CURSO BÁSICO DE PIANO

Aunque tenemos dos manos, existe solo un juego de teclas. Si tocamos de izquierda a
derecha estas teclas, notaremos que los sonidos graves o bajos están en la izquierda y que a
medida que vamos hacia la derecha se convierten en más agudos o altos. Si trazamos un
gráfico de líneas y ponemos en las líneas y los espacios que hay entre ellas un punto negro
que represente cada tecla del piano, de izquierda a derecha, se vería de esta manera.

Si quisiera utilizar este esquema para escribir o representar gráficamente lo que toco, sería
muy complicado y difícil seguir con la vista ya que hay muchas líneas y se prestaría a
confusión, por otro lado de esta manera no sabría que tocar con la mano derecha y que con la
izquierda.
Ahora supongamos que hacemos desaparecer la línea del medio, obtendríamos un esquema
o gráfico más claro y fácil de leer, por otro lado podríamos asignar que la mano izquierda
toque todas las notas que están en el grupo de líneas mas bajas, y que la mano derecha haga
lo propio con las de arriba.
mano derecha

mano izquierda
¿Quieres tocar tus primeras notas? Busca el par de teclas negras que están en el centro del
teclado (justo a la derecha de la tecla central) Una vez localizadas estas teclas, toca la tecla
blanca que esta a la izquierda de estas dos negras (la que llamamos tecla central. Esta tecla
blanca es usada para tocar la nota DO media o central "Middle

Ahora coloque sus dos manos en el

teclado como está en la foto y toque el Do central o "Middle C" .

C"
"Middle C" o DO central, es la nota que estaba en la línea que ahora es invisible. Para escribir
esa nota apenas le agregamos un pedacito de línea, suficiente como para que se entienda en
que lugar va. Te propongo hagas un ejercicio tocando varias veces con el dedo pulgar
izquierdo el Do central y luego con el derecho otras tantas.

¿Descubriste el problema? Si! ¿Cómo sé cual Do tocar con el pulgar izquierdo y cual con el
pulgar derecho? No veo ninguna diferencia ni indicación especial. Bien, no desesperar, aquí
va la solución. Moveremos los dos grupos de líneas un poco para separarlos.
Ahora dibujaremos 4 Do en el grupo superior y 4 en el inferior, y tocaremos alternativamente
con las dos manos como ya hemos aprendido. ¡¡A tocar!!

Ejercicio: Con las manos colocadas como en la lección anterior donde el dedo pulgar tocaba
el Do central o Middle C, ahora vamos a tocar con los restantes dedos de cada mano
simultáneamente las otras notas o teclas en direcciones contrarias, la mano izquierda hacia la
izquierda y la derecha hacia la derecha.
La nota que está en la segunda línea del pentagrama superior desplazándonos hacía arriba
y que tocaremos con el dedo meñique de la mano derecha, se llamará SOL o G (cifrado
alemán) que coincide con la clave de ese mismo pentagrama que se coloca en la segunda
línea y es por eso que la llamaremos CLAVE DE SOL
La nota que está en la segunda línea del pentagrama inferior desplazándonos hacia abajo y
que tocaremos con el dedo meñique de la mano izquierda, se llamará FA o F que coincide con
la clave de ese mismo pentagrama que se coloca en esa misma línea y es por eso que la
llamaremos CLAVE DE FA
En otras palabras: Si subimos dos líneas tocamos la nota SOL o G
Si bajamos dos líneas, tocamos la nota FA o F

Definiciones de esta lección:

PENTAGRAMA - Cada grupo de 5 líneas y 4 Espacios, la línea más baja se llama primera
línea, la siguiente segunda línea y así sucesivamente.
Figuras: Negra
Cantidad de figuras por cada compás: 4
Vale: 1 tiempo

Líneas divisorias: El espacio entre dos líneas divisorias se llama COMPÁS

En el ejemplo superior cada pentagrama contiene:
- Cuatro compases de 4 tiempos cada uno
- El número superior (4) marca cuantas figuras habrá en cada compás.
- El número inferior de la fracción marca la figura elegida
Explicación
Así como cuando queremos medir algo sólido, utilizamos la unidad de medida llamada
METRO, y así como cuando queremos medir algo líquido, utilizamos la unidad de medida
llamada LITRO En la música utilizaremos la unidad de medida o figura llamada REDONDA
cuyo valor es de cuatro tiempos.
Por lo tanto el 4 representará a la figura llamada NEGRA porque necesito 4 negras para una
REDONDA, el último compás contiene justamente la figura llamada REDONDA
PRÁCTICA
Vamos a practicar en nuestro teclado.
1.- Primero vamos a marcar con nuestro pié izquierdo cada uno de los tiempos en forma
pareja, a esta marca la llamaremos PULSO, una vez establecido el pulso o velocidad
tocaremos primero con una mano y luego con las dos simultáneamente los cuatro compases
del ejemplo superior, respetando el dedo que corresponde a cada nota.
2.- En nuestro segundo ejercicio, inmediatamente debajo de este texto, pondremos atención
especial al nombre de cada una de las notas que tocamos, observando que cada una de ellas
tienen dos nombres posibles
Recordar : C=Do // D=Re // E=Mi // F=Fa // G=Sol // A=La // B=Si

Figuras: Blancas

Ahora es tiempo de probar otra coordinación de dedos. En este próximo ejemplo tu mano
izquierda comenzará con el dedo meñique y la mano derecha con el dedo pulgar.
Mira los números para que sepas qué dedo usar para cada nota. Lentamente al principio y
entonces acelerando cuando vayas tomando confianza.
Una vez que hayas practicado varias veces, harás la misma secuencia pero iniciándola en la
nota siguiente ( re) y así sucesivamente hasta llegar al extremo derecho del teclado
En el próximo ejemplo, vas a poner tu mano izquierda en una nueva posición llamada la
"Posición del DO o C". Utiliza la foto como una guía para poner tus manos en el teclado luego
de estar seguro que la posición es la correcta comienza con el ejercicio.

BLANCA. Conocemos una nueva figura que dura 2 tiempos

Ahora ya estás listo para tocar tu primera partitura o música con ambas manos

Dos manos

USANDO LA MANO IZQUIERDA PARA TOCAR EL BAJO O ACOMPAÑAMIENTO

Una de las cosas que debes decidir al enfrentar una nueva partitura, es donde tocar o ejecutar
las notas. Con el siguiente ejercicio empezaremos a identificar en que lugar del teclado se
tocan o ejecutan las notas que encontraremos en las partituras.
El sombreado en el teclado coincide con el sombreado de la partitura, por lo tanto en toda
partitura que estén estas notas se ejecutaran en este sector del piano
Ejercítate observando la imagen y llevándolo a la práctica en tu piano o teclado

El siguiente ejercicio muestra la misma melodía con la mano derecha que en la lección
anterior pero con un acompañamiento de la mano izquierda diferente.
Esta es la primera vez que vas a tocar una música donde la mano derecha hará algo
diferente que la izquierda. Comienza en forma lenta pero sin pausa. ¡¡Adelante tú puedes!!

Melodía, ritmo y armonía

La música está compuesta de 3 elementos:

MELODÍA - RITMO - ARMONÍA
MELODÍA- Llamaremos melodía a la sucesión de los sonidos. Ejemplo: do, mi, sol, re, fa etc. Es decir cualquier secuencia
de sonidos uno después de otro, será una melodía. RITMO- Llamaremos ritmo a la relación que hay entre acento y
duración de los sonidos .Así como cuando hablamos utilizamos acentos, ejemplo: "mamá" marcamos con mas énfasis o
fuerza una de las sílabas, también lo haremos con algunos de los sonidos que utilizamos por ejemplo: ta - ta -tá - ta - ta - tá
etc. Si relacionamos la duración de cada sonido con su respectivo acento tendremos lo que llamamos RITMO. Por lo tanto si
en una sucesión de sonidos no hay acento determinamos que no existe ritmo, por ejemplo el tic tac del reloj, eso no es ritmo.
ARMONÍA - Llamaremos armonía a la simultaneidad de varios sonidos, por lo menos 3 sonidos a la misma vez. Cuando esto
sucede decimos que esos tres o mas sonidos simultáneos forman un acorde.

ACORDES Toca los acordes con la mano izquierda

Coloca los dedos como lo indica la foto. Observa la foto y practica los acordes
relacionando los colores de cada uno. El acorde que está en azul se deberá
tocar sobre las notas pintadas en azul y el rojo igual. No te preocupes por el
nombre de los acordes, mas adelante lo veremos.
Una vez que hayas practicado lo suficiente seguí con el ejercicio de abajo
con las dos manos.

Escala Mayor

Ya estas listo para aprender nuevas notas que ejecutaras con la mano derecha. Para alcanzar
todas las notas en la melodía, necesitarás mover tu mano derecha un poco mas hacia la
derecha. Deberás estudiar las nuevas notas y sus posiciones en el teclado y deberás
practicarlas observando las imágenes.
LA ESCALA MAYOR

Una ESCALA, es una progresión o sucesión de notas. Las escalas son la base para la creación de melodía y armonía y son
una parte esencial del proceso de aprender a tocar el piano. Para el pianista, las escalas son muy utilizadas como base para
desarrollar los hábitos de una buena digitación. En la imagen inferior encontraras tu primera escala musical completa y se
llama la
ESCALA DEL DO (C)
Porque empieza en la nota Do (C).

Acordes

En esta lección, vas a conocer y tocar 3 nuevos acordes. Deberás practicar cada uno de los
acordes que ves en la imagen inferior con la mano izquierda hasta que los manejes con
soltura. La velocidad óptima para ejecutarlos sería de 1 segundo entre cada acorde.
Los acordes que ves en la figura se llaman (de izquierda a derecha)
DO mayor (C) - LA mayor (A) - SI mayor (B)

NUEVA CANCIÓN PARA QUE TE EJERCITES

Figuras: Corcheas
La figura CORCHEA, dura la mitad del valor de la figura NEGRA.
Como vemos en las imágenes, en el mismo espacio de tiempo que hago sonar una negra,
ahora deberé hacer sonar dos corcheas, dividiendo ese espacio en dos iguales

Una sola corchea se escribe así

Como vas a ver en esta nueva canción , al utilizar la figura CORCHEA podrás poner mas
sonidos en el mismo espacio en el que antes poníamos 1.
Para hacerlo primero deberás determinar el pulso de la canción ( con el pie o con la mano
determinaras la velocidad de la canción, marcando cuanto tiempo hay entre negras o tiempos)
Una vez establecida la velocidad, ponte cómodo y ¡¡ a disfrutar de la música!!

Marcando el ritmo

Con esta animación vas a poder practicar el valor real de cada figura, por ejemplo: la redonda
va a durar 4; la blanca 2; la negra 1 y la corchea 1/2; para descubrir lo que dura la corchea
deberás seguir el ritmo y leer con las "y" incluidas

Toca la canción que esta abajo ayudado por el ritmo que marca la figura que está arriba

Este es un buen comienzo para dedicarte con algo de disciplina de trabajo, estudio y
dedicación al manejo básico del piano o teclado, como instrumento de ejecución.
Ojalá los frutos sean verdaderos y así tus primeras canciones y tonadas podamos apreciarlas
con gran deleite y estimación.
 DIBUJO A LÁPIZ

Introducción
Dibujar puede parecer difícil o fácil. Nosotros le diremos que, sobre todo, es una cuestión de trabajo, de práctica. Y esto
depende sólo de su voluntad. Ser un artista con talento es una cuestión que no debe preocuparle. Sólo debe intentar una
cosa: llegar a dominar el lápiz, la pluma, el pincel, el color... Esto no es difícil. Es lo mismo, que aprender a hacer una
mesa, saber manejar con maestría la lima o hacer cazuelas de barro. Es cuestión de manos, de oficio. El oficio se adquiere
en dos etapas:
1) Aprendiendo cómo se hacen las cosas.
2) Haciéndolas.
Nosotros le explicamos a lo largo de estos cursos de dibujo, cómo se hacen las cosas: cómo se coge un pincel; un lápiz,
una pluma, cómo se las hace correr sobre el papel, cómo se consiguen trazos limpios, sombras, etc. Y le proponemos una
serie de prácticas para iniciarse en las distintas técnicas del dibujo. Le aconsejamos que las realice al pie de la letra.

Le explicamos también cómo se utilizan las distintas técnicas artísticas, las posibilidades de cada una de
ellas, lo que usted puede lograr con cada una de ellas: cómo se dibuja un conjunto, las distintas fases que
han de seguirse, los puntos que han de considerarse, etc. Siga estas enseñanzas de una manera activa, es
decir, haciendo lo que se enseña. Después practique por su cuenta, practique mucho.
Esta práctica será la que haga que un día se encuentre con que sabe una cosa más: dibujar lo que desea, o
para ser más exactos: lograr dibujar cualquier cosa que usted se proponga.
Le recomendamos, pues, dos cosas:
1. Atención detenida a nuestras explicaciones.
2. Realización de las prácticas que le recomendamos.

El dibujo a lápiz

La técnica del dibujo a lápiz de grafito, es la más sencilla de todas, por eso recomendamos comenzar
primero por este curso y después continuar con los demás.
Por su forma, peso y tamaño, el lápiz es el instrumento de dibujo más manejable.
Las minas son de distinta dureza. Esto hace que, según lo que queramos dibujar, podamos escoger la que
más nos convenga. (Ya hablaremos sobre qué lápiz es el apropiado para cada caso.)
Con un lápiz de mina blanda podemos conseguir una gran variedad de tonos, desde un negro intenso a un
gris suave y homogéneo.
Con lápiz de mina dura podemos trazar líneas muy finas y limpias.
El lápiz se borra con facilidad.
El lápiz no requiere un pulso excepcional para ser utilizado.
Por todo esto es por lo que el lápiz es el instrumento más adecuado para iniciarse en la práctica del dibujo y
acostumbrar la mano a conseguir trazos seguros y limpios, es decir, líneas que no sean temblorosas, que,
tengan el mismo grueso por todas partes, que estén hechas sin repasar, con decisión. También para
comenzar a realizar sombreados, que tanta importancia tienen en este bello oficio.

Los lápices de mina dura se afilan de modo que den una punta aguda, que pinche, pues es este el modo
que hace posible que las líneas salgan limpias y vigorosas con este tipo de mina.

