La filosofía del arte es aquel concepto que han descrito de ella los grandes pensadores.
Diferencias entre la filosofía del arte y la estética:
La estética y la filosofía del arte se confunden a menudo; buena señal de que colindan, por más que, a su vez, tengan diferencias significativas. La filosofía del arte tiene una historia más larga que la estética. De hecho, aunque la estética sea hoy una disciplina consagrada, no remonta a períodos anteriores al siglo XVIII, mientras que ya en Platón, Aristóteles, Plotino, los pensadores escolásticos o Leibniz se da una reflexión sobre lo bello en su relación con la naturaleza, con las actividades humanas y con la naturaleza divina.
A decir verdad, si nos atuviéramos estrictamente a los términos, la filosofía
del arte debiera dejar de lado los fenómenos que escapan propiamente al arte, se trate de los que afectan a la naturaleza, a la belleza humana, a la del universo, o a la belleza de los sentimientos y de los conocimientos. Versaría sobre el arte en todas sus dimensiones, noción ya suficientemente amplia y confusa, puesto que el término se utiliza en numerosos sentidos y cubre el significado tanto del gran arte como de las artes populares o de masas o de prácticas que son a la vez religiosas, mágicas o rituales. En realidad, la filosofía no se ha privado a sí misma de desbordar el dominio del arte. Ya desde sus comienzos, y durante mucho tiempo, cuando se trataba de lo bello, no estaba en juego el arte, sino la belleza de las cosas, de la naturaleza, de las conductas y de los seres humanos –en particular de los cuerpos–. Por tanto, la pareja conceptual a ejercitar sería, en realidad, “filosofía de lo bello y estética”.
El concepto de estética corrige en un cierto sentido esta dificultad en la
medida en que la estética tiene, de entrada, un campo amplio: trata de la experiencia sensible vinculada a lo bello y al arte –como indica etimológicamente el término “estética”– y no toma en consideración sólo el arte respecto a su existencia y a sus modos de operación sobre la sensibilidad, sino también la experiencia estética en general; lo que le lleva a la consideración de formas de la sensibilidad no necesariamente vinculadas al arte.
Así pues, la primera precaución es de no utilizar sin atención suficiente un
término por el otro ni, en ningún caso, ceder a una ilusión de intemporalidad: los conceptos de cada una de estas disciplinas llevan la marca de sus condiciones de nacimiento y de elaboración. La filosofía del arte, probablemente, tendría esta especificidad de responder a la generalidad de la estética con un añadido mayor de generalidad, puesto que mientras ésta se concentra en la experiencia del arte, aquella amplia la consideración al lugar que ocupa el arte en la vida humana y a su alcance metafísico y existencial.
Hay que añadir a esto que la actividad intelectual, incluida la filosófica, se
ha profesionalizado. La estética se ha constituido a partir de los últimos años del siglo XIX como una disciplina universitaria autónoma, con sus problemáticas y sus categorías propias. En esta situación ha dejado de lado, por demasiado especulativas y arriesgadas, las interrogaciones filosóficas generales que suscita la existencia de una actividad humana como el arte. Es por este motivo que seguramente existe hoy un lugar para una filosofía del arte renovada, así como para una estética ampliada. Grandes Pensadores de la Filosofía del ARTE
Aristóteles: Filosofo griego nacido en la ciudad de Estagira en la Calcidia entonces perteneciente al reino de Macedonia. Ingreso a la academia de Platón en Atenas donde se convirtió en uno de sus discípulos más brillantes. Permaneció en la academia hasta la muerte del maestro. Estuvo en la Corte de Filipo de Macedonia como preceptor de Alejandro Magno. En el año 335 a.c funda su propia escuela en Atenas, ¨El Liceo¨. Falleció en Calcis en el año 322 a.c a sus sesenta y dos años. Pensamiento acerca del arte:
Sostiene que el arte debe copiar la naturaleza; debe tener a la
naturaleza como única y exclusiva fuente de inspiración y modelo. Se diría que el pensamiento de Aristóteles, es la síntesis de la mentalidad griega sobre el arte, y a la vez una alabanza a la extraordinaria obra realizada por sus antecesores y sus contemporáneos Zeuris y Praxíteles. El pensamiento aristotélico ha sido acatada o ampliamente, y satisfecho en todas sus formas dentro del arte formal o realista. Leonardo Da Vinci: Nació en 1452, fue hijo natural del notario florentino Piero Da Vinci, recibió la primera formación en el taller de Verrodrio.
