con el texto teatral. y que esto se haga de una manera muy marcada. Tenemos entre ellas Rompiendo las Olas de Lars von trier.presentan sucesivamente. sino que en todo momento buscan dar un significado y connotación humana. o el tiempo. La dramaturgia da a la obra y a la actuación una estructura. el término melodrama también abarca películas que tienen una carga emocional o moral muy fuerte o emotiva. Esto no significa que no busquen experimentar con la narrativa. Más que un escrito propiamente dicho. sino que está presente en toda obra escrita con el fin de poder representar una historia. la dramaturgia es dar forma a una historia de manera que pueda ser actuada. sin embargo. Son películas dramáticas que buscan ser lo más realistas posibles. El dramaturgo en la pieza teatral. En la actualidad el término melodrama se aplica a cualquier obra actoril en formato audiovisual donde las emociones del espectador sean inducidas o favorecidas por la música. pero otras son adaptadas por un profesional. El melodrama está presente en la televisión como telenovela. de Bernardo Bertolucci. crea los personajes y conflictos que serán presentados dando la impresión de que acontecen "aquí y ahora". Persona de Ingmar Bergman y El último Tango en Paris. el trabajo del dramaturgo puede ser definido como un diseño. de un drama. y tenemos a muchos realizadores de ellas. para las obras que intentan inducir más emoción con su musicalización y con el sentimentalismo exagerado. Algunas obras son escritas específicamente para su representación en el escenario. llamado dramaturgo. pues tal término se ha convertido en una etiqueta despectiva. En cuanto a cine se refiere. atendiendo al gusto de cada persona.

El mimo corporal es un arte dramático del movimiento.La ópera es un drama cantado con acompañamiento instrumental que. el mimo corporal hoy se utiliza como una herramienta en el mundo de las escuelas y de las universidades de teatro. resistencia y sorpresa. La mayoría del tiempo. Todas éstas. la orquesta tiene los instrumentos de una orquesta sinfónica.. como son el musical. En este medio. está enseñado como una técnica de interpretación corporal. se representa en un espacio teatral ante un público. la zarzuela y la opereta. Existen varios géneros estrechamente relacionados con la ópera. A partir de mediados del siglo XIX. por sobre el texto y la narrativa. emociones. arioso y aria. a diferencia del oratorio. dudas. en ocasiones. multiplicando sus posibilidades físicas e imaginativas a través del estudio de una técnica. pero con secciones de cuerda más pequeñas.. que es más un intento de cambiar palabras por gestos. Sin embargo. tales como escenografía. El objetivo del mimo corporal dramático es de introducir el drama dentro del cuerpo. y surgen formas cada vez más libres. tríos. Descripción El drama se presenta usando elementos típicos del teatro. La ópera tradicional basa su canto solístico en distintas modalidades de canto: recitativo. pueden aparecer combinadas con coro. Mimo corporal El mimo corporal o mimo dramático es un tipo de teatro físico creado por Etienne Decroux (1898 . pensamientos. También se cantan dúos. En esto se diferencia de la pantomima. eso es una elección estilística. La pedagogía del mimo corporal permite al actor adquirir un estado mayor de autonomía. TEATRO FISICO El teatro físico se conoce como una rama del llamado teatro contemporáneo. y no una condición sine qua non del mimo corporal. vestuarios y actuación. predominantes en el teatro tradicional de occidente. cuartetos. tendencias. estas formas comienzan a abandonarse. Los cantantes son acompañados por una orquesta. vacilación.1991) y desarrollado por sus ayudantes y nuevas generaciones de profesionales. la letra de la ópera (conocida como libreto). Por estos elementos pedagógicos. el mimo debe aplicar al movimiento físico esos principios que estén en el corazón del drama: pausa. El mimo corporal dramático quiere representar lo invisible. . se canta en vez de ser hablada. peso. en el cual destaca el lenguaje físico como principal motor de la dramaturgia del espectáculo teatral. El actor puede interpretar piezas con o sin texto.

Sófocles.A pesar de esto. el hado o fatum. También existen las tragedias de sublimación en la que el personaje principal es mostrado como un héroe que ante las adversidades se sobrepone por la fuerza de sus virtudes y el espectador termina admirándolo. antigua manifestación físico-popular que hoy en día se vuelve a re-descubrir. en Grecia. Eurípides. Grecia una representación teatral La primera tragedia latina la compuso Livio Andrónico y se representó en Roma en el año 54 de su fundación en tiempo del consulado de C. las tragedias han de acabar generalmente en muerte o en la destrucción física. Su nombre deriva del griego yo canto. Claudio Cento y M. inexpugnable e inevitable contra el universo o los dioses. macho cabrío. Las tragedias clásicas generan en el espectador la catarsis. moviéndose siempre hacia un desenlace fatal por una fuerza ciega. la fatalidad. donde los ritos teatrales de oriente y occidente lograban la transformación del cuerpo cotidiano. en cuerpo escénico no cotidiano. compuesta por Trisino y representada en Roma en 1515. desde los siglo XIII al XVI pero es indudable que la primera tragedia regular es Sofonisba. TRAGEDIA La tragedia. Tiene en una mano cetros y a los objetos elevados o heroicos que ella trata y en la derecha un puñal ensangrentado. Cierto que se encuentran algunos ensayos en lengua vulgar. unos ciento sesenta años después de la muerte de Sófocles y Eurípides y doscientos veinte años antes de la de Virgilio. social o intelectual del personaje principal. es decir. las diez tragedias Tiempos modernos Entre los modernos no reapareció la tragedia hasta la época del Renacimiento y aun por traducciones o imitaciones de la antigüedad. La tragedia nació como tal en Grecia con las obras de Tespis y Frinico. ese le da una maza o clava para indicar la tragedia en los tiempos heroicos en los cuales estaba en uso esta arma. es considerada como la diosa o numen de la tragedia. Melpómene. En . un ejemplo de ello es Antígona de Sófocles. apelativo que se daba al dios Dionisos. que es sacrificado así a esa fuerza que se le impone y contra la que se rebela con orgullo insolente o hybris. una de las nueve musas. y se consolidó con la tríada de grandes trágicos del clasicismo griego: Esquilo. Un buen ejemplo de estas prácticas era la comedia del arte. de aspecto grave y serio y calzando el coturno. sobre todo. cuya etimología deriva de la palabra griega τράγος /"trágos"/. Otras veces. Sempronio. es una forma dramática cuyos personajes protagonistas se ven enfrentados de manera misteriosa. su origen está arraigado en la Antigüedad. Aparte de los citados autores romanos. se la figura algunas veces con el Terror y la Piedad. En pos de ella. el sino. Se representa ricamente vestida.

