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PREGUNTAS Y RESPUESTAS CON... LUC TUYMANS por Nav Haq fotos de Angus R. Shamal Habia regresado de Chicago unos pocos dias antes de visitar al artista belga por primera vez en su estudios de Antwerp, Durante mi estadfa en los Estados Unidos, era notable escuchar los comentarios de la gente sobre su retrospectiva 2010-2011 en el Museo de Arte Contemporaneo de Chicago varios meses después de que la muestra habia terminado. Con la cabeza puesta en sus dos muestras préximas este otofio en los espacios de la Galeria de David Zwirner en Londres (del 5 de Octubre al 17 de Noviembre) y en New York (del 1 de Noviembre al 19 de Diciembre), charlé con Tuymans sobre una cantidad de temas que surgieron de sus dos nuevos cuerpos de obra, incluyendo las preguntas que se generan sobre la roméntica vida de los artistas, el recurrente asunto de la otredad en su obra, y de como un loro parianchin en un bar de encantadoramente desvencijado cerca de su estudio inspiré el titulo para esta nueva serie de pinturas. Luc Tuymans: La idea completa sobre este grupo de obra surgié accidentalmente. James Lingwood (co-director de Artangel en Londres) me pidié que hiciera una pintura para este espacio. Hay ahora realmente siete de esas pinturas, una todavia en el espacio. Normalmente debié haber sido solo una. La idea para este espacio estaba basada vagamente en el barco que figura en “Coraz6n de la Oscuridad” de Joseph Conrad: en el libro Kurtz dice que ha realizado unas pinturas, y entonces Lingwood me pidié que hiciera algo. Pero de repente tuve esta idea: recordé una pelicula de 1942 con George Sanders que estaba basada en The Moon and Sixpence de Somerset Maugham. El personaje de Sanders estaba basado de manera muy libre en Paul Gauguin. Fue la primera o una de las primeras representaciones de artistas dentro del marco de Hollywood, y se los muestra como extremadamente egoistas, por supuesto, completamente inmorales, pero al final todo se perdona por la obra. Es por si misma una pelicula muy estdpida, pero lo interesante y lo que yo recuerdo de ella, es que justo antes del final hay una secuencia que es completamente improbable. De esta secuencia yo saqué los fotogramas que constituyen la imagenes para realizar esta serie de pinturas. Un doctor con un fuerte acento aleman llega al pueblo donde el personaje principal ya est4 muerto y una mujer nativa lo esta haciendo rodar por la arena, él ingresa a una cabajia y nos encontramos con una vista completamente colorida de todas las obras, que son maquetas de Gauguins, por supuesto.Entonces mi idea fue prolongar el imaginario, para hacer ms con eso. Es un chiste sobre el modernismo, basicamente. Las otras imagenes - que atin estan por ser realizadas- igualmente tratan con la idea de la luz, la idea de la proyeccién, y la idea de las primeras peliculas, y el color y eso. EI titulo para la exhibicién de Londres realmente proviene de un loro. Hay un bar aqui, cerca de la Plaza de St. Paul, adonde voy porque nadie me conoce alli, una especie de bar marginal. Y sus due/ios tienen un loro, que por supuesto es muy colorido. Y cuando entras al bar, el loro siempre dice, en lunfardo de Antwerp, “All6!” - y ese es el titulo de la muestra. Nav Haq: Por casualidad el bar se llama Amberes? Amberes, si. La idea es dar vueltas sobre lo exético. Lo que también es importante es que siempre hay un reflejo mio en la imagen, partes de mi cabeza o mis hombros. Podrias contarme sobre tu muestra en New York? Se llama “El verano termino’, y se trata de la proximidad de las cosas y de que se vuelven impenetrables. Todas estas pinturas: mi piema, una silla, la ventana sobre la puerta de la fachada, que est opuesta a la fachada de la casa donde vivo, una parte de mi saco, un viejo fotograma proyectado en la pared del estudio. Y estas se colgaran de manera opuesta a una Unica pintura, mi autoretrato, llamado YO. Allé! 2012 - Oleo sobre tela - 130x180cm El retrato tiene una escala ligeramente menor que las otras pinturas. $i. Se trata de la idea de que no podés romantizar la posicién de los artistas, de alguna manera destruyendo esa idea, porque el espectador aqui es el artista. Haran una red muy cerrada, con nada, solo con la fisicalidad de estos elementos. Se trata de trabajar en el limite entre la abstraccién y la figuraci6n, y de trabajar con cosas que son monumentales. Las dos muestras son totalmente diferentes. Suena como si las dos exhibiciones representaran dos perspectivas sobre la vida de un artista. La representacion romantica en la pelicula y, site gusta, la perspectiva mundana desde tu propia realidad cotidiana. Es un punto interesante. Hay una idea que vincula a las muestras: la de Londres se puede decir que es referencial porque se refiere a una pelicula, pero también se refiere a una pelicula sobre un artista, y la otra no hace eso. Debo preguntarte sobre el aspecto filmico de la muestra de Londres, porque se ve, en alguna medida, como las pinturas de fondo de un momento transformador del cine, especialmente en relacién al color. El uso del Technicolor con las pinturas de flores, en su momento estoy seguro que seria un increible espectaculo, pero ahora se ve como muy artificial, casi como silos colores flotaran sobre la imagen. Con las pinturas de “Allo” también, haciendo referencia al momento transformador hacia el final de The Moon and Sixpence, donde se convierte en una pelicula en colores. Realmente me da curiosidad conocer los porqué de tu interés de trabajar l= obra con esas referencias especificas. Podrias decir que la exhibicién de Londres es muy extrovertid y le de New York muy introvertida. Lo que me interesa