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DICCIONARIO BIOGRAFICO DE ARTISTAS

DICCIONARIO BIOGRAFICO DE ARTISTAS

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JDC

PROYECTO ARTIUM
DICCIONARIO BIOGRÁFICO DE ARTISTAS: 153 AUTORES.

NAVEGACIÓN:
• Localizar en el índice el artista deseado y pulsar sobre su nombre. Un hipervínculo le dirigirá directamente a su biografía. • Al final de la biografía de cada artista uno o más enlaces le dirigirán a páginas web en las que podrá ampliar información sobre el autor. • Retorne al índice pulsando “INICIO”.
JDC

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DICCIONARIO BIOGRÁFICO DE ARTISTAS: 153 AUTORES
ARQUITECTOS ESCULTORES PINTORES OTROS
INICIO

A
ALBERTI, LEÓN BATISTA AHMAD_BEN_BASO ALBERTO, FRAY ALI_AL_GOMARI ANGÉLICO, FRA. APARICI, FEDERICO APOLODORO DE DAMASCO ARCHIPENKO, ALEXANDER ARTEMIO DE TRALLES

DESPUIG, RAMÓN DONATELLO DUCHAMP, MARCEL

KIRCHNER, LUDWIG

ERNST

E
EIFFEL, GUSTAVE ENRIQUE, MAESTRO ESCOPAS ESTEBAN, MAESTRO

L
LACER, CAYO JULIO LE_BRUN,CHARLES LE_NÖTRE, ANDRE LEONARDO DA VINCI LE_BARON JENNEY, W. LE_CORBUSIER LE_VAU, LOUIS LISIPO LOUP, JEAN LE

F
FERNÁNDEZ, GREGORIO FIDIAS FIGUEROA, LEONARDO DE FRIEDRICH, CASPAR D.

B
BARRY,CHARLES BERNINI, GIAN LORENZO BERRUGUETE, ALONSO BOFILL,GUILLERM BON, BARTOLOMEO BORROMINI, FRANCESCO BORT, JAIME BOSCH, H. «EL BOSCO» BOTICELLI, SANDRO BRAMANTE, DONATO BREUER, MARCEL BRUNELLESCHI, FILIPO

M
MACHUCA, PEDRO MAGRITTE, RENÉ MANSART, JULES H. MARC,FRANZ MARTÍN, MAESTRO MARTÍNEZ MONTAÑÉS, J MARTÍNI, SIMONE MASACCIO MATEO, MAESTRO MATISSE, HENRY MESA, JUAN DE MIES_VAN_DER_ROHE; L. MIGUEL_ÁNGEL MILLET, JEAN FRANCOIS MIRÓ, JOAN MIRÓN MNESIKLES MONET,CLAUDE MONTAGUT, BRENGUER MUNCH, EDVARD MURILLO, BARTOLOMÉ E.

G
GARGALLO, PABLO GAUCHER DE REIMS GAUDÍ, ANTONIO GAUGUIN, PAUL GHIBERTI, LORENZO GILESBERTO GIOTTO DI BONDONE GÓMEZ DE MORA, JUAN GONZÁLEZ, JULIO GOYA, FRANCISCO DE GRECO, ÉL GROPIUS, WALTER

C
CALDER, ALEXANDER CALICRATES CANO, ALONSO CANOVA, ANTONIO CARAVAGGIO CARLÍN, MAESE CARRACI, ANIBALE CASAS NOVOA, FERNANDO CEZANNE, PAUL CHAFAR CHALGRIN, JEAN F. T. CHURRIGUERA, ALBERTO COMPTE, PERE CORMONT, TOMÁS DE COURBET, GUSTAVE

H
HAUSSMANN, GEORGE E. HERRERA, JUAN DE HORTA, VÍCTOR HURTADO IZQUIERDO, FCO.

N
NARBONA, ENRIQUE DE NASH, JOHN

I
ICTINOS IMHOTEP ISIDORO DE MILETO

O
ORBAIS, JEAN DE

J
JOHNS, JASPER JUNI, JUAN DE JULIANO ARGENTARIO

D
DALÍ, SALVADOR DANCART, PYETER DAVID, JACQUES LUIS DEGAS, EDGAR DELACROIX,EUGENE

P
PALLADIO, ANDREA PÉREZ, JUAN PETRI, PETRUS PICASSO, PABLO RUIZ PIERO DELLA FRANCESCA

K
KANDINSKY, VASILI

2

POLICLETO POLICLETO_EL_JOVEN POLLOCK, JACKSON PRAXITELES

R
RAFAEL SANZIO REMBRANDT, H. VAN RIJN RENOIR, PIERRE A. RIAÑO, DIEGO DE RIBERA,_JOSÉ_DE RIBERA_PEDRO_DE RIETVELD, GERRIT RODIN, AUGUSTE ROTHKO, MARK RUBENS, PEDRO PABLO RUIZ, DIEGO

SALZILLO, FRANCISCO SENMUT SEURAT, GEORGE SIGNAC, PAUL SILOÉ, DIEGO DE SOISSON, BERNARD DE SULLIVAN, LOUIS H. SUNAIF

T
TEODOTOS TIZIANO VECELLIO TOLEDO, JUAN BAUTISTA TOULOUSE_LAUTREC, HENRI TURNER, JOSEPH M. W. TUTMÉS

VANDELVIRA, ANDRES DE VAN_DER_WEIDEN, ROGIER VAN_EICK, JAN VAN_GOGH, VICENT VELÁZQUEZ, DIEGO DE SILVA VERMEER, JOHANES VILLANUEVA, JUAN DE

W
WRIGHT, FRANK LLOYD

Z
ZURBARÁN, FRANCISCO DE

S
SACOMA, PERE

V

ARQUITECTOS

ESCULTORES

PINTORES

OTROS

AHMAD BEN BASO (Arquitecto. Segunda mitad del siglo XII). De probable origen andalusí, aparece en las fuentes como "jefe de los que edificaban en Al-Andalus" e "inspector de los constructores”. Sus primeras intervenciones arquitectónicas son obras de reparación en Gibraltar y Córdoba. En 1.171 Abú Yaqub Yusuf, el califa almohade le ordenó construir los palacios de la Buhayra, en Sevilla. Unos años después, fue encargado de dirigir la construcción de la nueva mezquita aljama de Sevilla, incluida la torre que más tarde será conocida como La Giralda, que diseñó sin escaleras, colocándose en su lugar rampas. Debió fallecer hacia 1.189, ya que en esa fecha las obras de la mezquita estaban ya dirigidas por Ali al Gomarí. http://www.arquired.es/users/giralda/MH/MH1%20vitrubio/100.al %20zaguan.htm INICIO ALBERTI, LEON BATTISTA. (Arquitecto. 1.404-1.472): Arquitecto, teórico del arte y escritor italiano. Alberti fue, con Leonardo, una de las figuras más representativas del Renacimiento, ya que reunió en su persona todos los conocimientos y habilidades de la época: erudito, humanista, escritor, arquitecto, escultor, pintor y cortesano. Se educó en Padua y Bolonia, antes de trasladarse a Roma en 1432 para desempeñar un cargo en la corte pontificia. En 1.434 regresó a Florencia, donde trabó amistad con los grandes artistas del momento, de Brunelleschi, Donatello y Masaccio. A Brunelleschi dedicó su tratado Della pintura (1.436), en el que se describen por primera vez las leyes de la perspectiva. En Florencia, Alberti trabajó como arquitecto, con obras como el palacio Rucellai, basado en la exactitud geométrica de las proporciones y la superposición de los órdenes clásicos, creando un modelo muy imitado de palacio renacentista. También realizó la fachada de la iglesia gótica de Santa Maria Novella, en la que unió el taraceado de mármoles y las figuras geométricas. Posteriormente, en Rímini construyó el Templo Malatestiano, y las iglesias de San Sebastián y San Andrés. Estas obras, se convirtieron, junto con las de Brunelleschi, en los grandes modelos del arte constructivo renacentista.

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http://easyweb.easynet.co.uk/giorgio.vasari/albert/alberti.htm

INICIO

ALBERTO DE LA MADRE DE DIOS, FRAY. (Arquitecto): Miembro de la orden carmelita, llevó a cabo diversas realizaciones en Pastrana (Guadalajara) y dirigió las obras de edificación de diversos conventos de la orden, entre ellos, el de la Encarnación en Madrid. http://www.arsvirtual.com/monum/arch_encarnacion/ciudad.htm INICIO ALÍ AL GOMARÍ. (Arquitecto. Segunda mitad del siglo XII): Sustituyó a Ahmed ben Basso en la dirección de las obras de la mezquita aljama de Sevilla, así como las de la Giralda. http://www.arquired.es/users/giralda/MH/MH1%20vitrubio/100.al%20zaguan.htm INICIO ANGÉLICO, FRA. (Guidolino di Pietro. Pintor. 1.395-Roma-1.455): Pintor italiano. Se orientó hacia un arte expresivo, instalado en el espacio y bañado por la luz, que no atenúa en absoluto la solidez de la composición y la firmeza de los volúmenes. Todas estas cualidades aparecen en sus obras fundamentales: Descendimiento, Lamentación sobre el cuerpo de Cristo, Coronación de la Virgen, la serie de pinturas realizadas para las celdas del convento de San Marcos de Florencia y La Anunciación del Museo del Prado. Las virtudes espirituales del pintor armonizan con la frescura y la delicadeza de sus coloridos y la elegancia del dibujo. http://www.artchive.com/artchive/ftptoc/fra_angelico_ext.html INICIO APARICI, FEDERICO. (Arquitecto. 1.832-1.917): Cursó sus estudios en Madrid y ocupó con posterioridad diversos cargos oficiales y docentes, entre ellos el de profesor y director de la Escuela de Arquitectura. Claro exponente teórico de las novedades técnicas de su época, se mantuvo en la práctica en un frío estilo neorrománico, cuyo ejemplo más representativo es la colegiata de Covadonga (Asturias). http://www.vivirasturias.com/asturias/turismo-rural/1117/2539/0/basilica-de-santamaria-la-real-de-covadonga/index.html INICIO APOLODORO DE DAMASCO. (Arquitecto. S. II d.C.) : De origen griego, trabajó en Roma como arquitecto oficial del emperador Trajano, bajo cuyo mandato construyó obras militares y civiles (foro Trajano). Edificó también la basílica Ulpiana, así como diversos arcos en homenaje al emperador. Su obra muestra claramente la simbiosis entre la tradición helénica y oriental y la arquitectura romana. http://www.stoa.org/trajan/ INICIO ARCHIPENKO, ALEXANDER. (Escultor. 1.887-1.964): Norteamericano de origen ucraniano. Fue alumno en 1908 de la Escuela de Bellas Artes de París. Intuyendo las posibilidades que ofrecía la aplicación a las artes plásticas de la nueva técnica pictórica (el cubismo), introdujo en su obra la abstracción y las puras formas geométricas. En 1912 celebró su primera exposición. En 1923 emigró a Estados Unidos. Célebre por el empleo que hizo de materiales nuevos, como el plástico, combinó diversos materiales en la misma obra, utilizó indistintamente superficies convexas y cóncavas para modelar espacios y trató de reconciliar la expresión estética con el espíritu del maquinismo. http://www.artcyclopedia.com/artists/archipenko_alexander.html INICIO ARTEMIO DE TRALLES. (Arquitecto. S. VI): Bizantino, junto con Isidoro de Mileto, construyó la basílica de Santa Sofía de Constantinopla (537). http://www.islamicarchitecture.org/architecture/hagia.sophia.mosque.html INICIO

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BARRY, CHARLES. (Arquitecto. 1.795-1.860): Aunque de origen británico, estuvo en su origen Influenciado por los italianos, decantándose con posterioridad hacia el estilo neogótico. Llevó a cabo la construcción del edificio del Parlamento inglés en Londres, aunque efectuó también numerosas obras en la misma ciudad y en otras localidades del sur de Inglaterra http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=13 INICIO BERNINI, GIAN LORENZO. (Escultor, arquitecto y pintor. 1598-1680): Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa. Aprendió escultura en el taller de su padre. En sus obras más tempranas (Eneas, El rapto de Proserpina) resultan ya evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta de la escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras creaciones. En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el Papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices. De sus realizaciones para San Pedro destacan el gran Baldaquino sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la Iglesia. Su mejor aportación a la basílica fue, sin embargo, la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo. Esta columnata representó una gran novedad, no sólo por sus dimensiones, sino sobre todo por su disposición elíptica, dando efectos de movimiento. Las monumentales estatuas que la rematan en su parte superior dotan al conjunto de un aire todavía más majestuoso. En menor medida, Bernini trabajó también para mecenas privados, y fruto de esa colaboración es la obra quizá más representativa de su estilo escultórico, el Éxtasis de Santa Teresa, de gran intensidad dramática y dinamismo. Por su condición de elemento para la decoración de una capilla y sus magníficos efectos de claroscuro, se considera esta obra como un compendio magistral de las tres artes mayores y ha quedado como modelo de la escultura barroca. De sus realizaciones como arquitecto, la más valorada, además de la columnata de San Pedro, es la pequeña iglesia de San Andrea al Quirinale, en la que arquitectura y escultura se unen en una búsqueda de efectismo destinada a crear un ambiente adecuado para suscitar los sentimientos religiosos. Con sus hermosos edificios barrocos, Bernini coadyuvó como nadie en la renovación urbanística de Roma, a la cual aportó multitud de estatuas y algunas fuentes monumentales. La que decora la piazza Navona, llamada Fuente de los cuatro ríos, es la más espectacular de estas realizaciones. http://www.scultura-italiana.com/Biografie/Bernini.htm INICIO BERRUGUETE, ALONSO. (Escultor y pintor. 1.490-1.555): Hijo del pintor Pedro Berruguete, iniciador del Renacimiento pictórico en España, fue discípulo de su padre antes de trasladarse a Italia en 1504 para completar su formación. No se conocen obras de su período italiano, durante el cual se sabe que estudió las creaciones de Miguel Ángel y las obras maestras de la Antigüedad. Llegó a Italia siendo esencialmente un pintor y regresó a España convertido en un escultor por la enorme influencia que ejercieron en él las obras de Miguel Ángel y el Laocoonte. Pero su formación italianizante desembocó en un arte de fuerte personalidad, signado por una intensa plasmación de la espiritualidad y por la traducción en patético de cualquier sentimiento. Retornó a España hacia 1518 y fue nombrado pintor de la corte de Carlos I, pese a lo cual trabajó principalmente como escultor. Valladolid y Toledo fueron sus dos centros de actividad. En la primera de estas ciudades realizó el retablo del monasterio de San Benito. En la segunda esculpió la sillería alta del coro de la catedral, dos obras maestras que permiten considerarlo el principal escultor español del siglo XVI. Sus figuras recuerdan las de Miguel Ángel por la musculatura y la fuerza emocional, pero se acercan, anticipándolas, a las del Greco en cuanto a estilización y expresionismo.

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Por todas estas características se considera a este artista el introductor del manierismo en España. Del retablo de San Benito, el grupo más valorado es el Sacrificio de Isaac, en el que alcanza su cima el trazo nervioso, que modela con cierto frenesí los cabellos, los ropajes y las carnes. Por la importancia de su actividad en la ciudad se considera a Berruguete el fundador de la escuela vallisoletana de escultura, uno de los principales focos del arte español del Renacimiento y el Barroco. Su trayectoria artística culminó con la sillería alta del coro de la catedral de Toledo. En cada sitial, el autor talló una figura en altorrelieve con la expresividad y la fuerza dramática que le son características: todo un repertorio de personajes bíblicos en las actitudes más diversas. Esta obra magistral culmina en el grupo de la Transfiguración, labrado en alabastro por encima del sitial central. http://www.architoledo.org/catedral/coro.htm INICIO BOFILL, GUILLERM. (Arquitecto. Fines siglo XIV-Comienzos siglo XV). De origen catalán, fue nombrado maestro mayor de las obras de la Catedral gótica de Gerona en el año 1.404, correspondiéndole llevar a cabo el diseño de nave única de gran anchura. http://www.lacatedraldegirona.com/ INICIO BON, BARTOLOMEO. (Arquitecto. Mediados s. XV): Arquitecto italiano, que llevó a cabo la edificación de diversos palacios en la zona de Venecia, destacando entre ellos el denominado Ca d´Oro , considerado una de las muestras más relevantes del llamado estilo gótico veneciano. http://www.jc-r.net/venezia/palazzi/ca-d-oro-e.htm INICIO BORROMINI, FRANCESCO. (Arquitecto. 1.599-1.667): Trabajó como cantero antes de trasladarse a Roma en 1619, donde fue cincelador en el taller de Maderno, quien lo introdujo en el mundo de la arquitectura al tomarlo como colaborador. Cuando Bernini triunfaba ya como arquitecto, Borromini recibió su primer encargo: San Carlo alle Quattro Fontane. Bastó esta obra para hacer de Borromini un arquitecto reconocido y con un estilo muy definido, en el que las superficies curvas dan fluidez al conjunto, tanto en el exterior como en el interior, a veces con un carácter suave y en otras ocasiones con mayor dramatismo. Se alejó de las tendencias de su época en los interiores a base de paredes revocadas, con sencillas ornamentaciones, a menudo doradas, ensambladas a la perfección con las formas arquitectónicas. Su deseo de superación se concretó en el estudio de manuales de arquitectura y en la profundización en la obra de Miguel Ángel, de quien fue un gran admirador. De carácter difícil, mantuvo relaciones muy tensas con sus patrocinadores y estuvo siempre enfrentado a Bernini. Sus principales valedores fueron el Papado y las órdenes religiosas, que apreciaron su arquitectura más orientada a los sentimientos que a la razón. La década de 1650 fue la más fecunda de su carrera, gracias al Papa Inocencio X, quien le confió la restauración y transformación de la basílica de San Juan de Letrán, y la construcción de Sant'Ivo alla Sapienza, iglesia que el arquitecto remató con una espectacular linterna-aguja helicoidal. La totalidad de su carrera transcurrió en Roma, con excepción de una breve estancia en Nápoles. Borromini fue también un solicitado arquitecto de palacios y casas particulares. Su última obra fue la fachada de San Carlo alle Quattro Fontane, finalizada en 1682 por su sobrino después de que Borromini se quitara la vida en 1667, según algunos debido a los celos que sentía de Bernini. En opinión de algunos expertos, sus excéntricas formas arquitectónicas fueron fruto de su rivalidad con Bernini. http://www.borromini.at/ INICIO BORT, JAIME. (Arquitecto. ¿?-1.754): Su obra principal es la fachada de la catedral de Murcia. http://personal.telefonica.terra.es/web/fjvb/catedralmurcia.htm INICIO

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BOSCH, HIERONYMUS; “EL BOSCO”. (Pintor 1.450- 1.516): Nacido en Holanda, debe su nombre a su ciudad natal, en la que permaneció durante toda su vida. Fue hijo y nieto de pintores, por lo que su educación tuvo lugar en el taller familiar. Pertenecen a su primera época obras como El charlatán o La crucifixión. En el centro de su carrera se sitúan sus realizaciones más famosas: una serie de creaciones abarrotadas de figuras, completamente al margen de la iconografía de la época, ambientadas en paisajes imaginarios y repletas de elementos fantásticos y monstruosos, tales como demonios o figuras medio humanas y medio animales, que conviven con figuras diáfanas y paisajes tranquilos. En esta línea se sitúan los trípticos de Las tentaciones de San Antonio, El carro del heno y El jardín de las delicias, en los que más allá de la fantasía turbulenta y de la dificultosa interpretación de la simbología, triunfan una técnica excelente, fluida y pictórica, y un color brillante. Después de estas obras magistrales, en las que algunos ven la representación de la locura humana, realizó cuadros más tranquilos y positivos (El hijo pródigo), para cerrar su carrera con una serie de obras sobre la Pasión de Cristo. http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/bosch/ INICIO BOTTICELLI, SANDRO. (Alessandro di Mariano Filipepi. Pintor. 1445-1510): Nacido en Florencia y muy valorado en la actualidad, Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo. Comenzó su trayectoria artística con obras de temática religiosa, en particular vírgenes. En 1470, contando ya con un taller propio, se introdujo en el círculo de los Médicis, para los que realizó sus obras más famosas: la alegoría de La primavera, El nacimiento de Venus y Palas y el centauro. Fue toda una novedad en aquella época realizar obras de gran formato que no fueran de temática religiosa, y ello se debió seguramente a la vinculación del mecenas con la filosofía neoplatónica, cuyo carácter simbólico debían reproducir las obras encargadas. En 1481 fue llamado a Roma para decorar al fresco la Capilla Sixtina, lo que hace suponer que ya gozaba de un gran prestigio. A su regreso a Florencia realizó obras, más solemnes, probablemente influido por la predicación de Savonarola. http://www.epdlp.com/pintor.php?id=198 INICIO BRAMANTE, DONATO. (Arquitecto y pintor. 1.444-1.514): Italiano, aprendió de Brunelleschi y Alberti el arte de la creación de espacios armoniosos y proporcionados, y añadió un interés nuevo por la perspectiva que le llevó a crear singulares efectos de profundidad y espacio en sus obras. Un ejemplo emblemático de ello es el templete de San Pietro in Montorio, en Roma, una pequeña construcción circular en el centro de un patio rectangular, proyectada para ser el centro de un recinto porticado. En 1480 se estableció en Milán, donde desplegó una gran actividad como pintor y arquitecto. En 1499, se trasladó a Roma, donde trabajó al servicio del Papa Julio II. En 1.506 se hizo cargo del proyecto de la nueva basílica de San Pedro, aunque la obra no se llevó a cabo tal como Bramante había previsto, pero la genialidad de las soluciones por él propuestas imprimieron una nueva orientación, más monumental y escenográfica, a la arquitectura del Renacimiento. http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=24 INICIO