Para comenzar -y siempre- no le son precisas a usted marcas especiales de lápices, aparte de que la
cuestión de la calidad de los mismos es algo muy relativo y todo depende en realidad de los gustos de cada
dibujante., Hay marcas de nombres acreditados en todo el mundo que, al utilizarlas un dibujante, las
rechaza ya que tanto el tono de la mina como el "tacto" de ésta sobre el papel, no le gustan.
No le recomendamos ninguna marca especial. Cualquiera de las que hay en el mercado nacional le servirán
perfectamente para realizar sus trabajos, por ejemplo, las conocidas Johan Sindel o Johann Faber.
Marcas de prestigio mundial y que no debe desconocer son:
 Koh-i-noor Checoeslovaquia.
Alaska de Francia.
Caran D'Ache. de Suiza.
Castells de Alemania.
Stabilo de Alemania.
Mars de Alemania.
Van Díke de Alemania.

Para dibujo el mejor tipo de borrador es el llamada de miga de pan, que es blanda y muy suave al roce con
el papel. La marca más extendida entre nosotros es la "Milán". Reúne, para todos los trabajos de lápices
blandos y del n. 2 condiciones excelentes. Es la goma que le recomendamos para utilizar en sus trabajos.
Son también interesantes las marcas Pelikán y Ebro.
Tenga en cuenta una cosa: la goma no debe emplearse como un arreglalotodo. No debe usarse para borrar
del todo un dibujo o gran parte de él si ha salido mal. En este caso es preferible comenzar de nuevo el
trabajo, pues le quedarían señales del paso de la goma sobre el papel que perjudicarían notablemente su
labor.
El dibujo debe, mediante trazos muy débiles del lápiz prepararse, encajarse y abocetarse muy
detenidamente antes de comenzarlo en serio, para que no ocurra lo antedicho. De todo esto hablaremos
más adelante y utilizaremos la goma sólo para enmendar pequeños errores.
La goma tiene, además de su utilidad, como elemento para borrar, otra de gran importancia. La goma
puede servirnos para sacar brillos y aclarar zonas oscuras.
¿A que se llama sacar brillos? Observe las siguientes imágenes. En ellas verá usted zonas de blanco que
sirven para representar aquellos sitios que son brillantes y reflejan la luz. Pues bien, estas zonas están
conseguidas no a base de dejar el blanco originario del papel, sino de pasar la goma sobre la superficie
dibujada con lápiz.
También se utiliza para aclarar zonas oscuras. Es decir, sitios que no conviene que estén tan negros como
en principio se han hecho. Entonces es por medio de la goma como se aclaran.

La técnica del dibujo a lápiz

Ya conocemos el lápiz y sus características. Es el momento de empezar a dibujar con él.

¿Cómo lo haremos?
Lo primero de todo es afilarlo, tal como hemos dicho anteriormente:

El n. 2 con una punta fina, pero no tanto que pinche.

El n. 1 con una punta algo más redondeada que la del 2.

A nuestro lado tendremos el raspador y la goma.

¿ Cómo vamos a coger el lápiz?
Lo mismo que cuando lo usamos para escribir, pero un poco más arriba. Véalo, para mayor
claridad, en la siguiente figura.

El lápiz no debe nunca apretarse sobre el papel de tal modo que lo raye y quede una hendidura por allí
donde pasa. No hay necesidad de apretarlo. Si usted desea que una línea salga de un negro intenso y no lo
consigue, lo que debe hacer, en lugar de apretar, es utilizar otro lápiz de mina más blanda, que le dará el
resultado que desea sin necesidad de presionarlo.

El lápiz debe apretarse más o menos entre los dedos, según el tipo de trazo que haga:
1.) Si se trata de un trazo amplio o queremos
rellenar zonas de negro con trazo largo y rápido, no
lo presionará usted apenas. Lo tendrá cogido entre
los dedos índice, corazón y pulgar y dejará resbalar
la mano con suavidad sobre el papel, apenas
rozándolo.
 2.) Si se trata de un trazo más cuidado y menos
largo, que tenga que seguir un camino
determinado, al dibujar algo pequeño, por ejemplo,
entonces lo apretará más entre los dedos y la
mano

la tendrá también más presionada contra el papel, siendo los dedos meñique y pulgar los que estarán
tocándolo y los que resbalarán sobre él siguiendo la dirección del trazo.
En este caso el lápiz se cogerá un poco más abajo que como hemos indicado.

Prácticas de iniciación al dibujo a lápiz

Le proponemos a continuación unas prácticas que le permitirán iniciarse en el dibujo.

Para adquirir un dominio del lápiz, lo primero que debe hacer es dibujar trazos verticales, Horizontales e
inclinados.

Las siguientes figuras le servirán de muestra.

Vea cómo debe actuar:

Utilice el lápiz blando, el n. 1 con la mina redondeada. Gástela un poco en otro papel del que vaya a utilizar haciendo, unos
trazos rápidos para igualar las irregularidades que pudiera haber en ella. Empiece después, siguiendo estas indicaciones:

1.) Tenga el lápiz cogido con firmeza. Igualmente tenga apoyada la mano con seguridad sobre el papel (pero no la presione
de tal forma que no tenga libertad para hacerla correr sobre el mismo).

2.) No apriete el lápiz sobre el papel. El tenerlo cogido con firmeza, no quiere decir que lo deba apretar contra el papel. No.
Usted lo tiene cogido con firmeza, pero lo pasa sobre el papel con suavidad.

3.) No haga los trazos despacio. Hágalos con rapidez, de un solo "golpe" decidido, uno tras otro. No se preocupe si unos
trazos son más largos que otros. Lo que debe preocuparle por ahora es que salgan seguros y firmes.

4.) El modo de ir haciendo la serie de trazos que constituyen estos ejercicios, debe ser así: haga usted 5 o 6 trazos sin
mover la mano del sitio donde esté apoyada. Córrala después un poco hacia la derecha y siga con otros 5 o 6. Así hasta el
final. Es mejor que ir haciendo resbalar la mano de una forma seguida.

Una vez haya practicado mucho estos ejercicios de líneas rectas, pase a hacer lo mismo con líneas curvas, concretamente
las líneas de las siguientes figuras:

Le recomendamos que trabaje de acuerdo con las siguientes indicaciones:

1.) Las curvas las dibujará menos deprisa que las rectas, sin que esto quiera
decir que vaya con lentitud, un poco más despacio que como ha hecho las
rectas.
La causa de esto es que debe ir prestando constantemente la mayor
atención a como le sale el trazo, que, ya sabe, debe ser seguro, limpio.

2.) Para estos ejercicios deberá coger el lápiz, si cabe, con mayor firmeza
que cuando ha hecho las rectas, ya que se trata de trazos de mas detalle.
Esto se debe a que es preciso tenerlo aún más dominado. Sin embargo, siga
pasándolo sobre el papel con suavidad. Mayor aún que cuando ha dibujado
rectas.

Debemos hacerle una advertencia más. Se trata de un problema de trazo

con el que usted tendrá que enfrentarse cuando deba hacer una línea larga
que haya de presentar un perfil limpio y seguro. Esta línea no la puede hacer
de una sola vez seguida, pues por muy buen pulso que usted tenga no le
saldrá bien. Debe conseguirla a base de pequeños trazos unidos, enlazados
de modo que no se noten las uniones. Vea usted cómo se realiza esto en las
figuras siguientes:
 Para la realización de la línea que ve usted en la figura de arriba, se ha
utilizado el método que se describe en la figura del centro. Se ha compuesto
a base de trazos cortos, enlazados. Cada uno de estos trazos cortos, acaba
en un grosor menor al que tiene al empezar, que es el que corresponde al
de la línea.
Donde comienza a ser más fina se inicia el otro trazo y así, sucesivamente,
hasta el final. Es el modo de que siempre mantenga un mismo grosor. Cada
dos trazos volveremos atrás y repasaremos los dos últimos trazos hechos o
más, con el fin de igualar las posibles diferencias de grueso que aún pudiera
haber.

Ejercicios de manchas

En el dibujo, no sólo hay líneas, también hay manchas de negro más o menos intenso. Estas superficies
oscuras requieren, para su realización, una técnica diferente que la empleada para la línea.
La mancha por otro lado es la base misma del sombreado.
Hay dos formas de manchar que nos interesan ahora a nosotros.

1. Conseguir una superficie negra o más o menos gris,

uniforme, sin que se noten unos sitios más oscuros que
otros, ni se perciban las líneas del lápiz.

2. Conseguir una graduación de tonos. Desde el negro hasta el gris más claro.

Utilice para estos trabajos el lápiz blando; es decir el n. 1. Para el ejercicio de conseguir una mancha
que vaya desde un negro intenso a un gris suave, afílelo en bisel. Después de esto póngase a trabajar.
Antes, corno hicimos ya al realizar los trabajos de línea, pase la punta del lápiz sobre un papel aparte,
dos o tres veces, con el fin de igualar cualquier irregularidad que haya en ella. Después, de izquierda a
derecha, comience a dibujar la mancha a base de líneas en zig-zag, entre las que no habrá separación,
tal como lo ve en esta figura.
Vaya haciendo cada vez más suave la presión del lápiz sobre el papel hasta que apenas lo roce. La
disminución de intensidad en el tono de la sombra, debe ser gradual; no debe haber saltos bruscos de
un tono a otro más abajo o alto, sin haber pasado por los intermedios.
Este trabajo realícelo también muchas veces.
Las líneas en zig-zag deben hacerse con rapidez, con trazos decididos y seguros.
Para manchar una superficie de negro, uniformemente, utilice también la punta en bisel.
El sistema es ir pasando esta punta sobre el papel, a base de trazos en zig-zag pero fundidos. Es decir,
trazos entre los que no haya separación, Vea la figura anterior.
Presionará la punta siempre con la misma fuerza pues sino lo hace así, por unos lados la superficie
dibujada será más oscura que por otros.
Los trazos deben ser rápidos y el lápiz debe pasar con suavidad sobre el papel.
 Ejercicio de iniciación al dibujo de objetos

Después de las prácticas anteriores puede ya

intentar dibujar cosas: una botella y un vaso sobre
un plato,

y una taza sobre un plato con una cucharilla

dentro

Lo primero que debe hacer es proveerse de estos elementos una botella, un plato,
un vaso, una taza y una cucharilla. Después colocarlos del mismo modo que están
situados en las figuras anteriores y dibujarlos.
Pero teniendo en cuenta lo siguiente:

a) No copiará de los dibujos de las figuras anteriores sino sólo de la botella, taza,
vaso y plato que tendrá usted delante. A esto se llama dibujar del natural.

b) No dibujará usted, sombras, puesto que no sabe aún. Dibujará sólo a base de
línea, igual que lo ve en las citadas figuras anteriores.

e) Se colocará usted de modo que vea de los modelos, sólo lo alto y lo ancho, pero
no lo grueso. Es decir, de modo que sólo los vea en dos dimensiones: longitud y
anchura. Para aclarar esto vea las siguientes figuras:

Su posición ante el modelo debe ser ésta. El

modelo debe estar a la, altura de sus ojos. Es el
modo de que lo vea plano, en sólo dos
dimensiones: alto y ancho.

Si lo mira en esta posición, ya verá tres

dimensiones: alto, ancho y grueso. Más adelante
dibujaremos así.

Sobre las proporciones:

 Un aspecto muy importante a tener en cuenta al comenzar el dibujo partiendo del
natural, es el cálculo de medidas y proporciones que el modelo elegido tiene y que
todo dibujo debe representar. Para resolver esta dificultad no basta con observar
atentamente el modelo, es preciso medir y comparar. Existe un sistema
generalizado el cual utilizan todos los profesionales y la mayoría de los aficionados
el cual se explica a continuación:

Con la ayuda de una simple regla, o lápiz de 30 ó 35 centímetros de longitud, el

dibujante puede obtener alturas, anchuras y proporciones en el modelo; Se levanta
el lápiz o regla tomándolo por uno de sus extremos, con el brazo extendido a la
altura del ojo, y cerrando el otro ojo se coloca el lápiz delante de una parte del
modelo, midiendo el alto de esta parte desplazando el pulgar arriba o abajo,
hasta que la parte visible del lápiz coincida con la parte del modelo que se quiere
El encaje
medir, se repite entones la operación en sentido horizontal comprobando y
calculando dimensiones.
Se llama encaje a unas líneas que sirven para marcar las proporciones de un dibujo.
Es decir, el encaje nos sirve para que un dibujo no nos salga desproporcionado.

Veamos ahora como son estas líneas, cuando y como se trazan.

Vea las siguientes figura, las líneas que ve en el dibujo de la izquierda son el encaje de la botella de la figura a la derecha.

En ellas están marcadas la altura, la anchura, el comienzo del ensanchamiento del cuello y el final del mismo, así como el
punto donde el cuello es más grueso, Y también a base de rectas, la forma de dicha botella.
Todas estas señales hacen que podamos empezar el dibujo sobre ellas con la seguridad de que nos salga bien.
¿Cuándo se hace el encaje?
SIEMPRE ANTES que el dibujo. He aquí el camino a seguir.

1.) Observamos la botella real que tenemos delante y

vemos su altura y anchura

2.) Hacemos después un cuadro que tenga

proporcionalmente, esta anchura y altura.
Todo esto usando el sistema para calcular proporciones
y medidas usando el lápiz o regla antes mencionado, y
trasladando las medidas al papel.

También trazamos un eje central que nos ayudará a

dibujar iguales la parte derecha de la botella y la
izquierda. Es decir, nos ayudará a que salga simétrica.
Esta altura y anchura la calculamos a ojo mirando la
botella.
 3.) Después podemos trazar alguna línea auxiliar más, tales como la
que señalan el comienzo del ensanche del cuello de la botella y el
final de dicho ensanche, donde la botella comienza a bajar recta
hacia abajo. También una línea que marque el sitio donde el cuello
es más grueso y el recuadro de la embocadura.

