CJS IMAGEN y SONIDO #1

CJS Imagen y Sonido Nº1 Cinema J Studios
Sin luz no habría fotografía, eso lo sabemos como que la necesitamos para ver con
nuestro ojos, de ahí que la palabra fotografía tenga como significado “escribir con luz”.
Debemos tener claro que la luz es nuestra principal materia prima a la hora de hacer una
fotografía.
La luz proviene de una fuente de energía que puede ser natural (el sol) o artificial (un
flash, una bombilla) y se transmite en línea recta hasta llegar a los objetos.
Y gracias a que la luz está formada por varias longitudes de

onda, según la superficie donde incidan los rayos, nuestro ojo percibe esos cambios de
longitud como los distintos colores. Así, cuando vemos un objeto de color verde, resulta
que su superficie refleja en mayor medida el verde, y absorbe el azul y rojo.
Esto nos da la clave para entender el comportamiento de los filtros en fotografía; si

usamos un cristal transparente azul para filtrar la luz, este dejará pasar la luz azul y
absorberá los demás colores. Pero de los filtros hablaremos más adelante.
Ahora vamos a ver como gracias a un orificio pequeño se puede formar una imagen, o
lo que es lo mismo: el funcionamiento de la antigua cámara oscura, los comienzos de la
fotografía.
Funcionamiento de la cámara oscura
Supongamos que tenemos una caja de zapatos totalmente cerrada (a oscuras), y en una
de sus caras más amplia practicamos un pequeño agujero con un alfiler. La luz del
exterior entra en la caja. Si por ejemplo, colocamos un objeto delante del orificio, dentro
de la caja, en la cara contraria al orificio, se formará una imagen invertida del objeto que
tenemos en el exterior. ¿Cómo ocurre esto? Sabiendo que la luz viaja en línea recta, los
rayos que vienen de la parte superior del objeto serán recogidos en la parte inferior de la
caja de zapatos.
1
Pero claro, esto es muy rudimentario, y la imagen que se forma está poco definida,
dispersa. Por eso se empezó a usar lentes sustituyendo ése arcaico orificio. Unas lentes
convergentes (como las de una lupa) que se ocupan de concentrar más luz y converger
los rayos, para que de esta forma la luz se dirigiese de forma más precisa al lugar de
incidencia formando imágenes más parecidas a la escena original. Es exactamente lo
que hacemos cuando intentamos enfocar una escena con nuestras cámaras actuales,
disponer las lentes para conseguir una imagen nítida y con suficiente luz.
Nos falta el último elemento para tener sentadas las bases de la fotografía; el material
fotosensible. Sin éste, lo único que hemos estado haciendo hasta ahora es representar
objetos o escenas. Desde que se empezaron a usar lentes en la cámara oscura hasta que
se inventó un material fotosensible pasaron más de trescientos años. El material
fotosensible se ocupa de captar y fijar la imagen, y en la actualidad lo podemos
diferenciar entre materiales analógicos (película) y digitales (sensores). Tema del que
también trataremos más adelante.
Así, las bases de la fotografía se resumen en estos cuatro puntos:
Transmisión de la luz en línea recta

Formación de una imagen por un orificio
Convergencia de los rayos de luz por las lentes
Materiales fotosensibles
2
EL COLOR
El color, es esa longitud de onda que rechazan absorber los cuerpos y nuestro cerebro
las interpreta más o menos de la misma manera en todo cerebro humano (absténganse
daltónicos), dando lugar a lo que conocemos como los colores
La retina de nuestra cámara como sabéis, es el sensor que está compuesta por millones
de cuadraditos homogéneos caracterizados por su brillo y color, los píxeles.
Los Píxeles
Los píxeles están precedidos por una malla conocida como Mosaico de Bayer formada
por 50% de filtros verdes, un 25% de rojos y un 25% de azules. Interpolando dos
muestras verdes, una roja, y una azul se obtiene un píxel de color. ¿Por qué hay tanto
verde? Porque el ojo humano es más sensible a dicho color. Esta es la archiconocida y
deseada información cruda, “el RAW” que más tarde procesaremos nosotros en nuestro
ordenador en lugar de hacerlo la propia cámara.
La información del color de ese píxel (determinada por Red Green Blue) se almacena en
unos 24 bits donde a cada componente le corresponden 8 bits. En las imágenes de 32
bits hay un componente adicional (alfa) que afecta a la transparencia del color de ese
píxel. Y así es como las cámaras sacan más de 16.7 millones de colores diferentes, que
dicen que son los que puede distinguir un humano. El conjunto de esos millones de
cuadraditos homogéneos darán lugar a la fotografía.
Trabajando con los píxeles
Algunas cámaras digitales y los programas de retoque digital nos ofrecen distintos tipos
de espacio, de perfiles de color para trabajar en RGB (Adobe RGB, Apple RGB,
ColorMatch, sRGB, ProPhotoRGB)
3
Por experiencia e intercambio de impresiones con otros usuarios yo aconsejaría trabajar

en Adobe RGB ( con un rango mayor de colores ) para impresión de fotografías en
papel y sRGB para otros usos de las fotografías, sobre todo en soportes digitales, ya que
este último suele ser el mejor interpretado por navegadores, software etc.
Aunque cada vez da más la impresión de que el sRGB acabará con el Adobe RGB.
EL COLOR COMO FORMA DE EXPRESIÓN
El color se abrió paso en la fotografía a comienzos del siglo XX (1903) de la mano de

los hermanos Lumière (el autocromo), evolucionó en los años 30 con el kodacromo y el
kodacolor, hasta que Polaroid y Kodak lo popularizaran de los 70 – 80 en adelante por
todo el mundo.
Sin embargo, en todo este siglo pasado nunca pareció calar hondo el color como forma
de expresión en la fotografía artística y la gran mayoría de los fotógrafos siguieron
utilizando el blanco y negro.
Con la aparición de Photoshop en los 90, y ahora más tarde, con la digitalización de la
fotografía, el color parece que está tomando más fuerza que nunca en ese aspecto.
Yo creo que antes era bastante complicado tomar el control sobre cada color de la
fotografía; y ante un rojo rebelde que pudiera distraer al espectador del elemento
principal de la imagen pues parecía conveniente neutralizar todo el color para que así no
se distrajera uno y se pudiese concentrar totalmente en el mensaje.
Quizá esta, pudiera ser una razón de fondo que justificase esa reivindicación del
mensaje sobre la forma por parte de los puristas que desprecian las posibilidades
digitales a la hora de manejar el color y toman como más fácil prescindir directamente
de él.
En resumidas cuentas, parece evidente que el color puede ayudar muchísimo en una
fotografía si se sabe manejar. Y ahora, con la fotografía digital tiene más perspectivas y
es más sencillo que en tiempos pasados.
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EMPECEMOS A DISPARAR
Tipos de Planos
Cámara horizontal Cámara en ángulo Cámara móvil
Cuando se filma con la cámara

en horizontal:
Plano general (Long shot)

Introduce al espectador en la
situación, le ofrece una vista general
y le informa acerca del lugar y de las
condiciones en que se desarrolla la
acción. Suele colocarse al comienzo
de una secuencia narrativa. En un
plano general se suelen incluir
muchos elementos, por lo que su
duración en pantalla deberá ser
mayor que la de un primer plano
para que el espectador pueda
orientarse y hacerse cargo de la
situación. Puede realizarse de varios
modos, según su grado de
generalidad.
Plano panorámico general:
Es una filmación que abarca
muchos elementos muy lejanos. En
él los personajes tendrán menos
importancia que el paisaje. Por
ejemplo, una cabaña en el bosque
vista de lejos. Las personas se verán
pequeñas.
Gran plano general:
Es una panorámica general con
mayor acercamiento de objetos o
personas. (Alrededor de 30 metros).
Plano general corto:
Abarca la figura humana entera
con espacio por arriba y por abajo
Plano americano: Toma a las
personas de la rodilla hacia arriba. Su
línea inferior se encuentra por
Plano detalle
debajo de las rodillas.
Plano en profundidad: Cuando
el director coloca a los actores entre
sí sobre el eje óptico de la cámara
5
dejando a unos en primer plano y a

otros en plano general o plano
americano. No se habla de dos
planos, primer plano o segundo
plano, como haríamos en lenguaje
coloquial, pues hemos definido
plano, por razones prácticas, como
sinónimo de encuadre.
Plano medio (Medium shot)
Limita ópticamente la acción
mediante un encuadre más reducido
y dirige la atención del espectador Plano general
hacia el objeto. Los elementos se
diferencian mejor y los grupos de
personas se hacen reconocibles y
pueden llegar a llenar la pantalla.
Plano medio largo: encuadre
que abarca a la figura humana hasta
debajo de la cintura.
Plano medio corto (Medium
close shot): encuadre de una figura
humana cuya línea inferior se
encuentra a la altura de las axilas. Es
mucho más subjetivo y directo que
los anteriores. Los personajes
pueden llegar a ocupar la pantalla
con un tercio de su cuerpo, y
permite una identificación
emocional del espectador con los
actores. Mediante este encuadre es
posible deslizar también muchos
otros elementos significativos.
Primer plano (Close up):
encuadre de una figura humana por
debajo de la clavícula. El rostro del
actor llena la pantalla. Tiene la
facultad de introducirnos en la
psicología del personaje. Con este
encuadre se llega a uno de los
extremos del lenguaje visual: los
objetos crecen hasta alcanzar
proporciones desmesuradas y se
muestran los detalles (ojos, boca,
etc.).
Semiprimer plano (Semi close
up shot): Concentra la atención del
espectador en un elemento muy
concreto, de forma que sea
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imposible que lo pase por alto. Si se

refiere al cuerpo humano, este tipo
de encuadre nos mostrará una
cabeza llenando completamente el
formato de la imagen. Desde el
punto de vista narrativo nos puede
transmitir información sobre los
sentimientos, analiza
psicológicamente las situaciones y
describe con detenimiento a los
personajes.
Gran primer plano: cuando la
cabeza llena el encuadre.
Plano corto: encuadre de una
persona desde encima de las cejas
hasta la mitad de la barbilla.
Plano detalle: Primerísimos
planos de objetos o sujetos, flores,
una nariz, un ojo, un anillo, etc.
Plano sobre el hombro:

Cuando se toma a dos personas en diálogo,
una de espaldas (desde el cogote), y otra de
frente que abarca dos tercios de la pantalla.
Plano secuencia:
Es una forma de filmar, en el que en una
toma única se hacen todos los cambios y
movimientos de cámara necesarios. El director
no rompe el plano y nos va mostrando poco a
poco toda una serie de hechos. No suelen
hacerse muy largos por la dificultad de rodaje
que entrañan. No obstante, hay planos
secuencia memorables por su calidad, longitud y
anécdotas de rodaje, como el comienzo de Sed
de mal (Touch of evil 1958), de Orson Welles, o el
de Matin Scorsese en Uno de los nuestros. Aunque
el más famoso es el caso del film La soga de
Hitchcock que posee un único plano, aunque
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falso, pues para realizarlo debía hacer los

cambios de rollo aprovechando puntos oscuros,
como la espalda de un actor, una columna, etc.
No obstante, toda la acción acontece en un
mismo espacio temporal, el más largo que existe
en el cine.
Plano subjetivo o punto de vista:

Cuando la cámara sustituye la mirada de un
personaje.
Cuando se filma con la cámara en ángulo
Según el ángulo en el que se coloca la cámara en

relación al objeto.
Plano en Picado:
Cuando la cámara está sobre el objeto, en un cierto Plano picado
ángulo. El objeto está visto desde arriba. Suele
emplearse a veces para destacar aspectos psicológicos,
de poder, etc.
Plano en contrapicado:
Al contrario que el anterior, la cámara se coloca bajo
el objeto, destacando este por su altura.
Plano aéreo o «a vista de pájaro».

Cuando la cámara filma desde bastante altura:
montaña, avión, helicóptero, etc.
Plano frontal:
Plano contrapicado
Cuando la cámara está en el mismo plano que el
objeto.
Plano cenital:
Cuando la cámara se encuentra en la vertical respecto
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del suelo y la imagen obtenida ofrece un campo de

visión orientado de arriba a abajo.
La cámara se puede colocar de muchas formas,

invertida (salen los objetos al revés), a ras del suelo
(vista de oruga: pies de personas, ruedas de coches,
etc.)
Cuando se filma con la cámara en movimiento
El cine no toma sólo imágenes. Filma sobre todo,

movimientos. La gran fuerza expresiva del film está
precisamente en su multiplicidad dinámica, en los
numerosos tipos de movimientos que son posibles en
él:
Movimientos en la misma cámara
Capaces de reproducir con exactitud el movimiento
de los sujetos filmados: el paso rítmico del film detrás
Travelling del objetivo y del obturador. En los aparatos
primitivos, el arrastre del film se hacía manualmente.
Era muy complicado pero los operadores de cámara
se convirtieron en verdaderos artesanos que lograban
en cada momento el ritmo y la cadencia adecuada a la
escena filmada. Podían exagerar en escenas cómicas o
ralentizar en las dramáticas. Nacieron así dos tipos de
movimiento: cámara lenta y cámara acelerada. El
«cámara lenta» se logra acelerando la velocidad de
filmación y ralentizando la de proyección. El
«acelerado» se realiza a la inversa. Muchos de los
efectos especiales de hoy día están realizados con
estos criterios a los que se han aplicado las nuevas
tecnologías. El efecto “celuloide rancio”, de la
velocidad de las películas antiguas se debe a que se
filmaron a una velocidad muy lenta y se proyectan
con motor a una velocidad constante, más alta.
Movimientos de la cámara sobre sí misma
Otro recurso del lenguaje cinematográfico es el
movimiento de la cámara sobre sí misma. Cuando la
cámara se mueve para perseguir objetos o figuras. La
cámara gira sobre una plataforma esférica. Se logran
así las panorámicas horizontales, verticales y diagonales.
Se busca así a los actores, se siguen sus movimientos,
con el fin de incrementar los espacios y las formas de
ver la realidad. Gracias a estos movimientos se hizo
posible el „plano secuencia‟, visto más arriba.
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Movimientos externos a la cámara

Cuando es la misma cámara la que se desplaza. El
movimiento externo de la cámara se puede conseguir
de muy diversos modos: mediante el travelling, con la
grúa o montando la cámara en un helicóptero. Así
como las panorámicas se mueven sobre el eje de la
máquina, los travellings se hicieron colocando la
cámara en un carrito que se desplazaba sobre unos
rieles. Vino luego la transformación de la óptica
variable, que permitió lo que se ha llamado travelling
óptico (zoom). Hoy, la liviandad de las cámaras y la
facilidad de su manejo permiten que el operador, a
pie y cámara en mano, siga al sujeto, lográndose
efectos de un verismo sorprendente. La grúa tiene la
capacidad y versatilidad de realizar toma vertical,
desde la altura y a nivel del suelo, y visto aérea. El
helicóptero, por su facilidad de movimiento en el aire
sirve para recrear ambientes que de otra forma serían
imposibles: filmar grandes multitudes, espacios
inmensos, batallas, etc.
Anécdota
s
En la
secuencia
de la
carrera de
cuadrigas
en el circo
romano de
Ben Hur,
versión de
Niblo en
1925 se
utilizó por
primera
vez en un
largometra
je la
cámara
filmando a
ras del
suelo,
recurso
inventado
por Harold
Lloyd y ya
10
utilizado
por él en
uno de sus
cortos.
Se dice
que el
primer
travelling
lo hizo en
1896 un
operador
de los
Lumière al
situar la
cámara en
una
góndola
veneciana.
No
obstante,
algunos
historiador
es
adjudican
la
invención
y primer
uso del
travelling a
Segundo
de
Chomón.
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FOTOGRAFÍA DEPORTIVA O DE ACCIÓN

En muchas competiciones deportivas retransmitidas por televisión vemos
que se producen muchos flashes en los momentos cruciales. Son fotógrafos
profesionales y aficionados, que inmortalizan el momento como mejor
pueden.
Si quieres intentarlo tú también, te damos las claves básicas. Las

dificultades para hacer este tipo de fotos son, fundamentalmente, dos: la
distancia (si estamos en las localidades superiores de un estadio de fútbol)
y la velocidad (si fotografiamos a un ciclista a pie de carretera). O puedes
encontrarte con ambas a la vez, como en un Gran Premio de Fórmula 1.
Empecemos con las distancias cortas. Puedes aplicar estos consejos en

deportes que te permiten situarte cerca de la acción, como el ciclismo.
Veamos algunas formas de fotografiar el paso de un ciclista.
Puedes colocarte en el margen de la carretera, enfocar hacia la acera

opuesta y esperar a que el corredor pase delante de ti. En este caso, vas a
necesitar una velocidad de obturación muy rápida, como mínimo de
1/125 de segundo.
Si tu cámara es limitada y no puede fotografiar durante una fracción de

tiempo tan corta, puedes buscar una curva desde la que puedas ver al
ciclista o al pelotón aproximarse a ti. La idea es mantener el mismo
encuadre y que el corredor “se vaya haciendo más grande” en la imagen.
Una velocidad de obturación de 1/30 debería ser suficiente para que la
imagen sea nítida.
Y finalmente, puedes hacer un barrido. Acompañas el movimiento del

corredor con la cámara de un lado a otro. El objetivo es retratar
nítidamente al corredor pero que el fondo aparezca difuminado, así como
los radios de las ruedas y quizás las piernas del ciclista. Esto dará a la foto
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una sensación de movimiento y velocidad que puede resultar muy

expresiva.
En cualquier caso, si no te salen las cosas a la primera, no desesperes.

Inténtalo de nuevo. Si puedes usa un trípode de altura regulable y que
permita girar sobre su propio eje, para mantener siempre en el centro al
objeto o persona que se mueve.
Como podréis ver en esta toma, lo que importa es seguir al sujeto,

quedando el fondo desenfocado, y el sujeto bien nítido.
Lo que importa es que de sensación de velocidad
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Esta toma esta hecha desde una portería a la otra, así que hay que tener un
objetivo de 200mm, y para que la fotografía no salga borrosa, 1/500
configurado en la obturación.
Estas dos fotos han sido tomadas con una réflex Olympus.
Datos: Todas las fotos tomadas a mano, con el estabilizador en modo 2.