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BREUER, MARCEL. (Arquitecto. 1.902-1.981): De nacionalidad estadounidense, aunque de origen húngaro, tras una corta estancia en Viena, marchó a Alemania para estudiar en la Bauhaus. Cinco años más tarde diseñó la primera silla de tubo de acero, y poco después accedió a la docencia en la prestigiosa escuela alemana fundada por Gropius. Cuando Hitler alcanzó la presidencia, emigró al Reino Unido y de allí a Estados Unidos, donde desarrolló la faceta más creativa y original de su carrera. En 1937 inició su carrera como arquitecto, y hasta 1941 colaboró con Gropius, que había sido su maestro en la Bauhaus y ejercía como profesor de arquitectura en la Universidad de Harvard. Entre 1953 y 1958 construyó el edificio de la Unesco en París. www.marcelbreuer.org INICIO BRUNELLESCHI, FILIPPO. (Arquitecto y escultor (1377-1445): Nacido y muerto en Florencia, fue el arquitecto italiano más famoso del siglo XV y, con Alberti, Donatello y Masaccio, uno de los creadores del estilo renacentista. Se formó como escultor y participó en el concurso para la realización de las puertas del baptisterio de Florencia en 1401, certamen en el que quedó segundo, después de Ghiberti. Decepcionado por este fracaso decidió dedicarse a la arquitectura. Sus profundos conocimientos matemáticos le llevaron al descubrimiento de la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento. A él se debe, de hecho, la formulación de las leyes de la perspectiva central. Pero en su época, su fama estuvo asociada, sobre todo, a la cúpula de la catedral de Florencia, ya que sus conocimientos de ingeniería le permitieron solventar los problemas, en apariencia insolubles, de la construcción de dicha cúpula. En todos sus edificios, las partes se relacionan entre sí y con el todo mediante fórmulas matemáticas, de manera que, por ejemplo, una sección es la mitad o la cuarta parte del todo, etc. También entran en juego las combinaciones de diferentes figuras geométricas (cuadrado, círculo, triángulo). Sus edificios no son aptos para suscitar emociones sino para intentar comprender racionalmente las leyes que el artista quiso plasmar a través de sus realizaciones. Su arquitectura elegante y moderadamente ornamental queda compendiada a la perfección en dos espléndidas creaciones: la capilla Pazzi y la Sacristía Vieja de San Lorenzo, ambas obras de planta central, basadas en la armonía visual. http://easyweb.easynet.co.uk/giorgio.vasari/brunell/brunell.htm INICIO CALDER, ALEXANDER. (Escultor. 1.898-1.976): Estadounidense, nació en el seno de una familia de artistas, pero no se sintió inclinado inicialmente hacia el arte y cursó estudios de ingeniería mecánica, que más adelante le fueron de gran utilidad. Hasta 1923 no se matriculó en una escuela de arte. En 1931 creó una obra a la que Marcel Duchamp bautizó como móvil. Precisamente son los móviles las creaciones que elevaron a Calder a las más altas cimas de la escultura moderna. Con ellos se propuso crear obras abstractas dotadas de movimiento, que reflejaran, gracias a su dinamismo, los efectos cambiantes de la luz. Realizó móviles de muy distintos tamaños, algunos gigantescos, en los que se sirvió de piezas coloreadas de latón de formas abstractas, unidas por alambres o por cuerdas; suspendidos por lo general del techo, a consecuencia de su poco peso eran fácilmente movidos por el aire. Con estas obras, fue el primero en incorporar el movimiento a la obra de arte y se convirtió en el precursor del arte cinético. El gran éxito de los móviles explica que el creador recibiera encargos de los más diversos países y que sus obras embellezcan

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algunas de las principales ciudades del mundo. También realizó esculturas no móviles, grandes y de color oscuro, que a menudo reproducen monstruos o animales extraños. http://www.calder.org/ INICIO CALÍCRATES. (Arquitecto. Siglo V a.C.): Arquitecto griego, cuyos trabajos están relacionados con el desarrollo cultural de Atenas durante la época de Pericles. En la Acrópolis diseñó el templete de Atenea Niké, junto a los Propileos, y el Partenón, en colaboración con Ictinos, una de las obras maestras de la arquitectura griega, realizada en mármol. También fue autor de la elevada muralla que conectaba El Pireo con Atenas. http://harpy.uccs.edu/greek/parthenon.html INICIO CANO, ALONSO. (Escultor, pintor y arquitecto 1601-1667): Se formó como pintor y escultor en los dos talleres más importantes de la época: el de Pacheco, donde tuvo como compañero a Velázquez, y el de Martínez Montañés. Permaneció en Sevilla hasta 1638, trabajando sobre todo como escultor. Sus esculturas, tranquilas y de expresión melancólica no reflejan en absoluto su temperamento impetuoso y violento: fue encarcelado en varias ocasiones y se le llegó a acusar de asesinar a su esposa. Realizó retablos y figuras exentas, y sobre todo en estas últimas creó una tipología propia, caracterizada por siluetas esbeltas, ensanchadas en el centro y estrechadas hacia los pies. También consiguió dar un sello propio al tratamiento de los ropajes, en los que predomina la línea curva. Su obra más valorada es la Inmaculada Concepción de la catedral granadina. En 1638, el conde-duque de Olivares lo nombró pintor de cámara, por lo que se trasladó a Madrid, donde Felipe IV le encomendó la restauración de las colecciones reales. En la capital, Cano trabajó sobre todo como pintor, faceta en la que evolucionó desde un estilo marcado por los fuertes contrastes de claroscuro hacia obras de tonalidades más claras, influidas por el colorido veneciano. La última etapa de su actividad tuvo como escenario Granada, ciudad en la que residió a partir de 1652 y en la que obró la fachada de la catedral (que sustituyó a la de Diego de Siloé), una de las realizaciones más originales y atrevidas del barroco español. http://cvc.cervantes.es/actcult/cano/ INICIO CANOVA, ANTONIO. (Escultor. 1.757-1.822): Nacido en Italia, a causa de sus modestos orígenes familiares, no pudo realizar estudios artísticos y comenzó practicando otros oficios. En 1768, a raíz de su traslado a Venecia, empezó a dedicarse a la escultura y rápidamente alcanzó fama y prestigio. Sus primeras obras están impregnadas todavía del espíritu barroco. Cuando era ya un artista consagrado, se estableció en Roma, donde definió el estilo que lo caracteriza, inspirado en la Antigüedad clásica e influido por los principios teóricos de Winckelman, cuyas doctrinas se hallan en la base del nacimiento del estilo neoclásico. Sus primeras obras del período romano, como Teseo y el Minotauro, manifiestan ya la maestría técnica y la perfección en el acabado que le eran habituales. De hecho, todas sus obras fueron fruto de una larga elaboración, de una ejecución realizada con un detallismo casi artesanal. En su estudio romano desplegó una enorme actividad para poder atender todos los encargos que recibía de las más destacadas personalidades del momento, desde Napoleón hasta Catalina la Grande de Rusia. Era ya por entonces el principal escultor del estilo neoclásico. Su nombre se asocia esencialmente a esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos, que encarnan la belleza ideal y son frías y distantes. Plasmó la belleza natural en reposo, libre de

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cualquier movimiento espontáneo y con una monocromía y simplicidad que contrastan vivamente con la etapa precedente. En esta línea se inscriben sus dos creaciones más conocidas: el retrato de la hermana de Napoleón, Paulina Borghese, y Las tres Gracias. Paulina Borghese está esculpida como una Venus, sobre un diván, con la elegancia y la ligereza características de Canova. Las tres Gracias encarnan el desnudo femenino en toda su perfección. Canova tiene, además, el mérito de haber renovado profundamente el género del sepulcro monumental, gracias a los que esculpió para los papas Clemente XIII y Clemente XIV. Entre las muchas efigies oficiales que realizó es particularmente célebre el Napoléon desnudo, cabal ilustración de los ideales neoclásicos. http://www.museocanova.it/#inizio INICIO CARAVAGGIO. (Michelangelo Merisi. Pintor. 1571-1610): Principal figura de la pintura italiana de su tiempo, aprendió el arte pictórico a partir del estudio de las obras de algunos artistas venecianos. De 1592 a 1606 trabajó en Roma, donde destacó no sólo por su original enfoque pictórico, sino también por su vida irregular, en la que se sucedían lances y peleas. En su pintura, planteó una oposición consciente al Renacimiento y al manierismo. Siempre buscó la intensidad efectista a través de vehementes contrastes de claroscuro que esculpen las figuras y los objetos. Al evitar cualquier vestigio de idealización y hacer del realismo su bandera, pretendió que ninguna de sus obras dejara indiferente al espectador. Rechazó la característica belleza ideal del Renacimiento y eligió el camino del realismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de preparación previa. Sus primeras creaciones son fundamentalmente pinturas de género que combinan la figura humana con escenas de bodegón y naturaleza muerta. Constituye un ejemplo de esta primera etapa El tocador de laúd, donde un joven de belleza feminoide y sensual comparte protagonismo con frutas, flores y una serie de objetos relacionados con la música. En estas primeras obras resulta ya evidente el empleo estético de los juegos de luces y sombras, si bien el claroscuro sólo sirve aquí como creador de volúmenes y de profundidad, sin añadir a la acción efectos de dramatismo, como sería habitual en las creaciones posteriores. La cena de Emaús, una de sus obras maestras, caracterizada por tonos oscuros, sombras envolventes y haces de luz clara que inciden en puntos determinados, señala el comienzo del período de madurez del artista, quien se decanta abiertamente por la temática religiosa. Algunas de sus obras son rechazadas por el naturalismo con que aborda los pasajes bíblicos. A esta época corresponden las dos grandes realizaciones del artista: los retablos de la capilla Contarelli de San Luis de los Franceses y de la capilla Ceresi de Santa Maria del Popolo, con La vocación de San Mateo y El martirio de san Mateo el primero, y La crucifixión de San Pedro y La conversión de San Pablo el segundo. Son obras, todas ellas, dominadas por una intensa acción dramática, muy estudiadas desde el punto de vista compositivo. En 1606, Caravaggio mató a un hombre en una reyerta y se vio obligado a huir de Roma, adonde nunca pudo volver. Murió cuatro años después aquejado de malaria. http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/caravaggio/ INICIO CARLÍN, MAESE. (Arquitecto. Hacia 1378-1448): Nacido en Francia, fue un arquitecto itinerante, que desde su ciudad natal, Ruan, emigró a Barcelona y permaneció ya para siempre en los reinos hispánicos. Fue arquitecto de las catedrales catalanas de Barcelona y Lérida y finalmente recaló en Sevilla, donde inició su actual catedral, el mayor edificio gótico del mundo. Estaba formado en el Gótico Internacional y dominaba la decoración de pequeña escala. En Sevilla fue donde dio su verdadera talla, al resolver brillantemente el deseo megalómano del Cabildo hispalense, sirviéndose de materiales importados de baja calidad y canteros itinerantes, para crear un edificio grandioso. http://www.arquired.es/users/giralda/ INICIO

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CARRACI, ANIBALE. (Pintor. 1.560-1.609): Miembro, junto a su hermano Agostino y su primo Ludovico de una conocida familia de pintores italianos, de renombre en la Italia de su tiempo, en particular por su reacción contra la artificiosidad del manierismo y su propuesta de volver a la tradición de Rafael. Fundaron una academia privada de pintura, denominada Academia de los Encaminados, en la que consagraron su ruptura con el estilo vigente y propugnaron, entre otros enfoques novedosos, la copia del natural. Con su estilo basado en un dibujo excelente y un enfoque naturalista de la composición, ejercieron una enorme influencia, también fuera de Italia. En 1595, Anibale fue llamado a Roma por el cardenal Farnesio, siendo la decoración del palacio Farnesio su obra maestra. http://cgfa.sunsite.dk/carracci/ INICIO CASAS Y NOVOA, FERNANDO DE. (Arquitecto. ¿?-1.749): Fue el principal representante de la arquitectura barroca en Galicia. En 1711 sucedió a su maestro, al frente de las obras del claustro de la catedral de Lugo, finalizado en 1714. En esta obra y en varios conventos adoptó soluciones clasicistas, inspiradas en la arquitectura del siglo XVI. Pero a partir de 1725 evolucionó hacia el barroco más puro y vibrante en el que son sus obras maestras: la capilla de Nuestra Señora de los Ojos Grandes, en la catedral de Lugo, y, sobre todo, la fachada del Obradoiro, de la catedral de Santiago de Compostela, en la que movimiento, decoración y empuje vertical crean efectos de puro sabor barroco. http://www.archicompostela.org/Catedral/catedral.htm INICIO CÉZANNE, PAUL. (Pintor. 1.839-1.906): Pintor francés. Comenzó sus estudios en la facultad de Derecho, aunque pronto comprendió que su verdadera vocación era la pintura. Una vez en la capital francesa, en el Louvre descubrió la obra de Caravaggio y de Velázquez, y este hallazgo marcó profundamente su evolución artística. Conoció a Pizarro y gracias al contacto con él daría un giro radical en su estilo, desligándose de toda norma académica y de la paleta sombría y fuertemente empastada que le caracterizaba. Pintó paisajes y bodegones en los que se aprecia una mayor fluidez y vivacidad de los colores merced a la influencia de los impresionistas. Como sus coetáneos, se convenció de la importancia de pintar al aire libre, En 1872, realizó una colección de paisajes que inauguraron su denominado «período impresionista». En 1878 se estableció casi permanentemente en Provenza, alcanzando progresivamente la madurez expresiva que iba a configurar uno de los estilos más representativos e influyentes del arte del siglo XX. Llevó a cabo su actividad pictórica en una reclusión casi total. En 1886 pasó a instalarse en Aix, donde pintaría la serie de cuadros de la montaña de Sainte-Victoire. Cézanne continuó con su actividad prácticamente en el anonimato, hasta que en 1895 el marchante Ambroise Vollard organizó una exposición sobre su obra que fue bien recibida por la crítica, lo que le abrió las puertas del Salón de los Independientes cuatro años más tarde. El Salón de Otoño de 1904 le dedicó una sala de forma exclusiva, en lo que sería un acontecimiento fundamental para el devenir de las primeras vanguardias. Dicha exposición confirmó a Cézanne como el padre de cubistas y fauvistas, y ejerció un gran impacto sobre artistas como Picasso, Braque o Dérain. La tendencia constructivista de Cézanne fue la semilla que germinó en el movimiento cubista, además de ser pionero en su concepción del color, que trató como elemento pictórico independiente de la forma. Compaginó así el estilo directo y vivaz del impresionismo con la precisión en la composición, el ritmo y la cadencia en un intento de «solidificar el impresionismo», como él mismo declaró. http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/cezanne/ INICIO

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CHAFAR. (o Ya'far ibn Abd al-Rahman. Arquitecto. Siglo X): Desde su origen esclavo, fue ascendiendo en la corte de Abd al Rahman III hasta ocupar, con su hijo Al-Hakam II, el cargo de chambelán (o hachib, entre los años 961 y 972). Este califa le encargó realizar diversas actuaciones en la Mezquita de Córdoba; entre ellas, la edificación de doce crujías más, la construcción del lucernario de la actual capilla de Villaviciosa y el diseño del nuevo mirhab de la mezquita. Recientemente ha sido excavada la casa que habitó en la ciudad de Medina Zahara. http://cvc.cervantes.es/actcult/mezquita_cordoba/ INICIO CHALGRIN, JEAN-FRANÇOIS-THERESE. (Arquitecto. 1.739-1.811): Nacido en Francia, se dedicó a la arquitectura desde su primera juventud, decantándose por un estilo claramente neoclásico, en el que refleja las influencias de un viaje a Italia realizado cuando tenía veinte años. Fue autor del Arco de Triunfo levantado en 1.806 en la Plaza de L´Etoile, en París. http://www.artandarchitecture.org.uk/images/conway/846e92cf.html INICIO CHURRIGUERA, ALBERTO. (Arquitecto. 1676-1750): Miembro de una familia de arquitectos y escultores españoles, activos en Castilla durante los siglos XVII y XVIII. Su hermano José Benito fue el principal escultor y arquitecto de la familia, al que se debe la denominación de estilo «churrigueresco» que se aplica a las obras realizadas por él y por algunos de sus hermanos, en las que el recargamiento decorativo es lo esencial y domina sobre los elementos sustentantes hasta el punto de ocultarlos en algunos casos. Alberto, después de realizar la sacristía y el coro de la catedral nueva de Salamanca (1724), se ocupó de la magnífica plaza Mayor de Salamanca, concluida por A. García de Quiñones en 1755. http://www.salamanca2005.org/fichasabermas.asp?id=4 INICIO COMPTE, PERE. (Arquitecto. Segunda mitad s. XV): Autor del proyecto de la Lonja de la Seda o de los Mercaderes de la ciudad de Valencia. http://www.via-arquitectura.net/02_prem/02p-076.htm INICIO CORMONT, TOMÁS DE. (Arquitecto. Siglo XIII): Autor francés que recibió el encargo del rey Luis IX de Francia de edificar la Sainte Chapelle de París. (1.2421.248). http://www.monum.fr/prehome/prehome.dml INICIO COURBET, GUSTAVE. (Pintor. 1.819-1.877): Nacido en Francia, se Instaló en París desde 1839, estudiando la obra de los principales representantes de las escuelas flamenca, veneciana y holandesa de los siglos XVI y XVII. Sin embargo, no alcanzó plenamente su madurez artística hasta que descubrió las obras de Rembrandt en un viaje que realizó a los Países Bajos. Hombre revolucionario y provocador, abrazó la filosofía anarquista participó en 1871 en la Comuna de París y fue encarcelado durante seis meses, hasta que se refugió en Suiza, hacia 1873. Escandalizó al público con su nueva visión realista en cuadros sobre hechos cotidianos, como El entierro en Ornans (1850) puesto que los personajes están representados con toda su vulgaridad, o con una sensualidad comprometedora. http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/courbet/ INICIO DALÍ, SALVADOR. (Pintor. 1.904-1.989): Tras una infancia transcurrida en la costa mediterránea, Dalí estudió en una academia de bellas artes en Madrid con un profesor que había enseñado también a Picasso. Pronto empezó a leer a Freud y a estudiar filosofía y, por las revistas de arte, supo del cubismo y el futurismo. Tras un corto período en el que intentó reconciliar el cubismo con la técnica de los viejos maestros, creó su propio mundo imaginario: perspectivas lejanas de paisajes marinos, claros y

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luminosos, con un primer plano en que aparecían elementos tan poco relacionados entre sí como remedos de despojos anatómicos y aparatos mecánicos. En 1924 Dalí irrumpió en la vida pública. Entró en contacto con el movimiento surrealista, pintó su famoso cuadro La sangre es más dulce que la miel, invitó a los surrealistas de París a trasladarse a Cadaqués y definió su arte, bastante adecuadamente, como «actividad crítico-paranoica». Hacia 1930 empezaron a actuar en la obra de Dalí otras influencias más convencionales y sus antiguos camaradas denunciaron su técnica como «ultrarretrógrada y académica». En 1940 se trasladó a Estados Unidos, donde obtuvo grandes éxitos económicos. Egocéntrico, extravagante contradictorio hasta dar a la paradoja el valor de categoría, asombró con su polifacetismo. El surrealismo, al que anduvo mezclado en sus años mejores, aunque sin integrarse de lleno en el movimiento, fue fuente de inspiración de gran parte de su obra, de la más auténtica sin duda. Así esa serie de excelentes exploraciones del mundo onírico que son La persistencia de la memoria (1931), La metamorfosis de Narciso (1936), El hombre invisible. Su obra importante, medular, es la producida entre los años 1929 y 1939, años de plenitud, de búsqueda frenética, de teorización de la paranoia-crítica. Esa vasta colección de imágenes creadas a impulso de una fuerte presión psíquica, de frenesí onírico. En años posteriores sigue otros rumbos, se embebe en la contemplación del Renacimiento, en la imitación de los genios de Florencia y de Roma, en un academicismo sin salida. .http://www.salvador-dali.org/esp/ INICIO DANCART PYETER. (Escultor y retablista. Segunda mitad s. XV): de origen flamenco, fue autor de las trazas del retablo Mayor de la Catedral de Sevilla, obra que se realizó en sucesivas fases a lo largo de casi un siglo, comenzándose en 1482. Dancart diseñó un retablo de veinte metros de alto por dieciocho de ancho, con cuatro cuerpos de altura mas un banco y, en vertical, siete calles. Prosiguió su trabajo en el retablo hasta 1488, año en que falleció. http://www.catedralsevilla.org/patrimonio/retablos.htm INICIO DAVID, LOUIS. (Pintor. 1748-1825): nacido en Francia, viajó a Roma en 1776. Su estancia en Italia resultó decisiva, no sólo porque le permitió entrar en contacto con los clásicos, sino también porque lo sumergió en el clima artístico de la época, caracterizado por la difusión de las ideas que dieron origen al neoclasicismo. Abrazó con convicción la nueva tendencia y llegó a convertirse en uno de los principales protagonistas del neoclasicismo europeo. Para David, el neoclasicismo fue el vehículo para oponerse a la frivolidad del rococó y superarla, y también para exaltar a través de la pintura unos ideales éticos, como la honestidad o el triunfo del sentido del deber. En 1784, El juramento de los Horacios lo consagró como un gran maestro de la pintura; el rigor compositivo, la solemnidad y la subordinación del color al dibujo constituyen toda una exaltación de los ideales del neoclasicismo. Desde entonces hasta su muerte, fue una figura reconocida. Participó activamente en la Revolución Francesa (fue diputado) y después de un breve paso por la cárcel se convirtió en pintor oficial de Napoleón, del que realizó excelentes retratos (La coronación de Napoleón y Napoleón cruzando los Alpes). De sus obras del período revolucionario son emblemáticas el inacabado Juramento del Jeu de Paume y Marat asesinado, que forma parte de una trilogía de exaltación a los héroes de la Revolución. Tras la caída de Napoleón, se exilió en Bruselas. http://www.abcgallery.com/D/david/david.html INICIO

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DEGAS, EDGAR. (Pintor. 1.834-1.917): Pintor impresionista francés, desde el comienzo de su carrera reconcilió a su gusto los elementos más diversos del arte francés y así aprendió tanto del clásico Ingres como del romántico Delacroix. Estudió también al olvidado naturalista Corot. Pero su espíritu creador le llevó a engrosar el grupo de los radicales, que más tarde se apellidarían impresionistas. En 1862, en su preocupación por captar el movimiento, comenzó a abordar temas tan poco corrientes como las carreras de caballos. Las bailarinas, con sus posturas estilizadas, se convirtieron en su tema favorito y más famoso. Degas participó en la primera exposición colectiva de los impresionistas (1874). La exposición provocó un escándalo, pero el grupo continuó existiendo y realizó otras siete exposiciones que, aunque siempre encarnizadamente atacadas, terminaron coronando de gloria a los supervivientes. A diferencia de la mayor parte del grupo, se interesó principalmente por la composición y la concepción, no por la técnica revolucionaria o los problemas del color. Se diferenció también de los demás en que, mientras éstos se inclinaban por la pintura al aire libre, él prefería trabajar en el estudio. Comenzó a interesarle la técnica del pastel, con la que logró efectos vibrantes de color. Hacia el fin de su dilatada vida, al fallarle la vista, comenzó a trabajar con las manos tanto como con los ojos y se dedicó a modelar esculturas en cera y yeso. http://cgfa.sunsite.dk/degas/ INICIO DELACROIX, EUGENE. (Pintor. 1.798-1.863): Pintor francés, debe sus rasgos estilísticos a Géricault, coetáneo a l que admiró, y también a Rubens y los venecianos. Fue así mismo un gran admirador de la pintura inglesa. Ya en sus primeras obras se inclina por temas que le permiten expresar una gran intensidad emocional, plasmada con colores brillantes y gran libertad expresiva. Son estas creaciones las que lo convierten en la gran figura del Romanticismo francés, estilo del que se consideran obra particularmente significativa La Libertad guiando al pueblo. En ella, las figuras dibujan una línea diagonal, que constituye el eje compositivo del cuadro, al estilo de Rubens, creando una intensa sensación de movimiento y vitalidad. Su viaje a Marruecos en 1832 marca el inicio de su segundo período estilístico, en el que abundan los temas marroquíes (Mujeres de Argel), en composiciones mucho más pausadas aunque también típicas del Romanticismo por su carácter exótico y por el uso del color, que adquiere un protagonismo constructivo y compositivo inhabitual hasta entonces. Al final de su vida se convirtió en el gran decorador de interiores de París, con obras para el palacio Borbón o el palacio de Luxemburgo. http://www.artcyclopedia.com/artists/delacroix_eugene.html INICIO DESPUIG, RAMÓN. (Arquitecto. S. XIV): Autor catalán que colaboró con Berenguer de Montagut en la dirección de las obras de la iglesia de Santa María del Mar, en Barcelona. http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc37b.html INICIO DONATELLO. (Donato di Betto Bardi. Escultor. 1.386-1.466): Autor florentino, junto con Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los creadores del estilo renacentista. Se formó con Ghiberti, pero desde sus comienzos desarrolló un estilo propio basado en la fuerza emocional, y en un singular sentido del movimiento. Su revolucionaria concepción de la escultura resulta evidente ya en las grandes estatuas para nichos destinadas a Orsanmichele y la catedral de Florencia, de carácter grave y realista, como el San Marcos y el San Jorge, su primera obra famosa. Tras asociarse con su aprendiz Michelozzo, Donatello emprendió a partir de 1427 la realización en Pisa de la

