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EL ARTE DESPUÉS DE 1945

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EL ARTE DESPUÉS DE 1945

La Segunda Guerra Mundial cambia el panorama del arte Esta guerra cambió la vida cultural y artística de Europa, sobre todo por las acciones de “limpieza” emprendidas por los nazis. En el año 1933 el gobierno alemán se encargó de hacer exposiciones para denigrar y burlarse del arte de la época, considerándolo “degenerado” y “depresivo”. Luego, se encargaron varias veces de quemar cuadros y pinturas en una gran hoguera. Persecución política y exilio Esta persecución hizo que muchos artistas se exiliaran y emigraran a E.E.U.U, entre ellos los dadaístas y los surrealistas, los más perseguidos, debido a sus compromisos políticos. Las artes en la segunda posguerra Nueva York y París se disputan ser el centro internacional del arte. El Estado ayuda, apoya al arte y se convierte en uno de sus principales impulsores. El arte de posguerra generó nuevas modas, que dieron origen a nuevas actitudes sociales. El público tuvo más cercanía, más contacto con el arte a través de actividad de museos y galerías. Y el arte se fue convirtiendo poco a poco en un producto de consumo: se gastan millones en obras de arte, pero eso es lo que permite que estén al alcance de los museos y de la gente. Luego de la Segunda Guerra Mundial, el arte se caracteriza por la exageración, el desarrollo de ideas preexistentes, llamativas contradicciones. La vanguardia ahora es UNDERGROUND, y busca preferentemente al público joven. ¿Qué es underground? Algo que cambia en esta parte del siglo es el reemplazo del concepto de vanguardia por el de underground (‘debajo de la tierra’) Representaría una actitud contraria al arte como parte del sistema de mercados: la vanguardia ya no escandaliza como antes. El artista under no hace arte para impulsar un cambio social, su arte se inserta en una nueva cultura o sociedad alternativa. Ya no tendrán compromisos ni políticos ni sociales. La propia naturaleza del arte es permanentemente redefinida: para algunos, la obra es tangible (un objeto, una mercancía como todas las demás) y para otros, no es tangible (la obra no interesa, sino que es una gente que pone en marcha cambios psicológicos y fisiológicos en el espectador). Los nuevos movimientos se darán tanto en Europa como en Estados Unidos, y se caracterizarán por presentar obras abstractas y figurativas en paralelo. “ACTION PAINTING” O “ACTION ART” En 1950 aparecerá un nuevo expresionismo, el abstracto, en el que ya no se reconocerán en los cuadros figuras de la realidad, sino todo lo contrario. Se basan en la caligrafía de los orientales, que expresaban ideas y sentimientos con pinceladas fuertes y rayas violentas.

y se la denominará action painting o action art. otro exponente fue el italiano Lucio Fontana. más difíciles de interpretar. sogas. como si fuesen un gran collage con materiales rústicos y elementos que sobresalen de la superficie. la angustia. quien combina elementos abstractos y los contrasta con la figura humana.Algunos pintores practicarán esta técnica en sus cuadros. para denotar los sentimientos que a él le interesa mostrar: el terror. o incluso con perforaciones. sino con manchas. en especial la figura humana. Los artistas veían el cuadro no como una tela sino como un campo de acción. Su arte expresaba su subconsciente. pero de un modo más explícito y directo que el informalismo. que se mezclaran con el “afuera”. Jackson Pollock (1912-1956) llevó esta técnica a su punto más alto. Se basaban en la espontaneidad del gesto. El action painting es al arte lo que el jazz a la música. . telas. Uno de los artistas más famosos de este arte es Francis Bacon. término acuñado por el artista francés Michel Tapiè. y se los llamó informalistas. Esa muerte prematura y su vida intensa lo hicieron un referente y prototipo fascinante para los intelectuales norteamericanos. y consistía en la insólita manera de chorrear la pintura sobre una tela colocada en el piso. Este arte intenta dar cuenta de lo que provocó la Segunda Guerra. pero sin la figuración de los surrealistas. INFORMALISMO Otros artistas siguieron este expresionismo abstracto como una nueva tendencia. Parece como si en sus obras mostrara las secuelas de una violación o de una sesión de tortura. Sus “protagonistas” aparecen atrapados en espacios o habitaciones claustrofóbicas. y esa forma más explícita se puede hacer usando la figuración. Propusieron dar a las pinturas otras texturas. NUEVA FIGURACIÓN Un grupo de artista reacciona contra el informalismo y trata de recuperar la imagen y el objeto. en la improvisación. no hacían un cuadro sino un acontecimiento. sino espontánea. Su procedimiento se llamó dripping. a los 44 años. Propusieron así que el artista ya no se preparara. que la obra ya no sea premeditada. Murió en un accidente de tránsito. Así se pueden apreciar cuadros sin figuración pero con materiales como bolsas. la violencia. Además de Tapiè.