JPG Fino. Natural. SRgb. WB automático. Enfoque continuo, ráfaga (high),
medición ponderada al centro, enfoque en cruz central, ISO 800, prioridad
a la apertura. No he utilizado ningún reductor de ruido, ni en la cámara ni
en PS. Las fotos están procesadas con el PS Cs5 únicamente para re
encuadrar y darle alguna ligera máscara de enfoque
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FOTOGRAFÍA DE PAISAJE
El paisaje ha sido uno de los motores de la evolución de la Historia de la fotografía. No

podemos olvidar que la mirada fotográfica más antigua de la que tenemos conocimiento
resulta ser un paisaje rural que Nicéphore Niepce nos legó en su Punto de vista desde la
ventana de Gras, 1826. Vista urbana o vista natural nuestros pioneros documentaron el
desarrollo social de nuestras comunidades partiendo de aquellos paisajes muertos,
donde nadie parecía habitar, daba cuenta de las limitaciones técnicas de la época.
A estas propuestas fotográficas siguieron otras donde los polos del realismo y del
idealismo, una y otra vez alternaron su influencia. Ello nos llevó hasta un paisaje
tamizado a través de las experiencias formales de las vanguardias o de las
demostraciones de dominio del medio de Ansel Adams. La visión moderna del espacio
encuentra sus precedentes en la Historia de la fotografía, pero sobre todo en el cambio a
la postmodernidad ofrecido por las aportaciones de William Eggleston, especialmente
con su uso del color y su preocupación por trasladar la atención fotográfica a ese
ningún-lugar-en-particular del que tanto han bebido las diversas hornadas de los artistas
europeos de la Nueva Topografía, durante los años 1980 y 1990.
La fotografía de paisaje en sus inicios
Tras los primeros avances científicos en el campo de la técnica fotográfica se desarrolla

ampliamente este género fotográfico motivado por diferentes aspectos como sus valores
memorísticos, por la curiosidad científica, por afanes puramente comerciales o por
cuestiones relacionadas con la creatividad.
Dada cuenta que los tiempos de exposición necesarios eran muy amplios los paisajes
urbanos o rurales son fotografiados cuando no hay nada en movimiento a fin de evitar
que salieran borrosos. A esto se debe esa impresión de espacios muertos que podemos
observar en las primeras fotografías de paisaje.
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Meses después de que la fotografía se presentase públicamente un óptico llamado

Lerebours envió a un equipo de fotógrafos por todo el mundo a fin de captar imágenes
con destino a su comercialización posterior en la colección "Excursiones daguerrianas".
Otra iniciativa similar pero de carácter más científico fue la del Barón Jean Baptise
Louis Gros quien, diplomático de profesión, se dedicó a tomar imágenes de los lugares
donde estuvo destinado.
Los fotógrafos aficionados sacan vistas de sus ciudades, jardines, bosques, etc., lo que
permite la documentación de los diferentes paisajes del mundo.
De esta forma podemos comprobar que la fotografía se convierte en la gran aliada de

diversas disciplinas artísticas como la arqueología, al documentar los prinicipales
monumentos o entornos, la etnografía, antropología, biología, etc.
Íntimamente ligada a la fotografía de paisaje se desarrolla en esta época la fotografía de

viajes.
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RETRATO
El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas

artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las
personas que aparecen en las imágenes fotográficas.
Su práctica se encuentra ya en los inicios de la fotografía donde destaca la labor

realizada por los fotógrafos ambulantes, los fotógrafos comerciales de los estudios
parisinos, los primeros retratos psicológicos, el retrato popular presentado por la
fotografía academicista, así como la obra documental de David Octavius Hill.
El retrato coloreado tuvo mucha difusión a principio del siglo XX.
Los representantes principales del retrato fotográfico en sus inicios son Nadar, Disdéri,
Julia Margaret Cameron, Lewis Carroll, Gustave Le Gray, Etienne Carjat, Antoine
Samuel Salomon, Pierre Petit o Lady Clementine Hawarden.
Con posterioridad el género fue evolucionando de forma paralela al devenir de la

historia de la fotografía razón por la cual, junto a fotógrafos que se dedican en exclusiva
a lo que podríamos entender como la forma más ortodoxa del retrato fotográfico, nos
encontramos con fotógrafos adscritos a movimientos concretos que se acercan al retrato
fotográfico con el empleo de las ideas y técnicas propias de estas corrientes.
Figuras de interés en el campo del retrato fotográfico son Richard Avedon, Brassaï,
Walker Evans, August Sander, Annie Leibovitz, entre otros.
Dentro del campo del retrato fotográfico se desarrolla con fuerza, durante el siglo XIX y
principios del siglo XX,un subgénero propio conocido como la fotografía de difuntos,
en la que destaca la obra del fotógrafo español Fernando Navarro.
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LO QUE UN BUEN FOTÓGRAFO NECESITA

Como a lo mejor sabes a los buenos fotógrafos se les valora antes de contratarlos por su
experiencia en Flickr. Mis fotos están disponibles en Flickr a nombre de Jaime Daza
Lucena. Tienes un límite de 150 Mb al mes para subir fotos y videos de una duración
inferior a 90 segundos. Puedes añadir a tus contactos de e-mail, o bien buscar a personas
que ya están en Flickr. Al publicar tus fotos automáticamente se abren muchas
opciones:
Compartir: La función principal de este servicio es compartir imágenes con todo el

mundo, y el usuario puede elegir cuales son las condiciones para hacerlo, como lo
pueden ser un Copyright, licencias abiertas o los diferentes tipos de Copyleft que
Creative Commons nos proporciona.
Organizar: Una de las mejores maneras de clasificar son las " tags" o etiquetas, que
simplemente son palabras que permiten definir algo. Por ejemplo si subo una imagen de
la Playa Punta de Palma de Izabal, Guatemala, puedo clasificarla con las siguientes
etiquetas: playa mar Izabal Guatemala. Así es más fácil encontrar tus fotos y las de otros
usuarios, y ver fotos de tu interés, por ejemplo que llevan en los bolsillos tus contactos.
También puedes crear "sets" o categorías para organizar mejor tus fotos.
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Flickr es más que un álbum gratuito de fotos bien organizado. Puedes crear tu perfil de
usuario y encontrar gente alrededor del mundo con gustos similares a los tuyos y
agregarlos a tus listas de contactos, para esto tienes 3 opciones, sólo Contacto, Amigo o
Familiar. Esto te da la ventaja que a la hora de publicar tus fotos, puedes compartirlas
con todos, tus amigos o sólo familiares.
Otra característica es la posibilidad de crear Grupos, los cuales

hacen despertar el espíritu comunitario de los usuarios de Flickr. Puedes crearlos para
compartir fotos de una temática en particular e invitar a todos tus contactos, o ser
invitado a ser parte de uno ya creado. Por ejemplo:
 Maestros del Web (en el cual están invitados a participar)

 Transparen Screens
 Squared Circle
 Diseccionando
Pequeños detalles que lo hacen grande:
Flickr está lleno de pequeños detalles que hacen de ella una aplicación muy grande,
entre ellos:
 Publicar comentarios en las fotos

 Utilización de Flash para mejorar la carga y manejo de las imágenes
 Agregar pequeñas notas sobre la foto (también gracias a Flash)
 Enviar la foto a grupos fácilmente
 Hacer una presentación con tus fotos (Slideshow)
 Calendario fotográfico
 Publicar fotos directamente en tu blog
 Listar las últimas fotos en tu blog
 Lista de fotos marcadas como favoritas
 Crear una URL personalizada para que sea fácil de recordar, ejemplo:
http://flickr.com/photos/carloscrc/
 Publicar fotos vía email o software.
 Y otros que descubrirás al empezar a utilizarlo.
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¿Que hace que Flickr crezca tanto?
La mezcla de varias tendencias sociales y

tecnologías, hacen que la gente pueda interactuar de diferentes maneras, empezando por
el API abierto de Flickr permite la creación de nuevas aplicaciones basadas en este
servicio, por ejemplo:
 Flickr Graph: Escribe tu nombre de usuario y podras ver tus relaciones sociales
de una manera muy atractiva.
 Color Fields Color Picker: Aplicación que despliega fotos según el color que
escojas.
 Spell with Flickr: Herramienta que permite deletrear palabras con imágenes.
 Related Tag Browser: Buscador de imagenes por etiquetas (tags) que despliega
las fotos relacionadas con esta.
Por medio de los RSS de Flickr puedes sindicar practicante cualquier cosa, desde las
fotos de los usuarios, de un grupo o fotos que contengan alguna o varias "tags" en
específico. Publicar fotos ya sean nuestras o cualquier foto pública en nuestro sistema
de Blogging (Blogger, Wordpress, Movible Type, Livejournal, etc.) sólo requiere de
una pequeña configuración y unos cuantos clicks. Un ejemplo de estos es el FlickrZen
donde zerena va publicando en su blog las fotografías que más le gustan de Flickr.
20
Lo primero que necesitamos saber sobre el video es que se le considera la

prolongación de la fotografía.
Sin ser un camarógrafo profesional, hay algunas cosas a tener en

consideración al momento de usar una cámara de video (aparte de todas las
técnicas fotográficas que conocemos hasta ahora). Una de estas es que el
ideal es NO MOVER la cámara filmadora mientras graba, pero hay
situaciones en donde se hace necesario moverla, y no precisamente sobre el
eje del trípode. En esas situaciones entramos en terribles problemas, porque
por lo general las tomas que dan mal hechas o movidas.
Esto es por que cuando uno intenta mover una cámara a pulso, el
movimiento no es del todo continuo ni homogéneo, tampoco describe
líneas rectas.
Cuando se hace necesario mover la cámara, esta debe moverse además de

fluidamente, de forma suave.
SISTEMAS DE ESTABILIZACIÓN
Lo principal para que los espectadores disfruten del vídeo, es que se vea
estable, para eso, haría falta un trípode, pero si la situación hace incómodo
su uso, hay una solución llamada Steady Cam. El problema es, que son
demasiado caras, pero con 20 € y un poco de esfuerzo podemos construir
una Steady Cam casera. Podemos comprar los materiales en una ferretería
cercana.
Aquí tenéis ejemplos:

Con esta rótula
se puede conseguir
movimiento en la Steady
Cam
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También podemos usar un Dolly:
O algo más modesto
O un balancín:
En un extremo se coloca la cámara, y en el otro pesas para que sea más

fácil mover la cámara.
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SIGUIENTES PASOS:
Bien, ya que sabemos lo general sobre las fotos y el video, necesitaremos un programa
para el procesamiento.
EDITOR DE FOTOS
Si buscáis una alternativa al Photoshop cs5 que sea gratis, yo os recomiendo Gimp
2.6.6.8 que es el segundo mejor editor de fotos del mundo.
Tiene practicamente todas las herramientas de Adobe Photoshop Cs5, salvo la gestión
de canales RGB.
EDITOR DE VÍDEO
Para video, un programa que es de pago, llamado Cyberlink PowerDirector 8 Ultra,

pero que se piratea fácilmente introduciendo este código:
JTEEH-KWRM4-W47R9-LC4RJ-N79UG-D9GFQ
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Tiene todas las funciones básicas, y una, que para cualquier director de cine es
absolutamente importante; la clave cromática. Que elimina toda la información
referente al color que selecciones. En el CD viene un tutorial. Es lo que usan los
directores de cine. Se puede usar con todos los colores, pero en el ámbito profesional, el
más usado es el verde.
EFECTOS ESPECIALES
En estos programas que son más caros (1400 €), sí que no hay opciones de pirateo. Está
claro que el mejor es Adobe After Effects Cs5. Puedes crear objetos animados, y añadir
explosiones, fuego, y láseres, chorros de agua, hechizos con fuego,… Se tienen
posibilidades ilimitadas. 64 bits.
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TIPOS DE OBJETIVOS
Ojo de Pez: Son los objetivos con el mayor ángulo de visión, alcanzan los 180º o más, y
su distancia focal suele estar entre los 6 y los 16mm. Si no tienes cuidado al hacer una
foto con estos objetivos puede que hasta tus pies salgan en la foto, o algo más si la haces
con el 6mm del que nos hablaba Victoriano en otro post, capaz de abarcar unos 220º.
Estos objetivos suelen distorsionar demasiado las líneas rectas, por lo que se suelen usar
buscando ese efecto tan característico que producen.
Tomada con un ojo de pez Peleng de 8mm. La deformación de las líneas es más que
evidente.
Gran Angular: Suelen denominarse así a los objetivos con focales entre los 18 y 35mm,
con ángulos de visión que van de los 180º a los 63º. Son objetivos que producen
distorsión en los márgenes, pero según su calidad esto puede estar más o menos
acentuado. Ofrecen mucho realismo a nuestras fotos, ya que casi todo lo pueden sacar
nítido, es decir, tienen mucha profundidad de campo. Pero hay que tener en cuenta que
cuanto más se acerque un objeto a la cámara más distorsionado se verá. Se suelen
utilizar en espacios abiertos como la fotografía de paisaje, para la fotografía de
arquitectura o en espacios interiores, y suelen ser objetivos bastante luminosos.
Zuiko 7-14mm (un 14-28mm con el factor de multiplicación), está tomada a 7mm.
Podéis apreciar el trabajo que un buen angular puede hacer, apenas distorsiona las líneas
y muestra una gran amplitud de la escena.
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Objetivo Normal. El objetivo normal es aquel que suele dar un ángulo de visión muy
parecido al del ojo humano, esto es, unos 45º. Y además no produce distorsión alguna
en las líneas. Lo normal es que sean de 50mm. Son los más luminosos pudiendo llegar
a una apertura de 1.4f
Objetivo 50mm. Observad como las líneas no se distorsionan, pero el ángulo de visión
es menor.
Teleobjetivos. Se utilizan principalmente para acercar la imagen al fotógrafo, esto es,

para tomar fotografías desde lejos, por ejemplo fotografía deportiva. Así que el ángulo
de visión es bastante reducido, de 30º para abajo, con unas distancias focales que
pueden ir de los 70mm en adelante. A diferencia de los angulares, los teles suelen
comprimir los planos mostrándonos fotografías a veces poco realistas donde las
distancias entre los objetos se reducen de forma considerable. Se suelen usar bastante
para fotografía de retrato, ya que una de las grandes características de estas focales es la
capacidad de hacer enfoques selectivos; enfocar a nuestro modelo mostrando su rostro
nítido mientras obtenemos un fondo borroso y desenfocado (efecto bokeh), con lo que
conseguimos dirigir la atención del observador donde nos interesa. Ya hablamos de esto
en el capítulo sobre el funcionamiento del ojo humano y la cámara. Las focales usadas
para retrato se enmarcan entre los 70 y los 135mm, si usamos distancias focales más
largas tenderemos a alejarnos más del objeto a fotografiar para poder enfocarlo,
entonces es cuando el uso de estos objetivos se destina a otro tipo de fotografía donde el
fotógrafo necesita estar más alejado. Imprescindible para fotografiar fauna salvaje.
Esta foto la hice con una distancia focal de 300mm, y existía una distancia considerable
entre el caballero y yo, además de que la pared también estaba bastante lejos.
26
Objetivos Macro. Suelen ser objetivos preparados de forma específica para poder
fotografiar desde muy cerca. Es normal que los objetivos nos exijan una distancia
mínima para poder enfocar, pero los Macro permiten el enfoque hasta a un centímetro
del objetivo, consiguiendo fotografiar objetos realmente pequeños. Estos son muy
usados en la fotografía de naturaleza.
FOCALES FIJAS Y VARIABLES
Debemos saber que existen tanto focales fijas como variables o zoom. Las focales fijas
sólo nos permiten disparar con una distancia focal, como puede ser un objetivo normal
de 50mm, éstos suelen dar muy buena calidad. Mientras que las focales zoom nos
permiten variar la distancia focal, por ejemplo un 24-120mm, sin necesidad de andar
cambiando de objetivo, aunque pueden no darnos la misma calidad que uno de focal fija
por norma general. Pero esto de la calidad depende de cada objetivo y de su gama.
En este esquema podemos ver la relación entre una focal y su ángulo de visión.
Y por último, y no menos importante, debemos tener en cuenta siempre el factor de

multiplicación. Esta clasificación que hemos visto está realizada en términos de
fotografía analógica o para un sensor con tamaño de 35mm (full-frame), que es el
tamaño que siempre han tenido las películas de carrete. Pero claro, en fotografía digital
no todos los sensores tienen el mismo tamaño, y para conocer a cuanto equivale nuestra
distancia focal en términos de 35mm debemos llevar a cabo una simple operación. Si
por ejemplo en nuestra cámara digital tenemos montado un objetivo 12-60mm y el
factor de multiplicación para nuestro sensor es de 2, lo que hacemos en multiplicar la
27
distancia focal por ese factor, por lo tanto en realidad estamos disparando con un 24-
120mm en términos de 35mm. Esto nos ayudará a conocer el ángulo de visión real de
nuestro objetivo.
TIPOS DE FLASH
Gracias al flash, uno puede disponer de una fuente de luz cuando le plazca. Sin
embargo, si queremos sacarle todo el partido posible a esa fuente de luz, debemos
complicarnos un poco la vida. Hay diferentes clases de flash, y cada uno, bien usado,
puede ser idóneo para un tipo de fotografía, y puede permitirnos lograr resultados muy
distintos. En este capítulo comentaremos inicialmente las características de un flash
integrado, y a continuación nos centraremos en los flashes compactos, que son los más
populares, tratando de clasificarlos en función de sus prestaciones. Por último,
dedicaremos también unas líneas al flash anular, idóneo para la fotografía macro.
Llamamos flash integrado al que incorporan las cámaras compactas y la mayoría de las
cámaras réflex. Sus principales características son:
 Al estar incluido en la cámara, supone un importante ahorro, y la comodidad

añadida de poder recurrir siempre a él.
 La fuente de luz suele ser pequeña, por lo que en retratos y fotografías a objetos
cercanos puede crear unas sombras muy duras, que tal vez no nos gusten desde
un punto de vista artístico.
 Además, suele estar próxima al objetivo. Por esta razón la luz proyectada es muy
plana, y a veces da la impresión de reducir el volumen del sujeto que estemos
fotografiando. En un retrato, por ejemplo, nos mostrará unas facciones más
planas. Esta iluminación tiene siempre un aspecto artificial.
 En la mayoría de cámaras compactas este flash funciona de modo automático.
Esto puede suponer una limitación si queremos hacer fotografías con una
iluminación más o menos intensa de lo normal, puesto que no podremos
configurarlo manualmente. En la mayoría de cámaras réflex, sin embargo,
aunque el flash integrado es igualmente automático, se puede configurar
parcialmente la intensidad de la exposición desde los menús de la cámara.
 Su potencia es bastante limitada. Esto significa que a partir de cierta distancia,
será difícil que consigamos iluminar correctamente la escena. Es por esto que, si
no tenemos cuidado, podremos tener fotos trepidadas o subexpuestas.
 En cualquier caso, si necesitamos el flash para iluminar una escena cercana (un
retrato de grupo, por la noche, por ejemplo) a modo de recuerdo y sin mayores
pretensiones artísticas, este es nuestro flash, sin duda.
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Pese a ser una herramienta sencilla y poco configurable, el flash integrado nos puede
sacar de algún aprieto, sin mayores complicaciones. La mayoría de cámaras compactas
no permiten utilizar otro flash diferente a este.
El flash compacto es un dispositivo independiente que se conecta a la cámara por medio

de una zapata situada en la parte superior de ésta. Todas las cámaras réflex disponen de
una zapata para la conexión de este tipo de flash, al igual que unas pocas cámaras
compactas de gama alta. Dentro de los flashes compactos los hay de diferentes gamas y
prestaciones.
Para simplificar, podemos decir que las principales características de un flash compacto
BÁSICO son:
 La antorcha es mayor y está más elevada, lo que supone tener una fuente mayor
de luz. Esto es importante porque aunque las sombras siguen siendo duras, lo
son algo menos que con el flash integrado. Muchos además incorporan un
difusor extraíble, que se puede usar para iluminar uniformemente una escena de
gran angular.
 Tienen una mayor potencia (número guía), y por ello un mayor alcance.
Además, suelen tener mayor velocidad de refresco.
 Generalmente, el cabezal puede bascular en los ejes horizontal y vertical. Esta
es, probablemente, la característica más importante, puesto que nos permitirá
“rebotar” el disparo del flash contra paredes y techos, consiguiendo así una
iluminación, no sólo más difusa y equilibrada, sino también personalizada. Del
mismo modo que un flash frontal puede aplanar un sujeto, un flash rebotado
puede aumentar su volumen y texturas. Gracias a esto conseguiremos una luz
mucho más natural, y las posibilidades creativas del uso del flash se multiplican.
Ya no estamos hablando de usar el flash cuando no hay luz, sino de modelar ésta
a nuestro gusto.
Las prestaciones de algunos modelos son superiores y muy variadas. Podemos decir que
las principales características de un flash compacto AVANZADO son:
 Un flash compacto de gama alta generalmente puede usarse con control manual.
Esto puede parecer innecesario cuando simplemente queremos hacer una foto
con un flash frontal montado en la cámara, pero sin embargo puede aportarnos
una flexibilidad enorme cuando trabajamos en estudio o combinamos varios
flashes o accesorios.
 Un flash avanzado suele ser sinónimo de mayor potencia, mejor construcción y
mayor velocidad de refresco. Esto nos permitirá conseguir la luz deseada a
mayores distancias, o con diafragmas más cerrados, y utilizar además el flash en
fotografías en ráfaga.
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 Mayor velocidad de sincronización. Esto es muy útil cuando queremos hacer

