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Nombre Real: Roberto Luti Corrieri

Fecha de Nacimiento: 08 de Octubre de 1938
Lugar de Nacimiento: Mologno, Barga - Italia
Fecha de Fallecimiento: 22 de Abril de 1994
Lugar de Fallecimiento: Venezuela
Motivo de Fallecimiento: Asesinado


Un 8 de octubre de 1938 en Mologno (Barga) en la región de Toscana Italia, nació Roberto Luti
Corrieri en el seno de una familia conformada por sus padres Polo Amadeo Luti y su madre
Lina Corrieri, era el segundo de tres hermanos varones: Ivano, Roberto y Vasco Luti.

Roberto Luti, era compositor de alguno de sus temas y otros eran temas de otros autores, en
los inicios de su carrera grabó para el sello discográfico DISCOMODA, hizo muy buena música
entre las que se cuentan varias canciones que fueron éxito a dúo con la mezzo-soprano italiana
Doménica Di Salvo, que además era su gran amiga y compañera de escenarios. Éxitos tan
hermosos como “tú en mi vida”; pero el mayor éxito que ellos dos consiguieron fue sin lugar a
dudas el cover de la canción de Sharif Dean “do you love me”, que cantaron y se dio a conocer
en español como “tú me amas”, una hermosa canción, una revelación del amor. Sin lugar a
dudas este tema marcó la carrera de Roberto Luti. Doménica Di Salvo vive actualmente en
Maracaibo Venezuela, retirada por completo de los escenarios.

Dentro de su extenso repertorio de canciones también podemos encontrar verdaderas joyas
musicales como:

Que seas feliz, Brindo por tu cumpleaños, Me quiero casar contigo (tema original de Roberto
Carlos, que él cantó en español y fue todo un éxito musical) , Mi pequeña felicidad, Te
acordarás de mí, Que seas feliz, Tú en mi vida, No quiero, Dime qué has hecho (también
interpretada magistralmente por el cantante italiano Domenico Modugno) , Te quiero, me
quieres, Muchacho pobre, Cariño (cover del gran clásico en ingles Honey de Bobby
Goldsboro). La novia del guerrillero, canción que se sale del esquema de Roberto Luti de
hacer temas puramente románticos, para hacer esta canción que trata la problemática social de
latinoamérica, pero igualmente una bellísima canción. Y ni que decir del clásico de la música
romántica Solos, un bello tema ambientado por un órgano que nos transporta a la música de
iglesia, pero que además le da un toque especial a la canción, este tema es un muy buen cover
de un sencillo grabado por allá en el año de 1972 por una agrupación llamada Three Dog Night
y el tema se titulaba Going in circles.

Estos son solo algunos de los tantos temas que hallamos en la carrera musical de este gran
artista, su música llegó con gran fuerza a países como Grecia en donde representó a
Venezuela en un festival musical, también se escuchó en Japón, México, Perú, Chile,
Argentina, Colombia y España, pero fue en México, Perú y Chile donde fue mejor recibida su
música.

Aunque Roberto Luti tuvo una compañera sentimental por muchos años, de nacionalidad
americana que vive actualmente en la Florida, USA, nunca se casó ni tampoco tuvo hijos, para
Roberto Luti sus sobrinos eran como sus hijos.

Al mermar su popularidad se radicó en Ciudad Ojeda estado de Zulia, Venezuela, donde creó
un sello discográfico llamado GAVIOTA y se dedicó a administrar algunos otros negocios de su
propiedad y a lanzar algunos artistas entre los que se encontraban Ricardo Montaner, cuando
Montaner hacía parte de la banda “la scala”.

Pero la muerte le llegó a sus 55 años de manos de la delincuencia común, más exactamente el
22 de abril de 1994, al sorprender a unos ladrones robando en su residencia, caso que nunca
fue resuelto. Allí mismo en Venezuela fue velado y luego su cuerpo fue trasladado a Barga,
Italia donde reposan sus restos.














Nombre Real: Roberto Fernández
Otros Nombres o Apodos: El príncipe de la canción
Fecha de Nacimiento: 12 de Abril de 1946
Lugar de Nacimiento: Provincia de Salta - Argentina
Fecha de Fallecimiento: Octubre de 1980
Lugar de Fallecimiento:
Motivo de Fallecimiento: Suicidio


Beto Fernán nació en la provincia de Salta el 12 de abril de 1946. Era el menor de siete
hermanos de una humilde familia donde la mamá, Dolores, era ama de casa, mientras que el
papá, José, trabajó en un ingenio azucarero.

Desde pequeño fue amante de la música y siempre se le vio acompañado de su guitarra.

En el año 1958, con apenas 12 años, fue a Buenos Aires junto con sus hermanos en busca de
progreso. El destino lo llevó a la ciudad de Caseros. Fue allí donde conoció a Irma Sirello, la
mujer que, tiempo después, sería su esposa.

Musicalmente su actividad comienza con "Los Norteñitos", un conjunto que integraba con sus
hermanos.

Más tarde prueba suerte como solista con el seudónimo "Tony Daniels", pero no tuvo mayor
repercusión.

Sin desanimarse forma el grupo "Los Atómicos" junto a su hermano Poly Fernán, con quien
compondría la mayoría de sus éxitos. Así comienzan a hacer presentaciones en clubes y
audiciones radiales.

Cuando conoce a Antonio Barrios, éste sugiere cambiar el nombre artístico por "Beto Fernán".
Es con este nombre donde su carrera comienza a tomar importancia y sus canciones son
escuchadas en radio y TV.

Shows en el programa de la llamada Nueva Ola "Sábados Continuados" y presentaciones en
"El Club del Clan", contribuyen a reafirmar el cariño de su público al punto de ser llamado "El
Príncipe de la Canción".

Sus giras lo hacen cada vez más popular tanto en Argentina como en Uruguay, Brasil y el resto
de América Latina, llegando a su máximo éxito en el año 1964, con la grabación de su single
"Noche de Verano", que incluía en el lado B el hit "En Vano". A finales de este mismo año
apareció su primer LP "A Pleno Sol" que incluía los temas mencionados y otros éxitos,
con acompañamiento de Lito Escarso y su conjunto.

Su éxito se mantuvo durante 1965 y 1966, con “Qué Bonito”, “El Día”, “Me Olvidé”,
“Un Alma de Luto”, “En Una Estrella”, “Mamá Provinciana”, “Arrierito Salteño”. Grabó al
menos otros dos LP en Music Hall: “En Jet de Éxitos” -también con la orquesta de Lito
Escarso- y “Beto Fernán Canta al Mundo” -acompañado por las orquestas de Lucio
Milena, Angel "Pocho" Gatti y Horacio Malvicino-, después de una gira que lo llevó
por Latinoamérica y Europa.

En 1968 se casa con Irma, con quien tiene tres hijo: Roberto, Daniel y Hernán.