Hardy Durier. en Dinamarca. en Alemania y Austria. Ben Johnson. Alfieri y D'Annunzio. El prólogo. Cienfuegos. Lemercier. lo cuales son pasajes en los que el protagonista sufre. Addison. es la parte más importante por ser la dramática por excelencia y expresa el pensamiento e ideas del personaje. Schiller. Mairet y su ejemplo hasta que en 1635 apareció Corneille. Párodos: cantos a cargo del coro durante la entrada por el párodo izquierdo presidio por un flautista. Entre los autores modernos que más se han distinguido en la tragedia hay que citar: • en España a Lope de Vega y Calderón de la Barca que compusieron verdadera tragedias a pesar de titularlas comedias. 2. Jovellanos. Martínez de la Rosa. Episodios: pueden ser hasta cinco. es un canto de coro sin anapesto ni troqueo. Dentro de los episodios se pueden encontrar los agones.1552. Voltaire. en Francia. siguiéndole después Racine que elevó a la perfección el restaurado género. Dryden. Después vienen siete episodios entrelazados por cada estásimo para concluir con el éxodo. Las características generales son: se da la ubicación temporaria y se une el pasado del héroe con el presente. episodio. Tamayo y Baus y Ventura de la Vega. • • • • • Partes de la tragedia griega Aristóteles en su Poética señala que las partes de la tragedia se dividen en prólogo. Shakespeare. los ya citados Corneille y Racine. Otway. y la parte del coro que se divide a la vez en párodo y estásimo. éxodo. En estas parte se realiza un canto lírico. También a Quintana. Se le informa al espectador el por qué del castigo que va a recibir el héroe y en esta parte no interviene el coro. Huertas. Enschlager. además de Crebillon. Prólogo: Según Aristóteles es lo que antecede a la entrada del coro. el poeta Jodelle. Casimir Delavigne. Roberto Garnier. con su primera tragedia Medea. . Goethe. se dan danzas de avance y retroceso. en Inglaterra. el primero en Francia. Grillparzer. Metastasio. 3. hizo representar la tragedia de su invención Cleopatra cautiva. intervención del coro que no es cantado. Marlowe. en Italia. En cuanto estásimo. pueden participar hasta tres actores pero sólo hablan dos y el otro está mudo o puede ser un monólogo. hay diálogo entre el coro y los personajes o entre personajes. se utiliza el dialecto ático (más adecuado a los cantos corales debido a su musicalidad). precede al párodo del coro. 1.

Se encuentra a medio camino entre la tragedia y la comedia: no se evitan las situaciones cómicas. escritas para celebrar el ascenso al trono del soberano. el héroe reconoce su error y es castigado (a veces con la muerte) por los dioses. Shakespeare le dedica a Jacobo I algunas de sus obras principales. El hecho de que se prolongue más allá del reinado de Isabel I hace que el drama escrito entre la Reforma y la clausura de los teatros en 1642 se denomine Teatro renacentista inglés. Los episodios son siempre separados por los estásimos. aunque con efectos cómicos protagonizados. Los dioses no intervienen en la vida de los hombres y puede haber más de una acción al mismo tiempo.. Estásimo: es la parte lírica-dramática donde el autor expresa sus ideas políticas. En la Grecia clásica. hay cantos líricos y dramáticos. En realidad los estudiosos extienden generalmente la era isabelina hasta incluir el reinado de Jacobo I († 1625). homenaje a la dinastía Estuardo). las cuales son siempre pronunciadas por el coro. El éxodo como los estásimos son siempre dichos por el coro o Corifeo. filosóficas. las antiestrofas eran dichas por Corifeo (un representante del coro) 5. religiosas. fundamentalmente. Éxodo: es la parte final de la tragedia. Macbeth (1606. como Otelo (1604). hay de tres a cinco. el drama satírico o la tragicomedia suele tratar un tema legendario. etc. TEATRO ISABELINO El teatro isabelino (1558-1625) es una denominación que se refiere a las obras dramáticas escritas e interpretadas durante el reinado de Isabel I de Inglaterra (1533-1603). hablándose entonces de "teatro jacobino". El rey Lear (1605). Estos mismos pueden estar divididos en estrofas y antiestrofas. Es aquí donde aparece la enseñanza moral. aunque en la tragedia griega antigua. por el coro.4.1 TRAGICOMEDIA Es una obra dramática en la que se mezclan los elementos trágicos y cómicos: También se le conoce como pieza. es la segunda entrada del coro y en esta parte no danza. generalmente en estos están sintetizados las características de una clase social. Carlos I. también se le denomina como género psicológico. e incluso más allá. hasta la clausura de los teatros en el año 1642 a causa de la llegada de la Guerra civil ("teatro carolino"). y se asocia tradicionalmente a la figura de William Shakespeare (1564-1616). porque se parece a dicho término. pero tampoco el desenlace trágico. sufriendo el pathos y muchas veces convirtiéndose en el pharmakon (el remedio para el mal). incluyendo el de su sucesor. y La .

lo cómico y lo novelesco. pero el ejemplo más emblemático es el de Hamlet. Se pueden encontrar otros ejemplos de esto entre los isabelinos. juntando lo trágico. mas la ironía y la comicidad de los personajes. El bufón de El rey Lear. del que sospecha que ha asesinado a su padre. la tragedia personal de Lear y la nacional de Inglaterra rota por la guerra civil. dejando la corte. como por otra parte ocurre en el cine moderno. por afecto. . como las "pastorales" o las "tragicomedias". El actor gusta de hablar al público "entre líneas". interludio musical en honor del rey que asistió a la primera representación. la profundidad de la exploración filosófica le confieren mayor aliento. LA TRAGICOMEDIA Y LO NOVELESCO Un drama muy ligado a los efectos escénicos y que se apodera de las emociones más violentas se asocia entonces a las pasiones del amor más morboso: el cuadro antiguo pintado con mano sutil es restaurado con trazos tan gruesos que casi ocultan el toque del artista. Se ha visto en la mascarada de La tempestad. El período isabelino no coincide cronológicamente en su totalidad con el Renacimiento europeo y menos aún con el italiano. proporcionaban el alivio cómico al público haciendo resaltar. cuyas tragedias y comedias mantuvieron sin embargo una mayor separación irónica y realista. que incluye entre otros una "mascarada". con éxito semejante al del "cine dentro del cine". en la que el joven heredero al trono de Dinamarca contrata a un grupo de actores itinerantes para representar frente a los ojos de Claudio. para darle la vuelta al personaje mismo que está recitando. anticipando el distanciamiento irónico del teatro de Bertolt Brecht.tempestad (1611. Lo mismo puede decirse de muchas otras grandes comedias de Shakespeare e isabelinas. pero también con el "teatro dentro del cine". Por esto el joven Hamlet se convencerá de la culpabilidad (hasta entonces no probada) de su padrastro. Para esta clase de actores el dramaturgo isabelino inventa el teatro dentro del teatro. disgustado y aterrorizado. Al final Claudio se alza. un drama que reconstruye el presunto asesinato. mostrando un fuerte acento manierista y Barroco en sus elaboraciones más tardías. en las que lo cómico se mezcla fatalmente con lo trágico. fusión de comedia y tragedia. y la locura del rey caído en desgracia por la traición de sus hijas a las que. La tempestad tiene mucho de tragicomedia. había regalado todo su patrimonio. La mezcla de géneros propia del renacimiento inglés fue también experimentada por los isabelinos. como por el efecto del claroscuro. El teatro dentro del teatro Que el teatro isabelino era un "teatro abierto" y no sólo en el sentido literal del término parece demostrado también por el sentido de autoironía de los actores y de los dramaturgos isabelinos. No es por casualidad que los mismos dramaturgos renacentistas trabajasen contemporáneamente con obras del tipo "mixto". tramando su asesinato.