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tumba del cardenal Brancacci, en la que esculpió en relieve el tema de la Asunción de la Virgen. Poco después, se inició en el arte de la fundición en bronce. Más tarde, realizó la famosa Cantoría para la catedral de Florencia, en la que recreó libremente algunos motivos clásicos. Poco posterior es su escultura exenta más famosa, el David en bronce, comparable en ciertos aspectos al San Jorge de su etapa anterior. En 1443 se estableció en Padua, tras recibir el encargo de esculpir la estatua ecuestre del Gattamelata, la primera de tamaño natural desde la Antigüedad. Realizada al estilo del Marco Aurelio romano, posee la fuerza expresiva característica de sus estatuas anteriores, que se transmite también al caballo. En la misma ciudad obró el retablo mayor del santuario de San Antonio. Donatello volvió en 1454 a Florencia, donde esculpió sus obras de mayor fuerza emocional en las que trabajó las posibilidades expresivas de la deformación. A este período corresponde la sublime María Magdalena, en madera. http://www.thais.it/scultura/donatell.htm INICIO DUCHAMP, MARCEL. (Pintor. 1.887-1.968): Francés nacionalizado estadounidense, recaló en París a la edad de diecisiete años. En su faceta como pintor, que hubo de simultanear con el trabajo de caricaturista, pasó rápidamente por todas las tendencias artísticas en boga – impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo– sin comprometerse con ninguna; este afán experimentador e inquieto iba a ser una de las constantes de su fecunda trayectoria. En 1912 presentó su Desnudo bajando una escalera, n.º 2, obra en la que aunó elementos cubistas con futuristas y sus propias inquietudes sobre la representación del movimiento. La pintura fue rechazada por el Salón de los Independientes y tuvo que esperar un año para ser expuesta, siendo recibida con tanto entusiasmo como sorpresa. Tras realizar unos pocos cuadros más, abandonó la pintura, en lo que iba a ser un giro permanente en su trayectoria. En 1913 inició los estudios preparatorios para la obra El gran vidrio, o la novia desnudada por sus pretendientes, una especie de síntesis entre pintura y escultura de radical originalidad. Durante esa misma época realizó sus primeros ready-made, esto es, objetos cualesquiera sometidos a muy escasa y en ocasiones nula alteración material, elevados a la categoría de arte por la mera voluntad del artista. Uno de ellos, un orinal firmado con seudónimo que tituló Fuente, constituye uno de los iconos más significativos del arte del siglo XX. http://www.duchamp.org/ INICIO EIFFEL, GUSTAVE. (Ingeniero y arquitecto. 1.832-1.923): Nacido en Francia, se graduó en la Escuela de Artes y Oficios de París, especializándose en la construcción de estructuras metálicas. En 1877 diseñó el impresionante arco de metal de 160 metros del puente sobre el Duero, cerca de Oporto. Poco más tarde superó su propia marca con el viaducto de Garabit, durante muchos años el tendido artificial más alto del mundo (120 metros). Pionero a la hora de considerar el factor aerodinámico en sus construcciones, realizó obras tan diversas como la estructura metálica de la estatua de la Libertad, en Nueva York. Sin embargo, su mayor logro fue la impresionante torre de acero situada en París y que fue bautizada con su nombre. http://www.tour-eiffel.fr/ INICIO ENRIQUE, MAESTRO. (Arquitecto. Mediados del s. XIII): Probablemente de origen francés, participó en la dirección de las obras de la catedral de Burgos, labor que simultaneó también con la dirección de obras en la catedral de León, hasta su fallecimiento en torno a 1.277. http://www.catedraldeburgos.es/ INICIO

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ESCOPAS. (Escultor. Siglo IV a. C.): Nacido en la isla de Paros (actual Grecia), es considerado, como Praxíteles y Lisipo, una de las grandes figuras de la escultura griega del siglo IV a.C. En su juventud trabajó en el templo de Artemisa en Éfeso y, ya en su madurez, siendo un artista famoso, en el mausoleo de Halicarnaso. Su obra se conoce sobre todo a través de copias del período helenístico. En ellas se advierte un estilo caracterizado por el trazo nervioso y una gran intensidad dramática, precursora de la carga emocional típica de la escultura helenística. Destaca su Ménade, representativa del movimiento y la gracia. http://www.insecula.com/contact/A007539.html INICIO ESTEBAN, MAESTRO. (Arquitecto y escultor. Fines s. XI-Comienzos s. XII): Participó en las obras de la Catedral de Santiago de Compostela, para las que fue contratado, en torno al año 1.100 por el obispo Gelmírez. Entre otras tareas, dirigió la construcción de la Puerta de las Platerías, finalizada en el año 1.103. Posiblemente, también llevó a cabo trabajos en la comarca de las Cinco Villas, destacando la labores de la iglesia de Santa María del Perdón de Sos del Rey Católico. http://www.fuenterrebollo.com/Heraldica-Piedra/compostela.html INICIO FERNÁNDEZ, GREGORIO. (Escultor. 1.576-1.636): Nada se conoce de sus primeros años, sólo que a partir de 1605 estaba activo en Valladolid, donde contaba ya con taller. Fue uno de los grandes maestros de la escultura religiosa en madera policromada de la escuela castellana de los siglos XVI-XVII. Heredó de Juan de Juni la tradición de las imágenes religiosas cargadas de dramatismo, pero incorporó al lenguaje de su antecesor un mayor naturalismo. De hecho, evolucionó desde una primera etapa bastante vinculada al dramatismo hasta una segunda fase en la que impuso un gran naturalismo, presente en los gestos, las actitudes, y sobre todo en la policromía; en este campo, exigió a los policromistas que trabajaron para él que abandonaran el oro y los tonos brillantes para iluminar las figuras con colores inspirados en el natural. De su primera etapa, las obras más destacadas son el retablo de San Miguel y la Piedad del convento de San Francisco, ambos en Valladolid. A su segunda época, la de mayor calidad, corresponden el extraordinario Cristo yacente del Museo Natural de Escultura, una talla de un verismo difícilmente superable, y los pasos procesionales del Descendimiento y la Flagelación, realizados para la iglesia de la Vera Cruz de Valladolid. Creó varios tipos iconográficos (la Inmaculada, Santa Teresa, la Magdalena penitente) que fueron después muy imitados y alcanzó un alto grado de virtuosismo en sus realizaciones tanto en los retablos, de gran sobriedad ornamental, como en las figuras aisladas y los pasos procesionales. http://www.mne.es/espanol/musycole/gfernand.htm INICIO FIDIAS. (Escultor. H. 490 a.C.- H. 431 a.C.): Nacido en Atenas, fue el artista más famoso del mundo clásico, y el maestro que llevó la escultura a las cotas más altas de perfección y armonía. Se conoce muy poco de su formación. Vivió en la época de Pericles, quien se convirtió en su principal protector. Básicamente trabajó en y para Atenas, sobresaliendo tanto en la escultura exenta como en el relieve. Su primera obra conocida es la Atenea Lemnia, una estatua destinada a la Acrópolis de Atenas, de la que se conservan copias parciales. En el año 438 a.C. esculpió la Atenea Partenos, que le significó la fama. La estatua, de nueve metros de altura, la muestra como una diosa guerrera, con escudo y casco, preparada para la defensa de la ciudad. La obra se conoce a través de copias de menor tamaño. Para el santuario de Olimpia Fidias realizó la estatua criselefantina de Zeus, considerada una de las siete maravillas del mundo antiguo. Era una estatua sedente del dios, de doce metros de altura.

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Pero lo que engrandeció el nombre de Fidias es la decoración escultórica del Partenón, que incluía un friso en bajorrelieve de ciento sesenta metros de longitud, dos frontones decorados con figuras exentas y noventa y dos metopas en altorrelieve. Si bien diseñó todo el conjunto, Fidias ejecutó una pequeña parte, pese a lo cual esta obra constituye una muestra indiscutible de su genio. La mayoría de las piezas se encuentran en el British Museum de Londres, destacando el grupo de las Tres Parcas y los fragmentos de la Procesión de las Panateneas, sobre todo el grupo de los dioses del Olimpo, donde destaca el magistral tratamiento de las telas, que se adhieren al cuerpo y dibujan sus contornos. A la caída de Pericles, el escultor fue acusado de malversación del oro destinado a la estatua de Atenea, y pese a demostrar su inocencia, fue acusado de impiedad y encarcelado, por haber incluido su retrato y el de Pericles en el escudo de la diosa Atenea. Según algunos, murió en la cárcel; al decir de otros, consiguió fugarse y se exilió en Olimpia, donde han sido excavados los restos de su taller. http://www.uk.digiserve.com/mentor/marmoles/index.htm INICIO FIGUEROA, LEONARDO. (Arquitecto. 1.650-1.730): Fue la personalidad más destacada de la arquitectura sevillana en el período de transición del Barroco al rococó (hospital de los Venerables Sacerdotes, iglesia de San Luis y fachada del palacio de San Telmo e Iglesia Colegial del Divino Salvador), en Sevilla). http://www.colegialsalvador.org/ INICIO FRIEDRICH, CASPAR DAVID. (Pintor. 1.774-1.840): Fue el paisajista más notable del romanticismo alemán. En sus pinturas se encuentra un sentimiento de profundo pánico ante la naturaleza (Dolmen en la nieve, 1807) y el conocimiento de la insuficiencia del hombre frente a su grandeza (El viajero frente al mar de niebla, 1818). El significado de sus obras se va enriqueciendo por frecuentes referencias a la mitología alemana. En las pinturas más tardías, el valor simbólico se hace más evidente en la elección del tema y en la simplificación de las formas. El artista prefirió el paisaje en determinadas horas del día, cuando se presta a correlaciones psicológicas más directas, como en las obras donde aparecen, aisladas y casi perdidas, pequeñas figuras humanas (Dos hombres contemplando la luna). http://www.blue.fr/friedrich/ INICIO GARGALLO, PABLO. (Escultor. 1.881-1.934): Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona y sus primeros trabajos estuvieron vinculados a la tradición realista. Sin embargo, en 1911 su tendencia artística experimentó un profundo cambio a raíz de su encuentro con Picasso durante una estancia en París: la influencia del arte primitivo estuvo presente en la realización de sus máscaras y de sus figuras de metal. En 1914 regresó a Barcelona, donde le fue asignada la cátedra de escultura de la Escuela Superior de Artes y Oficios, en la que ejerció hasta 1924. Con el advenimiento de la dictadura de Primo de Rivera volvió a París, donde se afincó definitivamente. En su última etapa creativa, la pintura de Modigliani influyó en el desarrollo de sus figuras, de entre las cuales destaca El profeta (1933). http://www.zaragoza.es/azar/ayto/cultura/museos/gargallo/ INICIO GAUCHER DE REIMS. (Arquitecto. Mediados siglo XIII): De origen francés, trabajó en la catedral de Reims, una vez que las obras estaban ya iniciadas. Su labor se extendió a la prolongación de naves y a la fachada de los pies. http://www.cathedrale-reims.com/ INICIO GAUDÍ, ANTONIO. (Arquitecto. 1.852-1.926): Su obra se inscribe dentro del movimiento modernista, aunque lo supera ampliamente por la originalidad de sus

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concepciones y su capacidad para romper moldes y crear nuevas soluciones. Tras estudiar arquitectura en Barcelona, colaboró en algunos despachos de renombrados arquitectos. En 1883 fue nombrado arquitecto del templo de la Sagrada Familia, obra que ocupó toda su vida y que se considera su principal realización artística, a pesar de que quedó inconclusa.. En los primeros años, compaginó su trabajo en el templo con diversos encargos civiles, como la villa de El Capricho, en Comillas. Por entonces entró en contacto con el conde de Güell, con el que mantuvo una relación casi de mecenazgo renacentista, quien le encargó algunos pabellones para su finca de Pedralbes y el palacio de la calle Nou de la Rambla, donde Gaudí introdujo nuevos elementos constructivos como el arco parabólico. Luego se ocupó del palacio episcopal de Astorga. Bastan estas obras de la primera época para señalar algunas de las constantes de su arquitectura, desde su peculiar recreación del gótico hasta su predilección por las formas curvas y dinámicas, la aplicación a la arquitectura de técnicas de decoración artesanas (vidrieras, hierro forjado, muebles diseñados por él mismo) y su singular empleo de los mosaicos de fragmentos de cerámica de vivos colores. En 1891 abordó la fachada del Nacimiento de la Sagrada Familia, de cuyas cuatro torres sólo se había construido una a la muerte del arquitecto, la que dio la pauta para el bosque de torres en que debía convertirse el templo. En lo sucesivo, sus principales encargos fueron inmuebles de pisos, como la casa Batlló y la casa Milà, más conocida como La Pedrera y culminación en cierto modo del genio de Gaudí por la singular concepción de su fachada ondulada de piedra y hierro forjado y por el conjunto de chimeneas helicoidales de la azotea. Por último, su mentor, Eusebio Güell, le confió dos encargos de gran envergadura: una colonia obrera en Santa Coloma de Cervelló, de la que sólo se completó la iglesia y una ciudad-jardín, que también quedó inconclusa y es en la actualidad un parque público (el parque Güell), que integra los distintos pabellones realizados por el arquitecto, así como un espacio columnado (que según el proyecto original debía destinarse al mercado) y la plaza, con un original banco corrido de azulejería. http://www.ctv.es/USERS/ags/GAUDI2.htm INICIO GAUGUIN, PAUL. (Pintor. 1.848-1.903): Pintor y escultor francés. Tras el golpe de Estado de Napoleón III (1851), huyó con sus padres a Lima. En 1871 regresó a París y empezó a desarrollar un fuerte interés por el arte que le condujo a tomar clases de pintura y a reunir una impresionante colección de obras impresionistas con trabajos de Manet, Cézanne, Monet y Pissarro. En 1875 trabó conocimiento con este último y empezó a trabajar con él; resultado de tan fecunda colaboración fue la invitación a participar en la quinta Exhibición Impresionista de 1880. En 1884 se trasladó a Copenhague, residencia familiar del padre de su esposa, en busca de apoyo económico, pero su empeño fracasó y poco después abandonaría a esposa e hijos. A partir de ese momento vivió en la penuria, rechazado por una sociedad que en breve iba a aborrecer. Entre 1886 y 1888 su obra experimentó un giro radical, cuyo origen cabe buscar en dos experiencias vitales de gran importancia: su encuentro con Van Gogh y su primer viaje a la Martinica. Gauguin conoció al pintor holandés en París y quedó fuertemente impresionado por el modo en que conseguía plasmar sus inquietudes vitales en unos lienzos rebosantes de expresividad. En 1888 se desplazó a Arles con la intención de trabajar conjuntamente, pero las incompatibilidades de carácter dieron espectacularmente al traste con el proyecto al cabo sólo de pocas semanas. Poco antes, Gauguin se había trasladado durante un tiempo a la colonia francesa de la Martinica, donde entró en contacto con un paisaje repleto de sensual colorido y una sociedad, la indígena, en estrecha convivencia con la naturaleza. Ambos factores se unieron para despertar en el artista una aguda nostalgia por lo primitivo, cauce en el

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que iba a encontrar una vía idónea para expresarse. De resultas de sus propias experiencias en la Martinica iba a surgir el sintetismo, estilo personal caracterizado por la representación no imitativa y la separación de la imagen pictórica en zonas de color fuertemente contrastadas y a menudo delineadas en negro. Dicho estilo, con su rechazo frontal al uso de trucos formales para recrear la percepción visual, significó una ruptura absoluta, desde el punto de vista conceptual, con el impresionismo que otrora había abrazado, razón por la cual es considerado por la historiografía del arte como postimpresionista (junto con Van Gogh y Cézanne). Entre 1891 y 1903 efectuó largas estancias en Tahití y las islas Marquesas, donde su primitivismo fue atemperándose. http://www.gauguin.com/ INICIO GHIBERTI, LORENZO. (Escultor y orfebre. 1.378-1.455): Nacido en Florencia, donde vivió toda su vida, comenzó su actividad artística como orfebre. En 1401, participó con El sacrificio de Isaac en el concurso para la realización de las segundas puertas del baptisterio de Florencia, en el que resultó ganador, imponiéndose, entre otros, a Brunelleschi. Este hecho marcó su vida, ya que una obra de tal envergadura requirió la creación de un importante taller, que fue el principal de Florencia a lo largo de medio siglo, por lo que se formaron en él destacadas figuras, como Donatello. Las puertas norte, realizadas de 1403 a 1424, incluyen veinte episodios de la vida de Cristo y ocho figuras de santos, talladas con el estilo elegante y lleno de detalles que caracteriza la escultura gótica. En 1425, el gremio de comerciantes de Florencia, le pidió que se ocupara también de las puertas este, que centraron su actividad hasta 1452. Sus diez grandes plafones de bronce dorado representan escenas del Antiguo Testamento en un estilo diferente al anterior, por sus figuras poderosas, construidas sobre fondos de paisaje en los que se aplican las reglas de la perspectiva renacentista. Son, pues, estas puertas una obra típica ya del Renacimiento, hasta el punto de que muchas grandes figuras del arte viajaron a Florencia para admirarlas. Miguel Ángel las consideró dignas de ser las puertas del Paraíso, nombre con el que se las designa. Ghiberti esculpió también algunas estatuas de bronce para la iglesia florentina de Orsanmichele y escribió una autobiografía, la primera que se conserva de un artista. http://www.francescomorante.it/pag_2/202d.htm INICIO GILESBERTO. (Escultor. Mediados s. XII): Autor del famoso Juicio Final (1140), que figura en la portada de la Iglesia de San Lázaro de Autun (Francia). http://homepage.uvt.nl/~s239062/EDIFICES/autun.htm#histo http://www.art-roman.net/autun/autun.htm INICIO GIOTTO DI BONDONE. (Pintor y arquitecto. 1.267-1.337): Italiano, fue el primer creador italiano en superar las tendencias bizantinas de la pintura y explorar unas orientaciones que acabaron por desembocar en la gran revolución artística del Renacimiento. Se formó con Cimabue. La obra más antigua que se le atribuye son los frescos de la iglesia superior de Asís, en concreto la Historia de San Francisco, si bien esta atribución constituye uno de los problemas más debatidos de la historia del arte ya que, aunque su presencia en Asís está documentada hacia 1290, existen demasiadas diferencias estilísticas entre esta obra y otras asignadas con seguridad al maestro. En 1304 Giotto se trasladó a Padua para pintar los frescos que la familia Scrovegni le encargó en una capilla de su propiedad, denominada de también la Arena. Estos frescos, los únicos que se asignan con certeza al maestro, incluyen un Juicio Final, una Anunciación y escenas de la Vida de la Virgen y de la Pasión de Cristo, bajo los cuales figuran personificaciones de virtudes y vicios. La obra en su

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conjunto denota una nueva concepción de la pintura, por la atención que presta el artista tanto a la perspectiva como a la unificación del espacio, que acierta a integrar las figuras con los elementos arquitectónicos. Realza la solemnidad y el dramatismo que impregnan estas escenas el empleo de colores puros y matizados. A partir de 1317 trabajó en Florencia en la decoración de dos capillas de la iglesia de la Santa Croce. Las escenas de la Vida de San Francisco pintadas en la capilla Bardi anuncian los ideales pictóricos del Quattrocento. La obra más relevante de los últimos años de su vida fue el campanile de la catedral de Florencia, del que trazó los planos y comenzó la construcción. http://www.christusrex.org/www1/francis/ INICIO GÓMEZ DE MORA, JUAN. (Arquitecto. 1586-1648): El Renacimiento italiano y la obra de Juan de Herrera fueron las dos fuentes en las que se inspiró para sus edificios, ordenados y dominados por la simetría, aunque enriquecidos con una mayor profusión decorativa que los de sus modelos. Trabajó principalmente en Madrid, al servicio de la corte, y fue uno de los grandes arquitectos del siglo XVII. Entre sus obras maestras se encuentran el convento madrileño de la Encarnación, la Plaza Mayor de Madrid, la Quinta de la Zarzuela y la Clerecía de Salamanca. Aunque las líneas de sus obras son esencialmente clasicistas, por su tendencia al enriquecimiento decorativo sus edificios se consideran transición al barroco. http://www.bluffton.edu/~sullivanm/spain/madrid/plazamayor/plaza.html INICIO GONZÁLEZ, JULIO. (Escultor y pintor. 1.876-1.942): Hijo y nieto de orfebres, esta estrecha relación con las técnicas de metalistería y las artes aplicadas, influirá grandemente en su carrera. Muy joven aún, realiza con éxito su primera exposición. En París, adonde en 1900 se traslada su familia, se une al grupo de Picasso, al que ya conocía de Barcelona. En esta época, sin abandonar su labor escultórica, cultiva principalmente la pintura, actividad a la que una lenta evolución le hará renunciar definitivamente. Trabaja en ambas ramas artísticas a la vez e inicia en la escultura sus experiencias con metales forjados. En 1910 comienza su verdadera carrera de escultor. Atraído por la estética cubista, acusa esta tendencia en sus primeras máscaras. A partir de 1927 emplea en sus trabajos distintos metales, que considera adecuados al desarrollo de su nueva concepción de las estructuras formales. En ellas trata de sustituir la noción estática de masa por una sensación de equilibrio dinámico nacido de las relaciones de fuerzas, buscando una expresión cada vez más estilizada, sintética y primitiva. Partiendo de la realidad del objeto, avanza gradualmente por el dominio de la abstracción hasta llegar, mediante la sustracción de lo accidental, a la esquematización extrema de la forma. Introduce el empleo de los recortes metálicos y la soldadura autógena y por estas experiencias técnicas puede considerársele como un precursor de las corrientes escultóricas de nuestros días. Destacan entre sus obras principales Campesina, La Montserrat y los Hombres-cactus. http://www.artcyclopedia.com/artists/gonzalez_julio.html INICIO GOYA, FRANCISCO DE. (Pintor. 1.746-1.828): Pintor y grabador, Goya fue el artista europeo más importante de su tiempo y el que ejerció mayor influencia en la evolución posterior de la pintura, ya que sus últimas obras se consideran precursoras del impresionismo. Aprendió de su padre el oficio de dorador, pero, decidido a dedicarse a la pintura, se trasladó a Madrid para formarse junto a Francisco Bayeu. En 1775, se estableció definitivamente en Madrid y Bayeu le proporcionó trabajo en la Real Fábrica de Tapices, para la que realizó sesenta y tres cartones, en su mayor parte con escenas idílicas y de la vida diaria, plasmadas con colores claros y vivos e impregnadas de alegría y romanticismo.