Cuando transcurría el año de 1969, la popularidad de Beto comienza a descender y junto con
algunos negocios que no dieron la respuesta esperada queda en una difícil situación
económica que lo obliga a dejar la vida pública por un tiempo. Como la música sigue siendo su
gran pasión, se perfecciona con el maestro Jacobo Fischer e ingresa como tenor en el Coro
Polifónico Nacional. Tiempo después integra el Cuarteto Zupay, pero una vez más sus
proyectos se diluyen debido a su inocencia.

Durante el año 1975 ingresa a la banda de música de la Prefectura Naval Argentina donde se
desempeña como músico y llega a ser su director.

Lamentablemente esos años no fueron buenos para Argentina y tampoco lo fueron para él, a
quien solamente le interesaba la música y nada tenía que ver con los conflictos que se
desarrollaron en esa época.

Es así como un triste día del mes de octubre de 1980 Beto nos dejó para seguir cantando
desde el cielo.

En 1992 Music Hall editó el CD recopilatorio “Grandes Éxitos de Siempre”, que había
sido publicado unos años antes en LP y cassette. En Colombia, Discos Fuentes ha
reeditado muchos de sus temas en dos CD.

Su vida fue como su música: alegre, bondadosa y llena de candor e inocencia. Su familia fue
su otro gran amor, ya que todo lo hizo por su esposa y sus tres hijitos. Nunca se olvidó de su
madre y de sus hermanos... ni de aquella linda Salta que lo viera nacer.






Nombre Real: Carlo Pagliaro
Fecha de Nacimiento: 26 de Julio de 1941
Lugar de Nacimiento: Nápoles - Italia
Fecha de Fallecimiento: 27 de Marzo de 2012
Lugar de Fallecimiento: Buenos Aires - Argentina
Motivo de Fallecimiento: Ataque cardíaco

Fue un cantautor italiano radicado en Argentina, con gran éxito en Latinoamérica. En los años
setenta fue protagonista de la canción de protesta cantada en castellano. Ha vendido varios
millones de discos entre los hispanohablantes del mundo.
Este cantante romántico, melódico, con tradición itálica, produjo canciones muy versionadas
como «Amigos míos, me enamoré»», «Todos los barcos», «No te vayas entonces» y «Vendrás
con el mar, las uvas y el sol». «Yo te nombro», «La balada del boludo», «Las cosas que me
alejan de ti», «Confesiones de un ex».
No es fácil ser inteligente y banal al mismo tiempo y cursi y profundo y también comprometido y
superficial, ser anárquico y respetar códigos y normas, musicalizar a Neruda, componer algún
temita para sobrevivir e intentar un poema. No es fácil trazar el propio camino a la vera de los
caminos establecidos, reunir en el mismo escenario todos los “yo” que habitan en uno.
Gian Franco Pagliaro
Su voz de barítono, grave y “orgásmica” ―calificativo que le acuñaron en Colombia, donde
vendió más de 160 000 discos de poemas entre 1999 y 2001― y quien sostiene que su timbre
es áspero, sucio, ronco y poco musical.
Sus últimos discos:
 Cantautores queridos (dedicado a los cantautores que Pagliaro admira o aprecia: Joan
Manuel Serrat, Alberto Cortez, Violeta Parra, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés,
Leonardo Favio, Sandro, Facundo Cabral y Víctor Heredia, entre otros),
 Antología italiana (disco dedicado a él mismo, a su italianidad, a su origen, a su
particular manera de cantar, emotiva, cálida) y
 La voz de los poetas (poemas de grandes poetas: Pablo Neruda, Mario Benedetti,
Oliverio Girondo, Walt Whitman, Jorge Luis Borges, Jaime Sabines, Fernando Pessoa)
Fue un temprano musicalizador de José Martí, Rubén Darío, Pablo Neruda, Almafuerte,
Gustavo Adolfo Bécquer, Franz Tamayo Fue uno de los primeros en español, en tocar dentro
de la canción de amor la temática existencial de los cantautores franceses e italianos
sesentistas.
“Cómo explicarte que te quiero/ aunque te hiera sin motivo/ solo porque me va muy mal/ tan
mal que a veces amor mío/no tengo ganas de besarte...” (1968) o ”Qué absurdo es el amor
/pienso al verme siempre aquí / sin poder ir donde quiero/ con el mar cerca de mi…” (1968)
Ha cantado y homenajeado a los artistas que lo han influenciado como Jacques Brel, Georges
Brassens, Charles Aznavour, Gilbert Bécaud, Georges Moustaki, Luigi Tenco, Sergio Endrigo,
Gino Paoli, Claudio Baglioni, Riccardo Cocciante.
Niñez
Gian Franco, Carlo para los padres, nace en Nápoles el 26 de julio de 1941. Sus padres
Francesco y Anna y sus hermanos Antonio, Annamaría y Sonya. A los 6 años comienza con
sus estudios primarios en una escuela de monjas en la localidad de Bagnoli. Sus inclinaciones
artísticas comienzan a temprana edad, su habilidad en el dibujo y un oído musical lo hacen
popular en la escuela. En su familia era cosa de todos los días cantar canzonettas, como
Tosca, La Boheme, Cavalleria Rusticana, I Pagliacci, O sole mio, Torna a Surriento. Sus
padres tenían previsto otro futuro para Carlo, querían que sea arquitecto, por su facilidad para
el dibujo. Y él cada vez se interesaba más por las artes.
Buscando América
Un día zarpan buscando otras tierras a bordo de un transatlántico mítico en la historia de la
emigración italiana, el Conte Grande. Cruzó el Atlántico en 16 días. 16 días de mar, viento,
lágrimas y una incipiente nostalgia que será su amiga para siempre. Al igual que el ilustre
antepasado Cristoforo Colombo, la familia Pagliaro buscaba un nuevo continente, una tierra
prometida, el atajo hacia un destino mejor: América… El inmenso barco, el mismo que Fellini tal
vez imaginó para su filme E la nave va, amarró en el puerto de Santos, Brasil. En Brasil, los
Pagliaro permanecieron casi 2 años viviendo unos meses en San Paulo y el resto en Río de
Janeiro. En Brasil el padre de Gian Franco no encontró su America, alguien le dijo que América
estaba en Argentina. El padre no pudo hacer América tampoco en Argentina, se había
equivocado de continente. “Esta América del Sur no es la América del Norte - solía decir - aquí
no se habla inglés ni existe el dólar.” Aun así se quedaron. Se quedaron a "malincuore", con
desgano, con el corazón en contra o a contramano del corazón. Un corazón que había
quedado en Nápoles, a la orilla del Mare Nostrum, el Mediterráneo, ese mar que luego aparece
insistentemente en las canciones de Pagliaro. No estaba en los planes de Gian Franco cantar,
el padre quería a toda costa un arquitecto en la familia. En realidad tampoco estaba en los
planes de Gian Franco emigrar a esta parte del mundo y quedarse en Buenos Aires, hacer
amigos porteños, aprender un idioma que no conocía, enamorase por primera vez,
comprometerse con el país, con el continente latino americano, con los movimientos políticos
de entonces, con las utopías, descubrir el tango y su parentesco con la canzonetta napolitana.
No estaba en ningún proyecto de la familia Pagliaro echar raíces en una tierra más "italiana"
que su propia tierra. Cuando Gian Franco comenzó a cantar con su voz ronca y quebrada por
tantas rupturas, tan solo quería cantar y dar rienda suelta a sus sentimientos. Y lo hizo en
italiano, su idioma natal. Al quedarse en la Argentina decidió cantar en castellano contra la
voluntad de su papá, quien sostenía que al cantar en castellano, perdía el encanto y las
ventajas de la "incomprensión". Para el padre de Gian Franco, un hombre muy irónico, el éxito
de los cantantes anglosajones consiste en que nadie los entiende. Ironía a parte, el hecho de
tener una vena melódica por su origen itálico y el compromiso social que ya había asumido, le
provocó a Pagliaro más de un dolor de cabeza.
Gian Franco Pagliaro llegó a un campo ubicado en chivilcoy (Pcia. de bs.as),donde allí vivían
unos primos del padre de pagliaro,a los 6 años,su apellido real es Ottaviano.Luego de algunas
aventuras “proletarias”, se inicia en el canto por insistencia de algunos amigos y por “la alergia
que le causaba el trabajo y la mala remuneración laboral”. La ironía del Tano es histórica. Tano
o Tana es el apodo que tienen en Argentina las personas de origen italiano.
La idea de regresar a Italia seguía latente. Había que continuar los estudios en italiano por si
acaso... Papá Francesco entonces contrata un profesor italiano: el “Profesor Ginobili, licenciado
en lengua italiana, literatura latina, griega, en filosofía y en historia del arte. El encuentro con el
profesor Ginobili fue fundamental en la vida y en la futura carrera de Gian Franco Pagliaro.
Comienzo cantabile exitoso

