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Recopilación escultores chilenos y extranjeros.

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Recopilacion biografia y obra escultores Chilenos y extrangeros, alumnos pedagogia y licenciatura en artes U. Autonoma de Chile sede Talca.
Recopilacion biografia y obra escultores Chilenos y extrangeros, alumnos pedagogia y licenciatura en artes U. Autonoma de Chile sede Talca.

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V1

Recopilación biografía y obra escultores Chilenos y extranjeros
Alumnos pedagogía y Licenciatura en artes Nivel100 Universidad Autónoma de Chile sede Talca.

Ximena Burón Miranda 

nacional

Ximena Burón (1951-). ( )
Ximena Burón Miranda, escultora. Nació el 20 de Octubre de 1961 en Santiago, Chile.  Estudió Licenciatura en Arte con mención en Escultura en la  Pontificia Universidad Católica de Chile, egresando en 1984.  La artista trabaja en series escultóricas modelando en arcilla y  La artista trabaja en series escultóricas modelando en arcilla y alambre para luego realizar sus figuras definitivas en hormigón.  Ha utilizado, además, el yeso, la cerámica y el bronce. Aborda la  figura humana como tema principal. Se interesa por el hombre y  la anatomía real del cuerpo como campo de investigación.  Ha trabajado piezas completas y compactas que sugieren la  Ha trabajado piezas completas y compactas que sugieren la densidad y estructura de la materia. Son seres sólidos, apegados a la tierra, incomunicados y atados. Sus planteamientos giran en  , y p g torno a la idea del paso del tiempo, la soledad y falta de  comunicación entre los seres humanos. 

En etapas posteriores ha trabajado formatos más pequeños, con  una tendencia a la abstracción y figuras mucho más solitarias,  tornándose menos corpóreas y más estilizadas y apoyándose en  tornándose menos corpóreas y más estilizadas y apoyándose en la materialidad. En su temática continúa indagando más  profundamente sobre la incomunicación humana. Su evolución  profundamente sobre la incomunicación humana. Su evolución ha dado paso a formatos medianos y figuras de hombres  idénticos reunidos en grupos, relacionados entre sí por simetría. 

ALGUNAS OBRAS:

Nombre obra: Boceto de Mujer

Nombre obra: Más allá del tiempo Nombre  obra: Más allá del tiempo  Material: Mixto Tamaño: 30 cm. de alto Año: 1985.

Iván Cabezón Cofré 

nacional

Cabezón, Iván (1955-). ( )
Iván Cabezón Cofré, nació 4 de marzo de 1955egresado de las  Escuelas de Bellas Artes de Valparaíso y Viña del Mar, mención  Escultura. Concibe su trabajo escultórico a partir de la utilización  preferente de materiales metálicos, provenientes de los deshechos  y y las sobras de objetos manufacturados que han cumplido su ciclo  j q p de uso y empleo. Al actuar así contemporiza una labor que se  asienta en plenitud en las expresiones artísticas que hacen del  residuo y la chatarra un fundamento válido de las indagaciones y  residuo y la chatarra un fundamento válido de las indagaciones y experiencias visuales que en trasfondo portan una visión crítica al  desarrollo avasallante de la tecnología y a la voracidad consumista  de las sociedades actuales . Así, resulta comprensible que sus  d l i d d t l Aí lt ibl volúmenes se inscriban en una tradición figurativa que alternados y  modificados, se conservan suficientes rasgos que hacen  reconocibles los motivos protagónicos de sus obras. Lo importante  es que además, manifiestan mensajes y contenidos que no se  angostan en la reiteración formal y conceptual que del tema hacen  angostan en la reiteración formal y conceptual que del tema hacen tantos artistas del presente.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES EXPOSICIONES INDIVIDUALES 1987‐Extraños presentimientos, Sala El Farol, Universidad de  Valparaíso. Valparaíso Extraños presentimientos, Plaza Mulato Gil de Castro, Santiago. 1994‐Si no estuvieras tú estaría el Rinoceronte, Galería  1994 Si t i tú t í l Ri t G l í Municipal, Valparaíso. 1997‐Arte‐Calle En el Cerro, esculturas en la calle Miguel Ángel,  1997 Arte Calle En el Cerro esculturas en la calle Miguel Ángel Valparaíso. 1998 Icono Clasta, 20 años de escultura, Parque de las Esculturas,  1998‐Icono Clasta 20 años de escultura Parque de las Esculturas Santiago. 2001‐Esculturas, Galería de Arte Municipal, Temuco. 00 scu tu as, Ga e a de te u c pa , e uco 2004‐Extraño Presentimientos,  Galería Municipal de Temuco  ,Aníbal  Pinto                    

2005‐Esculturas en la Intendencia de Valparaíso sala Rafael  2005 E l l I d i d V l í l R f l Aguirre                              2006 Ivan, las Esfinges y la Tormenta, Sala  El Farol Universidad  2006‐Ivan las Esfinges y la Tormenta Sala El Farol Universidad de Valparaíso

ALGUNAS OBRAS:

Nombre obra: Piernas

Nombre obra: Torso N b b T

Nombre obra: Rinoceronte

Ligia Clark  g

internacional

Lygia Clark ( g (1920-1988). )
Escultora y pintora brasileña, integrante del movimiento de  renovación artística iniciado en la década de 1940 en Minas Gerais,  ió tí ti i i i d l dé d d 1940 Mi G i que situó el arte de esta ciudad en una posición de vanguardia. Nacida en 1920 en Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil. Fallecida en  1988 en Rio de Janeiro. 1988 Ri d J i durante su estancia en Río de Janeiro, rompió los límites de la  tradición pictórica no figurativa. De este periodo son sus obras  Superficies moduladas y Contra‐relevos, expuestas en el Ministerio  f d l d l l de Cultura de Río. Paralelamente a la pintura, comenzó a trabajar  con chapas metálicas móviles, articuladas por bisagras, a las cuales  dio el nombre de bichos. di l b d bi h A los 27 años realizó estudios con el arquitecto paisajista Roberto  Burle Marx en Rio de Janeiro; 1950‐52 con Arpad Szènes y Fernand  Léger en París. 1952 Exposición de una obra abstracta en el  Lé P í 1952 E i ió d b bt t l Ministério da Educaçao e Cultura en Rio de Janeiro; 1953  Participación en al Bienal de São Paulo.

1964 miembro del  Grupo Frente&laqno;, del que surgió el movimiento  1964 i b d l G F t &l d l ió l i i t concreto en Rio de Janeiro. 1954‐58 Serie de pinturas que destacan  preocupaciones constructivistas. 1955 y 1957 participación en la Bienal de  São Paulo y en 1957 en la I Exposiçao Nacional de Arte Concreto en Rio de  Janeiro; 1959 firmante del manifiesto neo‐concreto. Después de 1959  realización de objetos, que cuentan con la activa participación del  espectador, en especial después de 1965 con happenings y performances.  1970‐75 actividad docente en la Sorbonne en Paris. Lygia Clark se transformó en uno de los principales exponentes de la  Lygia Clark se transformó en uno de los principales exponentes de la difusión de las nuevas tendencias del arte en Brasil y en el extranjero y fue  criticada por los seguidores del arte tradicional.  Entre 1953 y 1963 presentó sus obras en la Bienal de São Paulo y en el  Salón de Arte Moderno de Río de Janeiro. También expuso en Nueva York,  Venecia, París, Alemania y, en 1964, en el Festival de Arte Moderno de  América Latina en Londres.

Entre 1953 y 1963 presentó sus obras en la Bienal de São Paulo  E 1953 1963 ó b l Bi l d Sã P l y en el Salón de Arte Moderno de Río de Janeiro. También  expuso en Nueva York, Venecia, París, Alemania y, en 1964, en el  expuso en Nueva York Venecia París Alemania y en 1964 en el Festival de Arte Moderno de América Latina en Londres.

ALGUNAS OBRAS:

Nombre  obra: Bicho (Animal or  Beast). Material: Aluminio. Material: Aluminio Tamaño: 22 x 26 cm. Año: 1962.

Nombre obra: Dialogo de manos Año: 1966

ALGUNAS OBRAS:

Nombre obra: Máscaras sensoriais  Año: 1967 Año: 1967

Nombre obra:

Geometría de la esperanza p

Pedro Figari  g

internacional

Pedro Figari ( g (1861-1938). )
Pedro Figari (1861‐1938), pintor, abogado y periodista  g y , g p p p uruguayo, figura destacada de la etapa post‐impresionista en su  país, caracterizado por su carácter polifacético y su voluntad. Hijo de padres italianos, manifestó desde la niñez inclinaciones  artísticas. Nació en Montevideo el 29 de julio de 1861 Después de  concluir sus estudios de abogacía conoció al maestro  Godofredo Sommavilla, pintor italiano de formación académica  con el que estudió un tiempo. Más tarde visitó en Europa los  con el que estudió un tiempo Más tarde visitó en Europa los mayores centros artísticos, donde conoció la nueva

corriente de los impresionistas. De regreso al Uruguay, donde  en 1896 fue elegido diputado por el departamento de Rocha y  dos años después entró a formar parte del Consejo de Estado,  dos años después entró a formar parte del Consejo de Estado impulsó la creación de la Escuela de Bellas Artes. En medio de  esta polifacética actividad no abandonó la pintura ni el dibujo,  esta polifacética actividad no abandonó la pintura ni el dibujo, que fueron una dedicación permanente a través de su vida. En  1909 ingresó en el directorio de la Escuela Nacional de Artes y  Oficios, de la que llegó a ser director en 1915. En 1912 publicó  un ensayo filosófico titulado Arte, Estética, Ideal. En 1921 se trasladó a Buenos Aires, y allí dedicó cuatro años en  92 l dó i llí d di ó ñ exclusiva a la pintura para volver inmediatamente a París, donde  permaneció durante permaneció durante

nueve años y obtuvo su consagración como artista plástico. En  1933 regresó a Uruguay, donde falleció en 1938. Entre sus obras  destacan las de tradiciones criollas, como Toros o Preparando a  destacan las de tradiciones criollas como Toros o Preparando a la novia, donde consiguió plasmar con gran ritmo y vigor  cromático la memoria colectiva rioplatense. cromático la memoria colectiva rioplatense.

ALGUNAS OBRAS:

Nombre obra:Candombe. Nombre obra:Candombe Material: óleo sobre cartón.

Nombre obra: Pericón en el patio Nombre  obra: Pericón en  el patio  De la estancia. Material: óleo sobre cartón. Tamaño: 70 x 10 cm. Tamaño: 70 x 10 cm. Año: 1923.

ALGUNAS OBRAS:

Nombre obra: Cambacuá Material: óleo sobre cartón. Tamaño: 69 x 99 cm. Año: 1923. Año: 1923

Nombre obra: Cambacuá Material: óleo sobre cartón. Tamaño: 69 x 99 cm. Año: 1923.

Gian Lorenzo Bernini 

internacional clasico

Gian Lorenzo Bernini
Gian Lorenzo Bernini (1598‐1680), artista italiano, una de las  g figuras más sobresalientes del barroco. Su actividad no se reducía  a la escultura, también fue un gran arquitecto, pintor, dibujante y  escenógrafo; concibió espectáculos de fuegos artificiales, realizó  monumentos funerarios y fue autor teatral. Su arte es la  quintaesencia de la energía y solidez del barroco en su apogeo. En la E l escultura, su gran habilidad para plasmar las texturas de la  lt h bilid d l l t t d l piel o de los ropajes, así como su capacidad para reflejar la  emoción y el movimiento, eran asombrosas. Bernini introdujo  emoción y el movimiento eran asombrosas Bernini introdujo cambios en algunas manifestaciones escultóricas, como los  bustos, las fuentes y las tumbas. Su influencia fue enorme  durante los siglos XVII y XVIII, y puede comprobarse en la obra de  maestros como Pierre Puget, Pietro Bracci y Andreas Schlüter.

Muchas de M h d sus primeras esculturas estaban inspiradas en el arte  i lt t b i i d l t helenístico. En la década de 1620 son sus primeros proyectos  En la década de 1620 son sus primeros proyectos arquitectónicos, como la fachada de la iglesia de Santa Bibiana de  Roma (1624‐1626) y la creación del magnífico baldaquino (1624‐ 1633), dosel sobre el altar mayor de la basílica de San Pedro, que  1633) d l b l lt d l b íli d S P d fue un encargo del papa Urbano VIII, primero de los siete  p pontífices para los que trabajó. p q j Bernini fue el primer escultor que tuvo en cuenta el dramatismo  potencial de la luz en los grupos escultóricos. Esto se evidencia  aún más en su famoso Éxtasis de santa Teresa (1645 1652 S t ú á f É t i d t T (1645‐1652, Santa  Maria della Vittoria, Roma), donde los rayos del sol, surgidos de  , y g una fuente invisible, iluminan a la santa en trance y al ángel  sonriente que está a punto de traspasarle el corazón con una  flecha de oro.

Bernini B i i también es uno de los principales arquitectos del barroco,  bié d l i i l i d lb en abierta rivalidad con Francesco Borromini, que trabajó a sus  órdenes en el baldaquino de la basílica de San Pedro. órdenes en el baldaquino de la basílica de San Pedro Toda su vida la dedicó al trabajo y su trayectoria se caracteriza  por el gran número de proyectos que emprendió. Desarrolló su  por el gran número de proyectos que emprendió. Desarrolló su carrera casi por completo en Roma, aunque había nacido en  Nápoles el 7 de diciembre de 1598. Su padre, Pietro Bernini, un  escultor de talento del manierismo tardío, fue su primer maestro.  Sin embargo, pronto el hijo superó al padre, según señalan las  principales fuentes de información: la biografía de Filippo  principales fuentes de información: la biografía de Filippo Baldinucci (1682) y la de su hijo Domenico Bernini (1713). Bernini  se a tu o e act o p áct ca e te asta su ue te, acaec da e se mantuvo en activo prácticamente hasta su muerte, acaecida el  28 de noviembre de 1680.

ALGUNAS OBRAS:

Nombre obra: Busto de Medusa Material: Mármol. Tamaño: 68 cm.

Nombre obra: Corpus Material: Bronce. Tamaño: 174.0 cm. Año: 1650.

ALGUNAS OBRAS:

Nombre obra: Éxtasis de Santa Teresa Material: Mármol, Bronce.

Nombre obra:  Urbano VIII Urbano VIII

Gonzalo Fonseca 

nacional 

GONZALO FONSECA
1922 1997 1922‐1997

BIOGRAFIA
Nace en Montevideo, Uruguay en el año 1922. Viaja frecuentemente a Europa con su familia. A los 15 años aprende a tallar la piedra y en 1939 ingresa en la Facultad de Arquitectura de Montevideo. Deja los estudios de arquitectura en 1942 para integrar el Taller Torres-García Acompañado de un grupo de Torres-García. artistas del Taller se desplaza en 1945 a Perú y Bolivia para estudiar el arte precolombino. Realizó varios murales en cafés de Montevideo. Viajó a Europa en 1950, residió un año en Paris, M t id Vi jó E 1950 idió ñ P i donde trabaja la cerámica en el taller Savigní; en 1952 viajó a Roma donde expuso sus cerámicas. Recorrió el Cercano Oriente trabajando en excavaciones arqueológicas en Jordania, Egipto y ó Siria. En 1958 se radicó en Nueva York. A partir de 1970 pasa p parte del año en Italia, cerca de Carrara, donde trabaja en , , j esculturas de gran escala. En 1975 viajó a la India. Falleció el 11 de junio de 1997 en su taller de Pietra Santa, Italia.

Paisaje metafísico – 1961 – oleo sobre cemento y panel de madera j yp 40 x 51cms.

BUSQUEDA Y TECNICAS USQU C C S

Fonseca siempre investigando materiales, introduce en su obra el  cemento, la madera y la arcilla, con la que llegó a reproducir la  antigua técnica de la cerámica precolombina y griega. En esta obra  logra la conjunción entre la pintura, el símbolo y el objeto. Aquí se  manifiesta la semilla de su futura obra arquitectónica, tribal y  manifiesta la semilla de su futura obra arquitectónica tribal y pétrea de sus esculturas en piedra donde el artista nos transporta  a un mundo mágico, misterioso y mítico.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES
• • • • • • • • • • • • • 1994 Mundos de Gonzalo Fonseca, Museo de Bellas Artes, Caracas,  1994 M d d G l F M d B ll A t C Venezuela. 1991 Gonzalo Fonseca: Sabbakhin Sculpture, Arnold Herstand, New York. 1990 XLIV Bienal de Venecia, representante del Uruguay, Italia. 1989 Fonseca, Sculpture & Drawings, The Arts. Club of Chicago, Illinois. 1988 Gonzalo Fonseca: Sculpture & Drawings, Arnoíd Herstand, New York. 1988 Gonzalo Fonseca: Sculpture & Drawings Arnoíd Herstand New York 1986 Gonzalo Fonseca: Sculpture, Arnold Herstand, New York. 1978 Fonseca, Fiera di Bologna, Italia. 1977 Sculturi di Gonzalo Fonseca, Galería del Naviglio, Milán. 1976 Gonzalo Fonseca, Galería Adíer/ Castillo, Caracas, Venezuela. 1974 Gonzalo Fonseca, Galería Conkright, Caracas, Venezuela. 1974 Gonzalo Fonseca, Galería Conkright, Caracas, Venezuela. 1970 Gonzalo Fonseca, Recent Works, The Jewish Museum, New York. 1962 Gonzalo Fonseca, Selected Works.., The Portland Museum, Oregon. 1952 Gonzalo Fonseca Paintings, Studio Claudio Matinenghi, Roma. 1952 G l F P i i S di Cl di M i hi R

EXPOSICIONES COLECTIVAS
•1997 Una estética permanente. Siete mil años de escultura moderna. Galería Elvira González,  Madrid. •1996 The StilI Life, Cecilia deTorres, Ltd., New York. Le Cerde de Torres‐García, Zabriskíe Gallery,  Paris, Francia Constructive Universalism‐School of the South, QAS Museum of the Americas,  Washington, D.C. •1995 65 Years of Constructivist Wood, Cecilia deTorres, Ltd., New York. •1994 Torres‐García y la Escuela del Sur, Quinta Galería, Bogotá, Colombia. •1993 Latín American Artists of the 2Oth Century, MOMA, NewYork; Centre Georges Pompidou,  Paris, Francia, Ludwig Musem, Dusseldorf, Alemania. •El Taller Torres‐García The School of the South Museo Reina Sofía Madrid El Taller Torres García, The School of the South, Museo Reina Sofía, Madrid. •1991 Archer M. Huntington Art Gallery, Austín,Texas; Museo de Monterrey, México; Museo  Rufino Tamayo, México DF; The Bronx Museum, New York. •1990 ‐ 1988 The Latin American Spirit: Art and Artists in the U.S.,1920‐1970, Center for the Arts,  Vero Beach, FI.; lnst. of Culture, San Juan, Puerto Rico; El Paso Museum of Art, Texas; The Bronx  Vero Beach FI ; lnst of Culture San Juan Puerto Rico; El Paso Museum of Art Texas; The Bronx Museum, New York. •1970 Universalismo Constructivo, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires. •1960 4 Constructivist works of the TTG, The New School, New York. •1956 Jonges Schiders uit Uruguay, Stedelijk Museum, Amsterdam. Exposición de Arte Plástico,  1956 J S hid it U St d lijk M A t d E i ió d A t Plá ti Museo San Martin‐Artigas, Buenos Aires. •1954 Bienal de Arte, Sáo Paulo, Brazíl (Delegación Uruguaya). •1950 Torres‐García & his Workshop, QAS Museum, Washington, D.C. •1946 Arte de América, Maison de l'Améríque, Paris. •1949‐43 TTG exhíbitions en Uruguay, Argentina, Francia, Italia, EE. UU.

Alonso Berruguete  g

internacional 

ALONSO BERRUGUETE
1488 1561 1488‐1561

BIOGRAFIA búsqueda y técnicas
Nació en Paredes de Nava, provincia de Palencia, y se formó junto a su padre, el  también pintor Pedro Berruguete, y más tarde en Florencia, donde entró en  contacto con el manierismo italiano de la mano de Miguel Ángel. En las obras  de esa época ya se aprecia un gusto por el dramatismo y la exaltación de los  sentimientos que, sin romper con el ideal de belleza renacentista, ya anticipa  el barroco. De regreso a España en 1520 disfrutó de una fama superior a la de  todos los artistas de su generación. En 1523 Carlos I le nombró pintor y  escultor de la corte.  Su estilo se caracteriza por el movimiento dramático de los personajes,  Su estilo se caracteriza por el movimiento dramático de los personajes, descuidando a veces la factura técnica. Dentro de su producción abundan los  retablos y las sillerías de coro, como la realizada para la catedral de Toledo  (1539 1548), donde labra sobre el nogal, sin policromía alguna, una  (1539‐1548), donde labra sobre el nogal, sin policromía alguna, una maravillosa galería de figuras de profetas y santos en actitudes variadísimas y  animados de intensa vida interior. También para este templo realiza los  relieves policromados de la silla arzobispal y la Transfiguración del remate.  relieves policromados de la silla arzobispal y la Transfiguración del remate.

OBRAS
• Otras obras maestras son los retablos de Mejorada de Olmedo (1526), el  b l bl d d d l d ( ) l de San Benito de Valladolid (1526‐1532, actualmente en el Museo  Nacional de Escultura de Valladolid), en el que se representan en relieve  escenas de los benedictinos y de la vida de Cristo, y el de la Adoración de  los Magos (1537), también en Valladolid. Dentro de su producción  escultórica destaca la que fue su última obra, el sepulcro del cardenal  q , p Tavera, en el hospital de Afuera, Toledo, donde llama la atención el  realismo con que trata el rostro del difunto. También es obra suya la  Transfiguración de la iglesia del Salvador en Úbeda (Jaén) destruida de la iglesia del Salvador en Úbeda (Jaén), destruida  durante la Guerra Civil española, inspirada en la de Toledo. 

Estatua de Alonso Berruguete (h.1490–1561) junto a la entrada del Museo Arqueológico Nacional de España, en Madrid. Esculpida en mármol blanco de q g p , p Italia por José Alcoverro y Amorós (1835–1910) en 1892.

ARTISTAS ASOCIADOS ARTISTAS ASOCIADOS
Después d trabajar, asociado con Felipe Vigarny, en Zaragoza y é de b d l Huesca, donde su arte influyó en el de Damián Forment, proyectó varios retablos para la Capilla Real de Granada. Fijó en Valladolid su residencia en 1523, ciudad en la que fundó su taller, y se dedicó a la talla de retablos e imágenes. Una de sus primeras obras importantes en esta ciudad fue el retablo i b i t t t i d df l t bl de San Benito, en el que se acusa su vigoroso realismo con toda su grandeza. En 1539 comenzó la talla de la sillería del g coro de la Catedral de Toledo, otra de sus obras culminantes. Su última obra fue el sepulcro del cardenal Tavera en Toledo, que la muerte le privó de terminar. terminar

Mathias Goeritz 

internacional 

MATHIAS GOERITZ
1915 1990 1915‐1990

BIOGRAFIA
Nació en Danzig (actual Gdansk) y pasó su infancia y juventud en Berlín,  donde realizó estudios de pintura, historia del arte y filosofía. Tras la  implantación del nacionalsocialismo, en 1936 abandona Alemania, e inicia  un viaje por Europa y el norte de África. La pintura de su primera etapa  i j E l t d Áf i L i t d i t está marcada por la guerra y en ella se acusa la influencia de los grupos  expresionistas alemanes Die Brücke y Der Blaue Reiter. En 1941 viaja por  Marruecos y en 1946 expone en Madrid junto con Miró, Ángel Ferrant y  Marruecos y en 1946 expone en Madrid junto con Miró Ángel Ferrant y otros artistas vanguardistas. En 1949 crea la Escuela de Altamira, en  Santillana del Mar (Santander); su estilo evoluciona entonces hacia la  abstracción, marcada por su relación con Miró y las pinturas rupestres de  abstracción marcada por su relación con Miró y las pinturas rupestres de Altamira. Después de tres años, y al no renovársele el permiso de residencia,  Después de tres años y al no renovársele el permiso de residencia marcha a México, donde es contratado como profesor de historia del arte  por la Escuela de Arquitectura de Guadalajara. En esta universidad crea un  taller de diseño en el que difunde las enseñanzas de la Bauhaus.  taller de diseño en el que difunde las enseñanzas de la Bauhaus.

Pasados cinco años, es contratado por la Universidad Nacional Autónoma de México  para dirigir un Taller de Educación Visual, y más tarde la Universidad Iberoamericana le  encomienda la creación de la Escuela de Artes Plásticas. Desde entonces su influencia  encomienda la creación de la Escuela de Artes Plásticas Desde entonces su influencia fue notable en la plástica contemporánea. México se abría a la modernidad y gracias a  él se exponía por primera vez la obra de Paul Klee y Henry Moore. Es ahora cuando  Goeritz alterna la pintura con la escultura, que se convierte en el fundamento de su  Goeritz alterna la pintura con la escultura que se convierte en el fundamento de su creación. En este campo evoluciona desde el expresionismo a la abstracción (La mujer  de cinco caras, 1950; Animales heridos, 1951; La serpiente, 1953). De toda su obra arquitectónica quizás la más compleja e interesante, como califica el  propio artista, sea El laberinto (1980, Centro Comunitario Alejandro y Lily Saltiel de  Jerusalén), edificio carente de ventanas, de gran fortaleza y cuya luz se introduce a  ), , g y y través de amplias terrazas. Si en pintura está influenciado por el expresionismo  alemán, en escultura y arquitectura desarrolla un estilo marcado por la pureza de  diseño y la integración plástica espacial, como medio de elevar el nivel espiritual de la  diseño y la integración plástica espacial como medio de elevar el nivel espiritual de la sociedad. Murió en 1990 en la ciudad de México.

OBRAS
• Entre sus obras destaca el Museo El Eco, inaugurado en 1953 en Ciudad de  Entre sus obras destaca el Museo El Eco inaugurado en 1953 en Ciudad de México. Este museo albergaba obras importantes como La serpiente, una  escultura de Goeritz que actualmente se encuentra en el Museo de arte  , y y moderno de la Ciudad de México. En el 2005, El Eco fue restaurado y hoy  funciona nuevamente como museo. En 1958, en colaboración con el arquitecto Mario Pani y el pintor Jesús  Reyes Ferreira, luego de un viaje con Justino Fernández a San Gimigniano,  Italia, realizó su obra maestra las Torres de Satélite, inauguradas en marzo  l l ó b l d él d de 1958 como emblema de la nueva Ciudad Satélite. Goeritz promovió la creación de la Ruta de la amistad en el Anillo  Periférico de la Ciudad de México con motivo de las Juegos Olímpicos de de la Ciudad de México con motivo de las Juegos Olímpicos de  1968. El 8 de febrero de 1982 inauguró su escultura Las Torres en la  Facultad de Estudios Superiores Aragón, UNAM. Colaboró con Luis  g y Barragán en el diseño de las Torres de Satélite en la Ciudad de México y la  colonia Jardines del Bosque en Guadalajara. Murió el 4 de agosto de 1990,  a los 75 años de edad en la Ciudad de México.

Mathias Goeritz ‐ Torres de Temixco ‐ 1957‐58 5 Triangular columns of  different dimensions: 14ft, 15.8ft 11.9ft 13.8ft 12.5ft ‐ 1 square column ‐ 13.3ft 1 circular column 13.3 ft. 13 3ft 1 circular column 13 3 ft

Julio le Parc

internacional 

Julio le parc Julio le parc
Julio Le Parc (Mendoza‐1928). Escultor y pintor  Julio Le Parc (Mendoza 1928) Escultor y pintor argentino. Nacido en la ciudad de Mendoza en 1928. Durante el  año 1942 junto a su familia se mudó a la ciudad de  año 1942 junto a su familia se mudó a la ciudad de Buenos Aires, en 1943 ingresó a la Escuela Nacional de  Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón aunque la  abandonó al año siguiente; en el interín pudo  abandonó al año siguiente; en el interín pudo observar los murales que Antonio Berni, Juan Carlos  Castagnino, Manuel Colmeiro Guimarás, Lino Enea  Spilimbergo y Demetrio Urruchúa realizaban para las  p g y p Galerías Pacífico en pleno microcentro de la ciudad  porteña, por el planteo de tales murales llegó a la  p p intuición de la importancia del "espectador".

Obra:

Autor: JULIO LE PARC Descripción de la obra: Acrílico sobre tela, firmado en el dorso, y fechado, 1974 París Recientemente, en el celebrado Museo Daros, Zurich, tuvo lugar una exposición de obras cinéticas hechas por Julio Le Parc en las décadas de 1960 y 1970. En el caso de esta obra se trataa de una pieza de gran valor histórico y una de las obras importantes del maestro. Procedencía: Galería René Métras, Colección particular, Barcelona Medidas: Medidas: 50 x 150 cms

Obras de julio le parc

Esculturas de Palma Título: Sin título  Autor: Julio Le Parc . Fecha: 1999  Material: Mármol de Carrara  Dimensiones: 300 * 50 * 117 cm  Localización: Paseo de Sagrera 

Julio Le Parc, ARGENTINA ‐ 1928 8/ |Refief 3‐3846. 1970 Múltiple ejemplar 24/200 41 x 41 x 5 cms. 

Obra: Autor: JULIO LE PARC (Argentina, 1928, vive y trabaja en París) Descripción de la obra: Oleo sobre lienzo. Firmado y fechado 1983 al dorso. Medidas: Medidas: 78 x 78 cms

RobertoMatta 

nacional 

Roberto matta R b
Pintor chileno. Nació en Santiago el 11 de noviembre de 1911 y murió en Tarquinia, Italia en el año 2002. La obra de este connotado artista se extiende d d l años t i t ti d desde los ñ treinta hasta hoy. Fue partícipe y renovador del surrealismo y personaje decisivo en el grupo de artistas del expresionismo abstracto de los años 40.

Homosmusa, 1992 Cerámica policromada 46 cm. alto x 34 cm. diámetro 

Con una gran muestra en el Museo de Artes Visuales la Fundación Cultural Plaza Visuales, Mulato Gil de Castro le rinde un sentido homenaje a quien fuera uno de los artistas más gravitantes de la plástica del siglo XX XX, Roberto Matta.

Sergio Castillo  g

nacional 

SERGIOCASTILLO
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Sergio Castillo, escultor, nació en Santiago el 13 de mayo de 1925.  Realiza obras trabajando directamente sobre el metal, el que rescata de  Realiza obras trabajando directamente sobre el metal el que rescata de desechos varios; mediante el uso de sopletes y soldaduras, une aquellos  p q g restos encontrados en una nueva composición, que integra las formas  originales de cada pieza. 

Recibió el Premio Nacional de Arte (1997), el que dio la coronación a  Recibió el Premio Nacional de Arte (1997) el que dio la coronación a otras distinciones previas. 

Vida
Sergio Castillo, escultor, nació en Santiago el 13 de mayo de 1925.  En 1942 ingresó a la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica,  permaneciendo en ella durante dos años.  En 1948 viajó a París y siguió cursos de pintura en la Escuela de Bellas  E 1948 i jó P í i ió d i t l E l d B ll Artes y en la Academia Julien.  De regreso a Chile se matriculó en la Facultad de Artes de la Universidad  De regreso a Chile se matriculó en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, donde tuvo como maestras a Lily Garafulic y Marta Colvin.  En 1956 y durante un año, Estudió en la Art Student Ligue de New York.  Desde 1967 ejerció la docencia en la Universidad de Chile, y en 1985  formó parte del profesorado de la Universidad de Boston, en EE. UU,  donde dictó un taller de Escultura di t d d di tó t ll d E lt directa en Metal.  M t l Divide su tiempo viajando entre Europa, EE. UU y Latinoamérica. 

Trayectoria y
Sergio Castillo realiza obras trabajando directamente sobre el metal, el que rescata de  desechos varios; mediante el uso de sopletes y soldaduras, une aquellos restos  d h i di t l d l t ld d ll t encontrados en una nueva composición, que integra las formas originales de cada  pieza.  Como acabado de estas estructuras, pátinas, pulidos y óxidos son sus preferencias.  Ligado al Constructivismo, la estética de sus módulos mantiene un carácter rudo y  elemental, pues la forma se apoya en buena medida en la tosquedad de los materiales  empleados. Sus trabajos, destinados en gran parte a espacios públicos, se basan en investigaciones  j , g p p p , g formales propias de la escultura: ritmo, tensión, dirección y dinamismo, son principios  de la organización visual que Castillo explora.  Sin embargo, en obras de menor formato, desarrolladas para ámbitos cerrados, integra  Sin embargo en obras de menor formato desarrolladas para ámbitos cerrados integra la dimensión figurativa, a través, principalmente, del cuerpo femenino, expresado Más  emotivamente y con menos raciocinio que en las deMás producciones.  El volumen es trabajado con características eróticas, enfatizando con gran acento el  El volumen es trabajado con características eróticas enfatizando con gran acento el tema de la sexualidad humana. 

Aportes

Sergio Castillo recibió el Premio Nacional de Arte (1997), el que dio la coronación a  Sergio Castillo recibió el Premio Nacional de Arte (1997) el que dio la coronación a otras distinciones previas, como el Primer Premio en el Salón de la Universidad de  Chile (1955), el Premio Nicanor Plaza (1965), el Primer Premio de Escultura en el LXXVI  Salón Oficial (1966), el Premio Alcobendas de Escultura, España (1980) y el Primer  Salón Oficial (1966) el Premio Alcobendas de Escultura España (1980) y el Primer Lugar en el Concurso de Esculturas en Acero organizado por CAP y la Municipalidad de  Valparaíso (1991) Recibió la Beca Fullbright como profesor de la Universidad de  Berkeley, California (1968) Fue nombrado Miembro de Numero de la Academia  f ( ) Chilena de Bellas Artes del Instituto de Chile (1995)  Ha participado en numerosas muestras individuales y colectivas tanto en Chile como  en EE. UU, México, Puerto Rico y Francia, entre otros.  Varias de sus obras forman parte de colecciones de museos y galerías de varios países;  muchas, también, ocupan edificios, parques y otros espacios públicos a lo largo de  , , p ,p q y p p g todo Chile y en otras partes del mundo.

Erupción
Autor: Sergio Castillo Técnica: Escultura en hierro soldado Técnica Escultura en hierro soldado Colección: Museo de Artes Visuales

Sergio Castillo posee una extensa obra que tiene como particularidad el ensamblaje de  materiales industriales. El modo de trabajarlos es tosco ya que el artista privilegia el contenido  lógico de la escultura, es decir, los principios básicos de toda figura tridimensional: tensión,  g p p g movimiento, equilibrio. Dentro de estos principios, que tomados del constructivismo de los años  20, la tensión es uno de los más presentes ya que el trabajo de Castillo es la relación de  pequeñas unidades que se relacionan en un todo. También se caracteriza por el gran formato y  la escultura de espacios públicos donde se muestra absolutamente abstracto. En las figuras  pequeñas hace la inclusión de la figuración en especial el de la figura femenina. En el año 1997  obtuvo el Premio Nacional de Arte.

Hélio Oiticica 

internacional 

Helio Oiticica

Hélio Oiticica nació en Rio de Janeiro en 1937(1937‐1980), hijo de un entomólogo que  era asimismo fotógrafo y pintor, y nieto de un filólogo y dirigente anarquista. A pesar de  ser muy conocido en Brasil, Oiticica sólo ahora ha empezado a ser gradualmente  reconocido a nivel internacional como uno de los artistas más profundos y aventureros  de estos últimos tiempos.

VIDA

(Río de Janeiro, 1937 - 1980) Artista brasileño asociado a la tendencia neoconcretista. En 1954 estudió en la Escuela del Museo de Arte Moderno de su ciudad y conoció los escritos de Nietzsche, Kant y Heidegger. Atraído por el movimiento constructivista, entró en el Grupo Frente y, en 1959, en el Grupo Neoconcreto. Participó en la Bienales de Sao Paulo de 1957 y 1959 y expuso en la Whitechapel de Londres de 1969. En E 1959 comenzó a realizar obras en tres dimensiones e hizo las series ó li b t di i hi l i Relieve Espacial y Núcleo, con planos dispuestos en varios ángulos que incorporaban el espacio como parte integral de la obra. En los años sesenta la serie Bólides supuso un intento de dar una estructura original al color e incluía cajas de vidrio que contenían tierras y pigmentos

TRAYECTORIA

Producto de la brillante explosión de la actividad artística que tuvo lugar en Brasil  durante los años cincuenta y sesenta, que abarcó música, cine, arquitectura, poesía y  durante los años cincuenta y sesenta que abarcó música cine arquitectura poesía y artes visuales, Oiticica adoptó una postura avanzada con sus innovadores Bólidos,  Penetrables y Parangolés a mediados de los sesenta. Más tarde pasó temporadas en  Londres y Nueva York antes de volver a Brasil, donde murió en 1980 a la edad de 43  d k d l l d d ó l d dd años.

Aura Castro 

nacional 

AURA CASTRO:

Aura Castro escultora nació en Castro, escultora, Santiago en 1946. Entre 1966 y 1969 Estudió las técnicas del esmalte sobre metales y orfebrería, en la Escuela de Artes Aplicadas de la Uni ersidad de Universidad Chile. Aura Castro realiza su trabajo utilizando la fundición del aluminio y el b l bronce, así como l t ll en piedra y í la talla i d mármol, entre otras técnicas. Un material predilecto de Castro es el cartón piedra. En 1980 recibió la Beca Amigos del Arte. Ha expuesto tanto en Chile como en el extranjero, en muestras colectivas e individuales. Realizó otros estudios de fundición a la tierra y a la cera perdida, serigrafía y grabado sobre metal, cursos con los que pudo acceder al cargo de profesora en la Universidad de Chile.

Obra sin titulo de Aura Castro

Escultura Piquero

Entre otros, Aura Castro ha  recibido el Primer Premio de  Escultura, en el Salón de Ñuñoa  (1976), el Primer Premio de  ( ) Escultura, en el Centenario del  Museo Nacional de Bellas Artes  (1980) y el Premio de Adquisición  (1980) l P i d Ad i i ió VIII Bienal Internacional del  Deporte en las Bellas Artes,  Madrid (1982).                          Tres  Madrid (1982) Tres obras suyas forman parte de la  colección del Museo Nacional de  Bellas Artes:  Idolo Ancestral Bellas Artes: "Idolo Ancestral",  "Idolo Ancestral II" y "Maja". En  1980 recibió la Beca Amigos del  Arte.                                            Ha  Arte. Ha expuesto tanto en Chile como en  el extranjero, en muestras  colectivas e individuales.

Significado de las tecnicas que utiliza Aura Castro

Escultura Milenium Mileni m

Pasta vítrea brillante y vítrea, dura, que se obtiene mediante fusión, a más de 700¼ de temperatura de temperatura, polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal. Los tipos de esmalte sobre metal se clasifican de la siguiente g manera: 1.- Cloisonné, que consiste en colocar el polvo de vidrio entre las líneas metálicas que constituyen un dibujo p previo, , p para p proceder después a su fusión.

2.‐ Champlevé, que se diferencia de  la técnica anterior en que las  la técnica anterior en que las superficies a esmaltar se obtienen  vaciando el fondo del metal, ya sea  mediante un buril o una ácido.  mediante un buril o una ácido. Después se procede a su pulimento  para que metal y esmalte tengan el  mismo nivel. 3.‐ Pintado, que como su nombre  indica, es el pintado con un pincel.  Para fijar la pintura, se introduce en  Para fijar la pintura, se introduce en el horno a una temperatura  adecuada, a fin de que no se funda  el esmalte. Orfismo : de Orfeo Corriente  religiosa de la antigua Grecia,  relacionada con Orfeo, maestro de  relacionada con Orfeo, maestro de los encantamientos/ Nombre dado  por Apollinaire, en 1912, a una  tendencia del cubismo que exalta el  q color y la luz.

Aura Castro Marmol

Francisca Cerda 

nacional 

FRANCISCA CERDA:

Francisca Cerda, escultora, nació en Santiago el 3 de abril de 1943. Estudió en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, entre los años 1961 y 1965, licenciándose con mención en escultura; en 1969 viajó a París para estudiar Historia del Arte en la Escuela del Louvre. Volvió a Chile para perfeccionarse en su área plástica, plástica estudiando en la Universidad Católica entre 1971 y 1972. A partir de 1974 se desempeñó como ayudante de la Cátedra de Escultura en la Universidad de Chile, ejerciendo tal labor durante seis años. Entre 1979 y 1984 fue profesora en el Instituto de Arte Contemporáneo; d d 1982 y d C t á desde durante t casi diez años, impartió clases de escultura y cerámica en su propio taller. Abandonó tal actividad el año 1991, para p estudiar en la Escuela de Artes de Wimbledon, en Inglaterra, gracias a una beca otorgada por el British Council.