4.) Por último, a base de trazos rectos, dibujamos la forma de la

botella, de modo que nos queda terminado el encaje tal como le
vemos en esta figura:

5.) Sobre esto dibujamos la botella definitiva y borramos las líneas

del encaje:

El encaje lo hará usted con un lápiz más duro que con el que haga, el dibujo definitivo. El lápiz para hacer el encaje estará
muy bien afilado y lo pasará muy suavemente sobre el papel con el fin de que pueda borrar después las líneas con
facilidad.
En su caso, utilice el lápiz n. 2 para el encaje y el n. 1 para el dibujo definitivo.
Después de esto, ya puede comenzar a dibujar, teniendo en cuenta que las líneas definitivas de la taza, botella, vaso y
plato las deberá hacer según el sistema explicado antes con estas figuras:
 El sombreado

Luz y sombra

Un paso más adelante. Vamos a aprender a ver sombras y, naturalmente, a dibujarlas.

Por todas partes hay luz y sombra. Miremos adonde miremos, nos encontraremos con estos dos elementos.

Sin embargo, si usted no es un profesional del dibujo o la pintura, muy pocas veces se ha detenido a ver estas
sombras, a observarlas. Ver la extensión que ocupan, por donde son más oscuras y por donde menos, hay
brillos, etc.
Bien, en este capítulo, usted se va a dedicar a ello. Va a dedicarse a observar sombras para después dibujarlas.
Veamos.

El volumen

Todos los cuerpos tienen un volumen y una forma, que percibimos gracias a la sombra. De lo contrario los
veríamos planos.

Sin sombrear no sabemos si una figura representa un cuerpo plano

o no.

Al dibujar, pues, usted debe dominar esta faceta fundamental del dibujo,
pues es gracias a la combinación de luces y sombras como
representaremos la forma y volumen de un objeto cualquiera que
dibujemos.
Sólo los efectos de luz y sombra nos permiten saber cómo es un objeto.
En el caso de esta figura vemos que se trata de un cuerpo de superficie
curva.

La luz
Clases de sombras

Cuando la luz da sobre un objeto, éste queda iluminado por el sitio que está de cara a la luz, pero por el opuesto, no.
Por el lado opuesto se produce la sombra. Esta sombra que se produce en el propio objeto se llama sombra propia.

La sombra propia es la que se produce en el mismo

cuerpo iluminado.

Si en verano hace mucho calor, buscamos la

sombra. Si es una calle por donde vamos, nos
dirigimos al sitio donde los edificios hacen sombra;
si estamos en el campo, a la sombra de un árbol.

Es decir, tanto los edificios, como los árboles, como cualquier cosa iluminada, "echan" su sombra sobre el suelo o
sobre paredes o planos verticales próximos: la proyectan. A esta sombra se le llama sombra proyectada.
La proyectada es la que este cuerpo arroja sobre el suelo o la pared o, cualquier otra superficie cercana.
Concretando, hay dos clases de sombras:

Sombra propia: la que se produce en un objeto iluminado.

Sombra proyectada: la que este objeto arroja sobre superficies cercanas.

Luz reflejada

Vea usted estas figuras:

Como la pared es negra, no refleja los rayos

luminosos y la parte en sombra de la esfera no
tiene nada de luz.,
la sombra cubre por completo la cara del objeto
opuesta a donde da la luz y se confunde con el
fondo oscuro.
Mirar las sombras

Como paso previo a su trabajo, usted debe aprender a ver las sombras. No es fácil si no se tiene práctica en ello. Las
cosas tienen color y esto dificulta a veces para establecer bien los límites de las sombras, sus tonos.
Hay un método muy práctico que nos ayuda en gran parte a resolver este problema:

Se trata de mirar al objeto sombreado entrecerrando (entornando) los ojos. Pruebe ahora mismo. ¿Verdad que las zonas
de sombras quedan delimitadas con mayor claridad?
Esto se debe a que, al entrecerrar los ojos, se suprimen detalles de la visión y sólo se aprecian masas, y en lo que se
refiere a las sombras, zonas de éstas, más o menos precisas.
Oriéntese así al trabajar.

Así se ven las cosas mirando normalmente.

Entornando los ojos, las zonas de sombra y luz se delimitan con mayor
claridad.

Y bien, puesto ya en este camino, va usted a comenzar a fijarse en las sombras.

En el lugar en que, esté estudiando, si echa una ojeada alrededor, verá que hay sombra y luz por todas partes. Sombras
propias y sombras proyectadas. En las cosas, en su propio cuerpo. Deje de estudiar y obsérvelas. Observe cómo una
misma mancha de sombra no es por todas partes igual de intensa, como en la mayoría de los casos, comienza siendo
clara para acabar siendo muy oscura. ¿Se fija?

Pues bien, esto es lo que debe usted trasladar al papel. ¿Cómo?

Algo importante sobre el sombreado
1.)Uno de los defectos más importantes del principiante es cargar demasiado de negro las sombras, llenarlo todo
demasiado de manchas oscuras, sin acordarse de que en el sombreado hay dos elementos igual de importantes: la luz y
la sombra. El principiante cae en el defecto de hacer los tonos más oscuros de lo que deben ser.
Por eso, grábese la regla siguiente: sombree siempre suavemente y deje espacios blancos allí donde la luz da de lleno. Si
es preciso acentuar más el negro en cualquier sitio, ya habrá tiempo.
 Es preciso tener tacto y sombrear con más suavidad,
dando negros y dejando zonas blancas iluminadas.

No debe entusiasmarse al sombrear y dejar sus trabajos

así, demasiado oscuros.

2.) Se sombrea comparando.

Aclaremos: cuando usted esta observando un modelo, viendo en sus sombras el número de intensidad de sus tonos,
fíjese en el más oscuro y páselo al papel. Después, COMPARANDO con este tono, vaya dibujando los otros más claros.
Usted comparará las diferencias de los tonos con respecto, al más oscuro EN EL MODELO. La comparación la hará en el
propio objeto que esté dibujando, y trasladará esta diferencia que encuentre al papel, comparando ahora con la mancha
que ya tiene dibujada del tono más oscuro.

Comparando con la intensidad de este tono...

... vaya graduando el resto.

3.) La valoración de los tonos, es decir, la graduación, el paso de unos tonos oscuros a otros más claros y el paso de éstos
al blanco -o al revés-, se debe hacer de un modo gradual, sin que haya contrastes violentos.
El paso de un tono a otro, de mayor a menor intensidad, o al revés, debe ser como lo ve usted aquí, suave, sin que se
noten saltos bruscos.
Aquí es donde entra en juego la aplicación de las manchas graduadas de que hablamos en las primeras lecciones de este
curso.

4.) No debe usted, durante todo su trabajo, perder de vista ni olvidar el conjunto. Debe estar pendiente de éste, fijándose
constantemente en la totalidad del dibujo. Esto es necesario para que su trabajo salga con la armonía precisa.

5.) No enmarque usted los límites de lo que esté dibujando con líneas antes de sombrear. Sombree, y el propio sombreado
le irá dando estos límites.

6.) El trazo no es el mismo para todos los casos de sombreado. Hay que seguir con el lápiz la forma de la superficie del
objeto que se trate. Si se trata de superficies planas, el trazado de sombreado será recto. Si de curvas, el trazo será curvo.
Es decir, el trazo adoptará la forma del volumen del cuerpo que se dibuje.

Prácticas de iniciación al dibujo de sombras

Le proponemos como práctica de sombreado realizar tres dibujos a lápiz, en los que, al contrario que en los ejercicios del
capitulo anterior, se aprecian formas y volúmenes.
Se trata de que usted dibuje:
Dos cajas de zapatos tal como las ve en esta figura:

Un trapo colgado, que tenga buena caída, blanco, que

colocará tal como ve aquí:

No copie de los dibujos que le presentamos. Tome del modelo natural.

Ilumine los modelos con una lámpara con pantalla, tal como viene indicado en las imágenes anteriores. Si no tiene lámpara
con pantalla, de modo que la luz vaya en la dirección indicada por las figuras citadas, hágalo como le sea posible, pero
procurando siempre que la luz no quede encima de los modelos.
Prepare a su, lado, para trabajar, los lápices números 1 y 2 y la goma, así como el raspador.

Con el lápiz n. 2 hará las líneas finas, poco intensas, y el encaje y boceto inicial.

Con el del n. 1 las líneas y manchas de sombras más intensas.

Su camino a seguir en los trabajos será el siguiente:

1. Encaje detenido del modelo siguiendo las normas que a tal respecto le hemos dado en las lecciones pasadas.
Hará el encaje suavemente, con el fin de que pueda borrarlo después con facilidad. Utilice el lápiz n. 2.

Lo primero es el encaje.

3. Manche usted ya, con el lápiz del n. 2, con un rayado

en que no debe apretar demasiado, las zonas de
sombra, marcando los diferentes tonos más importantes
que ve para lo cual habrá empleado el método de
entrecerrar los ojos y sin olvidar que el trazo debe
seguir la forma plana o curva de la superficie del
modelo.

4. Manche la zona o zonas más oscuras del dibujo.

5.A partir de este tono y como le hemos indicado,

COMPARANDO, vaya dando los otros tonos más
suaves, sin olvidar que el paso de uno a otro debe ser
suave, sin contraste brusco.

Retoque al final con la goma, aclarando aquellos sitios que estén oscuros, sacando brillos, borrando lo que sobre.
Y aún retoque con el lápiz las pequeñas deficiencias que haya podido producir el paso de la goma.

Recuerde que algo muy importante del dibujo y la pintura es la OBSERVACIÓN, nunca deje de hacerlo, no invente, trate de
plasmar lo que VE y no lo que se imagina, el dibujo es la base de cualquier proyecto artístico que se quiera realizar, se
dibuja en escultura, se dibuja en pintura, en todo, por lo tanto es muy importante tener por lo menos nociones básicas de
dibujo, esperamos este curso haya sido de su agrado y le haya servido por lo menos a introducirse al mundo de las bellas
artes.
 PRINCIPIOS BÁSICOS DE ARTE

DIBUJO ARTÍSTICO

TALLER DE LITERATURA

TOQUEMOS PIANO O TECLADOS

TOQUEMOS GUITARRA

Un quehacer mágico, creativo, imaginario; con procesos reales

y prácticos para que logres realizaciones a tu aprender y saber
 El arte de escribir relatos cortos

El arte, y lo sensato. A casi todos los escritores -ya sean de ficción o de realismo- si les
preguntases sobre qué preferirían publicar, si un libro de relatos, o una buena novela de
más de 500 hojas, lo más probable es que te contestasen que la novela. ¡Dónde va a
parar!

Se suele tener a los libros de relatos como algo secundario, intrascendente relevancia. La
gente está acostumbrada a leer novelas, y la verdad, unos cuantos relatos juntos, por
muchos y muy buenos que sean, no llaman la atención. Esto no lo digo yo, lo dicen las
editoriales y los propios agentes literarios, porque no vende. Y hablo con conocimiento de
causa quizá demasíada.

¿Significa esto que debemos olvidarnos de ese peculiar arte de escribir historias cortas?
Para nada, o al menos esa es mi impresión.

Un escritor novel debería empezar por escribir relatos antes que embarcarse en el
fascinante, y a su vez interminable, viaje que es la novela. Más que nada porque uno
debe establecer prioridades sensatas respecto a sus capacidades, y a no ser que uno
nazca un genio de la narrativa -que los hay-, su estilo, por poco ejercitado, al principio
dejará mucho que desear, y la novela tendrá ciertos déficits. También hablo con
conocimiento de causa.

¿Son acaso los relatos cortos más aburridos, o más fáciles de hacer? Ni una cosa ni la
otra, depende del autor y de sus cualidades. Hay autores de historias de 20 hojas, de 50,
y de 500. Eso se tiene que ir viendo. Pero siempre es mejor empezar poco a poco, con
pequeños relatos que no nos debería costar mucho terminar, y que ayudan a afianzar
nuestra técnica. ¿Y por qué no? Nadie dice que haya que olvidarse de escribir grandiosas
epopeyas de cientos de páginas, sino simplemente dejarlas apartadas un tiempo... lo
necesario para que cuando la empecemos, estemos preparados, y hagamos un buen
trabajo.

Hay una frase que jamás se me olvidará, que dice que escribir una novela es como un
combate de boxeo que ganas por rondas, golpeando y esquivando, con tus momentos de
gloria y de derrota. Un juego de resistencia entre el escritor y el lector, por ver si
realmente consigue llegar hasta el final. El cuento corto, sin embargo, hay que ganarlo
por K.O. Sí, o sí. No hay espacio para flaquezas ni partes tediosas. Uno debe demostrar
que, dentro de sus limitaciones, lo ha hecho lo mejor posible. El lector no debería
apartarse del relato en ningún momento.

Considero que hay mucha verdad en todo eso. Sólo tenemos que ver la cantidad de
novelas que hay con tramas intrascendentes y llenas "de paja", como para saber que a
veces, el escritor no resiste el asalto. Se desinfla. No está preparado para tan largo viaje.
Escribir una novela es la primera división de cualquier escritor. El sueño de cada uno de
los inquietos participantes. Pero hay tiempo para todo. ¿Qué merece más la pena, un
jovencísimo jugador de primera que pase desapercibido, o uno que vaya progresando en
segunda y cuando dé el paso atraiga bastantes miradas?

La decisión es del autor, siempre. Desde aquí lo único que puedo decir es que no
olvidemos el viejo arte de escribir esos cuentos de 20 minutos, de media hora. Es una
práctica más importante de lo que uno pueda pensar en primera estancia.