El verso blanco juega una parte no menor confiriendo a la poesía la espontaneidad de la conversación y la naturalidad del recitado. El escenario inglés de finales del siglo XVI (sobre todo en Shakespeare) presenta un frecuente y rápido sucederse de escenas que hacen pasar rápidamente de un lugar a otro. permaneciendo (sobre todo en el caso de Jonson) a nivel de "tipos" o "máscaras". Con otro estilo y otra técnica. Beaumont. inventor del versi sciolti (verso libre). Cabe pensar en el amor "prohibido" entre Romeo y Julieta. Teatro de vanguardia . que imita bastante fielmente el verso latino senequista. días. infringiendo consolidados tabúes sociales (sexo. dos jóvenes de catorce años que deciden en pocos días casarse y huir de casa. les hacen más semejantes a nosotros. pero estos personajes no tienen la vida de los de Shakespeare. Cualidad esta que. muerte. pentámetro yámbico carente de rima). locura). La idea de usar un metro semejante se le ocurrió a Surrey por la versión de la Eneida de Molza. demostrando que en esta época aún nos conmueven profundamente. consiguió imponerse mejor en el continente: sólo algunos clasicistas de corte académico como Ben Jonson siguieron al pie de la letra los preceptos. liberando al diálogo dramático de la artificiosidad de la rima. el Paraíso perdido. Modernidad y realismo de los personajes La relectura isabelina de los clásicos supuso un vendaval de innovaciones en historias ya milenarias. en toda su complejidad psicológica. mientras se conserva la regularidad de los cinco pies del verso. pero debe esperarse al Gorboduc de Sackville y Norton (1561) para que se usase en el drama para llegar a culminar en la epopeya bíblica de John Milton. La Poética de Aristóteles. lejos de "empeorar" los personajes. Fletcher. Marlowe y muchos otros encontraron campo fértil para su genio. meses con una agilidad casi pareja a la del cine moderno. saltando horas. El teatro isabelino introduce asimismo toda una serie de técnicas teatrales de vanguardia que fueron utilizadas siglos más tarde por el cine y la televisión. El verso blanco fue introducido por el Conde de Surrey cuando en el año 1540 publicó una traducción de la Eneida usando esta forma métrica. exaltando en verdad la cualidad universal de los grandes personajes históricos o legendarios. En El rey Lear el abandono del viejo rey por parte de las hijas es el tema dominante (y no hay cosa que resulte más actual que el drama del abandono de los ancianos y de la fragmentación del núcleo familiar). que definió la unidad de tiempo y acción (la de espacio es un añadido de los humanistas) en el drama. Fue sobre todo gracias a la renuncia a las reglas que el teatro isabelino pudo desarrollarse de aquellas formas nuevas en las cuales Shakespeare. canibalismo. incluso los temas sociales se tratan de manera moderna.Innovaciones respecto al teatro continental La época isabelina no se limitó a adaptar los modelos: renovó felizmente el metro con el verso blanco (blank verse. en la representación del suicidio de los amantes.

Estas premisas son esencialmente negativas y se concretan en un triple abandono: abandono de la intriga convencional. tanto en su aspecto técnico como de contenido. Samuel Beckett. abandono de la psicología como resorte escénico y abandono de todo realismo. pero su producción dramática se hace en francés y sobre todo pensando en París). Precedente Sus raíces pueden encontrarse en las obras de "moralidad alegórica" de la Edad Media y en los autos sacramentales (dramas religiosos alegóricos) de la España barroca. En el teatro del absurdo tiene fuertes rasgos existencialistas y cuestiona a la sociedad y el hombre. '50 y '60 y. A través del humor y la mitificación escondían una actitud muy exigente hacia su arte. sino más bien de analogía entre varios autores en orden a la problemática teatral. y Jean Tardieu.. Jean Genet. en las obras de ensueño de Strindberg y las novelas de James Joyce .El Teatro colonial es un movimiento teatral que surge paralelamente a la anti novela o nueva novela (v. De aquí que toda etiqueta resulte demasiado estrecha para englobar a escritores que proceden de distintos horizontes literarios. Teatro del absurdo Teatro del absurdo es un término que abarca un conjunto de obras escritas por ciertos dramaturgos estadounidenses y europeos en los años 1940. en la literatura del "no-sentido" de autores como Lewis Carroll. en Francia. las anti piezas del nuevo teatro nos presentan el reflejo de un mundo de pesadilla y una reflexión sobre el lenguaje hecha de absurdo e incongruencia. Historia Emerge en el París de los años cuarenta y principios de los cincuenta. En lugar de personajes bien caracterizados. un fenómeno teatral que se caracteriza por la negación de las formas establecidas y por la búsqueda de un nuevo y original lenguaje escénico. en las obras de Arthur Adamov. Se caracteriza por tramas que parecen carecer de significado. uno de cuyos primeros exponentes fue la obra "Ubu rey" de Alfred Jarry (1896) así como la enorme influencia de Antonin Artaud (1896-1948) con su libro "El Teatro y su doble" Como en la nueva novela. Fernando Arrabal.. alrededor de 1950. de una estructura lógicamente construida y de diálogos brillantes.). no puede hablarse de escuela o de movimiento. y que únicamente tienen en común un determinado número de premisas.. en general. el estilo teatral que surgió a partir de la obra de aquellos. Sus precedentes se hallan en las tendencias innovadoras en el teatro desde inicios del siglo XX. Eugene Ionesco. ideológicos y geográficos (es curioso observar que los más importantes autores coloniales han nacido fuera de Francia. diálogos repetitivos y falta de secuencia dramática que a menudo crean una atmósfera onírica. en especial.