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Simultáneamente, Goya empezó a pintar retratos y obras religiosas que le dieron un gran prestigio, hasta el punto de que en 1789 fue nombrado pintor de corte por Carlos IV. Diez años más tarde, en 1799, pintó para el soberano el famoso retrato La familia de Carlos IV, que se considera una de sus obras maestras. Es un retrato oficial, formal en apariencia, pero en el que el autor se permite cierta ironía al plasmar a los personajes con un realismo crítico. Goya trabajó como retratista no sólo para la familia real, sino también para la aristocracia madrileña, y de hecho entre estos retratos se encuentran algunas de sus obras más valoradas, como La condesa de Chinchón o las famosas La maja vestida y La maja desnuda. En los retratos de Goya destaca, en líneas generales, su atento estudio de las posturas y las expresiones, así como los contrastes de luces y sombras que realzan la figura del protagonista. Hacia 1799, el pintor concluyó una de sus grandes series de grabados, Los caprichos, ochenta y dos aguafuertes que constituyen una crítica feroz de la sociedad civil y religiosa de la época. En esta serie aparecen ya algunos personajes extraños y macabros que acabarán protagonizando obras posteriores del maestro. Por esos mismos años, Goya se ocupó de la decoración al fresco de la ermita de San Antonio de la Florida, donde realizó una obra de gran impacto escenográfico. En 1808, la invasión de España por las tropas napoleónicas colocó al artista en una situación delicada, ya que mantuvo su puesto de pintor de corte con José Bonaparte. Pese a todo, no se privó de plasmar los horrores de la guerra en obras como El 2 de mayo y Los fusilamientos del 3 de mayo, que reflejan los acontecimientos de aquellas fechas en Madrid. Además, en los sesenta y seis grabados de Los desastres de la guerra (1810-1814), dio testimonio de las atrocidades cometidas por los dos bandos y acentuó visualmente la crueldad de la guerra como protesta contra ella. Por haber trabajado para José Bonaparte, el artista cayó en desgracia tras la restauración de Fernando VII, y en 1815 se retiró de la vida pública. En 1819 experimentó una recaída en la misteriosa enfermedad que en 1792 lo había dejado completamente sordo. Ello, unido a su nueva vida en soledad en la Quinta del Sordo, casa solariega que había comprado poco antes, debió de contribuir a la exacerbación imaginativa de que el artista dio muestras en la decoración de su nueva vivienda: catorce murales de gran tamaño con predominio de los tonos marrones, grises y negros, sobre temas macabros y terroríficos. Estas obras, conocidas en la actualidad como Pinturas negras, han contribuido con el paso de los años a la consolidación del reconocimiento del genio de Goya, tanto por su originalidad temática como por su técnica pictórica de pincelada amplia y suelta. El pintor se trasladó en 1824 a Burdeos, donde residió hasta su muerte sin dejar de cultivar la pintura y el grabado. La lechera de Burdeos y algunos retratos ilustran la evolución del genio hacia una concepción de los valores plásticos que anuncia el impresionismo. http://goya.unizar.es/ INICIO GRECO, EL. (Doménicos Theotocópoulos; 1541-1614): Aunque nacido en Creta, que en aquella época pertenecía a la República de Venecia, El Greco desarrolló su peculiar estilo y la mayor parte de su trayectoria artística en España. Se formó en su isla natal como pintor de iconos, antes de trasladarse a Venecia, donde conoció la obra de Tiziano y Tintoretto, artistas que, junto con Miguel Ángel, fueron los que más influyeron en su pintura. A partir de 1570, tras una estancia de siete años en Roma, El Greco se trasladó a Toledo para realizar un retablo para la iglesia de Santo Domingo el Antiguo. Llevaba diez años en Toledo cuando Felipe II le encomendó una obra para el monasterio de El Escorial; pero El martirio de san Mauricio no gustó al soberano español, quien ya nunca volvió a contar con el artista. Ello supuso una decepción enorme para El Greco, ya que aspiraba a convertirse en pintor de corte, pero no entorpeció

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su carrera, puesto que era ya un pintor solicitadísimo tanto por los aristócratas como por los eclesiásticos toledanos. No es de extrañar, por tanto, que su obra sea extraordinariamente fecunda. El Greco creó su peculiar estilo después de su establecimiento en Toledo, seguramente influido por el fervoroso ambiente religioso de la ciudad. Sus figuras alargadas, pintadas con pincelada fluida, parecen criaturas inmateriales, carentes de solidez física e imbuidas de una intensa espiritualidad. A ello hay que añadir su paleta originalísima, de colores fríos, que consigue efectos sorprendentes con los rojos, los azules y en particular los blancos, de una rara intensidad y nitidez. Aunque pintó sobre todo obras religiosas, se le deben también importantes retratos (El caballero de la mano en el pecho). La obra más admirada de El Greco es El entierro del conde de Orgaz, por el hecho de que se valió de este acontecimiento para dejar constancia del momento en que le tocó vivir; para ello, dividió el cuadro en dos planos, uno celestial en la parte superior y otro terrenal en la inferior, de tal modo que la obra es al mismo tiempo un cuadro religioso y un retrato de grupo. El plano superior, el celestial, no se aparta de sus restantes obras religiosas y presenta idéntico misticismo y parecida intensidad dramática; la novedad se encuentra en el plano terrenal, donde los principales personajes del Toledo de la época, incluidos el propio pintor y su hijo, aparecen reproducidos con absoluta fidelidad. De la producción religiosa de El Greco cabe destacar El Expolio de Cristo, El Bautismo de Cristo, y diversos Apóstoles, en los que resulta admirable la expresividad de los rostros y los ademanes. En los últimos años de su carrera pintó dos célebres Paisajes de Toledo y un cuadro mitológico, Laocoonte, que sorprende por su temática, inusual en la España del momento. Sobre un fondo de hermoso paisaje, las figuras de Laocoonte y sus hijos se retuercen en su lucha contra las serpientes. Máximo exponente del manierismo pictórico en España, El Greco es también la primera figura de proyección universal de la pintura española y uno de los grandes genios de la historia del arte. http://www.geocities.com/SoHo/Museum/8225/ http://sangha.net/messengers/el-greco.htm#Links INICIO GROPIUS, WALTER. (Arquitecto. 1.883-1.969): Nacido en Alemania, es una de las figuras más importantes de todo el movimiento renovador de la arquitectura, que estudió en Munich y Berlín. Desde 1910 hasta 1914 dirige su propia oficina de arquitecto. En 1914 construye su primera gran obra personal, el pabellón de la Werkbund en la Exposición de Colonia. En 1919 Gropius fue nombrado en Weimar director de la Staatliches Bauhaus, que después se trasladó a Dassau y acabó su vida en Berlín, donde fue clausurada por Hitler en 1933. Gropius fue su director desde su fundación hasta el año 1928. Su figura no puede separarse de la historia de esta excepcional institución educativa, representativa del espíritu más progresista en materia de arte y educación de la Alemania democrática. Personalidades capitales del arte de nuestro tiempo como Mies van der Rohe, entre los arquitectos, o Kandinski y Klee, entre los pintores, fueron profesores en la Bauhaus, donde se enseñaba arquitectura, escultura, pintura, teatro, fotografía, metalistería, vidriería, mobiliario, cerámica, tipografía, textiles; en suma, todo aquello que tuviera que ver con las artes plásticas y el diseño. En 1926 la Bauhaus fue trasladada a Dessau, lo que permitió a Gropius construir el propio edificio de la Escuela, que se inauguró en diciembre de 1926. Éste es el edificio más notable y significativo de todos los que construyera en su vida, el que mejor manifiesta su credo arquitectónico, convertido en un símbolo de racionalismo arquitectónico. A pesar de su austeridad formal, revela una libertad de composición extraordinaria y altamente dinámica. No puede abrazarse, como una obra clásica, desde un único punto de vista y es necesario recorrerlo para poder llegar a su comprensión. El juego de volúmenes planos y transparencias lo asimila a las preocupaciones estéticas del cubismo que podemos advertir en la obra

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de Picasso. Por su racionalismo y funcionalismo sigue las máximas de su autor. En él se rompe la vieja línea divisoria entre elementos monumentales y decorativos en aras de una unidad indivisible. En 1934, perseguido por el nazismo, se ve obligado a emigrar a Inglaterra, hasta que, en 1937, es llamado a presidir la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Harvard, en Estados Unidos. Ahora puede, de nuevo, ocuparse en lo que siempre ha sido su principal objetivo: la educación. A través de sus discípulos influye poderosamente en la evolución de la arquitectura moderna de los Estados Unidos, pero, por su espíritu permeable se deja influir a su vez por el medio americano, que con sus tendencias orgánicas suaviza la rigidez exagerada de los esquemas racionalistas. En 1946 constituye una oficina de arquitectura en donde trabaja en equipo con algunos de sus discípulos. En 1952 se jubila como decano de Harvard, aunque cada vez hace viajes más frecuentes a Alemania, donde recibe los más altos homenajes y es considerado como el gran patriarca de la arquitectura alemana. http://www.bauhaus.de/english/index.htm INICIO HAUSSMANN, GEORGE EUGÈNE DE. (Urbanista. 1.809–1.891): Abogado francés, ejerció como subprefecto departamental bajo la Monarquía de Orleáns. Durante la Segunda República apoyó a Napoleón III quien, proclamado emperador, le nombró prefecto del departamento del Sena, cargo que conllevaba el gobierno de la capital. Desde ese cargo, que ocupó entre 1853 y 1870, emprendió una profunda remodelación de París, que dio a la ciudad su fisonomía actual. Invirtió grandes sumas en modificar el trazado de las calles, abriendo avenidas anchas y rectilíneas, que partieron el laberinto de callejuelas del París antiguo: con ello buscaba racionalizar y modernizar la capital, pero también facilitar la represión de los movimientos populares, permitiendo el empleo de la caballería y la artillería y dificultando el levantamiento de barricadas como las que habían hecho triunfar la Revolución del 48. La reforma expulsó del centro de la ciudad a las clases modestas, dando lugar a la construcción de viviendas burguesas, mientras las familias trabajadoras se veían confinadas en los suburbios del norte y este, incorporados a la ciudad en una vasta operación de ampliación. Toda esta actividad constructora dio lugar a movimientos especulativos de los que no estuvo ausente la corrupción. La oposición republicana hizo responsable a Haussmann de los efectos económicos, sociales y políticos de sus reformas, criticándole ásperamente hasta que fue depuesto por el gobierno en 1870. http://gallery.sjsu.edu/paris/architecture/Haussman.html INICIO HERRERA, JUAN DE. (Arquitecto. 1530-Madrid, 1593): Figura española del Renacimiento, se interesó por todas las ramas del saber. Su “Discurso sobre la figura cúbica” revela, por ejemplo, sus notabilísimos conocimientos de geometría y matemáticas. En 1563 pasó a ser colaborador de Juan Bautista de Toledo en la construcción de El Escorial y, a la muerte de éste en 1567, le sucedió en la dirección de las obras. Este monasterio fue su gran realización y su apellido ha dado nombre a un estilo, el herreriano, que siguieron destacados alarifes españoles, sobre todo en el siglo siguiente. Herrera modificó y amplió los planos primitivos e intervino decisivamente en la ornamentación interior de la iglesia y la traza de su fachada, así como en la concepción de la fachada del monasterio. En estas obras se encuentran las líneas maestras de su estilo, basado en la horizontalidad, la uniformidad compositiva y una absoluta sobriedad en la decoración, que se reduce al empleo ordenado de las formas constructivas y las líneas arquitectónicas. Antes de la finalización de El Escorial en 1584, intervino en algunos proyectos, por ejemplo la fachada sur del Alcázar de Toledo, pero su otra gran realización la comenzó en 1585; se trata de la catedral de Valladolid, obra de gran envergadura para la cual el arquitecto ideó una estructura de enorme complejidad pero que quedó inconclusa. La obra de Herrera supuso toda una novedad en el panorama arquitectónico del

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Renacimiento español, dominado por el decorativismo del plateresco y por las formas italianizantes. Con sus realizaciones, el artífice creó una arquitectura singular que ha dado imagen al reinado de Felipe II. http://www.arsvirtual.com/monum/escorial.htm INICIO HORTA, VÍCTOR. (Arquitecto. 1.861-1.947: Nacido en Bélgica, en los inicios de su carrera, a partir de 1893, creó un lenguaje original, basado en el predominio de la línea curva y en la integración entre elementos arquitectónicos y decorativos, con el que se convirtió en uno de los pioneros y principales representantes del modernismo arquitectónico. En la casa Tassel, en Bruselas, su primera realización, se advierte ya esta orientación estilística, que culminó en el hotel Solvay, caracterizado por una original decoración diseñada por él mismo e inspirada en motivos vegetales. Posteriormente evolucionó hacia una mayor sobriedad y, tras una estancia en Estados Unidos a comienzos del siglo XX, pasó a cultivar una arquitectura purista con la que no logró tanto éxito como había obtenido con sus edificios modernistas. http://www.hortamuseum.be/ INICIO HURTADO IZQUIERDO, FRANCISCO. (Arquitecto y escultor. 1.669-1.725): Exponente temprano del rococó, se formó en la escultura de retablos. En 1693 empezó el camarín de Nuestra Señora de la Victoria en Málaga. Sus diversas obras en Granada evidencian su gran capacidad creativa, destacando especialmente la Sacristía de la Cartuja de dicha ciudad. http://www.legadoandalusi.com/legado/contenido/rutas/monumentos/818.htm INICIO ICTINOS. (Arquitecto. Segunda mitad del siglo V a.C.): Arquitecto griego, contemporáneo de Pericles y coincidente, por tanto, con la época de mayor desarrollo cultural y artístico de la ciudad de Atenas, en cuya acrópolis construyó, en colaboración con Calícrates, el templo del Partenón, considerado el modelo de la arquitectura clásica en estilo dórico. http://harpy.uccs.edu/greek/parthenon.html INICIO IMHOTEP. (Arquitecto. Siglo XXVII a.C.): Uno de los personajes más importantes de toda la historia del antiguo Egipto. Ostentó innumerables cargos, entre los que destacan los de visir del faraón Djeser (de la tercera Dinastía), médico, administrador del palacio y gran sacerdote. Por otra parte, como arquitecto, fue el constructor de la primera gran pirámide, (la escalonada de Saqqara, con la que puede decirse que se incia la arquitectura monumental egipcia). En virtud de sus trabajos y sabiduría llegaría con el tiempo a ser deificado. http://www.let.leidenuniv.nl/saqqara/homepage.htm INICIO ISIDORO DE MILETO. (Arquitecto. S. VI): Arquitecto bizantino. Junto con Artemio de Tralles, construyó la basílica de Santa Sofía de Constantinopla (537). http://www.islamicarchitecture.org/architecture/hagia.sophia.mosque.html INICIO JOHNS, JASPER. (Pintor. 1.930): Ha sido uno de los máximos representantes del new-dada y del pop-art. Imágenes triviales y objetos cotidianos son absorbidos por un contexto pictórico de gran cromatismo, en el que es patente la huella del expresionismo abstracto. Sobresalen sus creaciones sobre banderas. http://myclimatspainters.free.fr/johns.htm INICIO JUNI, JUAN DE. (Escultor. H. 1.507-1.577): De origen borgoñón, se desconoce prácticamente todo acerca de su período de formación, si bien por sus rasgos

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estilísticos se supone que se formó en su Borgoña natal y que completó sus conocimientos en una estancia en Italia. Lo seguro es que en 1533 trabajaba en León, y que en lo sucesivo residió siempre en España (se le considera, de hecho, el gran escultor español del siglo XVI, junto con Alonso Berruguete). Fue un artista versátil, que trabajó indistintamente la madera y la piedra, el barro cocido y el alabastro, y se dedicó por igual al retablo, la sepultura monumental y las esculturas exenta y decorativa. Sus obras destacan de manera particular por su acentuado dramatismo, que se deriva de los gestos exagerados de los personajes y los acentuados escorzos, y también del tratamiento de los ropajes, que a menudo adquieren gran volumen y se retuercen en pliegues y repliegues. En 1540 se estableció en Valladolid, donde se conservan sus obras más admiradas, en particular la Virgen de los Cuchillos, que constituye la culminación de su estilo exaltador de los sentimientos, y el Santo Entierro del Museo Nacional de Escultura, del cual existe otra versión la catedral de Segovia. De su producción restante, lo más destacado es la decoración en piedra del convento de San Marcos de León y el magnífico retablo mayor de la Antigua de Valladolid. http://www.mne.es/espanol/principal.htm INICIO JULIANO ARGENTARIO (Musivario y arquitecto. Siglo VI): Autor de los mosaicos de Justiniano y Teodora en la Iglesia de San Vital de Ravena. Se le asigna también, como arquitecto, la realización de la iglesia de San Apolinar in Classe, de la misma ciudad. http://www.vista.it/zoom/comra/web/dynamic.asp?din=comra-svitale1 INICIO KANDINSKY, VASÍLI. (Pintor. 1.866-1.944): Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet. Cuando cumplió los treinta años, fue a estudiar pintura a Munich y conoció a Paul Klee, con el que mantendría una prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo y el fauvismo. Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos. Por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal. Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes en una síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas. Entre 1910 y 1914 pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad. En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910). Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú y allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del

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Comisariado Popular de la Educación. En 1921 se trasladó a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución. Con la influencia del entorno de la Bauhaus su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y concéntricos (Círculos, 1926). También publicó el libro Punto y línea sobre el plano. En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos decorativos eslavos. http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/kandinsky/ INICIO KIRCHNER, ERNST LUDWIG. (Pintor y grabador. 1.880-1.938): De origen alemán, fue miembro fundador en 1905 del grupo expresionista Die Brücke, con el que trabajó hasta 1911, fecha de su traslado a Berlín. Entre las influencias de su pintura es perceptible la huella del gótico alemán, lo mismo que en la evolución posterior la de artistas como el noruego Munch, los fauves franceses, Van Gogh e incluso Picasso, pero siempre con una vigorosa personalidad y una fidelidad absoluta al expresionismo de su primera época. Es peculiar de su pintura el colorido vigoroso, violento incluso, y el dibujo recio en el que se aprecian similitudes con el primitivismo africano. Su Strasse, Berlín (1913) es un cuadro típico de su forma de hacer. En Suiza, donde se estaba tratando de un desequilibrio nervioso, se suicidó cuando las autoridades nazis en Alemania condenaron su pintura como «decadente». http://www.museothyssen.org/museovirtual/fichas/fichaautor.asp? codigo=177&IdAutor=409 INICIO LACER, CAYO JULIO. (Arquitecto. Fines siglo I – Comienzos siglo II): Romano, autor del Puente de Alcántara (Cáceres), sobre el río Tajo. Fue enterrado en un templete edificado en una de las salidas del puente. http://www.terra.es/personal6/estherdurant/ INICIO LE BRUN, CHARLES. (Pintor. 1619-1690): Nacido en Francia, fue nombrado pintor del rey y director y organizador de las obras de Versalles, palacio en el que llevó a cabo la decoración pictórica de la galería de los Espejos, en la que relato las victorias de Luis XIV, con una concepción monumental y didáctica de la pintura, a veces de magnitudes épicas. http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/le-brun/ INICIO LE NÔTRE, ANDRÉ. (Arquitecto y diseñador de jardines. 1613-1700): Nacido en Francia, aprendió todo lo referente al arte de la jardinería de su padre y su abuelo, famosos jardineros reales, aunque se formó también como arquitecto y pintor. En 1637 sucedió a su padre en el cargo de jardinero real, llegando a convertirse en uno de los diseñadores de jardines más famosos de todos los tiempos. De las numerosas obras que realizó su gran creación fue los jardines de Versalles, donde impuso una concepción geométrica conocida más tarde como jardín francés y muy imitada hasta el siglo XVIII, cuando apareció el jardín inglés. Los jardines de Le Nôtre, de concepción monumental, se caracterizan por composiciones variadas en las cuales se combinan parterres geométricos, flores, fuentes y esculturas. http://www.chateauversailles.fr/ INICIO