Mujer Subiendo

Francisca Cerda Serámica

Actualmente es docente en la Facultad de Artes de la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación. Francisca Cerda experimenta y crea utilizando un amplio espectro de materiales tales materiales, como bronce, greda, fibra de vidrio, cemento o plumavit. Tal diversidad de materias es acorde a los distintos temas que ha desarrollado a lo largo de su producción: en una primera etapa distinguimos un estilo abstracto que guarda relación con las formas orgánicas, orgánicas sobre todo con las líneas de todo, piedras y semillas. Luego la escultora evolucionó hacia unas obras figurativas que se convirtieron en su sello Má ll Más característico; mujeres t í ti j rechonchas de tranquilo aspecto, trabajadas naturalmente en formas cóncavas, con líneas que tienden fuertemente a l redondez y l f la d d la simplicidad.

Estas representaciones del cuerpo femenino presentan una textura agradable y limpia, que se equilibra en g p ,q q su liviandad con la solidez del material y los ejes de dirección, que tienden tanto a la horizontalidad como a la verticalidad ti lid d descendente. d d t Posteriormente, en su creación se materializó el dolor y el sufrimiento mediante objetos violentados, y muros j , en que aparecen seres sin identificación posible, que intentan salir del anonimato de modo desesperado. En l último ti E el últi tiempo, l artista volvió a la ti t l ió un tema Más calmo, la pareja y el amor: en fibrocemento, modeló en relieve a un hombre y una mujer, sobre tubos que j , q giran lentamente uno frente al otro produciendo sucesivos encuentros y desencuentros.

Francisca Cerda ha recibido, entre otras, las siguientes distinciones: Primer Premio Concurso Monumento al Presidente Jorge Alessandri (1993), Primer Premio Concurso Hitos Territoriales, organizado por el Ministerio de Obras Públicas (1994) (1994), Primer Premio Concurso 'Una Escultura para el Padre Hurtado'(1995). Ha realizado numerosas muestras individuales a lo largo de todo Chile, y también en Venezuela y EE.UU. Dentro de las exposiciones colectivas en la que su obra ha sido incluida incluida, mencionamos "El Bronce en la Escultura Chilena" (1998) El MNBA adquirió su obra "Sin Título" realizada en fibra de vidrio. La empresa de Correos de Chile emitió un sello postal con su obra "Amistad".

Alejandro Otero  j

internacional 

ALEJANDRO OTERO: ALEJANDRO OTERO:

El 13 de agosto de 1990 muere en Caracas el notable pintor guayanés Alejandro Otero. Nace en El Manteco, el 7 de marzo de 1921,el pintor Alejandro Otero.Llega a Caracas en 1938 donde prosigue sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas (1939‐1945). Desde 1945, en que viaja a París su vida se desarrolla por París, temporadas entre la capital francesa y Caracas. Cursó sus estudios en la Escuela de Altos Estudios de La Sorbona de París. En Francia vivió desde 1945 a 1949. Concluido su periodo de formación, los viajes a Europa le hacen encontrarse con el arte "de todos los tiempos". Es en estos p años cuando pinta la serie Cafeteras (objetos cotidianos, sintetizados en líneas y planos).Allí formó parte del grupo de artistas venezolanos «Los Disidentes», que rompió con la tradición figurativa.

Alejandro Otero Un par de turbinas gemelas de 53 metros de ancho giran al viento en dirección opuesta.

Abandonó la pintura en sí para dedicarse a un arte abstracto-geométrico. Después de sus colorritmos (profundización en los problemas de la luz y el espacio a través de tablones alargados atravesados de un lado a otro por bandas paralelas) en 1955, que le dieron mucha fama al presentarlos en el Museo d Bellas A de ll Artes d C de Caracas. A partir de ese año, alterna la pintura con proyectos arquitectónicos (Ciudad Universitaria de Caracas, murales de mosaico y aluminio, y vitrales). En 1958 le es concedido el Premio Nacional de Pintura por uno de sus "colorritmos", con lo que consigue el reconocimiento oficial a sus innovaciones estéticas. En 1961 inicia otra etapa con sus ciclos de relieves blancos y monocromos (Pincel y cuadrado blanco), blanco) que es seguida por la llamada serie de papeles coloreados (intensos collages de espíritu pop con objetos tecnológicos pegados; Bonjour M. Braque). )

Sus experimentos se suceden y en 1967 reaparece su interés por la construcción de máquinas artísticas y lúdicas (Vertical vibrante oro y plata, Noria hidrocromática o Torre acuática). A partir de este momento, su obra es una constante búsqueda de nuevas formas de expresión expresión, sobre todo en el campo de la escultura. (Delta solar y Estructura solar, 1977; Aguja solar, 1982). Otero eliminó de su pintura el color, el sujeto y l f i l l l j la forma. A í Aquí vemos como pasó por varias etapas en que ensayaba con collages y con objetos en relieve. El mismo Otero explica que para entender su propia pintura tuvo que aprender escultura. Sus numerosas exposiciones en Venezuela y en el exterior lo convirtieron en un artista Internacional, galardonado en varias oportunidades.

• El arte cinético es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o que parecen tenerlo. El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Esta principalmente representado en el t d l campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras

EDUARDO RAMÍREZ VILLAMIZAR 

internacional 

EDUARDO RAMÍREZ VILLAMIZAR:

Eduardo Ramírez Villamizar Ed d R í Vill i Escultura en acero

Madera pintada p

Nacido en la ciudad de Pamplona, en 1923, Ramírez Villamizar parecía estar destinado a la arquitectura, carrera que inició en q , q 1940 en la Universidad Nacional, en Santafé de Bogotá. Después de algunos semestres, el artista eligió el camino de las Bellas Artes y como ya se ha indicado y, indicado, comenzó a participar con regularidad en la actividad artística de la capital de Colombia.El inicio de la década, un momento importante para s desarrollo lo su desarrollo, representa el viaje a Francia efectuado en 1950. Allí permanece hasta 1952. Tienen lugar continuos viajes a Nueva York, París, Madrid y Roma, a veces con motivo de presentaciones, hasta que en 1957 acepta dictar clases en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá. En este g mismo año aparecen los primeros relieves, usualmente blancos, algunos de ellos con reminiscencias de la obra de Anthnoy Caro, Caro pero también con una marcada orientación arquitectónica espacial. En general la obra de Ramírez Villamizar exuda un carácter arquitectónico inconfundible, inconf ndible como lo indica la pie a pieza Arquitectura Vertical Inclinada, realizada en 1995 y aquí presente.

Le han sido concedidas varias distinciones distinciones, entre ellas, el premio Guggenheim por Colombia en 1958, y al año siguiente el primer premio de pintura en el XII Salón de Artistas Colombianos. E el mismo año, d A ti t C l bi En l i ñ Ramírez Villamizar representa a Colombia en la V Bienal de São Paulo junto con otros artistas entre los cuales se incluyen Obregón y Wiedemann, y en la exposición "South American Art Today" del Museo de Dallas, en compañía de Alejandro Obregón, Grau y Negret, además de g , g , Fernando Botero quien, nueve años más joven que Ramírez Villamizar, es otra estrella ascendente en el panorama del arte colombiano del momento momento.

Pero indudablemente el hecho más importante en la carrera de Ramírez Villamizar lo representa su ingreso a la escultura, refrendado en 1958 por la comisión de un mural para el Banco de Bogotá. E su solución, el artista realizó B tá En l ió l ti t li ó una ingeniosa y sensible combinación entre elementos de estructura geométrica con marcada impronta precolombina diseñados por él mismo, y la magnificencia espacial y textural de los altares barrocos propios de la arquitectura colonial hispanocolombiana. La obra fue construida en madera, recubierta con hoja de oro. El resultado fue un relieve espectacular que, gracias al talento innovador de Ramírez Villamizar, Villamizar permitía observar la contraposición de elementos del pasado artístico colombiano con un lenguaje totalmente contemporáneo.

Desde los años sesenta y todavía, Negret y Ramírez Villamizar lideran sin oposición la escena artística de Colombia en lo que se refiere a l escultura. N fi la l Negret recibió en ibió 1963 el premio de escultura en el XV Salón Nacional de Artistas, y en 1966, el mismo premio fue concedido a Ramírez Villamizar en el XVII Salón. Como Obregón antes que él, Villamizar representó en 1969 a Colombia en la X Bienal de São Paulo con una sala entera, y e a au o co u a sa a e te a, allí recibió el segundo premio de escultura concedido en la sección internacional.

Filippo Brunelleschi  pp

clasico

Filippo di Ser Brunellesco Lippi:

Cúpula de la Catedral de Florencia

Arquitecto, escultor y orfebre contemporáneo de Leon Battista Alberti, Ghiberti, Donatello y Masaccio. Decidido D idid a ganarse l vida como escultor, la id lt participó en un concurso que consistía en realizar las puertas del Baptisterio de Florencia en 1401, en el cual se tenía que representar el sacrificio de Isaac en un marco poli lobulado; tenía que aparecer Abrahám, Isaac, un ángel, dos sirvientes con un asno, leña y un cordero o una , oveja. Quedó en segundo lugar, por no ceñirse a las bases y hacer un altar que parece estar llevado por el asno, además, el rostro de Abrahám aparecía con expresión irritada; este hecho hizo que se inclinase por la arquitectura en exclusiva. Fue conocido, sobre todo, por su trabajo en l cúpula d l catedral d Fl la ú l de la t d l de Florencia Il i Duomo, como también por haber descubierto la perspectiva en la pintura.

Filippo Brunelleschi fue el arquitecto más importante del siglo XV en Italia y verdadero emblema del nacimiento de la erdadero arquitectura renacentista. Fue un artista muy prolífico que desarrolló su trabajo en Florencia. Como otros genios del Renacimiento, Brunelleschi practicó otras artes, como, por ejemplo, la escultura. En el plano de la arquitectura, p q , Brunelleschi investigó los viejos edificios del clasicismo romano levantando planos, plantas y alzados, obsesionado por representar la arquitectura tridimensionalmente. Su mayor gloria es que, ya en la primera mitad del siglo XV, dejará sentadas las características esenciales de la arq itect ra h manista arquitectura humanista del Renacimiento italiano.

Sus obras más notables son: Cúpula de la Catedral de Florencia o Santa María de las Flores. Es su obra más famosa. Esta enorme cúpula no sólo destaca sobre el conjunto de la iglesia sino que es una referencia visual en toda la ciudad de Florencia. La catedral de Florencia es gótica y fue realizada por Arnolfo di Cambio, pero estaba sin concluir pues se encontraba sin abovedar el crucero.

Catedral de Florencia

Obras:
• Basílica de Lorenzo Florencia • Palacio Pitti • Fachada Hospital de Inocentes • Capilla Pazzi San de

del los

Sergio Cerón g

Sergio Cerón nació en Santiago Sa tia de Chile el 27 de N vie b e Noviembre de 1961. En su infancia era bastante observador, le encantaba realizar mapas y cuestionarse el como representar el movimiento d l mar. Y en t i i t del Ya tercer año ñ medio comenzó a nacer en el un cierto interés por el arte, había adquirido una faceta de dibujo, le gustaba copiar fotos j p y realizaba reproducciones con un i b d i excelente manejo tanto gráfico como valórico. uego Luego de haber rendido la prueba de aptitud académica decidió entrar a Inacap, en donde estudió dibujo técnico en estructuras. Maravillado con su talento, en 1982 ingresó a la carrera de Licenciatura en Artes Plásticas con mención en Escultura en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Desde sus primeros años en está universidad se rebelo contra las formalidades p de la escultura considerándose como "un pensador de la escultura a partir de la articulación de los sistemas". En el año 1985 se licenció en dicha carrera, obteniendo la distinción máxima. Paralelamente a esto, cursó la mención en Orfebrería en la misma universidad, egresando el año 1986.

Dentro de sus exposiciones individuales se encuentran: 1988 "Montaje y Encaje Escultórico". Galería Espacio Cal. Santiago, Chile. 1990 "Abertura 8" . Galería Nexo. Santiago. Chile 1992 "Escultura en Verano". Plaza Mulato Gil de Castro. Santiago, Chile 1997 "Tocando Fondo" Sala Parque de las Esculturas. Santiago, Chile 1998 "Recapitular". Sala Casa Roja. Santiago, Chile. i j i i 1998 "Opuestos". Sala Juan Egenau. Universidad de Chile. Santiago. 1999 "+ Por - " Sala Amigos del Arte. Santiago, Chile. 1999 999 "Marcando Rumbo". G l í Sagal. E "M d b " Galería S l Essen . Al Alemania. i 1999 "Marcando Rumbo". Salón de Eventos IG Metal. Sprockhovel. Alemania. “Desencuentro”. Sala Purisima. Santiago, Chile. Esculturas en Espacios Públicos Públicos: 1986 Universidad Católica de Chile. Parque Huilquilemu. Talca. Chile. 1991 Ferrocarriles del Estado. Maestranza San Eugenio. Santiago. Chile. 1992 "Escultura Abierta Obra Urbana". I. Municipalidad de Conchalí. Santiago. Escultura Urbana I Conchalí Santiago Chile. 1994 "Creación Enlace Escultórico". Centro de Desarrollo Juvenil. I. Municipalidad de Conchalí. Santiago,Chile. 1999 "Sueños". Obra Pública IG. Metal. Universidad Sindical. Sprockhovel. Alemania. 2000 "Opuestos" Obra Pública . Parque de las Esculturas "Las Rosas" . I. Municipalidad p q p de Conchalí. Santiago, Chile.

2001 "Eje Desplazado" Obra Pública. Parque de la Mujer. Av. Dorsal - Diag. San Rafael. Municipalidad de Recoleta . Santiago, Chile. p g , 2001 “Referente” obra pública. San Bernardo, Chile. 2002 "Timón Quilla" Obra Pública. Ciudad de Valdivia , Chile. Premios Obtenidos: Por otro lado, Sergio Cerón a ganado diversas becas y concursos que lo han ayudado a concretarse como uno de los mejores exponentes de la escultura chilena: 1986 Beca Taller de Escultura "Patio de América". Huilquilemu. Talca. Chile. 1989 Mención de Honor en Escultura "XI Concurso Nacional Arte Joven". Universidad de Valparaíso.Chile. 1992 Beca Amigos del Arte. Santiago, Chile. 1992 Beca Taller de Escultura Iberoamericana. Concurso "Parque de los Reyes". Santiago, Chile. Concurso Fondart. Proyecto "Escultura Abierta Obra Urbana " C d t P t E lt Abi t b b 1994 Concurso Fondart. Proyecto "Creación Enlace Escultórico" 1999 Concurso Fondart. Proyecto "Colectivo Escultórico Urbano" Proyecto de Creación “Diálogo Chile – Alemania” Por invitación de Thyssen Krupp Alemania”. Krupp. Bochum. Alemania. 2000 Concurso Fondart Proyecto " Acción dos colectivo escultórico urbano". 2000 Concurso Escuela Artística " Residencia" –Antofagasta Chile Artística. Residencia –Antofagasta, Chile.

A través de sus obras, Sergio Cerón nos invita a revivir su cotidianidad sin olvidar el estado en que cada material fue encontrado. Por otro lado, frente al formalismo de la enseñanza de la escultura con respecto a los materiales más comunes (greda, terracota, madera, piedra, bronces), Sergio Cerón se rebela puesto que, para el, la espacialidad visual se puede construir con el material que uno determine, no con el que se predisponga y además, t l como l demuestran cada uno de sus trabajos, este fabuloso escultor aclara que l premisa del d á tal lo d t d d t b j t f b l lt l la i dl artista visual es estar siempre en el límite, “Ir provocando los límites”. Una de sus mayores influencia fue la profesora y escultora Patricia Del Canto quien fomentó su rebeldía a t l materiales (lo cual generó su estilo) y l enseño a “d ja que el material hable y se b ldía ante los at ial (l al ó til ) le ñ “dejar l at ial habl exprese dentro de un contexto distinto).

ESCULTURAS Título: “Cabalga Chalado” Técnica: maderas é i d ensambladas con elementos de aluminio y material recolectado. Tamaño: 1.50 x 0.40 x 0.80 t 0 80 mts Año: 1988

Título: “Penetración” Técnica: maderas con fierro fundido y material recolectado Tamaño: 1.60 x 0.30 x 0.25 mts Año: 1992 Título: “Primera Rutina” Técnica: madera con fierro fundido y material recolectado Tamaño: 1.50 x 0.30 x 0.40 0 40 mts Año: 1989

Marta Colvin

Marta Colvin Andrade nació el 22 de junio de 1907 en Chillan. Fue hija de James Colvin Hurst de origen irlandés y de Elcira Andrade Rojel de origen portugués. Con respecto a su talento artístico, se dice que existen dos fuentes. La primera surge luego su matrimonio con Fernando May Didier a los 15 años d edad, en el Grupo d idi de d d Tanagra (Conjunto de artistas y aficionados, creado en la ciudad de Chillán en 1929), que ella ayudó a fundar. La segunda f d fuente f generada por l profesora d Artes t fue d la f de A t Plásticas del Liceo de Niñas Chillán "Marta Brunet ", Noemí Morgue quien la insentivo a incorporarse al mundo de la escultura escultura. A raíz del Terremoto de Chillán se trasladó a Santiago de Chile, donde ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, sus maestros fueron los escultores Julio Antonio Vásquezy Lorenzo Domínguez. En 1948 viajó becada a París, para continuar su formación artística en la Academia Grand Chaumiere y en la Sorbonne. En 1951 fue invitada por el British Council para cursar estudios en la Slade School de la Universidad de Londres. En Inglaterra fue alumna del famoso escultor Henry Moore, quien supervisó sus estudios y le enseñó a valorar la tradición cultural pre- colombina. Vivió por Más d t i t años en Francia, pero volvió a Chile para ejercer como d i ió á de treinta ñ i l ió hil j docente y t continuar su producción plástica.

En 1943, es profesora auxiliar del Taller de Escultura del maestro Vásquez, en donde se titula el año 1950. En el año 1970 recibe el premio nacional de arte. Fallece a los 88 años de edad en Santiago de Chile el 27 de octubre de 1995. Sus restos fueron trasladados desde el Cementerio General de Santiago hasta Chillán en Julio del 2007.

Esta increíble mujer fue una de la renovadoras de la técnica escultórica de a mediados del siglo XX, que consistía en la abstracción y reflexión sobre los orígenes del arte americano precolombino Preocupada de la “textura de la forma”, Marta Colvin fue miembro de la g generación del 40, g p de artistas q al , grupo que terminar sus estudios realizó exposiciones tanto nacionales como internacionales. Por otro lado, este conjunto de creadores se preocupo del j p p desarrollo y la investigación de la plástica marginándose de la política, hecho que llamó mucho la atención por el despertar social de ese entonces. Dentro de sus mayores influencias se encuentran Camilo Moris, Luís Oyarzun y Pablo Buchard además del movimiento denominado FAUVISMO que reunía un caos de f formas y colores con f fuertes cargas expresivas. g p

Título: “Horizonte Andino” Técnica: escultura en piedra Colección: Museo de Artes Visuales

Título: “Signo Solar” Técnica: escultura en bronce T Tamaño: 38 x 38 x 19,5 cm. o 8 8 9, Año: 1962

Rufino Tamayo

Rufino Arellanes Tamayo. Nació en Oaxaca, México el 26 de agosto de 1899. En 1917 se inscribió en la Academia de San Carlos, alternando sus estudios con la atención de un negocio de frutas en el mercado de la Merced. Dos años más tarde se dedicó a pintar e i i investigar por su cuenta. i En 1921 fue designado jefe del Departamento de Dibujo Etnográfico del Museo Nacional de Arqueología. E 1925 alquiló su primer estudio en la A l í En 9 5 l iló i t di l calle de La Soledad, donde pintó “Dos mujeres en la ventana”, “Paisaje con rocas”, “Reloj y teléfono”, “El fonógrafo”, Dos fonógrafo” “Dos niñas mexicanas” y “Pareja con Pareja maguey”. En 1926 presentó su primera exposición de pinturas. Ese mismo año se trasladó a Nueva York, donde expuso sus obras en el Art Center. Regresó en Center 1929 y fue profesor en la Escuela de Bellas Artes. En 1932 dirigió el Departamento de Artes Plásticas de la Secretaría de Educación 9 g p Pública. En 1933 realizó un mural en la Escuela Nacional de Música. En los años siguientes expuso en San Francisco, México, Nueva York, Chicago y Cincinnati, y vivió y y indistintamente en la Brooklyn Museum Art School y pintó el mural de la Hillyer Art Library de Northampton, Massachusetts.

En 1950 viajó a Europa, a tiempo que se instalaba la Sala Tamayo en la Bienal de Venecia, acontecimiento y que despertó el interés de los críticos europeos. A esto le siguieron las exposiciones en la Knoedler Gallery de Nueva York, la Galerie Beaux Arts de París y el Palais des Beaux Arts d Bruselas. de En septiembre de 1952 recibió el segundo premio de la Pittsburgh Inernational Exhibition y terminó su primer mural en el P l i d B ll Artes d Mé i E 1953 se l l l Palacio de Bellas A t de México. En 95 le otorgó el gran premio de pintura en la II Bienal de Sao Paulo, junto con Alfred Mannesier de Francia. Ese mismo año hizo el mural El Hombre para el Museo de Bellas Artes Hombre, de Dallas, y concluyó el segundo en el Palacio de Bellas Artes. Esta c mp sició al ig al que la a te i e el mism siti se refiere al composición, igual e anterior en mismo sitio, efie e nacimiento de la nacionalidad mexicana y contiene una visión del México del presente. Ambos trabajos fueron hechos con vinylitas sobre tela, técnica que adoptó a partir de entonces, entonces en sustitución del fresco. Las obras de este prestigioso pintor se ha expuesto fresco prácticamente en todo el mundo. Guardan obras suyas los museos de Arte Moderno de México, París, Nueva York y Río de Janeiro, la Galería Nazionale de Arte Moderna de Roma, Roma el Royale de Bruselas, los de Cleveland, San Luis Misouri Filadelfia Arizona Bruselas Cleveland Misouri, Filadelfia, Arizona, San Francisco, Cincinnati y Dallas, The New York Public Library, el Bank of the Southwest de Houston y el barco Shalom , de bandera israelí.

Durante la primera parte de su actividad creativa, Tamayo se apegó a la perspectiva lineal (“Autorretrato” de 1931). En el curso de su segunda “etapa” tuvo fuerte influencia de Braque, lo cual es posible captar en “El barquillo de fresa” (1938). Por último Tamayo decidió rebelarse contra toda atadura y desarrollar su propio estilo. Título: “El Hombre ante el Infinito” Año: 1950 Técnica: Óleo sobre tela tela. Tamaño: 95 x 135 cm. Museo: Musées Royaux des BeauxArts. Bruselas Su obra evolucionó de una pintura de pequeñas dimensiones con colores insensibles a un cromatismo mucho más brillante inspirado en temáticas sociales sociales. Además combinó su trabajo en caballete con la pintura mural, ejemplo de esto es “La revolución” (1938, Museo Nacional de Antropología). Sus obras gozaron de un reconocimiento internacional, que derivó en encargos para amplias decoraciones murales como Homenaje a la raza (1952), en París, o México hoy (1953, Palacio de Bellas Artes, México). Le siguieron otros murales como América (1956, Banco del Suroeste, en Houston), el de mayor envergadura q ejecutó, y p , ), y g que j , para el nuevo edificio de la UNESCO en París realizó Prometeo (1958) y, posteriormente, Eclipse total (1977).

En 1943 comenzó a pintar en el arte abstracto con “La naturaleza y el artista” (Smith College Collection, Northampton, Massachusetts). Realizaron dos películas en su nombre y ademas se inauguró en la ciudad de Oaxaca el Museo de Arte Prehispánico Rufino Tamayo, con 1300 piezas coleccionadas y donadas por el artista. Varias instituciones de enseñanza superior lo han honrado con el tít l d d t Honoris Causa: l d Manila, l título de doctor i la de il en 1974; la Nacional Autónoma de México, en 1979; y la de San Francisco, Cal. EUA, en 1982. Se le otorgaron, oto ga o además el P emio Nacional de Artes Premio Nacio al A tes (1964) y el Colouste Gulbekian, por el Instituto de Artes de París (1969); la Legión de Honor de Francia (1970); el grado de comendador por la República Italiana (1971); la denominación de Hijo Predilecto, por el gobierno de Oaxaca (1972); la Copa de Oro de Florencia (1975); una medalla, por el medalla Departamento del Distrito Federal (1982), y el galardón Albert Einstein, por el Technion Institute e e ( 9 ) e ó o expo o e de Israel (1983). Llevó a cabo exposiciones individuales en todo el mundo. Murió el 25 de junio de 1991.

Título: “Mujer alcanzando la luna” Año: 1946 - 47 años Técnica: Óleo sobre tela. Tamaño: 92 x 66 cm. Museo: Cleveland Mueum of Art. Cleveland

Obras
Título: “Autorretrato” Año: 1967 Técnica: Óleo b e tela Té i a Óle sobre tela. Tamaño: 175 x 125 cm. Museo: Museo de Arte Moderno. México

Título: “El hombre del bastón” Año: Año 1966 Técnica: Óleo sobre tela. Tamaño: 100 x 80 cm. Museo: Colección Roberto García Mora México Mora.

Joaquín Roca-Rey y

Nació el 27 de enero de 1923 en Lima. Cursó estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes para luego ejercer como docente en la misma. Posteriormente fue p f f profesor en la Escuela de Arte de la Universidad Católica y en la Facultad de Arquitectura de Lima. Durante sus estudios, trabajó en los talleres de Victorio Macho y Jorge de Otieza. Tras sus primeras exposiciones individuales, en Lima, los años 1948 y 1952, y París en 1951, recibió el Premio Nacional de Escultura en 1952. 9 En 1963 se trasladó a Roma. Entre las muestras que presentó a lo largo de su carrera se cuentan 38 personales y 150 colectivas en Argentina, Austria, Bélgica, Brasil, Colombia, Francia Japón Grecia Colombia Francia, Japón, Grecia, Inglaterra, Italia, México, Perú, España, Hungría, Estados Unidos y Venezuela;

Libertador Simón Bolívar

ha participado también en las Bienales de Barcelona, Cali, Carrara, Lima, Madrid, México, Osaka, París, Madrid México Osaka París Sao Paulo Trujillo Toyamura, Viena y Venecia. Paulo, Trujillo, Toyamura Venecia Joaquín Roca Rey murió en el año 2004. La primera etapa que vivió como escultor se caracterizó por la realización de obras realistas dentro de las cuales e encuentran cinco estatuas de santos para la Catedral de Lima. Luego su estilo se aparto del realismo, buscando formas puras y la belleza expresiva d movimiento. También es b i del i i bié importante destacar que su obra refleja la influencia de H. Moore, artísta y ecultor ingles, t de los i l autor d l monumentos “Al t prisionero político desconocido” (obra formada por un conjunto de quince figuras, Panamá, Panamá 1956) y al inca “Garcilaso de la Garcilaso Vega” (1967) y del Pórtico del cementerio de “El Ángel”, en Lima.

Título: The Hairless dog Técnica: escultura b ce Téc ica esc lt a de bronce • Influencia precolombina.

Título: “Ritmo En Tres” Técnica: Bronce fundido Tamaño: 195 x 400 cm.

“Gráfica Policroma” Grabado realizado por encargo de la Condesa Maria Fede Caproni en 1990, p p g p 99 para conmemorar, con un año de anticipación, los 80 años de la hazaña y muerte de Jorge Chávez en Domodossola, habiendo sido el primer vuelo histórico que logró superar los Alpes. Aparece así sobre sus cumbres un angel con una corona de laureles en la mano para coronarlo mientras en tierra (sobre la derecha) aparece ya la imagen de la muerte que le robo la vida.

Antonio Canova

Escultor italiano nacido el 1 de noviembre del año 1757 en “Possagno”, Italia. Su abuelo, aficionado al arte escultórico fue quien potencio el despertar de su talento. El senador “Giovanni Falier” cumplió un rol fundamental en su vida como artista, ya que pago sus estudios en el obrador “il Torritti”. Recibió clases en l Academia y ibió l la d i frecuentó el taller del escultor “Antonio d’Este” hasta que en 1772 obtiene un segundo premio académico. académic Al año siguiente, la obra “Orfeo y Eurídice”, encargado por su protector Falier, fue expuesto en la plaza de San Marcos causando un increíble impacto en un miembro de la familia Grimaldi que le encarga una réplica. En sus visitas a Roma conoció el arte clásico y, después de instalarse en esta ciudad en 1781, fomentó la recuperación de los estilos o o griego g o romano y g ego antiguos.

Sus obras como las tumbas del papa Clemente XIV (que comenzó en 1784, iglesia de los Santos Apóstoles, Roma) y la del p p Clemente XIII (q 7 , g p , ) papa (que comenzó en 1787, San Pedro, Roma) y su Perseo (1801, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), le dieron el reconocimiento de el escultor neoclásico más importante de la época. p p Recibió encargos de Napoleón, como el de la famosa Paulina Bonaparte Borghese y Venus (1805-1807, Galería Borghese, Roma). Tras la caída de Napoleón, fue enviado por el Papa a París para recuperar los tesoros artísticos arrebatados al patrimonio italiano, por lo que recibió el título de marqués de Ischia. Falleció en Venecia el 12 de octubre de 1822.

Obras
Orfeo y Eurídice (1773) Grupo escultórico de Dédalo e Ícaro (1779) Apolo coronándose a sí mismo (1781) Teseo vencedor del Minotauro (1783) La Meliceci del Moiete (1782) Tumba del papa Clemente XIV (1784) Tumba del papa Clemente XIII (1792) b d ( )

Mo Monumento f ebre de María Cristina e o fúnebre M r r de Austria (1798-1805) Estatua de Esculapio Perseo con la cabeza de Medusa (1801) Monumento fúnebre de Vittorio Alfieri (1804-1810) Busto de Napoleón Bonaparte p p Napoleón como Marte Pacificador o Napoleón divinizado (1806), Londres, Apsley House Paulina Bonaparte (1807), Roma, Galería Borghese Hércules y Lichas (1815) Las tres Gracias ( i (1816), versiones en ) i San Petersburgo (Ermitage) y Londres (Victoria and Albert Museum) Hebe (1816) F lì (1816), Forlì Venus y Adonis

Título: Eros (Cupido) y Psique o El amor de Psique Año: 1793 Lugar: París, gar: Museo del Louvre

Título: Napoleón divinizado Técnica: escultura en bronce Lugar: patio de la Pinacoteca de Brera, Milán. Brera Milá • Ejemplo de inspiración en los modelos clásicos grecorromanos por parte de este escultor neoclasicista

V2

Recopilación biografía y obra escultores Chilenos y extranjeros
Alumnos pedagogía y Licenciatura en artes Nivel100 Universidad Autónoma de Chile sede Talca.

Alexander Calder 

internacional

Alexander Calder
• Escultor, nace en Filadelfia en 1898. Ingeniero mecánico graduado en 1919,comenzó a estudiar dibujo en 1922, en Nueva York, asistiendo más tarde a los cursos del Art Students League. En 1926 se League marcha a París, donde comienza a construir pequeños circos, con figuras de acróbatas y bailarinas realizadas en madera y metal que metal, unía con alambres y que más tarde se transformarían en Esculturas. Calder muere en 1976 1976.

Aunque Calder debe su reputación a sus "móviles"y "stabiles", en su última época realizó una gran cantidad de pinturas y dibujos, casi todas gouaches (sobre papel).

Móviles de Calder
Los móviles de Calder (así  denominados por el artista dadá  denominados por el artista dadá francés Marcel Duchamp) son  estructuras de formas orgánicas  abs ac as, suspe d das e e abstractas, suspendidas en el  aire, que se balancean  suavemente. Los estables, son  q formas abstractas inmóviles que,  por lo general, sugieren formas  animales en tono humorístico.  Aunque sus esculturas de piedra,  madera y bronce, así como sus  dibujos y pinturas de la última  época, son importantes, la  reputación de Calder se debe  ó d ld d b principalmente a sus móviles y  estables. 

Exposiciones
• Circos serían exhibidos en el Salón de Humoristas, en París en 1927. Al año siguiente realiza su primera muestra i di id l en la individual l Galería Weyhe de Nueva York después de unirse al grupo Ab t Abstracciónió Creación, exhibiría sus primeras esculturas abstractas, y ensamblajes movidos por pequeños motores.
Una serie de obras de Alexander Calder que se encuentran en colecciones chilenas, complementadas con un homenaje al  destacado artista estadounidense a cargo de un grupo de orfebres  contemporáneos de nuestro país, se presentan en una gran exposición que abre en marzo la Temporada Plástica 2007 de la Corporación Cultural de Las Condes.

"Constelación vertical con  hueso amarillo" (1947), h ill " ( ) Nueva York.

Obras Ob

"Flamingo" (1974). Chicago. Flamingo

Lorenzo Dominguez  g

nacional

Lorenzo Domínguez
• Lorenzo Domínguez nace en Santiago  g g de Chile en 1901. Transcurre casi toda  su infancia y su adolescencia en  Santiago, pero siendo niño permanece  un año estudiando en un colegio de  Málaga, en el Sur de España. Durante  su juventud, Lorenzo Domínguez viaja  por segunda vez a España, donde vive  once años en Madrid y donde se inicia y  forma como escultor (1920‐1931). A los  treinta años regresa a Santiago de  i ñ S i d Chile, donde continúa esculpiendo y  donde enseñará su arte por los  próximos siete años en la Escuela de  ó i i t ñ l E l d Bellas Artes de Santiago (1931‐1938)

• Regresa a Santiago de Chile donde retoma su cátedra de  escultura y donde vive, trabaja y enseña por los próximos dos  años (1939‐1941). A los cuarenta se traslada a Argentina, donde  vive y trabaja en las ciudades de Mendoza y Tucumán (1941‐ y j y ( 1963). En estas dos ciudades realizará la mayor parte de sus  esculturas y dibujos, y la totalidad de sus metales, mientras  y y enseña escultura en las Universidades Nacionales de Cuyo y de  Tucumán. A los cincuenta y ocho años, Lorenzo Domínguez  realiza un sueño artístico que lo había acompañado toda su vida,  y viaja a la Isla de Pascua o  Rapa Nui , donde reside durante  y viaja a la Isla de Pascua o "Rapa Nui", donde reside durante trece meses, creando algunos de sus grandes dibujos y  esculturas y estudiando los tesoros artísticos de la Isla (1960‐ 1961). En febrero de 1961 regresa a Argentina, a Mendoza,  1961). En febrero de 1961 regresa a Argentina, a Mendoza, donde transcurre un período de creación intensa, y donde  muere dos años después, el 21 de marzo de 1963. 

Diario de Isla De Pascua Diario de Isla De Pascua
El encuentro con los moais y  El encuentro con los moais y petroglifos de la Isla de Pascua no  fue sentido por Lorenzo  g Domínguez como la  incorporación de un elemento  extraño, sino como una absoluta  continuidad: a sus ojos, la Isla de  Pascua, con sus piedras que  Pascua con sus piedras que "parecen esculturas" y sus  esculturas que parecen "simples  p piedras" da forma al sueño de  "Miguel Ángel, que aspiraba a  esculpir montañas" ", (Lorenzo  Domínguez, Diario de la Isla de  Pascua, Cuadernos 1960‐1961, 9  Pascua Cuadernos 1960 1961 9 de marzo de 1960.

Producción artística: esculturas, planchas de metal batido y dibujos Lorenzo Domínguez completó 252 esculturas que han sido fotografiadas y  descriptas en el Catálogo General de 1998 que se encuentra en Internet.

Lorenzo Domínguez, Los Pájaros Lorenzo Domínguez, Los Pájaros o El Beso, 1961,  cobre batido.

Lorenzo Domínguez, El Prisionero Político Desconocido, 1952, piedra roja.

El Poeta Ramponi, Mendoza, Argentina, 1943 des.: Cabeza  mat.: Cemento rojo  dim.: 35 cm. loc.: Casa del artista, Mendoza, Argentina  .

Stuart Davis 

internacional

Stuart Davis
Pintor estadounidense. De 1910 a 1913 estudia en Nueva York con Robert Henri trabajando como ilustrador desde Henri, 1913 en la revista Mases, editada por Max Eastman.En 1928 viaja a París y a su regreso introduce aspectos del cubismo sintético en sus cuadros: formas del entorno de la vida americana estructuradas como un cartel de contornos precisos y manchas de color contrastadas, tal y como se aprecia en House and Street (Whitney Mus. of American Art, 1931). Art 1931) Davis es uno de los pintores norteamericanos que mejor entendió los principios del cubismo, comprendiendo l bi di d la necesidad de terminar con la ilusión de una tercera dimensión.

• .  Davis es considerado como un integrante de  Davis es considerado como un integrante de la figura del arte moderno americano,  ayudando a crear un estilo distintivo y apoyar  d d til di ti ti el desarrollo posterior de artistas como Gorky  y de Kooning. 

Davis observa y se siente atraído por diferentes movimientos, como el postimpresionismo, el fauvismo y el cubismo l bi

Exposiciones

Fue durante la década de 1920 que comenzó a pintar en un E til C bi t Estilo Cubista La extraordinaria luz, combinada con la amplia gama de imágenes (luces de señales, signos de almacén, rayas boyas y bombas de d gas) que f ) formaron sus trabajos Con 19 años expone en el Armory Show cinco acuarelas que se decantan por un realismo simplificado. i lifi d En 1917 en la galería de Sheridan Square Nueva York Square, York, Davis tuvo su primera exposición individual exhibiendo sus acuarelas y dibujos. j

Obras

Óleo sobre lienzo Adquisición en m de Ory  John de Menil, Síndico, Amon  Carter Museum, 1961‐1969  1967,195

STUART DAVIS  STUART DAVIS (América, 1892‐1964)   Litografía sobre papel crema tejió 

Juan Diaz Fleming  g

nacional

Biografía
• Juan Díaz Fleming, Licenciado en Artes Plásticas con Mención en Escultura de la Escuela de Bellas Artes, realiza estudios artísticos en la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile en Santiago y en el Centro de Perfeccionamiento del Ministerio de Educación, destacándose entre sus maestros a Samuel Román Rojas, Premio Nacional de Arte. En 1983 es becado a Taiwán para realizar perfeccionamiento en técnicas cerámicas. Actualmente es f i i t té i á i A t l t académico y Profesor Titular del Centro de Artes de la Universidad de Tarapacá de Arica, donde tiene a su cargo el Taller de Cerámica y Cátedra de Escultura, realizando en él la mayor parte de su creación artística y actividades de extensión a la Comunidad.

Premios Reconocimientos
Medalla de Oro y Premio Presidente de la República, 4º Salón Oficial de  Invierno, Valparaíso, 1968 1er Premio de Escultura, Salón de Verano, Viña del Mar, 1970 1er Premio de Escultura Salón de Verano Viña del Mar 1970 Premio de Honor, 1ª Bienal Internacional de Arte, Valparaíso, 1973 1ª Medalla Escultura y Distinción de Honor APECH, Certamen Nacional  de artes Plásticas, Santiago, 1976 de artes Plásticas Santiago 1976 1º Premio Escultura, Certamen Nacional de artes Plásticas, Santiago,  1981 Mención Honrosa, Concurso Victimas del Descubrimiento de América,  Mención Honrosa Concurso Victimas del Descubrimiento de América Florianópolis, Brasil, 1994

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Museos y Colecciones
Algunas de sus obras forman parte de las Colecciones  Al d b f t d l C l i Artísticas de los Museos de Bellas Artes de Valparaíso,  Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, Instituto  Nacional de la Cultura del Perú, Universidad Complutense de  N i l d l C lt d lP ú U i id d C l t d Madrid, Universidad de Talca, Universidad de Tarapacá,  Museo de arte Moderno de Quito y Museo CIDAP ‐ OEA de  Cuenca, Ecuador y Museo de arte Moderno de la  C E d M d M d d l Universidad Estatal de Santa Catalina en Florianópolis, Brasil La trayectoria artística de Diaz Fleming y el análisis de sus  obras se incluyen en los textos "Introducción a la Escultura  Chilena" de Enrique Melcherts e "Historia de la Escultura de  Chile" de Víctor Carvacho H.

“El objetivo principal es lograr una interacción entre la objet o p c pa og a u a te acc ó e t e a obra y el espectador”, anuncia Juan Díaz Flemming, el ilustre creador de las Presencias Tutelares, quien ha lanzado su exposición retrospectiva de forma participativa: “Póngale Nomb e a la Ob a” “Pa a el a tista es re Nombre Obra”. “Para artista e importante saber si llega el público a la obra, o no”

Nicolas Cordier

internacional

Biografía Nicolás Cordier
• Nació N ió en Saint-Mihiel, Francia. Pintor y escultor manierista, S i t Mihi l F i Pi t lt i i t estilo que para esa época era popular en el norte de Europa. A sus 25 años trabajaba para un noble en Lorraine y luego emigró a Roma donde desarrolló el resto de su carrera. Los trabajos que aun se conservan de Cordier son escasos pero suficientes para admirar su maestría. En la obra 'Las Tres Gracias', d d el estilo manierista aplicado a la T G i ' donde l til i i t li d l escultura, alcanza su expresión máxima, se aprecia claramente la sensibilidad artística del maestro y a la vez, se puede observar la magnífica habilidad que posee para tallar el mármol.