El dramaturgo del absurdo viene a ser un investigador para el cual el orden. quien lo convirtió en título de un libro de 1962 sobre la materia. Aunque más bien a Beckett se le relaciona con el Teatro del absurdo donde la tragedia y la comedia chocan en una ilustración triste de la condición humana y la absurdidad de la existencia. de Ionesco. lo salvaje y la duda ante un universo inexplicable y recayeron en la metáfora poética como un medio de proyectar sus más íntimos estados. Entre los principales dramaturgos del teatro del absurdo se cuentan Alfred Jarry. Esslin consideró que estos dramaturgos daban expresión artística a la filosofía del absurdo de Albert Camus que . mientras que en Rinocerontes de Ionesco (1960) se muestra la ansiosa preocupación acerca del esparcimiento de las inhumanas tendencias totalitarias mostrando a la población de una ciudad transformándose en salvajes paquidermos.y Franz Kafka. y en las farsas fráticas de Georges Feydeau. Arthur Adamov. creador del estilo del teatro de la crueldad. la justicia. la "psicología" y el lenguaje no son más que una serie de sucesivas aproximaciones a una realidad ambigua y decepcionante. obras que tuvieron como continuadores directos el movimiento dadaísta y el surrealismo de los años 20 y 30. en el drama grotesco de Alfred Jarry. Virgilio Piñera. la obra Días felices de Beckett (1961) expresa una generalizada ansiedad del hombre sobre la aproximación de la muerte. Origen Los autores comenzaron a aglutinarse bajo la etiqueta de lo absurdo como una forma de acuerdo frente a la ansiedad. o de este último también La cantante calva. a través de la imagen concreta de una mujer hundida hasta la cintura en el suelo en el primer acto y hasta el cuello en el segundo. Jean Genet. si bien la clasificación es discutible. Samuel Beckett. Fuera del teatro: algunas de las películas de Luis Buñuel podrían catalogarse de absurdistas. Eugène Ionesco. de Beckett y El rinoceronte. Una de las fuentes teóricas más potentes del teatro del absurdo fue El teatro y su doble. sin interesarle tanto la aparición de la realidad objetiva como la percepción emocional de la realidad interior del autor. Término El término lo acuñó el crítico Martin Esslin. obra originalmente publicada en 1938 de Antonin Artaud. Así. el sueño y la pesadilla. Es por ello que las imágenes del teatro absurdo tienden a asumir la calidad de la fantasía. Dramaturgo del absurdo La literatura del absurdo da muestra de la filosofía del dramaturgo de la cual Beckett es uno de los máximos representantes. Antonin Artaud. por ejemplo. Tom Stoppard. la libertad. El dramaturgo del absurdo desmantelará el viejo universo cartesiano y su manifestación escénica. Harold Pinter y Slawomir Mrozek. Algunas obras representativas son: Esperando a Godot.

escuchar o hablar sino. la expresión artística o la educación emocional. así como el objetivo de los humanos. Desde los diálogos teatrales creados ex professo por el humanista Juan Luis Vives para la enseñanza del latín a los universitarios durante el Renacimiento. . Teatro existencialista El teatro existencialista nació a mitades del siglo XX en Francia. perceptivos. la animación lectora. artísticos y sociales. las técnicas expresión y habilidades todo. Surgió con las obras del filósofo Jean Paul Sartre. hasta las modernas técnicas de dramatización que contemplan la enseñanza como un todo. psicomotores. decía que la humanidad tenía que resignarse a reconocer que una explicación completamente racional del universo estaba más allá de su alcance. Sin embargo. en particular. "Es una modalidad dramática que se rige por los principios existencialistas expresados en términos absurdos". Camus. su existencia. tener en cuenta los aspectos metodológicos que ayudan el desarrollo de la capacidad de interrelación de todas estas formas de expresión por medio de la interdisciplinariedad. la didáctica de las lenguas. Sus obras. el mayor representante del existencialismo. el fomento de la creatividad. el teatro no se puede reducir en la escuela a un mero instrumento didáctico. en ese sentido. sobre habilidad de comunicar. la expresión corporal. áreas de conocimiento que van desde la teoría literaria. hasta las relacionadas con los talleres de escritura. tratan diferentes puntos de vista sobre la creación del hombre en cuanto a su naturaleza. Teatro en la educación El teatro en el ámbito de la educación forma parte de pedagógicas utilizadas para desarrollar las capacidades de comunicación de los alumnos centrándose no sólo en las lingüísticas de leer. en la Como recurso didáctico ha sido utilizado en todas las épocas y situaciones. Para delimitar bien todas las facetas de la enseñanza del teatro en la educación se deberían abordar. en las cuales teoría y práctica se retroalimentan y se contemplan tanto los aspectos cognitivos de la formación como los aspectos afectivos. la responsabilidad que conlleva la capacidad de elegir de los seres racionales dejando a un lado las divinidades. también es denominado como el teatro del compromiso social. desde un enfoque global. En palabras de Esslin. inspiradas en sus doctrinas filosóficas. la semiótica teatral. el arte dramático y otras.indica que la vida es inherentemente absurda y tal es su sentido. escribir. Y lo que es más importante. el mundo debe ser visto como absurdo.

a Brecht no le gustaba el espectáculo vacío. Es lo contrario de la suspensión de la incredulidad. consiste en que el existencialista propone soluciones a los problemas y el teatro del absurdo prefiere presentar los problemas y dejarlos al juicio del público. En conclusión. Este teatro se diferencia de los demás de su momento por centrarse en el tema del individuo y la circunstancia que lo rodea. desarrollando y popularizando el estilo. En general fue una reacción contra otras formas populares de teatro. era presentar ideas e invitar al público a hacer juicios acerca de ellas. . intrínsecamente ligado al director alemán Bertolt Brecht. Teatro Épico El Teatro Épico (alemán: Episches Theater). los argumentos manipulativos y la elevada emoción del melodrama. para posteriormente alentar al público sobre acciones.Aparte de esto Brecht introdujo la técnica de distanciamiento. Más tarde Brecht preferiría el término de Teatro dialéctico para enfatizar el elemento de la argumentación y la discusión. los cuales suelen ser problemas actuales y de toda una sociedad como los son conflictos tales como guerras. igual que el teatro del absurdo. el teatro existencialista fue el movimiento teatral con mayor preocupación sobre los temas actuales así como la situación de la humanidad de la época. y debería permanecer a una distancia emocional de la acción. de arquetipos o estereotipos. se produce un alejamiento de las teorías radicales de Antonin Artaud quien buscaba afectar al público en un nivel absolutamente irracional. Brecht los unificó. pero donde Stanislavski intentó copiar el comportamiento real humano a través de técnicas de actuación para sumergir al público en el mundo de la obra. pobreza. también conocido como el Teatro de la Alienación o Teatro de Política. Como los demás movimientos teatrales nacidos en esta época. Aunque muchos de los conceptos relacionados con el Teatro Épico habían existido durante años o incluso siglos. refleja una realidad interna y una preocupación extrema por la técnica utilizada para expresar diferentes situaciones y sentimientos. En el Teatro Épico se asume que el propósito de la obra. Este género se enfocaba en la crítica. violencia entre otros. más que el entretenimiento o el mimetizar la realidad. Al centrarse el Teatro Épico en lo político y social. El teatro existencialista criticaba la situación contemporánea.Además de Sartre. que cambiasen el ambiente criticado. sino representar los lados opuestos de un argumento. El público debería siempre ser consciente de que está viendo una obra de teatro. Como Stanislavski. Brecht buscó otra forma de escapismo. Los personajes no deben imitar a las personas reales. en particular contra el drama realista cuyo pionero era Konstantin Stanislavski. también cultivó este tipo de teatro Albert Camus y algunas obras de Anuillh guardan semejanzas con las existencialistas. Brecht describió este ideal como Verfremdungseffekt (Efecto de extrañamiento o alienación). la diferencia entre estos 2. conflictos entre países. es un tipo de teatro que surgió a principios del siglo XX. dejando a un lado el tema en si.