TALLER DE CREACIÓN LITERARIA

Introducción ~ Cuento ~ Narrador I ~ Narrador II ~ Narrado III ~ Monólogo ~

Lenguaje ~ Diálogo I ~ Estructura ~ Diálogo II ~ Tiempo ~ Velocidad ~ Espacio ~
Personajes
Errores más comunes en el escritor novel ~ Géneros y Figuras Literarias ~ Manual de
estilo

INTRODUCCIÓN:
Hay tres grandes géneros literarios: Lírico, dramático y narrativo. El género narrativo se
caracteriza por la presencia de un relator de historias. El narrador hace de intermediario
entre el escritor y el lector. La historia que cuenta SIEMPRE es ficción.
La diferencia entre el escritor y el narrador, es que el escritor delega la responsabilidad
en el narrador, el escritor está fuera de la narración, mientras que el narrador se
encuentra dentro del texto. Dentro de la narrativa hay dos grandes géneros: RELATOS
BREVES (Cuentos y fábulas) y RELATOS EXTENSOS (Novela y epopeya) Hoy veremos la
diferencia entre CUENTO Y NOVELA.
EL CUENTO tiene dos características esenciales: UNILINEALIDAD es decir, una espina
dorsal única e indivisible y tiene, también, UNIDAD DE ASUNTO.
Estas dos primeras leyes estructurales lo aparatan o alejan de la novela.
LA NOVELA cuanto más extensa es admite cualquier tipo de estructura, cualquier
objetivo que se le ocurra al novelista.
El cuento, por su pequeño espacio-temporal, exige precisión, armonía, exactitud. Lo
principal es el suceso y adonde nos conduce. Suceso único y hermético. Junto con las dos
características principales mencionadas anteriormente, hay que señalar una más: SU
UNIDAD FUNCIONAL. Hay muchas novelas a las que se les puede desgajar fragmentos,
diálogos, capítulos y hasta personajes y no pierden nada con ello. Esto es irrealizable en un
cuento auténtico. El cuento auténtico es concluido simultáneamente por el lector y el
autor. Requiere preparar el final previamente para que termine, a ser posible, con el lector
revelándolo como si lo hubiera escrito él mismo. En resumen, si tenéis una historia que
contar y un mundo que reflejar en un corto espacio, esta es vuestra ventaje y desventaja,
El hecho de escribir pocas páginas obliga a seleccionar lo que se escribe, narrando sólo lo
indispensable para el cuento.
El como un iceberg, del cual solo se ve una mínima parte, pero esconde mucho más que
queda invisible.
En palabras de Edgar A. Poe: El cuento se caracteriza por la unidad de impresión que
produce en el lector; puede ser leído de una sola sentada; cada palabra contribuye al
efecto que el escritor previamente se ha propuesto. Este efecto debe ya prepararse
desde la primera frase y graduarse hasta el final. Cuando llega a su punto culminante, el
cuento debe terminar y sólo deben aparecer personajes que sean esenciales para provocar
el efecto deseado.
CÓMO CREAR UN CUENTO
Vamos a destacar los pasos más importantes al escribir un cuento:
SELECCIÓN: Entre todos los datos que tenemos en la mente es necesario que hagamos
una selección. "La regla de oro del arte literario es OMITIR" Stevenson.
ÚNICA HISTORIA: El cuento implica unidad, intensidad y originalidad. Un único tema
concentrado, tenemos poco espacio y cada palabra debe darnos un dato.
TENSIÓN INTERNA: De los acontecimientos. Tenemos que conseguir que el lector se
pregunte qué sucederá a continuación, dosificando la información.
Los hechos fortuitos si no estuvieran atados a los acontecimientos del cuento, sobran.
VISIÓN DE CONJUNTO: Una visión de conjunto nos ayudará a seleccionar los
acontecimientos que van a conducirnos al desenlace final. Debemos disponerlos en el
sentido que más convenga a la trama.
- ¿Qué punto de vista conviene al desarrollo? Debe ser el narrado protagonista y hablar
en primera persona, o testigo y narrarlo en tercera. Si es omnisciente o es un narrador
observador.
- ¿Qué tiempo necesita la trama? El presente en que la historia está sucediendo mientras
se narra, o que el narrador lo cuente desde el pasado, conozca la historia y haya sido
testigo de los acontecimientos.
- ¿Desde dónde se debe comenzar el relato? Desde el principio de la historia, in media
res, o que camine una parte en presente y otra en pasado.
PREFIGURACIÓN: Nos prepara sin saberlo para el final. Nos insinúa lo que va a suceder
pero escatimando el desenlace. Son pequeños hilos que el escritor tira por delante.
REITERACIÓN: Fomenta la unidad porque nos lleva de una lado a otro del cuento. Una
idea repetida, recordada, sirve de unión entre párrafos. Dos procedimientos son la
ANÁFORA y la CATÁFORA.
VEROSIMILITUD: es necesario detallar con precisión cada escena, para crear en el
cuento un marco espacio-temporal reconocible. Debemos convencer que la trama es
verosímil.
Debemos emplear los sustantivos más precisos, y el adjetivo que verdaderamente
califique, que nos dé una idea concreta y original. Cuando los sustantivos y adjetivos no nos
sirven para definir con exactitud, existe la metáfora, y las comparaciones. (Escribimos
muchas veces "flor" en lugar de hortensia o crisantemo)
MOSTRAR en vez de decir. "los buenos escritores pueden decir casi todo lo que tiene
lugar en la ficción que escriben, salvo los sentimientos de los personajes" (Gardner) Los
sentimientos no hay que escribirlos, sino que deben ser mostrados mediante acciones. El
sentimiento debe despertarse, no definirlo.
PUNTOS DE VISTA:
NARRADO OMNISCIENTE: Este es el tipo de narrador Dios en el microcosmos de la
acción que se cuenta. Lo sabe todo: el principio y el final, lo que sienten los personajes,
piensan o hacen, lo que deberían haber hecho y no hicieron, lo que soñaron y no recuerda.
NARRADOR OBSERVADOR O CÁMARA CINEMATOGRÁFICA: Se limita a narrar lo que
HACEN los personajes y cuenta sólo lo que de ellos percibe con los sentidos; como si una
cámara desinteresada captara la acción.
A diferencia del narrador omnisciente éste es objetivo. Podrá tener conocimiento de los
actos de los personajes, pero nunca podrá penetrar en su mente. No entra en
interioridades de los personajes.
Obviamente es mucho más difícil y más profesional este segundo narrador, pues no puede
manipular los acontecimientos ni los personajes, dejando al propio lector que juzgue a
partir de los datos que le proporciona.
NARRADOR OBJETIVO:
Ya hemos visto y asimilado a los dos tipos de narrador objetivo (Omnisciente y
Observador) narradores que desde fuera de la trama, el escritor los utiliza para
mostrarnos el ambiente, los personajes o cualquier otro detalle que sea de interés para el
lector.
Son OBJETIVOS porque no participan directamente en la trama de la narración, son
ajenos y todo lo ven desde fuera.
Nos ofrecen su PUNTO DE VISTA desde fuera y por eso utilizan siempre la tercera
persona.

NARRADOR SUBJETIVO:
El narrador subjetivo es aquel que nos narra parte de los acontecimientos tal y como ellos
lo ven, pero son parte de la historia.
Pueden ser NARRADOR PROTAGONISTA o NARRADOR TESTIGO.
Este tipo de narración la hacemos todos los días cuando hablamos de nosotros o de otros,
es el punto de visto del acontecer diario.
Cuando contamos a nuestro cónyuge algo que ha hecho nuestro hijo estamos narrando
como testigos, pero con la subjetividad que nos aporta el cariño que tenemos por nuestro
hijo.
Cuando contamos a nuestra amiga la discusión que hemos tenido con nuestro marido,
estamos actuando como narrador protagonista, pero con la subjetividad de mezclar los
hechos con la rabia que nos ha producido la discusión.
La diferenciación clara entre NARRADOR OBJETIVO Y SUBJETIVO es que el primero es
una especie de fedatario público, sólo nos da el punto de vista sin involucrase en los
hechos, mientras que el subjetivo es parte de esos hechos, bien como protagonista o bien
como testigo.
Vamos a aprovechar ésta y la próxima lección para a la vez que hablamos del narrador
subjetivo, ir acercándonos a los ESTILOS. Será un juego literario, tomando como base
algunos ejemplos del libro de Raymon Queneau "EJERCICIOS DE ESTILO" Editorial
Cátedra.
EJEMPLOS:
Punto de vista Subjetivo 1º:
No estaba descontento con mi vestimenta, precisamente hoy. Estrenaba un sombrero
nuevo, bastante chulo, y un abrigo que me parecía pero que muy bien. Me encuentro a X
delante de la estación de Saint-lazare, el cual intenta aguarme la fiesta tratando de
demostrarme que el abrigo es muy escotado y que debería añadirle un botón más aunque,
menos mal que no se ha atrevido a meterse con mi gorro.
Poco antes, había reñido de lo lindo a una especie de patán que me empujaba adrede como
un bruto, cada vez que el personal pasaba, al bajar o al subir. Esto ocurría en uno de estos
inmundo autobuses que se llenan de populacho precisamente a las horas en que debo
dignarme a utilizarlos.
Punto de vista subjetivo 2º:
Había hoy en el autobús, a mi lado, en la plataforma, uno de esos mocosos de los que no
abundan, afortunadamente, porque si no, acabaría por matar a uno. Aquél, un muchacho de
unos veintiséis o treinta años, me irritaba especialmente, no tanto a causa de su largo
cuello de pavo desplumado como por la clase de cinta de su sombrero, cinta reducida a una
especie de cordón de color morado. ¡Jo! ¡El muy cabrón! ¡Cómo me cargaba! Como a esa
hora había mucha gente en nuestro autobús, aprovechaba los empujones de costumbre a
las subidas y bajadas para hincarle el codo en las costillas. Acabó por largarse
cobardemente antes de que me decidiera a pisotearle un poco los pinreles para jorobarlo.
También le hubiera dicho, para fastidiarlo, que a su abrigo demasiado escotado le faltaba
un botón.