Juan Pablo Langlois g

nacional

Juan Pablo Langlois (1936‐) Santiago Escultor

Escultor, instalador y artista visual chileno. Nació  en Santiago el 26 de febrero de 1936.  en Santiago el 26 de febrero de 1936 Los primeros trabajos visuales estuvieron muy relacionados con su  formación de arquitecto y consistieron en indagaciones en torno  al arte óptico, atrapado en la bidimensionalidad de la tela.  al arte óptico, atrapado en la bidimensionalidad de la tela  
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Vida Escultor, instalador y artista visual chileno. Nació en Santiago el 26 de febrero de 1936. Entre los años 1952 y 1962 Estudió arquitectura en la Pontificia Universidad Católica de Chile y en la Universidad Católica de Valparaíso. Recibió la influencia de Joseph Albers, profesor de la Bauhaus en un curso de seis meses que dictó en nuestro país. Los primeros trabajos visuales estuvieron muy relacionados con su f l i d formación d arquitecto y consistieron ió de i i i en indagaciones en torno al arte óptico, atrapado en la bidimensionalidad de la tela.

En 1969 sorprendió a los visitantes del Museo Nacional de Bellas Artes con la instalación de bolsas de basura rellenas de papel que unidas entre sí formaron una manga de 300 metros que recorrió todo el edificio. La muestra titulada Cuerpos Blandos marcó el inicio de su carrera como
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Trayectoria Los primeros trabajos visuales estuvieron muy relacionados con su  formación de arquitecto y consistieron en indagaciones en torno al arte  óptico, atrapado en la bidimensionalidad de la tela.  Más tarde evolucionó hacia un arte completamente diferente, donde las  obras transitaron de lo abstracto a lo figurativo y de la escultura a la gráfica.  Langlois a través de todo su trabajo plástico ha mantenido una constante  en la cual el valor de su obra ha residido en la idea y su acción creadora, en  y , la que relaciona temas, materiales y procesos de la cultura popular, y que se  expresa a través de un arte efímero, donde ni el oficio o técnica, ni el  soporte son importantes.

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En 1969 en el Museo de Bellas Artes, presentó la Exposición "Cuerpos  blandos", donde una manga de polietileno de 300 metros de longitud,  rellena con papel de diario recorrió las instalaciones del museo.  En 1971, en el mismo museo presentó una serie de pedestales realizados  en poliestireno forrado en género o pintado. En 1972 y 1973 realizó una     li i  f d     é     i d  E         li ó  serie de objetos: muebles, ropa, flores, libros, comida recién preparada,  sometidos a un baño de resina plástica de secado rápido, que expuso en  el Museo de Bellas Artes.  el M seo de Bellas Artes   Entre 1973 y 1979 su trabajo se centró en figuras hechas en papel de  diario y cola, representaciones a escala natural de figuras humanas y  animales, automóviles y árboles, fachadas de casas y objetos.  animales  automóviles y árboles  fachadas de casas y objetos   En 1979 abandonó temporalmente la escultura y su trabajo se concentró  en una serie de obras de naturaleza variada como "El colchón amatorio",  donde un colchón, el del artista, fue soporte de una serie de textos  donde un colchón  el del artista  fue soporte de una serie de textos  extraídos de canciones populares y telenovelas; "El carnet sentimental",  una serie de intervenciones hechas sobre el carnet , sobreponiéndole  frases y dibujos;  El pan , Exposición en la que el artista presentó 21 tipos  frases y dibujos; "El pan", Exposición en la que el artista presentó 21 tipos  de pan dispuestos sobre bandejas debidamente rotuladas, cada pan  estaba pintado a mano y timbrado con anilina comestible para ser  consumidos por los asistentes. p
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En 1987 comenzó a trabajar con plasticina, realizando una serie de figuras: lechugas, ratones, discos, libros, patas de gallina, zapatos, etc, que reprodujo en series hechas a mano. En 1990 presentó en los muros exteriores del Museo de Bellas Artes, con l ocasión d l E B ll A t la ió de la Exposición M i ió Museo Abierto, la obra "Diarios de Vida Recortados" con 600 fotocopias de 20 x 20 cms. con imágenes extraídas de diarios nacionales nacionales. En 1997 presentó en el Museo Nacional de Bellas Artes su Exposición "Miss", donde ratones y pescados esculpidos en papel de diario y cola fría palos de fría, ciruelo, hombres de cúbito dorsal, mujeres onas, bustos, serpientes calaveras y corazones de Jesús fueron expuestos de una manera donde lo cómico se insertó en lo serio, lo grotesco en lo trágico, lo puro en lo impuro y lo feo en lo bello, gesto recurrente en todas las obras de Langlois Vicuña. g

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Arp Jan  p

internacional

Arp Jan (Hans) (1886‐1966) Francia Pintor y escultor
Hans Peter Wilhelm Arp nació en Estrasburgo, dominio alemán entre 1870 y 1918. Arp tuvo nacionalidad alemana basta que en 1926 adquirió la francesa y empezo a usar el nombre d J l b de Jean, por el l que también se le conoce. Pronto manifiesta inclinaciones artísticas y se matricula matri la en la Es ela de Artes y Ofi ios Escuela Oficios en 1900, donde muestra tan poco gusto por la disciplina académica como antes en el Liceo; Su interés por las artes es paralelo a su pasión por la poesía ‐sobre todo por los románticos alemanes‐, en la que se inicia en los años escolares y que practica toda su vida en sus dos lenguas. (Alemán y Francés).

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En 1903 publica sus primeros poemas y realiza una abundante obra pictórica y escultórica de la que apenas hay rastros. En 1904 pasa una temporada en Paris, pero su padre prefiere que continúe su formación en Weimar, en cuya Academia, dirigida por Henry van de Velde, se matricula al final de ese año. Por mediación de Van de Velde expone en la galería Bemheim‐ Jeune de Paris con Matisse, Signac y Van Dongen en 1907 y, un año después, se inscribe en la Academia Julian y frecuenta los ambientes artísticos d l capital b í de la l francesa.

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Con el fin de la guerra, Dada se extiende a Francia y Alemania. Arp participa en 1920 en la célebre exposición d d ó dadaista d Colonia con de l Baargeld y Marx Ernst ‐con quien colaborara en una serie de collages genericamente ll i t llamados F t d Fatagaga‐, así como en la no menos célebre y sonada Feria Dadá de Berlin. Ese mismo año conoce a Breton Breton, Soupault y Aragon, los poetas que recogen el legado Dadá en Paris y a los que se suman viejos conocidos de Zurich como Tzara y Picabia. Arp colabora en diversas revistas e iniciativas de vanguardia con poemas, collages y obra gráfica.

AI mismo tiempo p establece lazos con la vanguardia constructivista a traves de El Lissitzky ‐al que conoce en Berlin en 1920‐ 0 Kurt Schwitters ‐en Hannover, siete años más tarde‐. La Bauhaus convoca h un congreso en Weimar en 1922 donde d d trata t t a Moholy‐Nagy o Van Doesburg, en cuya revista De Stijl también colabora.

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Del nucleo Dadá de Paris surge en 1924 el surrealismo, ferreamente capitaneado por Andre Breton. Arp se suma al grupo y figura en la exposición inaugural de 1925. Durante toda su vida se mantuvo unido a los surrealistas, aunque se , q cuidara de tomar distancias de sus comportamientos mas sectarios y no rompiera sus vínculos con el sector analítico y constructivo de la vanguardia.

Esa versatilidad e independencia se manifiestan en su participación, siempre con Sophie p p p , p p Taeuber, en Cercle et Carre en 1930 y Abstraction‐Creation entre 1931 y 1934, grupos que defienden la abstracción geométrica. Desde los años veinte, Arp simultanea el collage y la obra gráfica con el relieve y, a partir de los años cuarenta, la escultura centra la mayor parte de su dedicación.
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Los ñ de la Segunda G L años d l S d Guerra M di l que Mundial, pasa primero en Grasse, al sur de Francia, y luego en Suiza, son difíciles, sobre todo por la inesperada muerte de Sophie que lo sume en Sophie, la desolación. Serán, sin embargo, los años de la postguerra los que consagren su fama universal con antológicas Como la de Nueva York de 1958 o la de Paris de 1962. Le acompaña en esta última epoca Marguerite Hagenbach, con la que se casa en 1959. Tras su muerte, Marguerite realizaria la voluntad del artista de ver su obra reunida con la de Sophie en una fundación, constituida en 1979 en la , casa de Meudon‐Clamart que habia hecho construir en 1926 siguiendo los pIanos elaborados por su primera mujer.

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Ernst Barlach

internacional

Ernst Barlach (1870 1938) Alemania Escultor (1870‐1938) Alemania Escultor

Escultor expresionista y dramaturgo alemán, nacido en Wedel. Trabajó en madera, terracota, porcelana y bronce. Recibió la influencia del artista francés Honoré Daumier, del escultor belga Constantin Meunier y, tras un viaje a Jarkiv, Rusia, en 1906, de los talladores de madera rusos Realizó monumentos en rusos. memoria de los soldados muertos durante la I Guerra Mundial para varias ciudades alemanas.

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Fue uno de los pocos escultores del siglo XX que talló obras monumentales en  madera, como Pastor en una tormenta (1908, Kunsthalle, Bremen). También hizo  , 9 , , numerosos bustos e ilustraciones (xilografías y dibujos) para libros. Fue perseguido  por los nazis, que destruyeron muchas de sus obras en la década de 1930. El  monumento El guerrero del espíritu (1928), de la ciudad de Kiel, que había sido  mutilado por los nazis, fue restaurado en 1954. Tras alcanzar el reconocimiento  como escultor, Barlach también escribió obras de teatro. Entre las más conocidas,  algunas ilustradas por él mismo, se encuentran El pobre primo (1918) y El diluvio  (1924)

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Fidias

clasico

Fidias (498‐432 Antes de Cristo)

Fidias (c.490‐c.430 a.C.), arquitecto, pintor y escultor griego del  Fidi ( 490 430 C ) it t i t lt i d l periodo clásico, destaca por su exquisita perfección en el  tratamiento de la forma, el volumen y la expresión de sus  estructuras. estructuras
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Dado que la mayor parte de sus trabajos originales han desaparecido, el conocimiento de su obra es posible gracias a p p g las descripciones que de la misma hicieron los escritores antiguos.

Su primer encargo conocido fue un monumental grupo escultórico en bronce representando a los héroes nacionales con el general Milcíades el Joven como figura principal.
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El estadista ateniense Pericles le encomendó tanto la supervisión de todas las obras públicas como la realización de cuantas estatuas debían erigirse en la ciudad.

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Fidias dirigió las obras de construcción de los Propileos que eran la entrada Propileos, monumental a la Acrópolis, y del Partenón. Para el interior de este último edificio realizó, en oro y marfil (criselefantina) la monumental estatua de Atenea, diosa de la sabiduría y protectora de Atenas.

La colosal estatua de Zeus padre de los dioses que estaba ubicado en Olimpia está Zeus, dioses, Olimpia, considerada como su obra maestra. Los últimos años de la vida de Fidias están plagados de conflictos. Los enemigos de Pericles le acusaron de apropiarse del oro que había recibido para levantar la estatua de Atenea.
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Al parecer murió en prisión o según otra versión, en el destierro. Una tercera fuente de información afirma que le fue levantado el cargo de malversación, pero se le condenó sin piedad por haber esculpido su retrato y el de Pericles en el escudo dorado que portaba la estatua de Atenea.

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Gaspar Galaz p

nacional

Gaspar Galaz, escultor e historiador  del arte, nació un 19 de abril de 1941,  en Santiago. Sus estudios los realizo en la escuela  de arte de la universidad católica,  entre los años 1960 y 1965. tuvo como  profesores a los escultores Alejandro  profesores a los escultores Alejandro rubio, Paul Harris y rosa vicuña. demás de su actividad como escultor,  ejerce la docencia en dicha escuela,  como profesor de escultura, y en el  instituto de estética de la misma   universidad, como investigador y  profesor de historia del arte. Miembro de numero de la academia de bellas artes y miembro del consejo de monumentos nacionales. Ensayista, critico, de arte y curador. Escultor co varias e pos c o es scu o con a as exposiciones en chile y en el extranjero.

G A S P A R G A L A Z

El arco.  Bronce, 85 x 20 x 45  Bronce 85 x 20 x 45 cms.  1996

Técnica de trabajo
Trabaja tanto en madera como en metal, el  cual es, por lo general, bronce. Con estos materiales explora en la  composición de formas que poseen  elementos reconocibles como orgánicos y  mecánicos, a la vez. Sus primeros trabajos  consistieron en la talla directa sobre madera,  sin boceto previo, con lo que se aproximó a  la figura humana, representada rudimentaria  y esquemáticamente.  De este modo, Galaz dejó que el material  hablara por sí mismo, evidenciando sus hablara por sí mismo, evidenciando sus  cualidades sensibles por sobre el contenido  intelectual. Hacia una segunda etapa, el escultor decidió  H i d t l lt d idió explotar las posibilidades que otorga el  ensamble de tablas de madera, hecho que  permite organizar volúmenes, a partir de un  trabajo constructivo que exige mayor control  t b j t ti i t l de las formas: debe diseñar previamente la  estructura esencial y sólo después dejar  liberar las diversas texturas. 

El circulo. Madera, 33 x 29 x 4 cms. 1996

Hacia los sueños.  Bronce, 145 x  100 x 70 cms.  1998

Realiza aquí, entonces, esa simbiosis entre  maquinaria y organismo. maquinaria y organismo En algunas esculturas , el enfrentamiento se  produce al interior de la pieza única y, en  produce al interior de la pieza única y en otras, separando los volúmenes que  constituyen la obra. En sus obras, hay, por lo tanto, un dualismo  de fuerzas antagónicas en significado y  dirección: formas orgánicas que se repliegan  y que comparten espacio con formas  t i f mecánicas de tendencia centrífuga. En sus obras mas recientes, tiende a atenuar  En sus obras mas recientes tiende a atenuar el rigor racional, debido a un trabajo mas  directo con los volúmenes virtuales, con los  vacios que dinamizan especialmente la obra.

Parejas de lados  Parejas de lados opuestos. Bronce, 54 x 80 x 23  cms. 1995.

La nave. Madera, 60 x 35 x  25 cms. 1996.

P A L A B R A S D E G A L A Z

“Toda mi obra escultórica posee una carga emocional y racional muy fuerte y tal vez el referente inmediato sea la multiplicidad de reflexiones e inquietudes que se van conjugando en el proceso creativo que intentara, desde un comienzo, expresar la conjunción entre el análisis del lenguaje escultóricos y las ideas sobre el mundo: y es que mi obra se relaciona íntimamente conmigo en lo existencial, lo emocional y lo sentimental.”

Mis “Mis esculturas van generando una tención que deriva de los opuestos y una de las mas notables es la que cita al hombre y a la maquina-especie de simbiosis entre humanidad y tecnología- un cierto rasgo antropomórfico. Con estas oposiciones formales mi quehacer escultóricos habla sobre ese profundo misterio que es el hombre por imponerse sobre la alienación de si mismo, y en esta aporto, también, a la humanidad de este hombre.”

Circulo y bandera. Madera, 60 x 38 x 27.  1996

Hombre‐carro  Madera, 130 x 50 x 65 cms.  1997

“Mis esculturas hablan del hombre y la mujer, de lo orgánico y de lo mecánico, de la tecnología y de la industria, industria de la sexualidad y de la vida , del dialogo entre los opuestos- lo positivo y lo negativo-, los llenos y los vacios ; lo entrante y lo saliente, el recibir y el dar, en fin, el encuentro y el desencuentro.” Sacado del libro “Gaspar Galaz, esculturas recientes” Artespacio.

Síntesis de una obra
Monumento publico. Material: acero revestido en bronce . Ubicación: mercado central.

La obra titulada instrumento de precisión , se inscribe en la línea de la escultura urbana , que a partir de la composición en fierro rompe radicalmente con la tradición de los monumentos conmemorativos . El propósito, no es la conmemoración sino- como dice el mismo autor – la entretención y la provocación en el caminante_ espectador de una distracción de un pasaje a la fantasía y de un corte en la vida cotidiana que permite reflexionar sobre la vida y sus misterios. No busca en su obra una correspondencia con la realidad. Aunque la escultura de 9 7 metros de alto disimule un 9,7 alto, trípode, con sus tres patas ascendentes y convergentes , o parezca un instrumento verdadero por su forma y detalles, queda, no obstante, en evidencia, que se trata de un juego entre lo acabado y lo inacabado de la idea. La aparente exactitud de la primera engaña y la duda acerca de la segunda, o la necesidad de Saber de que tipo trata, de instrumento se trata terminar transformando la obra en un objeto de creación, sin olvidar la sugerente silla, ubicada a poca distancia y que forma parte de la semántica de la obra .

Lily Garafulic y

nacional

Lily Garafulic.
Escultora, hija de croatas, nació en Antofagasta, el 14 de  mayo de 1914 mayo de 1914.  Unas de las alumnas mas aventajadas del  taller de  Lorenzo Domínguez fue Garafulic. En 1934 ingreso  a la escuela de Bellas artes y dos años  En 1934 ingreso a la escuela de Bellas artes y dos años después es nombrada ayudante . Tomó contacto con Brancusi, importante escultor que  conoció en Europa en 1938. En 1944 fue becada a  Nueva York donde continuó su formación en la New  School of Social Research. Ese año es la Primera  mujer en realizar una exposición individual de  escultura en el Instituto Chileno‐Británico de Chile. escultura en el Instituto Chileno Británico de Chile Fue designada Directora del Museo Nacional de Bellas  Artes en 1973, cargo que desempeñó hasta 1977.  Fue elegida Representante de Chile ante la Unesco,  g p , en la Asociación Internacional de Artes Plásticas.  Activa hasta hoy, pese a su avanzada edad, ha  realizado gran cantidad de exposiciones individuales  y colectivas en varios países del mundo. l ti i í d l d

Sus obras que ingresan en el dominio de la autonomía de los medios y en la libertad de la g forma respecto a cualquier referencia temática. Concepto como ritmo, equilibrio , tención, reposo, movimiento, definen las obras que constituyen este campo de acción. La otra línea esta dirigida en otro sentido: el volumen pareciera escapar, en cierto modo, al control de la mente y de la mano, al oficio secular del escultor , a los materiales nobles El volumen que mano nobles. volumen, ahora acepta extraños e innobles materiales, que se hace expansivo, que acusa la presencia de espacios virtuales, lleva consigo una implícita y expresiva significación: su brutal elementalidad.

Noviembre.

Técnicas y trabajo.
• • Su obra inicial la realizada en terracota, mármol,  piedra y bronce, con retratos y bustos que, por  lo general, se someten a la representación  figurativa del modelo.  A comienzos de los años sesenta, su obra  adquiere un carácter doblemente nuevo, a  partir de un viaje realizado a Isla de Pascua:  cambia su modo de sentir la escultura y busca  materiales nuevos como las maderas  carcomidas a las que incrusta virutas de metal,  soldaduras y pernos, ejerciendo, de este modo,  toda una innovación para la época. Desde 1965, utilizó restos de fundición, con lo  que co s gu ó e t a as te tu as: e o u e que consiguió extrañas texturas: el volumen  acepta materiales poco comunes, haciéndose  expansivo y acusando la presencia de espacios  virtuales. También ha realizado su obra en bronce También ha realizado su obra en bronce,  mármol, arcilla y piedra, en las que la perfección  radica en obras que trasgreden su aparente  hermetismo. Paralelamente, trabaja una línea de ensamblaje,  Paralelamente trabaja una línea de ensamblaje con la superficie en bruto de maderas con metal  y otra en donde trabaja superficies pulidas y  formas depuradas.

Premios y distinciones
3º Premio del Salón Oficial. Santiago de Chile.  3º P i d l S ló Ofi i l S ti d Chil 1936. 2º Medalla IV Centenario de la Ciudad  Valparaíso, Chile.  1937. 2º Premio de Escultura, VIII Salón de Verano,  Viña del Mar, Chile  1940. 1º Premio de Escultura, IV Centenario Fundación  de Santiago. Chile. 1941. de Santiago. Chile. 1941. 2 Premio de Escultura LIV Salón Oficial. Santiago  de Chile 1942. 1º Premio Salón de Verano. Viña del Mar, Chile.  1943 1º Premio Dibujo y Grabado Salón Oficial  Santiago de Chile. 1945. 1º Premio Escultura, Salón Oficial. Santiago de  Chile.1947 Premio de Honor LXIV Salón Oficial. Santiago de  Chile.1953. premio de la Bienal de Sao Paulo, celebrada en  premio de la Bienal de Sao Paulo celebrada en 1953 Premio "Rebeca Matte" de escultura, Salón de  P i "R b M tt " d lt S ló d Verano. Viñas del Mar. Chile.1961. Mención Honrosa IX Bienal de Sao Paulo,  Brasil.1963. Premio Circulo de Críticos de Arte de Chile.  Santiago de Chile.1985. Premio "Rebeca Matte", Ministerio de  Educación. Santiago de Chile.1992 Educación. Santiago de Chile.1992 Premio Nacional de Artes Plásticas. 1995. Distinguida como Profesora Emérita de la  Universidad de Chile 1997.

Ojo de Dios.

Dos mundos.

Exposiciones individuales.
Esculturas y Dibujos Instituto Chileno‐Británico  E lt Dib j I tit t Chil B itá i de Cultura. Santiago (Chile) 1944. Esculturas, dibujos y grabados Instituto de  Extensión Artes Plásticas. Universidad de Chile.  Santiago (Chile.) 1947. Mosaicos Sala del Pacífico. Santiago (Chile) Mosaicos Sala del Pacífico Santiago (Chile) 1949. Esculturas Instituto de Extensión Artes Plásticas.  Universidad de Chile. 1962. Esculturas Galería Marta Faz. Santiago de  Chile.1965. Instituto de Arte Contemporáneo, Lima, Perú.  1966. Instituto de Arte Latinoamericano, Santiago de  , g Chile. 1967. Esculturas, Casa de la Cultura, Ministerio de  Educación. Santiago de Chile. 1969. Educación Santiago de Chile 1969 Esculturas en bronce y algunos dibujos, Galería  Plástica 3. Santiago de Chile. 1983 Retrospectiva. Instituto Cultural de Las  Condes. Santiago de Chile. 1985. Galería Plástica Nueva. Santiago de Chile.1991. 50 años de Escultura, Galería Tomás Andreu,  , , Santiago de Chile.1995. Centro de Extensión Cultural Pedro Olmos  Muñoz, Talca, Chile. 1996. Muñoz Talca Chile 1996 Exposición en la Galería Tomás Andreu,  Santiago, Chile 2000.

Jeff Koons

internacional

Escultor estadounidense, que se hizo famoso en  1980 por una serie de trabajos artísticos que 1980 por una serie de trabajos artísticos que  remiten, a menudo de manera escandalosa, a la  imaginería de la cultura popular. Nació en York, Pensilvania; de 1972 a 1975  estudió en las escuelas de arte del Instituto de  Maryland, Baltimore y del Instituto de Chicago,  donde se hizo amigo de su profesor Ed Paschke. En 1976 se trasladó a Nueva York para trabajar  durante algún tiempo en la Bolsa de Valores.  Sin embargo, durante la década de 1980 consiguió  fama internacional por sus figuras, realizadas  deliberadamente con mal gusto e incluso a  d f áfi veces de forma pornográfica. Inspirado principalmente en el Pop Art de la década  de 1960, Koons comenzó a preocuparse por la  penetrante influencia de la moderna sociedad  de consumo.

J E F F K O O N S

Además de imitar la imaginería sensacional de la publicidad y de la  p pornografía, a menudo incorpora a su obra artística productos  g , p p domésticos, como las aspiradoras que expuso en el Nuevo  Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York en 1980.  Sus creaciones más controvertidas fueron las explícitas fotografías,  pinturas y esculturas que mostraban sus relaciones sexuales  pinturas y esculturas que mostraban sus relaciones sexuales con la actriz pornográfica y diputada del Partido Radical  italiano Cicciolina, con la que estaba casado. Las obra artística de Koons ha significado una contribución vital al  b í d h f d b ó l l movimiento artístico estadounidense conocido como "Neo‐ Geo", en el que se incluyen también Asley Bickerton, Peter  Halley, Haim Steinbach y Meyer Vaismann. Balloon dog magenta (1994 ‐ 2000) la simple presencia en el entorno ya causa una quiebre en la  atención y afecta directamente al entorno, como esta  y , instalación en Venecia, transformando un perrito hecho con  globos en una mega escultura, lo sencillo y sin valor convertido  en elemento generador de crítica.

Tulipanes.
Jeff Koons es la verdadera  representación del artstar generador de ideas, intérprete  de lo corriente, ridículamente  profundo, el rey del kitsch para  muchos; es uno de los artistas  contemporáneos más  influyentes de las últimas  décadas sin ser siquiera un  brillante pintor o dibujante  y  que ha incursionado en el  mundo del arte con la fuerza del  escándalo.

• Sus obras siempre han tenido un  acercamiento a lo comercial (más allá del  acercamiento a lo comercial (más allá del precio de las mismas), usando la  percepción distorsionada del mundo que  genera la publicidad la convierte en  mensaje social acaparando así todo el  proceso mediático que gira en torno a los  objetos y su posesión, un ejemplo de esto  está en su obra Equilibrium (1985) donde  está en su obra Equilibrium (1985) donde usa pelotas de basketball sumergidas en  tanques con agua y anuncios de Nike para  tratar sobre los sueños de la clase media y  la eterna búsqueda de fama, dinero y  estilo de vida.

Three ball 50/50 tank  (Equilibrium 1985) 

Panther (Banality 1988) Pink ( y )

Técnicas y trabajos trabajos.
• Clasificada a veces como minimalista y Neo‐pop,  su obra consistía inicialmente en escultura  conceptual que fue adquiriendo  monumentalidad (Puppy).  • A la fecha, Koons ha incursionado en la  escultura de instalación, la pintura, y la  fotografía. Sus trabajos evidencia influencias del  Dadaísmo, así como del arte Pop como el ya  Dadaísmo, así como del arte Pop como el ya mencionado Warhol y Claes Oldenburg. Los materiales usados en su obra son también  i t t hi tó i t l h id d muy importantes, históricamente la humanidad  ha basado su status en la posesión de los  objetos y metales por su supuesta nobleza y  perpetuidad (la dureza de lo tangible contra lo  efímero de nuestro pensamiento)  efímero de nuestro pensamiento) transformando de este modo simples balones,  baldes, equipo de buceo e íconos del desarrollo  industrial en costosas piezas de colección.

Puppy(cachorro) museo  Guggenheim, Bilbao

En Equilibrium Koons alcanza un discurso muy  elevado en lo social haciendo referencias  a la violencia de los ghettos de donde  provienen los ahora íconos de la  superación social en la industria del  superación social en la industria del deporte que mueve una maquinaria  comercial y publicitaria enorme hacia ese  grupo objetivo. Cuando en 1979 comenzaba a introducirse en  los circuitos artísticos con sus objetos  inflables Koons fue muy criticado pese a la  aceptación de los medios especializados  por sus poco convencionales objetos  artísticos, luego lo vacío y decorativo de  artísticos luego lo vacío y decorativo de un conejo usado en la serie previa a The  New se transformó en una brillante figura  de acero cromado en Stainless Steel  Rabbit (Statuary 1986) criticando la  perdurabilidad de las obras artísticas y su  mensaje contra efímero de las ideas.

Snorkel ‐ Shotgun  (Equilibrium 1985)

Anne Hyatt Huntingdon  y g

internacional

Anne Hyatt Huntingdon.
(1876 ‐ 1973) nació en Cambridge, Massachusetts. Su  padre era un profesor de paleontología en  padre era un profesor de paleontología en Harvard y de él desarrolló su interés en los  animales. Estudió escultura en Boston con Henry Kittleson  antes de enrolarse en la Liga Estudiantes de  d l l Li E di d Arte, donde estudió bajo Herman Atkin Sus primeros trabajos consistieron en los animales  domésticos y los perros a partir de 1903 su  exposición en la Sociedad Americana de Artistas  en Nueva York de su escultura de dos caballos  de invierno titulado Mediodía Ella exhibió la misma escultura de nuevo en la  Exposición Universal de San Luis en 1904 y  continuó exhibiendo a lo largo de su vida. . Pasó mucho tiempo en el Bronx Zoo dibujo y  modelado de los animales salvajes. modelado de los animales salvajes.

Ana creció en una familia dedicada a la ciencia y a las búsquedas culturales y mientras  A ió f ili d di d l i i l bú d lt l i t que un adolescente hizo interesado en escultura. Aunque ella estudiara brevemente en Boston y en los estudiantes de arte liga, Ana era  realmente escultor autodidacta. Su conocimiento de la anatomía animal, la base para su escultura, era el resultado de  una energía afilada de la observación desarrollada con disparos al campo de la  niñez con su padre y familiaridad con los animales domésticos en la granja de la  p y g j familia. 

Edificio y terraza del norte con las esculturas cerca Ana Hyatt Huntington, y g , CA 1950

Don Quixote Anna Hyatt Huntington aluminum, 15' 1 1/2" H

Ana Hyatt Huntington  entonces complementa esto  impresionante p estatua con relevaciones de  dos otra Figuras españolas a caballo: Figuras españolas a caballo: Boabdil (1943), el Moorish  pasado rey de Granada, y Don  rey de Granada y Don Quijote (1942), el soñador enojado d l l d C de la novela de Cervantes.

Más la obra notable de  ella es la estatua del Cid (1927) sosteniendo una  lanza. lanza

A principios de su temática, el caballo emergió mientras que el tema preferido y ella de Ana comenzaron a incorporar temas equinos en sus comisiones monumentales. Antes de 1910, ella había creado la inicial Joan de Arc a caballo caballo, precursor de su trabajo más famoso para New York City, que ganó su gran aclamación crítica y popular. popular Antes de 1912, ella ganaba más de $50.000 por año con su escultura. Co oc do como uno Conocido co o u o de los escu to es os escultores animales americanos más finos del vigésimo siglo, ella creó el trabajo que fue p puesto en localizaciones p públicas en el país y en todo el mundo, así como en museo numeroso y colecciones privadas.

Donatello 

clasico

Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi)
• • (Florencia, 1386 – Florencia, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del  Renacimiento. Donato di Niccoló di Betto Bardi, más conocido como Donatello, escultor italiano nacido en Florencia (Italia). Su  D di Ni ló di B B di á id D ll l i li id Fl i (I li ) S padre se llamaba Niccoló di Betto Bardi, y trabajaba como tejedor. A los diecisiete años trabajó como ayudante de  Lorenzo Ghiberti en la construcción y ornamentación de las puertas de bronce del baptisterio de San Juan de  Florencia. Algún tiempo después, también colaboró con Filippo Brunelleschi.  Dentro de su carrera artística se pueden establecer tres periodos. Al primero se le puede llamar periodo de formación. Este se desarrolla hasta 1425, y en él se puede observar una  gran influencia de la escultura gótica, aunque también revela tendencias clásicas y realistas. De este periodo  g y destacan las estatuas de San Marcos, San Juan Evangelista y Josué. En el segundo periodo (1425‐1443) predomina la utilización de modelos y principios escultóricos de la antigüedad  clásica. Entre 1425 y 1435 Donatello trabajó con el escultor y arquitecto florentino Michelozzo en varios proyectos,  entre los que se encuentra el monumento dedicado a Bartolomeo Aragazzi (catedral de Montepulciano). Entre 1430 y 1433 viajó en varias ocasiones a Roma, donde creó varias obras, de las que la más notable es el cáliz de  Entre 1430 y 1433 viajó en varias ocasiones a Roma donde creó varias obras de las que la más notable es el cáliz de la sacristía de la basílica de San Pedro, decorado con los relieves de "La adoración de los ángeles" y "El entierro de  Cristo". Sin embargo, fue en Florencia donde creó la obra más notable de este periodo, su David en bronce (c. 1430‐ 1435, Bargello), primer desnudo exento de la escultura renacentista. Por último, el tercer periodo. En él Donatello se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el realismo y en  P últi lt i d E él D t ll l j d l i fl i lá i é f i l li el dramatismo de la acción. Se pueden destacar de este periodo Los milagros de san Antonio (San Antonio, Padua); El  Gattamelata (en la plaza que está delante de la basílica de San Antonio) y Judith y Holofernes (Piazza della Signoria,  Florencia).

• •

Donatello sentó bases claras respecto a la  escultura renacentista y fue el estilo a seguir  de todos los escultores posteriores a él. De raíz  de todos los escultores posteriores a él. De raíz clásica romana, dejó un legado magnífico  puesto que sus obras fueron realizadas  utilizando una vasta gama de materiales y  g y técnicas, las que dominó a la perfección.  Contemporáneo del gran escultor y también  innovador Della Robbia, la historia sitúa a  Donatello sobre este, y se basa en el aporte  realizado al movimiento de renovación  artística que desterró los estilos medievales.  Prolífico como el solo, el inigualable Donatello  dejó un legado de, piezas de estilo original,  que hasta su aparición nadie había creado.  Esculpe, talla y graba utilizando mármol, metal,  madera, terracota y piedras nobles.

La alta calidad de las obras donatellianas, así como la  cantidad de las mismas, hace difícil una selección  justa de ejemplos susceptibles de mostrar los  principios y la belleza de su trabajo. Sin embargo,  obras como la exquisita Anunciación realizada para la  obras como la exquisita Anunciación realizada para la Iglesia de la Santa Croce florentina, la impresionante  estatua ecuestre del Condottiero Gattamelata, sus  dramáticos Zuccone y Mª Magdalena, el lírico David  broncíneo o las escenas esculpidas para la Cantoría  de la Catedral de Florencia puede decirse que son  buenas muestras de su genialidad.

Fiesta de  Herodes 

Gattamelata

Madonna

Temática de una obra.
Género y temática: Esta escultura exenta, fundida en bronce,  representa a un David muy joven (en realidad, un adolescente) que,  p yj ( , )q , después de haber derrotado a Goliat, le ha cortado la cabeza con su  propia espada. David pisa la cabeza con aire pensativo y sostiene en sus  manos la espada de Goliat y la honda con la que le dejó inconsciente.  Se aprecia un gran contraste entre la serenidad firme del rostro de  p g David y el desmadejado gesto de Goliat. 

Acabado: El tratamiento general es sobrio, hasta podría decirse que  difuminado (sfumatto); no obstante, la sencillez del desnudo se  rompe con el calzado de David y el abigarrado adorno del yelmo de  rompe con el calzado de David y el abigarrado adorno del yelmo de Goliat, trabajados al detalle con relieves historiados y adornos  vegetales típicos del primer Renacimiento (llamados «in candelieri»).  Además, David aparece graciosamente tocado con sombrero de paja  típico de la Toscana, del que caen las guedejas del pelo; lleva,  típico de la Toscana del que caen las guedejas del pelo; lleva también una corona de hojas de amaranto, en clara alusión al  heroísmo griego. 

Forma y estilo: Donatello interpreta este tema bíblico (tomado del Primer  libro de Samuel) como un desnudo clásico. De hecho, es el primer desnudo  integral, de bulto redondo, que aparece en la escultura renacentista. Se trata  de un desnudo ponderado, natural, pero muy expresivo debido a la firmeza  de las líneas compositivas generales. Tiene, como hemos comentado antes,  claras reminiscencias de la escultura clásica, especialmente de Praxíteles.

El marcado y suave contrapposto parece inspirado en la conocida curva praxiteliana que Donatello debió conocer a través de copias romanas del citado escultor griego.  que Donatello debió conocer a través de copias romanas del citado escultor griego La perfección anatómica, en la que el modelado muscular es muy suave, difuminado,  casi femenino, parece tomado, también, de Praxíteles.  La obra: Se puede ubicar en la plenitud del Quattrocento florentino; es un encargo del propio  Cosme de Médicis y, aunque no hay unanimidad sobre su fecha, debió fundirlo en torno a  1440. Parece tener un significado simbólico, ya que es una especie de monumento cívico‐ patriótico que conmemora las victorias de Florencia frente a su rival, Milán. En la escultura,  patriótico que conmemora las victorias de Florencia frente a su rival Milán En la escultura David personifica a Florencia (de ahí que lleve puesto un típico sombrero toscano), y Goliat a  Milán, uno de cuyos símbolos es la espada (convertida en cruz). También su inscripción hace  referencia al mismo tema: 

Pro Patria fortiter dimicantibus etiam adversus terribilissimos hostes di i praestant auxilium. Que significa: A los que valientemente lucharon por la madre patria, los dioses darán su ayuda incluso ante los más terribles enemigos.

Carlos Fernandez 

nacional

CARLOS FERNÁNDEZ, ESCULTOR

Nace en 1963, en la ciudad de Santiago, licenciado en Nace en 1963 en la ciudad de Santiago licenciado en arte, con mención en escultura de la Universidad Católica de Chile (1986 ) y realizó estudios de técnicas de molde directo y escultura hiperrealista en Vermont , USA (1995). Ha participado en diversas muestras colectivas y (1995) Ha participado en diversas muestras colectivas y en diversos simposios de escultura.

EMPUJE SIMPLE

Empuje, reúne los últimos trabajos escultóricos en  E j ú l últi t b j ltó i bronce, realizados por Fernández. Como es costumbre  en su obra, el cuerpo humano es objeto de estudio,  donde esta vez lo trabaja en torno a la acción de la  fuerza aplicada sobre un elemento (Presente o Ausente).  La obra de Fernández se caracteriza por  presentar la figura humana como elemento y no como  dato histórico ni situaciones particulares,  eliminando el  carácter narrativo propio de la escultura figurativa,  quedando exenta de anécdota. exenta de anécdota.  Ausente de las grandes disputas del sentido sobre el  cuerpo, repite el modelo original, acercándose al grabado  a través de este procedimiento, enseñándonos a ver  como conviven distintos discursos sobre el cuerpo.

Jose Vicente Gajardo j

nacional

JOSÉ VICENTE GAJARDO, ESCULTOR JOSÉ VICENTE GAJARDO ESCULTOR

Nace en Tomé en 1953. Estudia Arte en La N T é 1953 E t di A t L Universidad de Concepción. Obtiene el Título de Licenciatura en Artes con mención en Escultura en 1983. Participa en diversos Simposios y talleres de Escultura en Alemania, Simposios y talleres de Escultura en Alemania Italia, Portugal, Francia, Canadá, Argentina y Chile. Desde un comienzo Gajardo se inclina por lo abstracto. Plasma diversas ideas y reflexiones en sus obras, haciendo reflexiones en sus obras haciendo uso de la arcilla como materia prima. Con el paso del tiempo, descubre en el granito un medio para ejecutar sus obras. material que el artista aborda trabajándolo al límite de su artista aborda trabajándolo al límite de su flexibilidad. Sus trabajos plantean un nítido cuerpo constructivo frente a la materia, creando espacios que motivan ideas ilimitadas espacios que motivan ideas ilimitadas a través de un lenguaje sobrio y preciso.

La Imaginación de las Piedras (Museo de  Arte Contemporáneo MAC Valdivia)
Trabajadas en series, cada pieza refleja la solidez de una propuesta marcada por la objetualidad. Es así como "Muros" y "Herramientas", al igual que sus obras emplazadas en los parques de esculturas de Rancagua, Concepción y Santiago, lo atestiguan. p y g , g Desde un comienzo y durante sus estudios en la Universidad de Concepción, Vicente Gajardo se inclinó por lo abstracto. Plasmó diversas ideas y reflexiones en sus obras, haciendo uso de a a c a co o ate a p a uso de la arcilla como materia prima  Con el paso del tiempo, mantuvo su metodología creadora apegada a la tierra, pero también descubre en el granito, un medio para ejecutar sus maquetas. 

En la década de los '80 realizó su primera exposición individual en la desaparecida Galería Época, recibiendo la mejor de las críticas. No tardaron en distinguirlo con premios mejor de las críticas No tardaron en distinguirlo con premios nacionales e internacionales, y empiezan a surgir encargos urbanos que lo llevan a esculpir "Símbolo", actualmente ubicado en Avenida Vitacura. Ha participado en simposios tanto en Chile como en el extranjero. tanto en Chile como en el extranjero Entre las muestras que reflejan su madurez como artista sobresale "Tránsito" (Galería Animal, 2002), que marca el inicio de una escultura abierta, en forma definitiva, al movimiento público, pese a ser una estructura compuesta y movimiento público pese a ser una estructura compuesta y grávida.