anuncios o carteles que interrumpen y resumen la acción. plantea que se debe golpear sentimientos primarios del espectador mediante escenas violentas y chocantes para . que la obra lo marque. más radical. de manera irónica. Teatro de la crueldad Teatro de la crueldad es un movimiento teatral muy heterogéneo. convencer ni a la audiencia ni a ellos mismos de que son en realidad los personajes que interpretan. por lo que incorporaba música y canciones en sus obras. inspirado en las ideas del escritor francés Antonin Artaud. Un término acuñado por Brecht es el Gestus: una actitud física o un gesto que representa la condición del personaje independientemente del texto. Brecht pensaba que era importante que las opciones de los personajes fueran evidentes e intentó desarrollar un estilo de actuación en el cual era evidente que los personajes elegían una opción en lugar de otra. Los actores a menudo interpelan directamente al público sin estar interpretando su personaje (romper la cuarta pared) e interpretan múltiples papeles. el actor se distancia de la obra y por lo tanto evita cualquier emocionalidad excesiva. Por ejemplo. Estas vagas ideas han dado lugar a numerosas propuestas muy diferentes entre sí. un personaje puede decir: "Podría haberme quedado en casa. Otra tendencia. en conflicto con el efecto emocional esperado. La base en la que se inspira este movimiento teatral es la de sorprender e impresionar a los espectadores. Técnicas Eran técnicas de producción comunes en el Teatro Épico la inclusión de escenarios irreales por su simplificación. por el contrario. Algunas tendencias interpretan el teatro de la crueldad como una obra que toque las fibras íntimas del público por el mero deslumbramiento y ritualización del espectáculo teatral. Con esto se pretende dejar una huella en el espectador. expuestas en su libro El teatro y su doble (1938). en el cual se explotan al máximo sus posibilidades físicas y visuales. Con un Gestus que claramente defina la actitud del personaje. Brecht se basó en el teatro chino: notó que el actor Mei Lan Fang interpretó una escena que requería que su personaje estuviera asustado tan sólo poniendo un mechón de su pelo en su boca. La actuación en el Teatro Épico necesita que los actores interpreten sus personajes de manera convincente sin. y música que entra. y todo el mundo en la audiencia supo que el personaje estaba asustado. mediante situaciones impactantes e inesperadas.También se contrapone al Teatro aristotélico en el que el espectador debía identificarse con el personaje (catarsis). Brecht usaba la comedia para distanciar a su público de los hechos emocionales o serios y se vio muy influenciado por los musicales y los intérpretes de feria. pero en su lugar fui de compras". aunque el actor permaneció completamente calmado durante toda la obra.

con autores especializados como Tomás Luceño y Javier de Burgos. que se representaba como intermedio de una función o al final. protagonizada por personajes de clases populares. en una acepción gastronómica. Armando Discépolo introducirá un giro sombrío y dramático en este género transformándolo en el "Grotesco Criollo". en un acto.es el británico Martin McDonagh. Fernando Arrabal. enlazado con la siguiente acotación: "Mientras vuelve el ciego pasa un entremés entre un procurador y un litigante". como "manjar entre dos platos principales". de 1547. Posteriormente en el Río de la Plata. y los madrileños Ramón de la Cruz y Sebastián Vázquez. y revitalizaron el género en el siglo XX Carlos Arniches con su colección de sainetes Del Madrid castizo y los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero. un pleito cómico situado al final del primer cuadro del mismo. a fines del siglo XVI y durante el siglo XVII y XVIII hasta su prohibición en 1780. Evolución y estilo El término entremés procede del catalán y está documentado en el siglo XV como una especie de pantomima representada en banquetes cortesanos y. Martin McDonagh. célebre por sus obras de atroz violencia y sadismo). David Mamet.captar su atención (un claro exponente de esta tendencia. Su uso actual se generaliza en el siglo XVI alternando con el más común de paso. Alejandro Jodorowsky y en menor medida. Sustituye al entremés en el siglo XVIII. Entre los más importantes autores influidos por el teatro de la crueldad están: Peter Weiss. El Living Theatre de New York. por las desconcertantes acciones de algunos de sus personajes. se dice: . Entremés Se conoce como entremés (o paso) a una pieza dramática jocosa y de un solo acto. de carácter popular. En el prólogo de la Comedia de Sepúlveda. En Europa. conocida en inglés como "in your face" -en tu cara. ya que un público traumatizado se preocupa más por el golpe emocional que por la trama misma. A finales del siglo XIX fue materia frecuente del llamado género chico y del teatro por horas. Entre los principales cultivadores de este subgénero cómico en el siglo XVIII se encuentran los gaditanos Luis Moncín y Juan Ignacio González del Castillo. cuya denominación se aplicó en España a cualquier tipo de representación teatral. Así se usa en el Entremés de la Representación de la historia evangélica de san Juan de Sebastián de Horozco. su equivalente es la farsa. Sainete Un sainete es una pieza dramática jocosa. Posteriormente será llamado sainete. es decir. entre la primera y segunda jornada de una obra mayor. y normalmente. XIX y XX. que solía representarse durante el Siglo de Oro español. Harold Pinter. Esta aplicación extrema de las ideas de Artaud ha ocasionado polémicas sobre el valor estético de la tendencia (que se considera que desvirtúa la idea original).