MONÓLOGOS
Dentro de este tipo de narrador hay una técnica denominada MONÓLOGO INTERIOR que
consiste en que el personaje entrega el relato a vaivenes de la mente y desórdenes del
pensamiento. Estos vaivenes aparecen sin presentación alguna por parte del narrador. De
esta forma, la conciencia del protagonista aparece en pleno funcionamiento, desordenada,
superponiendo unas ideas sobre otras. Esta variedad ha sido inventada por la novelística
actual. Fue DUJARDIN su inventor, quien lo definió así en 1898:
"El monólogo interior, como cualquier monólogo, es un discurso del personaje puesto en
escena, y tiene como fin introducirnos directamente en la vida interior de este personaje
sin que el autor intervenga con explicaciones y comentarios y, como cualquier monólogo, es
un discurso sin oyentes y un discurso no pronunciado; pero se diferencia del monólogo
tradicional por lo siguiente: en cuanto a su materia, es una expresión del pensamiento más
intimo, más próximo al inconsciente; en cuanto a su espíritu, es un discurso anterior a
cualquier organización lógica, y reproduce ese pensamiento en su estado naciente o con
aspecto de recién llegado; en cuanto a su forma, se realiza en frases directas reducido a
un mínimo de sintaxis."
Tal y como Dujardin ha mencionado en su definición, existe también el MONÓLOGO
TRADICIONAL que se diferencia del anterior en que expresa, de forma ordenada y
lógica, sus pensamientos y sentimientos. Lo importante en los dos casos es que ambas
técnicas se caracterizan por expresar lo que el personaje piensa y siente en un diálogo
consigo mismo.
EL LENGUAJE
En este punto se trata de organizar la trama. Todos los hechos tiene que ser
significativos para que el cuento llegue a ser funcional y ágil. Hay que planificar y saber
cómo vas a organizar ese material narrativo con el que cuentas.
No se trata sólo de contar una realidad tal cual sino de dar un tratamiento artístico a esa
realidad. A primera vista puede parecer que se roba espontaneidad al hecho que tú
quieres narrar. Pero esto no es cierto porque un buen relato debe "impresionar" la
sensibilidad, provocar un placer que el argumento por sí solo es incapaz de hacer.
EL LENGUAJE: Para darle tratamiento artístico nos valemos del lenguaje que se concreta
en dos categorías.
Narración: Donde siempre hay un narrador que nos cuenta la historia
Diálogo: Donde cada personaje expresa sus opiniones.
En la narración el elemento que predomina es la acción, interesa más lo que hacen los
personajes que lo que son. Lo que prima en este tipo de escritos es el suceso, quiénes lo
realizan y cómo se desarrolla.
Para conseguir una buena narración hay que tener en cuenta las normas siguientes:
1 - Establecer un orden lógico de los acontecimientos, de modo que se logre una
estructura adecuada
2 - El argumento tiene que girar en torno a una acción central, aunque puedan existir otros
hechos secundarios.
3 - El desarrollo de la acción en escenas requiere la trabazón entre ellas, para lograr
coherencia.
4 - Cada hecho se tiene que nombrar con precisión y propiedad, por lo cual abundarán los
verbos.
5 - La forma verbal que da más actualidad al relato es el presente y la que más de repite
es el pretérito indefinido. También se utiliza el pretérito imperfecto con sentido durativo.
6 - Según el tipo de narración, se emplean: o bien frases breves, para expresar rapidez en
el transcurso de la acción, o bien frases largas, cuando los hechos se desarrollan de modo
pausado y lento.
7 - El valor de la narración se basa en la creación de personajes sicológicamente
coherentes y en acciones interesantes.
8 - Para comenzar es aconsejable que la extensión de la narración sea moderada.
Por lo que se refiere al diálogo, el intercambio oral sostenido entre dos o más
interlocutores es la forma de exposición que predomina en el teatro, aunque también
aparece en relatos y algunas veces en los ensayos. El carácter de los personajes se da a
conocer a través de lo que ellos mismos dicen, y el autor no tiene que manifestarse, por
tanto, de un modo omnisciente.
Abordaremos el diálogo en el siguiente taller.
TIPOS DE DIÁLOGO:
Estilo directo:
Se expresa literalmente lo que los interlocutores dicen:
Juan me pregunto: "¿Dónde estás en este momento?"
Estilo indirecto:
Alguien cuenta lo que otros dicen. La expresión experimenta una serie de cambios, aparece
un nexo en lugar de los dos puntos y la forma verbal cambia. Este estilo resulta menos vivo
y auténtico:
Juan me preguntó que dónde estaba yo en ese momento.
Estilo directo libre:
Lo que alguien piensa o dice se reproduce como una frase independiente. No existe el
nexo, ni el verbo que introduce la frase:
El muchacho soñaba despierto, iré de viaje de fin de curso.
Estilo indirecto libre:
Exactamente igual que el anterior, pero, en este caso, la persona en que está el verbo de
esa frase independiente es la tercera:
El muchacho soñaba despierto, iría al viaje de fin de curso.
El estilo indirecto libre es una de las grandes aportaciones de Flaubert a la técnica
literaria. Por medio de ella intenta que la narración sea más objetiva para apartarse de la
manipulación del narrador omnisciente propio de la época. El gran novelista francés
escribía: "El artista debe estar en su obra como Dios en la Creación, invisible y
todopoderoso, de tal manera que se sienta en todo, pero que no se le vea."
Sus características son:
- Aligera la narración al eliminar algunos elementos gramaticales (El verbo introductor y la
conjunción "que")
- Permite una penetración del punto de vista del autor en lo que el personaje dice o piensa.
Es como si lo conociera íntimamente, como si el personaje y el narrador se fundieran en
una sola persona.
- Es más verosímil. El lector percibe aquello con mayor "verdad"
El estilo indirecto libre significó el primer paso de la novela para narrar directamente el
proceso mental, para describir la intimidad, no por sus manifestaciones exteriores (actos
o palabras) a través de la interpretación de un narrador o un monólogo oral, sino
presentándola mediante una escritura que parecía domiciliar al lector en el centro de la
subjetividad del personaje. - Vargas Llosa.
Recursos estilísticos del diálogo:
Utilización de frases cortas, abundancia de interrogaciones y exclamaciones, repetición
de palabras... Especialmente si se tarta de un diálogo en forma coloquial.
Puede haber novelas enteramente dialogadas, algunos las llaman dramáticas. Podemos
hallar también novelas sin diálogo, son novelas de tipo impresionista que se acercan
extraordinariamente a la poesía. Dejando a un lado los casos extremos, lo más común es
que la novela consista en una combinación equilibrada entre narración y diálogo.
Hay que tener en cuenta, por un lado, que el lenguaje del narrador debe adecuarse a su
personalidad. Igual que el lenguaje del diálogo deberá ser consecuente con el personaje.
Por otro lado, tanto el diálogo como la narración tienen que ajustarse al ritmo de la acción.
No tiene que usarse porque sí, tiene que tener su razón de ser. En el transcurso de la
acción pueden aparecer muchas acciones seguidas (narración), esto, es exceso, puede
restar espontaneidad y, todo lo contrario, si se establece un diálogo no necesario entre
varios personajes en el que la información es abundante, también puede ser un peso
muerto. Por eso a la hora de utilizar un diálogo hay que saber muy bien cuándo y en qué
momento, para que esa escena viva e inmediata ofrezca al lector sensación de realidad.
El diálogo se puede utilizar:
- Para retomar acontecimientos que están desparramados a lo largo de la trama y hacer
una apretada síntesis de ellos.
- Para dar a conocer un hecho pasado del que no se ha dicho nada y que interesa para
aclarar algo o para continuar la trama
- Cuando queremos captar la atención del lector sobre algún personaje o algún tema a
través de pistas, advertencias, promesas...
- Para meter al lector, de lleno, en la historia, utilizando voces características con lo que
se consigue ampliar la ambientación sin necesidad de describir nada.
- Con un diálogo, quizás se consigue mejor que el lector se emocione.
ESTRUCTURA ABIERTA – ESTRUCTURA CERRADA:
De entrada, para empezar a concebir un relato, tenemos dos posibilidades. Puedes
preverlo desde ahora mismo, haciendo un esquema de lo que vas a escribir y el orden en
que vas a escribirlo, algo así como los “planos” de una casa. para ello, puedes pensar: Cómo
empiezo, cómo voy desenvolviendo esa situación inicial y por último, cómo cabo, de qué
manera cierro definitivamente ese proceso. Estas narraciones con esquema previo, que
desarrollan historias que comienzan, se extienden y concluyen, entran dentro de lo que los
especialistas llaman: estructura cerrada.
Pero tienes otra opción, la estructura abierta. Aquí no hay exposición, desarrollo y
desenlace como tales, los hechos no se cierran con un final que les dé sentido.
EL MONTAJE:
Una historia puede estar dividida en capítulos, o puede ser toda ella un gran capítulo. Los
capítulos son unidades de lectura, unidades de intención, así como, unidades rítmicas. Si
desmontamos el capítulo en unidades más pequeñas, nos encontramos con lo que vamos a
llamar “secuencias”. En una secuencia coinciden los tres componentes básicos narrativos:
personajes, espacio y tiempo. Cuando uno de estos tres componentes varía, se da el cambio
de secuencia.
El cambio de capítulo se visualiza en una narración con el salto de página, la más de las
veces numerándolos en orden de su desarrollo. El cambio de secuencia se visualiza
separando los párrafos con una mayor distancia o colocando entre ellos varios asteriscos *
**
EL ORDEN:
La estructura puede seguir el desarrollo de la anécdota o no. Puedes empezar a contar la
historia a partir de un momento cumbre y luego, adelantar o atrasar acontecimientos. Pero
no tienes por qué seguir la cronología de los hechos. A veces, por efectismo, por aclarar
unas cosas, para iluminar otras..., conviene avanzar acciones posteriores o adelantar datos
al final.
El hecho de comenzar una historia desde la mitad de la acción recibe el nombre de “in
media res”
Si la historia sigue el desarrollo de los hechos de forma cronológica estamos ante una
estructura “lineal” de la acción.
Si, por el contrario, se adelantan y se retrasan acontecimientos dentro de una misma
historia, la estructura será “no lineal” o “discontinua”. Esto es frecuente en la novela
policíaca. Empezar por el crimen y luego ir reconstruyendo toda la acción, hasta ese
momento. O bien a partir de ese momento cumbre, y seguir la narración en un doble
sentido: Uno de reconstrucción hacia atrás con el análisis de las causas, la personalidad de
los asesinos... Y otra narración hacia delante con la huida, reacciones, acción de la justicia.
LA IMPORTANCIA DEL DIÁLOGO
Veíamos anteriormente la importancia que tiene el: MOSTRAR EN LUGAR DE NARRAR:
"los buenos escritores pueden decir casi todo lo que tiene lugar en la ficción que escribe,
salvo los sentimientos de los personajes" Esta cita de Gardner nos parece fundamental
porque los sentimientos NO hay de decirlos, sino que deben ser mostrados mediante
acciones.
EL SENTIMIENTO DEBE DESPERTARSE NO DEFINIRLO
Un buen relato debe "impresionar" la sensibilidad, provocar un placer que el argumento por
sí solo es incapaz de hacer.
El carácter de los personajes se da a conocer a través de lo que ellos mismos dicen, y el
autor no tiene que manifestarse, por tanto, de un modo omnisciente.
"El artista debe estar en su obra como Dios en la Creación, invisible y todopoderoso, de
tal manera que se sienta en todo, pero que no se le vea." Flaubert
EL DIÁLOGO SE PUEDE UTILIZAR:
Para retomar acontecimientos que están desparramados a lo largo de la trama y hacer una
apretada síntesis de ellos.
Para dar a conocer un hecho pasado del que no se ha dicho nada y que interesa para
aclarar algo o para continuar la trama
Para captar la atención del lector sobre algún personaje o algún tema a través de pistas,
advertencias, promesas...
Para meter al lector, de lleno, en la historia, utilizando voces características con lo que se
consigue ampliar la ambientación sin necesidad de describir nada.
Para que el lector se emocione.
Tanto el diálogo como la narración tienen que ajustarse al ritmo de la acción. No tiene que
usarse porque sí, tiene que tener su razón de ser. En el transcurso de la acción pueden
aparecer muchas acciones seguidas (narración), esto, es exceso, puede restar
espontaneidad.
El lenguaje del narrador debe adecuarse a su personalidad. Igual que el lenguaje del
diálogo deberá ser consecuente con el personaje.
Lo más común es que la novela consista en una combinación equilibrada entre narración y
diálogo.
EL TIEMPO
Este es un punto relevante dentro del relato, A la hora de escribir uno, es necesario
concretar el tiempo en el que sucede la acción. Para esto tenemos que ver en cuántos años
sucede la anécdota, en qué periodo de la historia ocurre y cómo se indica el paso del
tiempo. Además, analizaremos el tiempo verbal que se puede emplear al narrar, así como la
visión objetiva o subjetiva que se da del tiempo.
Un relato lo puedes plantear como una seria de hechos que ocurren a lo largo de la vida de
dos o tres generaciones de personas, o bien como sucesos ocurridos en unos días o en unas
horas. Suponiendo que en ambos casos la extensión sea aproximadamente la misma, habrá
gran desproporción entre e tiempo que pasa y las páginas que dedicas a narrarlo.
En el primer caso, el modo de indicar al lector los grandes saltos temporales, en periodos
tan largos, puede ser a través de fechas, de personajes que crecen o envejecen, de
ciudades o casas modificadas por el tiempo, etc. Para narrar periodos largos no serán
necesarias descripciones extensas ni explicaciones concisas, se dará importancia sobre
todo al paso del tiempo.
TIEMPO OBJETIVO Y TIEMPO SUBJETIVO
Tiempo objetivo es el que marcan el reloj y los calendarios. El tiempo subjetivo, por el
contrario, se define como al sensación que de ese tiempo tienen los personajes (horas que
se hacen eternas, o días que pasan como un soplo) Por lo tanto, existe un tiempo lógico
pero el escritor, de acuerdo con las necesidades del relato, lo fragmenta, lo tergiversa, lo
transforma. Así, en una narración, un lunes no necesariamente sigue a un domingo, ni 1992
a 1991. De hecho, hay novelas que comienzan en un periodo actual y terminan en un pasado
remoto; respuestas que llegan antes que la carta o novelas como Crónica de una muerte
anunciada de Gabriel García Márquez, donde el lector conoce el final desde el principio. En
un relato se pueden suceder años, siglos, en pocas páginas, y un minuto puede durar
muchas horas de lectura.
Sabemos, pues, que existe el tiempo objetivo, el del reloj y los calendarios, pero
escribimos según el tiempo subjetivo, el que exige el relato.
Entonces, la conexión entre tiempo objetivo y el subjetivo puede operarse mediante:
INVERSIONES: Acontecimientos relatados antes que otros que son anteriores; por
ejemplo, el clásico cadáver con el que empiezan las novelas policiales, y luego el crimen.
HISTORIAS ENGARZADAS: Se interrumpe el orden de una historia para narrar otra. Ej.
Las mil y una noche.
ESCAMOTEO: Cuando se omiten años anteros en la vida de un personaje.
RESUMEN: Cuando en una página se resume un largo período de una vida.
ANÁLISIS: La escritura es más vasta en el tiempo que en la historia narrada.
REPETICIÓN: Coincide con la visión plural del narrador, es cuando una historia es contada
varias veces.
En la narración del XIX, para expresar este tiempo subjetivo, se utilizaban fórmulas
como: "El minuto de espera se me hizo un siglo". En la narración actual se amontonan en un
periodo muy corto una serie de vivencias, recuerdos, deseos,... que realmente parece que
pasa un siglo respecto a lo que va a ocurrir a continuación.
Con la técnica del monólogo interior se consigue esto, a través de la superposición de
planos temporales: el autor habla, sin casi distinguirlos, de recuerdos del pasado,
proyectos para el porvenir, de sucesos presentes que se entienden gracias a hechos
pasados,...
A la hora de escoger uno u otro tiempo, no se puede dejar la elección al azar, sino que
depende del punto de vista y de la estructura escogidos. Por ejemplo: No tiene sentido una
visión objetiva del tiempo en un monólogo interior. Ni es compatible una estructura
totalmente lineal con la visión subjetiva. Es decir, si tu narrador es omnisciente y la
estructura es lineal, el tiempo será más objetivo.
Pero esto no quiere decir que en algún momento y en boca de algún personaje no aparezca
el tiempo subjetivo.
VELOCIDAD NARRATIVA
Existen diferentes técnicas para detener el tiempo y para hacer que pase más rápido.
Para detener el tiempo la literatura adopta las técnicas propias del cine:
· A través de sueños, recuerdos..., de los personajes (en el cine esto se concreta en una
imagen borrosa)
· La cámara capta paisajes que a veces no tienen nada que ver con la narración sino con los
estados de ánimo de los personajes.
Estos dos sistemas son practicables en la literatura. En el primer caso se utiliza el
monólogo interior, aunque no es el único modo de hacerlo; el recuerdo de un personaje
detiene la acción (gramaticalmente esto se concreta en frase larga y subordinada). En el
segundo caso se conseguirá detener el tiempo a través de la descripción de paisajes
relacionados con el estado de ánimo del personaje.
Hay que tener cuidado a la hora de utilizar estos paros temporales. El exceso puede dar
una sensación, no pretendida, de lentitud.
Para conseguir rapidez en el paso del tiempo de la narración las descripciones serán
mínimas y sólo interesará narrar acciones una detrás de otra sin muchos detalles
(gramaticalmente se construye con frases breves y coordinadas)
RECAPITULACIÓN:
· Respetar el orden lógico en el desarrollo del relato; (mañana-tarde-noche; primavera-
verano-otoño-invierno; infancia-adolescencia-adultez-ancianidad: lunes-martes...) e imitar
el orden cotidiano suele producir relatos mediocres: ya sabemos que lo conocido por todos
pasa desapercibido para el lector.
· La utilización de los diferentes tiempos verbales hace que el narrador se coloque en una
u otra posición temporal y desde ahí narre. Puede narrar en pasado los sucesos pasados;
puede predecir valiéndose indistintamente del presente (Por ejemplo, la narración de un
sueño), del futuro (Por ejemplo, una profecía) o del pasado (el desenlace de la narración de
cuenta al principio);o puede, la narración, ser contemporánea a lo que ocurre.
· Evitar las discordancias internas entre los datos temporales, hacer creíble la historia y
potenciar la narración es lo que conseguiremos sin controlamos bien los aspectos referidos
al tiempo.
· Emplear la prospección (Adelantar acontecimiento) para crear suspense; la retrospección
(Volver atrás) a través de la narración directa o mediante cartas, confesiones, diálogo,
etc., para aclarar un incidente o una reacción de un personaje; la aceleración, es decir
dedicar un fragmento breve del texto a un periodo extenso en la vida del personaje o de
la historia narrada, para economizar lenguaje; y la desaceleración, esto es, dedicar un
fragmento largo del texto a un periodo breve, para explorar un punto clave.
EL ESPACIO
El espacio es uno de los componentes esenciales de cualquier relato. Debe ser creíble,
coherente con el resto de los elementos, necesario, significativo y no tópico. Por ello, a la
hora de describir el espacio narrativo, hay que tener en cuenta dónde se desarrolla la
acción, en qué época se sitúa y qué personajes forman parte de ella.
"Ciertos lugares hablan con su propia voz, ciertos jardines sombríos piden, a gritos, un
asesinato; ciertas mansiones ruinosas piden, fantasmas; ciertas costas, naufragios."
Roberte L. Stevenson.
Describir con eficacia un espacio es hacerlo de un modo equilibrado. Se describe todo
aquello que el lector necesita para comprender la historia: ni elementos de menos, ni
elementos de más. Es decir, si se habla de un mundo especial en el que todo es diferente,
y no se describe lo especial ni lo diferente, el relato carecerá de fuerza. Pero si se
describe indiscriminada y minuciosamente aquello que no modifica los hechos, lo
prescindible, se desvía la atención del centro principal, en lugar de potenciarlo. Por
ejemplo, si lo importante de un ambiente que rodea al personaje es una frutera de
porcelana ajada, ¿Por qué describir también la mesa, las sillas y las frutas que completan
el ambiente, pero no "cuentan"?
La descripción del lugar debe ser precisa, tanto si se lo define como si se lo insinúa.
Debemos evitar que el lector no entienda en qué lugar ocurren los hechos o quién es el
personaje citado.
"La vista de un trigal soplado por el viento nos crea expectativas muy diferentes de las
que nos crea la vista de un callejón tenebroso en un suburbio. Por asociar cosas con
emociones ese trigal, ese callejón nos afectan como símbolos. Nos sugieren acciones
posibles nos preparan para oír cuentos alegres o lúgubres. Bien, la función más efectiva
del marco espacio-temporal de un cuento es la de convencernos de que su acción es
probable. Un personaje que anda por sitios determinados y reacciona ante conflictos
característicos de un periodo histórico es inmediatamente reconocible. Lo paradójico es
que si el sitio y el periodo, por auténticos que sean, están en el cuento como mero fondo,
pueden trastocarse por otros sitios y periodos sin que disminuya la intensidad vital del
personaje o la singularidad de una aventura." Enrique Anderson Imbert.
Los espacios pueden ser de muchas clases, interiores, exteriores, imaginarios, mágicos...
El elegir uno u otro dependerá del tema y del tipo de relato que se vaya a escribir.
En general, estos lugares donde se desarrolla la acción pueden ser tratados de forma
objetiva o de forma subjetiva. Con esto conseguiremos siempre que el lector "sienta" y
"vea" ese espacio como real. Pero un espacio no real (imaginario) si lo hacemos desde un
punto de vista objetivo.
Por otro lado, describir subjetivamente un espacio es presentarlo tal y como lo ve el
personaje, en función de su situación afectiva y personal.
Quizá el aspecto más íntimamente relacionado con el espacio sea el tiempo. Tiempo y
espacio son complementarios. La fijación del tiempo de la novela condiciona de una forma
directa e inmediata el tipo y la descripción del espacio que has de realizar. El tratamiento
objetivo del tiempo implica algo similar en el espacio. Y sobre todo esta implicación se
hace inseparable en las concepciones básicas de tiempo y espacio. La concepción mítica del
tiempo leva de inmediato a los espacios sagrados y rituales; el tiempo cíclico requiere
espacios cerrados donde desarrollarse, etc.
Otro elemento a tener en cuenta al elegir el tipo básico de espacio es el personaje. Si el
protagonista es un enfermizo, propenso a dejarse influir por toda clase de elementos,
observador, intimista..., parece que el espacio subjetivo se adecuaría a su forma de ser; o
lo contrario con un tipo de carácter opuesto.
Es decir, no puedes pensar cada elemento de tu relato por separado. Tu obra será una
unidad y al escoger un elemento tienes que tener en cuenta todos los anteriores ya
elegidos, y saber que te está condicionando los siguientes que aún quedan por ver.
En novelas de tipo irracional o filosófico, encontramos espacios no de la realidad, sino de
la mente y el inconsciente: el espacio circular expresando al idea de confinamiento, de
encierro; la isla, con valores similares; el sótano, en el que el hombre puede evocar los
pozos más profundos de sí mismo... O tal vez la búsqueda de espacios abiertos como
reflejo psíquico de una acuciante claustrofobia...
Si, como hemos dicho, un espacio tiene que resultar verosímil es imprescindible que su
descripción sea tan eficaz que "haga ver" al lector un objeto, un paisaje... Y que le "haga
sentir" una experiencia, una emoción, un sentimiento de quien describe.
El tono, más objetivo o más subjetivo, de nuestros escritos descriptivos (o de los trozos
descriptivos que deben aparecer en nuestros escritos) no puede ser predicho: depende del
tema, de la ocasión, del objeto descriptible...
Como en todo escrito, los extremos viciosos son la sequedad y el énfasis desproporcionado
con lo que se quiere describir.
Sin caer en la sequedad, conviene que un principiante reprima o, por lo menos, controle
bien sus impulsos subjetivos. Primero hay que aprender a dibujar; después, quien sea
pintor, podrá pintar.
La descripción hace más lenta la acción de los relatos literarios, lo cual disgusta a los
lectores interesados por la acción narrada. Y, sin embargo, es al describir cuando el
escritos se esfuerza más en el estilo.
En la novela moderna, las descripciones suelen ser breves y, en general, están al servicio
de los sucesos que se relatan, para que podamos reconstruir estos en nuestra mente con
mayor plasticidad.
RECAPITULACIÓN
· Comprueba si el espacio descrito es realmente imprescindible. No utilices lugares ni
detalles que parezcan bonitos, pero que sobren en el relato. Por lo tanto no se debe
convertir un texto en un folleto turístico.
· En ocasiones, a través de la descripción del espacio, intentaremos sugerir estados de
ánimo del personaje.
· La descripción debe generar dinamismo a la narración.
· Conviene indicar el paso del tiempo al abarcar en la narración diferentes espacios.
· No es recomendable desarrollar descripciones demasiado extensas y detalladas que
creen un clima monótono.
· No se debe interrumpir el avance de la acción con la descripción de un lugar innecesario
para el desarrollo de los hechos: no detener la narración con la descripción minuciosa que
puede hacer perder el hilo al lector.
· En cuanto a la vinculación entre personaje y la situación, no debemos "olvidar" la
presencia del sujeto. No es efectivo desarrollar la situación dejando al margen a dicho
sujeto. No podemos perdernos en la contemplación de lo que rodea al sujeto, sino que
debemos captar las resonancias que provoca o no provoca en él.
LOS PERSONAJES
Los personajes dan sentido a todos los demás aspectos que conforman la novela. Para
llegar a crear un ser ficticio, pero que resulte verosímil, tendremos en cuenta los
siguientes aspectos:
-INTERVENCIÓN DEL PERSONAJE:
En este apartado vamos a descubrir de dónde surgen los personajes que pueblan el espacio
narrativo. Diferenciaremos tres tipos:
1º - Personaje simbólico: Es la expresión de una realidad abstracta como paz,
fraternidad,... Interesa por el valor que encarna, no por su propia personalidad.
2º - Personaje copia de autor: Puede ser una reproducción fidedigna de su autor en los
aspectos sicológicos e ideológicos. También puede ser reproductor sólo de algunos rasgos
del autor, lo que implica mayor elaboración por parte del novelista. Además puede ser lo
que no es el autor y más o menos secretamente ambiciona.
3º - Personaje de la realidad externa: Puede ser la reproducción fotográfica de un ser
real. O puede ser creado a partir de sólo unos rasgos que se toman del modelo.
-DESCRIPCIÓN DEL PERSONAJE:
La descripción de tu personaje puede ser interior o exterior:
1º - Físicamente, su exterior: estatura, complexión, forma de la cabeza y de la cara, nariz,
ojos,... Recibe el nombre de prosopografía.
2º - Interiormente: Qué piensa, cómo reaccionan, cuáles son sus sentimientos,... Este tipo
de descripción se denomina etopeya.
3º - Ambas, física y moral a la vez, lo conocemos como retrato.
El atuendo o vestuario puede ser en sí mismo caracterizador del personaje, indicio de un
grupo social, incluso de una manera o modo de pensar. La descripción de la vestimenta
puede desvelar la sicología de los personajes.
La descripción totalmente objetiva de una persona queda reducida a una medidas y poco
más (datos cuantitativos) y aún estos datos suponen la elección de unos elementos y
aspectos que los intereses o la intención deciden con el rechazo consiguiente de otros
muchos. Describir a una persona es limitarla. Además, casi siempre se da una impresión
más o menos subjetiva de los rasgos característicos; la perspectiva del autor, la intención
y finalidad colorean la realidad observada dando sugerencias, matices, valoraciones, de
forma que los tres tipos anteriores de descripción de personas se amplían
considerablemente. Por ejemplo, la descripción física puede hacerse desde una posición
objetiva o subjetiva, con intencionalidad admirativa, despreciativa, irónica,...
Una regla que vale para todas las descripciones es ésta: hay que describir con exactitud y
vivacidad los detalles. Pero no todos los detalles poseen igual valor; importan sólo aquellos
que son característicos del individuo retratado. Esto significa que la simple acumulación
de detalles no constituye un buen retrato; por el contrario, puede hacerlo enojoso y
prolijo. Hay que seleccionar, pues los rasgos definidores. La minuciosidad, al querer
decirlo todo suele producir malos resultados. Y esta norma es aplicable a cualquier clase
de escritor: sepamos suprimir radicalmente todo aquello que carece de significado
especial para nuestro objetivo y que no enriquece el desarrollo del tema, aunque nos duela
y nos halla costado esfuerzo "inventarlo".
EL NOMBRE DEL PERSONAJE
Es muy importante a la hora de crear uno. Delimita a la persona que lo lleva, la identifica
ya demás, su frecuencia y su fonética nos lo hace asociar a diferentes cosas. Con su
elección le estás comunicando al lector no sólo si tu personaje es hombre o mujer, sino de
qué país viene, en qué época vive, a qué clase social pertenece, o qué corriente de antipatía
o simpatía se pretende establecer con él.
Dentro de una posible clasificación de nombres podemos destacar éstos:
1º - Convencionales: Nombres propios de un determinado género.
2º - Simbólicos: Estos nombres señalan una determinada característica sicológica, moral o
social del personaje.
Pero también cabe la posibilidad de dejar a tu personaje innominado, bien porque
queremos desconocer su nombre, bien porque lo nombraremos con uno común (apodo) que
sustituye al posible nombre propio, bien porque, sabiendo cómo se llama, decidamos
ocultárselo a los lectores.
-PERSONAJES PLANOS O REDONDOS:
Los personajes de un relato pueden seguir uno de estos modelos:
1º - Un personaje difícil de decidir, contradictorio a veces, que vamos conociéndolo con
lentitud,... se denomina personaje REDONDO
2º - Un personaje repite invariablemente un esquema de comportamiento, actúa siempre
igual y por eso, es imposible que nos sorprenda. Así se define un personaje PLANO
-PRESENTACIÓN DEL PERSONAJE:
Aunque parezca una nimiedad es relevante la forma en que un personaje aparece en escena
por primera vez. El momento en que un escritor decide comunicar el lector el nombre del
personaje constituye un recurso literario por sí mismo. Por lo tanto, hay que tener en
cuenta cuándo nombrar al personaje, quién lo nombra y cómo se presenta.
Se puede nombrar antes de iniciarse la narración, en le título mismo, indicando que es
precisamente el meollo de la historia. Si no se puede nombrar al principio de ésta. En
ocasiones, nos servimos de la ocultación temporal del nombre como elemento de suspense
y con la intención de sorprender al lector. Esa ocultación puede venir dada por el narrador
o un personaje que lo nombra antes de aparecer, creando aún más expectación en torno a
él.
La forma de presentar al personaje no sólo puede ser nombrándolo sino que se le puede
presentar actuando: son sus actos y comportamientos los que van definiéndolo. Esto
produce una mayor sensación de realidad, de no manipulación el personaje.
Otra posibilidad es que el narrador haga un retrato físico, psíquico, global del personaje.
Esto nos condiciona en nuestra relación con él, aunque el nivel de condicionamiento variará
en función del tipo de narrador.
-RELACIÓN PERSONAJE-NARRADOR:
El punto de vista condiciona la visión que el lector obtiene del personaje. Efectivamente,
un narrador omnisciente redondeará más a los personajes que un observador y un narrador
protagonista tendrá más claves sobre los personajes que las que pueda tener un narrador
testigo.
Esto no quiere decir que haya puntos de vista mejores para crear personajes, sino que un
enfoque narrativo determinará distintas aproximaciones.