fotografías en las que tratemos de “congelar” la escena a altas velocidades de
obturación.
 Sincronización con otros flashes, por medio de la configuración de esclavo y
maestro. Un flash maestro es aquel capaz de disparar de forma simultánea uno o
más flashes esclavos. Esta características nos puede abrir muchas puertas a la
hora de iluminar correctamente una escena creativa, un objeto para catálogo, o
un retrato de estudio. Tal vez queramos iluminar un lado de la cara del modelo,
al mismo tiempo que le damos brillo a una parte de su pelo e iluminamos las
sombras o el fondo desde otro punto. Conviene saber que existen accesorios
como fotocélulas o disparadores por radio que permiten esta sincronización con
flashes más económicos y sencillos.
 Algunos flashes de estas características pueden ser disparados desde fuera de la
cámara, bien a través de un cable sincro o de conexión inalámbrica, si ambos,
cámara y flash, lo permiten. ¿Quién dijo que el flash tuviera que estar siempre en
la zapata de la cámara?
 Algunos flashes incluyen además dos antorchas: una que siempre queda
orientada hacia delante, y otra que se puede bascular. Esto permite una
iluminación más rica en matices.
ACCESORIOS PARA FLASH COMPACTO:
Una gran ventaja de los flashes compactos es la posibilidad de utilizarlos junto a

accesorios muy variados: Difusores, pies, paraguas, reflectores, snoots, filtros, baterías,
fotocélulas, disparadores por radio, cables de extensión, etc. Estos accesorios pueden
utilizarse incluso con flashes compactos manuales antiguos o muy baratos,
consiguiendo así una enorme versatilidad a bajo coste. ¡Este puede ser el primer paso en
el camino a montarte tu propio estudio casero!
Éste es un tipo de flash muy específico, para fotografía macro. En este tipo de fotografía
es preciso que estemos muy cerca del sujeto a fotografiar, y por ello es muy difícil
conseguir iluminación uniforme con un flash compacto, y aún más difícil con un flash
integrado. La antorcha del flash anular, como su propio nombre indica, tiene forma de
anillo, y se sitúa alrededor del borde anterior del objetivo para conseguir una
iluminación uniforme. Además, la fotografía macro, por hacerse a menudo a diafragmas
muy cerrados, requiere una iluminación potente, desde cerca. Es por ello que, si eres un
apasionado de la fotografía macro, un flash anular puede ser un accesorio importante.
30
SI ESTÁS BUSCANDO UNA CÁMARA…
Probablemente esta sea la gran pregunta que todos nos hacemos antes de afrontar la
compra de una cámara digital: ¿Qué cámara necesito? ¿Qué cámara me compro? En
este articulo, intentaremos ver cuál es la manera correcta de afrontar la compra de TU
cámara perfecta. Empezamos:
Si tenemos intención de comprar una cámara, lo primero que habría que pensar es:
¿Para que la quiero? ¿Qué tipos de fotos quiero hacer? ¿Qué aspiraciones fotográficas
tengo?
Si tenemos claras las respuestas, la elección será, sin duda, mucho más fácil. No es lo
mismo querer una cámara para hacerte fotos con los amigos, que para usarla en
fotografía de naturaleza, por ejemplo.
Una vez que tengamos decidido qué tipo de cámara nos viene mejor, sabiendo las
ventajas e inconvenientes de cada una de ellas, podremos seguir unas pautas comunes
para hacer una buena elección. Vamos a verlas:
PRIMERO: La cámara NO es mejor porque tenga más mega píxeles.
Probablemente este sea el error más común de todo el que piensa comprar una cámara
digital por primera vez, así que lo diré alto y claro, LOS MEGAPIXELES NO
MIDEN LA CALIDAD DE UNA CÁMARA simplemente nos dan el tamaño final de
la fotografía. La absurda guerra de los mega píxeles es más un argumento de marketing
que otra cosa y puede ser útil solo para determinados tipos de trabajo con grandes
ampliaciones o trabajos en el que el re encuadre a posteriori sea fundamental. Por lo
tanto, mejor menos mega píxeles y más calidad de la lente, del sensor, etc.…
Fijaros en esta noticia que publicó el New York Times y os terminareis de convencer.
Una cámara de 5 mega pixeles es suficiente para el 99% de los aficionados a la
fotografía. Tened en cuenta que para revelar una foto a 10×15cm solo nos hacen falta 2
mega pixeles.
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SEGUNDO: Lo más caro NO es necesariamente lo mejor para ti.
Muchas veces cometemos el error de ir en busca de la cámara más cara, dentro de

nuestro presupuesto, creyendo que será la mejor. Pero es sin duda más inteligente
pensar en cuáles son las características que me interesa que tenga la cámara y a partir de
ahí, plantear la búsqueda.
Por poner un ejemplo, una cámara puede subir de precio por tener grabación de vídeo,
pero puede que a nosotros no nos interese esa característica por cualquier motivo, por lo
que sería absurdo pagar por ello, ¿no crees? De igual manera esa misma cámara puede
que no tenga esa función que de verdad nos interesa, por lo que al final, no habremos
hecho una buena compra.
Por tanto tenemos que ser consecuentes con lo que queremos que nos ofrezca la cámara
y buscar aquella que más se ajuste a nuestras necesidades.
TERCERO: Controles MANUALES, SI: Siempre que queramos intentar

dominar la cámara y aprender fotografía deberemos de buscar una que disponga de
opciones de manejo en manual (M) o al menos que podamos controlar el tiempo de
exposición (S o Tv) y la apertura del objetivo (A o Av.). Cuanto más avanzada sea la
cámara más fácil nos resultará que disponga de estos tipos de controles.
CUARTO: calidad óptica = calidad de imagen. Evidentemente hay otros

muchos factores que influyen en la calidad final de una foto, pero es claro que si
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disponemos de una lente buena, la calidad de imagen también lo será, por tanto, es una
característica importante si pretendemos fotos nítidas y de calidad.
Normalmente, las grandes marcas de cámaras como Canon, Nikon, Olympus, etc.…
montarán buenas ópticas, pero si te vas a marcas secundarias tendremos que ver quien
les fabrica la óptica y que calidad tiene.
Como vemos en la foto en muchas ocasiones podremos comprobarlo en la parte

delantera del objetivo. Aunque ya lo veremos más adelante, la calidad de un objetivo
dependerá de los tipos de lentes que monten (asféricas, cristales de baja dispersión,
etc.…) y de la luminosidad del propio objetivo. Cuanto más luminoso, mejor (valores
de f lo más bajos posibles).
QUINTO: Otras características importantes: Además de los 4 puntos

principales que hemos visto, las cámaras digitales ofrecen multitud de características.
Os cuento algunas de las más importantes a tener en cuenta para decidirnos al fin por un
modelo.
a. El zoom: Nunca miraremos el zoom digital, solamente el zoom óptico. El zoom

digital es el equivalente aumentar la foto con Photoshop por lo que siempre tendrá
pérdida de calidad. Si buscamos cámaras con mucho zoom, sería interesante que la
cámara disponga de estabilizador óptico para evitar fotos trepidadas.
b. La función de video: En compactas y ultra zoom es una función interesante y casi

por defecto, aunque con limitaciones. En las réflex no existe. Si nos interesa esta
función, intentaremos que los videos sean de al menos 640×480 a 25fps y con sonido.
c. El formato RAW: Es el equivalente al negativo de las cámaras analógicas, este

formato almacena mucha más información que un simple .jpg, por lo que si eres de los
que les gusta el retoque fotográfico debes buscar una cámara con este tipo de archivos.
d. Las baterías: Normalmente es mejor que la cámara se alimente de una batería que lo
haga a través de pilas, aunque lo ideal sería que permitiese ambas. Si en alguna ocasión
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nos quedamos sin batería, las pilas podrían sacarnos de un apuro. Si solo usa pilas, lo
mejor, comprar recargables.
e. El tamaño cuenta: Ya sea réflex o compacta, muchas veces nos da pereza sacar la
cámara si esta es muy voluminosa y pesada, por lo es un factor que hay que tener en
cuenta a la hora de elegir.
ACCESORIOS
Trípode: Si tuviera que elegir un accesorio

indispensable éste sería el trípode. Este soporte de tres patas nos permite dejar sujeta
nuestra cámara y que no se mueva cuando disparamos. Necesario para la fotografía
nocturna y en otras condiciones de poca luz, es decir, cuando necesitamos un tiempo de
exposición más largo de lo que podemos aguantar a pulso sin movernos. Perfecto
también para autorretratos. Existen una buena variedad de trípodes, desde los clásicos a
los tan pequeños que son de bolsillo. Mi consejo es que te gastes el dinero comprando
uno de calidad, resistente y ligero.
Fotómetro: El fotómetro es un dispositivo electrónico que mide la

cantidad de luz que incide un punto determinado. Tu cámara digital dispone de
fotómetro, pero de los que hablamos aquí son los externos. Se utilizan habitualmente
(aunque no únicamente) en fotografía de interiores o estudio y en retrato. La medición
será más exacta y precisa que la del fotómetro de tu cámara y te dará los valores de
apertura del diafragma y velocidad de obturación necesarios para hacer la foto con éxito
(indicando la velocidad de la película de antemano). Es un accesorio más bien
profesional.
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Brújula: Este accesorio es una elección muy personal