De 1482-1499 permaneció en Milán al servicio de Ludovico el Moro como
pintor, escultor, ingeniero y organizador de sus fiestas.
En 1498 pinto para el dos salas del castillo Sforzesco.
Hacia 1506 abandono Florencia y se traslado a Milán, donde permaneció
como huésped del gobernador francés Charles d´Amboise; en 1513 viajo acompañando a Giuliano de Medeci.
Partió en 1516 a Francia invitado por Francisco I donde trabajo en la
arquitectura de los castillos.
Falleció en 1519.
Pensamiento acerca del arte:
Este genio del arte de la pintura, también filósofo,
matemático, inventor y poeta del renacimiento italiano, apoyando la idea de Aristóteles dice:”El arte debe ser universal” es decir, que la obra de arte debe ser comprendida y sentida por todos sin excepción de cultura, y además, el fin del arte debe ser la exaltación de la belleza natural, en la cual el artista debe poner su aporte espiritual y sentimental. A este respecto Leonardo insiste diciendo: “La pintura es hija de la naturaleza, por lo tanto, pariente de Dios”, para significar enfáticamente la unión indisoluble de Naturaleza y Arte. Nicolás Poussin: Nació en Villers-Alta Normandía en 1594. Trabajo en Roma a partir de 1624 y, temporalmente en Paris, llamado por el cardenal Richelicu. En Roma estudio a los maestros de la antigüedad y la obra de Rafael. En 1640 Luis XIII le llamo a Paris y fue nombrado primer pintor de la corte, pero a los dos años de estar en aquel lugar regreso a Roma. Pensamiento acerca del arte:
Otro de los grandes artistas de la pintura universal
perteneciente al barroco francés, de acuerdo con la ideología de los anteriores expone:”El arte es una imitación de todo lo que se ve; su fin es producir placer”. Vemos a Poussin, un siglo más tarde que Leonardo y veinte siglos después de Aristóteles, seguir con la misma mentalidad sobre el arte, pero además le agrega la idea de placer. La filosofía de Poussin, va a influir posteriormente en el sentimiento que anima el Arte Rococó francés, arte que tuvo por fin exclusivo producir placer sensual, para satisfacción de la aristocracia reinante de la Francia del siglo XVIII John Ruskin: Nació en Londres en 181 9.
Hijo de un rico comerciante, viajó mucho por Europa durante su juventud
y con su trabajo ejerció enorme influencia en los gustos de los intelectuales victorianos. Entre sus amistades personales, estaba la familia de Robert Badén-Powell, a quien enseñó y vio crecer.
En 1837 ingresó a Oxford, ganó (en 1839) un importante premio con su
poema «Salsette and Elephanta» y se graduó en 1842. En 1843 apareció el primer volumen de «Modern Painters, by a Graduate of Oxford», en el que Ruskin sostenía la superioridad de los paisajistas modernos sobre los viejos maestros. Sucesivos volúmenes dilataron el tema hasta convertir la obra en un amplio tratado acerca de los principios que debían constituir los fundamentos del arte, lo que contribuyó a consolidar su prestigio como esteta y crítico de arte. En tanto que parecidas consideraciones fueron aplicadas a otro dominio del arte en sus «Seven Lamps of Architecture» (1849) y sus «Stones of Venice» (1851-1853), obras que analizan la importancia religiosa, moral, económica y política de la arquitectura doméstica.
La obra de Ruskin destaca por la excelencia de su estilo. Rebelándose
contra el entumecimiento estético y los perniciosos efectos sociales de la Revolución industrial, formuló la teoría de que el arte, esencialmente espiritual, alcanzó su cenit en el gótico de finales de la Edad Media, un estilo de inspiración religiosa y ardor moral.
Pensamiento acerca del arte:
Su idea de belleza posee una doble naturaleza: la belleza abstracta de
las cosas, sin ninguna consideración más que la forma; y la que se puede reconocer tras un proceso de elaboración y trabajo paciente del artista en la obra (de ahí su gran admiración por Fra Angélico).