Gian Franco junto a Pipo Mancera.
En 1965 su íntimo amigo, Eduardo Costabile, le consigue un contrato en un piano bar. Otro
amigo y cantante, Marty Cosens le consigue un contacto en la televisión y otro le presenta un
personaje de la radio muy influyente. Vocaliza unos meses con un maestro de canto, luego
algunos meses más con otro maestro y más tarde con un maestro de canto popular que le
enseña las trampitas de la respiración. En 1967, el cantautor italiano Luigi Tenco se suicida
durante el Festival de San Remo. Participaba con una canción “Ciao amore ciao”. El personaje
influyente, Miguel Ángel Merellano, locutor de prestigio y un referente en la radiofonía
argentina, le propone grabar la canción que Luigi Tenco no había registrado en los estudios. En
pocas semanas, “Ciao amore ciao” en la voz de Gian Franco y cantada en italiano, se coloca al
tope del ranking. En la grabadora le piden que siga grabando en italiano. Los artistas italianos
estaban de moda y graba entonces canciones en su idioma natal de su autoría con un
contenido denso, profundo que muy pocos entendían. “Pagliaro es un artista que nada contra la
corriente. Transmite, con su particular y quebrada voz de bajo-barítono, calidez, ternura,
profundidad, sinceridad con una sensibilidad desbordante. Lastima que no cante en español.”
Comenta un periodista afamado. Mientras tanto el regreso a Italia se postergaba. Siguió
algunos temas más con la “mano italiana”, y comenzó a componer y grabar en castellano para
las grandes multinacionales, “Otra vez en el mismo bar”, “Todos los barcos todos los pájaros”,
“Vendrás con el mar las uvas y el sol” y pega duro, muy duro en toda América y es uno de los
pocos cantantes en español que se escucha en los clubes nocturnos de moda en la Buenos
Aires de los sesenta: Mau-Mau, Intime, Club 74, Sunset, Lirondel, Afrika, Gong y otros... En ese
tiempo cantar en castellano era “vulgar” y “cursi”. El Tano se salvaba por su acento raro y su
voz ronca como la mayoría de los cantantes italianos. Además sonaba a sincero, verdadero y
original y con una propuesta nueva. En 1969 sale a la venta su primer álbum en español: “Gian
Franco Pagliaro en castellano”. ”. El disco es un éxito de crítica y de público. Pagliaro promete.
Su voz cautiva. Su acento italiano vende. Tiene influencias de Charles Aznavour, Jacques Brel,
Luigi Tenco, según los críticos, pero con un decir y un estilo propio y una personalidad que
pisaba fuerte y que iba a pisar cada vez más fuerte en el universo musical argentino y
latinoamericano.
Las cosas que me alejan de ti
El 23 de febrero de 1970 se casa con Elena Faccendini, la novia que creyó en él y que, según
figura en una de sus biografías irónicas, la recompensó casándose con ella para siempre. En
septiembre de 1970, gana por unanimidad de público y jurado el IV Festival Buenos Aires de la
Canción, con su tema “Las cosas que me alejan de ti”. Un tema anti-festivalero, un tema de
amor y a la vez de denuncia, lúcido y emotivo, de tremendo impacto, un éxito que recorrió todo
el continente americano y que en la voz del venezolano Héctor Cabrera fue un hit sin
precedentes en Venezuela. Un tema que hizo historia y que popularizó un género, la canción
de protesta, recluida hasta entonces en los reducidos ámbitos del Café Concert. Un tema que
le dio a Gian Franco más dolores de cabeza que dividendos, más rechazo por parte de los
medios de difusión que apoyo, un tema que cuestionaba y denunciaba la realidad social
argentina, algo inaceptable para los colaboradores del gobierno militar del General Lanusse.
Como si eso fuera poco, el dedo en la llaga lo ponía un italiano, un extranjero. Era el colmo.
Combatido por periodistas y críticos obsecuentes que ya lo tenían en la mira, prohibido por las
dudas en unos cuantos programas de radio y televisión, Gian Franco se presenta al año
siguiente, en el mismo Festival, con una canción más provocadora: Yo te nombro. La canción,
que había obtenido el máximo de los votos, es descalificada en la última ronda despertando la
ira de Pagliaro y del público contra el jurado y se arma un escándalo mediático tan grande que
el Festival dejó de hacerse. “Un italiano que deja mal parada la imagen argentina en el mundo”
- decían los diarios - “qué vergüenza, qué pensarán de nosotros con estos ejemplos”. Las
críticas fueron lapidarias y de todos los costados. Además del éxito y de la barba, comenzaba a
crecerle la fama de rebelde, de loco talentoso, de irascible. Un peligro latente, un desorbitado
fácilmente vencido por el encono, capacitado para decir o hacer cualquier cosa, equivocándose
de cuerpo entero y ganándose una imagen que, desde entonces, es su mayor enemiga. Sin
lugar a dudas es el artista con menos apariciones en los programas de la televisión argentina
de estos últimos 30 años. Y uno de los más queridos y respetado por el público. Un record
digno de figurar en Libro Guinness. La Sociedad Argentina de Locutores amenaza con
querellarlo por infamia y calumnias. En realidad hay quienes se inquietan o se irritan porque, a
veces, la irreverencia de Pagliaro parece no reconocer inmunidades y alcanzar a todos, hasta a
los que piensan fundamentalmente como él. Eso lo llevó a convertirse en el porta estandarte de
la canción de protesta en aquellos años de luchas y utopías, el pensar en voz alta no era
conveniente y Gian Franco lo hacia, pensaba en voz alta, también escribía y cantaba
libremente. Hasta 1973 – cuando anuncia que, en adelante, cantará sólo temas de amor,
promesa que cumple a medias -- Pagliaro posiciona su perfil contestatario, convirtiéndose en
protagonista de un movimiento musical comprometido con las raíces, con lo político y los
derechos del hombre: la nueva canción latinoamericana. Asiste y canta en cada festival,
concierto, evento, organizado por los partidos proscriptos y organizaciones de derechos
humanos. Honestamente, anárquicamente, sin pertenecer a ningún sector político, cultiva esa
suerte de cancionística social. Canta para un público que no lo toma, en el fondo, en serio (es
un italiano sin partido); critica desde el escenario a ese mismo público rozando a veces el
territorio de la burla, por ejemplo con algunos temas desopilantes. Como el cáustico
“Guillermina Martínez Arana”, sátira al infantilismo de la izquierda: “Guillermina Martínez
Arana/la más chica de tres hermanas/antioligárquica y libertaria/intransigente y lapidaria/habla
peste de la burguesía/en cualquier bar confitería/ La burguesía fue siempre traidora de la clase
trabajadora/ argumenta dialécticamente/ esta niña sabia y vehemente /que asiste a todos los
recitales de canciones testimoniales....” y sobre todo una tarantela “Confesiones de un cantante
de protesta”, especie de balance personal y sincero de esa etapa: “Un buen día, día de fiesta /
en un acto de protesta / mandé a todos a la mierda / a los pobres y a la izquierda /pues estaba
repodrido/ de andar siempre tan jodido/sin un mango en el bolsillo/ al igual que un poligrillo/Por
cantar ciertas canciones/ que escribí sin pretensiones/ me pelee con todo el mundo/ como un
perro vagabundo/ me pelee con los vecinos/ y también con mis amigos/ que no hacen un
carajo/ si el país se viene abajo/ con mi suegro peronista/ que odia a todos los marxistas/ y con
los ultraizquierdistas que odian a los comunistas/ con todos los comunistas que odian a primera
vista…”
Yo te nombro, Paul Éluard y Neruda

