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Triptico Colección MP

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La obra del artista Gonzalo Puch (Sevilla, 1950) hace una crítica acerca de los usos incorrectos de nuestro

entorno y del impacto que supone la especulación en el medio ambiente. La fotografía le permite crear una escenografía propia donde contrapone realidad y ficción, y le abre la posibilidad de reunir, en un mismo documento todas las cosas que le interesan (arquitectura, teatro, pintura...). El alemán Thomas Ruff (Zell, 1958) sigue siempre un planteamiento a la hora de crear: “si las cosas son como parecen ¿por qué he de intentar que parezcan distintas?”. La claridad, el carácter casi científico y captar la esencia de lo representado, definen su producción En el caso del paisaje tiende a evitar la ordenación, clasificación o jerarquización del paisaje. Para esta obra seleccionó fragmentos de unos negativos encontrados en un observatorio de estrellas, y los amplió, construyendo versiones verosímiles de la realidad, pero fácilmente transformables en abstracción.

Sala VIII: el final del camino
Joel Sternfeld (Nueva York, 1944) nos muestra en Matanuska Glacier la inmensidad de un paisaje que es interrumpida por la intervención del hombre al colocar el elemento publicitario con el que la especulación con el terreno se hace patente. Esta obra es de hace 25 años; ¿en qué se habrá convertido esta manipulación del entorno? Representa la ironía que se produce cuando el humano trata de dominar y cambiar el paisaje: la naturaleza es superior a nosotros; pero debemos reflexionar sobre la veracidad de este hecho. Walter Niedermayr (1952, Bolzano, Italia) vuelve a transportarnos a otro viaje por los parajes naturales más bellos del mundo. Se trata de Rhonegletscher, glaciar del río Ródano, en los Alpes Suizos. Sirva esta fotografía como reflexión ante nuestro patrimonio natural, su belleza y lo pequeños que podemos llegar a sentirnos ante ella. Con tres fotografías retrata Isaac Julien (Londres, 1960) el Polo Norte. Se trata de la obra True North (ice flow mountain), que formaba conjunto con una instalación de vídeo en la que se cuestionan los contenidos e imágenes preconcebidos a través de la historia del primer negro que llega al polo norte. Es el héroe, representa a una raza... pero no es el primero en llegar. Primero llega el blanco. Trata temas de identidad a la vez que crea una imagen poética y repleta de sensualidad en el gusto por los colores y las texturas.

Sala VII: Land art, la naturaleza como obra de arte
Robert Smithson (New Jersey, 1938 - Texas, 1973), artista del Land art, no se limitó con ninguna forma o estilo de arte; sus ideas complejas se plasmaron de muchas formas: dibujos, earthworks, películas... En este caso se trata de una obra sobre papel, Medusa with concentric figure, en la que naturaleza y humano se mezclan en un espacio concéntrico rodeado de elementos naturales casi abstractos.

Patio:
Lothar Baumgartem (Rheinsberg, 1944) gusta de un contacto directo con la naturaleza, que estudia detenidamente y fotografía, modificando levemente su presencia pero sin distorsionarla. En estas fotografías de plantas de la selva amazónica (Pupeille y Verlorene Früchter), el artista manipula la realidad al introducir elementos no naturales como si formaran parte de la planta, provocando la confusión en un primer golpe de vista y la sorpresa en un momento posterior. Miguel Pablo y Manuel Pedro Rosado (San Fernando, Cádiz. 1971) son dos hermanos gemelos que trabajan bajo el nombre de MP & MP Rosado. En Lloviendo cántaros los hermanos juegan con el refrán popular para crear una instalación de carácter escultórico en la que, diversos cántaros de arcilla, contenedores de agua, aparecen dispuestos en posiciones aleatorias y con distintas formas como si hubieran caído directamente del cielo. Cargada de ironía les interesa transmitir la ambigüedad que se plantea entre realidad y arte pues son capaces de transformar en realidad visual una metáfora del lenguaje popular. Buscan la confusión, el juego. Piezas, de aspecto muy orgánico, que parecen abandonadas a su suerte por el suelo y que tiene mucho que ver con cuestiones como la ruina o la memoria. Consiguen construir un escenario neobarroco, cargado de teatralidad, que nos atrae en ese juego de citas ocultas.

COLECCIÓN DE ARTE CONTEMPORÁNEO MP La Fundación Valentín de Madariaga les da la bienvenida a la exposición de su Colección de Arte Contemporáneo. Dicha Fundación y todo el Grupo MP apuestan por un desarrollo empresarial y social de forma sostenible con el medio ambiente. La colección que se presenta no es sólo singular por provenir de una iniciativa empresarial privada que apuesta por el arte más vanguardista internacional, sino además por seguir una unidad temática y conceptual al tratar el tema de la naturaleza y sus diferentes interpretaciones en cada una de las obras que aquí se exponen.