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LEONARDO DA VINCI. (Pintor. 1.452-1.519): Este italiano representa el modelo más acabado del hombre del Renacimiento. Se formó como artista en Florencia, en el taller de Verrochio; pero gran parte de su carrera se desarrolló en otras ciudades italianas como Milán o Roma. Aunque practicó las tres artes plásticas, no se ha conservado ninguna escultura suya y parece que ninguno de los edificios que diseñó llegó a construirse. Es la obra pictórica de Leonardo la que le ha hecho destacar como un personaje cumbre en la historia del arte, debido a una veintena de cuadros conservados, entre los cuales destacan La Gioconda, La Anunciación, La Virgen de las Rocas y La Santa Cena. Son composiciones basadas en la perfección del dibujo y en las que la gradación del color contribuye a completar el efecto de la perspectiva. En ellas introdujo la técnica del sfumato, que consistía en prescindir de los contornos nítidos de la pintura del Quattrocento y difuminar los perfiles envolviendo las figuras en una especie de neblina característica. Interesado por todas las ramas del saber y por todos los aspectos de la vida, los apuntes que dejó Leonardo (escritos de derecha a izquierda y salpicados de dibujos) contienen también incursiones en otros terrenos artísticos, como la música o la literatura. Según su criterio no debía existir separación entre el arte y la ciencia, como no la hubo en sus investigaciones, dirigidas de forma preferente hacia temas como la anatomía humana, la zoología, la geología, la astronomía, la física o la ingeniería. Sin embargo, el genio de Leonardo le encaminó a tal cantidad de objetivos diferentes que muchos de los proyectos que emprendió quedaron inacabados cuando otros nuevos atrajeron su interés; y, en cuanto a los inventos, se limitó a concebir ideas útiles, pero no se esforzó por plasmarlas en modelos viables. http://www.mos.org/leonardo/ http://www.leonardo.net/ INICIO LE BARON JENNEY, WILLIAM. (Arquitecto. 1.832-1.907): Nacido en los EE.UU., estudia en la Escuela Politécnica de París. Durante la guerra de Secesión trabaja como ingeniero militar y adquiere una experiencia que utiliza después como arquitecto. La construcción del Home Insurance Building (1883-1885) le convierte en el primer arquitecto americano moderno. La fachada del edificio, recubierta de albañilería –útil contra el fuego-, está disociada de su estructura metálica de sostén. En 1890 proyecta el Manhattan Building: dieciséis pisos y setenta y dos metros de altura que marcan el comienzo de los rascacielos. Poco después construye el Sears, Roebuck & Company Building, uno de sus edificios más conocidos. http://www.archinform.net/arch/1175.htm?ID=6O70uhVvdPr575xV INICIO LE CORBUSIER. (Charles-Édouard Jeanneret. Arquitecto. 1.887-1.965): Francés de origen suizo, su vasta obra de arquitecto, pintor y escritor fue decisiva en la revolución artística que, después de la I Guerra Mundial, conformó el curso futuro de la arquitectura. Después de realizar los primeros trabajos arquitectónicos, se concentró en la pintura, y creó el «purismo» como una reacción contra el cubismo y la continuidad de éste. Luego continuaría pintando durante el resto de su vida y realizaría un considerable número de obras. Diseñó también tapices y, a partir de 1945, hizo esculturas de madera. Fue un escritor prolífico. En 1950 publicó el Modulor, un sistema para obtener proporciones correctas a escala humana, que empleó en sus últimas edificaciones. En 1922 había abierto un estudio de arquitectura en París. Este período fue un torrente continuo de importantes realizaciones. Entre éstas se incluyen casas individuales, salas de exposiciones, el pabellón suizo en la Ciudad Universitaria de

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París y, en colaboración con otros, el ministerio de Educación y Salud Pública en Río de Janeiro. Con el empleo integral del hormigón armado, entonces un material nuevo, y la aplicación a su obra de nuevos conceptos plásticos y espaciales, sugeridos en parte por los pintores contemporáneos, llegó en esos años a creaciones que estaban ciertamente en la vanguardia del desarrollo arquitectónico y urbanístico. Después de la II Guerra Mundial, cuando ya se hallaba en sus años de madurez, tuvo oportunidades de diseñar y construir en mayor proporción que lo había hecho antes. Surgen sus grandes bloques de apartamentos (unités d'habitation); sus iglesias, en las que se incluye la de Ronchamp, con su estilo que señaló un decisivo cambio en la arquitectura de mediados del siglo XX; sus edificios de Chandigarh, nueva capital del estado indio de Punjab que él planificó enteramente; sus construcciones en Ahmedabad, Tokio y Firminy; y el monasterio de La Tourette. Estos proyectos muestran una inextinguible capacidad de imaginación y una incansable preocupación por mantener una equilibrada y perfecta interacción entre los volúmenes conjuntados y la luz. Esta refinada interrelación de luz, sombra y espacio es la que marca esencialmente la arquitectura de Le Corbusier. http://www.fondationlecorbusier.asso.fr/ INICIO LE VAU, LOUIS. (Arquitecto. 1612-1670): Fue el más destacado arquitecto francés del siglo XVII, en particular desde que en 1655 fue nombrado arquitecto y consejero de Luis XIV. Con anterioridad había realizado algunas mansiones parisinas, en las que se aprecia ya su gusto por la arquitectura escenográfica. Al servicio del rey, su primera gran realización fue el castillo de Vaux-le-Vicomte, donde los planteamientos constructivos del arquitecto triunfaron plenamente, dado que a continuación se le encomendó la construcción del palacio de Versalles. De este último realizó el bloque central, con la fachada sobre el parque y las dos alas sobre el patio. Un sentido grandioso y volumétrico propio de la arquitectura barroca preside la concepción de estas obras, al igual que su intervención en el diseño del Louvre. http://www.vaux-le-vicomte.com/ INICIO LISIPO. (Escultor, H. 360 a.C. - H. 305 a.C.): Fue uno de los escultores más famosos de la Grecia clásica y precursor del estilo helenístico. De sus numerosas obras no se ha conservado ninguna, pero se conocen algunas a través de copias helenísticas y romanas. Su obra más famosa es el Apoxiómeno, un atleta que se limpia el cuerpo con el estrígilo, y que ejemplifica uno de sus rasgos estilísticos más característicos: una mayor profundidad espacial, conseguida en este caso mediante la proyección de los brazos hacia adelante. El acentuado realismo de sus estatuas, otra de sus singularidades, se advierte en el Hércules Farnesio. Las figuras de Lisipo son siempre altas y esbeltas, ya que sustituyó el canon de Policleto por uno nuevo, en el que la cabeza representa una octava parte de la altura del cuerpo. http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc17.html INICIO LOUP, JEAN LE. (Arquitecto, mediados s. XIII): Francés, participó en la dirección de las obras de la Catedral de Reims, correspondiéndole el trazado del transepto y los primeros tramos de las naves del templo. http://www.cathedrale-reims.com/ INICIO MACHUCA, PEDRO. (Arquitecto y pintor. 1.490-1.550): Se formó en Italia, donde se relacionó con Miguel Ángel y Rafael. Esta circunstancia hizo de él un caso excepcional en la España de su tiempo, ya que cultivó en arquitectura un estilo italianizante, de líneas severas y puras, muy alejado del estilo plateresco por entonces en boga. Desde 1520 residió en Granada, donde realizó sus obras más importantes, en particular el palacio de Carlos V en la Alhambra y la Puerta de las Granadas, también en el recinto del palacio nazarí. Fue más brillante como arquitecto que como pintor, pero en este campo desplegó una amplia actividad con obras religiosas de estilo manierista.

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http://www.moebius.es/ggranada/alhambra/carlos.htm

INICIO

MAGRITTE, RENÉ: (Pintor. 1.898-1.967). Nacido en Bélgica, durante un primer período su obra estuvo fuertemente influida por la figura de De Chirico y por la atmósfera misteriosa de sus pinturas. Más tarde entró en contacto con la vanguardia parisina del momento, presidida por André Breton, y comenzó a desarrollar un surrealismo que iría evolucionando con los años hacia un estilo muy personal, cuyos símbolos giran con frecuencia alrededor de la relación entre el lenguaje y sus objetos. Son habituales en sus cuadros los juegos de duplicaciones, ausencias y representaciones dentro de representaciones. Una de sus obras más representativas es Esto no es una pipa, (1.928), cuyo entramado de remisiones entre texto e imágenes parece incapaz de hallar ningún objeto real. http://interiors.intendo.net/ http://www.mcs.csuhayward.edu/~malek/Java/Magritte.html INICIO MANSART, JULES HARDOUIN. (Arquitecto. 1646-1708): Fue el arquitecto preferido de Luis XIV, quien le encargó la ampliación del palacio de Versalles (e el que construyó la galería de los Espejos, la Orangerie, la columnata del parque, la iglesia de Nuestra Señora y el Gran Trianón). Llevó a cabo también la iglesia del hospital de los Inválidos y puntuales intervenciones urbanísticas e la capital francesa, como la plaza Vendôme, que resultan claros exponentes del solemne clasicismo francés. http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=57 INICIO MARTÍN, MAESTRO. (Arquitecto. Primera mitad s. XIII): Primer director de las obras de la Catedral de Toledo, iniciadas en el año 1.227. http://www.architoledo.org/catedral/ INICIO MARC, FRANZ. (Pintor. 1.880-1.916): Nacido en Alemania, realizó estudios de filosofía y teología. Desde 1906 comenzó a estudiar la anatomía de los animales detalladamente, labor a la que consagraría toda su carrera artística. Para Marc los animales encarnan la belleza pura y es a través de la naturaleza como se busca la espiritualidad. En 1910 coeditó con W. Kandinsky el primer ejemplar de Der Blaue Reiter, publicación que dio nombre a un grupo artístico cuyos miembros matizarían el primer expresionismo alemán con características que les acercarían a la abstracción. En un primer período, su obra fue plenamente figurativa, aunque más adelante su trabajo se vería afectado por el cubismo, lo que le llevaría a la fragmentación de planos en la que animales y entornos se entrelazan entre sí.. Esta investigación le condujo hacia una mayor complejidad constructiva, favoreciendo la abstracción y reduciendo su interés por la viveza cromática tan característica de sus anteriores pinturas. http://hs.riverdale.k12.or.us/~dthompso/art/marc/ INICIO MARTÍNEZ MONTAÑÉS, JUAN. (Escultor. 1.568-1649): Es una figura sobresaliente de la escultura en madera policromada, que alcanzó gran desarrollo en la España de los siglos XVI-XVII, y que respondió al ambiente de piedad y devoción característico de la Contrarreforma. Martínez Montañés fue la cabeza visible de la escuela andaluza o sevillana. Llevó a cabo una producción

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vastísima, religiosa en su totalidad con la única excepción de un busto perdido de Felipe IV. El Cristo de la Clemencia y La Inmaculada Concepción de la Catedral de Sevilla se cuentan entre sus estatuas más admiradas. Pero su obra maestra es el retablo mayor del monasterio de San Isidoro del Campo, en Santiponce, que incluye las magníficas figuras orantes de Alonso Pérez de Guzmán el Bueno y doña María Alonso Coronel. Su obra influyó en escultores como Alonso Cano y Juan de Mesa, de quienes fue maestro, y también en los principales pintores de la escuela sevillana del siglo XVII, entre ellos Velázquez y Zurbarán. http://www.ctv.es/USERS/ags/00013mm_.htm INICIO MARTINI, SIMONE. (Pintor. H. 1285-1344): Nacido en Siena, fue el mejor intérprete del estilo gótico en la pintura italiana. Debió de formarse en el círculo de Duccio, pero mostró un gran interés por los efectos de perspectiva, reflejo de las tendencias vigentes en la época. Su estilo apenas evolucionó a lo largo de toda su vida, desde su primera obra documentada, el gran fresco de la Majestad del Palacio Público de Siena. Hizo un uso decorativista de la línea y del color, y creó composiciones elegantes y amables, imbuidas de armonía y refinamiento. Entre 1319 y 1325 ejecutó varias obras religiosas para iglesias, y en 1328 realizó el retrato del condotiero Guidoriccio da Fogliano en el Palacio Público de Siena, un retrato ecuestre en el que destaca la figura grandiosa y solitaria del condotiero sobre un fondo de paisaje difuminado; la modernidad de esta obra ha llevado, en fechas recientes, a discutir su atribución a Martini, por considerarla de época posterior. De 1333 data la famosísima Anunciación, en la que se ha querido ver la síntesis de su estilo delicado. En la misma época se fechan los frescos sobre la Vida de San Martín en la iglesia inferior de Asís. http://cgfa.sunsite.dk/martini/ INICIO MASACCIO. (Tommaso di Giovanni di Mone Cassai. Pintor. 1.401-1.428): Pintor italiano, su carrera artística es interesante por la relación entre la brevedad de su vida y la importancia de sus creaciones y por su aportación decisiva al Renacimiento, ya que fue el primero en aplicar las reglas de la perspectiva científica. Masaccio se trasladó a Florencia cuando aún era muy joven, y en 1422 figuraba inscrito en el gremio de pintores de esta ciudad. Nada se sabe de con quién se formó. Su primera obra documentada, el tríptico de San Juvenal, es una creación que supera plenamente el gótico. En el posterior políptico para el Carmine de Pisa (1426), la composición a base de pocas figuras esenciales y la plasmación natural de la luz definen su estilo, que se despliega plenamente en su obra maestra: el ciclo de frescos sobre la Vida de San Pedro y la Expulsión del Paraíso, que pintó para la capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine, en Florencia. Las figuras de Adán y Eva expulsados del Paraíso son prototípicas de la concepción que Masaccio tenía de la pintura, basada en la masa y el volumen de las figuras, en una única fuente de luz y en la representación de la perspectiva. La importancia de estos frescos fue tal que todos los grandes pintores posteriores, incluidos Leonardo, Rafael y Miguel Ángel, los estudiaron. Probablemente, en 1428, Masaccio realizó su última obra: un fresco de la Trinidad en Santa Maria Novella, que ha pasado a la posteridad como un ejemplo emblemático de perspectiva y composición. Poco después de acabar esta pintura, Masaccio se trasladó a Roma, donde murió de repente. http://www.masaccio.it/ INICIO MATEO, MAESTRO. (Escultor. H. 1.250-H. 1.220): Arquitecto y escultor, cuya actividad artística se localiza únicamente en Galicia, destacando el pórtico de la Gloria

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de la Catedral de Santiago de Compostela, una de las obras fundamentales del arte medieval español. http://www.fbarrie.org/fundacion/webcoro/inicio.htm http://www.archicompostela.org/Catedral/Por-Gloria.html INICIO MATISSE, HENRI. (Pintor. 1.869-1.954): Nacido en Francia, le cabe, como figura central del movimiento pictórico de los fauves, la gloria de haber inaugurado el arte moderno del s. XX. Abandonó la carrera de derecho para entrar en la Escuela de Bellas Artes de París. Falto de dinero, se costeó sus estudios copiando antiguos maestros en el Louvre. En 1897 conoció a Pissarro, quien, le animó a que probara la pintura impresionista. Con este impulso, estudió al inglés Turner, cuyos paisajes de nieve, concebidos según una nueva técnica, habían influido en Pissarro y Monet hasta el punto de señalarles el camino que luego seguiría el impresionismo francés. En este tiempo conoció también a André Derain. Ambos descubrieron a Cézanne, al que Pissarro y Manet declararon una guerra fría. Las «feas» pinturas de Cézanne no agradaban a los impresionistas, que veían en él un obstáculo para la aceptación total de su movimiento artístico. Vollard, traficante en cuadros, en 1904 ofreció a Matisse una exposición de los cuadros distorsionados, asombrosamente nuevos, en que Matisse trabajaba y, al año siguiente, los llevó al Salón de Otoño, en el que Matisse y otros jóvenes experimentadores, especialmente Derain, Vlaminck y Rouault, se ganaron el sambenito de fauves (bestias salvajes). De este movimiento había de nacer tres años más tarde el cubismo de Picasso y Braque, aunque Matisse no quiso saber nada de este estilo. Fue él quien bautizó a la nueva herejía al tildar de «cubista» a uno de los cuadros de Braque. Matisse, al contrario que Picasso, un genio más inquieto, no quiso inventar y desarrollar nuevos «ismos». Aunque no dejó de trabajar, siguió pintando según el estilo que ya definiera en 1905. http://www.matissepicasso.org/ INICIO MESA, JUAN DE. (Escultor. 1.583-1.627): Se formó en el taller de Martínez Montañés. Abandonó el clasicismo de su maestro en favor de un estilo realista e inició un barroquismo caracterizado por un perspicaz sentido del dramatismo. Su obra más notable es Nuestro Padre Jesús del Gran Poder. http://www.arrakis.es/~nautylus/imagineros/jmesa.htm INICIO MIES VAN DER ROHE, LUDWIG. (Arquitecto. 1.886-1.969): Nacido en Alemania, en 1900 empezó a trabajar en el taller de su padre, que era cantero, y en 1905 se trasladó a Berlín, donde conoció a Walter Gropius y Le Corbusier, que son, junto con él mismo y el estadounidense, F. Ll. Wright, los mayores arquitectos del siglo XX. Inicialmente se orientó hacia la arquitectura neoclásica, pero un viaje a los Países Bajos en 1912 le llevó a cambiar sus intereses. Tras el paréntesis de la Primera Guerra Mundial, se adhirió a diversos movimientos de vanguardia y empezó a realizar proyectos revolucionarios, como el destinado a un edificio de oficinas en Berlín, constituido por dos torres de veinte pisos unidas por un núcleo central para escaleras y ascensores. Durante este período se relacionó con algunos de los artistas más avanzados del momento, como Tristán Tzara. A partir de 1926 llevó ya a cabo obras de cierta envergadura, como la casa Wold en Guben, toda de ladrillo. A raíz de estos proyectos, se convirtió en un arquitecto de prestigio y empezó a recibir encargos oficiales. Su consagración se produjo en 1929, cuando realizó el pabellón de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona, considerado su obra maestra y una de las obras arquitectónicas más influyentes del siglo XX. Su enorme simplicidad y la continuidad de los espacios, que parecen no tener principio ni fin, son sus cualidades más admiradas. En la misma línea realizó algunas

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otras obras, caracterizadas por el uso de los nuevos materiales de construcción (cemento armado, acero y vidrio) y una gran simplicidad, que lleva a dejar las estructuras desnudas y a dotarlas de formas casi lineales en las que se cifra la creación de belleza. Tras dirigir la Bauhaus de 1930 a 1933, la evolución de los acontecimientos en Alemania le obligó a emigrar a Estados Unidos, donde fue nombrado director de la facultad de arquitectura del Illinois Technology Institute de Chicago (1938), para el que proyectó un nuevo campus que, una vez finalizado, extendió su fama por todo el país. En lo sucesivo le llovieron los encargos y trabajó fundamentalmente en la capital de Illinois, donde llevó a sus últimas consecuencias los postulados de la escuela de Chicago. En 1958-1959 puso broche de oro a su carrera con el famosísimo Seagram Building de Nueva York, del que se dice que es el rascacielos más hermoso en vidrio ahumado y aluminio. http://www.miesbcn.com/ http://whitney.org/mies/ INICIO MIGUEL ÁNGEL. (Michelangelo Buonarrotti. Escultor, pintor y arquitecto 1.4751.564): Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI. Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables. La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable. Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista. En 1505, el Papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que permiten apreciar cómo extraía de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos. Julio II le pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo al que Miguel Ángel se resistió, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió en su creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales, que representan episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo dominado por dos cualidades: belleza física y energía dinámica. En 1516, regresó a Florencia, donde proyectó dos obras magistrales: la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de monumentalidad en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel. La capilla Medicea alberga dos sepulturas que incluyen la estatua del difunto y las figuras magistrales del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo. En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó planos y diseñó la cúpula, que es obra suya. http://www.michelangelo.com/buonarroti.html

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http://www.christusrex.org/www1/sistine/0-Tour.html

INICIO

MILLET, JEAN FRANÇOIS. (Pintor. 1.814-1.875): Nació en una familia de campesinos de Normandía y, gracias a una beca, pudo estudiar pintura en París. Sus primeros retratos y cuadros mitológicos nada tienen que ver con sus posteriores obras de tema campesino, en las que se enaltece la vida y las ocupaciones diarias de las gentes que trabajan en el campo. La primera de estas creaciones, a las que está indisolublemente unido el nombre de Millet, fue El cribador, al que siguieron Las espigadoras, El Ángelus, sin duda su obra más conocida, y El sembrador, cuadros todos ellos de figuras humanas definidas con vigor sobre un fondo de paisaje verídico. Con estas creaciones imbuidas de un profundo sentido de lo cotidiano, abrió el camino al realismo pictórico y dejó un modelo en el que se inspiró, entre otros, Courbet. En 1849, se estableció en Barbizon, donde permaneció el resto de su vida. Aunque propiamente no perteneció a la famosa escuela de pintores de Barbizon, sí encarnó, como ellos, el deseo de huir de la vida urbana. A partir de 1863 se dedicó con mayor intensidad al paisaje (La primavera, El crepúsculo). En 1859, El Ángelus le reportó la fama y la fortuna que no había logrado con sus obras anteriores, y ello le supuso salir por primera vez de la pobreza. Pintores como Van Gogh y Pissarro se inspiraron en sus obras, y en Estados Unidos gozó de gran popularidad. http://www.artcyclopedia.com/artists/millet_jean-francois.html INICIO MIRÓ, JOAN. (Pintor. 1.893-1.983). Pintor, escultor, grabador y ceramista, estudió comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse. De regreso a Barcelona, ingresó en una Academia de Arte y conoció las últimas tendencias artísticas europeas. Hasta 1919, su pintura estuvo dominada por un expresionismo formal con influencias fauvistas y cubistas, centrada en los paisajes, retratos y desnudos. Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso y a algunos miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. Su pintura empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la forma, con una fuerte luz que elimina los contrastes. En lo temático destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico, muy personal aunque de raíces populares, que marcaría toda su trayectoria posterior. Afín a los principios del surrealismo, firmó el Manifiesto (1924) e incorporó a su obra inquietudes propias de dicho movimiento. La otra gran influencia de la época vendría de la mano de P. Klee, del que recogería el gusto por la configuración lineal y la recreación de atmósferas etéreas y matizados campos cromáticos. En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus cuadros, lo que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra. Durante estos años el artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su obra. Por un lado, inició la serie de Interiores holandeses, abigarradas recreaciones de pinturas del siglo XVII caracterizadas por un retorno parcial a la figuración y una marcada tendencia hacia el preciosismo, que se mantendría en sus coloristas y poéticos maniquíes para el Romeo y Julieta de los ballets Rusos de Diaghilev (1929). Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez, esquematismo y abstracción conceptual. La guerra civil española no hizo sino acentuar esta dicotomía entre desgarro violento y evasión ensoñadora, que poco a poco se fue resolviendo en favor de una renovada serenidad, animada por un retorno a la ingenuidad de la simbología mironiana tradicional (el pájaro, las estrellas, la figura femenina) que parece reflejar a su vez el retorno a una visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo. No resultaron ajenos a esta