escribió el primer entremés exento. recuperó su función subsidiaria y lo definía como un "alivio cómico" protagonizado por personajes populares "porque entremés de reyes no se ha visto". más conocido por su sobrenombre de Juan . El mismo Timoneda en El deleitoso (1567) dice: "Venid alegremente al Deleitoso / hallarlo heis repleto y caudaloso / de pasos y entremeses muy facetos". par ser representado en un convento de monjas el día de San Juan Evangelista. un pregonero. y lo tenía por arquetipo de la comedia antigua que él había venido a renovar con su comedia nueva. En sus principios. pero una comedia mala con un buen entremés podía mantenerse en cartel y ser un éxito (los éxitos teatrales del Siglo de Oro no pasaban por lo general de una semana). la tonadilla. Así era en el caso de algunas obras de Gil Vicente o Garci Sánchez de Badajoz. en su obra El viaje entretenido (1603). los llamaron Entremeses de comedias Desde que Luis Quiñones de Benavente (1600-1650) configuró definitivamente el género en el siglo XVII. que intercambian insultos. Un entremés venía a venderse por el triple de lo que costaba una loa y tenía una importancia capital en un programa teatral del siglo XVII.No os puede dar gusto el sujeto así desnudo de aquella gracia con que el proceso del suele ornar los recitantes y otros muchos entremeses que intervienen por ornamento de la comedia. Había actores especializados en este género. acabó escribiéndose en versos e incorporando a veces números cantados que darían lugar a un género posterior. era pues una acción no exenta de la principal. a manera de descanso o interludio cómico. junto a los pasos de Lope de Rueda tenidos por antecedente del entremés. sin embargo. en la cual se contienen diversas comedias y farsas muy elegantes y graciosas con muchos entremeses y pasos apacibles (1565). de forma que una comedia buena con un mal entremés fracasaba irremediablemente. Lope de Vega. Sebastián de Horozco. como Cosme Pérez. la colección dramática La Turiana. en su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609). que no tienen cuerpo en el sujeto de ella. este ingenio llegó incluso a crear un subgénero entremesil. protagonizado por un fraile rezador y visitador de burdeles. diferente del ya mencionado. Se ve pues en la denominación de paso era sinónima del algo más gastronómico entremés. un buñolero y un villano bobo y procaz. y otros dos personajes populares. Juan de Timoneda cita la palabra entremés precisamente en una de sus obras más conocidas. porque iban entre medias De la farsa. Al principio se escribía indistintamente en prosa o verso. el llamado entremés cantado. Agustín de Rojas Villandrando. por otra parte. escribió: Y entre los pasos de veras Mezclados otros de risa Que. Éste empezó a definirse con los Pasos de Lope de Rueda en el siglo XVI. golpes y manteos en clara manifestación del carácter carnavalesco del género.

Algunos entremeses. Se renueva con nuevos tipos: el petimetre afrancesado. Fase de decadencia del entremés. etcétera. una auténtica celebridad en su época y para quien escribieron gustosos los ingenios cortesanos no menos de cincuenta piezas. existe sin embargo repetición de algunos esquemas. Recuperaron fundamentalmente el espíritu del entremés y algunas de sus características morfológicas: Valle-Inclán. Todavía.Rana. Carlos Arniches. formación y consolidación definitiva. desde la segunda mitad del XVI a mediados del XVII. Recuperación y reivindicación. 5. reúnen gran vistosidad porque son destinados a Palacio y empiezan a aparecer elementos paródicos que vienen en último término de la llamada Comedia burlesca. Luis Quiñones de Benavente y Francisco de Quevedo. y a fines del siglo XVIII. 3. el comienzo de la decadencia con el agotamiento de las ideas. produce el entremés algunas figuras interesantes como Francisco de Castro. etcétera en la preguerra. ajenas al idealismo estético del Neoclasicismo. cuando los teóricos de la Ilustración lo prohibieron por su vulgaridad y chabacanería. En este nuevo género. en 1778. pero es sustituido por el sainete. Fueron en primer lugar los autores del teatro por horas. en su momento final. destacaron el gaditano Juan Ignacio González del Castillo y el madrileño Ramón de la Cruz. era este una pieza de carácter más extenso y menos lírico. Luis Vélez de Guevara y otros muchos. Manuel de León Marchante. incluye los fines del siglo XVII y el siglo XVIII en que acaba por desaparecer de la escena. 4. Nacimiento. Algunos de los autores más importantes de esta etapa son Jerónimo de Cáncer y Agustín Moreto. La evolución del entremés se repartió a lo largo de cuatro etapas: • 1. era esta una oposición que se añadía a la de la Iglesia. el castizo majo y el abate presuntuoso. Antonio de Zamora. seguidos por otros asiduos cultivadores del género que escribieron en esta época: Alonso de Castillo Solórzano. Abarca íntegra la segunda mitad del XVII y empieza a desarrollarse el costumbrismo. Son los autores más originales Miguel de Cervantes. temas y modelos y. en la posguerra Max Aub. Época de esplendor del entremés. Alonso Jerónimo de Salas Barbadillo. Juan de la Hoz y Mota. sin embargo. por otra parte. La pérdida de su vitalidad se compensa con esa dicha vistosidad y carga paródica. pero no por motivos morales. con un argumento más desarrollado y sin apenas números cantados. Antonio Hurtado de Mendoza. Época de gran popularidad de los entremeses y de una abundante y prolífica producción de los mismos. 2. Entran en esta etapa autores de entremeses primitivos como Lope de Rueda y Juan de Timoneda. Lauro Olmo y otros muchos. • • • • . situado entre el segundo y tercer acto. los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero. A fines del siglo XIX y principios del XX algunos autores reivindicaron la tradición farsesca del entremés.