mía. Yo encuentro de lo más útil llevar una brújula en mi bolsa para que al encontrar
una localización pueda saber el recorrido del sol y decidir cuál es el mejor momento
para tomar fotos allí según la luz que haya. Baratas y pequeñas, todo ventajas.
Disparador remoto: Casi tan indispensable como el

trípode si acostumbras a usarlo. Estos pequeños dispositivos te van a permitir disparar
fotografías sin tocar la cámara, lo que se traduce en que no la vas a mover ni un solo
milímetro mientras hagas fotos con exposiciones largas. Por supuesto también es
perfecto para los tan de moda autorretratos. Los puedes encontrar con cable (que va
conectado a la cámara) o lo que se llamaría un disparador remoto que carece de este
elemento y te dará más libertad.
E incluso existe una gama alta (y cara) de estos artículos si poseen otras características
como la de programar disparos a intervalos de tiempo determinados. Pero si lo que
quieres es el disparador más simple, altamente recomendado comprarlo en Ebay.
Transporte: Junto al filtro AV y una batería de

recambio, lo primero que debes comprar junto a tu cámara es una bolsa de transporte.
Las podemos encontrar de todos los tamaños, en función de los elementos de nuestro
equipo a transportar. Aquí también te recomendaremos que no intentes escatimar
dinero, pues las casas especializadas en estas bolsas las construyen de calidad y
resistentes (lo que nos puede ahorrar algún disgusto).
Filtros: Cambian las propiedades de algunos colores.
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Cajas de luz, paraguas, reflectores, difusores…: Estos

accesorios son herramientas que se utilizan para manipular la luz, de un flash o un foco,
en función de nuestros intereses: Suavizarla, reflejarla, hacerla rebotar, etc. Son
accesorios que normalmente se utilizan en el estudio. Aunque esto es una verdad a
medias, ya que los reflectores (para reflejar la luz, ¿has probado con una cartulina
blanca?) y difusores (para suavizar la luz del flash) también pueden utilizarse en
exteriores.
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PROGRAMAS RECOMENDADOS
Picasa 3.8.115.45  picasa.softonic.com
Pivot Stickfigure Animator  pivot-stickfigure-animator.softonic.com
Cyberlink Powerdirector 8 Ultra 

es.cyberlink.com/downloads/trials/powerdirector/download_es_ES.html
Gimp 2.6.8  www.gimp.org
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LA LEY DEL HORIZONTE
Por su nombre podría ser un western, pero no lo es, es una regla fotográfica. Cuando
fotografíes paisajes presta atención al horizonte. ¿Dónde lo vas a colocar? ¿Cómo va a
aparecer? Son dos preguntas que necesitan respuesta:
En pocas ocasiones funciona, así que nunca, nunca coloques un horizonte en mitad de la
foto. Divide el encuadre en dos zonas iguales en las que no hay ningún tipo de jerarquía.
Para solucionarlo hay dos opciones:
 Mostrar en un tercio de la foto el suelo y en los dos tercios restantes cielo.

 Justo lo contrario, dos tercios de suelo y uno de cielo.
Como supones, lo que transmite una foto en ambos casos no es exactamente lo mismo.
Encuadres en los que aparece más suelo sugieren más cercanía a lo terrenal, mientras
que encuadres en los que aparece más cielo sugieren al espectador una sensación más
etérea.
En cualquier caso, que esta regla juegue a favor de lo que quieras mostrar. Por ejemplo,
¿En un atardecer? Mostraremos casi siempre más cielo. En un paisaje costero, más
suelo.
El horizonte siempre se debe presentar recto. Más todavía cuando se trata del mar. Un
mar torcido puede dar al traste con un buen paisaje. Parecería que se vacía por el lado
hacia el que está inclinado.
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LA REGLA DE LA DIRECCIÓN O DEL MOVIMIENTO

Si pretendes captar en una foto un objeto que se esté moviendo debes tener en cuenta
que, sobre todo si lo que quieres es dar esa sensación de dinamismo, deberás dejar más
espacio en la zona a la que se dirige el objeto que en la zona por la que supuestamente
ya ha pasado.
Las fotos que siguen este esquema funcionan mejor, pues invitan al cerebro humano a
percibir que el objeto discurre por la foto.
El concepto de esta regla es muy similar al de la siguiente.
LA LEY DE LA MIRADA
Simple y llanamente esta ley insiste en que debe haber más espacio en el cuadro en la
zona a la que mira el sujeto fotografiado que en la que está fuera de su campo de visión.
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LAS DIAGONALES
Cualquier cosa puede convertirse en una diagonal.

Las líneas de la carretera, las ramas de un árbol, el mástil de una guitarra… las opciones
están al alcance de nuestra imaginación.
Podemos conseguir diagonales de múltiples maneras. ¿Por qué no usarlas? Son

poderosísimas para guiar la vista del espectador hacia los puntos de interés de las
imágenes.
Hacen las composiciones más dinámicas y su intersección crea puntos de interés. No las
desestimes.
EL MÍTICO “MENOS ES MÁS”

Os lo decimos con frecuencia en los duelos. Generalmente, en fotografía, menos es más.
No tratéis de llenar una foto con todo lo que tenéis delante. Pensad en términos de
composición.
Antes de disparar analizad qué cosas de la escena son interesantes, cuáles prescindibles
o cómo funcionan unas con otras.
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Siempre suele resultar mejor tomar varias fotos con los distintos detalles que contiene
una escena consiguiendo que cada foto nos cuente algo que tratar de hacer una foto
general para apreciarlo todo.
Esto está en estrecha relación con el próximo y último consejo.
LLENA EL ENCUADRE
Evita cualquier tipo de distracción y obliga al espectador a centrarse en el motivo que le
queremos mostrar, única y exclusivamente. ¿Que cómo lo haces? Llenando el encuadre.
No dejes espacio para nada más que para lo que quieres mostrar. No des opción al
espectador a irse por los cerros de Úbeda. Muéstrale sólo lo que quieras que vea.
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TIPOS DE FILTROS
En los filtros podemos diferenciar dos grandes grupos.
-Los que se pueden enroscar en el frontal de nuestro objetivo, esto es, los filtros de
rosca.
-Los que se colocan con un porta filtros.
Sea cual sea el sistema de filtros que utilices, ya sean de rosca o con porta filtros, verás
que algunos de los más útiles son el UV o ultravioleta, el ND o de densidad neutra y el
polarizador. En este vídeo puedes verlos en funcionamiento para conocer para qué
sirven:
Os podéis preguntar cuál es el mejor sistema. Cada uno tiene sus pros y sus contras. Los
filtros de rosca están concebidos para un determinado diámetro de objetivo, por lo que
es probable que si usas objetivos diferentes los diámetros sean diferentes también. Por
lo que tendrás que duplicar filtros iguales, que no siempre son baratos, para cubrir tus
necesidades.
La porta filtros se suelen adaptar a diferentes diámetros, por lo que podrás usar un
mismo filtro con objetivos de diferentes diámetros. Por ello quizás sea más inteligente
invertir en este tipo de filtros que en los de rosca.
En cualquier caso, elijas el sistema de filtros que elijas, es recomendable llevar montado
en todos los objetivos un filtro de rosca UV o Skylight a modo de protección de la
primera lente. De esta forma evitarás que se rallen, el polvo o un mal golpe. Siempre es
preferible romper un filtro, por bueno que sea, que un objetivo. Además no evitan que
puedas usar un porta filtros también.
Los filtros no suelen ser baratos, pero es una inversión necesaria. Piensa que si te estás
gastando un buen dinero en un objetivo, ponerle delante, por ejemplo, un filtro protector
malo puede dar al traste con la calidad óptica del objetivo.
Con el ordenador podemos arreglar muchas fotos, pero no hay nada como una foto bien
hecha dese el momento de disparar para sacarle el mayor partido a nuestra cámara. Y en
esto, los filtros, te pueden ayudar.
PORTA FILTROS FILTRO DE ROSCA
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Estrenos del Verano

Título: El aprendiz de brujo
Titulo original: The Sorcerer's Apprentice
Nacionalidad: EE.UU.
Año: 2010
Duración:
Clasificación:
Género: Aventuras, Fantasía
Color: Color
Fecha de estreno: 03/09/2010
Director: Jon Turteltaub
Guión: Lawrence Konner, Matt Lopez y Mark Rosenthal
Intérpretes: Nicolas Cage, Jay Baruchel, Alfred Molina, Teresa

Palmer, Monica Bellucci, Toby Kebbell, Jake Cherry, Robert
Capron
Música:
Trevor Rabin
Fotografía:
Bojan Bazelli
Montaje:
William Goldenberg
Distribuidora:
Walt Disney
Web:
http://disney.go.com/disneypictures/sorcerersapprentice/
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Argumento:
Producida por Jerry Bruckheimer, el origen de esta película está

en el deseo de Nicolas Cage de adaptar el segmento
de Fantasía de El aprendiz de brujo. Muy remotamente basado en
él, la película nos cuenta la historia de Balthazar Blake (Cage), un
hechicero en el Manhattan de nuestros días, que intenta defender
la ciudad de su archi-enemigo Maxim Horvath (Alred Molina).
Balthazar no puede hacerlo solo, así que recluta -a su pesar- a
Dave Stutler (Jay Baruchel), un chico normal pero que oculta un
gran potencial para que sea su protegido, por lo que recibe un
curso de inmersión en el arte de la antigua magia.
Título: Adèle y el misterio de la momia

Titulo original: Les Aventures Extraordinaires d'Adèle Blanc-
Sec
Nacionalidad: Francia
Año: 2010
Duración: 107 min
Clasificación:
Género: Aventuras, Comedia, Fantasía
Color: Color
Fecha de estreno: 17/09/2010
Director: Luc Besson
Guión: Luc Besson basado en el cómic de Jacques Tardi
Intérpretes: Louise Bourgoin, Mathieu Amalric, Gilles