El británico Hamish Fulton (Londres, 1946) se autodenomina “un artista que anda”. Trabaja fotográficamente sobre la experiencia de sus paseos, en los que el contacto directo con el paisaje es fundamental, creando obras en las que coexisten naturaleza, fotografía y texto de modo inseparable y el objeto principal es el viaje. También en contacto directo con la naturaleza, Richard Long (Inglaterra, 1945) toma como fuente de inspiración la relación del hombre con ésta, intervieniendo en el paisaje para crear un nuevo significado, una metáfora de la realidad, pero sin desvirtuarlo. Guiado por la idea de “el paseo como arte “, toma materiales que encuentra en sus caminatas y los ordena, los amontona.. de forma sencilla, en círculos, líneas rectas o espirales.

Avda. de María Luisa, s/n. 41013 SEVILLA. España Tfno: +34 954 366 072 - Fax: +34 954 626 129 fundacionvmo@mpcorporacion.com www.fundacion.madariaga-mp.com

El artista conceptual alemán Joseph Beuys (1921-1986), destacó por las formulaciones teóricas que esconden sus creaciones. Pacifismo, política y preocupación por el medio ambiente y la ecología son las bases sobre las que se asienta su obra. En La rivoluzione siamo noi (1972), Beuys avanza decidido hacia el espectador, lo mira de frente, lo interroga, para insuflarle vida y energía. Lleva su uniforme artístico (botas militares, vaqueros, chaleco de pescador con retales de piel de liebre, sombrero de fieltro), un uniforme de un ejército sin armas con el que se presenta ante la sociedad para transformarla en todos sus comportamientos injustos.

Zoe Leonard (New York,1961) ha establecido la fotografía documental y en blanco y negro como su principal medio artístico. En sus imágenes no hay retoques ni recortes. Las series de árboles destacan en su trabajo; muestra árboles dentro de la ciudad, rodeados por vallas. En un principio los bordes metálicos exprimen el árbol creciente mientras que en última instancia, ellos son absorbidos por el árbol. El matrimonio Bernd & Hilla Becher (Alemania 1931 y 1934) han hecho de la arquitectura industrial su único objeto de trabajo, resaltando las propiedades esculturales. Fotografiadas siempre desde el mismo ángulo, con una luz uniformemente distribuida y en blanco y negro, nos hablan de la naturaleza como arqueología industrial que inunda nuestras ciudades.

La serigrafía del representate del arte pop a nivel mundial, Andy Warhol (1926, Pennsylvania1987, New York), nos ofrece una imagen del volcán italiano Vesuvio, en plena erupción de colores en la que se produce una trasposición de un elemento accidental de la naturaleza hacia un hecho publicitario y de reclamo. Richard Prince (Panamá, 1949) realiza “postfotografías”, es decir, toma imágenes de los medios de comunicación de masas y del ideario americano, y las quema, las sobreexpone a la luz, las modifica...para reflejar la manipulación a la que es sometido el hombre y para reflexionar sobre el proceso de representación fotográfica, cuestionando la diferenciación entre original y copia. En este caso son imágenes de paisajes americanos a los que aplica la estética del cómic, siguiendo la división por viñetas e insertando chistes populares del ámbito americano. Vik Muniz (São Paulo, 1961), artista brasileño afincado en Nueva York. No cesa de experimentar con materiales (chocolate, alambre, hilo, mermelada, espaguetis, figuritas de plástico, plastilina...) con los que compone imágenes que posteriormente fotografía, las agranda y las muestra al espectador que, confundido entre lo que ve y lo que cree que ve, no puede quedar pasivo. En White rose (2003) compone la imagen de una inmaculada rosa blanca a base de insectos y animales que contribuyen al nacimiento, vida y muerte de ésta. Cuando nos alejamos de la obra, la imagen es una rosa blanca pero a medida que nos aproximamos se va convirtiendo en algo abstracto donde se distinguen los objetos y detalles con los que ha creado la imagen.