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especie de renovación espiritual sus ocasionales retiros a la isla de Mallorca, donde en 1956 construyó un estudio. Entretanto, Miró amplió el horizonte de su obra con los grabados de la serie Barcelona (1944) y, un año después, con sus primeros trabajos en cerámica. En las décadas de 1950 y 1960 realizó varios murales de gran tamaño para la sede de la UNESCO en París, la Universidad de Harvard y el aeropuerto de Barcelona; a partir de ese momento y hasta el final de su carrera alternaría la obra pública de gran tamaño (Dona i ocell, escultura), con el intimismo de sus bronces, collages y tapices. http://www.bcn.fjmiro.es/ http://miro.palmademallorca.es/espanol/index.htm INICIO MIRÓN. (Escultor. Siglo V a.C.): Nacido en Eleutera (Grecia), fue exponente del llamado estilo severo y precursor de los grandes maestros del clasicismo pleno. Desarrolló su actividad, entre el 470 y el 440 a.C., en Atenas. Sólo se le han podido asignar con certeza tres obras, conocidas por copias romanas: el Discóbolo, el grupo de Atenea y Marsias y el Anadumenos. Las dos primeras son emblemáticas del estilo de Mirón, centrado en la plasmación del movimiento a través de las tensiones del cuerpo. El Discóbolo, que está captado en el instante anterior a la realización de un movimiento violento, constituye un ejemplo magistral de equilibrio dinámico: el brazo derecho y la pierna izquierda insinúan el movimiento; el brazo izquierdo y la pierna derecha sugieren equilibrio. Estas obras, de figuras estáticas, en las que se adivina el movimiento, hacen que Mirón sea considerado un artista adelantado a su tiempo, que buscaba superar la inmovilidad característica del estilo arcaico. http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc12.html INICIO MNESIKLÉS (Arquitecto. Siglo V a.C.): Autor griego, conocido por el proyecto de los Propileos de la Acrópolis de Atenas (432 a.C.), de la misma época del Partenón. Ha sido también identificado como el autor del Erecteion, en orden jónico, y de la stoa de Zeus en el ágora de la ciudad de Atenas. http://www.virtualbritain.org/movies/acropolis_tour2_FS.html# INICIO MONET, CLAUDE. (Pintor. 1.840-1.926): Pintor francés, considerado el jefe del movimiento impresionista de rebeldía contra la tradición académica de los siglos XVIII y XIX. Empezó a interesarse por el arte a edad temprana y en 1856 expuso su primer cuadro. Su éxito afirmó su resolución de dedicarse a la pintura. Se trasladó a París para estudiar, conociendo a Renoir, Sisley y Bazille, que habían de ser sus amigos y compañeros de impresionismo durante toda su vida. Monet había estado investigando nuevas técnicas pictóricas, pero sólo cuando vio el famoso Déjeuner sur l'herbe de Manet se afilió a la escuela que más tarde había de conocerse con el nombre de impresionismo. Sus amigos, entre los que se contaban también Cézanne y Pissarro, constituyeron el núcleo de un grupo que luchó contra el tradicionalismo de los círculos artísticos parisinos. En esta época empezó a pintar del natural y tomó cuerpo su fascinación por las cualidades efímeras de la luz y el aire. El primero de sus cuadros en que aflora la delicadeza que había de informar su obra posterior fue Mujeres en el jardín. Monet vivió algún tiempo en Holanda, aunque después se trasladó a Inglaterra. En este país sufrió la influencia de Turner y, a partir de esa época, pintó paisajes casi exclusivamente. Al volver a París, el grupo impresionista se reunió de nuevo e hizo una exposición de sus obras. Esta exposición dejó consternado al público parisino. Incluso los paisajes de Monet fueron tachados de puros pintarrajos. De 1874 a 1888, Monet siguió trabajando en sus cuadros de luz y aire, sin afectarle el desprecio con que era acogida su obra. En 1889 el público comenzó a apreciar el arte de Monet y los demás impresionistas. Monet empezó sus Meules, 15 estudios de escenas de cosecha bajo todos los aspectos de la luz del sol. A estos estudios siguió su empresa más ambiciosa: las

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pinturas de la fachada de la catedral de Ruán. Esa serie de cuadros, que comenzó en 1893, representa la fachada en 20 momentos distintos del día, desde el turbio amanecer hasta el crepúsculo encendido de colores. Cuando estuvieron terminados, causaron sensación en París. Monet subordinó los detalles de la fachada al aire circundante y los cuadros parecían no tanto pinturas de un edificio como pinturas del sol y la luz al reflejarse en una superficie. El éxito obtenido con esta serie estimuló a Monet, que continuó sus estudios en Londres y Venecia. Le interesaba grandemente la pintura del agua. El río Támesis, gris bajo las nieblas londinenses, es el tema principal de su cuadro Londres: el Parlamento. En la primera década del siglo XX recibió por fin el reconocimiento que se le negara en sus años juveniles y sus cuadros colgaron en numerosos museos. Al igual que ocurrió con La catedral de Ruán, su última gran obra fue una serie de estudios de un estanque: Nenúfares. Monet, que entonces tenía 73 años, estaba bajo la amenaza de perder la vista, pero continuó su trabajo durante 12 años hasta conseguir terminarlo. Cuando lo completó, las cataratas casi le habían dejado ciego. Murió a los 86 años. http://giverny.org/monet/welcome.htm INICIO MONTAGUT, BERENGUER DE. (Arquitecto. S. XIV): Autor catalán cuya obra más conocida es la iglesia de Santa María del Mar, en Barcelona. Se le relaciona también con construcciones de Manresa y con diversas intervenciones en la catedral de Palma de Mallorca. Llevó al extremo las tendencias características del gótico catalán, ya que sus construcciones son excepcionalmente amplias, con una aversión a la compartimentación hasta el punto que sus iglesias, todas de tres naves, parecen querer conseguir el espacio unitario de la nave única. Es constante en él la austeridad extrema de las diversas estructuras arquitectónicas: pilares octogonales desnudos y sin molduras, paredes planas, pocos elementos decorativos, etc., La separación entre pilares de sus iglesias es de las más grandes de todo el gótico europeo. http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc37b.html INICIO MUNCH, EDVARD. (Pintor. 1.863-1.944): Noruego, tuvo una infancia muy difícil, de la que surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio. En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista. De 1892 a 1908 vivió en Alemania, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París. En Berlín presentó en 1892 una exposición que tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa. En 1908 volvió definitivamente a Noruega, donde pasó sus últimos años en soledad. El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y disecado cuerpos, él intentaba disecar almas. Por ello, los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad (Melancolía), la angustia (El grito, tal vez su mejor obra), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo (Amantes, El beso). Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras. http://www.munch.museum.no/content.aspx?id=15 INICIO MURILLO, BARTOLOMÉ ESTEBAN. (Pintor.1.617-1.682): Nacido en Sevilla, quedó huérfano de padres a los nueve años. Una de sus hermanas mayores se hizo cargo de él y le permitió frecuentar el taller de un pariente pintor, Juan del Castillo. En 1630 trabajaba ya como pintor independiente en Sevilla y en 1645 recibió su primer encargo importante, una serie de trece lienzos destinados al claustro de San Francisco el

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Grande, que incluyen La cocina de los ángeles, la obra más celebrada del conjunto por la minuciosidad y el realismo con que están tratados los objetos cotidianos. El éxito de esta realización le aseguró trabajo y prestigio. Empezó entonces a especializarse en los dos temas iconográficos que mejor caracterizan su personalidad artística: la Virgen con el Niño y la Inmaculada Concepción, de los que realizó multitud de versiones. Sus vírgenes son siempre mujeres jóvenes y dulces, inspiradas seguramente en sevillanas conocidas del artista. En esa época de máxima actividad recibió los encargos del retablo del monasterio de San Agustín y, sobre todo, los cuadros para Santa María la Blanca, concluidos en 1665. Posteriormente trabajó para los capuchinos de Sevilla (Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna) y para el Hospital de la Caridad (cuadros sobre las obras de misericordia). Murillo destacó también como creador de tipos femeninos e infantiles: del candor de La muchacha con flores al realismo vivo y directo de sus niños de la calle, pilluelos y mendigos, que constituyen un prodigioso estudio de la vida popular. Después de una serie dedicada a la Parábola del hijo pródigo, se le encomendó la decoración de la iglesia del convento de los capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los Desposorios de Santa Catalina, ya que falleció mientras trabajaba en ella. http://www.abcgallery.com/M/murillo/murillo.html INICIO NARBONA, ENRIQUE DE. (Arquitecto. Primera mitad siglo XIV): De origen francés, fue el primer encargado, a partir de 1.312 de la dirección de obras de la Catedral de Gerona, en la que se ocupó hasta el año 1.321. http://www.lacatedraldegirona.com/intro/ INICIO NASH, JOHN. (Arquitecto. 1.752-1.835): Arquitecto y urbanista británico que edificó casas de campo, castillos y diversos edificios públicos. Llevó a cabo la construcción del pabellón del Príncipe de Gales en Brighton. Como urbanista, elaboró los planos del Regent's Park y trazó la Regent Street. Preconizó el empleo de estructuras de hierro en la construcción de puentes y edificios. http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=115 INICIO ORBAIS, JEAN DE. (Arquitecto. Comienzos del s. XIII): Natural de Francia, trazó en 1.211 los planos de la catedral de Reims, dirigiendo su construcción en las primeras fases. http://www.cathedrale-reims.com/ INICIO PALLADIO, ANDREA. (Arquitecto. 1.508-1.580): Nacido en Italia. se formó como cantero, profesión que ejerció en su juventud. Hacia 1537, un acontecimiento fortuito cambió su destino: un literato le encargó la construcción de su villa, cerca de Vicenza, lo introdujo en los ambientes culturales y le impuso el nombre de Palladio. Además, lo llevó consigo en una serie de viajes, en particular a Roma, que permitieron al artista entrar en contacto con la obra de los mejores arquitectos vivos y estudiar los edificios de la Antigüedad. El conocimiento de estas realizaciones formó su estilo, absolutamente clasicista, pero muy innovador al mismo tiempo. En 1549, el Concejo de la ciudad de Vicenza le encargó la reconstrucción de las logias del palacio de la Ragione, conocido como la Basílica. Palladio optó por revestir las antiguas estructuras con una envoltura clasicista, y el éxito de la obra fue tal que desde aquel momento se convirtió en el arquitecto preferido de la aristocracia de Vicenza, ciudad en la que construyó importantes palacios. Entre las décadas de 1550 y 1570 se sitúa el aspecto más conocido y admirado de su producción: las villas de los alrededores de Vicenza (de La

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Rotonda a La Malcontenta), en las que aplicó por primera vez el esquema del templo clásico a un edificio civil. Casi todas ellas presentan un bloque central, la zona residencial, a la cual precede una o varias fachadas a base de pórtico y columnas, y flanquean las alas bajas, que son los edificios agrícolas. A partir de 1566, desarrolló gran parte de su actividad en Venecia, donde se le deben, entre otros edificios, las iglesias de San Giorgio Maggiore y del Redentor. Su última obra maestra fue el Teatro Olímpico de Vicenza, en donde intentó recrear un teatro romano. Fundamentales para la difusión de su obra fueron sus Cuatro libros de la arquitectura (1570), uno de los textos más difundidos del Renacimiento. http://www.cisapalladio.org/ http://www.boglewood.com/palladio/home.html INICIO PÉREZ, JUAN. (Arquitecto. Segunda mitad del siglo XIII): Sucedió al Maestro Enrique en la dirección de las obras de la Catedral de Burgos y colaboró también en las de León, cuyo claustro es de su autoría. http://www.catedraldeburgos.es/ INICIO PETRI, PETRUS. (Arquitecto. Siglo XIII): Sucedió al maestro Martín en la dirección de las obras de la Catedral de Toledo. http://www.architoledo.org/catedral/ INICIO PICASSO, PABLO. (Pintor. 1.881-1.973): Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora. Pablo Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido, nació en Málaga. El padre era profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios. La primera infancia de Pablo transcurrió entre las dificultades económicas de la familia y una estrecha relación entre padre e hijo. El niño era un escolar bastante perezoso y muy distraído, pero con precoz facilidad para el dibujo. En 1891 la familia se traslada a La Coruña. Pablo inicia sus ensayos pictóricos, y tres años más tarde su progenitor y primer maestro le cede sus propios pinceles y caballetes, admirado ante el talento de su hijo. En 1895, el padre obtiene un puesto docente en la Escola d'Arts i Oficis de Barcelona. Pablo resuelve en un día los ejercicios de examen previstos para un mes, y es admitido en la escuela. En 1896, con sólo quince años, instala su primer taller en la Ciudad Condal. Dos años más tarde, obtiene una mención honorífica en Madrid por su obra Ciencia y caridad, todavía de un realismo académico, mientras sus trabajos, influenciados por El Greco y Toulouse-Lautrec, obtienen nuevas medallas. En 1898 realiza su primera muestra individual en Barcelona. Finalmente, en 1900 hace una visita a París. Allí vende tres dibujos al marchante Mañach, quien le ofrece 150 francos mensuales por toda su obra de un año. Pablo es ya un artista profesional, y decide firmar sólo con el apellido materno. En 1901 viaja nuevamente a París y comienza lo que luego se llamará su «período azul». Al año siguiente expone su primera muestra parisiense y en 1904 decide trasladarse definitivamente a la capital francesa. Allí durante tres años pinta y dibuja sin cesar, rendido a la influencia de Cézanne, mientras elabora con Braque las líneas maestras del cubismo analítico, cuya gran obra experimental, Las señoritas de Aviñón, es pintada por Picasso en 1907. Pronto sobreviene el asombro y el escándalo ante un estilo deforme que rompe todos los cánones y va ganando nuevos adeptos, al tiempo que su audaz inventor expone en Munich (1909) y en Nueva York (1911). Pablo, siempre seguido por Braque, se lanza a inventar el cubismo sintético, que los acerca al borde de la abstracción (en su extensa

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y tan variada obra, Picasso jamás llegaría a abandonar la figuración). Poco después, se abren exposiciones suyas en Londres y Barcelona. En 1914, con la guerra, Pablo abandona prácticamente el cubismo, y busca otros caminos artísticos. Los encuentra en 1917, cuando conoce a Diáguilev, que le encarga los decorados del ballet Parade. Hasta 1925 trabaja en diversos ballets que dan cauce a su evolución pictórica. Un viejo retrato de su madre, pintado en 1918, le valdrá el millonario premio Carnegie de 1930, que le permite adquirir una villa campestre y pasarse más de un año viajando por España. Al estallar la Guerra Civil, Picasso apoya con firmeza al bando republicano, y acepta simbólicamente la dirección del museo del Prado, mientras en 1937 pinta el Guernica en París. Dos años después se realiza una gran exposición antológica en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Deprimido por el triunfo de los nacionales y la posterior ocupación de Francia por los nazis, pasa la mayor parte de la Segunda Guerra Mundial trabajando. En 1944, se afilia al Partido Comunista Francés y da a conocer 77 nuevas obras en el Salón de Otoño. Después se entusiasma por la litografía. Se inicia así su etapa en la que trabaja en sus magníficas cerámicas. En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. Picasso seguirá creando, trabajando y viviendo intensamente hasta morir en 1973. Dejó tras de sí la mayor y más rica obra artística personal del siglo XX. http://www.museupicasso.bcn.es/index.htm http://www.musee-picasso.fr/ http://csdll.cs.tamu.edu:8080/picasso/ http://www.museopicassomalaga.org/ http://www.fundacionpicasso.es/ http://www.picasso.fr/espagnol/ INICIO PIERO DELLA FRANCESCA. (Pintor. 1420-1492): Italiano, discípulo de Massaccio; trabajó inicialmente en Florencia, en Ferrara y en Rímini (donde ejecutó, en 1541, el fresco del templo malatestiano que representa a Segismondo Malatesta). Hacia 1452 emprendió en Arezzo la decoración del coro de la basílica de San Francisco, con los frescos de La leyenda de la cruz, donde se percibe ya claramente su personalidad artística y cuyas escenas le sirven de pretexto para experiencias espaciales en una dimensión monumental, confiriendo a esta obra una gran importancia para el futuro de la pintura. Entre 1470 y 1480 sostuvo una activa relación con los duques de Urbino, pintando durante ese período el díptico con los retratos heráldicos del duque Federico de Montefeltro y Battista Sforza y la Madona de Senigallia. La obra pictórica de Piero della Francesca ejerció gran influencia entre los artistas de su época. Escribió dos tratados de perspectiva, casi exclusivamente matemáticos. A principios del s. XX, los pintores cubistas y los seguidores del arte abstracto redescubrieron la obra de este artista, cuyas leyes sobre la perspectiva y la proporción le llevan a ser considerado como una de las personalidades cumbres del arte. http://www.pierodellafrancesca.it/piero_gb/ INICIO POLICLETO. (Escultor. H. 480 a. C.- ¿?): Nacido en Argos (Grecia), se formó en la tradición de los broncistas de dicha ciudad y realizó casi todas sus obras en este material. En la actualidad sólo se conocen algunas de ellas a través de copias helenísticas y romanas, realizadas en mármol. La más celebrada es el Doríforo («Portador de lanza»); denominada «el canon». El autor aplicó en ella el sistema de proporciones de la figura humana que consideraba ideal y sobre el que escribió un tratado. Otra de sus mejores obras es el Diadumeno, en la que también representa a un atleta. Policleto fue, de hecho, un gran especialista en la plasmación escultórica de la belleza del cuerpo humano y, junto con Fidias, la gran figura de la escultura griega del siglo V a.C. http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc15.html INICIO POLICLETO EL JOVEN. (Arquitecto. Siglo IV a.C.): este autor griego es conocido por las obras efectuadas en la ciudad de Epidauro, entre las que destaca el tholos circular, en cuyo interior se emplean columnas corintias. Proyectó también el teatro de

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la ciudad, que se construyó sobre un terreno inclinado alrededor de una escena circular. A partir de este momento los teatros, que al principio tenían gradas de madera sobre una colina, se construyeron en piedra. http://www.ub.es/telemac/qtvr/grk/epidauro.htm INICIO POLLOCK, JACKSON. (Pintor. 1.912-1.956): Artista estadounidense, en 1929 se trasladó a Nueva York para estudiar pintura. Durante su período de formación conoció la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente. Comenzó su carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e irracional, y para las obras de este período buscó inspiración en el mundo de los indios americanos. El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue cuando adoptó la peculiar técnica del dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que manipulaba después con palos u otras herramientas, e incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la adición de arena e incluso fragmentos de vidrio. Gracias al apoyo de algunos críticos, su nombre se convirtió en uno de los más significativos del expresionismo abstracto y de la action painting, tendencia de la que, con De Kooning, es el representante más típico y destacado. Fue así mismo uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos. A partir de la década de 1950, simultaneó la pintura abstracta con obras figurativas o semifigurativas en blanco y negro, pero su nombre ha pasado a la posteridad, sobre todo, en relación con los grandes lienzos abstractos de vivo colorido, donde los trazos se entrelazan hasta formar una trama densa y compacta (una especie de maraña) de gran impacto. http://www.beatmuseum.org/pollock/jacksonpollock.html INICIO PRAXÍTELES. (Escultor. Siglo IV a.C.): Nacido en Atenas, su figura domina la escultura del siglo IV a.C. y se sitúa casi al mismo nivel de prestigio que la de Fidias en el siglo anterior. Sin romper con los rasgos estilísticos de la escultura ática, Praxíteles los interpretó desde una visión muy personal, que sentó las bases para el posterior desarrollo de la escultura helenística. Se alejó de la tradición al preferir como material el mármol al bronce, pero se mantuvo en la línea de sus antecesores por su elección como modelo para sus obras de la belleza juvenil idealizada. Desde ahí, evolucionó hacia una mayor humanización de las estatuas, caracterizadas por la suavidad del modelado y la postura de los cuerpos, que gravitan fuera de su eje, descansando sobre un punto de apoyo. Es emblemático el grupo de Hermes con Dioniso niño, que se considera un original, el único que se conserva de un escultor griego de primera magnitud. Sus obras restantes se conocen a través de copias romanas. La que gozó de mayor renombre en la Antigüedad fue la Afrodita de Cnido, estatua de tamaño natural de la diosa en la que por primera vez se la representa desnuda. El Sátiro en reposo y el Apolo Sauróctono destilan el encanto sensual y la gracia delicada típicos de la obra de Praxíteles. http://www.utexas.edu/courses/citylife/praxiteles.html INICIO RAFAEL. (Raffaello Sanzio. Pintor y Arquitecto. 1483-1520): Italiano, cuyas obras representan el paradigma del Renacimiento por su clasicismo basado en la perfección de la luz, la composición y la perspectiva. Su padre, lo introdujo pronto en el arte de la pintura y a los diecisiete años trabajaba ya como artista independiente. No se conoce con exactitud qué tipo de relación mantuvo Rafael con Perugino, del que unos lo consideran discípulo y otros socio. Lo cierto es que lo superó rápidamente como se desprende de sus Desposorios de la Virgen. Desde 1504 hasta 1508, trabajó fundamentalmente en Florencia, en donde recibió la influencia del arte de Leonardo. De entre sus

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obras de este período las más celebradas son sus variaciones sobre el tema de la Virgen y la Sagrada Familia. Los personajes están situados en un marco de paisajes sencillos y tranquilos. Su maestría en la composición y la expresión y la característica serenidad de su arte se despliegan ya en plenitud en La Madona del jilguero, entre otras obras. En 1508, contando sólo veinticinco años, el Papa Julio II lo llamó a Roma para que decorara sus aposentos en el Vaticano, conocidos como Estancias del Vaticano. Rafael pintó uno de los ciclos de frescos más famosos de la historia de la pintura. Entre 1509 y 1511 decoró la Estancia de la Signatura, donde pintó grandes composiciones sobre las paredes, entre ellas La escuela de Atenas. En un espacio de gran amplitud, organizado con un perfecto sentido de la perspectiva, Rafael dispone una serie de grupos y figuras, con un absoluto equilibrio de fuerzas y una sublime elegancia de líneas. En la Estancia de Heliodoro, decorada de 1511 a 1514, Rafael desarrolló temas históricos. En la estancia del Incendio del Borgo y en la Estancia de Constantino predomina ya la aportación de los discípulos sobre la del maestro. El pintor simultaneó la decoración de las Estancias del Vaticano con la realización de otras obras, como los frescos de El triunfo de Galatea para la Villa Farnesina. A este período corresponden también numerosos retratos, de gran veracidad y penetración psicológica. El dibujo es inigualable y el colorido, discreto, servidor de la forma. A partir de 1518, Rafael se ocupó de la decoración de las Logias del Vaticano con pequeñas escenas del Antiguo Testamento envueltas en paneles de grutescos. La Transfiguración, última obra del artista, es considerada por algunos el compendio perfecto de su arte. Sus trabajos arquitectónicos, de menor importancia que los pictóricos, incluyeron la dirección de las obras de San Pedro del Vaticano. http://www.artenelweb.com/raffaello/ http://digilander.libero.it/debibliotheca/Arte/sanzio/page_01.htm http://www.christusrex.org/www1/stanzas/ INICIO REMBRANDT. (Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Pintor. 1.606-1.669): Holandés, recibió una esmerada educación y llegó a ingresar en la Universidad de Leiden, pero decidió dedicarse a la pintura. En 1625, considerándose ya formado, abrió taller en Leiden y no tardó en contar con una amplia clientela. Durante estos años su arte evolucionó desde unos inicios de colores brillantes y gestos grandilocuentes hacia una creciente afirmación del claroscuro. El sabio empleo que hizo de esta nota tan típica del Barroco es lo que confiere a su obra una fuerza y una personalidad indiscutibles. Ya en época temprana, hacia 1630, el claroscuro se convierte en el más poderoso medio de expresión del pintor, tal como evidencian obras como La presentación de Jesús en el templo. En 1630 se trasladó a Amsterdam, donde se casó. Comenzó entonces para él una etapa de prosperidad económica y de vida mundana, que se truncó repentinamente en 1642, año de la muerte de su esposa. Los reveses económicos se sucedieron, hasta que en 1656 se vio obligado a subastar todas sus pertenencias. Las dos etapas, próspera y adversa, de la vida de Rembrandt se reflejan en sus obras, particularmente en los autorretratos, un género que el artista cultivó a lo largo de toda su carrera; mientras que los primeros son alegres, brillantes y un tanto superficiales, los de los últimos años tienen un carácter sombrío, sereno, y reflejan una profundidad muy superior. De los numerosos géneros que cultivó, el religioso y el retrato fueron los dos en que más brilló su talento. A Rembrandt se le recuerda sobre todo por sus magistrales retratos de grupo, absolutamente alejados de los convencionalismos. La maestría compositiva, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de este género (La lección de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio de pañeros) unas obras llenas de vida. En las creaciones de los últimos años (El hombre del yelmo de oro o La novia judía), el pintor eleva todas sus conquistas al plano de la madurez y manifiesta un absoluto dominio de las técnicas y de los efectos. Rembrandt