Fuente: Museo Nacional de  Bellas Artes

A la vez, Gajardo no solamente juega con el volumen y las texturas ‐pulidas o porosas‐, también establece en muchas de sus obras un diálogo con el espacio, irrumpiendo como un sus obras un diálogo con el espacio irrumpiendo como un edificador, instalando bloques monumentales, noción obtenida luego de su visita a Rapa Nui, donde los moai lo impresionaron por el concepto de deificación de los ancestros y, por sobre todo, por el inmenso esfuerzo de su alineación y por sobre todo por el inmenso esfuerzo de su alineación repetida sobre el plano creando un espacio. De esta forma, algunas obras del escultor invitan a introducirse, caminar y relacionarse corporalmente con ellas. Característico es en Gajardo la utilización de la línea, el contraste  entre zonas pulidas y porosas y el juego de planos y volúmenes  manejados austeramente. Otro recurso al que acude el escultor es  el ensamblaje, dando a entender los conceptos de  complementariedad y dualidad, a partir de verdaderas bisagras  l i d d d lid d i d d d bi gigantes y sencillas. Una variante escultórica en torno a la existencia del ser humano es  la que Gajardo realiza través de los torsos y las corazas que ejecuta  a la manera de petos, en los que el espacio interior se presenta  como un espacio de libertad y protección. Con la misma intención  de humanizar el entorno, el artista crea una serie de mesas y  asientos, posibles de utilizar tanto para el descanso, como para el  uso doméstico o el ritual. uso doméstico o el ritual

Helen  Frankenthaler 

internacional

Frankenthaler, Helen (1928) EE.UU.. Pintora y escultora Frankenthaler Helen (1928) EE UU Pintora y escultora

Pintora expresionista abstracta estadounidense , pionera en la utilización de nuevos métodos  i l tili ió d ét d de tratamiento del color. Nació en Nueva York y estudió arte en la Facultad de Bennington.  Sus primeras obras reflejan una gran variedad de influencias, pero con posterioridad a 1951  de influencias pero con posterioridad a 1951 Desarrolló un estilo propio. Inspirada en Jackson Pollock, creador de la técnica del  dripping, que consiste en salpicar pintura sobre el lienzo, Frankenthaler utilizó pintura muy  el lienzo Frankenthaler utilizó pintura muy diluida para empapar o manchar lienzos sin  preparar, con la que creaba lagos diáfanos de  colores suaves, como los delicados rosas y  azules de montañas y mar (1952).   azules de montañas y mar (1952)

Naum Gabo 

internacional

Gabo, Naum (1890‐1977) EE.UU. Escultor Gabo Naum (1890 1977) EE UU Escultor

Gabo creció en una familia judía de seis hermanos  en el pueblo ruso provinciano de Briansk, dónde su  padre tuvo unos trabajos en la industria del metal.  Gabo era un escritor y portavoz fluente en idioma  , , g alemán, francés, e inglés además de su ruso nativo.  El hablar con fluidez varios idiomas contribuyó  grandemente a realizar frecuentes viajes durante su  carrera. Después de la escuela en Kursk Gabo entró en la  Universidad de Munich en 1910, estudiando  Universidad de Munich en 1910, estudiando medicina primero, y luego inició una carrera en las  ciencias naturales. También asistió a cursos de  historia del arte disertados por Heinrich Wölfflin.  Gabo se trasladó en 1912 a una escuela de  ingeniería en Munich dónde él descubrió el arte  ingeniería en Munich dónde él descubrió el arte abstracto y se encontró con Wassily Kandinsky y en  1913‐14 su hermano Antoine se le unió (quién ya se  estableció como un pintor) en París. Gabo pensaba  que el entrenamiento era importante para el  desarrollo de su trabajo escultural y a menudo usó  desarrollo de su trabajo escultural y a menudo usó elementos mecánicos.

Después del estallido de la guerra se trasladó a Copenhague  (Dinamarca) con su hermano más joven Alexei que hace sus  primeras construcciones bajo el nombre de Naum Gabo en  1915. Estas construcciones más tempranas eran  1915. Estas construcciones más tempranas eran originalmente en cartón o madera figurativas como el Head  No.2 en la colección de Tate. Él regresó a Rusia en 1917,  involucrándose en la política y arte por lo que pasan cinco  años en Moscú con Pevsner. Gabo donó el Agit‐prop las  exhibiciones aéreas abiertas y enseñó a 'VKhUTEMAS' el arte  más alto y el taller técnico, con Tatlin, Kandinsky y  más alto y el taller técnico con Tatlin Kandinsky y Rodchenko. Durante este período los alivios y construcción  se pusieron más geométricas y Gabo empezó a experimentar  sin embargo con la Escultura cinética que la mayoría del  trabajo estaba perdida o destruida. Los planes de Gabo se  habían puesto en aumento monumentales pero había una  oportunidad pequeña de aplicarlos comentando  era la  oportunidad pequeña de aplicarlos comentando 'era la altura de guerra civil, hambre y desorden en Rusia. Para  encontrar cualquier parte de maquinaria… estaba al lado del  imposible'. Gabo escribió y emitió juntamente con Pevsner  en agosto de 1920 un 'Manifesto Realista' proclamando los  principios de puro Constructivismo ‐ la primera vez que el  término fue usado. En el manifiesto Gabo criticó el Cubismo  término fue usado En el manifiesto Gabo criticó el Cubismo y el Futurismo como no volverse las artes totalmente  abstractas y declaró que la experiencia espiritual era la raíz  de producción artística. Gabo y Pevsner promovieron el  manifiesto organizando una exhibición en un kiosco de  música en el Bulevar de Tverskoy en Moscú y anunciaron el  manifiesto en las acumulaciones alrededor de la ciudad. ifi t l l i l d d d l i d d

Luca della Robbia 

clasico

Luca della Robbia (1399‐1482) Luca della Robbia (1399 1482)

Según Giorgio Vasari, Luca nació En el año 1388 en  la casa de sus antepasados que se encontraba  debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia.  Fue educado, conforme a las costumbres de la  p , q p , época, hasta que aprendió no sólo a leer, sino  también a escribir y contar, como se solía hacer en  casi todas las casa florentinas, por sus propios  medios. Su padre le colocó, enseguida, para que  aprendiera el oficio, en casa del orfebre Leonardo,  j ,p , hijo de Giovanni considerado, por entonces, en  Florencia, como el mejor maestro en este arte. Nacido en el seno de una familia de tintoreros  (robbia significa "garance" en toscano), empezó  como escultor de mármol y estudió la escultura  antigua. Luca Della Robbia realizó la Tribuna des  antigua. Luca Della Robbia realizó la Tribuna des Chantres, en el Domo de Florencia (1431),  bajorelieve muy importante encargado para la obra  del Domo que tenía que emplazarse encima de la  puerta de la sacristía de Messes. La terminó hacia  1438 1439. 1438‐1439.

En 1446, Luca y su hermano Marco, compraron una gran  casa para instalar un taller y un horno. En 1448 murió  Marco dejando a cargo de Luca a sus seis sobrinos, entre  los cuales destaca Andrea que fue el más conocido.  g g ( ) Andrea se hizo cargo de la Botega (taller) a la muerte de  su tío, y sus cinco hermanos trabajaron con él. El más  célebre es el tercer hijo: Giovanni. Después el taller  dejaría de funcionar. Insensible a las tendencias del Renacimiento, formuladas  por Brunelleschi, Masaccio, Donatello, etc. Luca Della  por Brunelleschi, Masaccio, Donatello, etc. Luca Della Robbia es un escultor cuya sobriedad clara de los planos y  los ritmos, la serenidad clásica de los rostros, las formas  simples y la sensibilidad de la luz estarán siempre  presentes en su obra. Buscó la fórmula para de conservar  sus obras de barro cocido. Siempre según Vasari,  sus obras de barro cocido. Siempre según Vasari, Considerando que el barro se trabaja fácilmente y sin  grandes fatigas, busca el medio de conservar las obras  una vez que las mismas están acabadas, sueña que  encuentra ese medio para defenderlas de las injurias del  tiempo, después de haber experimentado con cantidad de  tiempo, después de haber experimentado con cantidad de cosas, descubre, por fin, que recubriéndolas con una  mezcla de estaño, de antimonio y otros minerales y  mixturas cocidas en un horno especial, se obtiene un  efecto eficaz para conservar la obra de barro casi  eternamente. El sobrino del artista y los hijos de éste  eternamente. El sobrino del artista y los hijos de éste continuaron con esta técnica.

Una de las últimas esculturas del repertorio de  Giovanni Della Robbia titulada Visiter les malades Giovanni Della Robbia titulada Visiter les malades (1525‐1529), se puede contemplar en el Hospital  del Ceppo de Pistote. Actualmente del taller de los Robbia, bajo la  directriz de sus alumnos y los hijos de sus sobrinos,  no produce más que piezas artesanales y  no produce más que piezas artesanales y comerciales. La producción familiar fue muy prolífica y se  exportó a toda Europa. Comprende frisos y  retablos, emblemas de corporaciones o armas  aristocráticas, retratos de la Virgen María o de  á d l í d santos, para la devotos privados. Las obras Della  Robbia se caracterizan por su gracia, su brillante  colorido (especialmente el blanco y el zul), la finura  del modelo y la frescura del diseño. Su estilo se  reconoce fácilmente. fá il

V3

Recopilación biografía y obra escultores Chilenos y extranjeros
Alumnos pedagogía y Licenciatura en artes Nivel100 Universidad Autónoma de Chile sede Talca.

Wilma Hannig Kortwich  g

nacional

Escultores nacionales
Biografía
Wilma Hannig Kortwich
• Licenciada en Arte – Escultura, Universidad de Chile 1960 • Licenciada en Arte – Escultura, Universidad Católica 1976 • Ayudante y Profesor de Cátedra en Escultura ‐ Bellas Artes, U. de Chile 1962 – 1980 • Profesor de Cátedra en Escultura, Escuela de Arte Pontificia Universidad Católica de Chile 1962 – Profesor de Cátedra en Escultura, Escuela de Arte Pontificia Universidad Católica de Chile 1962 • 1977 Becas y Post‐grados • Beca otorgada por el DAAD ( Deutscher Austauschdienst ) a través del Goete Institute  • Beca otorgada por el DAAD ( Deutscher Austauschdienst ) a través del Goete Institute • Estudios en Bellas Artes, Dusseldorf y Berlín 1961 – 1962 • Beca del Ministerio de Relaciones Exteriores de Italia, 1962 • Beca en S.A.T. • Instituto de Psicología y Meditación en Berkeley, California 1973 Exposiciones • Exposición Individual Galería Bolt, Santiago 1963 • Exposición Individual Galería Lyrolay, Buenos Aires 1964 • Exposiciones de Escultura Chilena Colectivas, participación en los salones oficiales, ( 1961‐1972 )

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Escultores nacionales
Biografía Wilma Hannig Kortwich
Premios • Premio de Escultura, Bienal 1965 • Premio de Escultura Chilena, Casa de la Cultura de Nuñoa • Premio Exposición  Cenografía • Premio Exposición “ Cenografía ” • Varios premios más como menciones honrosas Obras en Museos • Piedra ‐ Museo de Bellas Artes • Granito ‐ Museo de Arte Contemporáneo Participación por Invitación • Exposición Inaugural Museo de Bellas Artes organizada por el gobierno del Pdte. Patricio Alwin, 1990 • Exposición de Escultura Chilena, Casa Central de la Universidad de Chile, 1991  Exposición de Escultura Chilena, Casa Central de la Universidad de Chile, 1991 Otros Títulos • Facilitadora Gestáltica ( terapeuta ), otorgado por el Profesor Patricio Vera ( Ministerio de Educación ),  Instituto I.D.E.C. de Viña del Mar • Participación en Trabajos Psicológicos impartidos por el Psiquiatra Claudio Naranjo, 1963 – • Participación en Trabajos Psicológicos impartidos por el Psiquiatra Claudio Naranjo 1963 1973 • Práctica e Investigación Personal durante cuatro años de trabajo terapéuticos y de integración del  desarrollo creativo y psicológico de Gestalt, I.D.E.C.  Desde 1980 hasta la actualidad impartiendo clases particulares de dibujo en grupos, aplicando el método de  Betty Edwards “Aprenda a dibujar con el lado derecho del cerebro” Desde 1978 hasta la actualidad dedicada a pintar en taller privado, además enseñando a pintar a alumnos  egresados del curso del desarrollo del Hemisferio Derecho 

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Escultores nacionales
País:                   CHILE  Año:                    1994  Tipo de obra:       PINTURA (Angel) Dimensiones:      110 x 80 Técnica:              Óleo Técnica: Óleo Soporte:              Lienzo Firma:                 W. Hannig

Autor:                W. Hannig  País:          CHILE  Año:        1994  Tipo de obra:   PINTURA (La virgen y el niño) Dimensiones:  110 x 80 Técnica:   Óleo Soporte:     Lienzo g Firma:                      Wilma Hannig 

El incondicional amor de una madre

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Mario Irarrazábal 

nacional

Escultores nacionales 

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Biografía
Mario Irarrazábal escultor e instalador, nació en Santiago el 26 de noviembre de 1940.  El artista realiza una producción escultórica con materiales tales como bronce, aluminio,  piedra, madera y hormigón. A través de un estilo figurativo, el artista comunica sus ideas en  torno a una temática cristiana‐ humanística, de marcada tendencia social. Una vez finalizados sus estudios escolares, Irarrázabal marchó a los EE.UU, donde permaneció  Una vez finalizados sus estudios escolares Irarrázabal marchó a los EE UU donde permaneció cinco años en el seminario de La Congregación de la Santa Cruz.  Entre 1960 y 1964 estudió en la Universidad de Notre Dame, también en Norteamérica, donde  obtuvo el Bachiller en Arte y Filosofía, y un Master en Bellas Artes. En 1965 se fue a Italia, y por espacio de tres años, estudió Teología en la Universidad  Gregoriana de Roma. En Chile recibió el titulo de Licenciado en Teología por la Pontificia  Gregoriana de Roma. En Chile recibió el titulo de Licenciado en Teología por la Pontificia Universidad Católica.  En 1968 se trasladó a Alemania, donde estudió con el escultor Waldemar Otto, maestro que  sería clave en su formación, tanto técnica como estilística. Se desempeñó como profesor de  escultura en la Universidad Católica, entre 1972 y 1974, y en la Universidad de Santiago desde  1975.  En el año 1983 trabajó en el atelier Hans Worpswede, en Bremen, gracias a una beca del  gobierno alemán.  En 1995, Irarrázabal participó de la fundación de la Asociación de Escultores de Chile, de la que  fue asignado Director Premio Salón de Valparaíso (1976), Primer Premio IV Concurso Colocadora Nacional de Valores  (1978),estas son algunas de las destinciones  que ha recibido el artista. (1978) estas son algunas de las destinciones que ha recibido el artista

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Biografía
Mario Irarrazabal Mario Irarrazabal

Escultores nacionales Escultores nacionales

El artista realiza una producción escultórica con materiales tales como bronce, aluminio, piedra, madera y  hormigón. A través de un estilo figurativo, el artista comunica sus ideas en torno a una temática cristiana‐ humanística, de marcada tendencia social. Mario Irarrázabal ha recibido, entre otras varias, las siguientes distinciones: Premio Salón de Valparaíso (1976),  Mario Irarrázabal ha recibido entre otras varias las siguientes distinciones: Premio Salón de Valparaíso (1976) Primer Premio IV Concurso Colocadora Nacional de Valores (1978). A través de un estilo figurativo, el artista comunica sus ideas en torno a una temática cristiana‐ humanística, de  marcada tendencia social: la injusticia, la incomunicación, la soledad, etc., aspectos redimidos siempre por su  confianza en el amor. Tal comunicación es simbólicamente directa, sin hermetismos que confundan el sentido de la expresión; esto no  q p significa que sus obras sean "simples o fáciles", si no que en ellas, la unión de composición formal y tema está  tan íntimamente conseguida, que los materiales pueden evidenciar su propia capacidad de auto presentación.  Así mismo, la técnica de la cera perdida le permite al artista elaborar bronces que contienen todo lo que quiera  imprimir: gestos, tensiones, texturas, haciendo que dichos elementos se presenten necesarios e inherentes al  significado expresado.  Irarrázabal se aleja de los cánones de representación de la figura humana, para concebir seres con miembros  Irarrázabal se aleja de los cánones de representación de la figura humana para concebir seres con miembros alargados y cuerpos abultados, deformaciones que se relacionan con un intenso expresionismo, reforzado por  las posturas de las figuras y la dirección de sus cabezas.  Casi todas sus obras son de pequeño formato, pero sin perjuicio de esto, Irarrázabal realiza también obras de  grandes dimensiones, siendo las más reconocidas, las manos de cemento que se encuentran en las arenas del  desierto chileno, en Punta del Este, en Venecia y Madrid, dispuestas de modo tal que simulan emerger de la  y p q g tierra. Otro tipo de obra que amplía su producción, en cuanto implica investigación objetual y espacial, es la  instalación, destacándose "33 caballos‐balancín y 44 sillas de niño", montaje compuesto por dichos objetos, que  el artista pintó de blanco, rojo y azul y dispuso al interior de un museo, aludiendo irónica y críticamente al  régimen militar.

Escultores nacionales 
• Conceptos o búsqueda formal en sus obras Conceptos o búsqueda formal en sus obras

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Mario irarrazabal Mario irarrazabal Mario Irarrázabal ha recibido, entre otras varias, las siguientes distinciones: Premio  p ( ), Salón de Valparaíso (1976), Primer Premio IV Concurso Colocadora Nacional de  Valores (1978), Premio Concurso Punta del Este, Uruguay (1982), Premio Concurso  Nacional de Escultura para la Sede de la ONU en Kenya (1985), Primer Premio  Escultura, VIII Bienal Internacional de Arte de Valparaíso (1987), Primer Premio  j p ( ), p j Escultura Homenaje al Pueblo Mapuche (1988), Premio para ejecutar una de las  cuatro esculturas del Congreso Nacional (1991) y Primer Premio, I Concurso de  Escultura de Las Tacas (1995) Muchas de sus obras se encuentran en espacios  públicos, tanto en Chile como en el extranjero y forman parte de las colecciones de  varios museos; así por ejemplo, el MNBA posee cuatro esculturas de su autoría. varios museos; así por ejemplo, el MNBA posee cuatro esculturas de su autoría.

Escultores nacionales 

Mano del Desierto  Escultura del artista Mario Irarrázabal, instada en  1992, en pleno desierto a 75 Km al S.E de  Antofagasta. Enormes dedos saludan al Viajero al  borde de la ruta 5CH. b d d l t 5CH

La Historia "La Mano" La mano que emerge de la  arena en plena Parada 4 de la Brava se encuentra allí  arena en plena Parada 4 de la Brava se encuentra allí desde febrero de 1982, cuando el artista chileno  Mario Irarrazabal llegó invitado por la Intendencia  de Maldonado para participar del Primer Encuentro  Internacional de Escultura Moderna al Aire Libre de  Punta del Este.

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LOS DEDOS La escultura gigante de “Los Dedos”, se llama en realidad “La Mano” y es el símbolo  por excelencia de la Punta del Este de los últimos años. Obra del artista chileno  Mario Irrazabal, forma parte del complejo escultórico al aire libre Parque de las  Américas, en el comienzo de la rambla de playa Brava. A éi l i d l bl d l B

Según el artista, esta obra refleja el trabajo del hombre en la naturaleza y  el hombre surgiendo a la vida.  el hombre surgiendo a la vida. Pero cada uno le da su interpretación y no faltan los niños que escuchan de sus  padres la versión de que “Los Dedos” es la mano de un gigante enterrado bajo la  arena.  Miles de turistas tienen entre sus fotografías un recuerdo en Los Dedos. Imperdible. 

Andy Warhol  y

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Andy Warhol
• • , fue un artista estadounidense nacido el 6 de agosto de 1928 y que falleció el 22 de  fue un artista estadounidense nacido el 6 de agosto de 1928 y que falleció el 22 de febrero de 1987. Fue la figura más destacada del movimiento pop art. Después de una exitosa carrera como ilustrador de revistas y de publicidad, Warhol se  hizo famoso en todo el mundo por su trabajo como pintor y cineasta de vanguardia.  Como figura pública es recordado por haber estado vinculado a círculos sociales muy  diversos, incluso antagónicos, como la bohemia neoyorquina, reconocidos intelectuales,  , g , y q , , celebridades de Hollywood o ricos aristócratas. Fue un personaje polémico durante su vida ‐ algunos críticos calificaban sus obras como  pretenciosas o bromas pesadas ‐ y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas  exposiciones retrospectivas, libros y documentales. No en vano, está considerado como  uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Warhol W h l nació en Pittsburgh, Pennsylvania, hijo de inmigrantes eslovacos. Su padre,  ió Pitt b h P l i hij d i i t l S d Andrej Varchola cambió su nombre por el de Andrew Warhola al llegar a Estados Unidos,  al igual que su madre, Ulja Justina Zavacka, quien adoptó el nombre de Julia Warhola. Su  padre trabajaba en la construcción y tanto él como su mujer practicaban la fe ortodoxa. De niño, Andy padecía de escarlatina, una enfermedad que provoca una pigmentación  anormal de la piel, así como de el baile de San Vito, afección del sistema nervioso que  p , , q causa movimientos involuntarios. Probablemente estas dos enfermedades le llevaron a  ser hipocondríaco desde muy joven, desarrollando miedo a los hospitales y a los  médicos. De pequeño se pasó largas temporadas postrado en la cama, por lo que apenas  se relacionaba con sus compañeros de clase, desarrollando un vínculo muy fuerte con su  madre. Sus mayores pasatiempos cuando estaba convaleciente eran pintar, escuchar la  radio y coleccionar fotografías de actores y actrices famosos, con las que decoraba su  radio y coleccionar fotografías de actores y actrices famosos, con las que decoraba su habitación. Más tarde, Warhol reconocería que ese periodo de su enfermedad fue muy  importante en el desarrollo de su personalidad y de sus habilidades y preferencias  artísticas.

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• Andy Warhol
Demostró tener un talento artístico desde muy joven y estudió Arte Comercial en el  Carnegie Institute of Technology, ahora conocida como Carnegie Mellon University.  Después de graduarse en 1949, se mudó a Nueva York y comenzó una carrera exitosa  Después de graduarse en 1949 se mudó a Nueva York y comenzó una carrera exitosa como ilustrador tanto en revistas como Vogue y Harper’s Bazaar, como en publicidad.  En 1956 ganó un premio por logros destacados de parte del MoMA, Museo de Arte  Contemporáneo de Nueva York. Durante los años 60 Warhol comenzaría a pintar cuadros de productos  estadounidenses famosos como sus célebres latas de sopa Campbell de 1962 y los  dedicados a botellas de Coca‐Cola. También retrataría a personajes populares de la  época como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor,Liza Minnelli, o Troy Donahue. época como Marilyn Monroe Elizabeth Taylor Liza Minnelli o Troy Donahue En 1963 fundaría su famoso estudio The Factory, reuniendo alrededor suyo a un  amplia gama de artistas, músicos, escritores y personajes conocidos del underground  neoyorquino. Poco más tarde comenzaría a hacer serigrafías en serie, con lo que  buscaba no sólo hacer arte que reflejara productos fabricados en serie, si no producir  en serie el arte mismo. Con esto, Warhol pretendía actuar como una máquina,  minimizando el rol de su propia idea creativa en la producción de su trabajo. Fue así  como revolucionó el mundo del arte y su trabajo se hizo tan popular como polémico. como revolucionó el mundo del arte y su trabajo se hizo tan popular como polémico

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• Warhol tenía un don especial para aglutinar a la gente más chic del  momento. Era tan consciente de lo que ello representaba que se  obsesionó con grabar y fotografiar todos los eventos. Sabía que aquellos  momentos intrépidos y aparentemente superficiales se iban a convertir en  i é id fi i l ib i historia. Las paredes plateadas de la Factory fueron testigos de muchas de  las conversaciones y performances que fueron objeto de diversos  registros. Para ello Warhol creo su propia revista, Interview, cuya premisa  registros Para ello Warhol creo su propia revista Interview cuya premisa era crear celebridades y reproducir las grabaciones “crudas”, esto es,  incluyendo estupideces, lapsus y vacilaciones. Andy Warhol así no sólo  cambiaba las reglas del arte contemporáneo; también revolucionaba el  género periodístico de la entrevista, esa ficción de arena pública donde la  é i dí i d l i fi ió d úbli d d l gente –se supone– dice lo que piensa (aun cuando él se quedaba callado.  Contestaba con monosílabos, genialidades lacónicas o largas digresiones  sonámbulas). Decía que sí y que no a cualquier cosa. Jamás perdía la  sonámbulas) Decía que sí y que no a cualquier cosa Jamás perdía la calma. Leía reportajes ajenos para robar respuestas ingeniosas. 

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“Te presento a mi mujer” o “Ésta es Sony, mi esposa”,  solía decir Andy Warhol. Y luego señalaba su grabadora  portátil japonesa, que siempre estaba a su lado. Grabar, se  á l b l d b sabe, era una de las pasiones de Warhol

No importa donde se pone la cámara. Sólo importa recortar un pedazo de  p p p p la realidad al modo de arrancar un cuadro colgado en una pared.  Los medios, son el intermediario de la realidad. Sin embargo, ¿De qué tipo  de realidad? La realidad de unos pocos y que pretende ser el ejemplo de  muchos. La realidad de unos particulares que tratan de establecerse como  h L lid d d ti l t t d t bl el universal a seguir, al modo del imperativo categórico de Kant, que dice  así: “actúa de tal modo que tu obrar, pueda convertirse en norma  universal”. Habría que cambiarlo para adaptarlo a la era actual por el  q p p p siguiente: “actúa de tal modo que tu medio convierta su propia realidad  en norma universal”.

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• ANDY WARHOL ANDY WARHOL
Durante los años 60 Warhol comenzaría a pintar cuadros de  D l ñ 60 W h l í i d d productos estadounidenses famosos como sus célebres latas  de sopa Campbell de 1962 y los dedicados a botellas de Coca‐ Cola. También retrataría a personajes populares de la época  p j p p p como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor,Liza Minnelli, o Troy  Donahue. En 1963 fundaría su famoso estudio The Factory, reuniendo  alrededor suyo a un amplia gama de artistas, músicos,  l d d li d ti t úi escritores y personajes conocidos del underground  neoyorquino. Poco más tarde comenzaría a hacer serigrafías en  serie, con lo que buscaba no sólo hacer arte que reflejara  , q q j productos fabricados en serie, si no producir en serie el arte  mismo. Con esto, Warhol pretendía actuar como una  máquina, minimizando el rol de su propia idea creativa en la  producción de su trabajo. Fue así como revolucionó el mundo  d ió d t b j F í l i ó l d del arte y su trabajo se hizo tan popular como polémico.

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Andy Warhol
• • BIBLIOGRAFÍA SMITH, Patrick S. Warhol. Conversations About the Artist. 384 pp. Ann Arbor, Michigan: UMI  Press, 1997. WARHOL, Andy. a: a novel. 458 pp. New York: Grove Press, 1998. Se publicó originalmente en  1968. 1968 WARHOL, Andy. América. Sin paginar. New York: Harper & Row, 1985. WARHOL, Andy. The Andy Warhol Diaries. Editado por Pat Hackett. 839 pp. New York:  Warmer Books, 1989. WARHOL, Andy. Andy Warhol's Exposures. 255 pp. New York: Andy Warhol Books / Grosset &  , y y p pp y / Dunlap, 1979. WARHOL, Andy and Pat Hackett. Andy Warhol's Party Book. 159 pp. New York: Crown, 1988. WARHOL, Andy. The Philosohpy of Andy Warhol (from A to B & Back Again). New York.‐ Harcourt Brace Jovanovich, 1975. WARHOL, Andy y Pat Hackett. POPism. The Warhol 60s. 310 pp. New York: Harcourt Brace  WARHOL Andy y Pat Hackett POPism The Warhol 60s 310 pp New York: Harcourt Brace Jovanovich, 1990 Who Is Andy Warhol? Editado por Cohn MacCabe, Mark Francis y Peter Wollen. 162 pp.  London: British Film Institute and Pittsburgh: The Andy Warhol Museum, 1997. Andy Warhol: A Retrospective. Cuatro ensayos, cronología. 478 pp. The Museum of Modern  Andy Warhol: A Retrospective. Cuatro ensayos, cronología. 478 pp. The Museum of Modern Art, New York y The Hayward Gallery, Londres, 1989. 

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• Adami, Valerio (1935 ‐). Italiano pintor y artista gráfico, su país el principal  Adami Valerio (1935 ) Italiano pintor y artista gráfico su país el principal exponente del arte pop y uno de los pocos no‐americano o no‐artistas  británicos para lograr éxito a nivel internacional en el campo.  Había nacido  y , q en Bolonia y desde 1953 a 1957 estudió en el Brera en Milán, la ciudad que  ha sido el principal centro de sus actividades (en 1961‐2, trabajó en  Londres y en 1962‐1964.
es un pintor, diseñador y grabador italiano cuyo estilo se basa en el cubismo. es un pintor diseñador y grabador italiano cuyo estilo se basa en el cubismo

Reconocido como uno de los artistas europeos vivos más importantes, Valerio Adami  R id d l ti t i á i t t V l i Ad i se singulariza por su personal estilo, síntesis de Cubismo, Pop art y Futurismo. 

VALERIO ADAMI 

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• VALERIO ADAMI VALERIO ADAMI
Vida y obra  Recibe una sólida formación en el estudio de Achille Funi, en la Accademia di Belle  , Arti di Brera, de Milán (1951‐54). Se instala en París en 1957, y a partir de entonces  desarrolla su actividad a caballo entre Francia e Italia. Su estilo inicial es expresionista, y combina imágenes violentas y chistosas, bajo  influencia de Roberto Matta y las tiras de cómic. Protagoniza su primera exposición  importante en 1962 (Londres, Institute Of. Contemporary Art), y pronto participa  en la Documenta III de Kassel. A mediados de los 60, Adami fija su estilo más conocido, de influencia pop:  imágenes estilizadas, perfiladas en negro sobre áreas de intensos colores planos.  Su proceso creativo arranca de fotografías y demás imágenes de su entorno, que  desmenuza, combina y presenta en formas esquemáticas. Su éxito es rápido, y en  d b f á é á d 1968 representa a Italia en la Bienal de Venecia. En esa época, decora con cuatro grandes murales la sede del Firstar Bank en  Madison (Wisconsin, EE.UU.) M di (Wi i EE UU )

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• Adami es reconocida internacionalmente como un importante artista europeo. p p Spaightwood dispone de obras de sus tres grandes períodos de actividad. En sus primeros Pop ámbito de los trabajos, nos ofrece opiniones de los fragmentos aislados de la sociedad moderna en la que los objetos se sacan de contexto y perspectiva para que podamos verlos de nuevo. Estos son en gran medida elegante diseño-visiones de un mundo sin signos visibles de la vida en ella. Eran sucedido por una serie de obras centradas en momentos históricos y las presentaciones de esos héroes de la cultura moderna como Freud, Joyce Freud Joyce, Walter Benjamin y a menudo evocan más bien ruefully el y, mundo que desee, pero no para crear. Las obras de su período más reciente son tal vez su más interesante y atractiva. Ellos demuestran su voluntad, tal como relató Jane Kramer en la "Carta de Europa" en el 14 de mayo de 1984 El tema de la revista New Yorker para despertar la civilización del deseo de Yorker, un espacio para soñar y fantasear revivificable de los mitos de la cultura occidental y historia, poblamiento sus obras con personajes de Ovidian escenas y otros momentos ficticia que podría permitirnos una vez más, renovada, renovada comenzará la búsqueda de los manantiales de la sexualidad sexualidad, deseo, belleza y creatividad. Nuestro inventario se centra en las obras de este período, lo que representa la mayoría de las anteriores de bajo costo a gran edición no se ha firmado litografías como medio de poner las obras más tarde firmó en el contexto de su carrera hasta la fecha fecha.

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•VALERIO ADAMI VALERIO ADAMI
• • • • • • • • • • • • • • • • • • Toma el caballero su propio rostro. Delicado, con enguantadas manos l d lo sujeta; j acusando su aguileña nariz en un momento. Desprovisto de sedas y de lienzos, Desprovisto de sedas y de lienzos su cuerpo se advierte prisionero del ojo que lo encierra. Cerraduras no quiere engrilletando su pincel. Embadurnado de dorados afeites será libre. E b d d d d d f it á lib Se olvidará del cuadro, aquel que tanto ansió; para mirar la tarde que se ofrece trufada en ocre y oro. para mirar la tarde que se ofrece trufada en ocre y oro. Se cierra ya el Oriente forjado en puro fuego; anaranjadas las nubes que arrastra el aquilón .

Auto retrato

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• VALERIO ADAMI
Tramonto.Regard en arriere es una serigrafia de  dimensiones impresionantes, forma parte del  proyecto Mémoire de la liberté propuesto en 1991  proyecto Mémoire de la liberté propuesto en 1991 por la UNESCO, en el que 55 artistas de todo el  mundo (Joseph Beuys, David Hockney, Antoni Tàpies o  Motherwell, entre otros) se basaron en alguno de los  derechos humanos para crear unas obras que desde  derechos humanos para crear unas obras que desde entonces se han ido exponiendo en los museos más  importantes. 

En Catullo, el laurel, el prominente  perfil y la cruz contribuyen a  presentar un puzzle alegórico y  presentar un puzzle alegórico y fragmentario, en el que, como tantas  otras veces a partir de los años 70,  entra a formar parte la escritura. 

François Duquesnoy  ç q y

internacional clasico

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• François Duquesnoy 
François Duquesnoy de Anthony van Dyck (  ,  ,  – ,  in  ) was a prominent  sculptor in Rome.  François Duquesnoy ( i (Bruselas, 12 de enero de  l d d 1597 ‐ 12 de julio de 1643 en Livorno) fue un  destacado barroco escultor en Roma.  's works,  while his style shows greater affinity to  's  hil hi t l h t ffi it t ' sculptures. Su más idealizada representaciones  son a menudo contrasta con el carácter  emocional de Bernini  s obras, si bien su estilo  emocional de Bernini 's obras si bien su estilo muestra mayor afinidad por Algardi' s esculturas. 

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• • Los primeros años  L i ñ , in Rome, he was called Il Fiammingo by the Italians, and François Flamand by the French. Aunque  Duquesnoy es valón, en Roma, fue llamado Il Fiammingo de los italianos, y François Flamand por el  francés.  , governor Of. the Low Countries, and Archduchess Isabella and sculptor Of. the  fountain  in Brussels, of 1619. Su padre, Jerome Duquesnoy I, es el tribunal al escultor archiduque Alberto,  in Brussels, of 1619. Su padre, Jerome Duquesnoy I, es el tribunal al escultor archiduque Alberto, gobernador de los Países Bajos, y la archiduquesa Isabel y escultor del Manneken Pis en Bruselas  fuente, de 1619.  Algunos de Francois' principios de trabajo en Bruselas atrajo el anuncio del  archiduque, que le dio los medios necesarios para estudiar en Roma, donde pasaría toda su carrera.  Marcus Aurelius to determine how it was cast, or making a pilgrimage to the shrine of Diana at  . De  acuerdo a los primeros biógrafos, cuando llegó Algardi en Roma en 1618, estudió escultura de  acuerdo a los primeros biógrafos cuando llegó Algardi en Roma en 1618 estudió escultura de antigüedades en detalle, más de la escalada ecuestre de Marco Aurelio para determinar la forma en  que fue lanzado, o la realización de una peregrinación hasta el templo de Diana en el lago Nemi. ,  who shared his classicizing emotionally‐detached manner of depiction, arrived in Rome, and the  two foreign artists lodged together. En 1624, Nicolas Poussin, que comparte su classicizing  separarse emocionalmente de forma de representación, llegaron a Roma, y los dos artistas  extranjeros presentadas conjuntamente.  . Ambos se trasladaron en el círculo de patrocinio de  Cassiano dal Pozzo. . Ellos desarrollaron un canon ideal expresivo de las cifras, para contrarrestar el  teatro barroco de Bernini. , in Lives of the Modern Painters, Sculptors and Architects from 1672,  hailed Duquesnoy s art as restoring contemporary sculpture to quality of antique Roman sculpture.  hailed Duquesnoy's art as restoring contemporary sculpture to quality of antique Roman sculpture. Contemporáneo críticos, al igual que Giovanni Bellori, la vida de la moderna pintores, escultores y  arquitectos a partir de 1672, aclamado Duquesnoy del arte como la restauración de la escultura  contemporánea a la calidad de la escultura romana antigua.  . Bellori dice que con su Santa  Susanna, Algardi "había dejado a los escultores modernos ejemplo de estatuas vestidos de cifras, lo  que hace él más que la igualdad de los mejores escultores antiguos .... que hace él más que la igualdad de los mejores escultores antiguos " 

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• putti for  Duquesnoy Entre las primeras obras se bajorrelieve putti de Villa Doria putti for . Duquesnoy Entre las primeras obras se bajorrelieve putti de Villa Doria  Pamphili [2]. for  (in process 1624–1633). A pesar de la polaridad percibidos por  los contemporáneos en su enfoque estilístico, Duquesnoy colaboró con Bernini, en  el diseño, entre otros, de los ángeles que ofrecen guirnaldas de la Baldacchino de  Saint Peter's (en proceso 1624‐1633).  Los cuatro ángeles son totalmente  S i tP t ' ( 1624 1633) L t á l t t l t Duquesnoy del trabajo, y este trabajo le avanzadas futuro comisiones. La estatua  de Santa Susanna Duquesnoy la classicized Santa Susanna (1629) representa a la santa como  q y ( ) p modesto y revelar en virtud de tapizados de mármol ‐ "tanto es así que el puro  volumen de los miembros es visible" (Bellori).  in front of the Roman Forum of  Trajan (1630–33). Esta es una de las cuatro esculturas que representan vírgenes  g p mártires de diversos escultores de la iglesia de Santa Maria di Loreto en la parte  delantera del Foro romano de Trajano (1630‐33).  Los críticos han señalado en el  refinado y superficies de la suavidad y dulzura con que Duquesnoy invertido esta  estatua.  Hay una trascendencia en su mirada vacía.  was sent to Paris (1739) and  Duquesnoy s Susanna entered the canon of most admired modern sculptures. La  Duquesnoy's Susanna entered the canon of most‐admired modern sculptures. La escultura era poco conocido hasta el siglo 18, cuando una copia en mármol de  Guillaume Coustou fue enviado a París (1739) y la Duquesnoy Susanna entrado en  el canon de más admiradas esculturas modernas. 