Gian Franco con Pablo Neruda.
Con el tiempo “Yo te nombro” o si prefieren, “Yo te nombro Libertad”, se convertiría en una de
las canciones más emblemáticas de los setenta y la más utilizada por los partidos de izquierda
y organizaciones revolucionarias en las páginas Web y también la más cantada: “por el pájaro
enjaulado/por el pez en la pecera/por mi amigo que está preso/porque ha dicho lo que
piensa/yo te nombro Libertad...” Grabada por Nacha Guevara, Sanampay, César Isella,
Reincidentes, Quilapayún, Savia Nueva, Suramérica, Iris Chacón, Isabel Aldunate y otros, esta
canción, por motivos nunca aclarados por nadie y por una manifiesta ignorancia de muchos
artistas e intelectuales, es atribuida generalmente al poeta francés Paul Éluard, quien, en 1942,
escribió un poema, Libertad, que los ingleses lanzaron sobre París ocupada por los nazis. La
confusión se debe a que un periodista del diario La Opinión, muy influyente en aquellos años,
Jorge Andrés, escribió en 1971 un comentario sobre el Festival y el escándalo que había
provocado Gian Franco con su actitud revoltosa. Del tema Yo te nombro dijo que tenia
reminiscencias del poema Libertad, de Paul Éluard. Cuando Nacha Guevara, en ese entonces
esposa del arreglador de Pagliaro, Alberto Favero, grabó la canción durante su exilio en
España, hizo figurar en los créditos del disco que Yo te nombro estaba basada en un poema de
Eluard. La canción dio la vuelta al mundo. En Chile la cantante Isabel Aldunate la grabó
adjudicándole la autoría de la letra a Paúl Eluard y la música a Pagliaro. Desde entonces la
canción de Pagliaro navega por Internet de portal en portal, de página en página con el nombre
de Paúl Eluard en popa. Podría decirse que el poema más famoso de Eluard que circula por
Internet lo escribió Gian Franco Pagliaro y no es una ironía.
En el verano de 1971 conoce en Buenos Aires a Pablo Neruda, quien, desde su Isla Negra, lo
había autorizado a musicalizar sus poemas. En una apurada reunión organizada por la
Sociedad Argentina de Escritores, Gian Franco le canta al vate y a su compañera Matilde
Urrutia algunos de los poemas musicalizados: Desnuda eres tan simple… Farewell y El nuevo
soneto a Helena. De ese encuentro nace un álbum prohibido por el gobierno militar de
entonces y alabado por toda la critica, hoy por hoy convertido en un disco de culto: “Pequeña
Antología Poética a Pablo Neruda”. El primer álbum dedicado totalmente al gran poeta chileno
y a sus obras. Este disco contó con la especial colaboración en los arreglos musicales y en el
piano de un músico de excepción, Alberto Favero y de los mejores instrumentistas argentinos
de la época: Cacho Tirao en guitarra, Bernardo Baraj en saxo, José Bragato en cello, Antonio
Yepes en percusión, Jorge Gonzales en contrabajo, Guelfo Nalli en corno, Roberto di Filippo en
oboe, Chachi Ferreira en flauta, Irene Sopezak en viola, Kirkiris Panagiotis y Fernando Favero
en violines. ”...Gian Franco Pagliaro desde Buenos Aires canta los poemas de Neruda con
exquisitez, con sentimientos, con fervor. Porque no solo se trata de la candente belleza
intrínseca de los textos, seleccionados entre los mejores del gran poeta chileno, sino que
Pagliaro con perfecta dicción castellana los entrega en algo que se convierte a su vez en una
autentica muestra de sentimientos y de sensibilidad y en una muy alta expresión que vale por si
sola como otra especie de poesía extrañamente desvinculada de lo que se le escucha… “
comentaba el eximio periodista Cesar Magrini del Cronista Comercial el 5 de abril del 72 a
propósito de los versos de La uvas y el viento, Extravagario, Cien sonetos de amor, El
habitante y su esperanza, Veinte poemas de amor y una canción desesperada, Crepusculario
seleccionados por Pagliaro para su disco antológico.
El 9 de diciembre del mismo año, 1971 nace su primera hija, Sonya Melisanda, dos años más
tarde nace la segunda hija, Laura.
Canción para Chile
El 23 de agosto de 1973, Augusto Pinochet fue confirmado como jefe del Ejército por Salvador
Allende, a quien juró lealtad, pero sólo por 18 días, ya que el 11 de septiembre del mismo año
encabezó el golpe de Estado e inauguró una dictadura de 17 años (1973-1990). Augusto
Pinochet desató un sistema de terror en el país, con la colaboración de la Dirección de
Inteligencia Nacional comandada por el coronel, más tarde general, Manuel Contreras. Con
esto, decenas de miles de personas fueron privadas de libertad y sometidas a tratos de
extrema brutalidad, no menos de cuatro mil fueron víctimas de ejecuciones sumarias. Hubo
manifestaciones en contra del golpe en todo el mundo. En la Argentina se organizaban
festivales contra Pinochet en cada teatro, en cada calle. La gente cantaba consignas muy
combativas y muy emotivas: “Se siente, se siente/ Allende está presente/ hermano chileno no
bajes la bandera/ que aquí estamos dispuestos a cruzar la cordillera”. Gian Franco recogió
esas consignas, las ordenó, las musicalizo y nació Canción para Chile, grabada luego por él y
el conjunto musical Folk 4. Esta canción fue súper difundida clandestinamente desde Moscú y
Cuba y cantada en todos los actos de repudio al régimen militar de Pinochet. Los fondos
recaudados por la venta del disco fueron donados a la resistencia chilena tramite el Comachi,
(Comisión de ayuda a Chile). Pagliaro fue naturalmente prohibido en Chile. Cinco años
después en Buenos Aires, 1978, Daniel Chanal, integrante de Folk 4, su mujer Verónica, el
hermano de su mujer, la novia del hermano de su mujer, fueron secuestrados y desaparecidos.
Soñar soñar