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fue así mismo un gran dibujante y grabador, que dejó cerca de 1 500 dibujos y 400 grabados. Tanto los dibujos como los aguafuertes son obras plenamente barrocas, dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del mundo circundante muy característico del arte de Flandes y de los Países Bajos. En todo ello se asemejan a las pinturas del artista, de las cuales se diferencian en la mayor importancia que en dibujos y grabados tiene la línea sobre el claroscuro. http://www.rembrandthuis.nl/2004/index_main.html INICIO RENOIR, PIERRE AUGUSTE. (Pintor. 1.841-1.919): es uno de los pintores franceses más ilustres de su época, clasificado entre los impresionistas. Cuando apenas contaba 20 años, sus cuadros eran ya aceptados en el Salón. Posteriormente, sin embargo, sufrió la influencia de los artistas que exponían en el Salon des Refusés, así como de la obra de Manet, y quedó tan íntimamente vinculado a los impresionistas que en 1874 y 1878 figuraron sus cuadros en las exposiciones de esta escuela. El estilo de su madurez es enteramente personal, por lo que no se le puede encuadrar en ninguna de las múltiples escuelas pictóricas establecidas. Sus experiencias juveniles constituyeron una preparación verdaderamente única para su carrera. En París, trabajó como decorador de abanicos y sombrillas. Este trabajo requería la copia de cuadros, especialmente de los pintores franceses del siglo XVIII. Esta actividad artesana influyó decididamente sobre su preferencia posterior por los tonos claros y por los pintores de este período. Sus primeras obras muestran, sucesivamente, la influencia de Courbet, Delacroix y Manet. Entre los cuadros más famosos de la época impresionista destaca Le Moulin de la Galette, representación al aire libre con numerosas figuras bañadas por jirones de luz solar. El color es desigual y carece de negro, elemento que por entonces Renoir descartó de su paleta. Corresponde también a este período El columpio. Sus retratos de mujeres y de niños figuran entre sus obras más conocidas. En 1879 era especialmente famoso en este terreno y comenzó a atraerse una clientela distinguida. A este período corresponde Madame Charpentier y sus hijas, que presenta a una madre con sus hijas, lujosamente ataviadas, con un perro a los pies. El fondo del cuadro muestra en el ángulo superior derecho un bodegón. A partir de esta época Renoir revela mayor elaboración en sus diseños. Asimismo empieza a prestar mayor atención a los maestros antiguos, y dedica más atención a los problemas del volumen de las formas humanas y sus valores plásticos que a la simple captación de la coloración fugitiva y fluctuante de la superficie. Mientras tanto, continuó pintando una gran variedad de temas con estilos dispares, dentro siempre de su característico colorido y de su predilección por cuanto de bello se hallaba a su alcance: flores, paisajes, niños y grupos de personas unidas por lazos familiares. Finalmente evolucionó a su tema favorito del desnudo femenino en forma de ninfas o bañistas. Los desnudos, expresados con tonos cálidos y resplandecientes, forman generalmente parte del paisaje. Durante los últimos 20 años vivió Renoir casi completamente impedido por la artritis, aunque continuó pintando a pesar de su enfermedad, aun cuando tenía que atarse los pinceles a las muñecas, ya que no podía sujetarlos con los dedos. Durante esta época sus lienzos se nutren de amplias formas plásticas. Ya no eran posibles las delicadas tonalidades de sus primeras obras y los cuadros de esta época se caracterizan por el predominio de los rojos intensos. La obra última del pintor tiene ecos de Rubens y demuestra que había aprendido mucho de los venecianos. http://www.renoir.org.yu/ INICIO RIAÑO, DIEGO DE. (Arquitecto. ¿?-1.534): Una de las principales personalidades del plateresco español. En Sevilla realizó la sacristía de los Cálices y las cuatro capillas en los muros laterales del coro de la catedral, así como el Ayuntamiento. También realizó la traza de la catedral de Valladolid, y hacia 1533 estuvo al frente de la obra del refectorio de la Cartuja de Jerez.

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http://www.sevilla5.com/monuments/ayuntamiento_es.html

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RIBERA, JOSÉ DE. (“EL ESPAÑOLETO”. PINTOR. 1.591-1.652): Nacido en España, se cree que fue discípulo de Francisco Ribalta. Hacia 1608-1610 marchó a Italia, donde se interesó por la obra de Correggio. Hasta 1616 estuvo en Roma, donde admiró a Rafael, Miguel Ángel y, especialmente, a Caravaggio. Allí consiguió celebridad y realizó obras de una gran calidad, como evidencian El gusto y El tacto, de la serie de Los cinco sentidos. Se estableció en Nápoles definitivamente, donde se impuso como el pintor más destacado. Gozó de la protección de los virreyes, que le fueron adoptando como pintor de cámara. Trabajó para diversas iglesias napolitanas y, sobre todo, para la cartuja de San Martín, que conserva un magnífico conjunto (serie de Profetas, Piedad). De 1620 a 1626 no se tienen noticias de obras pictóricas, pero a este período corresponden la mayoría de sus grabados, técnica que cultivó con maestría. De su origen español conservó el gusto por la temática religiosa (La bendición de Jacob), con figuras aisladas de santos, abundando los penitentes y mártires plasmados con crudo realismo (San Jerónimo), así como milagros, martirios, episodios del Nuevo Testamento, vírgenes con Niño, etc. Sin embargo, también cultivó el género mitológico, el retrato y realizó las series de los Filósofos, así como representaciones de mendigos y tipos populares. Hasta 1634 su estilo se caracterizó por un acusado tenebrismo, con violentos contrastes de luz, un crudo realismo en los detalles y cierta tendencia a la monumentalidad. A partir de ese momento, optó por una pictoricidad más libre, un colorismo más rico, así como temas y formas más amables, asimilando influencias venecianas y boloñesas. En su producción final parece advertirse un repliegue hacia formas de su período juvenil, retornando al tenebrismo y los contrastes lumínicos. http://www.epdlp.com/pintor.php?id=352 INICIO RIBERA, PEDRO DE. (Arquitecto. 1683-1742): Fue maestro mayor del Ayuntamiento de Madrid, ciudad donde llevó a cabo su obra más destacada, el puente de Toledo, y otras realizaciones relevantes como la iglesia de Montserrat, el cuartel del CondeDuque y el Hospicio de San Fernando, cuya portada es uno de los más notables ejemplos del estilo churrigueresco. También construyó gran número de fuentes, que en la actualidad se encuentran en los parques madrileños del Oeste y del Retiro. Fue uno de los principales representantes de la arquitectura churrigueresca. http://usuarios.lycos.es/juancato/ficios/hospicio.htm INICIO RIETVELD, GERRIT. (Arquitecto. 1.888-1.964): Nacido en Holanda, en 1911 abrió un taller de carpintería especializado en muebles. De 1917-1918 es su butaca «roja-azul», basada en la descomposición en elementos geométricos y combinaciones de colores primarios. En 1921 inició su colaboración con el decorador T. Schroeder (Casa Schroeder, Utrecht). A pesar de seguir vinculado al neoplasticismo hasta 1931, se acercó al racionalismo arquitectónico. Entre sus últimas obras destacan el pabellón holandés para la Bienal de Venecia y el Museo Van Gogh (Amsterdam). http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=138 http://www.geocities.com/gerritrietveld/ INICIO RODIN, AUGUSTE. (Escultor. 1.840-1.917): nacido en Francia, por sus modestos orígenes, se vio obligado a ganarse la vida como ayudante de decoración. En 1875 emprendió un viaje a Italia para conocer la obra de Miguel Ángel. El resultado de su contacto con el genio del Renacimiento fue La edad del bronce, presentada en el Salón de 1877, que desagradó profundamente por su extraordinario realismo. Seguía

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sin triunfar como escultor, lo que consiguió al fin en 1881, cuando presentó en el Salón San Juan Bautista predicando. Entonces recibió la gran petición de su vida: las puertas monumentales del futuro Museo de Artes Decorativas de París, que nunca llegaron a realizarse, si bien se fundieron en bronce en 1928 gracias a un admirador del artista, y para las que Rodin esculpió una de sus obras maestras, El pensador. Cuando todavía trabajaba en los modelos de las puertas, aceptó el encargo de levantar el monumento de Los burgueses de Calais, una obra de dramatismo contenido. Fueron éstos sus años de máxima creatividad, con obras como El beso, entre otras, que han llevado a considerarlo el principal escultor impresionista, por sus estudios texturales y lumínicos. Con posterioridad, siguió creando obras de inspiración personal, pero se centró en los retratos y en la realización de monumentos públicos, tales como los dedicados a Víctor Hugo y a Balzac. http://www.musee-rodin.fr/ INICIO

ROTHKO, MARK. (Pintor. 1.903-1.970): Pintor estadounidense de origen lituano, emigró a Estados Unidos cuando todavía era un niño. Cursó estudios universitarios y su formación artística fue esencialmente autodidacta. Tras unos inicios en que se acercó al surrealismo y el expresionismo, llegó a un estilo absolutamente personal que lo convirtió en una de las figuras más destacadas del expresionismo abstracto, siendo a menudo encuadrado en la corriente denominada del campo de color. Sus obras, normalmente de grandes dimensiones y agrupadas en series, presentan muy poca variación compositiva y consisten básicamente en rectángulos de varios colores que se suceden paralelamente de arriba abajo, con bordes ligeramente irregulares en las zonas de separación tonal. La intención del artista fue siempre aprehender el absoluto por medio de una aproximación contemplativa. Su paleta cromática fue oscureciéndose con el paso de los años, se especula que en correspondencia con un estado depresivo que lo llevaría al suicidio. http://www.nga.gov/feature/rothko/rothkosplash.html INICIO

RUBENS, PIETER PAUL. (Pintor. 1.577-1.640): Pintor flamenco, aunque nacido en Alemania, fue la gran figura del Barroco en la Europa septentrional. Tuvo más influencia que Rembrandt a pesar de que a su pintura grandilocuente le falta algo de sinceridad. En 1587, la muerte de su progenitor le permitió desplazarse a Amberes, donde estudió pintura. Realizó el tradicional viaje a Italia, que resultó decisivo para su formación. A lo largo de ocho años (1600-1608), recorrió los principales centros artísticos italianos. Durante el período italiano produjo sus primeras obras, muy influidas todavía por la pintura italiana y alejadas de su estilo de madurez. Lo más relevante de esta época es la serie de retratos aristocráticos que pintó en Génova. Después de un viaje a España, donde realizó algunas obras, en 1608 regresó a Amberes y se estableció definitivamente en esta ciudad. Abrió una casa-taller en la que, con la colaboración de numerosos ayudantes especializados, ejecutó gran número de obras en respuesta a la multitud de encargos que recibía. En las realizaciones de los años 1601-1614 (Adoración de los Magos, Anunciación), su personalidad artística aparece ya definitivamente formada: grandiosidad y sentido dramático, dinamismo intenso, pasión por el dibujo. Paulatinamente añade el género mitológico al religioso,

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así como el paisaje y el género costumbrista. Mitológicas son algunas de sus obras más conocidas, como Las tres Gracias, en las que resulta evidente la inclinación hacia las musculaturas poderosas, las carnes sonrosadas y exuberantes y las tonalidades claras. Por otra parte, revalorizó el cuadro de caza y de batallas y sobresalió también como creador de escenas costumbristas (El jardín del amor) y de cartones para tapices. A partir de 1620 recibió importantes encargos de varias cortes europeas, entre ellos el de la historia de María de Médicis para el palacio del Luxemburgo de París. En estas obras destinadas a la decoración de amplios ambientes, pudo dar rienda suelta a su sentido monumental y decorativo de la pintura a través de enormes frescos cargados de figuras y de motivos ornamentales, en los cuales la composición se basa en grandes líneas diagonales que añaden, si cabe, mayor sensación de movimiento. En su faceta de retratista, se inclinó por la idealización de los rostros y la magnificencia de las actitudes; además de personajes importantes, retrató a sus dos esposas. http://museum.antwerpen.be/rubenshuis/ INICIO RUIZ, DIEGO. (Arquitecto y carpintero de lo blanco. Primera mitad del siglo XV): Maestro mayor del Alcázar de Sevilla, autor, en 1.427, de la suntuosa cúpula semiesférica a la que debe su antiguo nombre de Salón de la Media Naranja, el actualmente denominado Salón de Embajadores del citado palacio. http://www.patronatoalcazarsevilla.es/apuntes/apuntes2/investigacion2/contenidos_inv 2.html INICIO SACOMA, PERE. (Arquitecto. ¿?-1.393): Nacido probablemente en Gerona, fue maestro mayor de las obras de la Catedral de dicha ciudad entre los años 1.368 y 1.393, en que falleció. A él corresponde el proyecto de nave única que caracteriza al edificio. http://www.lacatedraldegirona.com/ INICIO SALZILLO, FRANCISCO. (Escultor. 1.707-1.783): Se formó en el taller de su padre, el escultor napolitano Nicolás Salzillo, establecido en Murcia. A la muerte de su padre, Francisco se hizo cargo del taller familiar, en el que continuó al principio el estilo paterno. Su primera obra enteramente personal es también la más valorada en la actualidad, el famoso Pesebre de más de 800 piezas realizado al estilo de los belenes napolitanos de finales del siglo XVII; estas figuras, esculpidas en barro cocido, madera o cartón, sobresalen por su realismo extremo y su enorme expresividad, hasta el punto de que se consideran inspiradas en tipos populares. Su otra gran realización la comenzó en 1752, cuando la cofradía de Jesús Nazareno le encargó un conjunto de ocho pasos procesionales, que se han convertido en su creación más famosa. Los más logrados son los dedicados a la Oración en el huerto, la Última Cena y la Dolorosa, pero en todos triunfa el personal estilo del autor, exaltador de la belleza y del naturalismo. Los rostros de sus estatuas son tan hermosos y están tan bien modelados que recuerdan las porcelanas de la época, motivo por el cual se considera a Salzillo un magnífico exponente de la escultura rococó. Realizó muchas otras obras, todas ellas de temática religiosa. http://webs.ono.com/usr000/salzilloescultor/msalzillo.htm http://www.museosalzillo.es/ INICIO SENMUT O SENENMUT. (Arquitecto. Siglo XV a.C.): Arquitecto egipcio, fue también ministro de la reina Hatshepsut. Se le conoce sobre todo por haber sido el artífice constructor del templo funerario de esta reina en Deir el-Bahari. http://www.egiptologia.org/arte/templos/deir-el-bahari_hatshepsut/ INICIO SEURAT, GEORGE. (Pintor. (1.859-1.891). Nacido en Francia, participó en la fundación del Salón de Artistas Independientes, que agrupaba pintores de nuevas tendencias como el

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neoimpresionismo o el puntillismo. Llevó al límite la experiencia impresionista y, en lugar de reproducir los efectos de la luz, empezó a pintar mediante toques aislados y a plasmar las formas reducidas a sus características esenciales. En sólo siete años realizó sus cuadros más importantes, como El baño (1884) o Un domingo de verano en la Grande Jatte (1886), su obra maestra. Los aspectos técnicos de su obra influyeron en los fauves, y sus rigurosos estudios teóricos, en los cubistas. http://www.epdlp.com/pintor.php?id=369 INICIO SIGNAC, PAUL. (Pintor. 1.863-1.935). Nacido en Francia, inicialmente se alineó con los impresionistas, pero después de conocer a Seurat en 1884 se adscribió, como artista y teórico, al neoimpresionismo o puntillismo. En sus obras plasmó sobre todo escenas marineras, primero con un puntillismo estricto y después con un toque más amplio, proporcional a las dimensiones del cuadro. Son sus obras de estilo más libre, las que revisten mayor interés. http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/signac/ INICIO SILOÉ, DIEGO DE. (Arquitecto y escultor. H. 1495-1569): Se formó con su padre, el escultor Gil de Siloé, y merced a una estancia de dos años en Italia, entró en contacto con el arte renacentista. Precisamente por ello, es una de las grandes figuras del Renacimiento español, al que aportó un elegante dominio de los esquemas italianizantes, enriquecidos a menudo con una profusa decoración. En 1517 se estableció en Burgos, donde realizó la escalera dorada de la catedral, una de las obras maestras del Renacimiento hispánico. En la propia catedral se le deben varias obras en la capilla del Condestable, en particular el retablo mayor. Sus figuras, poderosas y monumentales, se enmarcan en espacios arquitectónicos de claro sabor italianizante. En 1528 se trasladó a Granada, donde labró las estatuas orantes de los Reyes Católicos para la Capilla Real. En Andalucía, donde trabajó principalmente como arquitecto, dejó dos grandes creaciones: la catedral de Granada y la iglesia de San Salvador de Úbeda. En la primera, creó un templo de cinco naves en el que demostró su gran dominio del espacio; resulta notable la concepción de la cabecera, constituida por la capilla mayor y la girola y precedida por siete espectaculares arcos de medio punto, de los que se derivan singulares efectos espaciales. Siloé compaginó el trabajo en la catedral de Granada, con la dirección de las obras del Colegio de los Irlandeses, en Salamanca, en el que trazó un patio de un clasicismo impecable. http://www.ubeda.com/El_Salvador/ INICIO SOISSON, BERNARD DE. (Arquitecto, mediados s. XIII): Dirigió las obras de la Catedral de Reims en una fase avanzada de su construcción, atribuyéndosele el rosetón de la fachada de los pies. http://www.cathedrale-reims.com/ INICIO SULLIVAN, LOUIS HENRY. (Arquitecto. 1.856-1.924): Norteamericano que trabajó durante algún tiempo en Filadelfia y luego en Chicago, con William Le Baron Jenney, autor del primer rascacielos construido con armazón de acero. El fuerte resurgimiento del clasicismo estorbó sus esfuerzos en favor de una arquitectura al mismo tiempo americana y funcional, de acuerdo con su lema: «la forma sigue a la función», mostrando su definitivo divorcio con la tradición y su deseo de originalidad. En el Wainwright Building, de Saint Louis, daba cabal expresión a sus principios constructivos. En la arquitectura de rascacielos, el Gage Building de Chicago, en que el vidrio y la terracota se acoplan a un esqueleto de hierro, supone casi un logro perfecto. Su Schlesinger and Mayer Department Store (1899-1904), actual edificio Carson, Pirie, Scott and Company, de Chicago, es un modelo de edificación de acero. Proyectó también el Stock Exchange Building y el mausoleo de Getty, ambos en Chicago, el Union

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Trust Building, en St. Louis, y una serie de pequeños bancos para diferentes poblaciones. http://www.geocities.com/SoHo/1469/sullivan.html INICIO SUNAIF. (Arquitecto. Siglo X): Autor del famoso Salón Rico de la ciudad palatina de Medina Zahara, en Córdoba. El edificio fue mandado construir por Abd al-Rahman entre los años 953-957. http://www.juntadeandalucia.es/cultura/museos/CAMA/ INICIO TEODOTOS. (Arquitecto. Siglo IV a.C.): Autor griego responsable de la edificación del tholos en mármol de Atenea Pronaia. (350 a.C.), de la ciudad de Delfos. http://sacredsites.com/europe/greece/tholos_temple_delphi.html INICIO TIZIANO VECELLIO. (Pintor. H. 1490-1576): Italiano. Recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione. La concepción poética de la pintura de éste dejó una profunda huella en Tiziano, como resulta evidente en todas sus obras de juventud, y muy especialmente en la enigmática alegoría Amor sagrado y amor profano, lienzo con el que se consagra ya como un maestro del desnudo femenino, además de manifestar un talento natural en la plasmación del paisaje. No tardó en convertirse en el artista más importante de Venecia y fue nombrado pintor oficial de la República. Aunque sus obras más admiradas en el presente son las de tema alegórico y mitológico, comenzó la parte más brillante de su carrera con una serie de retablos de colores fuertes y contrastados y figuras poderosas, como La Asunción. Son obras de composición enérgica que muestran una gran vitalidad. Por entonces, Tiziano se reveló también como un gran retratista, con obras en las que establece un esquema nuevo: el protagonista aparece reproducido de medio cuerpo, con las manos visibles y unos rasgos reales pero idealizados. Hacia 1530, su estilo evolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más pausadas, y hacia colores mucho más claros. Por entonces, la fama del pintor llegaba a todas las cortes europeas, lo que le permitió recibir encargos de Carlos I de España y Francisco I de Francia, a los que retrató en obras magistrales. El emperador quedó tan entusiasmado con el arte de Tiziano que lo nombró pintor de la corte. También los príncipes italianos solicitaron sus servicios, y así para el duque de Urbino pintó la famosa Venus de Urbino, de una sensualidad nueva en el arte del Renacimiento. En 1545-1546, Tiziano realizó un viaje a Roma, que supuso el punto de partida hacia un nuevo tratamiento del color a base de pinceladas largas y atrevidas, y de manchas y toques que deshacen las formas y dan una apariencia ligera y agradable a las pinturas. Entre 1548 y 1562 fue reclamado por Carlos I y luego por Felipe II, para quien, además de retratos, realizó una serie de cuadros de tema mitológico. Su última obra es la Piedad de Venecia, que presenta afinidades con el manierismo. http://www.epdlp.com/pintor.php?id=389 http://www.revistakatharsis.com/gallery/ INICIO TOLEDO, JUAN BAUTISTA DE. (Arquitecto. ¿?-1.567): Se formó en Italia, donde se cree que colaboró con Miguel Ángel en las obras de la basílica de San Pedro. Regresó a España en 1559 y, un año más tarde, fue nombrado arquitecto del rey Felipe II. A su servicio realizó diversas intervenciones en el Alcázar y el palacio de Aranjuez, antes de ocuparse de sus dos grandes realizaciones. La primera fue el convento de las Descalzas Reales, donde la austeridad de la concepción y el empleo de figuras geométricas como único motivo ornamental manifiestan su formación italiana. Su obra de mayor alcance fue el Real Monasterio de El Escorial, comenzado bajo su dirección en 1563 y del que fue autor del proyecto, del patio de los Evangelistas y de los claustros menores. Murió sin poder acabar esta obra. http://www.arsvirtual.com/monum/escorial.htm INICIO