CURSO DE GUITARRA

Introducción:

Hola, he querido escribir este curso para transmitirle mi poco conocimiento sobre la guitarra pero que de
seguro servirá de mucho, explicando cosas básicas que todo guitarrista debe saber.
Este curso te ayudara a mejorar tus capacidades frente a la guitarra y ampliar tus conocimientos sobre
ella ,pero que con solo leerla no creas que vas a ser el mejor, mucha práctica, por lo menos una hora diaria, y
no quedarse quieto seguir estudiando, buscar información, muchos ejercicios en ambas manos y buen
dominio.
A la guitarra hay que entenderla, quererla, tratarla como si fuese su pareja. de hecho es su pareja, juntos
harán cosas maravillosas; como si fuese algo hermoso y amado, tratando de expresar en ella tu estado de
ánimo, así habrás logrado uno de los objetivos de la música; lo demás es trabajo y estudio.
QUERER ES PODER si en serio quieres aprender yo se que podrás, intenta, practica mucho y mucha
paciencia, así te digan que eres malo, no te aflijas: TÚ PUEDES.

NIVEL BÁSICO

1. EJERCITANDO LA MANOS

Es importante aprender a movilizar muy bien los dedos de las manos tanto la izquierda (que es que va en el
diapasón si eres diestro, si eres zurdo entonces es lo contrario) como la mano derecha.

El primer ejercicio que te propongo es independizar los dedos, hay una muy manera sencilla estirar todos los
dedos y empezar a bajar uno por uno sin que los demás dedos se muevan, dejándolos en la posición inicial
repite con ambas manos.
Este ejercicio ya es con la guitarra. Practícalo muy lentamente y a medida que vayas soltando incrementa la
velocidad hasta que suene completamente bien.
1. Toma firmemente la púa con la mano derecha o sin púa con los dedos sueltos e independientes.
2. lo que debemos hacer ahora es lo siguiente colocaremos con la yema del dedo Índice en el primer traste
de la guitarra e ir colocando sucesivamente dedo medio en el segundo traste, anular en el tercero, meñique
en el cuarto; al lado de las barras de metal.