Escultor clásico Escultor clásico
• • San Andrés La estatua de San Andrés en el Cruce de San Pedro  San Andrés La estatua de San Andrés en el Cruce de San Pedro El más extrovertido de mármol representación de San Andrés (1629‐33) se  inició pocos meses después de su finalización de la Santa Bibiana.  Es uno de  los cuatro más grandes‐que‐la vida estatuas en las esquinas del cruce de San ;  p , , p p y p each depicts a venerated relic, which at the time, was property of the Pope  and St. Peters. Peter's Basilica, cada uno representa una venerada reliquia,  que en su momento, fue propiedad del Papa y de San Pedro.  Saint Longinus ,  Santa Veronica , and  St Helena ). (Las otras cuatro estatuas son Bernini's Saint  Longinus, Mochi la Santa Verónica, y Bolgi de Santa Elena). Duquesnoy se  enojó, se dice, cuando Bernini han intrigado a su Longinus colocado en la  enojó se dice cuando Bernini han intrigado a su Longinus colocado en la esquina que sólo pueden recibir directamente los rayos de luz solar,  mejorando el drama de esa pieza.  in 1461, but returned to  by  centuries later.  La estatua de Andrew se quiere decir en honor a la reliquia de los apóstoles  del cráneo, supuestamente presentó al papa Pío II por el emperador bizantino  Thomas Paleologus en 1461, pero regresó a Constantinopla por Pope Paul VI  Th P l l 1461 ó C t ti l P P l VI siglos más tarde.  Es útil contrastar el tono de Andrew con la de Longinus:  Andrew en las colgaduras caída vertical o vea lánguida, mientras que la ropa  de Longinus inflar en improbably almidonada ebullience.  of his martyrdom,  while Longinus theatrically flings arms outward expostulating divine influence.  g y g p g Andrew se derrumba sobre el saltire cruz de su martirio, mientras que  Longinus teatralmente flings armas hacia el exterior expostulating divina  influencia.  Ambas estatuas acentuar las diagonales, pero la Duquesnoy es  más restringido que cualquiera de los dos Bernini o de la contribución de  Mochi. Mochi

Escultor clásico Escultor clásico
Otras obras  , who offered the position of royal sculptor to  and with the goal of founding a royal academy of sculpture in  who offered the position of royal sculptor to and with the goal of founding a royal academy of sculpture in Paris. Poussin recomendó a Duquesnoy Cardinal Richelieu, que ofreció la posición de real a escultor Louis XIII y  con el objetivo de fundar una real academia de escultura en París.  and episodes of vertigo (he fell from the  scaffolding while attaching the gilded  to his Susanna ) and bouts of depression. Duquesnoy estaba a punto de  navegar desde Livorno, cuando murió, había sufrido durante años a partir de la gota y los episodios de vértigo  (que cayó de un andamio mientras que el enganche del dorado rama de palma a su Susanna) y episodios de  depresión.  Su hermano, Jerome Duquesnoy II (1612 ‐ 24 de octubre 1654)‐quemado en la hoguera por sus  depresión Su hermano Jerome Duquesnoy II (1612 24 de octubre 1654) quemado en la hoguera por sus proclividades homosexuales‐heredado el trabajo inacabado en el estudio, incluyendo el busto del obispo Triest  para el obispo de la tumba de Duquesnoy en Bruselas (firmado por Jerónimo; ahora en el Louvre).  Al igual que  otros escultores que trabajan en 17mo siglo‐Roma, Duquesnoy está llamada a restaurar antigüedades y  completo, para torsos sin cabeza rara vez se encuentran con un mercado contemporáneo conocedores.  )  Duquesnoy amplified a torso into a characteristically  expansive gesture that deeply satisfied contemporary  taste but was bitterly criticised by  by the end of the 18th century. Con la Rondanini fauno (1625 30 h t t b t bitt l iti i d b b th d f th 18th t C l R d i if (1625‐30; ahora en el  l Museo Británico) Duquesnoy amplificado un torso en un característicamente barroco expansiva gesto  profundamente convencido de que el gusto contemporáneo, pero fue criticado amargamente por  Neoclassicists a finales del siglo 18.  ( illustration, right ). Completó un torso romano como Adonis (ilustración,  a la derecha). and is now in the Louvre. Se encontró su camino en la recogida de cardenal Jules Mazarin y se  encuentra ahora en el Louvre.  Hay bustos de bronce de la Susanna en Viena, Berlín y Copenhague.  Finamente  terminado en pequeña escala de bronces antiguos temas, apto para coleccionistas, ocupó el escultor y su  i d ñ l d b i l i i ó l l estudio de los asistentes.  . A Mercurio y Cupido está en el Louvre, un gracile Baco en el Museo del Hermitage. as a pendant to a Hellenistic bronze Hercules in his collection, a compliment to Duquesnoy and implicitly a  statement of the parity of the Ancients and the Moderns. A Mercurio de bronce fue encargado por el  coleccionista de antigüedades Vincenzo Giustiniani como un colgante con un bronce helenístico Hércules en su  colección, un elogio a Duquesnoy e implícitamente una declaración de la paridad de los Antiguos y la Moderns.   Giustiniani encargó una de tamaño Virgen y el Niño de Duquesnoy en 1622, en un momento en que el escultor  fue presionado duro para terminar su Andrew, debido a la interrupción de los pagos instigado por un cabal  (Joachim von Sandrart).  's royal sculptor  owned a great number of Duquesnoy's terra‐cotta models, which are  recorded in the inventory of Girardon's collection drawn up after his death in 1715 (Lingo). Su terracota modelli tenían más probabilidades de llevar la inmediatez del escultor del tacto y son de especial valor para otros  , p p g ç p p g escultores, si pudieran pagarlos. Louis XIV 's real escultor François Girardon de propiedad de un gran número  de Duquesnoy de terra‐cotta modelos, que son registrados en el inventario de la colección de Girardon  elaborado después de su muerte en 1715 (Lingo).

Roman torso,  Adonis, un torso  romano, restaurado  t d y completado por  François Duquesnoy,  ( (Museo del Louvre) )

Istvan Ferenczy  y

internacional

István Ferenczy (1792(1792-1856)

Nació en Rimaszombat, Hungría.  Escultor y grabador de estilo  E lt b d d til neoclásico italiano, pionero del arte  escultórico en su tierra. Si bien su  escultórico en su tierra. Si bien su especialidad inicial era el labrado de  medallas, posteriormente se dedicó  de lleno a la escultura monumental.  d ll l lt t l Estudió en Viena y en Roma, donde  tuvo excelentes maestros entre los  tuvo excelentes maestros entre los cuales destaca el genio italiano  Antonio  Canova quien influenció  profundamente su estilo.  f d t til

• Las estatuas de mármol realizadas por  Ferenczy son muestra de excelencia para los  entendidos, así lo son también sus sobre  relieves, bustos y tallados en cera. Fue  li b t t ll d F suficiente que enviara algunas de sus  primeras esculturas a Hungría para que de  primeras esculturas a Hungría para que de inmediato sus compatriotas le reconocieran  como artista insigne de la nación. como artista insigne de la nación

Algunas de sus obras obras.

La pastora Por István Ferenczy Hungría mármol

Algunas de sus obras obras.

Rosalía Schodel Por István Ferenczy Hungría mármol

Agam Yaacov  g

internacional

Agam Yaacov,  Jacob Gipstein 1928‐)

• Se formó como escultor en la escuela Se formó como escultor en la escuela  Bezalel de Jerusalén durante el curso 1947‐ 1948 y después partió a Zurich para  1948 y después partió a Zurich para perfeccionar sus estudios en la Escuela de  Arte Giedion. En 1951 se trasladó a París e  Arte Giedion En 1951 se trasladó a París e ingresó en el Taller de Arte Abstracto,  instalándose definitivamente, desde ese  instalándose definitivamente desde ese momento en la capital francesa. 

• Celebró su primera exposición individual en 1953,  en la Galería Craven de París y pronto formó parte  l G l í C d P í t f ó t del grupo de escultores creadores del arte cinético,  participando en la exposición  El movimiento de la participando en la exposición "El movimiento" de la  Galería Denise René, junto a Soto y Calder, entre  otros.  otros. Con el tiempo llegó a ser un artista de prestigio  reconocido y participó en comisiones públicas de  relevancia como la encargada del diseño del barrio  de La Defense de París en 1973.

Algunas de sus obras obras.
Yaacov Agam  Y A Comunidad judía Bienvenido 1998  Nueve paneles de metal  varios colores  instalado 1998  instalado 1998 Regalo de Jeanette y Sonny Lasky  Colección de Centro Comunitario  Judío  Ubicación: Centro Comunitario Judío,  y Marilyn Fox edificio, Baxter Road,  Chesterfield

Algunas de sus obras. obras

Yaacov Agam  El Noveno Power,  1970‐71  Acero inoxidable, 70  3 / 4 x 70 x 70 "  Regalo de Seymour H.  Knox, 1971

Archipenko, Alexander Porfirievich  p ,

internacional

Archipenko, Alexander  Archipenko Alexander Porfirievich (1887‐1964).

• Escultor nacido en Rusia y nacionalizado  y estadounidense. Nació en Kiev y estudió en la  Academia de Arte de su ciudad natal y en la Escuela  de Bellas Artes de París. Entre 1908 y 1914 París fue  el centro de sus actividades; de 1921 a 1923 vivió  en Berlín y a partir de 1923 se trasladó  en Berlín a partir de 1923 se trasladó definitivamente a Estados Unidos, donde impartió  clases y dio conferencias en varias escuelas de arte  clases y dio conferencias en varias escuelas de arte y universidades. Entre 1939 y 1955 dirigió una  escuela de bellas artes privada en Nueva York.  p

• Archipenko fue un escultor al que le gustaba  experimentar e innovar. Redujo la figura humana a  formas abstractas y creó obras que se cuentan  entre las primeras esculturas cubistas, como  entre las primeras esc lt ras c bistas como Medrano (1914, Museo Guggenheim, Nueva York).  Desarrolló un estilo que subraya la importancia de  q y p las formas cóncavas como límites exteriores de la  escultura (el antivolumen) y los espacios vacíos.  Utilizó nuevos materiales, como el vidrio o el hierro,  Utilizó nuevos materiales como el vidrio o el hierro que le permitieron conseguir nuevos efectos, y  revivió la utilización del color en la escultura.

Algunas de sus obras obras.

Archipenko, Alexander Porfirievich Gondolero 1914
Material: Bronce. Medidas: 83 cm. Museo: museo de Arte Moderno. París 

Algunas de sus obras obras.

Archipenko, Alexander Porfirievich Archipenko Alexander Porfirievich Carrousel Pierrot, 1913.  Yeso pintado, 24 x 19 1 / 8 x 13 3 /  Yeso pintado 24 x 19 1 / 8 x 13 3 / 8 pulgadas.  Solomon R. Guggenheim Museum.  Solomon R. Guggenheim Museum. Rights Society (ARS), Nueva York.

Hugo Marin  g

nacional

Hugo M í H Marín
Nombre: Hugo Marín. Nacionalidad: Chileno N i lid d Chil Vida: Nació el 15 de marzo de 1930.  Realizó sus estudios artísticos en la escuela de Artes  Aplicadas, donde asistió durante dos años a los cursos vespertinos de  Aplicadas donde asistió durante dos años a los cursos vespertinos de José Perotti. Fue becado en dos oportunidades, en 1952 y 1953, por  el gobierno de Francia e Italia para especializarse en París y Roma. Ingresó a los Mimos de Alejandro Jodorowsky y participó  en su primera presentación en el Teatro Municipal, también trabajó  E i en Europa como mimo. Realizó estudios de Meditación Trascendental que  perfeccionó en Seelisberg, Suiza y ha trabajado como profesor de esa  disciplina en Chile y el extranjero.  Sus viajes por distintos países del mundo han colaborado  Sus viajes por distintos países del mundo han colaborado en su formación personal y han sido claves en la elaboración de los  universos que el artista ha plasmado en sus creaciones.

Técnicas escultóricas y materiales aplicados en  sus obras.
El trabajo plástico de  Hugo Marín desde sus inicios ha  El trabajo plástico de Hugo Marín desde sus inicios ha estado ligado a su meditación y posición metafísica, a su forma de  ver y sentir el mundo, donde las energías precolombinas y tibetanas,  la alquimia, el cosmos, saberes ocultos, lugares sagrados, son  algunos de los elementos recurrentes del artista.  algunos de los elementos recurrentes del artista El invoca ciertas energías en su proceso creativo como un  vehículo para captar la magia de lo que quiere transmitir a través de  su arte. Es un buscador del misterio, del equilibrio, un investigador y  estudioso de las culturas antiguas, de la sabiduría oriental y de la  meditación trascendental. j Su trabajo artístico comenzó con el esmalte sobre metales,  después vino el collage en papel y madera y luego su particular  estilo precolombino hacia la pintura y el dibujo, sin dejar nunca de  lado la escultura.  En la elaboración de éstas ha utilizado materiales como  En la elaboración de éstas ha utilizado materiales como adobe, cemento, greda y cuero con paja, plumas, calabazas, objetos  de desecho, fibras vegetales, prótesis, polvo de ladrillo, tierra de  color y gasa.  Sus trabajos evocan antiguas culturas, mezclas semánticas,  Sus trabajos evocan antiguas culturas mezclas semánticas estéticas y simbólicas donde lo mapuche, lo maya y lo aimara se  cruzan con el Tíbet y África, con la India y Perú. En sus obras es  posible imaginar esos orígenes donde la relación del hombre con sus  ídolos y con lo sagrado era clara y potente.  ídolos y con lo sagrado era clara y potente

Aportes de Hugo Marín Aportes de Hugo Marín
Ha recibido premios, becas y distinciones, entre ellos:  ganador del Concurso "Sinfonía de París", Santiago en 1952, lo que  significó una beca por un año en París; Premio del Gobierno Francés  por sus Esmaltes en 1952; Prix d l des Anciens, Salón de Artistas  ló d Decoradores, París, Francia en 1953; Mención Honrosa en Bienal de  Arquitectura de Valparaíso en 1985; Premio de Escultura de la I.  Municipalidad de Santiago en 1992; Primer Premio de Pintura  "América Ayer y Hoy", Fundación Marco Bontá, Santiago en 1992 por  su obra "El Inca". 

Obras de Hugo Marín.
Autor: Hugo Marín Técnica: Escultura en técnicas mixtas Colección: Museo de Artes Visuales En la presente obra Marín toma la forma arcaica en un  despliegue de técnicas mixtas y la convierte en un  objeto que reflexiona sobre la representación de la  modernidad, de las vanguardias artísticas. El artista  combinó las formas de afrontar el mundo de las combinó las formas de afrontar el mundo de las  vanguardias y la combinó con las formas legadas por  la América precolombina.

Hugo Marín y sus exposiciones. g y p
Entre las partes que Hugo Marín ha expuesto de forma individual se  destacan París,  Francia; Lucerna, Suiza; Bruselas, Bégica; Ginebra, Suiza; Nueva York, EEUU; Washington,  EEUU; Lima, Perú; Estocolmo, Suecia; Quito, Ecuador, entre otros. EEUU; Lima Perú; Estocolmo Suecia; Quito Ecuador entre otros Sus obras están en museos y colecciones de Chile y diferentes partes del mundo:  Museo de Arte Moderno de París, Francia; Museo Histórico Nacional de Ginebra, Suiza;  Museo Stocklet de Bruselas, Bélgica; Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, Chile;  q g g Museo Arqueológico de Santiago, Chile; Museo de la Solidadridad Salvador Allende de  Santiago, Chile; Museo de Chiloé, Chile; Colección Ladeco, Santiago, Chile; Parque Gonzalo  Suárez de Quito, Ecuador.
Para plasmar una escultura Hugo Marín pasa por  Para plasmar una escultura Hugo Marín pasa por períodos de profunda experimentación y búsqueda  de nuevos materiales, formas y dimensiones:  conchas, fibras vegetales, prótesis dentales y  oculares, piedras y arcillas. oculares piedras y arcillas Marín, profesor de meditación trascendental,  construye un puente entre pasado y presente,  acercando épocas lejanas. Para Marín la energía  creativa del arte consiste en la percepción mágica  creativa del arte consiste en la percepción mágica del mundo, de las dinámicas celestiales, de la  sabiduría de los pueblos originarios. En la obra  de Marín las culturas precolombinas como la  aymara, la maya, la inca y mapuche se funden con  aymara la maya la inca y mapuche se funden con la cultura africana y la tibetana, en los mitos de  Atlántida y Lemurias.

Felix Maruenda 

nacional

Félix maruenda Félix maruenda.
Félix Albor Maruenda Valencia, escultor. Nació en Santiago, el 20 de  Féli Alb M d V l i lt N ió S ti l 20 d Abril de 1942 y murió en Isla Negra, Chile, el 9 de Septiembre de  2004.  Estudió Escultura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de  Chile entre 1963 a 1969 Fue alumno de Marta Colvin y Ricardo Chile entre 1963 a 1969. Fue alumno de Marta Colvin y Ricardo  Mesa. Posteriormente entre 1970 y 1971 se perfeccionó en  Escultura en la Slade School of Arts de la Universidad de Londres,  Inglaterra.  Entre 1972 y 1973 se desempeñó como profesor de Escultura de la  Entre 1972 y 1973 se desempeñó como profesor de Escultura de la Universidad de Chile. Fue exonerado de la Universidad por sus ideas  de izquierda y se recluyó en una parcela de Buin donde se dedicó a  diseñar, realizar y dirigir un taller de cerrajería artística. Entre 1991 y  1993 fue profesor de Cerrajería y Forja en la Municipalidad de  Santiago Chile Santiago, Chile.  Entre 1993 y 1995 fue profesor de taller Complementario de  Escultura en la Universidad de Chile. Desde 1997 fue profesor  ayudante de Escultura en la Universidad Finis Terrae de Santiago,  Chile.  Chile Félix Maruenda formó parte de la Corporación de Artistas Pro‐ Ecología en Isla Negra, lugar donde se quitó la vida a los 62 años. 

ESTRATEGIA VISUAL ESTRATEGIA VISUAL
Su trabajo escultórico tiende a la creación de  formas abstractas combinadas con claros elementos  figurativos reflejando un claro interés por la integración de  la obra y la arquitectura en la que es emplazada. Se ha  dedicado a técnicas de forja utilizando láminas de fierro  forjadas de todo tipo: planchas de aluminio, hierro en  p p desecho, alambre de púas. Además utilizó plástico  reforzado, terracota, yeso cemento y madera. Esculpió  mármol en formatos pequeños pensados para obras  monumentales.  p Su temática muestra un fuerte compromiso con los  problemas sociales y políticos de la época de la Unidad  Popular y de la historia chilena posterior al golpe militar de  1973. Es sus obras pretendió dejar constancia de  transgresiones a los Derechos Humanos, por medio de un  mensaje de dolor, de referencia a la muerte, al sacrificio y  la violencia. Asimismo presentó una gran preocupación por  la naturaleza, realizando esculturas con temas ecologistas. 

Lugares de Expociciones de Félix Maruenda.
1965 Salón de Alumnos de la Universidad de Chile, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.  1971 Colectiva de Postgrado, Slade of Arts, Londres, Inglaterra.  1971 Colectiva de Postgrado, Slade School of Arts, Londres, Inglaterra. 1972 Exposición Anual, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.  1975 II Bienal Internacional de Arte de Valparaíso, Chile.  1975 Gráfica y Dibujo, Concurso Colocadora Nacional de Valores, Museo Nacional de Bellas Artes,  Santiago, Chile.  1975 Escultura Concurso Colocadora Nacional de Valores Museo Nacional de Bellas Artes Santiago 1975 Escultura, Concurso Colocadora Nacional de Valores, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago,  Chile.  1976 Segundo Concurso de Escultura de la Colocadora Nacional de Valores, Museo Nacional de Bellas  Artes, Santiago, Chile.  1990 De la Esperanza a la Creación, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.  1991 Ferrosculturas, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.  1993 Escultores Generación 1960 ‐ 1970, Sala Parque de las Esculturas de Providencia, Santiago, Chile.  1995 Corporación Cultural de Artistas Pro Ecología, Pinacoteca de la Universidad de Concepción, Chile.  1996 50 Años de Escultura Contemporánea Chilena, Centro Cultural Estación Mapocho, Santiago, Chile.  1997 Grandes Formatos del Arte, Plástica Chilena Contemporánea, Plaza Oeste, Santiago, Chile. 1997 Grandes Formatos del Arte, Plástica Chilena Contemporánea, Plaza Oeste, Santiago, Chile.  2001 La Madera en la Escultura Chilena, Sala de Arte Fundación Telefónica, Santiago, Chile.  2001 Salón de Primavera en Providencia, Sernatur, Santiago, Chile.  2002 El Acero en la Escultura Chilena, Sala de Arte Fundación Telefónica, Santiago, Chile.  2007 Arte y Cobre, Biblioteca de Santiago, Santiago, Chile. 

PREMIOS Y DISTINCIONES PREMIOS Y DISTINCIONES
Entre algunos premios de Félix Maruenda se destacan:

1965 Premio de Honor, Salón de Alumnos, Universidad de Chile, Santiago, Chile.  1965 P i d H S ló d Al U i id d d Chil S ti Chil 1967 Tercer Premio, III Bienal de Escultura, Universidad de Chile, Santiago, Chile.  1971 Primer Premio Concurso de Escultura, Ñuñoa, Santiago, Chile  1975 Primer Premio Concurso Mural para Oficina de Max E. Bash, Santiago, Chile.  1975 Segundo Premio Concurso Calendario El Sol 1976, Editorial Lord Cochrane, Santiago, Chile.  1991 Tercer Premio de Escultura, Concurso Parque Arauco, Santiago, Chile.  1992 Primer Premio de Escultura Concurso La Escultura y el Color, Galería Isabel Aninat, Santiago, Chile.  1993 Primer Premio Mural Escultórico, Ministerio de Obras Públicas, Temuco, Chile.  1995 Primer Premio de Escultura Concurso Homenaje al Trabajador del Petróleo, Punta Arenas, Chile.  1995 Primer Premio de Escultura Concurso Homenaje al Trabajador del Petróleo Punta Arenas Chile 2003 Concurso Dirección de Arquitectura, Comisión Nemesio Antúnez, Nueva Imperial, Chile. 

Obras de Félix Maruenda Ob d Féli M d

Avión Norteamericano Nº17 531,  Derribado sobre Vietnam del Norte el Día  de mi Cumpleaños, 1965

Homenaje al trabajador  voluntario, Felix Maruenda. 

“Homenaje al compañero Presidente”

Peter Blake 

internacional

Peter Blake Peter Blake
Pintor y artista gráfico británico que se  áf á convirtió en uno de los exponentes del Pop Art.  Para sus obras emplea la iconografía del Comic,  las revistas y los anuncios, evocando el  clorodido de los "dulces '60 Es muy conocido de los  dulces  60. Es muy conocido  por diseñar la portada del disco "Sergeant Pepper's Lonely Hearts Club Band." (1967) de  los Beatles.  Estudió en el Gravesend Estudió en el Gravesend Technical College & Sch. of Art Londres, y el Royal College of Art, Londres, donde además ejerció como  profesor, también fue maestro en el St.  Martin's School of Art.  En 1975, fundó la Hermandad de los  Ruralistas un grupo de siete pintores  establecidos en West Country, que trabajaban y  veraneaban juntos, con un interés común en el  espíritu campestre.  íi Blake se anticipó a los artistas POP de  Nueva York como Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg y Andy Warhol. 

Exposiciones de Peter Blake
• ‐ Portal Gallery, Londres ‐ Royal Academy of Art, Londres ‐P l i d lB Palais del Beaux A t B Arts, Bruselas l ‐ Museum of Modern Art,  (MoMA), Nueva York ‐ Stedelijk Museum Amsterdam Museum, Amsterdam ‐ Kunstverein, Hamburgo ‐ Gemeente Museum, Arnhem ‐ Palazzo Reale Milan Palazzo Reale

Umberto Boccioni 

internacional

Umberto Boccioni Umberto Boccioni 
Pintor  y escultor italiano. Figura clave del  movimiento futur ista italiano, fue también uno de sus más  destacados teóricos. Se inició en el divisionismo de la mano  de Giacomo Balla. Después de pasar algún tiempo en París,  d Gi B ll D é d l ú ti P í Rusia, Padua y Venecia se instaló definitivamente en Milán y  se interesó por todo lo referente a la sociedad industrial  moderna. Influido por el simbolismo y por el expresionismo  y y de Munch, y tras varios encuentros con Marinetti, Carrà y  Russolo, la obra de Boccioni se desarrolló a partir de 1910  alrededor de dos conceptos clave: dinamismo y  simultaneidad. Entre sus obras cabe destacar La ciudad que  surge (1910) y La calle ante la casa, pinturas que, aun siendo  formalmente distintas, hacen referencia al mismo tema, la  formalmente distintas hacen referencia al mismo tema la ciudad, que para los futuristas simbolizaba la modernidad,  el movimiento y la velocidad. En cuanto a su actividad  escultórica, que desarrolló paralelamente a la pictórica, fue  pionero en el uso de nuevos materiales, como el cristal, el  cemento o el hierro, así como en el aprovechamiento de la  cemento o el hierro así como en el aprovechamiento de la luz eléctrica.

Humberto Biccioni su relación entre el  futurismo y escultura.
Tras su llegada a Milán y su encuentro con los divisionistas y  con Filippo Tommaso Marinetti, escribió, junto con Carlo Carrà, Luigi  Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini, el Manifiesto de los pintores  futuristas (1910), al cual siguió el Manifiesto técnico del movimiento  f t i t (1910) l l i ió l M ifi t té i d l i i t futurista (1910). Según dichos manifiestos, el artista moderno debía  liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para  centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en  p p continua evolución. Como temas artísticos proponían la ciudad, los  automóviles y la caótica realidad cotidiana. En sus obras, Boccioni supo expresar magistralmente el  movimiento de las formas y la concreción de la materia. Un intento similar domina también su escultura, en la cual  despreció a menudo los materiales nobles, como el mármol o el  d ió d l i l bl l á l l bronce, prefiriendo la madera, el hierro o el cristal. Lo que le  interesaba era mostrar la interacción de un objeto en movimiento  con el espacio circundante.

Expociciones de Humberto Boccioni
• Exposición Universal de 1888, 1991 • Galería Nacional de Cosenza. Galería Nacional de Cosenza.

Obras  de Umberto Boccioni. Obras de Umberto Boccioni

Development of a Bottle in  Space, 1913, Umberto Boccioni b i i

Unique Form of Continuity in  Space, 1913, Umberto  S 1913 U b t Boccioni  Dynamism of a Racing Horse &  House (unfinished)

Jean Bologne  g

internacional clasico

Jean Bologne. Jean Bologne.
Juan de Bolonia (1529‐1608), escultor flamenco‐italiano, fue uno de los  artistas más influyentes del manierismo de finales del siglo XVI.  á fl d l d f l d l l Su verdadero nombre era Jean Bologne, también conocido como  Giambologna. Nació en Douai, Flandes, y a los dieciséis años entró como aprendiz en  el taller de Dubroeucq. En 1554 marchó a Roma (Italia), donde residió dos años y  estudió en profundidad la escultura de Miguel Ángel. Transcurrido ese tiempo se  estableció en Florencia bajo el mecenazgo de Bernardo Vecchietti, ciudad en la que  t bl ió Fl i b j l d B d V hi tti i d d l permaneció el resto de su vida.  El papa Pío IV le hizo el primer encargo importante: una fuente con un  colosal Neptuno de bronce en el centro (1566) para la ciudad de Bolonia. En sus  obras posteriores intentó transmitir un mayor sentido del movimiento, que a menudo  construía con espirales o líneas retorcidas. Una serie de estatuas en bronce que  construía con espirales o líneas retorcidas Una serie de estatuas en bronce que realizó del dios romano Mercurio culminó en el famoso Mercurio (1580, Bargello,  Florencia), notable por la etérea elegancia de su pose: la figura desnuda se apoya  sobre la punta del pie izquierdo, con el brazo derecho alzado y un dedo de esa mano  señalando hacia arriba. El rapto de las sabinas (1583, Loggia dei Lanzi, Florencia),  considerada como su obra más importante, es una compleja composición en mármol  p , p j p con tres figuras que forman un grupo compacto aunque grácil, ascendiendo en  espiral desde la que está en cuclillas, pasando por la que está de pie y acabando en la  figura que es llevada en lo alto. Para la familia Medici realizó obras decorativas, como  fuentes, estatuas para jardines y monumentos conmemorativos, como la estatua  ecuestre de Cosme I. Juan de Bolonia fue el escultor más afamado de su tiempo, y  creó un estilo manierista internacional que influyó directamente en la escultura  ó til i it i t i l i fl ó di t t l lt barroca posterior, y en particular en la obra de Gian Lorenzo Bernini. 

Trabajos de Bologne Trabajos de Bologne
• Giambologna llegó a ser bien conocido para un sentido fino de la acción llegó a ser bien conocido para un sentido fino de la acción  y del movimiento, y un final superficial refinado, distinguido. Entre sus  trabajos más famosos está el mercurio (de cuál él hizo cuatro  versiones), contrapesado en un pie, apoyado por un zephyr. El dios  levanta un brazo a los heavenwards del punto, en un gesto prestado del  repertorio del retórico clásico que son característicos del maniera de  t i d l tó i lá i t í ti d l i d Giambologna. Varias pinturas de Giambologna de Venus establecieron un canon de  proporciones y de los modelos del sistema para la representación de la  diosa que eran influyentes para dos generaciones de escultores, en  diosa que eran influyentes para dos generaciones de escultores, en Italia y en el norte. Él creó las alegorías que promovían fuertemente la  propaganda política de Medicean, tal como Florencia que derrotaba  Pisa y, menos abiertamente, Samson que derrotaba a un philistine, para  Francesco de ' Medici (1562) Hércules y Nessus (1 99) l Hé l N (1599), Florencia i Él encantó solucionar los problemas espaciales complejos de tres  figuras intertwined en su violación famosa de las mujeres de Sabine (1574‐82). El tema finalmente no fue determinado hasta que después  de él había sido instalado en el dei de él había sido instalado en el dei Lanzi de la logia en el della Signoria de la logia en el della de la Plaza de Florencia. Hércules que bate el centaur Nessus (1599) es  también una fuerza de de de viaje consciente. Está también en el dei Lanzi de la logia.

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Trabajos de Bologne Trabajos de Bologne
La estatua ecuestre de Cosimo I de ' Medici también en Florencia,  fue terminada por su estudio Pietro auxiliar Tacca. Giambologna proporcionó tan bien como muchas esculturas para  los grottos y las fuentes del jardín en los jardines de Boboli de Florencia y  en Pratolino, y las puertas de bronce de la catedral de Pisa. Para el grotto del chalet Medicea de Castello él sculpted una serie de estudios de  animales individuales, a partir de la vida, que se puede ahora ver en el  Bargello. Las reducciones de bronce pequeñas de muchas de sus  Bargello. Las reducciones de bronce pequeñas de muchas de sus esculturas eran estimadas por los connoisseurs en ese entonces y desde  entonces, porque la reputación de Giambologna nunca ha sufrido eclipse. Giambologna era una influencia importante en escultores más  últimos a través de sus pupilas Adriaen de Vries y Pietro Francavilla que  izquierdo su taller para París en 1601, así como Pierre Puget que separó la  i i d t ll P í 1601 í Pi P t ól influencia de Giambologna a través de Europa norteña, y en Italia en  Pietro Tacca, que asumió el taller de Giambologna en Florencia, y en  Roma en Gian Lorenzo Bernini y Alessandro Algardi.

Obras de Jean Bolonge. g

Architettura ejemplifica los  miembros largos del tipo  femenino ideal influyente de  Giambologna (B Gi b l (Bargello) ll )

La violación de las mujeres de  Sabine (1574‐82), Florencia. Hércules y Nessus (1599), Florencia

Samuel Roman Rojas  j

internacional

Samuel Román rojas Samuel Román rojas

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1924 Llega a Santiago a los 17 años para ingresar a la escuela de Bellas Artes,  1924 Llega a Santiago a los 17 años para ingresar a la escuela de Bellas Artes, sus profesores serán Virginio Arias y Carlos Lagarrigue.  1925 Se le otorgará la tercera medalla en escultura en el Salón Oficial.  1937 Obtiene la beca Humbolt, para estudiar en la Academia de Berlín. Junto  a José Perotti e Israel Roa obtienen un taller que comparten durante su  J é P tti I lR bti t ll t d t estadía en Alemania, allí conoce la producción artística de Ernst Barlach y  Kate Kollwitz, en su visita a Francia tiene la oportunidad de admirar a Ossip  Zadkine y también las esculturas griegas clásicas y las de Miguel Angel Su padre era de origen campesino y su madre descendía de artesanos  populares que fabricaban estribos, riendas y aperos. 

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1943 El Presidente Ríos inaugura la Escuela de Canteros  "Pedro Aguirre Cerda" creada por Samuel Román, esta  Pedro Aguirre Cerda creada por Samuel Román, esta institución rehabilita la artesanía artística de la piedra  requerida por la arquitectura y el diseño de parques, plazas y  jardines.  1949 Inaugura en Santiago el monumento a José Manuel  1949 Inaugura en Santiago el monumento a José Manuel Balmaceda  1959 Inaugura el monumento a don Enrique Molina  Garmendia, Rector y fundador de la Universidad de  Concepción.  ó 1961 Obtiene la mención honrosa en la VI Bienal de Sao Paulo. 

• 1964 Recibe el Premio Nacional de  Arte.  • 1966/1967 Viaja de nuevo por Europa  recorriendo países como Alemania,  Bélgica, Francia, Italia y la Unión  Bél i F i It li l U ió Soviética. 

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Técnicas de trabajo Su gran importancia radica en que con su  S i t i di escultura cultivó un sentimiento americanista,  con un intento de encontrar y desarrollar una  escultura con identidad nacional. Realizó obras en greda, bronce, terracota, yeso y  piedra. Desarrolló un estilo depurado, de  superficies lisas y volúmenes ondulantes, que  podemos apreciar tanto en los monumentos por  podemos apreciar tanto en los monumentos por encargo, en sus esculturas personales de gran  tamaño como y en sus obras de proporciones más  reducidas.

Marta Colvin 

nacional

Marta colvin Marta colvin

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Es iniciada en la escultura por la profesora de  Artes Plásticas del Liceo de Chillán, Noemí  Mougues.  1939 El terremoto destruye completamente la  ciudad de Chillán, por lo que se ve obligada a  ciudad de Chillán, por lo que se ve obligada a emigrar a Santiago donde ingresa a los 21  años a la escuela de Bellas Artes.  1944 Obtiene el primer premio del 56¼ Salón  Obtiene el primer premio del 56¼ Salón Oficial de Bellas Artes. 

Primeros destellos de talento. Primeros destellos de talento
• 1945 Se inicia como ayudante de la cátedra de escultura que dirige  el profesor Julio Antonio Vásquez.  p q • 1948 Gana una beca del gobierno francés. En Francia ingresa a la  Academia de la Grande Chaumiere, donde estudia con el  A d i d l G d Ch i d d di l escultor ruso nacionalizado francés, Osrip Zadkine y asiste a  los cursos de estética dictados por el profesor Souriau,  p p , durante su estadía visitó los principales Museos y centros  artísticos de Italia, Francia, Bélgica e Inglaterra

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1950 Regresa a Chile en 1950, reasumiendo la cátedra de  profesora auxiliar de escultura.  f l d l 1951 Recibe una beca que le permite viajar a Gran Bretaña  para realizar estudios en el Stade School de la  para realizar estudios en el Stade School de la Universidad de Londres, allí trabaja con el escultor J.  E. Mc. William, se vincula con el crítico de arte inglés  Herbert Read y con el escultor Henry Moore, al cual  lo unirá una estrecha amistad. lo unirá una estrecha amistad

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1959 Es seleccionada para participar en la exposición al aire  Es seleccionada para participar en la exposición al aire libre en los jardines del Museo Rodin en parís.  1965 Alcanza su consagración internacional al recibir el Primer  Premio de escultura en la VIII Bienal de Sao Paulo.  Premio de escultura en la VIII Bienal de Sao Paulo. 1970 En noviembre es condecorada con la medalla del  Congreso Nacional en reconocimiento a sus méritos  artísticos; en ese mismo año recibe el Premio Nacional  ; de Arte

Sergio Castillo  g

nacional

Sergio castillo Sergio castillo

• Sergio Castillo, escultor, nació en Santiago el  13 de mayo de 1925.Realizó sus estudios de  humanidades en el Liceo deAplicación,  humanidades en el Liceo deAplicación egresando el año 1942, luego ingresa a la  Escuela de Arquitectura de la Universidad  Católica, permaneciendo en ella durante dos  años. En 1948 viajó a París y siguió cursos de  pintura en la Escuela de Bellas Artes y en la  pintura en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia Julien 

• De regreso a Chile se matriculó en  la Facultad de Artes de la  Universidad de Chile, donde tuvo  U i id d d Chil d d como maestros a Julio Antonio  Vásquez, Lily Garafulic y Marta  q , y y Colvin. En 1956 y durante un año,  Estudió en la Art Student Ligue de  New York. New York

Sergio Castilllo pertenece a la llamada Generación del  Cincuenta que agrupa a escultores que se formaron e que agrupa a escultores que se formaron e  innovaron en esa década. Su formación se complementó  con estudios posteriores en Europa y en el Art Student  League de Nueva York, Estados Unidos.En 1967, fue  nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de la  Universidad de Chile comenzando una importante labor  docente que le valió la obtención de la beca Fullbright en  1968, como Profesor Visitante de la Berkeley University en  California, Estados Unidos y en formó parte del profesorado  de la Universidad de Boston, en EE. UU, donde dictó un  de la Universidad de Boston en EE UU donde dictó un taller de Escultura directa en Metal. 

Realiza obras trabajando directamente sobre el  metal, el que rescata de desechos varios;  mediante el uso de sopletes y soldaduras, une  di t l d l t ld d aquellos restos encontrados en una nueva  composición, que integra las formas originales  de cada pieza. Varias de sus obras forman parte  de cada pieza. Varias de sus obras forman parte de colecciones de museos y galerías de varios  países; muchas, también, ocupan edificios,  parques y otros espacios públicos a lo largo de  todo Chile y en otras partes del mundo.  t d Chil t t d l d

El escultor ha expuesto individualmente en los  principales museos y galerías de Nueva York,  principales museos y galerías de Nueva York, Lima, Washington, Ciudad de México, Boston,  Madrid, Algorta, Sevilla, Ginebra, Cádiz,  Estocolmo, Barcelona, Bilbao, Filadelfia, entre  otras ciudades. En las exposiciones colectivas ha  otras ciudades En las exposiciones colectivas ha participado en muestras exhibidas en Roma, Sao  Paulo, Paris, Lima, Trujillo ( Venezuela), Nueva  York, San Francisco, Baltimore, Texas, Madrid y  Barcelona. Barcelona

Carlos Ortuzar 

nacional

Carlos Ortúzar
• • Pintor y escultor chileno. Nació en Santiago el 17 de marzo de 1935 y  Pintor y escultor chileno. Nació en Santiago el 17 de marzo de 1935 y falleció en la misma ciudad el 25 de abril de 1985.  Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de  Chile. En 1964 obtuvo la Beca Fullbright que le permitió realizar estudios  en el Pratt Institutte de Nueva York, Estados Unidos y ese mismo año  obtuvo otra beca para estudiar en The New School for Social Research de  la misma ciudad. En 1959 fue nombrado secretario del Museo de Arte Contemporáneo de  E 1959 f b d t i d lM d At C t á d Santiago, cargo que desempeñó hasta 1964. En 1966 y hasta 1975 fue  profesor de tecnología del arte en la Facultad de Bellas Artes de la  y Universidad de Chile y en 1985 fue docente en la Universidad Central de  Santiago. También ejerció como profesor de volumen en la Escuela de  Diseño en la ciudad de Barcelona, España. 

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En 1970 se hizo acreedor de una beca invitación para trabajos de elementos  En 1970 se hizo acreedor de una beca invitación para trabajos de elementos conceptuales en el Center for Advanced Visual Studie M.I.T. en la ciudad de  Boston, Estados Unidos.  Carlos Ortúzar, hombre multifacético y con gran interés por el aprendizaje y la  investigación, realizó también estudios de teatro, filosofía y derecho; en Estados  i ti ió li ó t bié t di d t t fil fí d h Et d Unidos se interesó por aprender ciencias, técnicas, cibernética, física y las  disciplinas Más avanzadas para luego incorporarlas a su arte.  Además, fue uno de los primeros representantes del arte cinético en América  , p p Latina y el fundador, junto a Eduardo Bonati, del Centro de Diseño para la  Arquitectura. 

Personajes del choapa                                         chalinga mool

Premios y reconocimientos
• • • • • • • • • • Tercer premio de pintura del Salón Oficial de Santiago 1958. Tercer premio de pintura del Salón Oficial de Santiago 1960. Segundo premio de pintura del Salón Oficial de Santiago 1961. Segundo premio de pintura CAP 1961. Primer premio de pintura Concurso CAP 1964. Primer premio de pintura Concurso CAP 1964. Primer premio Concurso Nacional de Esculturas (Escultura del Parque  Cerrillos) 1970. Primer premio Concurso Nacional de Esculturas para el monumento al  Primer premio Concurso Nacional de Esculturas para el monumento al general Schneider 1971. Ganador del concurso para construir el mural del aeropuerto de  Antofagasta, del que fue coautor 1972. Primer premio Certamen Terracota de Pintura 1979. Premio pintura del Concurso de la Colocadora Nacional de Valores y Gran  Premio del Salón Sur de Pintura y Grabado. 1980.

OBRAS
• • • • • • • • • • • • • • • • escultura mural de Aerolíneas Varig 1968. mural cinético para el Banco Concepción de esa ciudad 1969. mural cinético para el Banco Concepción de esa ciudad 1969 escultura cinética luminosa en el edificio Peugeot 1969. mural en el paso nivel Santa Lucía de Santiago 1970. escultura en el Parque Cerrillos de Santiago 1971. escultura en el Parque Cerrillos de Santiago 1971. mural en el Hospital del Trabajador de Santiago y Concepción 1971. monumento al general René Schneider en Santiago 1971. escultura cívica en la plaza UNCTAD de Santiago 1972. p g mural en el aeropuerto de Antofagasta 1972. mural en el Consulado de Chile en Nueva York, Estados Unidos 1973. tres esculturas ópticas en San Cugat del Valles en Barcelona, España 1978. Escultura Schell "Prisma" en Santiago 1981. Escultura cinética Edificio Santiago 1981. Escultura cinética "Cintac" en Santiago 1981. Escultura Edificio I.B.M. en Santiago 1986. escultura cinética “Aire Luz” en el Parque de las Esculturas de Providencia en  Santiago 1989.

Monumento al General René  Schneider Autor:Carlos Ortúzar Técnica:Escultura en Acero  Colección:Monumento público,  Rotonda Kennedy, Santiago
• La obra escultórica de Carlos Ortúzar estuvo determinada por la  L b lói d C l O ú d i d l investigación de los materiales, específicamente con las novedades en el  campo material que obtenía la producción industrial. Carlos Ortúzar se  ocupó por una Parte en la experimentación con materiales poco ortodoxos  ocupó por una Parte en la experimentación con materiales poco ortodoxos como perfiles de aluminio y acrílico y por otra a desmantelar de recursos  decorativos a su escultura. Esto significó la depuración de las formas hasta  los elementos mínimos como verticales y horizontales que responde  también a la forma primaria de los elementos constructivos. “Monumento  bié l f i i d l l i “M al General René Schneider” corresponde a los postulados del artista que  según testimonio creía que la exposición monumental de la obra de arte  completaba el trabajo hecho en el taller.  completaba el trabajo hecho en el taller.