particularmente es que para les pinturas de Londres, me forcé a mi mismo a pasar por encima de mis contrastes, cos que realmente no hago, pero que quise hacer en estas pinturas. Por eso es también que hice seis de ellas, porque fue realmente muy duro para mi hacer esas Seis pinturas - cada una debfa ser buena en si misma. Nunca hago series, tampoco, porque tienen que ser dispersas. Ademas estan hechas al revés. Normalmente pinto comenzando por los colores mas claros, y después voy hacia los contrastes. Aqui, tuve que hacer al revés para poder encontrarla intensidad correcta del color y la cantidad de areas mas oscuras dentro de la pintura. Entonces realmente segui la idea de la proyeccién. También en la manera en que fueron hechas, porque de hecho fueron coloreadas a mano, como en la pelicula. Pienso que la referencia a Gauguin es bastante interesante. El ocupa un jugar muy particular, principalmente en relacién a cémo la gente discute su vida y su obra en la teoria post-colonial. La gente lo acusa de ser un exotista con este tema, particularmente con la representacién de las mujeres en Tahit. {El también g@ cogia a esas mujeres, por supuesto. Por eso es que usan a Gauguin como ejemplo de exotismo y abuso. En cierto sentido, esta idea de la proyeccién de la otredad que llega con el imperialismo Europeo no es nuevo en tu obra. En particular estoy pensando en las pinturas que hacen referencia a la relacién colonial de Bélgica con el Congo. Pareciera como si las cuestiones de la otredad formaran parte de estas pinturas también. $i, esta todo alli. También muestran la idiotez de creer en ese tipo de exotismo - que es la dureza de las pinturas en si mismas. Las pinturas de la muestra de New York parecen enfocarse en tu vida diaria. Deben ser todas de Antwerp. Si, todas de Antwerp. Es una muestra sobre la proximidad, y al mismo tiempo, la idea de que no podés penetrar. En una de ellas estoy mirando a ese vidrio roto al otro lado de la calle, y el auto-retrato proviene de una foto que mi esposa me tomé con el iPhone, donde también tenés mis anteojos, entonces no podés entrar. Y lo bueno de ese retrato es la luz que cae sobre él. Por otro lado, es una especie de representacion implacable del si mismo - no es embellecedora, es sdlo un hecho. Este cuerpo de obra necesita ser mostrado todo junto? Nunca senti que un cuerpo de obra deberfa ser mantenido todo junto. Cada pintura debe valerse por si sola. Atin con la serie monocromatica (para Londres) existié esta charla de si deberian ser mantenidas juntas, pero, como dije, para mi es un error. Pensd en el ciclo “October’ de Gerhard Richter, trabajos fantasticos que estan ahora en el MoMA. Pero cuando se los muestra? Porque la obra ya estd all en su totalidad, es la peor pesadilla posible. Cuando estén dispersos, siempre existird el intento de volver a tenerlos todos juntos. Otra cosa, la muestra de New York es claramente en el espacio de una galeria. La muestra de Londres es claramente en un habitat. Creo que es importante tener esta suerte de elementos exéticos exhibidos en ese espacio més intimista, Tengo la sensacién de que el espacio de Londres tiene una escala més ‘ica. Es una casa. Un espacio generoso, debo decir, porque las paredes son razonablemente altas. Pero ni por asomo es de las dimensiones del espacio donde se hace la muestra de New York. Debido a que las pinturas para la muestra de New York tienen una raiz tan local de aqui, quiero preguntarte sobre Antwerp. un lugar con un legado artistico muy significativo. para mi, historicamente, lo tiene con seguridad. Es también la ciudad en que naci. Cambié mucho, para peor. Lo que es realmente importante es Ia luz. Si yo viviera en California o en Espafa, seria diferente. La mayor parte del tiempo esta soleado en esos lugares, y aqui la mayor parte del tiempo esté bien gris.Pero tiene una luminosidad especifica, un elemento trasliicido, que se puede retirar en la pintura. Esa fue una de las mas frecuentes observaciones de los curadores en Bruselas, que ellos podian ver las obras y la luz en los que habian sido hechos. Hay un elemento de desapego en mi obra que se vuelve cada vez mas fuerte, + [a uz 9 @xtremadamente importante. Es algo que es fascinante para mi, porque estas pinturas de Londres de alguna manera me empujaron a acelerar el pista también me empujaron a pensar en como representar la luz, no de manera natural. La muestra de New York es mucho més natural. Las pinturas para Londres son totalmente exageradas, totalmente creadas, en un sentido. El elemento de la proyeccién es claro. En qué més estas trabajando? dunto con la direccién artistica de la Galerie Neue Meister, en Dresden, estoy Golaborando con la curadurfa de una muestra sobre cuatro figuras principales que pertenecen todos a la misma era pero presentados de una manera no académica: Constable, Friedrich, Goya y Delacroix. Y luego se incluyen cuatro artistas vives en la muestra: Peter Kirkeby, Gerhard Richter, Jeff Wall, y yo. Cuél es la razon para haber agrupado a estos artistas en la muestra? La raz6n es que es una muestra europea, y es interesante que se yuxtaponen ‘en un mismo espacio trabajos de Goya - que él pinté sobre marfil - y trabajos de Wall, Manet y Rothko. Tenés una experiencia totalmente distinta al mirar esos trabajos. Al mismo tiempo estaré haciendo dos murales para celebrar el centenario del teatro del estado de Dresden - los voy a hacer antes de instalar la muestra. Pero siempre he creido en el hecho de que no se puede obtener arte del arte. Siempre tenés que obtener arte de la realidad. Me (yo) - 2012 - Oleo sobre tela - 110x135cm Mogere Painters - Octubre 2012 Tredduccigi: Mariend Benavente