......---\
Mi 1ra. ||---------|---------|---------|---------|---------|-------
Si 2da. ||---------|---------|---------|---------|---------|-------
Sol 3ra.||---------|---------|---------|---------|---------|-------
Re 4ta. ||---------|---------|---------|---------|---------|-------
La 5ta. ||---------|---------|---------|---------|---------|-------
Mi 6ta. ||--------@|---------|---------|---------|---------|-------
......___/

Donde te marque con la arroba, es donde debes poner el dedo. Si bajas el pulgar y arqueas un poco la mano
izquierda los ejercicios saldrán más fácilmente. Los números indican el traste en el cual debes colocar el
dedo.
----------------------------------------1-2-3-4 > E La Cuerda Mas finita (Primera)
--------------------------------1-2-3-4-------- > E
------------------------1-2-3-4---------------- > G
----------------1-2-3-4------------------------ > D
--------1-2-3-4-------------------------------- > A
1-2-3-4---------------------------------------- > E La Cuerda Mas Gruesa (Sexta)

Esto se debe repetir 5 veces con cada cuerda empezando desde la Sexta hasta la PRIMERA. 1234 -
4321 . . .

Ahora ejercitemos la mano derecha

Con la púa, en la sexta cuerda al aire* la pulsamos hacia abajo y luego hacia arriba, moviendo solo los dedos
que sostienen la púa, repita en todas la cuerdas aumentando y disminuyendo velocidad. (PICKING).
Ahora en la sexta cuerda al aire la golpeo hacia arriba con cada uno de los dedos de la mano derecha
exceptuando el dedo gordo, empieza con el índice y termina con el meñique, y te devuelves, aumenta la
velocidad y haz como si fuera un galopeo de caballos.
Practica los dos ejercicios anteriores pero posicionando con la mano izquierda en diferentes trastes.
Practica los ejercicios anteriores combinándolos con los ejercicios de la mano izquierda
Con el dedo gordo golpeo hacia abajo le sexta cuerda, con el índice hacia arriba la quinta, con el corazón
la cuarta y así sucesivamente.

E--------------------------------------------------------------------------Abajo-Arriba--
B-----------------------------------------------------------Abajo-Arriba-----------------
G--------------------------------------------Abajo-Arriba--------------------------------
D------------------------------Abajo-Arriba----------------------------------------------
A---------------Abajo-Arriba-------------------------------------------------------------
E--Abajo-Arriba-------------------------------------------------------------------------

-*cuerda al aire: significa pulsar sin posicionar en ningún traste (0)

E------------------------
B------------------------
G------------1---------- A tocamos con el anular
D---------2------------- M Tocamos con el medio
A-------2----------------I Tocamos con el indice
E-----0------------------P Tocamos con el pulgar

Practícalo por lo menos 20 minutos diarios mientras sueltas los dedos, siempre hazlo antes de
iniciar a tocar, es como calentamiento hazlo muchas veces hasta que lo consigas perfecto.

2. COMO LEER UNA TABLATURA

Es un tema básico para aprender a tocar las canciones que más nos gustan, ya que en la Internet hay muchas.

www.cifras.com.br........ está en portugués pero igual nos sirve

www.elrinconguitarrista.com
www.lacuerda.net
www.ultimate-guitar.com

E--------------- |----------------------------------------------------------|-------------- > esta es la 1ra cuerda, la mas aguda

B--------------- |----------------------------------------------------------|-------------- >
G---------------|-----------------------------4-----------------------10--|-------------- >
D-----2---------|-------------------------4-----4-------------------9----|--------------->
A-----2---------|----3-----3-----------------------------6------8--------|-------------- >
E-----0---------|-------2-------------------------------------7-----------|-------------- > Esta es la 6ta cuerda

Las letras que están al principio identifican el nombre de las cuerdas y como están afinadas, en este caso E
A D G B E - MI LA RE SOL SI MI..
Como veras hay números, bueno los números dicen los trastes que deberemos apoyar los dedos en esta caso
un E5, que es un acorde y se toca simultaneo.
Si los números están superpuestos quiere decir que se pulsan a la vez, la barra horizontal indica en tiempo o
sea entre cada barra horizontal se debe demorar lo mismo no importa el número de notas que tenga, lo usual
es que venga igual cantidad; pero si vienen más se deben tocar más rápido.
También se deben respetar los tiempos que hay entre las notas en este caso los guiones, si no hay números
quiere decir que no suena nada o queda sonando la última nota según el símbolo que siga después, o debes
conocer la canción.
NOTA: si en la tablatura no aparecen algunas cuerdas, quiere decir que esas cuerdas no se utilizan.
.
Ejemplo:

D---------------------------------------cuarta cuerda
A----------0---0----------2------2----
E-0-0-1-2---2---2-2-1-0---0-0------- sexta cuerda

¿Sabes cual canción es?

3. LAS NOTAS DE LA GUITARRA

Do - Do# - Re - Re# - Mi - Fa - Fa# - Sol - Sol# - La - La# - Si
Do# Re# Fa# Sol# La#
Do (c) Re(d) Mi (e) Fa (f) Sol(g) La (a) Si (b) Do(c)
Reb Mib Solb Lab Sib
CADA COLUMNA INDICA QUE AVANZA EN UN SEMITONO
Entre Do y Do# hay ½ todo de distancia, pero entre Do y Re hay un tono, entre Do y MI
hay 2 tonos entre Do y Fa hay 2 y ½ tonos y a si sucesivamente.
Las notas Mi y Si, no tienen sostenidos (#) o las notas Fa y Do. no tienen bemoles (b), (es
lo mismo como lo quieran llamar sostenidos o bemoles), por que entre Mi y Fa hay ½ tono
de distancia, y lo mismo ocurre entre Si y Do.
NO es lo mismo re# que reb mira la gráfica (entre ellas hay un tono de distancia).
Esas son todas las notas de la guitarra que se repiten después del traste 12
Como vez en la grafica las notas de la guitarra se repiten varias veces eso quiere decir que
la misma nota puede ser más aguda (por ejemplo el Mi de la 1ra cuerda al aire) o más grave
(la ultima cuerda, Mi, al aire)
Podemos escuchar que el (LA) del 5 traste 6 cuerda suena igual que la 5 cuerda al aire esto
es por que se encuentra en la misma octava pero no suena igual que el (LA) de la 4 cuerda
7 traste esto es por que una octava mas arriba pero este último si suena igual al de la 5
cuerda 12 traste o el de la 3 cuerda 2 traste. Prueba con las demás notas y encuentra
similitudes entre ellas.
De esta forma también podemos afinar la guitarra ubicando la 6 cuerda en el 5 traste debe
sonar igual que la 5 al aire, la 3 cuerda en el 4 traste debe sonar igual que la 2 al aire y así
sucesivamente. Mira las notas en la gráfica
Adaptemos la canción anterior a diferentes octavas; como esta en el Mi más grave de la
guitarra solo lo podemos trasladar a octavas más agudas.
Estas dos están en diferentes pociones pero en la misma octava
Busca otras alternativas

(de ahora en adelante las tablaturas que se mostraran vendrán con la afinación estándar, E,A,D,G,B,e)
Una melodía está constituida por una sucesión de sonidos donde cada uno tiene dos parámetros
principales: LA NOTA MUSICAL y LA DURACIÓN (ritmo)..
Para mi pensar es más importante tener en cuenta la duración de la nota y la distancia que hay entre
las notas, q las mismas notas.. Por ejemplo vemos el caso anterior que era un MI, MI, FA, SOL ..
pero por que no podemos hacer un RE, RE, MI, FA#....

4. ACORDES

Un acorde es una sucesión de notas seguidas de una escala que al tocarlas sucesivamente forman un
buen sonido armónico.
Una sucesión de acordes sirve para acompañar una melodía y a esto se le llama Armonía. Una melodía
puede armonizarse de diferentes maneras, algunas más obvias y otras más extrañas. Distintas
armonizaciones pueden dar distintos matices o humores a una misma melodía.
Los acordes pueden ser menores, mayores, sostenidos, bemoles, disminuidos o aumentados según con
qué intervalos estén hechos.
E ------
B ------
G ------
D ------
A ------
E ------
Esos son los acordes básicos; la (m) significa que es una acorde menor y cuando no tiene nada es un
acorde mayor. El otro nombre o sea la letra es el cifrado americano en la mayoría de sitios Web lo
encontraras así por eso es mejor aprendérselo.
Una cejilla se hace estirando el dedo índice sobre el traste de tal forma que se cubran todas las
cuerdas y que todas suenen como si se posicionaran una a la vez. Ten paciencia y practica. Para que las
notas te salgan más fácil te recomiendo bajar el pulgar y arquear la mano. No debes hacer mucha
fuerza con el dedo índice.
Acordes con cejilla:
Bien ahora haz un MI MAYOR sin utilizar el dedo índice. Luego desliza todos los dedos un traste
hacia atrás (o sea hacia el cuerpo de la guitarra). Ahora con el DEDO ÍNDICE tapas todo el primer
traste (cejilla). BIEN Tienes UN ACORDE UN FA MAYOR CEJILLA. Viste que fácil??. Eso si algo
molesto de hacer las primeras veces pero te acostumbraras con el tiempo.
Ahora que pasa si ese acorde lo bajamos 1traste, o sea dejas la mano como esta y lo mueves hacia
atrás 1 traste, Tienes un FA#. Si lo mueves un traste más atrás tienes UN SOL si lo mueves un
traste más atrás tienes un SOL# etc. Haz lo mismo con la posición LA y veras que después se forma
un LA#, un SI, y mas atrás un DO. Las cejillas basadas en MI y LA son las más usuales pero también
lo puedes hacer con otra poción como RE o DO. inténtalo. Te pongo una tablita para que te guíes un
poco más.

Acordes menores
Acordes basados en A
Acordes menores
ACORDES 8 OCTAVAS: (ROCK)
Estos acordes son muy usados en todo tipo de música, mayormente, Pop, Rock, Blues, Metal,
Hardcore, New Metal, Country "Folk Americano" y muchos otros estilos, es mejor que te los aprendas
pronto vendrán los ritmos basados en los acordes 5tas y 8vas estos acordes son fáciles de aprender y
memorizar si te aprendiste la lección anterior.
Como vimos antes el FA MAYOR CON CEJILLA hacen sonar todas las cuerdas, bueno en las 8vas hace
sonar solamente las tres últimas notas de las cuerdas que se presionan.
Pero ahora dirás como? el dedo medio no va en el segundo traste de la tercer cuerda? EL DEDO
MEDIO no se usa en estas notas, en las octavas solamente se usan TRES NOTAS y se hacen sonar
LAS ÚLTIMAS TRES CUERDAS.
En el ejemplo anterior era un F8 Mayor, si lo corremos un traste mas atrás tenemos UN F#8, si lo
movemos otro traste atrás tenemos un G8. Como veras es lo mismo que con cejilla con la UNICA
DIFERENCIA QUE SE TOCAN SOLAMENTE TRES NOTAS.
(la primera nota la más baja o sea la dominante la segunda nota es la quinta de la primera y la ultima
es la octava)
Existe otro tipo de octava que solo utiliza dos notas y para que sea octava ambas notas deben ser la
misma (una octava de la otra); por eso se hace sonar la primera y la tercera cuerda de la octava
anterior... En realidad suena una tercera nota pero esta es descartada por que es una nota muda es
decir que la nota no suena y es representada en la tablatura por un (x). Este tipo de octavas se
caracterizan por que son un poco más limpia y aguda sobre todo cundo se toca con distorsión.
¿Pero como se hace eso?... ¿Cómo hacer que la cuerda del centro del acorde no suene?
Primero que todo estira el dedo índice como si fueras a hacer cejilla pero no presiona, verifica que
ninguna cuerda suene (bueno que suenen .mudas.), ahora presiona con la yema de este dedo el traste
donde se encuentra la primera nota del acorde, esa nota debe sonar perfectamente y las demás
deben sonar .mudas. ahora pon el dedo anular en el traste de la última nota y estira el dedo corazón.
ACORDES 5 QUINTAS
Es muy parecido a las 8vas CON LA UNICA DIFERENCIA QUE SE USAN DOS DEDOS, Y SE HACEN
SONAR LAS DOS PRIMERAS NOTAS SOLAMENTE. (La nota dominante y su quinta)
Como veras es lo mismo que con cejilla Y que con 8vas con la UNICA DIFERENCIA QUE SE TOCAN
LAS DOS PRIMERAS NOTAS.
CUANDO ESTES HACIENDO UNA 8va O UNA 5ta ESTIRA EL DEDO CORAZÓN (como haciendo
pistola), en especial cuando hagas pociones basadas en LA tapa con este dedo la 6 cuerda ya que esta
no debe sonar, pero sin embargo evita pulsarla con la pua ya que estarías haciendo una nota muda y no
sonaría tan limpio, pero mientras te acostumbras es mejor hacer un tapado de esa cuerda, a que
suene plenamente.
NOTA: cuado se dice basada en La o en Mi quiere decir que adquiere la forma con los dedos de esta
nota
APREGIOS:
Son punteos que se hacen basados en algún acorde:
Se pueden hacer con la púa pero también se suelen hacer con la mano sobre todo en ocasiones cuando
se pulsan 2 o más cuerdas a la vez (fingering) ver ejemplo 3
Cuando se hacen con la púa se tiene q hacer hacia un sentido o sea bajando (>) o subiendo (<)
Ejemplo 1: time of your life de green day
G C9 D Em C
e|-------------|-------------|-------------|-------------|-------------|
B|-----3-------|-----3-------|-----3-------|-----0-------|-----1-------|
G|-------0---0-|-------0---0-|---2---2---2-|-------0---0-|-------0---0-|
D|---0-----0---|---0-----0---|-0-------0---|---2-----2---|---2-----2---|
A|-------------|-3-----------|-------------|-------------|-3-----------|
E|-3-----------|-------------|-------------|-0-----------|-------------|

Ejemplo 2: more than words de extreme.