Lellouche, Jean-Paul Rouve, Jacky Nercessian
Música: Eric Serra
Fotografía: Thierry Arbogast
Montaje: Julien Rey
Distribuidora: TRIPICTURES
Web: http://www.adeleblancsec-lefilm.com/
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Argumento: Corre el año de 1912. Adèle Blanc-Sec, una

intrépida y joven reportera asumirá todos los retos necesarios para
lograr sus objetivos, incluyendo el de navegar por Egipto para
investigar momias de todos los tipos y tamaños. Mientras tanto,
en París, es... ¡la estación del pánico! Misteriosamente ha nacido
un pterodáctilo de un huevo de más de 136 millones años de edad
que se encontraba en un estante en el Museo de historia natural, y
desde el cielo el ave somete a la ciudad a un reinado de
terror. Pero nada impresiona demasiado a Adèle Blanc-SEC,
cuyas aventuras esconden muchas más sorpresas extraordinarias...
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Parece que el lanzamiento de la nueva Nikon D7000 está a punto de caramelo. O eso al
menos se desprende de la cantidad de información que en estos días se está filtrando por
la red de redes.
Lo último que se ha filtrado son las imágenes de producto de la futurible réflex de

Nikon, que han hecho que se dispare aun más las elucubraciones de los aficionados.
Se rumorea que el nuevo cuerpo incluirá un sensor de 16 mega píxeles, grabará vídeo
1080p y tendrá las siguientes características:
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 Visor 100% cobertura

 Doble ranura SD
 Cuerpo de magnesio
 Sensor de 16 mega píxeles
 Procesador Expeed 2
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 Grabación de vídeo HD 1080p a 24fps y 720p a 30fps

 20 minutos de grabación máxima
 Posibilidad de extraer imágenes desde el vídeo
 Grabación de vídeo con autoenfoque
 Entrada MIC estéreo para el vídeo
 6 fps
 Horizonte virtual
 Live View
 39 puntos de enfoque
 Compatibilidad con flashes inalámbricos
 ISO 100 – 25600
 Resistente a salpicaduras
 Nuevo sistema de batería
 Precio estimado para el cuerpo 1200 dólares
Por lo demás, se rumorea que en la presentación la Nikon D7000 vendrá acompañada,

además de por un nuevo modelo de flash (SB-700) de dos nuevos objetivos, un Nikkor
AF-S 35mm f/1.4 que rondará los 1800 dólares y un Nikkor AF-S 200mm f/2.0G IF-
ED N VRII de 6000 dólares.
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Steven Spielberg: «Si alguien quiere conocer mundo, no tiene que ir más
allá de su aeropuerto más cercano»
En su nuevo filme, el director se sumerge en la delirante cotidianidad de
una terminal y recrea una historia real digna de Kafka
LA TERMINAL.- Estreno: Viernes 10 de septiembre. Director: Steven

Spielberg. Intérpretes: Tom Hanks, Catherine Zeta-Jones, Stanley Tucci, Chi
McBride, Diego Luna
Texto: Jordan Riefe
Foto: Joe Plugiese / Corbis Outline / Cover
No se trata sólo del director de cine de

más éxito de nuestro tiempo, sino que
puede afirmarse con razón que es el de
mayor éxito de la historia. Steven
Spielberg (Cincinnatti, 1946) habla sobre
su tercera colaboración con el actor Tom
Hanks, sobre el trabajo con un reparto
multicultural y sobre los significados
alegóricos que hay detrás de su última
película, The Terminal.
Pregunta. – ¿Qué es lo que usted pretende transmitir a los

espectadores cuando entren en el cine?
Respuesta. – Bueno, lo que sin duda alguna deberían saber es que la

película trata acerca de un hombre absolutamente inocente que no ha
hecho nada malo. A decir verdad, durante la mayor parte de su vida lo ha
hecho todo bien. Debido a una serie de circunstancias que escapan a su
control (un país comunista se apodera del suyo, un país ficticio, Krakosia,
mientras él se encuentra en pleno vuelo; cuando aterriza, resulta que su
visado ha sido suspendido por el DHS [Department of Homeland Security,
el equivalente del Ministerio del Interior en España] y su pasaporte queda
invalidado), lo mantienen retenido en un lugar de reclusión que no es un
calabozo. A partir de entonces, hace su aparición el personaje de Stanley
Tucci, quien está al cargo de la seguridad del aeropuerto, y al hablar con él
le dice que «en fin, ya sabes que no puedes volver a tu patria porque tu
54
país ha caído en otras manos y te has quedado sin documentación para

volver. Tampoco puedes entrar en los Estados Unidos ya que,
técnicamente, no eres ciudadano de ningún sitio. Así pues, vas a tener que
quedarte aquí hasta que encontremos una salida a todo este embrollo». De
modo que Viktor, con una paciencia como la del santo Job, trata de
sobrellevar de la mejor manera posible esta situación, extremadamente
grave, que encierra un montón de posibilidades cómicas.
P.- ¿Por qué era Tom Hanks la persona ideal para interpretar
este papel?
R.- Tom es capaz de representar cualquier cosa. Lo que quiero decir es que
aquí encarna a un personaje de carne y hueso y es la primera vez en su vida
que ha interpretado a alguien que no era estadounidense y sólo habla un
idioma extranjero. Yo creo que no podía ser otro más que Tom, él es el
único actor norteamericano importante capaz de representar algo así.
Además, creo que ha demostrado una enorme generosidad con el
personaje de Viktor Navorski, la misma a la que ya nos tiene
acostumbrados a todos. Ahora bien, dicho esto, l personaje es al 100% una
creación original de Tom.
P.- Ésta es la tercera película que rueda usted con él. ¿Todavía le
sorprende lo que hace?
R.- Me divierte. Yo me limito a sentarme delante del monitor y trato de

sofocar las risas para no echar a perder la toma que está haciendo. Me
encanta su capacidad de improvisación. Ésta es la primera película en la
que le he podido dejar que improvisara, porque las otras tenían una
estructura y un guión absolutamente rigurosos. Aquí existía la oportunidad
de que Tom tuviera algunos momentos al estilo de Jacques Tati o de
Charlie Chaplin. Una comedia de gestos, de las que recuerdan al primer
Tom Hanks, el de los tiempos de Big y Money Pit, incluso un poco al de
Forrest Gump, y Tom tenía la posibilidad de exprimir su imaginación y de
crear unos cuantos números, pero siendo al mismo tiempo capaz de utilizar
un determinado espacio y de valorarlo. Además, consigue hacerlo con ese
toque de genialidad que los actores de las películas mudas mostraban
como cosa de rutina. En fin, creo que buena parte de todo esto es algo así
como un homenaje a la forma en que se rodaban las películas del cine
mudo.
P.- ¿Hay también algo de historia de amor con el personaje de

Catherine Zeta-Jones?
R.- Es una historia de amor, pero quizá más de amistad, para mi gusto. La
película es muy romántica, creo que la más romántica que he hecho jamás.
Catherine Zeta-Jones es una guapa azafata que en su vida privada no ha
55
tenido nada de suerte con el amor y que está dispuesta a entablar

conversación con un perfecto desconocido. Por su parte, Viktor Navorski es
una persona que sabe escuchar y que siente por ella unas inmensas
compasión y ternura. En cuanto él comienza a entender las palabras que
ella emplea (porque Viktor no habla inglés nada bien la primera vez que se
encuentran), empieza también a sentir un profundo entendimiento con
ella. Es esa conexión la que se va transformando en algo cada vez más
romántico.
P.- Usted la descubrió en La máscara del zorro y ahora se ha

llegado a establecer una complicidad absoluta entre ambos...
R.- ¡Ah, sí! Yo la animé a que aceptara la experiencia de interpretar el

personaje de Alana en El Zorro. La había visto en un filme de televisión y se
la presenté al director. Siempre había querido trabajar con ella, pero las
circunstancias no eran las las adecuadas hasta que llegó esta película.
P.- Tucci está también magnífico pero, ¿cuál es la opinión que

tiene usted sobre su personaje? Yo, personalmente, me resisto a
llamarle el malo de la película…
R.- No creo que el personaje de Stanley Tucci, Dixon, sea el malo. En mi

opinión, se trata de alguien que se limita a cumplir su trabajo con absoluta
autoridad, a la vez que trata de ponerse a prueba a sí mismo porque, si
consigue demostrar su valía, va a conseguir el puesto de supremo perro
guardián de la seguridad del aeropuerto. Creo que no hace sino realizar su
trabajo con toda la diligencia que cabe exigir, sin dejar nunca de poner los
puntos sobre las «íes». Si eso le convierte en el malo de la película se debe
a que es el causante de que a Viktor Navorski se le frustre la realización de
sus sueños, y en ese sentido sí lo es. Ahora bien, no es el típico malo
sádico, sino alguien que desempeña su tarea como mejor sabe hacer. Algo
así como un obseso por el trabajo que sufre de estreñimiento.
P.- El reparto es muy conjuntado y en él pueden verse algunas

caras nuevas. ¿Cómo ha sido eso?
R.-Bueno, es que esta película habla también de todos esos empleados

invisibles que logran que las maletas se metan en los aviones y que haya
comidas a bordo, sobre los que consiguen que un aeropuerto no se
detenga ni un momento. Trata sobre los latidos que hacen que funcione la
terminal; todas esas personas se hacen rápidamente amigas de Viktor.
Actúa Diego Luna, un chico que le lleva a Viktor Navorski la comida que le
gusta; es quien le proporciona el alimento, por así decirlo. Está la oficial
Tores, interpretada por Zoe Saldana, que se ocupa de todas aquellas
personas que se ven metidas en algún follón, sea el que sea, con sus
papeles, con sus visados, con sus pasaportes, y que están a la espera de
56
conseguir la autorización o bien para entrar en los Estados Unidos o bien