Este factor en la visión se puede investigar siguiendo tres caminos distintos: creando en la percepción óptica del espectador la impresión de un movimiento virtual o ilusorio que realmente no existe. al igual que el movimiento y el dinamismo. Alexander Calder en 1960 expuso unas maquetas a las que llamó “móviles” las cuales giraban levemente con el movimiento del aire. El calificativo de “cinético” fue empleado en un manifiesto artístico de 1920. Básicamente trata de incorporar un movimiento “real”. en 1964. que se vuelven contenido de la obra. Son aspectos fundamentales de la sociedad contemporánea. Este arte propone un entretenimiento visual que hizo que fueran mucho más populares que las obras del futurismo. También Bridget Riley. generando movimiento a partir de manipular el grosos de la líneas. por oposición al movimiento virtual que. generaban los futuristas de principios del siglo XX. porque se logra con articulaciones y el impulso del aires o bien porque se incluyen dispositivos mecánicos o magnéticos que hacen moverse dispositivos semejantes a las máquinas. El llamado arte cinético comprende estos tres caminos. Los nuevos materiales que utiliza la sociedad industrial forman parte del paisaje visual de la época. En otras. hizo una serie de obras en las que trabajaba con ritmos lineales en negro sobre fondo blanco. en pinturas y esculturas. el movimiento es real.ARTE CINÉTICO El factor cinético empieza a ser un elemento fundamental en el arte. . Algunas obras despliegan la dinámica a través del recurso de la ilusión óptica. Firmado por dos artistas: Gabo y Pevsner. o realizando movimientos reales de imágenes mediante motores o emisores móviles de luz. obligando al espectador a desplazarse en el espacio para organizar en su mente la lectura de una secuencia.