la mojiganga. acusado de envenenar y hacer morir a la gente como el médico. aconsejándole lo que debe hacer. además. El escribano era popular y no entre los más agudamente zaheridos. los alguaciles. cuantioso producto de las universidades que ofrecían escapatoria a los hijos de la baja nobleza y de la burguesía y que podían siempre . siempre a lomos de una mula para darse tono. que cita importunamente medicinas y recetas en sus argumentos amatorios. y recogía todo tipo de tecnicismos relacionados con los oficios populares y. buscaban mejor manera de ganarse su sustento. con su costumbrismo. terminando muchos de ellos como fanfarrones. que no las tenían todas consigo en cuestión de espectáculos que consideraban inmorales o incentivadores del pecado. El boticario era personaje menos popular. el erudito padre Martín Sarmiento afirmó en su Declamación contra los abusos de la lengua castellana (Madrid. y aparece repetidas veces al lado del alcalde simplón e ignorante como su contrapunto. El opuesto al soldado y su rival era el sacristán. se les caracteriza como ávidos de dinero y de confuso y culto lenguaje. presunción y vanagloria y se incorporaban a la sociedad organizada sin hallar hueco a su talante aventurero. Y eso supuso atraer las primeras críticas de los clérigos regulares y seculares. y solía ser un amante ridículo. tomando frecuentemente carácter satírico. por no poderse adaptar al método y rigor del trabajo manual. porque a ella iban a parar los segundones y aquellos que. el baile. que tenía más posibilidades económicas que él y más aceptado por las mujeres. malicioso aunque suele ser víctima de los engaños ajenos. caracterizados por su palurdez y paletez y muchas veces identificado con el bobo e incluso con un actor cómico característico. los alcaldes rurales. integrado también por otros géneros como la loa. el fin de fiesta. el gran Juan Rana. surgido de la fusión de la nobleza con la burguesía. reflejando de forma realista algunos temas que no podían aparecer en la pieza mayor. tipos) del entremés el bobo o simple. es el personaje más frecuente. Personajes Eran habituales personajes (o. en ocasiones en ligera o discreta disputa con él. Por otra parte su lenguaje era mucho más realista y vivo que el de la comedia y prescindía de los alambicamientos retóricos y metafóricos de está siendo más directa y fresca. el baile entremesado etcétera. rival en amores del sacristán y casi siempre desairado en ellos. Sus personajes tenían un carácter popular y la temática derivaba frecuentemente hacia el costumbrismo. tras el bobo. El médico es figura muy atacada en el entremés a causa de sus pobres medios de curación. o también aquellos que huían de cumplir algún castigo o condena. caricaturizados por sus sordos oídos y ciegos ojos ante la gente del hampa que los soborna. y que en el entremés ejerce muchas veces el papel de alcalde de pueblo o criado. entre los cargos públicos. muchos de ellos volvían al cabo de años cargados de heridas. la milicia era también criticada. Menos respetado y más maltratado es el letrado. la jácara. mejor que personajes.El entremés formaba la parte más importante y sustancial del llamado teatro menor. 1795): "Nunca supe lo que era la lengua castellana hasta que leí entremeses". El entremés se convirtió en una especie de desfile de tipos sociales populares o representativos de distintos oficios. el vocabulario de la vida cotidiana del país. la milicia ofrecía los tipos del soldado pobre sin oficio y huésped triste de los figones. camorristas o gorrones.

riñas nocturnas. eran mirados con desprecio por el pueblo. Los hombres aparecen con una impronta de profesión u oficio. o como rateros ellos mismos. El marido ofrecía amplio campo al entremés en sus facetas de cornudo. De peor catadura eran los venteros. casamenteros o valientes o bravucones que se confunden ya en el XVIII con el militar mismo y se arrugan siempre cuando llega el momento de demostrarlo. es un campesino o un ciudadano que se guarnece de la siempre veleidosa mujer que le ha tocado quitar el sueño. que siempre es inteligente y comedido. aparecen de dos maneras: como pobres víctimas de los huéspedes. aunque no siempre. disputas con compañeros y bromas estudiantiles fuera de las horas de estudio. presentan. burlado. a la novela picaresca y a la novela cortesana numerosos episodios y caracteres a la par que enriquecieron el idioma con giros. Los pajes entremesiles suscitan la risa con su hambre y glotonería sempiterna y con sus embustes y burlas. aunque sus intervenciones no son principales. campesinos y viajeros a la corte. buhoneros y castradores. gorrones. celoso o embebido en las manías de su mujer. están en concordia y buena amistad con las gentes de mal vivir. fanfarroneando opulencia. pero a veces también con un rasgo de carácter dominante: avaros. amoladores. los indianos eran siempre ricos inocentes. En cuanto al hidalgo es de menguado buen trato en el entremés. duelos. parlanchines. Eran pendencieros. que heredó todo lo que de ridículo se había echado encima al pobre hidalgo y responde a un contacto menos vivo con la realidad social. Aunque encarnaban la aristocracia intelectual del país. sin apenas avariantes. alegres y tunos y proporcionaron a la comedia. Los estudiantes no aparecen favorecidos: siempre se hallan envueltos en aventuras de amor. El poeta es tan pobre como el hidalgo y es caracterizado por su manía de reducirlo todo a verso. Los mesoneros protagonizan un particular mundo de andariegos soldados. más ladrones y de perversas y torcidas intenciones las más veces. y víctima de un concepto decadente y deformado de lo que había sido una gloriosa clase social. como lo fuera en la novela picaresca: pobre en el fondo. la apariencia de rudos y atontados en contraposición con el mismo tipo de la comedia. a fines del XVII y en el siglo XVIII desaparece y es sustituido por el vizconde. Los criados aparecen frecuentemente. modismos y frases particulares. digno de conmiseración más que de risa. los portugueses. En la corte se mezclaban además genes de todo pelaje y la más diversa condición: los franceses eran frecuentes en los oficios de caldereros.incorporarse al estado clerical sin más estudios que los proporcionados por las universidades. bravucones. más cobardes que aquellos. Es sin duda el tipo más deformado. los negros . altaneros y dados a cantar. cartujo. siempre enamorados y enamoradizos. caballos blancos que desplumar y siempre avaros. en los entremeses son presentados como trampolicantes burlones y auténticos genios de la picardía. gente del hampa. los flamencos eran más raros. mendigos. timados o estafados. son como el guapo de la obra y los romances vulgares. son muchachos de ingenua torpeza y aguda picardía.

mundo de la delincuencia y el hampa sórdido. cuando no son personajes. siempre a cuentas con su hidalguía y anticuados y risibles valores de figurón. salen solamente cuando hay que bailar o en la cárcel. como los negros. La buscona era zaherida por su avaricia. o la suelta que iba a todas partes. La mujer se daba en dos tipos: la recogida en los ambientes honestos del hogar y la familia y sumisa y bondadosa en un ambiente de valores tradicionales. de origen campesino y burdas y primitivas maneras. la mala intención y el mercantilismo de la devoción con la buena fe y a veces la ingenuidad. los gallegos son caracterizados por su servilismo y avaricia. . Francisco de Quevedo y Luis Quiñones de Benavente. También tienen lugar en el cosmos del entremés la mujer redicha. Jerónimo de Cáncer. Sebastián Rodríguez de Villaviciosa. la mujer prudente (apenas representada). condenado a galeras o haber estado en el saco o trullo. Alonso de Castillo Solórzano. La fregona es otro tipo femenino frecuente. Pedro Calderón de la Barca. La beata hipócrita es también blanco de sátira más o menos directa. pertenecía a cualquier clase social. o con alguna gitanilla graciosa. vicio y artes. los montañeses. su psicología mezcla la picardía. eran busconas de calle que pululaban por las diversiones populares. De antigua raigambre es el personaje del ciego o coplero. Por debajo de todo este mundo estaba el de la germanía. misterioso y alucinante que comprendía otro lenguaje en jerigonza. la gitana graciosa. Todos ellos son ampliamente caracterizados por su lenguaje de sonidos mal articulados o vocablos mal interpretados. el burdel era el centro de operaciones. en los bailes. Francisco Bernardo de Quirós. Si eran de alta clase social y tenían clientela urbana y de estado noble o distinguido eran cortesanas. danzas y coplas. para ser de la germanía hacía falta haber sido azotado alguna vez públicamente. la graciosa. los gitanos. Destacaron también Luis Vélez de Guevara. la celosa. Vicente Suárez de Deza. que se impone por su sensualidad o que es llevada a la vida alegre por la avaricia. En su fase final tanto unas como otras van a dar en celestinas o alcahuetas. Se les caracteriza por su ingenioso lenguaje y facultad de animar el cotarro con su ingenio chispeante y despejo y desenvoltura. Autores Los más originales creadores de entremeses son Miguel de Cervantes.seseantes y de lenguaje tenebroso salen casi siempre. la hechicera. Antonio Hurtado de Mendoza. la embaucadora. Alonso Jerónimo de Salas Barbadillo. si no. incluidas las afueras del corral de comedias. siempre mascullando la oración oportuna al caso y en pugna con los otros colegas del oficio que le ocupan un puesto de más negocio.