Gian Franco en Soñar soñar.
Para 1974 Gian Franco es, a pesar de las prohibiciones, de sus propios desmanes, de su
personalidad polémica e impulsiva y de la censura, un cantautor de gran fama, exitoso y un
referente y protagonista de la música argentina de esos años que se debatía entre lo comercial
y el compromiso, entre la canción pasatista y la canción de protesta.
TODOS LOS BARCOS, VENDRAS CON EL MAR, LAS COSAS QUE ME ALEJAN DE TI, YO
TE NOMBRO LIBERTAD, AMIGOS MIOS ME ENAMORE, NO TE VAYAS ENTOCES, SI ME
OLVIDAS TE OLVIDO, LA BALADA DEL BOLUDO, son algunos de los temas que le han dado
fama y respeto. Artistas de variado géneros y estilos como Iva Zanicchi, Nacha Guevara,
Leonardo Favio, Sandro, Enrique Guzmán, Héctor Cabrera, Jairo, Wilkins, Sergio Denis,
Sanampay, Quilapayún, Los de Siempre, Savia Nueva, Carlos Torres Vila, Miguel Ángel
Robles, La Mona Jiménez, Reincidentes, entre otros, han grabado sus canciones.
En 1976 su amigo Leonardo Favio, uno de los más importantes cantautores y directores de
cine de Argentina y América Latina, lo convence a filmar bajo sus órdenes y al lado de Carlos
Monzón, campeón mundial de los medianos, “Soñar Soñar “, considerada hoy una película de
culto. El filme de Favio se estrenó durante el rechazo casi unánime al peronismo de Isabel
Perón y su ministro José López Rega a quien se le atribuye la creación de la Alianza
Anticomunista Argentina (Triple A) y unos días después del golpe militar del 76. Duró, era
previsible, una semana en cartel.
La tragedia
Tampoco podía saber ni imaginarse la tragedia que se acercaba a pleno sol durante el verano
del 1977. En efecto, el 10 de mayo de 1977, Laura, de tres años y medio, la segunda hija de
Pagliaro es internada en el Hospital de Niños por un simple dolor de cabeza. Le descubren un
tumor, es benigno pero de difícil acceso. La operación es un éxito sin embargo la niña no
sobrevive. Toda la familia Pagliaro cae en un profundo pozo de depresión. Fue un golpe tan
fuerte como del odio de Dios, hubiese dicho Cesar Vallejo. Aun así, en medio de tanto
inesperado e insoportable dolor, al poco tiempo Gian Franco por razones económicas y
contractuales tiene que viajar a Venezuela. En Caracas un coche se lo lleva por delante. La
suerte estaba echada. La fatalidad buscada y encontrada. Queda tirado en la calle con
fracturas múltiples. Lo llevan a una clínica donde lo tratan 2 meses. Regresa a casa en octubre
de 1977 en silla de rueda. El 4 de septiembre de 1978 nace la tercera hija, Carla Rosalía, un
pequeño y potente sol que ilumina nuevamente el oscuro cielo de todos los Pagliaro, menos la
negrura perversa del Operativo Claridad.
La vieja costumbre de triunfar a contramano

Gian Franco en uno de sus shows.
Del 76 al 79 Gian Franco Pagliaro, estuvo viajando, cantando, exiliándose y accidentándose
por América. En 1976 un tema suyo Todos los barcos, grabado en 1970, es un éxito en
América y permanece 17 semanas en los primeros puestos del ranking venezolano. Ese
mismo año graba una canción alegórica sobre el éxodo de los argentinos No te vayas
entonces, y pega fuerte. Todos tenían ganas de irse a otro lugar. “No te vayas amor mío
/quédate un poquito más /este mal tiempo no es eterno/ pasará ya lo veras…” El mal tiempo
militar duró en Argentina hasta 1983. Los militares pierden la guerra de Malvinas en 1982
contra los ingleses. Llaman a elecciones presidenciales y el radical Raúl Alfonsín triunfa por
mayoría de votos, inaugurando una anhelada vida democrática. En plena democracia algunos
le cuestionan a Pagliaro el enorme éxito obtenido en 1979, durante la dictadura, con una
canción de la cantautora española, Cecilia. La canción, “Un ramito de violetas”, inició una
nueva década de sucesos ininterrumpidos y giras por todo el continente americano que
perdura hasta ahora y que preparó el terreno para el último gran éxito de crítica y de público
de Gian Franco Pagliaro: discos de poemas de su autoría y de sus poetas preferidos, dichos
o declamados por él mismo. Después de “meter unos cuantos viejos y nuevos golazos” como
Amigos míos me enamoré, No te vayas entonces, Si me olvidas te olvido, Este amor
desordenado, Todos los barcos todos los pájaros, La balada del boludo, Yo te nombro, El
extranjero, el clásico de Georges Moustaki. Gian Franco en 1998 graba para Discos Fuentes
de Colombia un álbum de poemas recitados: textos poéticos de su autoría, pensamientos
inconfesables en voz alta, según sus propias palabras. Aunque a él no le gusta que le digan
declamador ni poeta, es, para los millones de personas que visitan sus videos en YouTube, el
que tiene una de las mejores voces para recitar, el menos afectado, el más natural y uno de
los poetas más leídos en las bitácoras. En 1999, Amante mía, el primer álbum de poemas
para la disquera colombiana se coloca imprevistamente y a despecho del mercadeo, en cima
de las ventas convirtiéndose en el disco más vendido del año. Le siguieron Poemas
ciudadanos y 20 Poemas de amor y desamor, con poesías de Pablo Neruda, Walt Whitman,
Jaime Sabines, Oliverio Girondo, Fernando del Paso, Porfirio Barba Jacob, entre otros. Una
vez más Pagliaro triunfa a contramano: vende poesías, palabras, silencios y pausas, en el
país de la Salsa y del vallenato, en la tierra de la cumbia y del baile. En Medellín agota las
entradas en 3 días. Recorre Cali, Manizales, Armenia, Pereira, Tuluá, Popayán, Barranquilla,
Cartagena y finalmente Bogotá. “Podría pensarse, en un primer momento, que es un giro
radical este de Gian Franco Pagliaro, pues considerado desde hace rato como cantante
comprometido o de protesta, viene, en sus últimos trabajos, con melodías de corte romántico,
desde baladas hasta boleros y, ahora, en estos últimos álbumes, un material definitivo:
poesías de su propia cosecha (yo diría más su prosa poética). Sin embargo, no están tan
lejos la protesta y la poesía. Se tocan, y no precisamente de una manera tangencial, pues
maneja una misma materia prima: la palabra, la misma que puede tomar forma de dardo e ir
contra un sistema de gobierno o una sociedad manipulada, o puede ser caricia o confesión y
entonces el tono deviene poético. Comparten, además, otra característica, lo contestatario y
lo poético: la subversión, el ir contra lo establecido, atreverse a decir lo que no debería.
Pagliaro es consecuente entonces. No hay fisuras en su trabajo: fiel a aquello en lo que cree,
la palabra alada, que cuestiona lo social o le canta al amor. Aquí, en sus textos, Gian Franco
hace gala de una musicalidad que comienza en las expresiones cotidianas pero se eleva para
decir algo que no es sencillo ni complicado, sino las dos cosas al mismo tiempo, algo que no
tiene nada de trascendental pero que puede cambiar los esquemas de nuestras vidas, algo,
en fin, que sin ser palanca mueve el universo.

