El término Pop Art es una abreviatura de la expresión popular “popular art”. del rostro de Marilyn Monroe. eran mejores. Por su parte. aviones. pintor. POP ART Surge casi paralelamente n Estados Unidos e Inglaterra. y fue acuñado por un crítico británico ( Lawrence Alloway) en 1964. de tipo publicitario. los vestidos. al tiempo que destacaba la pobreza del argumento y del lenguaje empleado.Arte figurativo reciente El público que consumía arte. del que se destaca su apelación subliminal a la idea del poder y de la conquista del éxito. anuncios de neón de comercios. las cosas. Luego. propio del arte: la publicidad. Parecía que para el Pop Art. que tenía como destinatario al público de los medios masivos de comunicación. en 1962. Incide obsesivamente en los elementos repetidos de la imagen y critica así a la seriación y acumulación insistente de objetos iguales a los que el consumismo nos tiene acostumbrados. . las latas de conserva. Así. los cómics. Andy Warhol (1931) es un artista. de la lata de sopa Campbell. Reaccionando contra el consumismo Algunos críticos mencionan que el pop nació inicialmente como un movimiento artístico que reaccionó contra el fenómeno consumista: contra el culto al objeto de consumo y toda la batería de medios de publicidad. y quería un arte relacionado más directamente con las realidad norteamericana. se empezaba a cansar de de que el arte sólo estuviera vinculado a un grupo selecto de intelectuales y artistas. cuanto más vulgares y baratas. realizador de cine underground y productor de películas comerciales. Roy Lichtenstein (1923) se dedicó a reproducir en grandes formatos las escenas del cómic. todavía menos. los muebles de serie. sobre todo en Estados Unidos. y. a través del cambio de color. Así se llamó a un conjunto de producción gráfica y artística. tipografías de publicidad gráfica. figuras del cine y la televisión e. las ilustraciones de las revistas. analizan fríamente el mecanismo de deshumanización que practican los modernos medios de comunicación. dibujos animados. los artistas reproducían las cosas que veían todos los días. los “hot dogs”. Sus series de serigrafía y transformaciones. La finalidad del Pop Art parecía en descubrir todo lo que hasta ese entonces había sido considerado indigno de atención. se amplió su alcance para designar también los productos artísticos destinados a un público más culto y elitista. Este movimiento expone los temas del pop: automóviles cromados. incluso.

no se sabe si son cosas. texturas. sus artistas añaden en forma innovadora la integración del espectador como participante en la acción. de colores. Rápidamente se transformó en el epicentro de las investigaciones culturales de la época.El resultado real del Pop Art ha sido una visión de la sociedad industrial avanzada sutilmente irónica y desencantada. Los happenings serían acontecimientos. En Argentina. El instituto Di Tella fomentó la “actualización” de nuestro país en las nuevas tendencias artísticas. Las imágenes del Pop Art son cool. que se han definido como obras de arte que llevan consigo la participación del público y de objetos dentro de un marco o de una situación dados. de lo que pasa y no puede retenerse. NUEVAS TENDENCIAS “Happenings” El pop dio un gran impulso a la búsqueda de nuevas manifestaciones artísticas. aunque no es una sátira política y social. Una de las más conocidas exponentes del happening es Marta Minujín. Los happenings plantean el valor de lo efímero. luces de neón y televisores.espectáculo que causan un gran impacto en el espectador. Entre ellas se destacan los happenings. Esto permitió a los artistas argentinos incursionar en nuevas experiencias. Y una de sus obras más famosas en los ’60 fue La Menesunda: un laberinto que el público debía recorrer y en el cual debía enfrentarse a distintas situaciones de sonido. pero a diferencia de otros movimientos. olores. . que se caracterizan por estar en el límite entre “arte” y “no arte”. en la década del ’60. frías. recuerdos o fantasmas.

crean. Los artistas de este arte construyen. Consiste en la búsqueda de un lenguaje emotivo con materiales que pueden ser considerados tecnológicamente pobres en un mundo tecnológicamente rico. Un artista de este arte es Mario Merz.“Land art” Nace en Estados Unidos a fines de 1967. consiste en la actividad del artista alterando el aspecto de la naturaleza. “Arte povera” Su nombre deriva del italiano (‘arte pobre’). arman sus obras con elementos deteriorados. . Consiste en modificaciones efímeras que el artista puede aportar al paisaje real. que pueden ser hallados en la calle o en la basura. con materiales descartados de otra construcción. Uno de sus máximos exponentes es el artista conocido como Christo.

Arte abstracto y arte figurativo. así. V. . También en la actualidad.A. el artista Bruce Naumann (1941) presentaba su propia fotografía escupiendo agua con el título Retrato del artista como fuente. Salvat.“Body art” Este arte utiliza el propio cuerpo del artista como materia o espacio de experimentación estética.V. 1995 GAGLIARDI. Barcelona. los cuerpos de los artistas o de las personas que modelan para este arte se exhiben a sí mismos como “esculturas pintadas” o “estatuas vivientes” BIBLIOGRAFÍA A.

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