al dadaísmo y al surrealismo. El performance se opone a la pintura o la escultura. La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar. utiliza el término performance en un sentido próximo a logro. realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire. al movimiento artístico fluxus events y al body art. al constructivismo. • • • . el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. No obstante. Performance El término performance es un anglicismo -palabra (voz) inglesaevitable. ya que n o es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de la obra artística. la acción poética. Una "acción artística" es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo. la expresiones del arte expresiones (idénticas live art. espacio. Monod. Francisco Bances Candamo. la poesía visual y otras contemporáneo. a ejecución conseguida. en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX. action art. La performance tiene parentesco con intermedia. • El arte de la performance es aquél en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo. Creadores ligados al futurismo. Este medio artístico tuvo su auge durante los años setenta. la palabra "Performance" se ha difundido en las artes plásticas a partir de la expresión inglesa “performance art” que se refiere al arte en vivo. iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración. que tiene dos acepciones básicas en castellano: Jacques L. Algunos llaman a tales o muy similares a la performance): intervenciones y manoeuvres. heredero del arte conceptual. biólogo francés y Premio Nobel.Agustín Moreto. Antonio de Zamora y Francisco de Castro. La palabra "performance" comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. Entre estos artistas se destaca la participación de Richard Huelsenbeck y Tristan Tzara. El performance está ligado a los happenings.

Manifestación artística. suele ser no permanente. por la imprevisibilidad. ya que busca una participación espontánea del público. Historia Se considera como el primer happening propiamente dicho a la obra Theater piece Nº1 realizada en 1952 por John Cage en el Black Mountain College. ocurrencia.• El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público. aunque fue Allan Kaprow (alumno de Cage) quien en abril de 1957 durante un Picnic artístico en la granja de George Segal uso la palabra happening para describir las improvisaciones que se representaban. frecuentemente multidisciplinaria. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación. Aunque el happening surge en Estados Unidos durante los 1950s y tuvo su apogeo durante los “alegres” 1960 con estéticas próximas al .que siempre busca redefinír sus formas y maneras-. Happening Happening (de la palabra inglesa que significa evento. La propuesta original del happening j que es difícil una real improvisación. surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. El happening en cuanto manifestación artística es de muy diversa índole. la literatura o la cultura. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda. nos referimos a acción poética cuando distinguimos una performance de una acción basada en el sentido poético del arte. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos. desde entonces tal forma artística y tal denominación fue adoptada en otros países. Jack Kerouac refiriéndose a Kaprow le llamó el hombre Happening al observar la obra 18 Happenings in 6 parts (1959). suceso). como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. tal tipo de obra fue explicada por el propio John Cage como eventos teatrales y sin trama. En el arte contemporáneo. que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance. efímero. En enero de 1958 la frase acuñada por Kaprow es generalizada por la revista estudiantil de la Rutgers University Antologist.

Red Grooms. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978) Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos. Marta Minujin. Wolf Vostell y Robert Whitman. Su autor las denominó acciones espectáculo. Youri Messen-Jaschin. Crítica El happening ha pasado a tener un carácter paradojal. Claes Oldenburg. en efecto. sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional" (George Maciunas) Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. sobre todo al dadaísmo siendo claros antecedentes las exhibiciones no convencionales realizadas en el Cabaret Voltaire por Richard Huelsenbeck. Roy Lichtenstein.llamado pop-art y a las del movimiento hippie. Principales referentes Además de Cage y de Kaprow se consideran como principales realizadores de happenings a : Tadeusz Kantor. suele verse actualmente en los "happenings" un resultado completamente opuesto al enunciado. las primeras obras de happening fueron escritas en catalán por el poeta Joan Brossa en 1946. es decir mucho antes de que Kaprow acuñara el término. entre 1964 y 1960 los probos improvisaban verdaderos happenings en las plazas de Amsterdam. entretenido y sin pretensiones. Yoko Ono. muchos de los "happenings" terminan siendo un espectáculo más de la llamada cultura de masas. Joseph Beuys. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. Alejandro Jodorowsky. Europa y Japón. En España. Robert Rauschenberg. Jim Dine. muchas de ellas vinculadas al surrealismo y. se encuentran claros precedentes del mismo en ciertas expresiones artísticas vanguardistas de “los años locos” ( los años 1920). Bazon Brock. si la intención planteada teóricamente y en sus orígenes es la de la participación activa de los espectadores para librarles de la masificación. George Brecht. Fluxus "Fluxus-arte-diversión debe ser simple. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. tratar temas triviales. Al Hansen. Tristan Tzara entre otros. .

no sabemos cuándo nació. se ensucia. Suele realizarse a modo de acción o performance. es decir. con una documentación fotográfica o video gráfica posterior. luego no hay razón para que termine". que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage. de expresar y de elegir. se calca. no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística. Asimismo Filiou opone el Fluxus al arte conceptual por su referencia directa. de gran relevancia en los años 1960 en Europa y. en Estados Unidos. Yves Klein. quien a partir del Ready Made. se retuerce. se cubre. en especial.. pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Bruce Naumann. De cierta manera Fluxus nunca existió. un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar. Youri Messen-Jaschin tuvieron su fase en este movimiento. e invierte la propuesta de Duchamp.. es "antes que todo un estado del espíritu. El lenguaje no es el fin. entendido como “arte total“. introdujo lo cotidiano en el arte. Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano. Se trabaja con el cuerpo como material plástico. Según Filiou. Vito Acconci.Fluxus. se pinta. sino el medio para una noción renovada del arte. . Body art El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual. Como Dadá. inmediata y urgente a la realidad cotidiana.

You're Reading a Free Preview

Descarga
scribd
/*********** DO NOT ALTER ANYTHING BELOW THIS LINE ! ************/ var s_code=s.t();if(s_code)document.write(s_code)//-->