Biografía Eduardo Franco

Nombre Real: Eduardo Franco Zanniars
Fecha de Nacimiento: 15 de Marzo de 1946
Lugar de Nacimiento: Paysandú - Uruguay
Fecha de Fallecimiento: 01 de Febrero de 1989
Lugar de Fallecimiento: Paysandú - Uruguay
Motivo de Fallecimiento: Cáncer ganglios linfáticos


Referirse a Los Iracundos es asociar inmediatamente a la figura magistral de EDUARDO
FRANCO, vocalista del grupo, natural de la ciudad de Paysandú-Uruguay; que con sus
creaciones musicales alimentó el repertorio romántico de muchas generaciones, siendo el eje
principal y piedra angular en este mundo musical que creó junto con sus compañeros del
grupo.

El grupo Los Iracundos se formó en 1958 en Paysandú, Uruguay, y contaba con seis
miembros. Inicialmente se autodenominaron los Blue Kings ya que en esa época estaban de
moda los nombres en inglés; pero un profesor de música del colegio donde ellos asistían en
Paysandú les dijo que optaran por un nombre en español, luego adoptaron el nombre de Los
Iracundos, debido al ingreso a la poderosa disquera RCA VICTOR.

Eduardo Franco (vocalista, compositor, arreglista), su hermano Leonardo Franco (primera
guitarra), Juan "Bosco" Zabalo (segunda guitarra), Juan Carlos Velásquez (batería), Hugo
Burgueño (bajo electrónico y coros) y Jesús María Febrero (teclados) fueron los seis
integrantes originales del grupo. En realidad hubo un séptimo integrante, llamado José María
Brunini, que si bien no llegó a grabar con el grupo formó parte de él en su etapa de gestación y
lo dejó por exigencias paternas para seguir estudios de contabilidad.

1960

Los Iracundos alcanzaron fama internacional a mediados de los 60 con temas románticos
juveniles como "Calla", "Todo terminó", "El desengaño", "La lluvia terminó", "Felicidad,
felicidad", "El triunfador" y "Es la lluvia que cae", tema incluido en el álbum Iracundos en
Roma -el más exitoso de esta década- éxitos que los llevan a incursionar, incluso, en el cine,
en varias oportunidades como invitados y en una de ellas como protagonistas, en la película
"Este loco verano" donde además interpretaban las canciones de su repertorio.

Su debut se produce el 10 de octubre de 1961, en el histórico Teatro Florencio Sánchez de la
ciudad de Paysandú y en menos de dos años tenían grabado su primer simple en Montevideo,
en el sello musical Clave, el cual contenía los temas "Reten la noche" y "Madison". Además
grabaron los temas "A Saint Tropez" y "Despierta Lorenzo".

Puerto Montt, composición de Eduardo Franco y Cacho Valdez, es sin duda la canción
emblema del grupo, siendo grabada el 16 de octubre de 1968 en los estudios de la RCA-
ARGENTINA y presentada en el II Festival Buenos Aires de la Canción el 11 de noviembre de
1968 quedando en segundo lugar de dicho evento, siendo el más recordado en el mundo de la
banda.

1970

En los 70 reafirman su popularidad con varios discos de oro, por temas como "Te lo pido de
rodillas", "Y te has quedado sola", "Chiquilina", "Soy un mamarracho", "Río verde",
"Infidelidad es tu traición", "Marionetas de cartón", "Cada noche mía", "Me estás matando", "Y
me quedé en el bar", "Tú me diste amor", "Pasión y vida". En el año 1972 los Iracundos vivirían
una experiencia muy aplaudida: fue la primera vez que la banda uruguaya fue un Festival de
Viña del Mar como invitados.

Sacando un álbum por año, y en algunos casos dos, es de resaltar que en esta década el
grupo deja las composiciones italianas y empieza a grabar con temas de la autoría de sus
integrantes, siendo Eduardo Franco el creador de un estilo único, romántico y en su mayoría,
rotundamente exitoso. Así también se editan un total de 6 álbumes de temas instrumentales,
entre ellos Tango joven, donde graban temas del repertorio tanguero, entre ellas Eduardo
Franco interpreta El último café. También grabaron varios EP, Mini plays y discos de 45. Entre
ellos está el Miniplay Los Iracundos para niños con 4 temas como "Pedimos pido", "La mala
palabra", "Pepito Agustín" y "Pedrito el mentiroso".

Continuaban grabando año tras año, en toda la década de los 70, con producciones que
contenían temas de la composición de Eduardo Franco, como son "Y me quedé en el bar",
"Cada noche mía", "Como pretendes que te quiera", "Fue una fábula".