Sala I: el paisaje como ficción
Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956), una de las escultoras españolas con mayor repercusión internacional, gusta de crear espacios que sirven como “lugares para pensar”. Celosía es refugio y cautiverio, un espacio lleno de ambigüedades, de luces y sombras, donde tomamos conciencia de nuestro cuerpo. Crea un paisaje artificial en el que cataliza el espacio exterior y el interior, invitándonos a mirar dentro. La luz se convierte en un material más que se cuela por las rejillas en las que Cristina incluye letras, frases, signos... en alusión a la literatura de paisajes de ficción, como vemos en Tríptico XII, maqueta de una de sus esculturas, con enfoques distorsionados y nuevas escalas. Las fotografías del alemán Elger Esser (1967) presentan reminiscencias de las postales del siglo XIX o de los románticos paisajes de C.Friedrich, de la pintura holandesa del siglo XVII, e incluso del impresionismo francés. Sus obras son representaciones de un “nolugar”, de algo que existe más allá de la vida diaria, a pesar de estar perfectamente identificadas a través de sus títulos. En Isola d’Arbia el espectador pierde conciencia del lugar en que se encuentra; no sabe si lo que se le muestra es una pintura, una fotografía o una pintura fotografiada, pero se siente espectador del mundo.

Sala III: la naturaleza en continuo cambio
En El mar del Pirineo, instalación del artista vasco Ibon Aranberri (Guipúzcoa, 1969), se representa un corte superficial del área de un pantano, acompañado de documentos y materiales extraídos de la zona. Existe una particularidad: lo que en la realidad se levanta en relieve sobre la superficie de la tierra, lo representa en hueco relieve y viceversa. En la serie fotográfica de Olafur Eliasson (Dinamarca, 1967), éste actúa como documentador del paisaje natural de las regiones nórdicas a través de imágenes tomadas desde satélites para mostrar los continuos cambios y movimientos de la propia naturaleza, que eleva a obras de arte. En la fotografía de las Islas Canarias,con la figura central del volcán, Olafur nos habla de la autoagresión que la propia naturaleza se provoca, y nos muestra un paisaje que no necesita elementos tecnológicos ni fórmulas, para producir una experiencia sensorial en el espectador.

Sala VI: paraísos inventados
El californiano Glen Rubsamen (1959) recrea paisajes propios de su tierra en los que elementos naturales se mezclan con elementos no naturales, apéndices de la tele-sociedad de consumo (antenas, farolas...), planteando la pérdida de cualquier distinción entre ellos. A contraluz y ante puestas de sol psicodélicas, llevan a la confusión del espectador que, en su apariencia exterior, las confunde con fotografías. Esa pérdida de la Naturaleza no debe significar el final de la belleza pues pueden aparecer infinitas formas de lo bello en la polución o en elementos artificiales. Peter Fischli y David Weiss (Zurich 1952 y 1946) experimentan con la fotografía e inventan paisajes. En estos primeros planos de plantas no hay efectos particulares, ni subjetividad; el uso de la luz y el acercamiento al detalle hacen que lo cotidiano se vuelva excitante, transforman la realidad, al hacer amables unas plantas que en realidad son venenosas.

Sala II: el paisaje como reflexión
Willie Doherty (Derry, Irlanda del Norte, 1959) con su obra trata de debatir en torno al conflicto de su país.“Apparatus” es una serie de imágenes de Belfast, una ciudad devastada por la violencia, incitando con ellas a la reflexión, a la vez que busca el placer estético del detalle y la textura, por ejemplo en una pared pintada o en el colorido de la ropa olvidada sobre un muro quemado.

Sala IV:

Henrik Hakansson crea micro-ambientes en los que presenta la problemática de la relación del hombre con la naturaleza y de las relaciones de los propios animales con su entorno. En esta instalación, cantos e imágenes de pájaros de un parque de Berlín,se encuentran “enjaulados” en pantallas audiovisuales, pero no se les ha quitado su libertad, pues ellos siguen volando por los cielos de Berlín.La ciencia se ha rendido al servicio de la naturaleza.

Sala V: la interpretación pop
Federico Guzmán (Sevilla, 1964), artista original e irónico, incluye en sus obras referencias a la sociedad actual. En Abollando la cuadrícula se ha magnificado y se ha llenado de cromatismo un infantil parchís sobre el que han caído distintos meteoritos. Simboliza la relación entre el juego y la naturaleza, ambos unidos por los caprichos del azar. Reggaera, es una instalación en la que, con un juego de palabras, se alude a la común asociación de un tipo de música con una planta determinada, unos colores, una bandera...

Rodney Graham (Vancouver, Canadá, 1949) fotografía, en gran formato, árboles aislados majestuosos, utilizando la cámara oscura y dejando la imagen tal y como la recibe la cámara: invertida. Propone, de esta forma, cambiar el punto de vista con el que miramos la naturaleza, desestabilizar nuestra percepción del arte y cuestionar los estereotipos culturales.

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