Oswaldo Peña 

nacional

Oswaldo Peña Oswaldo Peña
• • • • • • • Vida Osvaldo Peña, escultor, nació en Santiago el 10 de noviembre de 1950.  Ingresó en 1970 a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, para iniciar  su formación artística, la que pudo tener lugar sólo durante dos años y medio,  su formación artística, la que pudo tener lugar sólo durante dos años y medio, pues en septiembre de 1973 debió abandonar la Facultad.  Fue alumno de Ricardo Mesa, y compañero de otros renombrados escultores,  como Francisco Gazitúa y Patricia del Canto. En 1979, gracias a una beca, viajó a  España para perfeccionarse.  España para perfeccionarse Su taller en el sector capitalino de Peñalolén fue núcleo importante de formación  de otros escultores y suplió la carencia de espacios artísticos durante la dictadura.  Actualmente se desempeña como profesor en la Universidad Arcis.  p p La otra vertiente, aún más crítica con el lenguaje escultórico, es aquélla que rompe  con la tridimensionalidad e incorpora espejos y láminas, en un intento por  aumentar los significados de la obra, y de paso, provocar e involucrar al  espectador. Ejemplo de lo anterior es la obra  Espejo para una memoria  espectador Ejemplo de lo anterior es la obra "Espejo para una memoria inservible", montaje compuesto por una serie de cinco paneles de madera, que  hacen de soporte para unos correspondientes juegos de espejos y camisas  dobladas, confeccionadas en hierro, con impecable factura. 

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Trayectoria Osvaldo Peña comenzó a trabajar en poliester, para luego realizar algunas  obras en madera y derivar finalmente al empleo del metal.  obras en madera y derivar finalmente al empleo del metal Se distinguen, principalmente, dos orientaciones en su producción: una  tendiente a la representación de la Figura Humana, mediante volúmenes  j p ,q g p forjados en planchas de hierro, que siguen una línea clásica de concepción  anatómica, trastocada por la ausencia o extraña disposición de algunos  miembros del cuerpo, lo que perturba la percepción del espectador, que  ve quebrantada, de este modo, una presupuesta armonía.  El espectador interviene como un elemento más de la composición,  necesario para que la obra tenga una lectura completa, al reflejarse en los  espejos y completar con su propia presencia, la integridad del montaje:  por ejemplo, cuando queda encerrado en el perímetro de una cabeza que  por ejemplo cuando queda encerrado en el perímetro de una cabeza que no existe realmente, sino que es su propio doble.  Se produce, por lo tanto, un desconcertante juego de aparición y  p p , p q p q desaparición del cuerpo, de ausencia ‐ presencia que permite que  acontezca la obra misma, remitiendo temáticamente a los Detenidos  Desaparecidos de las dictaduras.

• Aportes • Osvaldo Peña ha recibido, entre otros, el Primer Premio  Concurso El Sol (1975), el Primer Premio en el Concurso de la  Concurso El Sol (1975) el Primer Premio en el Concurso de la Colocadora Nacional de Valores (1977), el Premio de la Crítica,  Círculo de Críticos de Arte de Chile (1983), Premio de Honor,  VIII Bienal de Valparaíso(1987), Primera Mención, I Concurso  Americano de Escultura en Madera, Argentina (1993),  Ganador Concurso Escultura para el Edificio del World Trade  Ganador Concurso Escultura para el Edificio del World Trade Center (1996) Ha obtenido las becas Amigos del Arte (1978),  Fundación del Pacífico (1979) y Fundación Andes (1990) Peña  ha participado en numerosas exposiciones individuales y  h i i d i i i di id l colectivas en todo el mundo, siendo una de las más recientes,  p , la III parte de la muestra "Chile 100 años, Artes Visuales" en el  MNBA (2000) .

Título: Sin Título Autor: Osvaldo Peña Ubicación: Parque  Forestal

• Título: De los niños  de la Teletón al  pueblo de Chile Autor: Osvaldo  Peña Ubicación: Frontis  Mercado Central

Sir Anthony Caro  y

internacional

Sir Anthony Caro. y
• Anthony Caro (1924‐ ), escultor inglés cuyas obras, de gran tamaño y  fuerza expresiva, constituyen un importante ejemplo de la escultura  basada en las relaciones entre planos, líneas, intervalos y  b d l l i t l lí i t l correspondencias. Su influencia fue decisiva en la formación de la llamada  New Generation de la escultura moderna inglesa.  Se formó en la Royal Academy de Londres entre los años 1946 y 1952, y  Se formó en la Royal Academy de Londres entre los años 1946 y 1952 y fue ayudante de Henry Moore desde 1951 hasta 1953, quien, junto con  artistas como Pablo Picasso, Francis Bacon y Willem de Koning, ejerció una  notable influencia en el desarrollo inicial de la obra en bronce de Caro. Fue profesor adjunto en la Saint Martins School of Art londinense, primero  entre 1952 y 1953 y después entre 1964 y 1972, donde tuvo como  alumnos destacados a los escultores de la New Generation Tony Cragg,  Richard Deacon y Barry Flanagan.  Ri h d D B Fl

De gran importancia en el desarrollo de la obra de Caro fue la decisiva  g p influencia del escultor Abstracto estadounidense David Smith y del pintor  Kenneth Noland, cuyos trabajos conoció durante un viaje a Estados Unidos  en 1959, a partir del cual abandonó la escultura tradicional en metal  fundido para construir obras abstractas cercanas al Assemblagge, a partir  fundido para construir obras abstractas cercanas al Assemblagge a partir de piezas rígidas de metal. Sus esculturas son, con frecuencia, enormes  montajes de grandes planchas de metal, vigas industriales, tuberías o  p piezas de acero, codos metálicos, aluminio e incluso chatarra, todo ello  , , , soldado, que difieren sin embargo de las propuestas tendentes al  minimalismo de Smith, así como del uso que este hace del contexto que  circunda la obra. En ocasiones, Caro permite que las esculturas se oxiden  de modo natural, pero otras veces las pinta con colores brillantes, como  de modo natural pero otras veces las pinta con colores brillantes como Mediodía (1960, Colección T. y P. Caro, Londres). De esta etapa es también  la obra Una mañana temprano (1962, Tate gallery en , Londres), realizada  y p , j p en acero y aluminio pintados, un claro ejemplo del uso de la escultura con  fines pictóricos, cuya visión frontal nos recuerda algunas pinturas  abstractas de Wassily kandinsky

En torno a 1967 Caro comienza a crear sus table sculptures, una serie de  naturalezas muertas abstractas con un único punto de vista, realizadas con placas  de acero recortadas irregularmente y esmaltadas. Pero también crea obras en otra  de acero recortadas irreg larmente esmaltadas Pero también crea obras en otra línea diferente, como es el caso de Riviera (1974, colección privada, Seattle), que  consiste en varios segmentos de metal libremente agrupados en vertical sobre un  p j q suelo. A partir de 1984 retoma el trabajo en bronce que había realizado durante la  década de 1950, y algunos años más tarde desarrolla sus ‘escultitecturas’,  esculturas de gran formato que se contemplan desde el interior. En los últimos  años del siglo XX colabora con el arquitecto Norman Foster en la construcción del  Millennium Bridge de Londres (1996‐1999).  Millennium Bridge de Londres (1996 1999) A través de su labor como profesor en Londres y en Estados Unidos, Caro ha  ejercido una gran influencia en los escultores más jóvenes. Ha participado en  distintas ediciones de Documenta, en los años 1964 y 1968; en 1969 se realizó una  distintas ediciones de Documenta en los años 1964 y 1968; en 1969 se realizó una retrospectiva en la galería Hayward de Londres; en 2005, con motivo de su ochenta  cumpleaños, la Tate Britain de Londres organizó una gran retrospectiva, para la que  Caro creó la pieza Millbank steps, compuesta por cuatro torres escalonadas unidas,  realizadas en hierro forjado. Caro ha recibido algunos de los premios de escultura  l d h f d h bd l d l d l más prestigiosos, como el que otorga la David Bright Foundation, en la Bienal de Venecia de 1966, o el Praemium Imperiale de la Japan Art Association, en 1992. 

Algunas de sus obras Algunas de sus obras

252 x 747 x 370 cm. Museo: Hammersmith & West London  Collage London West Material: Acero Inoxidable. Medidas: 252

1985 ‐ 61 años Alto Rhapsody Material: Acero barnizado. Medidas: 194 x 274 x 221 cm 194 x 274 x 221 cm. Museo: Parc de la Espanya Industrial.  Barcelona •

1994 ‐ 70 años Borde de las Montañas Material: Acero de Corten. Medidas: 610 x 915 x 760 cm. Museo: Musée de Grenoble

1996 ‐ 72 años Promenade Material: Acero pintado. Medidas: 490 x 340 x 4500 cm. Museo: Yorkshire Sculpture Park

Cesar Baldaccini 

internacional

Cesar Baldaccini Cesar Baldaccini
• Nacido de padres italianos en Marsella en 1921, César (César Baldaccini),  Nacido de padres italianos en Marsella en 1921 César (César Baldaccini) falleció en 1998 dejando un conjunto de obras caracterizadas por su  modernidad, una especie de corpus clásico radicalmente inserto en su  p p g q j tiempo por el formidable hallazgo que se tradujo en la alianza de la  elección de los materiales utilizados con la técnica empleada para  dominarlos.  Trabajó el yeso y el hierro desde 1947, y ya en 1952 practicó la soldadura  realizando sus primeras esculturas de chatarra que expuso en la Galería  l d l d h l l í Lucien Durand de París en 1954. A su vez, con sus primeros desnudos,  César recuperó ciertamente una calidad de sujeto clásico, al tiempo que  aportó una modernidad acorde con la época que vivía a través de la  aportó una modernidad acorde con la época que vivía a través de la elección del material y de la técnica utilizada. 

Después de realizar grandes figuras por  medio de la soldadura, a comienzos de los  sesenta compuso sus primeras  t i "compresiones", esculturas cúbicas hechas  con carrocerías de automóviles comprimidas  por medios mecánicos. En el Salón de Mayo  por medios mecánicos. En el Salón de Mayo de París de 1960, César provocó una onda de  choque con las tres compresiones que  expuso, fragmentos de carrocerías de un  formato (más de 1.50m de altura) y de un  formato (más de 1 50m de alt ra) de n peso (alrededor de una tonelada)  absolutamente inusuales. Todo había sido  p realizado en una fábrica de recuperación de  chatarra con la ayuda de una poderosa  prensa hidráulica, capaz de reducir un  automóvil entero a un compacto poliedro. 
OBRA PULGAR

OBRA :ESCORPION OBRA ESCORPION

Los trabajos de César de los años  Los trabajos de César de los años cincuenta y de los comienzos de los  sesenta deben su carácter único e  incomparable a la utilización de la  chatarra, a su domesticación por los  sesgos de la soldadura y a su  aproximación nada convencional a esos  materiales por la cual eliminó la realidad  materiales por la cual eliminó la realidad objetiva de los fragmentos para hacer  una única composición de sus  ensamblados. Por la técnica de la  soldadura, César modeló sus esculturas a  partir de trozos de hierro recuperados  que apenas permiten al espectador  percibir su destino original. En 1965  percibir su destino original En 1965 presentó su "Pulgar" agrandado de 1.85  metros y a partir de la década de los  ochenta volvería a la serie de "pulgares  patinados".  d "

• En 1967 "descubrió" el poliuretano, material que le  permitió realizar obras que él denominó  "expansiones", grandes coladas alisadas y  endurecidas que fueron el resultado de una cuidada  técnica. Con las expansiones, César se apropió  técnica Con las expansiones César se apropió poéticamente del universo de la química orgánica.  Desde entonces, explotó a fondo los dos hallazgos  ("compresiones"y "expansiones"). César ha dicho:  ( ) "Creo que todos los materiales son materiales de  escultor. No me parece que haya límites en la  escultor No me parece que haya límites en la elección de los materiales. Es una cuestión de  libertad y sensibilidad, es una cuestión de pasión... Yo  hago el amor con la materia."  h l l "

En la Bienal de San Pablo de 1967, le fue otorgado el Premio de Escultura, pero él  lo rechazó y propuso que le fuera otorgado a Jean‐Pierre Raynaud.  lo rechazó y propuso que le fuera otorgado a Jean Pierre Raynaud Inmediatamente después de la Bienal, el Museo de Arte Contemporáneo de la  Universidad de San Pablo adquirió la más grande expansión presentada por César,  y y desde Río de Janeiro y desde Montevideo fue invitado a realizar expansiones  y p públicas. En aquel año, César se convirtió en la estrella del mundo artístico, no  sólo del pabellón francés sino de toda la Bienal.  Las esculturas de César no sólo se encuentran en museos sino que también han  logrado integrarse a la vida cotidiana de las ciudades. Francia siempre lo ha  l d i t l id tidi d l i d d F i i l h considerado como un artista intérprete del espíritu francés que aspira a tener una  alcance universal. En 1994, en una ceremonia realizada en el Eliseo, el Presidente  Miterrand le impuso la Cruz de Oficial de la Legión de Honor.  Miterrand le impuso la Cruz de Oficial de la Legión de Honor. En esta muestra del Museo Nacional de Artes Visuales, se exhiben más de cien  obras, ejemplos contundentes de todos los períodos de la trayectoria de César. El  peso total del material expuesto asciende a veinte toneladas, en virtud de que  muchas de las obras son de gran porte, bastando como ejemplo mencionar que  alguna pesa una tonelada y media, lo que ha demandado un gran esfuerzo .

Michelangelo Buonarroti g

internacional

Michelangelo Buonarroti (miguel ángel)

Hijo del podestà de Caprese (cerca de Arezzo), ingresó a los trece años en el taller de  Ghirlandaio, quien, asombrado de su talento, lo recomendó a Lorenzo el magnifico. Fue  acogido en el palacio de los Medicis como si fuera de la familia. A los quince años  id l l i d l M di i if d l f ili A l i ñ trabajaba ya con Bertoldo en el casino de San Marcos, museo de antigüedades reunido por  los Médicis. Allí esculpió el Combate de los centauros contra los lapitas (Bargelo, c. 1490)  donde conjuga la masa como jamás Donatello había logrado, y la Virgen de la escalera  (1489‐1492), relieve de poco realce, en el que la figura de la Virgen aparece como  extrañamente conturbada por una trágica visión. Sólo los tres angelotes ponen en esta  obra un ligero reflejo del renacimiento toscano. Una expresión tan distinta a la usual era  un signo decisivo del genio de Miguel Angel. Muerto Lorenzo el Magnífico marchó a  g g g g g Bolonia, donde terminó algunos trabajos comenzados por Nicollò dell'Arca y estudió la  obra de Jacopo della Quercia. De su primera época en Roma data su Baco ebrio (1496‐ 1497): el joven dios levanta una copa en su diestra y adopta una original postura  basculante. En la Pietà de San Pedro, asimismo de esta época, logra destacar el desnudo  , p , g armonioso del Hijo, en el que parece centrarse el ideal clásico a que aspiró el renacimiento  a finales del quattrocento, sin olvidar por ello el patetismo, tratado con grandiosidad  inigualable, tanto en el conjunto como en el rostro, jovencísimo, de la Virgen. 

Regreso a Florencia (1501): De vuelta a Florencia, con 26 años, esculpió su gigantesco David (1501‐1504). Al  D lt Fl i 26 ñ l ió i t D id (1501 1504) Al joven se le sorprende en el momento de mirar fijamente al adversario y medir la  acción inminente, en la línea que separa la potencia del acto. El rostro expresa la  certidumbre de la victoria sobre todo y sobre todos, el orgullo y la dignidad del  hombre. Se logró una de las obras maestras más indiscutibles de todo arte y un  h b S l ó d l b á i di ibl d d símbolo de la nueva juventud del mundo que fue el renacimiento También realizó  las estatuas de los doce apóstoles para la catedral, de las que sólo queda el San  Mateo (1503).  La batalla de Cascina: Del otoño de 1504 a primeros de marzo de 1505, cuando el papa Julio II lo llama a  Roma (y tal vez de mayo a octubre de 1506) trabajó en un gran empresa que  quedó irrealizada: el fresco de la Batalla de Cascina para la Sala del Gran Consejo  quedó irrealizada: el fresco de la Batalla de Cascina para la Sala del Gran Consejo en el Palacio de la Señoría. En 1503 la Señoría había encargado a Leonardo que  pintara la gran sala construida por Cronaca en 1495 para albergar el parlamento de  la república savonaroliana. ejecutado en competencia con La batalla de Anghiari.  Probablemente dudando de que Leonardo pudiera llevar por sí solo la enorme  Probablemente dudando de que Leonardo pudiera llevar por sí solo la enorme empresa de decorar la sala.  "Piero Sorderini, entonces gonfaloniere, por la gran virtud que vio en Miguel  Angel, le hizo encargo de una parte de aquella sala: lo que fue motivo de que  hiciera competencia a Leonardo en la otra pared". (Vasari)  hi i t i L d l t d" (V i)

Los cartones (estudios para el fresco) de ambos maestros fueron pronto  divididos y perdidos. Hoy sólo se conserva (Oxford) un fragmento retocado  del de Leonardo. En la composición elegida, Miguel Angel se diferencia del  del de Leonardo En la composición elegida Miguel Angel se diferencia del estilo de su rival, cuya grandeza reconocía, aunque tal vez de mala gana.  Alternando con estas obras Miguel Angel realizó algunos tondi, esculpidos  (Madonna Pitti, con influencias de Leonardo), o pintados (Sagrada Familia  o tondo Doni, 1506), cuyas figuras, concebidas según un ritmo espiral,  d ) f bd ú l poseen un colorido que contribuye al efecto plástico de la obra.  Estancia en la Roma de Julio II: En 1505 fue llamado a Roma por el papa Julio II, quien le encargó la  En 1505 fue llamado a Roma por el papa Julio II quien le encargó la realización de su sepulcro; el proyecto inicial fue diferido. Tras pasar ocho  meses en Carrera seleccionando mármoles Miguel Angel vuelve a Roma,  p p p p p y es expulsado del palacio por orden del papa y marcha a Florencia. Tras ser  conminado a encontrarse con el papa en Bolonia, funde en bronce una  estatua de Julio II (colocada en 1508 y destruida en 1511).  La Capilla Sixtina (1508‐1512): El papa hizo que el artista se ocupara de la decoración de la bóveda de la  El hi l i d l d ió d l bó d d l Capilla Sixtina (comenzada el 10 de mayo de 1508), en la que Miguel Angel  habría de representar el prólogo y el epílogo de la Humanidad: La creación  y el Juicio final. Bramante esperaba el fracaso e impulsaba al papa a forzar  y el Juicio final Bramante esperaba el fracaso e impulsaba al papa a forzar a Miguel Angel para que se comprometiese a pintarla. Miguel Angel al  principio se excusó y se lamentó, protestando de que aquel arte no era el  suyo. 

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El encargo era pintar en las lunetas las figuras de los doce apóstoles, y en el techo algunas  figuras decorativas. Miguel Angel propuso al papa recubrir de pinturas toda la bóveda.  "Vio, en un relámpago toda la historia divina y humana como proemio a la venida de Cristo:  "Vio en n relámpago toda la historia di ina h mana como proemio a la enida de Cristo la creación del Universo, la creación y la caída del hombre, el pecado y el castigo del  hombre, todos los acontecimientos que habían hecho posible y necesaria la Redención. Y  como si esto no bastara, se propuso representar, junto a aquella epopeya, que narraba la  guerra entre la Divinidad y la Humanidad, a todos los precursores directos del Redentor,  t l Di i id d l H id d t d l di t d l R d t todos los antepasados de Cristo según la carne, a todos los profetas y las sibilas que habían  anunciado su advenimiento". (G.papini)  Las escena bíblicas (Separación de la luz y las tinieblas; Creación del cielo; separación de las  ( p y ; ; p tierras y las aguas; Creación de Adán; Creación de Eva; Pecado original y expulsión del  paraíso; Sacrificio de Noé; Diluvio Universal; Arca de Noé) van surgiendo en la bóveda como  visiones celestiales; las figuras de las sibilas, y de los profetas, los asombrosos ignudi,  representan la más pura concepción de la técnica dibujística de los florentinos, aliada aquí a  representan la más pura concepción de la técnica dibujística de los florentinos, aliada aquí a la monumentalidad romana: es la culminación del renacimiento y tal vez la más completa  expresión del genio de Miguel Angel.  Se acostaba en un alto andamio y la pintura le caía en los ojos. Soportaba las vehemencias  de Julio II, amigo pero que se sentía dueño y había llegado a golpearlo con un bastón. A  de Julio II amigo pero que se sentía dueño y había llegado a golpearlo con un bastón A veces le faltaba dinero para continuar y en 1511 tuvo que ir a Bolonia, siguiendo al papa en  guerra, para conseguir los fondos que le había asegurado.  "Nadie ha penado nunca lo que yo estoy penando y padeciendo ahora, sin salud y con  muchas fatigas, y, sin embargo, espero con paciencia el momento de alcanzar el fin  h f b l l lf deseado".(Miguel Angel) 

"Rafael llegó a Roma y pintó las Estancias en la misma época en que Miguel  Angel pintaba la Sixtina; pero el de Urbino hubo de reconocer las  excelencias de la pintura de Miguel Angel, a cuyo influjo no pudo  e celencias de la pint ra de Mig el Angel a c o infl jo no p do sustraerse". (G.Papini)  La capilla fue descubierta al público el 31 de octubre de 1512 ante la  insistencia del papa. Julio II quiso que fuese retocada con oro. Miguel Angel  insistencia del papa Julio II quiso que fuese retocada con oro Miguel Angel respondió que no veía que los hombres llevasen oro. El papa replicó:  "Quedará pobre" a lo que respondió Miguel Angel: "También los que están  ahí pintados fueron pobres". Julio II murió cuatro meses después. Había  dicho a los cardenales en su lecho de muerte que había sido el más grande  í á de los pecadores y que no había regido la Iglesia como debía. Adriano VI,  papa desde 1522 a 1523 se propuso hacer destruir los frescos. Había sido  preceptor de Carlos II, arzobispo de Tortosa, virrey y gran inquisidor. Ya había  preceptor de Carlos II arzobispo de Tortosa virrey y gran inquisidor Ya había hecho cerrar todas las puertas del patio del Belvedere para que nadie  pudiese entrar a contemplar las desnudeces de las estatuas antiguas.  q p p g g , q ... "quería echar por tierra la capilla del divino Miguel Angel, diciendo que  parecía una sala de baños llena de gente desnuda, y despreciando todas las  buenas pinturas y las estatuas, las llamaba lascivias del mundo y cosas  oprobiosas y abominables". (Vasari) 

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Regreso a Florencia (1515): g p p , Terminado el Moisés regresó a Florencia. Por expreso deseo del nuevo pontífice,  León X, proyectó la fachada del templo Brunelleschiano de San Lorenzo, que no se  realizó. Años después, a instancias del nuevo papa, Clemente VII, trabajó en la  sacristía nueva de dicho templo, destinada a ser capilla funeraria de los Médicis. El  p pontífice deseó en un principio cuatro sepulcros, uno en cada paramento, con una  p p p , p , imagen de la Virgen, entre los santos Cosme y Damián, presidiendo el conjunto.  Finalmente el proyecto se redujo a dos sepulcros, con las estatuas de los duques  Julián y Lorenzo (Il pensieroso), La acción y la contemplación entronizadas sobre  los sarcófagos, que llevan yacentes los desnudos del día y la noche, la aurora y el  los sarcófagos, que llevan yacentes los desnudos del día y la noche, la aurora y el crepúsculo, simbolizando el mundo perecedero.  Oh Noche, tiempo dulce aun siendo tan negro tú cortas el cansado pensamiento... Tanto los elementos decorativos como las figuras están tomados del repertorio  l l d l f á d d l antiguo, pero nunca se ha mostrado mayor dominio sobre la composición y del  nuevo estilo. Esculpió estas tumbas entre los cincuenta y los sesenta años. El Día,  que casi esconde el rostro tras el hombro, muy levantado, mira con enojada  cautela hacia adelante. La Noche reclina el rostro sobre el pecho y muestra una  tristeza petrificada. La Aurora tiene el rostro de la saciedad. El crepúsculo inclina la  cabeza pesada y pensativa para buscar consuelo en el sueño. La tristeza llena la  vida humana compuesta de días veloces que se persiguen y se semejan en su  p q p g y j inutilidad. 

Deseoso Clemente VII (Medicis) de guardar en un suntuoso monumento los tesoros  bibliográficos adquiridos por Cosme el Viejo, Pedro y Lorenzo el Magnífico, encargó a Miguel  Angel la construcción de una rica biblioteca (La Laurenziana), así como los planos del  g ( ), p vestíbulo y la escalinata. Los planos son de Miguel Angel, así como las primeras obras, pero  el conjunto fue terminado por Vasari. Hasta 1530, época en que hizo crisis las libertades en  Florencia, participó como ingeniero en la fortificación de la ciudad contra las tropas del papa  y las del emperador (fortificaciones de San Maniato 1528 1530). Derrotada Florencia, los  y las del emperador (fortificaciones de San Maniato 1528‐1530). Derrotada Florencia, los enemigos de la derrotada república quisieron asesinar a Miguel Angel, que huyó a Roma  donde fue acogido por Clemente VII y fijó allí definitivamente su residencia (1534).  Dominado por su ardiente amistad por T.Cavalieri y por un culto apasionado por la belleza  terrestre, compuso arrebatados poemas y dibujos muy cuidados de temas mitológicos  terrestre, compuso arrebatados poemas y dibujos muy cuidados de temas mitológicos (Ganímedes, Faetón).  El Juicio Final de la Capilla Sixtina (1536‐1541): A instancias del nuevo papa Paulo III, volvió a la pintura con el Juicio Final de la Capilla  Sixtina. El conjunto, concebido a los sesenta y dos años, es desarrollado por el artista como  Sixtina El conjunto concebido a los sesenta y dos años es desarrollado por el artista como el eterno drama que escapa al poder del tiempo y del espacio; en él, sobre un fondo  inmenso de auténtico visionario, pintó un rebullir de figuras desnudas flotando sobre los  rojizos fulgores del infierno. La obra, calificada por Vasari de stupenda meraviglia del secolo  nostro, es un anticipo de la ampulosa pulsación del barroco, pero con un acento de  t ti i d l l l ió d l b t d desesperación, con una atmósfera de tempestad, consustanciales con el temperamento  apasionado del artista. Los ángeles siguen llamando a los muertos con las trompetas. Se  trata del comienzo del Juicio, 314 figuras humanas representan los miles de millones de  almas que habrán de comparecer ante el Juez el último día. Se ha identificado gran número  l h bá d lJ l úl i dí S h id ifi d ú de rostros (Dante sayonarola, Vittoria Colonna, Tommaso del Cavaliere, el fiel criado Urbino,  Julio II...). Miguel Angel pinta un pavoroso autorretrato en el mísero despojo de la piel de  San Bartolomé. Se reconoce como mártir de los poderosos, los adversarios y de sus  ensueños más que humanos. 

Pietro Aretino se unió a la conspiración de moralistas que criticaban la  desnudez de diez figuras humanas. Le aconseja que imite  la modestia  desnudez de diez figuras humanas. Le aconseja que imite "la modestia florentina, la cual, bajo unas hojas áureas, encierra las de su bello coloso, y  eso que está en una plaza pública y no en lugar sagrado". En su carta a  Miguel Angel de noviembre de 1545 escribe:  "... en el tema de tan alta historia, mostráis los ángeles y los santos, estos  sin ninguna honestidad terrena y aquellos sin ornato celestial alguno...; y  quien sea cristiano, pero más estime el arte que la fe, tendrá por  espectáculo real tanto el decoro no observado en los mártires y en las  espectáculo real tanto el decoro no observado en los mártires y en las vírgenes como en el gesto del que es arrebatado por los miembros  genitales, que hasta en los prostíbulos cerrarían los ojos para no mirarlo".  (Aretino)  En 1564 la Congregación del Concilio, con el consentimiento de Pío IV,  ordenó que se cubriesen las desnudeces. El trabajo se confió a Daniello de  Volterra, y a la muerte de este (1566) fue continuado por Girolano de  Fano. Otros recubrimientos se hicieron bajo Sixto V y bajo Clemente XIII.  F Ot bi i t hi i b j Si t V b j Cl t XIII En tiempos de Gregorio XIII y de Clemente VII se pensó en tapar con cal  todo el fresco. 

Fe, religión e Iglesia: Desde la adolescencia no había dejado de ser un cristiano lleno de fe y de deseos de  perfección, combatido y tentado por la adoración pagana de las formas. Su fe juvenil se  f ió b tid t t d l d ió d l f S f j il inspiró principalmente en Dante y Sayonarola. Es de suponer que le causara indignación la  corrompida Roma de los papas que conoció. Su admiración por Vittoria Colonna, por el  cardenal Reginaldo Pole y por Berni ‐sospechosos de simpatías protestantes‐ confirma que  esperaba una reforma disciplinaria y espiritual de la Iglesia. En los últimos años de su vida  b f di i li i i i ld l l i l úl i ñ d id Miguel Angel, arrastrado por los vaivenes espirituales de la Reforma católica, expresó en sus  obras y en sus escritos una fe dolorosa, cierta necesidad ineludible de penitencia.  Las fábulas del mundo me han quitado Las fábulas del mundo me han quitado el tiempo dado para contemplar a Dios, y no sólo he olvidado sus mercedes, sino que, al olvidarlas, he pecado A partir de 1543 se consagró principalmente a la arquitectura. Sucedió a A.Sangallo en las  A partir de 1543 se consagró principalmente a la arquitectura Sucedió a A Sangallo en las obras del Vaticano, y proyectó la cúpula, que no terminó, así como en las del palacio  Farnesio, donde realizó la atrevida cornisa. El resto de sus construcciones tienden  igualmente a manifestar el acento sobrehumano, patético, con que concebía la arquitectura:  proyecto de Santa María degli Angeli, en las Termas de Diocleciano; la impresionante Porta  proyecto de Santa María degli Angeli en las Termas de Diocleciano; la impresionante Porta Pia (c. 1560); los planos para la urbanización de la plaza del Capitolio. Sus últimas esculturas  son tres Pietà en las que el cuerpo que contenía la esperanza de los hombres es retenido en  su caída por unas manos amorosas. Esculpidas con sus últimas fuerzas en sus últimos años,  en los que pensaba en la muerte más que nunca, son la atormentada manifestación de la  l b l t á l t t d if t ió d l oración y de la esperanza de Miguel Angel. 

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Era un enamorado de la obra de Dante. La releía continuamente y reflexionaba  y sobre ella. La Comedia influyó mucho en la concepción del Juicio Final. Se había  ofrecido al florentino León X para "hacerle sepultura conveniente y en lugar  honroso". El exilio es el suceso de la vida de Dante que más le conmueve.  Su amistad con la poetisa Vittoria Colonna, que le inspiró las famosas Rime,  Su amistad con la poetisa Vittoria Colonna que le inspiró las famosas Rime iluminó los últimos años de su vida.  Sus funerales se celebraron con gran solemnidad en San Lorenzo y fue enterrado  en Santa Croce. Miguel Angel es el maestro de lo sublime, de los efectos  grandiosos. Su arte no cesó de enriquecerse, de evolucionar, ganando siempre en  di S t ód i d l i d i vigor patético. Su influencia dominó todo el s. XVI, tanto por la pureza de su  clasicismo como por su complejidad formal y espiritual. 

La Capilla Sixtina (1508‐1512):

La tumba de Julio II L t b d J li II

El Juicio Final de la Capilla Sixtina (1536‐1541) El Juicio Final de la Capilla Sixtina (1536 1541)

Salvador Dali

internacional

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i  Domènech, Marqués de Pubol

En su época de estudiante llamaba mucho la atención por su excentricidad, usaba el cabello largo, patillas, abrigo, y pantalones bombachos al estilo de moda del siglo anterior pero con sus obras al experimentar el cubismo, atrajo la atención de todos sus compañeros. p

Biografía
• Nació el 11 de mayo de 1904 en la provincia de Gerona,  España. • E 1916 D lí d En 1916 Dalí descubrió la pintura moderna en una de sus  b ió l i t d d vacaciones de verano en Cadaqués. • En 1919 realizó su primera exposición pública en el teatro En 1919 realizó su primera exposición pública en el teatro  municipal de figueras. • En 1921 su madre falleció En 1921 su madre falleció. • En el año 1922 Dalí fue a estudiar a la Residencia de  Estudiantes de Madrid y allí estudió en la Real Academia de  Estudiantes de Madrid y allí estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

T é c n i c a s

• A lo largo de su vida  Salvador Dalí experimentó  p con diferentes técnicas y  estilos los cuales lo  marcaron en toda su  marcaron en toda su trayectoria, como por  ejemplo, Cubismo,  Dadaísmo, Clasicismo,  Avant‐garde

Gala Eluard Dalí su esposa y musa inspiradora

Gala asomada a la ventana. Escultura de salvador Dalí.

Rinoceronte de Dalí. 3.600kg. En  d lí k Puerto Banús desde septiembre de  2004. 2004

Salvador Dalí Escultura de Perseo Dalí.

La persistencia de la memoria

Sueño causado por el vuelo  de una abeja alrededor de  j una granada un segundo  antes de despertar

Pablo Rivera

nacional

Pablo RIVERA. Pablo RIVERA
• Nació en Santiago el 2 de junio de 1961, realizó sus  ió S i l 2 d j i d 96 li ó estudios en la Escuela de Arte de la Universidad Católica,  licenciándose en 1987 con mención en escultura. En 1993  ingresó como profesor de escultura en el Instituto de arte  i ó f d lt l I tit t d t contemporáneo de Santiago, en 1994 viajó a Inglaterra  para realizar estudios de post‐grado en el Royal College of  Art  de Londres, regresó a Chile en 1995. Actualmente es  Art de Londres regresó a Chile en 1995 Actualmente es profesor de artes en la Uniacc. 
En el año 2000, el artista buscó explorar equivalencias formales  entre la estética minimalista y las políticas habitacionales,  entre la estética minimalista y las políticas habitacionales convirtiendo un conjunto de obras en una irónica metáfora de la  sociabilidad y de la idea de habitar. Este escultor, cita a los  procedimientos tradicionales de la escultura, modelar, desbastar y  ensamblar, mediante un cambio o una ausencia de éstos.

Nombre escultor: Pablo Rivera escultor: Nombre escultura: Minimal #2 escultura: Material: Material: Terciado fenólico Medidas: Medidas: 440*600*360 cms. Museo: Museo: Kiasma Museum of contemporary Art. Lugar: Helsinki, Finland. Año: Año: 2001.

Nombre escultor: Pablo Rivera Nombre escultura: Purgatory Material: mimbre Material: mimbre Medidas: 220*350*130 cms. Museo: San Antonio Museum       of Art. fA Año: 1997.

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Desde el año 1983 ha participado y realizado diferentes exposiciones  y proyectos en el espacio público,  entre los cuáles podemos destacar: entre los cuáles podemos destacar: 2002‐ XXV Bienal de Sao Paulo, Representación Chilena. Pabellón Ciccillo Matarazzo. Parque Iribapuera.  Sao Paulo, Brazil. 2002‐ Coeficiente 2 (Formas de Vida). Intervenciones en el Centro de Santiago,   Chile. 2002‐ Unfolding Perspectives. Museum of Contemporary Art Kiasma. Helsinki, Finland. f ld f l k l d 2001‐ “Menos es mas”, Galeria Animal. Santiago, Chile.  2000‐ “100 Años Artes Visuales”. Chile.  2000‐ “Transferencia y Densidad”.  Museo Nacional de Bellas Artes. Santiago, Chile. , g / , 2000‐ “L’art dans le monde”, Beaux Arts Magazine / Pont Alexandre III. París, Francia.  2000‐ “Mecánica de Fluidos”. Galería de Arte Balmaceda 1215. Santiago, Chile. 2000‐ “Purgatorio” (Decoralia), Persa Bío‐Bío. Santiago, Chile. 1999‐ “Juegos Retóricos”, Escuela La Paloma, Puerto Montt, Chile. 1999‐ Purgatorio, Cementerio General de Santiago, Chile. , g 1998‐ “Bienal Mercosul”, Porto Alegre. Brazil. 1997‐ “Prospect & Perspective: Recent Art from Chile” San Antonio Museum of Art, San Antonio, Texas.  1986‐1996, Arte Joven en Chile.  1997‐ “Campos de Hielo”. Museo Nacional de Bellas Artes. Santiago, Chile.  1996‐ “El sitio de las cosas”, Metro de Santiago, Estación Parque Bustamante. Santiago, Chile. 1996 Zona Fantasma , Galeria Gabriela Mistral. Santiago, Chile. 1996‐ “Zona Fantasma”, Galeria Gabriela Mistral. Santiago, Chile. 1994‐ “Digalbondiga”, Museo Nacional de Bellas Artes. Santiago, Chile. 1990‐ “Fragilidad de Zona”, Instituto Cultural de Las Condes. Santiago, Chile. 1986‐ “The Last/Lost (Des)Generation”. Galeria Bucci. Santiago, Chile.

Laura Rodig g

nacional

Laura Rodig Laura Rodig
• Pintora y escultora, nació el 7 de junio de 1901 en la ciudad  de Los Andes,  en donde a una escasa edad ingresa a la escuela de las Bellas Artes. Fue  en donde a una escasa edad ingresa a la escuela de las Bellas Artes Fue una de las primeras mujeres en especializarse en escultura. Ya hacia el año  1992 comienza a desempeñarse como secretaria, dos años mas tarde  realiza un viaje a México, en la cuál dicha escultora siente una atracción  li i j Mé i l ál di h lt i t t ió por la plástica indígena. Falleció el 30 de octubre de 1972 en Santiago,  Chile. Dicha escultora realizó una producción plástica, utilizando de materiales  en el ámbito de la pintura: óleos y acrílicos, y en el ámbito escultórico  utilizó arcilla piedra y granito. utilizó arcilla piedra y granito.

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En el plano escultórico, Rodig abordó al comienzo el tema de la maternidad y la  En el plano escultórico, Rodig abordó al comienzo el tema de la maternidad y la mujer.  Rodig realizó esculturas tales como “India Mexicana”, con lo que se posicionó  como una de las primeras artistas en ingresar a la temática indígena. como una de las primeras artistas en ingresar a la temática indígena

Jean Dubuffet

internacional

Jean Dubuffet Jean Dubuffet
• Jean Philippe Arthur Dubuffet nació el 31 de julio de 1901 en Le Havre,  Francia. Fue un famoso pintor y escultor francés, se mudó a París en 1918  para estudiar pintura en “Académie Julian”, retomó la pintura en el año  1930, se retiró nuevamente de la rama del arte, para retomar en el año  1942, su primera muestra individual se produjo en el año 1944, se apegó  1942 i t i di id l d j l ñ 1944 ó fuertemente al realismo. Fue influenciado por el libro de Hans Prinzhorn “  Artistry of the Mentally“. Muchos de los trabajos de este pintor y escultor, fueron realizados con  f óleo en los cuáles utilizó un lienzo reforzado con materiales como paja,  alquitrán y arena, dándole al trabajo una superficie con textura. En 1962  Dubuffet produjo una serie de obras en las cuáles se limitaba a sí mismo  D b ff t d j i d b l ál li it b í i con los colores, azul, blanco, rojo y negro. Ya hacia finales de 1960 se volcó  mas a la realización de esculturas, las cuáles las realizaba con poliestireno,  los cuáles pintaba con vinílico. los cuáles pintaba con vinílico

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Nombre autor: Jean Dubuffet Nombre escultura: Cuatro Árboles Material: Epoxi con pintura de  p poliuretano Medidas: 12  metros Museo: Chase Manhattan Plaza. Nueva  York.

Nombre autor: Jean Dubuffet Nombre escultura: Puerta con grama Material: óleo sobre lienzo con ensamblaje Medidas: 189 * 146 cms. Museo: Guggenheim Museum.

Nueva York

Max Ernst

internacional

Max Ernst Max Ernst
• Pintor y escultor alemán nacionalizado francés, fue una pieza fundamental  tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. Nació en Bruhl,  tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. Nació en Bruhl, Alemania, el 2 de abril de 1891. En 1981 ingresó a la universidad de Bonn  en donde estudió filosofía y psiquiatría, durante la primera guerra  mundial, ingresó al ejército alemán. Practicó diferentes técnicas pictóricas,  mundial ingresó al ejército alemán Practicó diferentes técnicas pictóricas destacándose por la estética de lo absurdo. 
En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres  dimensiones, el mundo extra‐dimensional de los sueños y la imaginación.  di i l d t di i ld l ñ l i i ió

Bertel Thorvvaldsen

internacional clasico

Bertel Thorvaldsen B t l Th ld
• Escultor Danés, nació el 19 de noviembre de 1770 Copenhague,  Dinamarca. Hijo de un tallador de madera Irlandés, estudió en la academia  Dinamarca Hijo de un tallador de madera Irlandés estudió en la academia de Copenhague, en 1797 se trasladó a Italia para estudiar escultura  clásica. En 1820 regresa a Copenhague para comenzar la planificación del  conjunto decorativo a base de estatuas de mármol y relieve para la nueva  j t d ti b d t t d á l li l iglesia de Nuestra Señora.