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TOULOUSE-LAUTREC, HENRI DE. (Pintor. 1.864-1.901): Pintor, dibujante y cartelista francés, es una de las figuras más originales del arte del siglo XIX. Nació en el seno de una familia aristocrática y tuvo una infancia y una adolescencia felices, aunque sufrió dos caídas graves que le atrofiaron los miembros inferiores y le impidieron alcanzar una estatura normal. Pero su deformidad no le impidió relacionarse y mantener una vida social normal. Comenzó a dibujar en la infancia y posteriormente se formó en academias. En 1885 abrió un taller en Montmartre y desde entonces se dedicó a la creación pictórica, integrándose plenamente en el ambiente artístico parisino que en aquella época buscaba la superación del impresionismo. Se relacionó con Van Gogh y Gauguin, y de este último tomó algunos rasgos estilísticos, como el uso de los contornos pronunciados. Pero las obras que más influyeron en su peculiar estilo fueron las de Degas y las estampas japonesas. En el ambiente bohemio de Montmartre frecuentó cafés cantantes, teatros, prostíbulos y salas de baile. Estos ambientes constituyen, de hecho, lo más peculiar de su creación artística, en la que bailarinas de cancán y personajes de circo son los protagonistas más entrañables. Además de cuadros llenos de vivacidad y movimiento, realizó innumerables apuntes y dibujos rápidos, así como unos treinta carteles publicitarios de cabarés y productos comerciales. Para los carteles, Toulouse-Lautrec creó un tipo de figura estilizada y adoptó unas tonalidades que ejercieron una influencia profunda y duradera en posteriores realizaciones de este tipo. http://www.toulouselautrec.free.fr/ INICIO TURNER, JOSEPH MALLORD WILLIAM. (Pintor. 1.775-1.851). De origen británico, fue un artista precoz. Su prematura inclinación hacia la pintura se concretó desde el primer momento en una vocación de paisajista, hasta el punto de que fue el paisaje el único tema que cultivó, y del cual llegó a ser un maestro indiscutible. A partir de 1792 adoptó la costumbre de realizar apuntes de paisajes para venderlos a grabadores o convertirlos luego en óleos o acuarelas. Esta línea de actuación, mantenida a lo largo de toda su vida, está en el origen de la gran cantidad de dibujos que dejó a su muerte. Aunque su obra fue muy discutida, contó con admiradores y mecenas incondicionales. Gozó, por ello, de un gran desahogo económico. Desde sus inicios, sus paisajes son plenamente románticos por el dramatismo de los temas tratados y manifiestan un interés particular por el espacio atmosférico y los efectos luminosos. Estos dos rasgos, los más característicos de su estilo, se mantuvieron hasta el final de su carrera, aunque en composiciones cada vez más esquemáticas y abstractas en las que el color adquirió un protagonismo absoluto. http://www.tate.org.uk/britain/turner/default.htm INICIO TUTMÉS: (Escultor. Siglo XIV a.C.): Artista egipcio que dirigió un taller escultórico en la época de Amenofis IV, quien lo nombró escultor-jefe de Tell-Amarna. En esta localidad se ha excavado su taller, donde fue localizado el famoso busto de la reina Nefertiti, junto a un numeroso grupo de estatuas de la familia real. http://sapiens.ya.com/antiqvae/imagenesegipto040.htm INICIO VANDELVIRA, ANDRÉS DE. (Arquitecto. 1509-1575): Español, quizá de origen flamenco, en 1530 trabajó en la construcción del convento de Uclés (Cuenca), y en 1536, junto a Diego de Siloe, en la iglesia del Salvador de Úbeda, siendo nombrado maestro de obras de la catedral de Jaén en 1554. Fue autor también de la cabecera

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de la iglesia de San Francisco en Baeza (Jaén); del palacio Vázquez de Molina, del de Vela de Cobos y del Hospital de Santiago en Úbeda. http://www.ubeda.com/Andres_de_Vandelvira/ http://www.iglesiajaen.com/ INICIO VAN DER WEYDEN, ROGIER. (Pintor. 1.400-1.464): Aunque fue el pintor flamenco de mayor proyección internacional en su tiempo y uno de los grandes maestros del siglo XV en Flandes, su figura resulta problemática por las confusas referencias documentales. En general, se acepta que es el Rogelet de la Pasture que ingresó en 1427 en el taller de Robert Campin, en Tournai, y que salió de él convertido en maestro pintor en 1432. De hecho, existen coincidencias estilísticas básicas entre ambos artistas, ya que Van der Weyden partió del estilo expresivo, lineal y naturalista de su maestro para dotarlo de una mayor intensidad dramática y un mayor grado de sofisticación y refinamiento. Una de sus primeras obras y quizá la más conocida, el Descendimiento, condensa todas las características estilísticas que hacen sus creaciones inconfundibles: las figuras, dispuestas en una composición dominada por el sentido del movimiento, expresan toda la fuerza de sus sentimientos con una riqueza iconográfica sin precedentes; el decorativismo, relegado a un segundo plano, se somete a la fuerza del color. En 1436, Van der Weyden está en Bruselas como pintor oficial de la ciudad, donde tuvo un taller con numerosos discípulos, desde el que ejerció una gran influencia no sólo en los pintores flamencos, sino en muchos pintores europeos de la época. Realizó innumerables obras de temática religiosa y retratos; en éstos, la representación naturalista de los rasgos de los personajes está sublimada por sutiles efectos luminosos. http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/weyden/ INICIO VAN EYCK, JAN. (Pintor. 1390-1441): Nacido en Flandes, está considerado uno de los grandes maestros de la pintura de todos los tiempos. Durante mucho tiempo se le atribuyó la invención de la técnica pictórica del óleo, pero en la actualidad se piensa más bien que la llevó a unos niveles de perfección elevadísimos, desconocidos antes de él. Trabajó en La Haya y en Lille como pintor de corte de Felipe el Bueno. En 1430 se estableció en Brujas, donde vivió hasta su muerte. En 1432 acabó su obra maestra, el gran retablo de la Adoración del cordero místico, realizado para la catedral de Gante. Esta obra presenta, no obstante, problemas de atribución, ya que incluye una inscripción en el marco según la cual fue ejecutada por Hubert y Jan Van Eyck. El problema radica en lo oscuro de la figura de Hubert, al cual no se atribuye ninguna otra obra y de quien nada se sabe con certeza, hasta el punto de que algunos especialistas han llegado a dudar de su existencia. Por otra parte, no hay en el retablo diferencias estilísticas que permitan atribuir partes distintas a cada uno de los dos hermanos. La obra, que consta de más de doce tablas, es notable por su vivo colorido, la riqueza paisajística, el complejo programa iconográfico y el extremo cuidado de los detalles, rasgo característico de Van Eyck y extensivo a toda la pintura flamenca. Se le atribuyen unas veinte pinturas más, muchas de las cuales no han llegado hasta nosotros. Las que han sobrevivido son retratos y cuadros religiosos. Entre los primeros, el más conocido es el Matrimonio Arnolfini, ambientado en un interior repleto de pequeños detalles. Gracias a la riqueza del empaste, el artista fue capaz de reproducir a la perfección las texturas más diversas, desde el pelo sedoso del perrillo al latón pulido de la lámpara y la superficie convexa del espejo del fondo, donde da una segunda versión de la escena al mismo tiempo que crea efectos de profundidad. El hombre del turbante rojo se considera un autorretrato del artista; la representación del modelo, impasible como todos los de Van Eyck, no resulta tan interesante como la reproducción del espléndido turbante con que se toca. La Virgen del canciller Rolin y La Virgen del canónigo Van der Paele son las dos obras que se le conocen de temática religiosa. El

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esquema es el mismo en ambas: la Virgen con el Niño como figura central rodeada de los donantes y comitentes; en las dos telas, el mérito reside en el lujo de detalles de los interiores donde se ambienta la escena. La primera, no obstante, supera a la segunda por la profundidad que le añade el paisaje reproducido al fondo, que contribuye igualmente a la mayor luminosidad de la obra. http://cgfa.sunsite.dk/eyck/ INICIO VAN GOGH, VINCENT. (Pintor. 1.853-1.890): Nacido en Holanda, al finalizar sus estudios trabajó en una sociedad de comerciantes de arte. Trabajó después como profesor, ayudante de un pastor metodista y empleado de una librería, oficios en los que no logró permanecer. La obsesión de Van Gogh era entonces convertirse en pastor, aunque acabó perdiendo la fe. Van Gogh pasó esta crisis espiritual vagando por Francia y Bélgica y escribiendo a su hermano Théo. Animado por éste, en 1880 decidió dedicarse a la pintura. En 1885 conoció el impresionismo y el arte japonés (Retrato del père Tanguy), y se relacionó con Toulouse-Lautrec, E. Bernard y Gauguin. El contacto con el impresionismo sería determinante para su obra. Establecido en Arles (La habitación de Vincent, 1888) por consejo de su hermano, la soledad se le hacía insoportable. Gauguin se instaló con él a instancias suyas pero la relación fue haciéndose más y más difícil por el carácter violento de ambos; Van Gogh se cortó el lóbulo de una oreja al intentar golpear a Gauguin en una pelea. Tras la marcha de Gauguin, Théo le visitó e hizo que ingresara en el hospital de Arles, y más tarde en un asilo. En este período Van Gogh pintó intensamente: paisajes, naturalezas muertas, retratos, campos de trigo bajo un cielo azul plomo con vuelos de cuervos, etc. Regresó entonces a París y se instaló en Auverssur-Oise; el 27 de julio de 1890 se disparó un tiro y murió dos días después, dejando una producción de aproximadamente ochocientos cuadros y otros tantos dibujos y aguafuertes. Autor de escaso éxito en vida, la exposición retrospectiva de 1891 que el Salón de los Independientes dedicó a Van Gogh hizo que fuera reconocido como uno de los genios de la pintura, cuya producción habría de ejercer una influencia determinante en todo el arte del siglo XX, especialmente en el fauvismo y el expresionismo. Pintor de la luz, su pincelada tosca y torturada cautiva por la intensidad de su pasión interior. http://www.vangoghmuseum.nl/ INICIO VELÁZQUEZ, DIEGO DE SILVA. (Pintor. 1.599-1.660): Nacido en Sevilla, además de ser la personalidad artística más destacada de su tiempo, Velázquez es también la figura culminante del arte español, sin rival hasta los tiempos de Goya. Realizó su aprendizaje en Sevilla, en el taller de Pacheco, con cuya hija casó en 1617. Cuando todavía era un adolescente, pintó algunas obras religiosas (La Adoración de los Reyes Magos) con un realismo inusual y pronunciados efectos de claroscuro. A la misma época pertenece una serie de obras de género con figuras de prodigiosa intensidad y una veracidad en la reproducción de los tipos humanos y de los objetos inanimados (Vieja friendo huevos y El aguador de Sevilla). También por entonces pintó inusitados cuadros de temática religiosa ambientados en escenarios cotidianos, como Cristo en casa de Marta o Cristo en Emaús; de hecho, la capacidad de convertir las escenas religiosas en algo cercano y realista constituye una característica del barroco sevillano que Velázquez legó a otros artistas de su tiempo. Estas obras, de un estilo por lo demás muy distinto del de su época de madurez, le valieron cierta reputación, que llegó hasta la corte, por lo que en 1623 fue llamado a Madrid por el conde-duque de Olivares, valido de Felipe IV, para que pintara un retrato

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del rey; tanto gustó la obra al soberano que lo nombró pintor de corte. Comenzó así para Velázquez una larga y prestigiosa carrera cortesana, a lo largo de la cual recibió destacados títulos, como el de caballero de la Orden de Santiago. Desde su nombramiento oficial hasta el final de sus días pintó numerosos retratos de Felipe IV y de diversos miembros de su familia, a pie o a caballo. Se trata de obras de gran realismo y excepcional sobriedad en las que el magistral empleo de la luz sitúa los cuerpos en el espacio y hace vibrar una atmósfera real que los envuelve. Los fondos, muy densos al principio, se suavizan y aclaran con el paso del tiempo. En los retratos femeninos (Mariana de Austria), el artista se recrea en los magníficos vestidos, en los que muestra sus grandes cualidades como colorista. La culminación de su carrera como retratista es Las Meninas, considerada por algunos como la obra pictórica más importante de todos los tiempos. Hay que destacar igualmente las incomparables series de enanos y tullidos de la corte. Velázquez realizó dos viajes a Italia, uno en 1629-1631 y otro en 1648-1651. En ambos produjo obras importantes: La túnica de José y La fragua de Vulcano en el primero; los retratos de Juan de Pareja y de Inocencio X en el segundo; el del Papa es un retrato portentoso, dotado de una vivacidad y un colorismo excepcionales. Al genio sevillano se debe también una obra maestra de la pintura histórica, La rendición de Breda. El mérito de la obra reside en la ausencia del engolamiento habitual en los cuadros de temática histórica y en la plasmación de las facetas más humanas del acontecimiento; en la composición admirablemente resuelta y en la atmósfera de extraordinario realismo. Artista prolífico, Velázquez dejó también importantes creaciones de temática religiosa (Crucificado) y algunas de tema mitológico en clave cotidiana, como Los borrachos o Las hilanderas, ésta una de las obras capitales del artista por la perfección que alcanza en ella la perspectiva aérea. El tono de cotidianidad, de acontecimiento vivo, confiere a estas realizaciones un particular atractivo. De temática mitológica es así mismo la magistral Venus del espejo, el único desnudo femenino que pintó y uno de los pocos de la historia de la pintura española. http://www.museovirtual.org/velazquez.htm INICIO VERMEER, JOHANNES. (Pintor. 1.632-1.675): Pintor holandés que no fue famoso en su tiempo, pese a lo cual en nuestros días se le considera la gran figura del siglo XVII holandés, después de Rembrandt. Probablemente, lo que más gusta de su arte es lo inusual de la temática, la fuerza de la composición y el empleo de pocos colores, claros y brillantes. Pasó toda su vida en Delft, donde perteneció al gremio de pintores, que dirigió en dos ocasiones. Se cree, sin embargo, que nunca se dedicó profesionalmente a la pintura, sino que regentó el hostal heredado de su padre y un negocio de marchante de arte. La necesidad de mantener a una familia de once hijos le impidió gozar de suficiente desahogo económico, tal como demuestra el hecho de que, un año después de su fallecimiento, la viuda solicitara ser declarada insolvente. Sus obras, realizadas probablemente por el puro placer de pintar, representan escenas de la vida cotidiana, por lo general interiores con una o dos figuras y algunos objetos, plasmados con pinceladas densas y pastosas y con una iluminación que realza el efecto de intimidad y otorga a la escena cierto halo de misterio. Muy pocas de sus creaciones se apartan de esta línea general (algunas escenas religiosas y mitológicas), que es con diferencia la más valorada del artista. Por el rigor de la perspectiva y los reflejos se ha llegado a sugerir que pudo servirse de una cámara oscura para producir sus obras. Creaciones muy destacadas son también los dos únicos paisajes de su mano que se conocen, en particular la Vista de Delft, obra que supera las realizaciones de los mejores paisajistas de la época. http://essentialvermeer.20m.com/ INICIO

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VILLANUEVA, JUAN DE. (Arquitecto. 1.739-1.811): Máximo exponente de la arquitectura neoclásica en España, obtuvo una beca para completar su formación en Italia. Residió en dicho país de 1758 a 1765, pero la principal fuente de inspiración para sus obras fueron los españoles Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera, artífices de El Escorial. Su carrera comenzó en 1767 con realizaciones para particulares. En 1768 fue nombrado arquitecto de la comunidad de los Jerónimos de El Escorial. En 1777 Carlos III lo nombró arquitecto del príncipe y los infantes. En lo sucesivo trabajó casi en exclusiva para la casa real, para la que realizó sus obras más importantes: el Observatorio Astronómico de Madrid y, sobre todo, el Museo del Prado, construido en 1785 como Museo de Historia Natural. Este edificio compendia a la perfección su estilo caracterizado por el predominio de las líneas rectas y por la disposición simétrica de los elementos arquitectónicos. Con sus materiales preferidos (granito y piedra blanca) levantó edificios de enorme austeridad ornamental, en los que la armonía proviene de la acertada combinación de las formas arquitectónicas (columnas, frontones, ventanas). Fue un arquitecto prolífico, al que se deben también el edificio de la Academia de Historia y el oratorio del Caballero de Gracia, ambos en Madrid, ciudad a la que contribuyó a dar el nuevo aspecto de urbe moderna y monumental que deseaba el rey Carlos III. http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=175 INICIO WRIGHT, FRANK LLOYD. (Arquitecto. 1.869-1.959): Este arquitecto estadounidense pasó su infancia y adolescencia en una granja, donde vivió en estrecho contacto con la naturaleza, algo que condicionó su posterior concepción de la arquitectura. En su juventud se trasladó a Chicago, donde trabajó con L. H. Sullivan, con quien colaboró estrechamente a lo largo de seis años. Su primera obra en solitario fue la Charnley House de Chicago (1892), a la cual siguió, algo más tarde, toda una serie de viviendas unifamiliares que tienen en común su carácter compacto y la austeridad decorativa. En estas primeras realizaciones de arquitectura doméstica, conocidas como prairies houses o «casas de las praderas», están presentes algunas de las constantes de su obra, como la concepción predominantemente horizontal, el espacio interior organizado a base de dos ejes que se cruzan y la prolongación del techo en alas que forman pórticos. Con anterioridad, su genio innovador se había puesto de manifiesto en el Larkin Company Administration Building de Buffalo (1904), donde dejó el espacio central vacío desde la planta baja hasta el techo, con el fin de que todas las plantas se abrieran mediante balconadas a este amplio ámbito. Tras un viaje a Japón y otro por Europa, se estableció en Spring Green (Wisconsin), donde realizó para él y su familia el Taliesin I, destruido por un incendio. La pérdida de su familia en este accidente lo afectó de tal modo que decidió abandonar Estados Unidos y trasladarse a Japón. En 1921 regresó al país y realizó una serie de obras como la Millard House de Pasadena. Siguió una época de reflexión y de planteamientos teóricos, antes de volver a la actividad con obras en las que desempeña un papel fundamental el hormigón armado. Entre ellas ocupa un lugar destacado su creación más famosa, la Casa Kaufmann o Casa de la Cascada, que se adapta al escalonamiento del terreno y prolonga hacia el exterior el espacio interior, buscando la integración entre arquitectura y naturaleza. A raíz de esta construcción, se definió el concepto de arquitectura orgánica u organicismo, corriente de la que Wright es considerado el máximo exponente, pese a que no la formuló teóricamente. Esta arquitectura orgánica tuvo su máxima expresión en el complejo de Taliesin West, en Phoenix, donde logró sintetizar todos los elementos formales que habían

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caracterizado su obra hasta la fecha. Su carrera, que se prolongó a lo largo de más de sesenta años, se cerró con el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, donde el arquitecto experimentó una nueva concepción del espacio, basada en el desarrollo orgánico de plantas curvas o circulares de forma continuada. En los últimos años de su vida realizó sobre todo proyectos, algunos de los cuales se convirtieron en realidades concretas después de su muerte. El legado arquitectónico de Wright puede resumirse en dos conceptos que constituyen el centro de su reflexión: la continuidad exterior del espacio interior dentro de la armonía entre naturaleza y arquitectura y la creación de un espacio expresivo en el interior de un volumen abstracto. http://www.franklloydwright.org/ http://www.paconserve.org/index-fw1.asp http://www.wrightplus.org/flw/flw.html INICIO ZURBARÁN, FRANCISCO DE. (Pintor. 1.598-1.664): Nacido en la provincia de Badajoz, a los quince años se trasladó a Sevilla, donde fue discípulo del pintor Pedro Díaz y donde conoció a Velázquez. Entre 1617, y 1628 permaneció en Llerena. (Extremadura), aunque no se conoce ninguna obra suya que con seguridad pueda situarse en esta época. En 1627 pintó su primera gran obra importante firmada y datada: la Crucifixión del oratorio de la sacristía del convento dominico sevillano de San Pablo el Real. Entre 1628 y 1629 llevó a cabo un ciclo de pinturas para el colegio franciscano de San Buenaventura de la misma ciudad. El arte de Zurbarán aparece ya perfectamente definido, y se aprecian en su pintura la fuerza realista propia de los mejores pintores españoles de la época, su sentido de la ordenación y de la monumentalidad. Además, el fondo oscuro de sus cuadros subraya ya entonces la presencia volumétrica de las figuras. En 1629 se estableció en Sevilla por invitación del Consejo Municipal de la ciudad. Entre 1630 y 1639 se sitúa la etapa más fecunda de su obra, que abarca tanto naturalezas muertas (Bodegón con naranjas, 1633) como obras de tema religioso (Apoteosis de Santo Tomás de Aquino). Llamado a Madrid en 1634, participó en la decoración del salón de Reinos del Buen Retiro (La defensa de Cádiz contra los ingleses, y una serie de los Trabajos de Hércules); durante este período, y siguiendo el ejemplo de Velázquez, renunció al tenebrismo. En el clasicismo toscano, influido por los maestros venecianos, encontró un estilo acorde con sus aspiraciones. Las pinturas del retablo de la capilla de San Pedro de la Catedral de Sevilla (1635-1636) permiten apreciar su evolución artística. Otra vez en Sevilla, trabajó para el convento de la Merced Descalza (1636), para el que pintó varias obras religiosas. Pintó también varios cuadros para la iglesia de Nuestra Señora de la Granada, en Llerena, y para la cartuja de la Defensión de Jerez de la Frontera, y en 1639 firmó un contrato con el monasterio de San Jerónimo de Guadalupe para la realización de varios cuadros. Son especialmente destacables las obras realizadas para la cartuja de las Cuevas de Sevilla (San Bruno y el Papa Urbano II, San Hugo en el refectorio de los cartujos, Virgen de los cartujos). En 1650 pintó la Anunciación para el conde de Peñaranda; muestra aquí un nuevo estilo, en el que el uso del difuminado intenta atenuar la rigidez de las formas. En su Inmaculada Concepción niña (1656) se detecta además una clara influencia de Guido Reni. En 1658 se trasladó a Madrid, donde falleció seis años después. http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/zurbaran/ http://www.epdlp.com/pintor.php?id=410 INICIO ARQUITECTOS ESCULTORES PINTORES OTROS

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DICCIONARIO BIOGRÁFICO DE ARTISTAS.
(Para la elaboración de este diccionario se han consultado numerosas fuentes en la red. Es necesario citar expresamente la siguiente dirección:

http://www.biografiasyvidas.com/).

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