1980

A comienzos de los 80, hacen una aparición en la película "Locos por la música", junto a otros
músicos, aportando su éxito, "Esa esquina"; en 1981 lanzan su disco de oro, "Tormenta de
verano"; en el 82, "Cuarenta grados", cuyo tema principal se grabó también en portugués por
varios grupos de la época . Igualmente Eduardo Franco y el grupo graba un disco de 45 rpm
con dos canciones en portugués (Pasión y vida - Tú me diste amor, tú me diste fe) para ser
distribuidos en el mercado brasileño. En el 83 lanzan un nuevo álbum donde se resalta el tema
"Apróntate a vivir", y en 1984 lanzan uno de sus hits más exitosos internacionalmente, "Tú con
él", de la autoría de Eduardo Franco, en el álbum del mismo nombre y donde también se
encuentra el tema "Las puertas del olvido" que llegó a ser un éxito también en Estados Unidos
y buena parte de América.

En 1985, tras su retiro de la disquera RCA Argentina, donde permanecieron más de 20 años,
se edita un disco recopilatorio con cinco temas inéditos: "Tú por aquí", "Chocar la misma
pared", "Adiós, borrón y cuenta nueva", "No quiero un beso" y "Tú y yo, de igual a igual". El 20
de marzo de 1985 hizo una gran gira por Bolivia visitando a los departamentos de: Santa cruz,
Tarija, El Beni, Cochabamba.

Para 1986 el grupo había alcanzado fama mundial, con giras exitosas, lanzando su álbum
"Iracundos 1986", ya bajo el sello Microfon Argentina (Micsa), con otra composición de Eduardo
Franco, el tema "Me voy o me quedo", que incluso tiene un video clip, como todos los temas de
éste disco. Debido a problemas de autoría, es en este año donde el bajista Hugo Burgueño se
separa, lo que causa un gravísimo e irreparable daño en el grupo, tras haber estado el grupo
unido por 25 años, quebró la unidad y amistad en la banda.

En 1987, Los Iracundos, sacan 2 nuevos álbumes; el primero, con la denominación "Eduardo
Franco y sus Iracundos de siempre" con nuevos temas, que alcanza un éxito relativo con los
temas "Por qué me hiciste trampa" y "Dime quién" que sonó tiempo después; el segundo
álbum de éste año fue el primer volumen de un popurrí de sus temas más reconocidos llamado
"La Historia de Los Iracundos" bajo el sello Microfon.

El 1 de febrero de 1989, Eduardo Franco "El alma de Los Iracundos" fallece de un cáncer
terminal a los ganglios linfáticos, en su ciudad que lo vio nacer -Paysandú, después de varios
años de sobrellevarlo asombrosamente frente a su exigida profesión; dejando como sucesor a
Jorge Julio Gatto Bell (quien ya antes cantaba temas del repertorio del grupo, con su
agrupación llamada Frutilla), y con el que el grupo graba ese mismo año el segundo volumen
del popurrí denominado "La Historia de Los Iracundos vol. 2" bajo el sello Microfon.

1990

Ya en 1990, el grupo decide sacar un nuevo álbum, completo de temas de la autoría del
recordado Eduardo Franco, llamado "Iracundos 1990". En 1992 el teclista del grupo, Jesus
Febrero, abandona el grupo y tiempo después, un 1 de noviembre de 1992, Juan Bosco
Zabalo, segunda guitarra, fallece por problemas al corazón en la Clinica Uruguay en la ciudad
de Concepción del Uruguay, Entre Ríos, Argentina, donde residía hace ya un tiempo.

Para 1994 el grupo, que constaba con Leonardo Franco y Juan Carlos Velásquez, como
integrantes fundadores y con Jorge Gatto como vocalista sucesor, deciden lanzar un nuevo
álbum, también, con temas inéditos de la autoría de Eduardo Franco, teniendo como tema
principal "Con la misma moneda" que se convierte en un disco de oro, renovando la
popularidad del grupo, y lo lleva a concursar en la OTI, en el 1996, con otro tema inédito de
Franco, "Quiero estrenar el amor contigo".

Para el 99, Los Iracundos lanzan su último disco oficial a la fecha, "Los Iracundos de fiesta",
que contiene nuevas versiones de temas clásicos como "Y me quedé en el bar", "La lluvia
terminó" y "Tú con él", temas de la composición de EDUARDO FRANCO en la voz de Jorge
Gatto; la actividad del grupo no parará en los posteriores años, dedicándose enteramente a
presentaciones en varios países de América y Europa.


El 15 de junio de 1999 fue inaugurado en la ciudad de Paysandú un busto de
bronce en honor a Eduardo Franco, hecho por Martha Escondeur.












2000

El 2 de agosto del año 2003, el teclista fundador Jesús Maria Febrero - Febro, fallece tras una
penosa enfermedad en Argentina. Ya para finales del 2006, el vocalista Jorge Gatto decide
separarse, junto a otros integrantes del grupo, para formar su propia banda, cantando las
canciones de Los Iracundos.

En el año 2007, tras largas gestiones, Leonardo Franco se une a Los Iracundos de Febro, por
otro lado Juan Carlos Velásquez continua con su grupo haciendo giras por Latinoamérica al
igual que el bajista Burgueño.









Nombre Real: Lucio Battisti
Fecha de Nacimiento: 05 de Marzo de 1943
Lugar de Nacimiento: Poggio Bustone, Rieti - Italia
Fecha de Fallecimiento: 09 de Septiembre de 1998
Lugar de Fallecimiento: Milán - Italia
Motivo de Fallecimiento: Cáncer (no oficial)


Cantante y compositor italiano. Es considerado como uno de los más conocidos e
influyentes músicos y autores del pop/rock italiano de la historia.

Inició su carrera en 1966 y de 1969 hasta 1994 publicó 18 álbumes en su país
natal. Una parte significativa de su producción fue traducida al español y al inglés.

Nació en Poggio Bustone, un pueblo en la provincia de Rieti (norte de Lazio), y se
trasladó con su familia a Roma en 1950. Era un guitarrista autodidacta, hizo su
debut como músico en la década de 1960, actuando en bandas locales en Roma,
Nápoles y más tarde en Milán donde se unió a I Campioni, la banda de apoyo de la
entonces famosa cantante Tony Dallara. También viajó al extranjero, donde
absorbe la música de Bob Dylan, The Beatles, The Rolling Stones, The Animals, Jimi
Hendrix, entro otros, que más tarde introduciría en el pop italiano.
En Milán se encontró con el apoyo de la cazatalentos francesa, Chistine Leroux,
quien trabajaba para el sello Ricordi. Bajo el ala de Leroux, Battisti escribió tres
hits importantes para otros artistas "Per una lira""Dolce di giorno" para Dik Dik, y
"Uno in piu" para Riki Maiocchi. Leroux también presentó a Battisti con el letrista
Giulio Rapetti, más conocido como Mogol: aunque no se impresionó en primer
momento con la música de Battisti, Mogol más tarde declaró haber iniciado su
colaboración con él después de reconocer a Battisti como una persona humilde,
decidida y deseosa de mejorar su trabajo. Mogol también impulsó a Ricordi para
que Battisti cantara sus propias canciones: la voz de Battisti se convirtió en el
punto central de su fuerza y originalidad. Como cantante, hizo su debut con la
canción "Por Una lira" en 1966: a pesar del escaso éxito de la canción (sólo 520
copias vendidas en toda Italia), ésta le permitió comenzar a construir su carrera
como cantante.
para Ribelli,