para marcharse del país. El caso es que es una mujer de lo más estricta, ella
hace su trabajo y todo el mundo se pregunta si tiene corazón. Bueno, pues
vemos que lo tiene, y lo descubrimos de una manera muy hermosa, porque
Viktor se convierte en un casamentero que consigue que se establezca una
relación entre Enrique, interpretado por Diego Luna, y Tores (Zoe Saldana).
P.- Kumar hace que todo el mundo se parta de risa. ¿Dónde lo

encontró usted y qué aporta al argumento como vía de escape
cómica de las tensiones?
R.- Kumar es de lo más natural, ya sabes, como comediante supone un

auténtico huracán. Ahora bien, es así de divertido porque es auténtico,
porque interpreta a un personaje real en una historia verídica. Él cuenta las
razones por las que vino a los Estados Unidos y el miedo que le da regresar
a la India. Así será también como logre desgarrarte el corazón y, a la vez,
resultar un histérico. Es un tipo lleno de trucos, un maestro de las trampas,
que interpreta diferentes papeles simplemente para conseguir que la vida
de Viktor sea un poco más amable, al mismo tiempo que éste empieza a
pensar en un posible romance con Amelia, el personaje que encarna
Catherine Zeta-Jones.
P.- Esa familia que aparece en pantalla, ¿funcionó también como

una familia fuera de ella?
R.- Creo que eso ocurre en todas mis películas, en todas se forjan
rápidamente amistades, incluso amores en algunos casos. Establecemos
unas relaciones de gran amistad, y tengo que decir que es una de las cosas
de las que más orgulloso me siento, una familia de verdad, en la que nadie
está de más, en la que todo el mundo se siente a gusto. Yo les doy la
oportunidad de desarrollar sus personajes sin que haya muchas
interferencias por mi parte. Así que formamos una especie de compañía,
una compañía de teatro. Eso es estupendo y tengo la impresión de que es
así como se comporta el equipo, dentro y fuera de la pantalla. Éste, por
ejemplo, era un reparto internacional. He puesto el máximo cuidado en
ensayar y en desarrollar la teoría del gran crisol, esto es, la manera en que
se formaron los Estados Unidos pero que fue algo que durante muchas,
muchas décadas no habíamos tenido muy claro. Sin embargo, delante de
nuestras mismísimas narices se sigue reproduciendo ese crisol todos los
días sin excepción, en todos y cada uno de los aeropuertos internacionales
que hay en este país: se cruzan idiomas, religiones y culturas diferentes,
distintas clases de personas; en suma, si realmente alguien quiere conocer
mundo, no tiene que ir mucho más allá de la terminal de su aeropuerto
más cercano.
P.- Hablemos de la terminal como tal. Usted se ha construido
57
una...
R.- El caso es que, en un principio, yo quería rodar en un aeropuerto de

verdad, pero con las secuelas del 11 de septiembre y todas las medidas de
seguridad, francamente es imposible. Meter en un aeropuerto 125
integrantes del equipo y 1.500 extras habría interrumpido el ir y venir de
los pasajeros. Era un sueño que yo tenía pero, dicho clara y simplemente,
imposible de llevar a la práctica. Mi segundo sueño era construir una
terminal, un decorado gigantesco que haría el mismo papel que si nos
íbamos a un escenario real, y eso es algo que sí se ha hecho realidad.
P.- Lo que nos lleva a hablar de la aportación de su director

artístico, Alex McDowell…
R.- Sí, porque Alex nos regaló una idea maravillosa, una amalgama de otros
aeropuertos de todo el mundo con los que él se había formado una especie
de impresión. Así llegó e hizo su propia declaración de principios
arquitectónicos diseñando una terminal.
P.- ¿Podría hablarnos acerca de los diferentes niveles de lectura

de la película?
R.- Bueno, en primer lugar y por encima de todo, esta película es un

auténtico espectáculo. Es divertida, tiene momentos agridulces, le hace
llorar a uno y le hace reírse a carcajada limpia. Tom Hanks está
extraordinario. Jamás hasta ahora lo había visto como aquí, en donde
realmente constituye la pieza central de todo el experimento, en su doble
condición de personaje y de actor genial. En fin, que ha sido un placer
simplemente estar sentado allí delante y contemplar su manera de actuar.
Lo que ha hecho ni siquiera era un trabajo; sólo con verle, llegué a creer en
la existencia de Viktor Navorski. Ha sido uno de los grandes placeres de mi
carrera, el haber compartido esta experiencia con Tom… Me parece que no
he contestado a tu pregunta. ¿Querrías repetírmela otra vez, si no te
importa?
P.- La pregunta se refería a los diferentes niveles de lectura del

argumento y a si eso era parte del atractivo que tenía para usted.
R.- Para mí, parte del atractivo era esa especie de interrelación global de
personas de todos los países. Cuando vamos a los aeropuertos, lo primero
que hacemos, inconscientemente, es fabricarnos ideas de los demás.
Estamos pendientes de identificar a otras personas que puedan
aterrorizarnos, a gente que quizá coincida con nosotros en nuestro mismo
vuelo y que pueda causarnos miedo. Por supuesto, tenemos que estar en
guardia en todo momento y mantenernos siempre atentos y no perder
detalle de nada y de nadie, y ahora más que nunca. Sin embargo, al mismo
58
tiempo, los aeropuertos nos brindan magníficas oportunidades de poder

conocer a personas de otras culturas y de otros países, que hablan idiomas
distintos al nuestro, que son de diferente color, que profesan religiones
ajenas. Yo he pretendido que todo eso forme parte de mi película, de
manera que el fantasma de esa terminal hacia la que tenemos miedo de ir
se transforme en un lugar en el que deseamos que transcurra la espera,
incluso aunque sea una espera de cinco horas por culpa del retraso de un
vuelo. Hay fórmulas para aprovechar esas cinco horas.
P.- ¿Podríamos calificar de fábula lo que los espectadores han de

esperar de dicha historia?
R.- En parte sí que es una fábula, eso depende de lo que el público ponga
en la película. Los espectadores quieren más realidad, y en el filme la
realidad está en las palabras, en la interpretación, en el argumento, hasta
el punto de que los espectadores van a poder decir que «esto ha ocurrido
realmente». Ahora bien, si los espectadores quieren poner imaginación y
ternura... en esta película hay un delicadísimo equilibrio. Es como la
porcelana china. Si lo que los espectadores quieren es dar ese paso
adelante para internarse en el mundo de la alegoría y de la fábula, también
hay en la película materia para interpretarla de esa forma.
59

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CJS Imagen y Sonido Nº1 Cinema J Studios

Y gracias a que la luz está formada por varias longitudes de

Esto nos da la clave para entender el comportamiento de los filtros en fotografía; si

Funcionamiento de la cámara oscura

Así, las bases de la fotografía se resumen en estos cuatro puntos:

Transmisión de la luz en línea recta

Por experiencia e intercambio de impresiones con otros usuarios yo aconsejaría trabajar

EL COLOR COMO FORMA DE EXPRESIÓN

El color se abrió paso en la fotografía a comienzos del siglo XX (1903) de la mano de

Cuando se filma con la cámara

Plano general (Long shot)

dejando a unos en primer plano y a

imposible que lo pase por alto. Si se

Plano sobre el hombro:

falso, pues para realizarlo debía hacer los

Plano subjetivo o punto de vista:

Cuando se filma con la cámara en ángulo

Según el ángulo en el que se coloca la cámara en

Plano aéreo o «a vista de pájaro».

del suelo y la imagen obtenida ofrece un campo de

La cámara se puede colocar de muchas formas,

Cuando se filma con la cámara en movimiento

El cine no toma sólo imágenes. Filma sobre todo,

Movimientos externos a la cámara

FOTOGRAFÍA DEPORTIVA O DE ACCIÓN

Si quieres intentarlo tú también, te damos las claves básicas. Las

Empecemos con las distancias cortas. Puedes aplicar estos consejos en

Puedes colocarte en el margen de la carretera, enfocar hacia la acera

Si tu cámara es limitada y no puede fotografiar durante una fracción de

Y finalmente, puedes hacer un barrido. Acompañas el movimiento del

una sensación de movimiento y velocidad que puede resultar muy

En cualquier caso, si no te salen las cosas a la primera, no desesperes.

Como podréis ver en esta toma, lo que importa es seguir al sujeto,

Lo que importa es que de sensación de velocidad

Datos: Todas las fotos tomadas a mano, con el estabilizador en modo 2.

El paisaje ha sido uno de los motores de la evolución de la Historia de la fotografía. No

La fotografía de paisaje en sus inicios

Tras los primeros avances científicos en el campo de la técnica fotográfica se desarrolla

Meses después de que la fotografía se presentase públicamente un óptico llamado

De esta forma podemos comprobar que la fotografía se convierte en la gran aliada de

Íntimamente ligada a la fotografía de paisaje se desarrolla en esta época la fotografía de

El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas

Su práctica se encuentra ya en los inicios de la fotografía donde destaca la labor

El retrato coloreado tuvo mucha difusión a principio del siglo XX.

Con posterioridad el género fue evolucionando de forma paralela al devenir de la

LO QUE UN BUEN FOTÓGRAFO NECESITA

Compartir: La función principal de este servicio es compartir imágenes con todo el

Otra característica es la posibilidad de crear Grupos, los cuales

 Maestros del Web (en el cual están invitados a participar)

Pequeños detalles que lo hacen grande:

 Publicar comentarios en las fotos

¿Que hace que Flickr crezca tanto?

La mezcla de varias tendencias sociales y

Lo primero que necesitamos saber sobre el video es que se le considera la

Sin ser un camarógrafo profesional, hay algunas cosas a tener en

Cuando se hace necesario mover la cámara, esta debe moverse además de

Aquí tenéis ejemplos:

También podemos usar un Dolly:

O algo más modesto

En un extremo se coloca la cámara, y en el otro pesas para que sea más

Para video, un programa que es de pago, llamado Cyberlink PowerDirector 8 Ultra,

Teleobjetivos. Se utilizan principalmente para acercar la imagen al fotógrafo, esto es,

FOCALES FIJAS Y VARIABLES