--3---3---3---3- | --3-----3-3----- | --0-----3------- | --0---2---3---3- |
--3---3---3---3- | --3-------3---1- | --1-------1---1- | --1---3---3---3- |
---------------- | ---------------- | ---------------- | ---------------- |
---------------- | ---------------- | ---------------- | --------0------- |
------2-------3- | ------3-3-3---0- | ------0-0-0---3- | ---------------- |
3--------------- | ---------------- | ---------------- | --------------3- |
--3---3---3---3- | --3-----3-3----- | --0-----3------- | --0---2---3---3- |
--3---3---3---3- | --3-------3---1- | --1-------1---1- | --1---3-------3- |
---------------- | ---------------- | ---------------- | ---------------- |
---------------- | ---------------- | ---------------- | ---------------- |
------2-------3- | ------3-3-3---0- | ------0-0-0---3- | --------0------- |
---------------- | ---------------- | ---------------- | --------------3- |
Ejemplo 3: don´t cry de guns n´ roses
Los arpegios también se trabajan en escalas, pero eso lo veremos más adelante.

NIVEL MEDIO
1. ESCALAS MAYORES
Bajo el nombre de la escala entendemos la sucesión gradual de notas en el ámbito de 8 notas
(octava). La sucesión se verifica según determinadas leyes, de tal manera que todas las escalas
formadas sobre distintas notas (12 de cada clase, en total) ofrecen una construcción analógica.
La escala mayor se compone de dos mitades, de construcción idéntica llamadas .tetracordos., que
están formados cada uno de ellos por dos tonos y un semitono.
tetracordo
1 tono ½ tono 1 tono ½ tono
Toca las escalas como si cada dedo fuera el encargado de un traste, no muevas la mano ni para arriba
ni para abajo solo mueve los dedos.
ES IMPORTANTE QUE MANTENGAS UNA BUENA POSICIÓN, DE TAL FORMA QUE NO TENGAS
QUE MOVER LA MUÑECA NI HACIA ARRIBA NI HACIA ABAJO, SOLO LOS DEDOS.
Escala de C mayor
CDEFGABC
1 tono ½ tono
Luego en la guitarra se vería:
Escala de D mayor:
D E F# G A B C# D
1 tono ½ tono 1 tono
Luego en la guitarra se vería:
Como te pudiste dar cuenta la forma que toma la escala de C mayor es la misma que en la escala de D
mayor solo que esta se hace 1 tono (2 trastes) mas agudo.
En otras palabras al aprenderse todas las formas de la escala de C mayor se han aprendido otras las
formas de las demás escalas mayores.
Trata de encontrar otras formas de escala tomando como base otras notas
Ahora con la información que te di intenta construir las demás escalas.
OTRAS FORMAS DE ESCALAS
Las siguientes formas de escala tienen una combinación de más de una octava, por lo tanto pueden ser
muy útiles a la hora de hacer solos, y en serio te sugiero que le dediques tiempo.
Intentemos ahora hacer la escala de La mayor,
A B C# D E F# G# A
1 tono ½ tono
Los números en la parte de arriba indican con que dedo debe tocarse
1: índice
2: corazón
3: anular
4: pequeño (en el diapasón. ¿NO?)
Es la misma escala solo q en diferentes posiciones, verificas las notas y veras.
Practica las escalas ascendentemente y descendentemente.
Trata de encontrar mas escalas en la guitarra puede ser en cada una de las cuerdas.
Ahora que pasaría si hacemos la misma digitación uno o dos trastes más abajo o arriba, básicamente
estaríamos haciendo otra escala, debido a la linealidad de la escala.
¿Pero podemos hacer esa digitación empezando de otra cuerda?
Claro que si, pero hay que tener cuidado con la segunda cuerda ya que allí se pierde la linealidad de la
guitarra. En otras palabras se hace igual solo que bajamos medio tono en la segunda y en la primera
cuerda. Por ejemplo
Escala de Re mayor
Tócalas varias veces y apréndetelas (utiliza los métodos de memorización que te enseñé), eso también
ayudará a mejora la movilidad de tus dedos.
Con estas escalas practica el picking o sea con la púa una vez hacia abajo y la otra hacia arriba luego
aumenta la velocidad pero insisto lo importante es que suene bien.
Toca las escalas como si cada dedo fuera el encargado de un traste, no muevas la mano ni para arriba
ni para abajo solo mueve los dedos.

2. ESCALAS PENTATÓNICAS

Estas escalas son muy usadas en diferentes estilos de música y muchos punteos están basadas en una
o varias escalas, además de ayudar mucho a la movilidad de ambas manos también nos ayuda a mejorar
nuestro oído ya que con esta herramienta podemos improvisar un punteo que realidad nos podrá sonar
muy parecido y por que no el mismo, si educamos nuestro oído.
Como peculiaridades podemos decir que no contiene todas las notas, solamente usa cinco distintas
Y siempre siguen esta formas
CDEGA
1 tono 1 y ½ tonos
Las escalas pentatónicas son utilizadas de la misma forma que las escalas mayores y que todas las
otras escalas; conservan su linealidad entre los trastes y entre las cuerdas (salvo en las dos primeras
cuerdas).

3. ALGUNAS TÉCNICAS
Técnica Slide (Deslizamiento)
Esta es una técnica de deslizamiento de una nota hacia otra, es muy fácil de hacer
EL SIGNO REPRESENTADO EN LA TABLATURA: \, /
Hagamos un ejemplo con el dedo índice tocamos en el 5to traste de la 3er cuerda y deslizamos el
dedo índice hasta el 7mo traste de la misma cuerda.
"TODO ESTO TOCANDO UNA SOLA VEZ"
------------------------------
------------------------------
---------5/7------1/3\1------
------------------------------
------------------------------
------------------------------

Acá deberíamos tocar en el 1er traste de la3er cuerda, luego deslizar con el dedo índice hasta el 3er traste
y regresar al primero.

Técnica Bend (Estirado de cuerdas)

Esta es una técnica usada por todos los guitarrista consiste en estirar las cuerdas hasta subir 1 tono, tono y
medio o dos tonos.
Depende de cuanto estiremos la cuerda hacia nosotros subiremos, varios tonos tocamos con el 7mo y
estiramos la cuerda hacia arriba hasta igualar el sonido del 9no traste.
En ocasiones no hay ningún número en paréntesis esto quiere decir que lo estiraremos cuanto queramos.

EL SIGNO REPRESENTADO EN LA TABLATURA: b, ^

E---------------------------------
B------7b(9)--------------8b------
G---------------------------------
D--------------12^(14)----------
A---------------------------------
E---------------------------------

Que vemos acá? bueno aquí tocamos en la segunda cuerda séptimo traste y la estiramos hacia arriba para
igualar el sonido del traste 9. El 9 indica a que tono debemos hacer bend, en este caso subiríamos un tono.
En el otro ejercicio pulsa en el traste 12 una sola vez y estirar la cuerda hacia arriba hasta igualar el traste
14.
X = Cuando aparece este signo significa nota muerta o muda, se toca al aire ese cuerda y se hace un P. M

Técnica Hammer On (Ligado ascendente)

Esta es una técnica que se toca una nota y hacemos sonar 2, 3 o 4 notas según lo veamos en la tablatura por
ejemplo tocamos la cuerda y con el índice en el primer traste y sin levantar ni volver a tocar la apoyamos
sobre el tercer traste.
EL SIGNO REPRESENTADO EN LA TABLATURA: h

Ejercicio 1
E------------------
B-1h3----1h3h4-----
G------------------
D------------------
A------------------
E------------------

Aquí deberíamos tocar la primer nota o sea el 1, y apoyar sin tocar nuevamente el dedo anular en el 3er
traste y meñique en el 4to, TOCAMOS 3 NOTAS CON UN SOLO GOLPE.
.
Técnica Pull Off (Ligado Descendente)

Esta es una técnica lo mismo que el Hammer On con la única deferencia que es descendente
EL SIGNO REPRESENTADO EN LA TABLATURA: p
Ejercicio 1
Veamos en este ejemplo, ponemos el dedo anular en el 9no traste tocamos una sola ves y luego
ponemos el dedo índice en el 7mo traste haciendo sonar 2 Notas con un solo golpe, viste igual
que el anterior pero descendiendo. Veamos otro ejemplo
E-------------------------
B-------------------------
G-----9p7------9p7p6------
D-------------------------
A-------------------------
E-------------------------

En este ejemplo ponemos el dedo meñique en el 9no traste tocamos la nota y luego ponemos el anular en el
7mo, levantamos ese dedo y ponemos el índice en el 6to. TOCAR 3 NOTAS CON UN SOLO GOLPE.
ponemos el anular en 7mo traste
Técnica Vibrato

En esta técnica se usa el dedo índice y se hace un bend hacia abajo y hacia arriba
repetidamente hasta hacer vibrar la nota que tocamos
EL SIGNO REPRESENTADO EN LA TABLATURA: ~

Veamos este ejercicio, tocamos en el 2do traste de la 3er cuerda y la hacemos vibrar hacia abajo y hacia
arriba con el índice. Como un bend, estirar la cuerda arriba y abajo repetidamente hasta hacerla vibrar.

E--------------
B--------------
G----2~--------
D--------------
A--------------
E--------------

Técnica Palm Mute (Ahogado de cuerdas)

Esta es una técnica muy usada en el rock, metal, blues, country, jazz ya que le da a la guitarra un ritmo de
percusión muy bueno; el ahogado de cuerdas no significa que quieras ahorcarlas; se basa en tapar con la palma de la
mano derecha las cuerdas mientras tocamos.
EL SIGNO REPRESENTADO EN LA TABLATURA: P.M

P.M > Signo que veras en las tablaturas

E------------------------------------------------
B------------------------------------------------
G------------------------------------------------
D------------------------------------------------
A--2-----4----5----4----2------------------------
E--0-----0----0----0----0------------------------
Pm pm pm pm pm
 NIVEL AVANZADO

1. HARMONICS (ARMÓNICOS)
En esta técnica hay varios tipos de armónicos como los Naturales, artificiales o inducidos entre otros,
siendo todos ellos una octava aguda a la nota normal.
.
El primero de ellos se hace colocando la yema de un dedo de la mano izquierda ligeramente sobre la barra de
un traste (sin presionarlo pero no tan suelto) y luego pulsa muy cerca al puente de la guitarra.
El armónico inducido se forma tocando una nota normalmente y luego sin dejar que se apague pulsar
levemente con la yema de un dedo donde hayan 12 trastes de diferencia, entonces se producen 2 notas: la
normal y el armónico al cual se le puede agregar un bend Si llegado el caso se está haciendo un armónico en
traste después del 12 y antes del 17 se puede buscar donde quedan 12 trastes de diferencia.( sobre los
micrófonos).
El armónico natural es una combinación de los 2 armónicos anteriores que consiste en posicionar en una nota
cualquiera y con la púa se pulsa pero teniendo previamente un armónico posicionado con la mano derecha
donde hayan 12 trastes de diferencia, son mucho más fáciles de hacer y suenan más bonitos calculando los
12 trastes por fuera del diapasón.
También se puede hacer sujetando levemente la cuerda entre el pick y la yema del dedo índice o pulgar,
halándola de tal forma que la golpee con el pick y el dedo la toque al instante, así se producirá el armónico.
EL SIGNO REPRESENTADO EN LA TABLATURA: +

Ejercicio
E---------------12+----
B---------------12+----
G---------------12+----
D---------------12+----
A---------------12+----
E---------------12+----
En este ejemplo trata de tocar la cuerda al aire y suavemente deslizas la yema del dedo sobre el traste 12.

2. SWEEP PICKING (TÉCNICA DE BARRIDO).

Esta técnica es una mezcla de arpegio pero con escalas y lleva mucho tiempo dominarla adecuadamente.
Lo primero que debes tener en cuenta es como dijimos antes con el tema de los arpegios, cuando el arpegio
sube, tocas hacia abajo y cuando el arpegio baja, tocas hacia arriba.

Ante todo vamos con lo más importante "LAS ESCALAS". Aunque la técnica de barrido no
tenga nada que ver con estas escalas, vale la pena que te pongas a estudiar estas escalas

3. TÉCNICA LEGATO
La técnica de legato esta basada en Hammer On y Pull Off, es una técnica que mete muchas
notas en poco tiempo lo cual se gana mucha velocidad al tocar una frase.
Mayormente se usan tres notas por cada cuerda el legato avanzado, vamos a la práctica.
Hagan muchas secuencias con cada cuerda
Teniendo en cuenta que se basa en Hammer On y Pull Off tocaremos una ves por cada tres
notas!
Practíquenlo con las 6 cuerdas, recuerda un buen Pull Off fuerte lleva tiempo
Practique varias combinaciones e intercálenlas en diferentes trastes.
Si aprendiste bien las dos técnicas tranquilamente y con un poco de práctica te tiene que salir

4. TÉCNICA TAPPING
La técnica consiste en tocar con la mano derecha las notas que diga el tab. Y tocar con el dedo
índice de la mano derecha las notas que aparezcan una T.
El hamering tapping consiste en hacer tapping y Hammer on a la vez, lo primero que tienes que
hacer es colocar el índice en el 5 traste de la 1ra cuerda pero también el dedo corazón el la
7ma cuerda ahora con el índice de la mano derecha golpea en el traste 12 y luego haz una
especie de bend allí y ahora sin pulsar de nuevo la cuerda procedo hacer el Hammer on en la
mano izquierda para volver a terminar en el traste 7, inténtalo y luego aumenta la velocidad y
veras que suena muy bien.
EL SIGNO REPRESENTADO EN LA TABLATURA: T

E------12-(12b)-(7p5h7)----------------------------------------
T

Recuerda que las posiciones que están entre paréntesis son notas fantasmas es decir que no se
vuelven a pulsar en este caso con el golpe que se dio con el dedo de la mano derecha.

Terminado el curso espero que haya llenado tus expectativas y que en realidad aprendas y te vuelvas
todo un duro(a) pero no te quedes allí investiga más, practica mucho y verás que pronto
mejorarás ; un consejo que doy es que escucha mucha música ojalá de muchos géneros
como el jazz y el blues inclusive bolero y música folklórica esos tienen mucho aportar a nuestro
oído, tampoco olvidemos la música clásica o de cámara en fin eso nos ayudará en más que ser
buenos guitarristas a ser mejores músicos.

Ahora si venga toda esa música que quieres interpretar, date gusto y no olvides que la humildad cuenta en lo
que hacemos los hombres sabios y todo se aprende cuando se empieza por lo básico y por reconocer de
donde venimos y a que nos debemos sin olvidar por supuesto nuestra música ancestral como primer escalón.

VIVA LA MÚSICA.