Battisti continuó escribiendo para otros, a finales de 1960: en los EE.UU, el grupo
de rock The Grass Roots se anotó un éxito con una de las composiciones de Battisti,
"Balla Linda", traducido como "Bella Linda". Con la misma canción, Battisti clasificó
cuarto en la Cantagiro, una entonces popular competencia de música pop italiana.
1969 vio a otra de las composiciones de Battisti, "Il Paradiso", convertido en un
éxito en el Reino Unido cuando fue cubierto por el grupo Amen Corner como "(Si el
paraíso es) la mitad de Niza", alcanzando el puesto número uno en las listas de
singles. En el mismo período con otra banda Inglesa, The Hollies - con Graham
Nash - Battisti grabó una canción en italiano, "prego no por mí ".

En el mismo año Battisti participó en el Festival de Sanremo con la canción
"Un'avventura", y su popularidad comenzó a aumentar. Su primer gran éxito fue
"Acqua azzurra, acqua chiara", que ganó el Festivalbar. El mismo año, Ricordi
publicó el auto-titulado álbum debut de Battisti. Durante ese año de éxitos Battisti
conoció Grazia Letizia Veronese, con quien después se casó y vivió hasta su
muerte.

Formando un dúo fuerte y de gran éxito con el letrista Mogol, Battisti siguió
publicando álbumes en solitario de forma regular a lo largo de la década de 1970:
en casi todos los casos llegaron a los lugares más altos en los gráficos de su país, y
son considerados como clásicos de la música pop italiana. También se convirtió en
una presencia popular de la TV.

En 1970 Battisti ganó el Festivalbar por segunda vez, con la canción "Fiori rosa,
fiori di pesco", y comenzó a colaborar con Mina, con quién cantaron algunas de las
mejores canciones Mogol-Battisti. En diciembre, Ricordi publicó el segundo LP de
Battisti, "Emozioni", que era una compilación de singles publicada previamente.
Battisti se enojó bastante por esto, pues él había compuesto un álbum conceptual
llamado "Amore e non amore", pero su discográfica decidió lanzar la compilación en
lugar de el álbum, que fue considerado como demasiado experimental y avanzado
para el público italiano.

Amore e non amore fue finalmente lanzado en julio de 1971, pero a fin de
preservar su libertad creativa, Battisti y Mogol crearon Numero Uno, una de los
primeros sellos discográficos independientes de Italia, fundado por ellos en el otoño
de 1969.

Con este nuevo sello lanzaron: "Umanamente uomo: il sogno" (1972) seguido por
el aún más exitoso "Il mio canto libero" (1972). Esta última encabezó las listas de
Italia durante 8 semanas: una de sus canciones - "Io Vorrei, no Vorrei, ma sí vuoi"-
fue grabada más tarde por Mick Ronson, con letras traducidas por David Bowie,
como "La música es letal". La canción "Il Mio Canto Libero" sigue siendo una de las
canciones más populares entre los italianos. Otro álbum exitoso fue "Il nostro caro
angelo" (1973).

"Anima Latina" (1974) es considerado el trabajo más complejo y de múltiples capas
de Battisti, con un nuevo enfoque personal, con una mayor atención a los ritmos y
letras cada vez más crípticas de Mogol, sin embargo, su obra gozó de un buen
éxito, permaneciendo por 13 semanas en el número uno en las cartas italianas.

"La batteria, il contrabbasso, ecc", lanzado en 1976 e incluyendo el éxito "Ancora
tu" fue un éxito aún más grande; en muchas de las canciones muestra claramente
el interés del artista por la entonces emergente música Disco, estos sonidos y
valores de producción tienen una gran influencia en sus tres álbumes posteriores.

En 1977 publicó "Io tu noi tutti". También se trasladó a Los Ángeles, y publicó un
álbum, "las imágenes", que contó con algunos de sus más grandes éxitos re-
grabados en Inglés. Sin embargo, el intento de igualar su éxito europeo en los
Estados Unidos falló. En 1978 Battisti publicó "Una donna per amico": grabado en
Londres y producido por Geoff Westley. Éste fue seguido en 1980 por "Una giornata
uggiosa" , producido por el mismo equipo, contenía el último gran éxito de Battisti,
"Con Il Nastro Rosa" (La cinta rosa), considerada una de las mejores composiciones
del dúo, donde se ofrecía un muy fino y largo solo de guitarra de Phil Palmer.

Battisti, una persona más bien tímida, siempre fue reacio a hablar de sí mismo y su
obra. En la década de 1980, declaró ya no querer hacer apariciones públicas ni
liberar las entrevistas: en sus palabras "No hablaré más, ya que un artista debe
comunicarse con el público sólo a través de su trabajo". En algunas ocasiones muy
raras, sin embargo, él apareció como invitado en la televisión de otros países como
Francia, Suiza y Alemania, y sólo después de 1982, su voto se puede considerar
cumplido totalmente, con una perseverancia similar a la de JD Salinger y otros
famosos.

En 1981, Battisti rompió su relación con Mogol. El primer LP de este "segundo
período", a partir de "E già" de 1982 (con letra de su esposa), recibió una recepción
mixta de la crítica y el público. Mogol comenzó a trabajar con Riccardo Cocciante;
en 1990, él declaró no haber escuchado discos de Battisti durante muchos años.

Desde 1986, a partir de "Don Giovanni", hasta 1994, las letras en los discos de
Battisti fueron escritas por el poeta Pasquale Panella. Don Giovanni combina un
retorno a los clásicos "Battistian" melodías con letras que algunos consideraban
bichos raros y a menudo sin sentido.

Le siguieron "apparenza L'" (1988), sin embargo, una vez más las letras fueron
incompresibles, y su éxito fue peor que el que tuvo con Don Giovanni. "La sposa
occidentale" (1990) fue lanzado por CBS , y marcó una nueva caída en las ventas y
el éxito. El descenso de las ventas apenas era una preocupación para Battisti: se
rumoreaba que en la década de 1990 estaba ganando de 4-5 billones de liras al
año, exclusivamente de los derechos de autor de sus canciones de la década de
1970.

Los últimos discos de Battisti fueron "Cosa succederà ragazza alla" (1992) y "Hegel"
(1994).

El 9 de septiembre de 1998, Battisti murió en un hospital de Milán. The New York
Times dijo que la causa fue el cáncer. La noticia fue reportada de inmediato por los
medios de comunicación y se extendió rápidamente por todo el país, generando
una ola sin precedentes de emoción por el cantautor. Fue enterrado en el
cementerio de Molteno, la ciudad donde había pasado sus últimos años con su
familia, lejos del circo del espectáculo.






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