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Nombre autor: Bertel Thorvaldsen. Material: Mármol. Museo: Museo Thorvaldsen. Lugar: Copenhague  Año: 1817. Año: 1817

Nombre autor: Bertel Thorvaldsen. Nombre escultura: Jason y el vellocino de oro. Material: Mármol Mármol. Medidas: 242 cms. de altura. Museo: Museo Thorvaldsen.

Thorvaldsen fue un destacado representante del período neoclásico en escultura.  Thorvaldsen fue un destacado representante del período neoclásico en escultura. A menudo se le ha comparado con Antonio Canova, pero de hecho personifica el  estilo del arte griego clásico más que el del artista italiano. Las poses y expresiones  de sus figuras son más formales que las de Canova.  g q Parte de la obra de Thorvaldsen se encuentra imbuida de sensibilidad clasicista,  con relieves alegóricos y esculturas de temática clásica 

Ximena Rodriguez g

nacional

FICHA BIOGRAFICA Nombre: Ximena Rodríguez :1943, Nacionalidad: Chilena

Hector Roman

nacional

FICHA BIOGRAFICA Nombre: Héctor Román Latorre : 1932 Santiago Miembro del di t i d l Instituto de Investigaciones Mi b d l directorio del El I tit t d I ti i Históricas "José Miguel Carrera"

Escultura de: José Miguel Carrera Autor: Héctor Román Latorre Fecha: 1981 Nacionalidad: Chilena Técnica: Patinado Dimensiones: 80 X 60 centímetros La obra fue sustraída desde el Instituto de Investigaciones del General J é Mi G l José Miguel C l Carrera, en l la comuna de las Reina.

Victoria de Chacabuco

Jean Fautrier

internacional

FICHA BIOGRAFICA Nombre: Jean Fautrier : 1898 París : 1964

Nacionalidad: Francesa Estudia las artes en: La Real Academia y la Escuela Slade de Londres

Durante la segunda guerra mundial, Jean Fautrier participa activamente a la Resistencia y por t t a partir de 1943, d b esconderse ; vive en l casa d tanto, ti d 1943 debe d i la de Chateaubriand, en la Vallée aux Loups (valle de los lobos). Emprende una serie de collages a base de varias materias dibujos pintados al óleo sobre materias, papel. Estos trabajos forman el conjunto de “Rehenes” y “Masacres”, un conjunto de retratos emocionantes en los que el artista se afirma como testigo de la memoria de las víctimas. En los años 50 su obra se hace más abstracta pero el artista sigue “diciendo” el sufrimiento de los sobrevivientes y retoma la pintura de diciendo unas series de paisajes sombríos. Su obra fascina a Jean Dubuffet y a Malraux. Esculturas, sanguinas, litografías y grabados, el artista siempre pasando los limites, trabaja sus obras como si fueran carne viva. Le galardonan con el Gran Premio de la Bienal de Venecia

My little yellow bascket y y Autor: Jean Fautrier Fecha:1956 Características:51 x 62 cm. Material: Óleo sobre papel

Los cuadros de los informalistas europeos son un p que , p campo sobre el q actuar, como los del expresionismo abstracto americano, aunque la actuación sea distinta. Las texturas características de la pintura de Fautrier -hechas de materia sólida, con una costra dura y desigual- no son una preparación, porque se siguen viendo una vez acabado el cuadro, ni un fondo, porque no hay tal.

Cabeza de rehén nº 2 Autor: Jean Fautrier Fecha:1945 F h 1945 Museo: Colección Particular Características:35,5 26 5 cm. Características:35 5 x 26,5 cm Material: Oleo sobre papel

La denuncia de las barbaridades del ejército de ocupación en Francia durante la guerra es uno de los elementos fundamentales de los Otages de Fautrier y la escultura que realiza en los años cuarenta

. Mujer en la noche 1947 Grabado original, firmado al lápiz.

Fautrier hace escultura en los años cuarenta, cabezas maltratadas y Otages también que guardan la huella, o son el resultado, de ese mal trato Head f hostage H d of a h t

Jean Fautrier muere en 1964 Châtenay-Malabry, Francia

Verrocchio

internacional clasico

FICHA BIOGRAFICA: Nombre: Andrea di Michele del Cione : 1435 : 1488

Nacionalidad: Italiana Área: Escultura, orfebrería y pintura Movimiento: Renacimiento Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo serenamente clásico del primer renacimiento florentino.

•Andrea comenzó a trabajar como orfebre en el taller de Giulio Verrocchi, de quien parece haber tomado su sobrenombre. •Sus primeros esfuerzos en pintura datan probablemente de los años 1460, cuando trabajó en Prato junto a Filippo Lippi.

Cristo y Santo Tomás, Bronce, Orsanmichele,

En 1466 la cofradía de mercaderes de Florencia le encargó un g grupo en bronce titulado Cristo y Santo Tomás para un nicho externo de la iglesia de Orsanmichele. La obra se colocó allí en 1483. Ideó una composición de dos figuras, con Cristo en el centro del nicho, y el Santo estirado hacia afuera, para evitar una perspectiva frontal rígida y para ayudar al espectador a identificar mejor a los personajes.

•La única pintura firmada de Verrocchio es la Virgen con Niños y Santos, en la catedral de Pistoia -Óleo sobre tabla, 177 x 151 cm . De 1474-1475 es el Bautismo de Cristo, actualmente conservado en los Uffizi En Uffizi. esta obra fue ayudado por Leonardo Da Vinci, que por entonces era un joven, quien acabó el paisaje y pintó el ángel de la izquierda, superando en calidad el resto de la pintura. Según Vasari, Ésta f la razón por la que Andrea no É fue quiso volver a tocar los pinceles, indignado porque un muchacho supiera más que él El Bautismo de Cristo, 1474-1475, obra de Verrocchio y Leonardo da Vinci Óleo sobre tabla 177 x 151 cm tabla, cm., Este Bautismo de Cristo es la única obra pictórica que se le atribuye con absoluta seguridad.

David, de Verrocchio, 1467 Bargello, Florencia

la escultura, al principio siguiendo los cánones estándar florentinos. Esto es evidente en la estatua de bronce del David, encargo de Lorenzo y Juliano de Médicis

Retrato ecuestre del condottiero Colleoni Bronce, Plaza de San Juan y San Pablo

En 1478 Verrocchio comenzó la que sería su obra más famosa, una estatua ecuestre del condottiero Colleoni, quien había muerto tres años antes. La obra fue un encargo de la República de Venecia. Fue el primer intento de producir semejante grupo, con una de las patas del caballo en el aire. La estatua destaca también por la expresión en el rostro de Colleoni, que obedece a una observación cuidadosa, y que refleja un mando b ió id d fl j d severo. De esta estatua sobresale también la magnífica plasmación del movimiento. Verrocchio envió a sus comitentes un modelo en cera en 1480, y en 1488 finalmente se trasladó a Venecia para asistir a la fundición del grupo. Sin embargo, murió ese mismo año, antes de que la obra estuviera acabada.

Podríamos dar cuenta de la gran importancia que tiene cada mundo detrás de cada escultor donde ello s pueden crear módulos y diseñar p casi un vida al punto de que cada experiencia sea buena o mala de da a conocer de una u otra forma en sus obras.

Samuel Roman Rojas j

nacional

Nombre: Samuel Román Rojas Profesión: escultor Fecha de nacimiento/muerte: Rancagua,8 de Diciembre de 1907, Santiago,7 d Ab il d 1990 S ti 7 de Abril de 1990. Trayectoria: Escuela de Artes Aplicadas (hizo clases),y permaneció en el cargo de docente hasta 1949. En 1937, recibió la Beca Humboldt, la cual le permitió estudiar en la Academia de Berlín. En 1943 fundó la Escuela de Canteros "Pedro Aguirre Cerda y al año siguiente fue designado Cerda"y siguiente, Miembro del Consejo de Monumentos Nacionales. En 1958 fue nombrado Miembro Académico de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile Chile. Entre 1971 y 1974 estuvo encargado de reubicar los monumentos de la capital, afectados por la construcción del Metro.

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Escultores o artistas asociados: Marta Colvín.

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Periodo histórico y contexto en el que se desenvuelve su vida y obra: 1943 El Presidente Ríos inaugura la Escuela de  Canteros "Pedro Aguirre Cerda" creada por  Samuel Román, esta institución rehabilita la  artesanía artística de la piedra requerida por la  p q p arquitectura y el diseño de parques, plazas y  jardines.  1949 Inaugura en Santiago el monumento a José  Manuel Balmaceda  Manuel Balmaceda 1959 Inaugura el monumento a don Enrique  Molina Garmendia, Rector y fundador de la  Universidad de Concepción.  1961 Obtiene la mención honrosa en la VI Bienal  b l ó h l l de Sao Paulo.  1964 Recibe el Premio Nacional de Arte.  / j p p 1966/1967 Viaja de nuevo por Europa  recorriendo países como Alemania, Bélgica,  Francia, Italia y la Unión Soviética. 

Obras:

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Nombre: Elena Wilson Autor: Samuel Román Técnica: Escultura en bronce, fundición. Ubicación: Museo de Arte Contemporáneo, Universidad de Chile, Santiago. Dimensiones: 36 cms. cms

En “Elena Wilson ” nos encontramos al autor establecido en su propio cauce expresivo, dotando de fuerza monumental sus modelos que convirtiéndose en símbolos se alejan del referente real.

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Nombre: Novia del viento Autor: Samuel Román Técnica: Escultura en terracota Ubicación :Museo Aeronáutico de Los Cerrillos, Santiago. Dimensiones: 126 cms cms.

“Novia del viento” es una escultura en terracota donde el artista plantea su eje p j desde la verticalidad abriendo ángulos que acogen formas tubulares en donde se dan espacios vacíos que como contraforma articulan la figura g equilibradamente.

Nombre: Ojos y miradas del             Cacique  Macul  Autor: Samuel Román  Técnica: Basalto, piedra azul, talla directa.  Técnica: Basalto, piedra azul, talla directa. Ubicación: Museo Nacional de Bellas Artes.  Santiago, Chile.  Dimensiones: 244 x 65 x 58 cms.  • En la presente escultura de pequeño formato  destacan las influencias de los antiguos pueblos  d t l i fl i d l ti bl americanos así como de la forma arcaica en  general también presente en el material, típico  de formas primigenias de elaboración  tridimensional.  tridimensional.

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Elisabeth Dame Frink

internacional

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Nombre: Elisabeth Dame Frink Profesión: Escultora Fecha de nacimiento/muerte: Thurlow Inglaterra, 14 de noviembre,1930, Blandford Forum , Dorset, 18 de , abril,1993. Trayectoria: En el año 1953 ganó el premio convocado por la Tate para el Monumento al prisionero político desconocido. Su fama internacional aumentó tras recibir el encargo de realizar el monumento a J F. Kennedy (1964) en J. F (1964), Dallas. Realizo la serie de esculturas Pájaro, hasta 1969, Durante su estancia en el sur de Francia se sintió fascinada por los caballos salvajes que le inspiraron muchas de las esculturas de los años siguientes siguientes. Trabajaba con rapidez y construía sus esculturas empleando más la escayola que la arcilla, que moldeaba sobre un armazón de hierro, antes de vaciarlas en bronce. También era una experta grabadora e hizo aguafuertes y litografías para ilustrar libros.

Escultores o artistas asociados: Henry Moore

Periodo histórico y contexto en el que se desenvuelve su vida y obra:

Obras:

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Nombre: Caballo en la lluvia VI Autor: Elisabeth Frink Técnica: Bronce Dimensiones: 7,68 x 16,84 cms.

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Nombre: Desierto Cuarteto III Autor: Elisabeth Frink Técnica: B Té i Bronce Dimensiones: 126 x 18 x 83 cms.

Nombre: 'Race Warriors, I, II, III, IV‘ Autor: Elisabeth Frink Técnica: molde de bronce platinado. Ubicación: New Orleans, Louisiana, USA. Louisiana USA Dimensiones: 184 x 220 x 160cm

Praxiteles

internacional clasico

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Nombre: Praxíteles Profesión: Escultor Griego Fecha de nacimiento: (Atenas, siglo IV a. C.) Trayectoria: Su figura domina con autoridad la escultura del siglo IV a. C. en Atenas a C Atenas. Sin romper con los rasgos estilísticos de la cultura ática, Praxíteles los interpretó desde una visión muy personal, que sentó las bases para el posterior desarrollo de la escultura helenística. Trabajo el mármol, mármol más que el bronce, pero se mantuvo en la bronce Desde este punto de partida, evolucionó hacia una mayor humanización de las estatuas, hacia una plasmación algo más intensa de los sentimientos. Gozó de un gran prestigio desde sus primeras realizaciones, en particular por l suavidad d l li i ti l la id d del modelado y la postura indolente de los cuerpos, que gravitan fuera de su eje, descansando sobre un punto de apoyo. Es emblemático en este sentido el grupo de Hermes con Dioniso niño, encontrado en 1877 en Oli i y que se considera un original, el Olimpia id i i l l único que se conserva de un escultor griego de primera magnitud.

Escultores o artistas asociados:
Policleto

Periodo histórico y contexto en el que se desenvuelve su vida y obra:

Obras:

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Nombre: Hermes con el niño Di i N b H l iñ Dioniso Autor: Praxíteles Técnica: Mármol Ubicación: Museo arqueológico de Olimpia. Dimensiones: 213 cms de Altura.

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Nombre: Apolo N b A l sauróctonos ó t Autor: Praxíteles Técnica: Mármol Ubicación: Museo de Louvre. Dimensiones: 1,49 metro de alto.

Nombre: Afrodita de Cnido autor: praxiteles Técnica: mármol ubicación.: ubicación : museos vaticanos Dimensiones: 205 cm. altura

Pablo Gargallo g

internacional

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Nombre: Pablo Gargallo N b P bl G ll Profesión: Escultor español Fecha de nacimiento: Maella, España, (1881-1934) Trayectoria: Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona y sus primeros trabajos estuvieron vinculados a la tradición realista. Sin embargo, en 1911 su tendencia artística experimentó un profundo cambio a raíz de su encuentro con Picasso : la influencia del arte primitivo estuvo presente en la realización de sus máscaras y de sus figuras de metal. Durante estos años realizó el busto del monumento al actor Acisclo Soler, la estatua funeraria de la señora Pidelasserra, dos mármoles para la plaza de Cataluña de Barcelona y obras destinadas a la Exposición Internacional de 1929. En su última etapa creativa, la pintura de Modigliani influyó en el desarrollo de sus figuras, de entre las cuales destaca El profeta (1933). En los museos de arte moderno de Barcelona y París se encuentran otras conocidas obras suyas como suyas, Muchacha de Caspe (1919), El virtuoso (1920), Buey vasco (1930) o Bailarina española (1931).

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Titulo: Máscara de Greta Garbo con mechón Autor: Gargallo, Pablo Fecha creación: 1930 Dimensiones: 25,8 x 19,2 x 12 cm Técnica y materiales: Hierro forjado

Máscara de Greta Garbo con mechón es uno de los ejemplos de las realizaciones más vanguardistas de Gargallo. Gargallo Es en los primeros años de la década de los treinta cuando el escultor aborda sus creaciones más arriesgadas; recibe el encargo de llevar a cabo una obra sobre la actriz sueca para una exposición y, en vez de esculpir una sola pieza, realiza tres versiones diferentes: G t Garbo con pestaña, con sombrero y dif t Greta G b t ñ b con mechón. En los tres casos la forma de trabajar es la misma. Recurriendo a la idea de máscara o escultura frontal apoyada en la pared, trabaja con el espacio y con los juegos de luces y sombras, de tal modo que el vacío se convierte en un volumen activo con la misma importancia que la propia materia. Los bellos rasgos de Greta Garbo no quedan reseñados solamente con hierro, hierro sino también con los huecos y las luces que los rellenan. Son el aire y la iluminación los que ponen en contacto e interceptan los planos de materia para conformar el rostro de la actriz. Al insistir en lo anecdótico, en lo narrativo, en lo ornamental, G t l Gargallo d un t ll da toque muy personal a sus l obras. En este caso se trata de los rizos de pelo de Greta, que se enroscan delicadamente, artificialmente, contrastando con la síntesis formal de las facciones y con el recorte artesanal de la chapa de hierro.

Obras:

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Nombre: El Profeta Autor: Pablo Gargallo Técnica: bronce Ubicación: Museo Centro de Arte Reina Sofía, Madrid Medidas: 236 x 75 x 45 cms

Una de las últimas obras de Pablo Gargallo. Imponente figura férrea, simplicidad y compleja estructura Intento de esculpir el vacío, el hueco, en contrasentido con la norma de la escultura, que consiste en dar forma al volumen. Las láminas que componen el profeta, no componen un bloque, sino que se curvan, y se tuercen entre sí. sí La luz resbala por la superficie del bloque, se introduce por el interior, crea zonas de clarooscuro. La figura resultante es un hombre que está gritando, figura poderosa, amenazante con una mano levantada en actitud de orador, y otra que sujeta un bastón. Preocupación por el aspecto muy acentuada. El escultor no quiere hacer una figura abstracta. Mirándolo desde planos distintos, el profeta es el mismo, el mismo gesto y sentido, la misma , g , persona. La profundidad no es una continuidad frontal, se consigue con el juego de piezas y de vacíos. Las líneas y planos nos conducen hacia la cabeza, y a la boca, centro expresivo de la figura, tanto en su visión f t l como en l l t l i ió frontal las laterales. El aire entra a través de la chapa y la llena de luz, construyendo el volumen en negativo. La experiencia de unir el exterior con el interior llega a su máxima expresión. El profeta presenta formas que nos recuerdan a los cubistas, pero se mueve dentro de los planteamientos espirituales del expresionismo, la dureza, la agresividad y el carácter.

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Titulo: Estudio de profeta Autor: Gargallo, Pablo Fecha creación: 1926 Dimensiones: 31,5 x 31 x 20 cms. Técnica y materiales: Chapa de cobre recortada, remachada y soldada. soldada

Humberto Soto

nacional

Humberto Soto

Un escultor cuyo estilo personal lo hace inconfundible para todos. Humberto Soto (Santiago, 1932) realizó sus estudios de Licenciatura en Escultura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, con los maestros Marta Colvin, Lily Garafulic y Julio , , y Antonio Vásquez, desempeñándose durante 10 años como profesor en la Facultad de Bellas Artes. Entre 1976 y 1991 se radicó en Venezuela, regresando a su patria en 1991 y reinsertándose en la vida cultural a través de la Universidad de Concepción, donde ocupó por cuatro años el cargo de director del Departamento de Artes Plásticas y ejerciendo, en la actualidad, tareas docentes. Ha expuesto en forma individual y colectiva en las principales ciudades de Chile y, además, en el colectiva, y además extranjero, encontrándose sus obras, que han conseguido variadas distinciones, en museos, colecciones privadas y espacios públicos de Santiago, Concepción y Valdivia, como también en Caracas, Los Teques y Maracay (Venezuela). En 1999 obtuvo el Premio Municipal de Arte.

En 1976, se traslada a Venezuela donde realiza actividades artísticas y docentes, hasta 1991 año que retorna a Chile, reinsertándose en la vida cultural del país a través de la Universidad de Concepción donde ocupa desde hace 4 años el cargo de director del departamento de Artes Plásticas y donde ejerce actualmente como docente. "Tierra de Hombres" es el título de la muestra que Humberto Soto presenta en la sala Nemesio Antúnez de la Universidad Metropolitana, desde el 20 de Humberto Soto, nace Santiago, realiza sus estudios de Licenciatura en Escultura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Fueron sus maestros de especialidad Marta Colvín, Lily Garáfulic, y Julio Antonio Vásquez. En esa especialidad, Colvín Garáfulic Vásquez misma Universidad estudia Filosofía y castellano, desempeñándose durante 10 años como profesor de Escultura de la Facultad de Bellas Artes en el departamento de pedagogía, el que dirige desde 1969 a 1972. En 1973 es elegido director del departamento de Teoría y Enseñanza del Arte en la misma Facultad. Octubre al 30 de Noviembre. Sus obras se instalan como capítulos singulares de una historia visual y escultórica, surgida desde el recorte y la pasión de la memoria ó ó en este caso, articulada a través del concepto de retablos. Si, con la materia pensada, infundida en las nociones de su tiempo, se plasma toda escultura, se entiende mejor porqué las obras de nuestro artista perciben sus relaciones interiores y exteriores en su propio entorno, p q p p , porque él sonetiza la materia y cada una de sus p piezas están dispuestas a p dejarse rozar o penetrar por el aire, evocando un entrono libre para mirar el horizonte o reconocer las estrellas. Sus obras dan la sensación de solidez y firmeza, provocan en el espectador las ganas de asomarse a su interior, estimulando el ejercicio de lo táctil y lo visual. Lo hueco de sus esculturas, esculturas es una forma espacial transitable; es una forma que se relaciona con el espacio exterior y con el universo. Vemos que lo compacto es la imagen de la síntesis de los volúmenes; abarcando la unidad, la fuerza y el peso de éstos, lo áspero también es la evocación de lo necesariamente primitivo, inicial y terrestre.

Las artes del fuego son inherentes a la escultura de este artista, su proceder no está muy distante del neolítico, pues para plasmar cada pieza, debe moldearla a mano en arcilla, después pulir, esgrafiar, escindir y luego secarla al aire libre para quemarla a unos mil grados de temperatura, dejando la arcilla mimetizada a la piedra piedra. En esta rica tradición, en la que la mano, los sueños, el mito y la historia tienen una máxima importancia, la sensualidad del escultor es la que se conecta con lo más sagrado del ser que -en este caso- el hombre, quien alcanza a tocar con sus sentidos y sus manos un rito que se hunde en lo mas primordial de nuestro origen. Las esculturas pueden estar hechas de muy diversos materiales, pero nuestro artista eligió el barro, esa cotidiana mezcla de tierra, agua, fuego y sus dedos bastan para dar vida a estas importantes piezas, que vemos en esta muestra. El material es la arcilla, la greda, la más accesible propia y primitiva materia para hacer arte. Esta materia que solo requiere de la mano y de un gesto, el gesto de amasar y acariciar para componer la pasta ideal, con el equilibrio perfecto, para que el fuego la vuelva dorada y firme.

¿ ¿Por qué se unió a la tierra misma es decir, a la terracota? q ,
Porque este ha sido mi material de siempre. Como alumno trabajé piedra y madera sin mayor intensidad, también incursione en el concreto, con el cual realicé unos módulos para una exposición en la sala de Universidad de Chile en el año 1967 Todos los de nuestra generación nos formamos con el concepto del 1967. respeto a los materiales, y por ende a la naturaleza, conocer de sus características, de sus posibilidades y limitaciones; de su fuerza expresiva nos enseñó a valorarla a quererla. Desde muy temprano elegí la arcilla, por su ductilidad, lo que me permite moldear con rapidez, desde una maqueta a una obra definitiva. Comparando estas esculturas con las realizadas en otros materiales igualmente tradicionales (piedra, metal, madera), éstas resultan realmente frágiles, pero yo no desecho este noble material, porque hago con él lo que quiero y necesito, y ambos mantenemos un diálogo muy íntimo y personal; siendo la terracota una pasta cerámica con base de arcilla y otros elementos que permiten mejor moldeado, secado y cocción, yo no uso engobes, tan solo agrego en algunos casos una pátina de tierra y cera para unificar el color.

¿Y los retablos que significado tienen en su obra?
El retablo es algo que cuenta un historia, un suceso, algo que detiene el implacable curso del olvido. Estos provienen de la tradición plástica, arquitectónica, arquitectónica y del barroco y llegaron a América en manos de experimentado y barroco, cansados viajeros, quienes contabas los sucesos más importantes de sus culturas, con toda suerte de elementos encontrados en su camino. Así los retablos operaban como las maquinarias de las que habla Michael Foucault, a propósito de Roussel, para atravesar reinos, mantener las cosas en el ser, conservar las imágenes, guardar l herencia y los derechos, preservar las glorias, traer mensajes y en d la h i l d h l l i t j aleación con los ángeles, proteger y devolver lo sagrado que hay en toda pequeña existencia aquí en la tierra. Estas obras son lugares comunes, relatos del pasado, recogidos en el saber y la imaginación popular, en los fuegos de la historia y potenciados por el principio de la vida. Hay un gran encuentro creativo, un maridaje y unas bodas de lo sagrado y lo profano, lo alto y lo bajo y de las muchas sangres derramadas. En ellos los cuatro puntos cardinales se asoman para hacer del mundo un lugar más poblado, familiar y reconocible, puesto que recontribuyen a rearticular una red de variantes que nos devuelven el origen, una genealogía y una filiación que no discrepa con la afiliación a otras posibilidades.

Háblenos de su estadía fuera del país.
El estar muchos años fuera de mi patria, me permitió apreciar muy de cerca las colecciones venezolanas de esculturas, dispersas en bastos espacios abiertos e incorporadas a la cotidianidad, por cierto es posible admirar en esos espacios, en parque y avenidas, en las estaciones de metro a escultores avenidas venezolanos tan importantes como Marisol escobar, Jesús Soto o Cornelis Zitman. En Venezuela tuve la oportunidad de realizar algunas obras y exponerlas en salas de exposiciones y encuentros de escultores.

Desde ese tiempo he incorporado la figura humana en mis obras, había que sacar el dolor a través de éstas, fue así como aparecieron, mujeres, hombres fuerte y desafiantes, niños sanos, amados y protegidos por sus padres, logrando con esto una encarnación corpórea petrificada para eternizar su transitoriedad. transitoriedad Estos seres habitan sus moradas y están en armonía entre si, si relacionados con los otros y con la tierra; logrando imponer el volumen dueño del espacio por sobre el color y la textura, de esta forma puedo revelar lo táctil, porque nada es independiente de la mano y la voluntad del artista, Cada construcción denota equilibrio y estabilidad de materiales, por lo demás es imposible desconectar estas esculturas del universo mismo. Aludiendo a este tema, tengo una obra que se titula "Ángel", éste se encuentra atado de los pies impidiéndole volar y está sometido a los dolores y angustias de un San Sebastián traspasado por innumerables flechas, sin embargo él sigue moviendo sus pequeñas alas infantiles como fl h i b i i d ñ l i f til de mariposa atrapada por un destino cruel; ésta es una de las obras que contiene más emoción, hay depositada en ella una carga irreductible de dolor y angustia que envuelven a este Ángel, representado aquí por el hombre. La muestra consta de 16 piezas en terracota, las que inicialmente fueron presentadas en la Pinacoteca de Concepción, ahora se presentan desde el 20 de octubre, hasta el 30 de Noviembre, en la sala Nemesio Antúnez, de la Universidad Metropolitana, de la Ciencia y la Educación (José Pedro Alessandri 774, Macul) para continuar a la ciudad de Talca en Marzo del 2005, todo esto gracias al 774 2005 auspicio de la Universidad de Concepción.

Técnicas escultóricas utilizadas en sus obras Té i ltó i tili d b
Están llenos de perfectas y pequeñas figuras amasadas con delicadeza y lirismo, de texturas lisas, lisas suaves o ásperas en ellas todo murmura calla y cuenta, protegido por la mezcla ásperas, murmura, cuenta amparadora, circunscrita por pequeñas defensas de barro con las cuales se proteje

Sir Alfred Gilbert

internacional

Sir Alfred Gilbert
Sir Alfred Gilbert (August 12, 1854 – November 4, 1934) was an English sculptor and goldsmith who enthusiastically experimented with metallurgical innovations. He was a central — if idiosyncratic — participant in the New Sculpture movement that invigorated sculpture in Britain at the end of the nineteenth century. Alfred Gilbert's parents, Charlotte Cole and Alfred Gilbert, were musicians who lived at 13 Berners Street, London, where Alfred was born. On 3 January 1876 he married his first cousin, Alice Jane Gilbert (1847-1916), with whom he had eloped to Paris. They had five children but finally separated in 1904. After Alice's death, he married Stéphanie Quagehebeur, the widow of a Bruges compositor, on 1 March 1918; she and six of her children had lived with him since 1907. He received his education mainly in Paris (Ecole des Beaux-Arts, under Jules Cavelier), and studied in Rome and Florence where the significance of the Renaissance made a lasting impression upon him and his art. He also worked in the studio of Sir Joseph Boehm, R.A.

The figure of Anteros from the Shaftesbury Memorial in Piccadilly Circus

Piccadilly Circus memorial fountain, depicting Anteros as "the Angel of Christian Charity", but popularly y , p p y referred to as Eros, one of the first statues to be cast in aluminium.

His first work of importance was the charming group of the Mother and Child, then The Kiss of Victory, followed by Perseus Arming (1883), produced directly under the influence of the Florentine masterpieces he had studied. Its success was great, and Lord Leighton forthwith commissioned Icarus, which was exhibited at the Royal Academy in 1884, along with a remarkable Study of a Head, and was received with general applause Then followed The Enchanted Chair which along with many applause. Chair, which, other works deemed by the artist incomplete or unworthy of his powers, was ultimately broken by the sculptors own hand. The next year Gilbert was occupied with the Shaftesbury Memorial Fountain, in Piccadilly Circus, London, a work of great originality and beauty representing Anteros, yet shorn of some of the intended effect through restrictions put upon the artist. In 1888 was produced the statue of H.M. Queen Victoria, set up at Winchester, in its main design and in the details of its ornamentation the most remarkable work of its kind produced in Great Britain, and perhaps, it may be added, in any other country in modern times. Other statues of great beauty, at once novel in treatment and fine in design, are those set up to Lord Reay in Bombay, and John Howard at Bedford (1898), the highly original pedestal o which d d much to d ect into a bette o a d ed o d ( 898), t e g y o g a pedesta of c did uc direct to better channel what are apt to be the eccentricities of what is called the New Art School. The sculptor rose to the full height of his powers in his Memorial to the Duke of Clarence, and his fast developing fancy and imagination, which are the main characteristics of all his work, are seen in his Memorial Candelabrum to Lord Arthur Russell and Memorial Font to the son of the 4th Marquess of Bath. Gilbert s Gilbert's sense of decoration was paramount in all he did, and although in addition to the work did already cited he produced busts of extraordinary excellence of Cyril Flower, John R. Clayton (since broken up by the artist, the fate of much of his admirable work), G. F. Watts, Sir Henry Tate, Sir George Birdwood, Sir Richard Owen, Sir George Grove and various others, it is on his goldsmithery that the artist would rest his reputation; on his mayoral chain for Preston, the epergne for Queen Victoria, the figurines of Victory ( statuette d i i i h fi i f i (a designed f d for the orb i the h d of the Winchester h b in h hand f h i h statue), St Michael , and St George, as well as smaller objects such as seals, keys and the like. Gilbert was chosen associate of the Royal Academy in 1887, full member in 1892 (resigned 1909), and professor of sculpture (afterwards resigned) in 1900. Bibliography Beattie, Susan. The New Sculpture. New Haven: Yale University Press, 1983. Dorment, Richard. Alfred Gilbert. New Haven: Yale University Press, 1985. Dorment, Richard, et al. Alfred Gilbert: Sculptor and Goldsmith. London: Royal Academy of Arts, 1986. Edwards, Jason. Edwards Jason Alfred Gilbert's Aestheticism: Gilbert Amongst Whistler Pater Wilde and Burne-Jones Gilbert s Whistler, Pater, Wilde, Aldershot: Ashgate, 2006.

White metal Height: 4 l/2 inches Birmingham City Museums and Art Gallery Inscribed underneath the base: BY ALFRED GILBERT RA MARQUESS OF SLIGO Richard Dorment's authoritative catalogue entry in Victorian High Renaissance, the catalogue of the 1978 exhibition, points out that this work is "an enlargement of the statuette held by the little girl in casts of An Offering to Hymen of 1884-6, and the one on the breastplate on some casts of St. George of 1894-6. The pose of Anteros is that of Icarus of I884, but with the following changes: here the wings are bigger and grow from the shoulders; the child puts one finger to his lips; and with the other grasps slivers of metal bound together to form a palm branch like the one flourishing in the hand of Gilbert's Victory of 1887. Iconographically, of course, this is Anteros, the god who soars above the Shaftesbury Memorial Fountain in Piccadilly Circus, and the embodiment, in Gilbert's words of 'reflective and mature love, as opposed to Eros or Cupid the frivolous tyrant ' He is thus an Cupid, tyrant. allotrope of the same figure on the Clarence Tomb, the Macloghlin Memorial, and the Leeds Chimneypiece" (p. 181).

Anteros

Edward the Confessor Sir Alfred Gilbert, R. A. (1854-1934) 1896-99 Bronze and ivory Height including ebonized base: 12 inches

José Victoriano González

internacional

José Victoriano González Pérez

José Victoriano González-Pérez conocido como Juan Gris (Madrid, 23 de marzo de 1887 - Boulogne-surSeine, hoy Boulogne-Billancourt, Francia, 11 de mayo de 1927), fue un pintor español que desarrolló su Boulogne Billancourt, actividad principalmente en París, considerado como uno de los maestros del cubismo.

Su verdadero nombre era José Victoriano González Pérez. Nació en Madrid el 23 de marzo de 1887, y estudió en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal. Trabajó para diversas publicaciones como Blanco y Negro y Madrid Cómico. En 1906 se trasladó a París (Francia), donde conoció a Pablo Ruiz Picasso y a Geo ges Georges Braque. Los primeros años se ganó la vida dibujando para las revistas aque os p e os a os ga ó a da d buja do pa a as e stas L'Assiette du Beurre y Charavari. Durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918) trabajó en París, donde realizó su primera exposición individual en 1919. Durante la década de 1920 empeoró seriamente su salud y murió, con apenas cuarenta años, en Boulogne-Sur-Seine el 11 de mayo de 1927 años Retrato de Picasso.

Obra
Sus primeras obras cubistas datan de 1912, año en el que expuso en el Salón de los Independientes de París su Homenaje a Picasso y firmó un contrato en exclusiva con el marchante Henry Kahnweiler, que murió en 1914. Al año siguiente pasó el verano con Picasso en Céret, Francia, periodo en el que empezó a desarrollar la técnica del papier collé (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo). Entre 1922 y 1924 hizo escenografías para dos ballets de Sergei Diaghilev, Les tentations de la Bergère (Las tentaciones de la pastora) y La colombe (La paloma), al tiempo que continuaba pintando. Después de 1925 utilizó sobre todo el gouache y la acuarela y realizó algunas ilustraciones para libros. S lib o Sus teorías pictóricas se e teo í i tó i e encuentran recogidas en numerosos artículos y conferencias. e t e o id e e o o tí lo o fe e i Parte de sus pinturas cubistas son bodegones, entre los que se incluyen Guitarra y botella (1917, Museo de Arte de Filadelfia), El tablero de ajedrez (1917, Museo de Arte Moderno de Nueva York) y Botella y frutero (1919, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid). También trató otros temas, como muestra en El fumador (1913, Museo Thyssen-Bornemisza). Un ejemplo de su técnica de papier collé es Vasos y periódico (1914, Museo de Arte del Smith College, Northampton, Massachusetts). Tradicionalmente mal representado en los museos españoles, como todos los maestros cubistas, actualmente son varias las instituciones que cuentan con ejemplos suyos. Entre ellas se encuentran la Real Academia de San Fernando y el Museo Reina Sofía

Galería de Obras

J.Gris, Tres lámparas, 1911, 61,9 x 47,8 cm., acuarela , , , sobre papel, Museo de Arte de Berna.

Gris, Naturaleza muerta delante del armario, 1920, 60,5 x 45 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , .Gris, Nat ale a muerta delante del G is Naturaleza m e ta Madrid. armario, 1920, 60,5 x 45 cm., óleo sobre
lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

Ya noson líneas y colores solamente los son líneas y colores Ya no recursos los recursos que solamente que identifican los planos, aparecen las texturas y las formas de los identifican los planos, aparecen las planos elementos representados. Cada elemento tiene su forma y formas mismo texturas y las está en el de losplano. Se identifican y elementos colocan perfectamente en el representados. espacio. Cada elemento tiene su forma y está en el mismo plano. Se identifican y colocan perfectamente en el espacio.

J.Gris, La Mujer del Cesto, 1927, 92 x 73 cm., óleo sobre lienzo, Colección privada.

Una de la obras más conocidas de artista. Posiblemente su precario estado de salud influyese en la utilización de las líneas de dibujo de una manera fría pero muy justificada en su afán de sintetizar los elementos representados. Es posible que fuese la última obra del pintor madrileño, que moriría poco después sin poder desarrollar todo su arte.

J.Gris, Guitarra ante el Mar, 53 x 64 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

En esta época el pintor comienza una nueva época, sus obras son adquiridas y consideradas en el m ndo del arte mundo arte. Simplifica los elementos despojándolos de toda distracción anecdótica. anecdótica Es evidente que continúa su peculiar forma de ver el cubismo, los elementos son figurativos, se identifican fácilmente Posiblemente fácilmente. sea esta aportación clásica la innovación másdestacable de la creación de Juan Gris.

Miron

internacional clasico

Mirón
Mirón (En griego Μύρων; trabajó h. 480-440 adC) fue un gran escultor y broncista de mediados del siglo V adC.1 y uno de los más conocidos autores del arte griego, cuyas aportaciones escultóricas supusieron la transición al periodo clásico. Nacido en Eleuteras, ciudad situada en la frontera de Beocia y el Ática. Según la Historia Natural de Plinio, Agéladas de Argos fue su maestro. El viajero P i j Pausanias destacó esculturas de Mirón que permanecían i situ en el siglo II. Q i i un i d t ó lt d Mi ó í in it l i l II Quionis, vencedor olímpico del siglo VII de Esparta era conmemorado a través de un bronce idealizado obra de Mirón3 Trabajó fundamentalmente con el bronce:4 y aunque hizo algunas estatuas de dioses y héroes, su fama descansa principalmente en sus representaciones de atletas, en los que hizo una revolución, según los comentadores de la Antigüedad, al introducir una mayor audacia en la pose y un ritmo más perfecto, subordinando las partes al todo. La observación de Plinio de que las obras de Mirón eran numerosior que las de Policleto y «más diligentes» parece sugerir que eran consideradas de proporciones (numeri) más armoniosas y al mismo tiempo más convincentes en su realismo: diligentia denotaba «gran atención a los puntos delicados», una cualidad que, con moderación, era característica de las mejores obras de arte, según los críticos de la Antigüedad.

Su gran mérito consistió en saber captar como nadie el movimiento. Sus obras más famosas se caracterizan por l representación fid di t i la t ió fidedigna d las tensiones del cuerpo humano en movimiento, de l t i d l h i i t como se aprecia en su conocido Discóbolo, y el realismo en sus esculturas de hombres y animales. Sus obras más famosas, según Plinio (Historia Natural, 34.57-59) fueron una vaquilla, un perro ( (canem, tal vez Cerberus), un Perseo, un sátiro — Marsias— admirando la flauta y Minerva ) (Atenea), un Hércules, que se llevó al santuario que le dedicó Pompeyo el Grande en el Circo Máximo, el Discóbolo (el lanzador de disco), y un Apolo para Éfeso, «que Antonio el triunviro cogió a los Efesios, pero el Augusto deificado lo restauró después de haber sido advertido en un sueño».7 Los escritores del Alto Imperio Romano consecuentemente consideraron a Mirón entre los más grandes de los escultores griegos, un signo de que su reputación contemporánea había permanecido alta.

Minotauro, de una fuente en Atenas, parte del grupo p g p perdido de Mirón de Teseo y el Minotauro (Museo Arqueológico Nacional de Atenas)

La L vaquilla parece que obtuvo su fama principalmente por inspirar epigramas,8 l que nada nos ill bt f i i l t i i i 8 lo d dice sobre la pose del animal. Un epigrama9 sobre Ladas, el corredor más veloz de la época, señala que fue conmemorado por una escultura de Mirón; del Ladas de Mirón no hay copia conocida. Una descripción de Luciano10 definitivamente identifica como obra de Mirón el , que existen varias copias, de las cuales la mejor es la del p , j Discóbolo o «Lanzador de disco», de la q Palazzo Massimi alle Terme, Roma. Estrabón también registra grupos callejeros sobre Mirón, especialmente un amplio grupo en Samos; varias cabezas supervivientes se han identificado como copias de la Atenea Samia de Mirón por C.K. Jenkins en 1926.11 Una figura de mármol en el Museo de Letrán, que está actualmente restaurada como un sátiro danzante, danzante es casi con certeza una copia de una obra de Mirón un Marsias deseoso de tomar el Mirón, aulos que Atenea había arrojado.12 El grupo entero está copiado en monedas de Atenas, en un vaso y en un relieve que representa a Marsias como oscilando entre la curiosidad y el miedo a desagradar a la diosa Atenea.

El Discóbolo de Mirón en el Jardín Botánico de Copenhage, Dinamarca

Los críticos antiguos dicen de Mirón que, aunque tuvo un éxito admirable al dar vida y movimiento a sus figuras, no logró presentar las emociones de la mente. Esto concuerda con la evidencia existente, existente hasta cierto punto aunque no perfectamente Los cuerpos de sus hombres son de punto, perfectamente. mucha mayor excelencia que sus cabezas. La cara de Marsias es casi una máscara; pero de la actitud conseguimos una impresión vívida de las pasiones que le dominan. La cara del Discóbolo está calmada y tranquila; pero todos los músculos de su cuerpo se concentran en el esfuerzo. Sin renunciar a algunas de las características esenciales de la escultura del periodo arcaico, su Discóbolo Di ób l es una obra plenamente clásica. Y aunque supuso un avance decisivo en el estudio del b l t lá i d i i l t di d l movimiento, de la tensión muscular y de la integración de la figura en el espacio no captó el aspecto emocional y los detalles de un rostro expresivo. Por ello la cabeza conserva reminiscencias de la movilidad del estilo anterior, la sonrisa se parece todavía a la expresión arcaica. Un número considerable de otras obras existentes se adscribieron a la escuela o la influencia de Mirón, por Adolf Furtwängler.13 Estas atribuciones no han superado la prueba del tiempo. Un papiro de Oxirrinco da las fechas de vencedores de Olimpia de quienes Mirón hizo estatuas del atleta Timantes, victorioso en Olimpia en el año 456 adC, y de Licino, victorioso en 448 y 444. Esto ayuda a fijar su data. Era contemporáneo, pero algo mayor, que Fidias y Policleto.14

Aristide Malliol

internacional

Aristide Malliol
(Banyul‐sur‐Mer 1861 – 1944)

• Escultor francés cuyas obras se caracterizan por su volumen  y y realismo sencillo. Estudió desde 1882 hasta 1886 en la  Escuela de Bellas Artes de París y se dedicó a la pintura, al  grabado y a los tapices antes de encontrar su verdadero  camino como escultor. Estuvo influido sobre todo por el arte  clásico griego. Se dedicó casi en exclusiva al desnudo  femenino y las figuras que creó suelen representar a  femenino y las figuras que creó suelen representar a mujeres contundentes, con un aspecto muy terrenal • Sus primeras pinturas serán de jóvenes desnudas, temática Sus primeras pinturas serán de jóvenes desnudas, temática  que retomará después en la escultura, a la que se dedicó  tras una enfermedad que le afectó a los ojos. 

Estilo. Estilo
• En 1900 se vinculó al arte de los nabis y el fauvismo, tras  contactar con Bonnard y Matisse. Admiró la escultura egipcia,  india y clásica ‐viajó por Italia y Grecia en 1908‐ lo que le llevó  india y clásica viajó por Italia y Grecia en 1908 lo que le llevó a la ejecución de obras definidas por volúmenes macizos,  p p p y compuestos por formas planas y distendidas.  • La temática de desnudos y los monumentos conmemorativos  serán sus especialidades, manifestando en todos sus trabajos  una excepcional monumentalidad. Maillol será la figura más  importante en la transición entre la obra de Rodin y los nuevos  movimientos al templar el romanticismo   del primero con la  i i t lt l l ti i d l i l sensibilidad clásica. 

• Buscaba más la perfección que la originalidad, y su estilo  p p j p , experimentó pocos cambios durante su carrera. Por ejemplo,  La montaña, de 1937 (Museo Nacional de Arte Moderno,  París), una figura desnuda sentada, es una variación de El  Mediterráneo (1905, Ayuntamiento de Perpiñán) de la que  d á ( d á )d l difiere solamente por un cierto refinamiento y una mayor  nitidez. Fue el escultor más destacado en Francia durante el  nitidez Fue el escultor más destacado en Francia durante el periodo comprendido entre Auguste Rodin y las vanguardias. pero su arte, influido por el clasicismo, marcó más el fin de  • pero su arte, influido por el clasicismo, marcó más el fin de una tradición que el comienzo de otra nueva era o etapa.

Trayectoria.  Trayectoria
• Malliol fue contemporáneo de los cubistas, aunque su  trayectoria no puede ser encasillada en ningún estilo, porque  experimentó con distintas técnicas con un objetivo: crear un  experimentó con distintas técnicas con un objetivo: crear un arte actual y distinto al tradicional. Su tema principal fue la  g , y, p , figura humana, y, en especial, la femenina.

Obras. Obras

1888 - 27 años

1905 - 44 años

1939 - 78 años 1911 - 50 años

Andre Masson. Andre Masson.
(Balagny, Francia, 1896 – Paris, 1987)

• Vivió en España entre 1934 y 1936 Desde 1941 hasta 1945 se Vivió en España entre 1934 y 1936. Desde 1941 hasta 1945 se  refugió de la Segunda Guerra Mundial en los Estados Unidos,  donde sus aportaciones creativas se conectaron con el  expresionismo abstracto de Arshile Gorky o Jackson Pollock.  En 1945 regresó a Francia y dos años después se establece en  Aix‐en‐Provence, donde inició un acercamiento a la naturaleza  Aix‐en‐Provence donde inició un acercamiento a la naturaleza que se tradujo en el interés por la abstracción con influencias  de la cultura oriental y la filosofía zen. • uno de los mitos del surrealismo, fue pintor, grabador,  escultor, diseñador escénico, escritor... A comienzos de la  década de 1920 permitió que el cubismo lo sedujera, pero en  década de 1920 permitió que el cubismo lo sedujera pero en 1924 se unió al movimiento surrealista, del que fue un  miembro destacado hasta 1929, cuando abandonó en  protesta al liderazgo autoritario de Bretón.  lld d ó

Estilo. Estilo
• I i i d Iniciado en el cubismo por su gran amistad con Juan Gris, es  l bi i d J Gi uno de los más importantes representantes del surrealismo  francés y del expresionismo abstracto aunque se le ha  y p q calificado como el “viejo enemigo interno del surrealismo”  debido a las largas discusiones estéticas, políticas y personales  con los surrealistas.  con los surrealistas • Del surrealismo iría y volvería pero apasionado ya por lo  español y profundamente interesado por el amor y el odio,  p yp p y , estuvo durante una larga estancia en España coincidiendo con  la Guerra Civil. Vivió tres guerras marcándole definitivamente  las masacres a las que había asistido, sus heridas y sus  las masacres a las que había asistido sus heridas y sus estancias en los hospitales. La violencia, la sangre y la muerte  serán una constante en su obra.

Trayectoria. Trayectoria
• L La trayectoria vital de Masson abarca un primer momento de  i i ld M b i d inspiración cezanniana; su interés por el cubismo a raíz de su  amistad con Juan Gris; el primer surrealismo, convocado por  ; p , p André Breton que descubre en Masson el origen del  "automatismo"; una aproximación al expresionismo; la vuelta  a planteamientos surrealistas, en asombrosa transformación,  a planteamientos surrealistas en asombrosa transformación durante el exilio americano y, por último, la llegada a una  cuasi abstracción con influencias de la cultura oriental y  filosofía zen. Pero en todos estos momentos hay una serie de  constantes que nutren su creación artística en las siguientes  direcciones, por un lado, La Naturaleza, que impregna casi  direcciones por un lado La Naturaleza que impregna casi toda su creación artística y literaria; la violencia, las  metamorfosis, y la mitología. 

• La obra de Masson establece un diálogo extraordinario con el La obra de Masson establece un diálogo extraordinario con el  pensamiento crítico de Goya, de ahí el título de la muestra,  una aportación a la famosa sentencia goyesca de “El sueño de  la razón produce monstruos”. La producción artística de  Masson, como la de Goya, constituye una profunda reflexión  sobre la violencia y el erotismo, la destrucción y la deformidad  sobre la violencia y el erotismo la destrucción y la deformidad inherentes al ser humano, la metamorfosis y la hibridación, lo  grotesco y lo patético. grotesco y lo patético.

Obras. Obras

Sorolla e os seus contemporáneos”

Los monstruos de la razón

Leon Leoni

internacional

Leon Leoni.
(Arezo, 1509 – Milá 1590) (A 1509 Milán, 1590)

• El escultor León Leoni nació en Arezo en 1.509 y murió en  Milán en 1.590. El General Fernando Gonzaga le encargo la  realización de una medalla para Isabel Gonzaga y a partir de  ese momento gozó de su protección y quien influyó para que  entrase al servicio de Carlos V. La Historia le tachó de persona  t l i i d C l V L Hi t i l t hó d conflictiva. Cellini le acuso de envenenador. Apuñado a  Horacio Vecelli, hijo de Tiziano; también hizo lo mismo con  Horacio Vecelli, hijo de Tiziano; también hizo lo mismo con Pellegrino de Lenti, joyero papal y con otros artistas.

Estilo.  Estilo
• La mayoría de sus obras fueron fundidas en bronce y se  conservan en España y Viena. Carlos V le prestó total apoyo  que se incrementaba por su amistad con el cardenal  que se incrementaba por su amistad con el cardenal Granvelle. El Cardenal hizo posible que sus obras y la de su  j p y p hijo Pompeyo fuesen expuestas en Bruselas. Cuando Carlos V  embarcó para España, en el mismo barco iba Pompeyo Leoni,  quedándose su padre enfermo en Gante. 

• Para conmemorar el quinto centenario del nacimiento de  q Miguel Ángel, la UNESCO reprodujo una medalla realizada en  1561 por León Leoni, escultor y medallista italiano  contemporáneo del artista. En el anverso se puede ver la  efigie de Miguel Ángel a la edad provecta de 88 años, tal  como se señala abreviadamente en la inscripción que la  como se señala abreviadamente en la inscripción que la acompaña (Ann 88 También figuran en el anverso el nombre  , g y del artista , Michaelangelus Bonarrotus y el de la ciudad  donde fue acuñada la medalla, Florencia (Flor).

Obras.  Obras
Busto de Carlos V, en el Museo , del Prado. El busto de Carlos V es una escultura f did en b lt fundida bronce hacia el año 1553 representa a Carlos V obra de los escultores V, italianos Leone Leoni y su hijo Pompeo. Procedente de la p colección real, se encuentra en el Museo del Prado.
Busto de Carlos V

Grupos escultóricos de Carlos V y Felipe II de El Escorial.

Carlos V y el Furor

Palolo Valdés

internacional

Palolo Valdés.  Palolo Valdés

• P d P bl V ldé Pedro Pablo Valdés, conocido como Palolo Valdés, es un  id P l l V ldé artista plástico nacional cuyas esculturas son muy cotizadas y  reconocidas a nivel internacional. Ha participado en la Feria  reconocidas a nivel internacional Ha participado en la Feria de Arte de Seúl y en la Feria Internacional de Galerías de Arte  de Shanghái, siendo en esta última, el único chileno invitado.

Estilo. Estilo
• Sus obras rescatan la esencia y la historia de la vida, porque  trabaja sus esculturas en base a piedras milenarias que  rescata de cualquier lugar y que le permiten crear sus obras a  rescata de cualquier lugar y que le permiten crear sus obras a partir de las formas ocultas en cada una de ellas.  A través de sus esculturas, Palolo Valdés da vida a esta  • A través de sus esculturas Palolo Valdés da vida a esta especial e impactante muestra, en la que se refleja el dolor  sufrido por numerosas víctimas inocentes del bombardeo que  destruyó en su totalidad el pequeño poblado español. Las  esculturas de Valdés son una verdadera versión en volumen  de las imágenes que están inmortalizadas en el Guernica,  d l i á tá i t li d lG i reconocido como una de las obras más importantes de  Picasso.  Picasso.

• El desafío que se planteó el artista nacional para desarrollar la El desafío que se planteó el artista nacional para desarrollar la  serie de esculturas que conforman esta muestra, fue el de  recrear el “lado oscuro del Guernica” ‐como el mismo señala‐,  , porque las obras revelan el lado que no se puede ver en la  tela del cuadro  y además, el lado intrínseco de las guerras…  de dolor y sufrimiento.  • es un artista de la generación del 80 en donde la  experimentación con los materiales fue desplazando la  i ió l i l f d l d l tendencia conceptual de los 70. El artista trabaja con la  expresividad de distintos materiales dentro de varios campos  expresividad de distintos materiales dentro de varios campos sensibles. Se conjugan materiales blandos, duros, rellenos  vacíos en referencia a la ductibilidad de los elementos con  temáticas y referencias al arte contemporáneo como en esta  obra inspirada por Pablo Picasso.

Trayectoria. Trayectoria
• Palolo Valdés ha realizado su producción escultórica Palolo Valdés ha realizado su producción escultórica  empleando, por lo general, alambres y fierros para marcar los  contornos de la figura, y luego “rellenando” los espacios con  cerámica, piedras, metal o greda, lo que aumenta la capacidad  expresiva de la escultura, al conferirle un aspecto milenario a  éstas, donde el gesto y la huella está en su máxima evidencia. ét d d l t l h ll tá á i id i • Su trabajo se inspira en obras cumbres de la Historia del Arte,  como el  Guernica de Picasso como el ‘Guernica’ de Picasso. • Y dentro de su temática predilecta, destacan los caballos  como centro gravitante, lo que tiene su origen en los primeros  como centro gravitante lo que tiene su origen en los primeros trabajos que el artista realizó como escenógrafo.

Obras. Obras

España En El Corazón

Teresa Vicuña

nacional

Biografía:

Teresa Vicuña

Escultora nacida en Santiago en 1927. Su formación artística fue realizada en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, perfeccionando luego sus estudios en París, y posteriormente en Barcelona, ciudad donde residió durante los años setenta. Estudió junto a otros consagrados como Matías Vial y Raúl Valdivieso. Ha recibido varios premios, y ha expuesto individualmente en Chile y Francia. Regresa a Chile en 1984 para desempeñarse como catedrática de escultura en la Escuela de Artes d l P ifi i U i d A de la Pontificia Universidad C óli id d Católica. Lugares de exposición : -Homenaje a Violeta Parra en “ La S b ti L Sebastiana” ”
Exposiciones individuales Salón Universitario, Santiago. Instituto Británico de Cultura, Santiago. Instituto Británico de Cultura Santiago. Cultura, Santiago Instituto Cultural de Las Condes, Santiago. Año 195 6 195 9 196 0 196 8

Técnicas de trabajo: Su obra se caracteriza por el uso de materiales sumamente moldeables, que permiten el registro de la huella del autor en la ejecución de la escultura, como la tierra, la terracota, la greda y en menor medida, el yeso, pues estos , , g , y ,p materiales le permiten imprimir directamente su emociones. Conjuga en una misma obra lo cóncavo y lo convexo, contrastes presentes simultáneamente mediante volúmenes llenos o vacíos. El volumen lo define en su obra a través de la figura humana, que está más bien insinuada a través de los órganos sexuales, hasta llegar a la proposición formal del cuerpo humano. Su composición plantea el tema de la incomunicación humana y al ideal de unión entre los sexos.

Premios Segundo Premio en Artes 1957 Aplicadas, LXVIII Salón Oficial de Santiago Mención Honrosa en Escultura, LXIX Salón Oficial de Artes 1958 Plásticas, Santiago. Primer Premio, II Feria de , 1960 Artes Plásticas Segunda Medalla, LXXIV Salón 1963 Oficial de Santiago

Año

“Hombre Solo”

“Mujer”

Lucía Waiser, ,

nacional

Biografía:

Lucía Waiser

Lucía Waiser, escultora, nació en Santiago el 30 de septiembre de 1940. , , g p Waiser explora el ámbito artístico de las técnicas mixtas, usando diversos materiales, como telas, cintas, acrílicos, etc., que se complementan con dibujos a lápiz o pastel, algunos huecograbados y relieves en papel, o encofrados, que son uno de sus trabajos Más difundidos dentro de ésta área. Estudió Diseño en la Universidad de Chile, licenciándose en 1966. Luego residió durante cuatro años en Suiza diseñando muebles en Zurich Suiza, Zurich. Lucía Waiser ha desarrollado una carrera artística reafirmada por varias exposiciones individuales y colectivas, colectivas tanto en Chile como en el extranjero extranjero. Lugares de exposición: - Parque de la Escultura - Galería de Arte Cecilia Palma (Alonso de Cordova 2812, Vitacura)

Luego se trasladó, por la misma cantidad de años, a Inglaterra, donde realizó un master d Hi li ó de Historia d l A en l U i i del Arte la Universidad d S id d de Sussex, que finalizó en 1976; al año siguiente realizó un curso de Litografía en el centro politécnico de Brighton. Mientras vivió en Stanford, se desempeñó como profesora de español, contando entre sus alumnos a l cantautora f d ñ l t d t l la t t norteamericana Joan Báez. Desde 1979, la escultora vivió en California, donde aprendió a manufacturar papel y se perfeccionó en técnicas de dibujo Regresó a Chile dibujo. en 1986.

Pero por sobre todo Waiser es reconocida como escultora: cemento, bronce, g granito, telas, alambres o esponjas son las materias q le sirven como soporte de , , p j que p sus ideas sobre el ser humano, la dependencia y el desarraigo, así como para su exploración en torno al volumen, que investiga, como vemos, también en los encofrados.

El tema de la mujer como dependiente del hombre para su desarrollo, convertida en un complemento de éste que ansía alcanzar su autonomía como persona, se materializa en l t í t i li mujeres- pájaros encerradas en jaulas, u en otras expresiones, que tienen como característica común el adquirir completa significación una vez estén di i ifi ió té dispuestas en el espacio; t l i últimamente, sus obras han adquirido un tono, en cierta medida, irónico. Ejemplo de lo anteriormente dicho son sus recientes producciones: Peras de diversos tamaños, que combinan con sus líneas redondeadas y suaves, las curvas femeninas, jugando con la ambigüedad del significado; una fruta es también una mujer, acogedora y simple, pero la materialización de esta idea contrasta con la dureza del metal o la piedra que acoge dichas formas.

Título: “VUELO I” Autora: Lucía Waiser (1940) Dimensiones: 2,55 x 2,00 x 0,84 mts. Material: Cemento Fecha emplazamiento: 27–septiembre1990

Flaminio Modigliani g

internacional

Amadeo Modigliani
Biografía: Fue el cuarto hijo de Eugenia, una francesa natural de Marsella, y de Flaminio, nacido en Roma. El padre de Amedeo se dedicó a una profesión t di i f ió tradicional d l j dí europeos: el préstamo. P l de los judíos l é t Pero era mal l negociante. Prestaba atendiendo más a las necesidades que a las garantías de sus clientes, y muy pronto debió recurrir él mismo a otros prestamistas. prestamistas Así como Flaminio Modigliani era benevolente con sus clientes, sus acreedores fueron inflexibles. Eugenia estaba embarazada de Amedeo cuando los oficiales de la justicia se presentaron en su casa Una vieja casa. ley italiana sirvió para dar un respiro a la familia: todos los objetos que estuvieran sobre la cama de una mujer embarazada eran intocables.

Flaminio y Eugenia acumularon en su cama de matrimonio todas las joyas y objetos de algún valor que aún poseían. Esa pequeña fortuna les sirvió para instalarse en una casa más modesta y tratar de comenzar una nueva vida. Flaminio se alejó de Livorno para probar suerte en la minería. Eugenia abrió una escuela de lenguas para señoritas, a la vez que se dedicaba a escribir cuentos y artículos literarios para algunos periódicos. Mientras tanto, criaba a sus cuatro hijos así es como pasa su infancia entre la pobreza y la enfermedad.

Visión:
Inventar objetos de arte significa crear nuevas relaciones en el hombre y entre el hombre y su entorno. Uno de los polos fundamentales hacia el que se orientan sus exploraciones desde 1922 hasta su muerte es la visión. A ella consagrará numerosos manifiestos o textos teóricos; tal vez el más acabado de ellos sea Peinture, Photographie, Film (1925). Moholy-Naggy estima que, puesto que el ojo está limitado en su percepción, ciertas técnicas, sobre todo la fotografía y el cine, pueden engendrar nuevas aprehensiones del espacio del movimiento del tiempo espacio, movimiento, tiempo, de la luz, y ampliar así el campo de nuestra experiencia. Para él, el objetivo de tales medios artificiales no consiste en corregir o suplir las debilidades de la óptica humana, sino por el contrario, en elaborar una nueva visión capaz de "dar forma" a la vida. De lo orgánico a lo mecánico de la célula a vida mecánico, la máquina, e inversamente, de la técnica a la biología, tal es la ambiciosa empresa que pretende llevar a cabo, pero siempre prestando una atención infinita a la plasticidad de sus realizaciones. Al contemplar sus obras, hay que imaginar pues de fondo esa conjunción constante, que tiene una fuerte presencia tanto en sus fotografías como en sus fotogramas.

Luz y abstracción :
Desde un punto de vista formal, los fotogramas pertenecen claramente a la categoría del arte abstracto. Realistas en cuanto a su fabricación material g dado que es absolutamente necesario el uso de objetos concretos para su realización-, una vez terminada la obra, parecen formar parte de una estética "no figurativa". Los materiales utilizados raras veces son identificables y han sido dispuestos de tal forma que imposibilitan cualquier referencia al mundo real; diversas indicaciones inscritas por la mano del artista al dorso de las obras señalan que no se les atribuye ninguna posición precisa en su presentación. El f ió fotograma no es una copia, sino una transmutación d l i i ió de lo real, y en primer lugar, del fenómeno de la luz. Cuando Moholy-Nagy habla de que la fotografía y el fotograma "dan forma a la luz", para él, la mejor manera de lograr ese objetivo es canalizar el f ó d l bj ti li l fenómeno en sí mismo y por sí mismo, í i í i jugando únicamente con formas puras.

László Moholy-Naggy y ggy

internacional

Biografía:

Naggy Lázló Lá ló

László Moholy-Naggy nació el 28 de julio de 1895 en Hungría, concretamente en la ciudad de Bácsborsard, y falleció el 24 de noviembre de 1946) en la ciudad americana de Chicago .Aunque su verdadera pasión fue la pintura, hoy en día es recordado como uno de los mejores fotógrafos de los años 20, pionero en este campo. También fue profesor en la escuela Bauhaus. La I Guerra Mundial estalló mientras Moholy-Naggy desarrollaba sus estudios de jurista, y hubo de abandonarlos para alistarse en el ejército de su país. Durante los años que duró el conflicto bélico, empezó a dar sus primeros pasos artísticos, con algunos t b j enfocados en dib j a l i tí ti l trabajos f d dibujos la tiza y a la tinta china. Una vez terminó la 1era Guerra Mundial, abandonó sus estudios de Derecho y se dedicó por completo al arte.

Método de trabajo:

Este personaje hace su investigación buscando la plasticidad del espacio, tal como nosotros hicimos fotografías con este medio, era la forma de representar sus ideas.

Kephistodos p

internacional

Kephistodos “el Viejo”: Probablemente fue el padre de Praxiteles. Se conservan  p pocas obras, pero debió de ser un escultor muy  importante en el cambio de siglo entre el V y el IV.  Destaca la escultura de EIRENE y PLOUTOS en la que  y q aparece una figura femenina con un niño en brazos que  se puede relacionar con el Hermes de Praxiteles.

Ivan Daiber

nacional

IVÁN DAIBER IVÁN DAIBER Á
Biografía: g -Arquitecto egresado de la Universidad de Chile el año 1982 , pintor y sobre todo, escultor. -Nació en La Unión (Chile),el 17 de agosto de 1955. -Aunque no siguió estudios formales de arte, participó de diferentes talleres en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, durante los años '70- '80 donde estudió pintura y dibujo. -Reconoce la influencia de su profesor del Colegio Suizo, Urban Blank y la de su propio padre. - Fue discípulo de Gregorio De la Fuente Ulrich Welss Gonzalo Díaz y Bororo. Fuente, Welss, Bororo -Se dio a conocer ampliamente en los ochenta, haciendo gala de una gran libertad expresiva, fuerza y color. -Ha obtenido los primeros lugares en diferentes concursos: l l Escultura Parque Arauco (1991). Murales, Asociación de Seguridad- Ovalle (1992). Premio de Escultura en Concurso organizado por el MOP (1996). g p ( ) Consiguió el F ó l FONDART en d ocasiones (1 D dos (1993/ 1994). / 1 4)

BÚSQUEDA FORMAL DE SUS OBRAS

En sus esculturas se reconocen formas abstractas y geométricas que aprovechan las formas esenciales de los materiales, madera, bronce, fibra de vidrio y resina. Combina ingeniosas soluciones, con figuras humanas y animales, en un estilo, lúdico e irónico que le es característico. Daiber da cuenta de un trabajo pulcro y armonioso, proponiendo figuras asociadas a juguetes infantiles i f til s y objetos f t si s s H realizado esculturas y murales monumentales que presiden bj t s fantasiosos. Ha li d s lt s l s t l s sid espacios urbanos con armonía y elegancia a lo largo de todo Chile.

TÉCNICA ESCULTÓRICA

grafismo

LUGARES DE EXPOSICIÓN
-Ha realizado importantes expos c ones Ha real zado mportantes exposiciones individuales en Galerías y Museos de Chile, Argentina, Canadá, España y los EE.UU. -Galería Cecilia Palma. -Museo de Artes Visuales, Santiago. -Galería de Arte Isabel Aninat. í

OBRAS ESCULTÓRICAS OBRAS ESCULTÓRICAS

Dentro de sus exposiciones individuales, se encuentra: 2000, "Maniquí prèt a porter", Galería Isabel Aninat; Santiago 1999, "Pura Fibra", auditorium Mar del Plata, Argentina 1998, Exposición itinerante, Vancouver, Ottawa, Q b y otras ciudades, C 1998 E i ió iti t V Ott Quebec t i d d Canadá. dá Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina 1997, "Daiber Ensambles", Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago "Esculturas", Simon Patrich Galleries, Canadá 1994, "Esculturas", Sala Municipal, Temuco 1993, "Diablos Esculturas", G l í Gabriela Mistral, Ministerio de Ed 1993 "Di bl E lt " Galería G b i l Mi t l Mi i t i d Educación ió 1992, "Anticuerpos", Sala parque de las esculturas, Providencia, santiago 1991, "De canto", Galería La Fachada, Santiago 1990, "Zoo", Galería La Fachada, Santiago Exposiciones colectivas: E i i l ti 2000, HAF, Feria de Arte de Holanda, La Haya ArteBA, Feria de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Argentina 1999, "El vino y los artistas" Galería Isabel Aninat FIAC; Feria Internacional de París 1998, ARCO, Feria de A t C t 1998 ARCO F i d Arte Contemporáneo d M d id españa á de Madrid, s ñ Itinerante Escultura Pequeño Formato, Portugal, España, Francia, Alemania, Holanda, etc. "Entorno a la figura humana" Galería Malborough "Lo de adentro y lo de afuera" 1997, "Esculturas y paisajes" Museo de Arte de las Américas, Washington D.C.

Patricia del Canto

nacional

PATRICIA DEL CANTO
-Escultora. Nació el 16 de Marzo de 1948 en Santiago. -Estudió en la Facultad de Arte de la Universidad de Chile entre 1966 a 1970 titulándose de Artífice en Cerámica de la Escuela de Artes Aplicadas. E l d A A li d - Se especializó en Grabado y Escultura. Fue discípula de Luis Mandiola y Juan Egenau.

BÚSQUEDA FORMAL DE SUS OBRAS

Sus obra no son abstracta sino concreta, hasta figurativa, pues está pensada para el hombre. Concibe su trabajo inserto en el espacio público. Diseña y arma formas evidenciando una j p p geometría básicamente lineal, piramidal, elaborando espacios dentro de otros por medio de escaleras, espejos y jardines de piedras, cuarzos, maderas y troncos como elementos naturales unidos a recursos propios de la escultura moderna. Son obras que pueden ser recorridas por el espectador, hechas en función del sitio de emplazamiento. Sus citas a arquitecturas modernas, al p p q paisaje natural y urbano se acercan a la Instalación , el Land Art y el arte ecológico.

TÉCNICA ESCULTÓRICA

Su enfoque esta centrado en una crítica al consumismo y la deshumanización del hombre. Luego entre 1985 a 1989, trabajó en torno a la idea de lo constructivo, organizando formas arquitectónicas ensambladas unas con otras. La autora reconoció entoces su afinidad con los conceptos del minimalismo geométrico, el concepto escultórico de Brancusi, el constructivismo ruso del 1900 y el constructivismo inglés.

LUGARES DE EXPOSICIÓN

-“Esculturas 1977-1982”, Galería Arte Actual (1982) -“Esculturas”, Pinacoteca Universidad de Talca (1987) -“In Limine”, Sala Parque de las Esculturas (1990) In Limine “Cis Mundo-Transmundo”, MNBA (1995)

-“In Illud Tempus”, MNBA (2002). Actualmente se prepara para participar en una colectiva que llevará en octubre, al mismo Museo del Parque Forestal, las obras de importantes escultoras nacionales.

OBRAS ESCULTÓRICAS
BARCA DE LUNA 2003 polyestireno, cuero 0.16 x 0.27 x 0.10 mt LUGAR MÁGICO 2006 terracota 1.00 x 0.60 x 0.50 Camaguey, Cub TEMPLO - UMBRAL / Acero, espejo / 5.00 x 3.50 x 1.50 Mts. / 2000 / Facultad de Ciencias Sociales Campus J. G. Millas. Universidad de Chile, Universidad Santiago, Chile LA COSIFICACIÓN / Polyester, acero, cuero repujado / 2.00 x 2.00 x 2.00 Mts. / 1983 - 1984 P l t j d 2 00 2 00 2 00 Mt IN LIMINE III / Acero, espejo / 3.00 x 1.10 x 6.30 Mts. / 1990 / Facultad de Artes, Campus J. G. Millas Universidad de Chile, Santiago, Chile Santiago, TAO / Acero, madera (roble pellí n), piedra / 2.50 x 1.40 x 0.45 Mts. / 1995 / Colección Museo de Artes Visuales. Santiago, Chile Chile TRASLATIO ALTER IMAGO / Acero, espejo / 3.00 x 1.50 x 1.30 Mts. / 2002 / Parque Valle de Los Artistas. Lolol, VI Región, Chile. Chile. TORSO - ENVASE / acero,cuero / 0.80 x 0.35 x 0.20 mt. / 1982 MONTE DEL SOL / acero, piedra, bronce, espejo / 1.70 x 0.70 / 1992 AYLLO / Madera arena / 2 20 x 1 80 x 1 00 Mts / 2001 Madera, 2.20 1.80 1.00 Mts. INTERINTER-EXTRA MUROS / acero, espejo / 5.00 x 3.00 x 2.00 mt. / 2005 IN LIMINE III / acero, espejo / 3.00 x 1.10 x 6.30 mt. / 1990 IN LIMINE / acero, espejo, cuero, bronce / 2.10 x 2.00 x 0.60 mt. / 1987 PAISAJE - ALTAR / Acero, piedra, hormigón / 2.85 x 1.50 x 0.80 Mts. / 1998 COMMUNICATION / Acero, piedra / 3.00 x 1.70 x 1.60 Mts. / 2003 / Andres Park. Brookline, N.H , USA. CAJA / p y J polyester, acero / 0.70 x 0.30 x 0.20 mt. / 1982 , IN LIMINE III / acero, espejo / 3.00 x 1.10 x 6.30 mt. / 1990 HACIA EL SOL / (FERROESCULTURA) Trozos de vía férrea y piezas de trenes / 4.00 x 1.50 x 1.00 Mts. / 1991 / Estación de ferrocarriles San ferrocarriles Bernardo Stgo. Chile SEMILLA / Acero, bronce / 4.00 x 1.20 x 0.30 Mts. / 1992 / Parque de Las Esculturas. Providencia ALTAR / Acero, piedra, cuarzo, bronce / 2.80 x 1.70 x 2.10 Mts. / 1999 TAO / Acero, madera (roble pellí n), piedra / 2.50 x 1.40 x 0.45 Mts. / 1995 / Colección Museo de Artes Visuales. Santiago, Chile Chile 3 DIMENSIONES / A Acero, h hormigón, piedra, cuarzo, espejo / 2 00 x 2 00 x 2 50 Mt / 1995 / Sala I t i ó i d j 2.00 2.00 2.50 Mts. S l Interactiva - M ti Museo N i Nacional d B ll A t l de Bellas Artes. Santiago, Chile. HACIA LA VIDA III / Acero, espejo / 1.20 x 0.70 x 0.50 Mts. / 1985 HAIKU / madera / 1.70 x 1.60 x 1.00 mt. / 1998 TRASLATIO ALTER IMAGO / acero, espejo / 3.00 x 1.50 x 2.50 mt. / 2002 CIS WORLD TRANS WORLD / Acero soldado, espejo, cuero / 2.93 x 2.27 x 0.73 mt. / 1987 TECTUM ARCANUS / Madera / 2.50 x 3.50 x 1.00 Mts. / 2001 - 2002 ORáCULO DE SOL Y LUNA / Acero, bronce, cuarzo, piedra espejo,arena / 7.00 x 3.00 x 1.50 Mts / 1999 - 2000 / Campus Antumapu, Universidad Universidad de Chile. ORáCULO DE SOL Y LUNA / Acero, bronce, cuarzo, piedra espejo,arena / 7.00 x 3.00 x 1.50 Mts / 1999 - 2000 / Campus Antumapu, Universidad Universidad de Chile. VIRTUAL WALL / Cristal, espejo / 8.00, 1.50, 2.80 mt. / 2005 / Parque Kronan Lulea, Suecia MESA DEL SILENCIO / Acero, piedra, cuarzo, arena / 3.00 x 2.50 x 4.50 Mts. / 2002

Henry Moore y

internacional

HENRY MOORE HEN Y M E
Biografía
-Escultor Británico -Nació en 1898 en Yorkshire, Castleford, Inglaterra. - Comenzó sus estudios artísticos en Leeds después de combatir en la Primera Guerra Mundial - 1919 ingresó en el Royal College of Art con una beca -Fue profesor del Royal College entre 1925 y 1932, y de la Escuela de Arte de Chelsea de 1932 a 1939 1939. - Poco conocido fuera de su país hasta mediados de siglo. -Gano El Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia, recibido en 1948, lo que lo proyectó a nivel internacional y, en lo sucesivo, recibió innumerables encargos, muchos de ellos para exteriores, lo que le llevó a aumentar el tamaño de sus obras. h d ll i l l ll ó l ñ d b -Murió a los 86 años

-

BÚSQUEDA FORMAL DE SUS Ú QUED F M L U OBRAS

-En sus obras buscaba tan sólo la expresión de una energía interior. -Desde 1930, la figura yacente y la maternidad se configuraron como sus dos temas preferidos, a los que se añadieron más tarde las pequeñas cabezas y los grupos familiares. -En 1934, Moore comenzó a excavar cavidades en los materiales y, a partir de 1940, cavidades y masas poseen prácticamente la misma importancia ( complemento entre forma y espacio). -P Poco conocido f n id fuera de su país hasta m di d s d si l d s p ís h st mediados de siglo. -En 1934 Moore comienza a horadar los materiales y a partir de 1940 los agujeros o vacíos y las masas tendrán la misma importancia en las obras de Moore, en la búsqueda de la p q complementariedad de la forma y el espacio.

TÉCNICA ESCULTÓRICA É N E UL

En s s i E sus primeras obras (hasta 1930) trabajaba en l té i clásica de "t ill di s b s (h st t b j b la técnica lási d "taille directe" y s percibe el bloque t " se ib l bl sólido, vigoroso que lo caracterizaría. A partir de 1930 comienza una paulatina evolución de sus monolitos y las figuras reclinadas van perdiendo su frontalidad y tienden a que los ángulos y zonas de interés aumenten y se encuentren por todos los lados de las p za , incluso, con la superficie. a piezas, nc u , c n a up rf c . A finales de la década de 1930 cuando hay un paso de volumen sólido a las figuras esbeltas y perforadas, y contorneadas por las posturas de las extremidades. En la década del sesenta y hasta su muerte, Moore descompone sus figuras reclinadas y deja entre esas partes espacios vacíos. Le ha dado otro sesgo al monolito y ha dejado que las partes respiren, que la mirada descanse como el cuerpo en el rellano de una escalera.

LUGARES DE EXPOSICIÓN
Toronto City Hall Plaza y National Gallery of Australia Museum, Jerusalem. Münster, Germany Himmelreichallee Stuttgart Staatsgalerie opposite the House of Lords, London

OBRAS ESCULTÓRICAS E UL
Mujer reclinada Figuras envueltas con niños. Guerrero caido G id Rey y Reina Mother and child, 1924-25 Head and ball 1934 ball, Reclining figure, 1957

Escopas p

internacional clasico

E ESCOPAS

Biografía Nació en la isla de Paros, en las Cícladas. -Celebre escultor y arquitecto clásico griego del siglo IV adeC Celebre adeC. -escultor representativo de la segunda fase del clasicismo. -Trabajó el mármol de las famosas canteras de su isla natal -Intervino en el mausoleo de Halicarnaso -Se encargó d l reconstrucción d l T S ó de la t ió del Templo d At l de Atena Al en Tegea (l Arcadia), destruido por Alea T (la A di ) d t id un incendio en 395 adC. -Colaboró con Praxíteles, Leocares, Bryaxis y Timoteo.

Sus obras se parecen mucho, en la construcción de las composiciones, al estilo de Fidias aunque parecen muy rigurosas en la forma, en la cual se nota el recurso a Policleto.

BÚSQUEDA FORMAL DE SUS OBRAS

TÉCNICA ESCULTÓRICA

estilo patético

Las Ob s de se xp n n n los siguientes mus s: L s Obras d s exponen en l s si ui nt s museos: Museo Británico de Londres (bajorrelieves). Museo Arqueológico Nacional de Atenas (Fragmentos d l t M A ló i N i l d At (F t del templo de Atenea Alea en Tegea ) l d At Al T ). El celebrado Ares Ludovisi en el Palazzo Altemps, Roma. Una estatua de Pothos restaurada como Apolo con cítara en los Museos Capitolinos, Roma. í Una estatua de Meleagro en el Museo Fogg Art, Cambridge, Massachusetts.

LUGARES DE EXPOSICIÓN

OBRAS ESCULTÓRICAS
Cabeza femenina representando a la diosa Igea, proveniente de Tegea en la Arcadia. Atribuida a Escopas y Igea Arcadia realizada a mediados del siglo IV adC. Museo Arqueológico Nacional de Atenas. Realizó una parte del mausoleo de Halicarnaso (hoy Budrum), construido en torno a 350 adC, encargándose en particular de los bajorrelieves y esculpiendo el lado este de la estructura. Dirige además las tareas para la construcción del nuevo edificio del Templo de Atenea Alea en Tegea, en la g p p g Arcadia, donde trabajó personalmente y en particular en los frontones que están unidos hoy. Se le atribuyen a él diversos edificios que formaban parte del Santuario de los Grandes Dioses de Samotracia. Se le atribuyen: una Ménade Furiosa, a la que numerosos epigramas de la Antología griega rinden homenaje; Meleagro del Vaticano; estatuas de Asclepio e Higía en el templo de Asclepio en Gortina, en Arcadia; una estatua de Afrodita Pandémos en Elis; una estatua de Hécate en Argos; dos Erinias del templo de las Augustas Diosas en Atenas; un Heracles en Sición; un Apolo en Rhamnonte, que se encontrará en el templo de Apolo en el Palatino, en Roma, cantado por Propercio (II, 31).

Vera Mukhina

internacional

VERA MUKHINA

-nacida en Riga en una familia rica mercante, ella vivió en san 23/25 Turgeneva. --estudió en diferentes escuelas de bellas artes privadas, incluyendo a él de Konstantin Yuon y Ilya Mashkov. - En 1912 viaja a París, donde asistió al Académie de la Grande Chaumière. - Más tarde f a Italia a explorar el arte y l esculturas d l período d l Renacimiento. á d fue l l l las l del í d del R

BÚSQUEDA FORMAL DE SUS OBRAS

-En los años 1940 el estilo artístico de Mukhina más pareció caber en las normas estéticas de la era de Stalin. Sus proyectos nunca fueron o erigidos o seriamente fueron deformados, como era el caso de los monumentos a líderes soviéticos Yakov Sverdlov y Vladimir Lenin compositor Pyotr Tchaikovsky en Lenin, Moscú y escritor Maxim Gorki: el éste fue diseñado para la capital, pero transferido a Novgorod nizhny. -

OBRAS ESCULTÓRICAS

-Su trabajo más famoso es el Trabajador de monumento gigantesco y la Mujer Kolkhoz que era el centro de la mesa del pabellón soviético en la exposición(muestra) 1937 Internacional en París. El 24-meter-tall, la escultura de 75 toneladas fue hecha de las hojas(sábanas) de acero inoxidable unido(conectado) juntos con un método innovador de soldadura de punto. Una mano de cada figura(número) sostiene respectivamente un martillo y una hoz, los dos instrumentos que se unen formar el martillo y el símbolo de hoz de la Unión Soviética. En 1947 la escultura, ahora instalada en el Centro de exposición(muestra) de Todo-Rusia (entonces " ... Todo-soviético "), se hizo el símbolo del estudio de ruso Mosfilm. -Rabochy i kolkhoznitsa. - The worker and Collective-Farm Girl. - Bread,1939.

Vera Mukhina

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