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Universidad de mayores Carlos III

Historia del Arte

wAsSILy
KANDINSKY

15
EL CAMINO HACIA LA
ABSTRACCION

Vicente Hernández Hernández


Curso 2007-08

INDICE

Introducción 3

El arte abstracto
3

Wassily Kandinsky

Comienzos: 1866 - 1896


4

Etapa de Munich: 1896 - 1911


5

La disolución de lo figurativo
6

De lo espiritual en el arte
8

El jinete azul: 1911 - 1914


8

El regreso a Moscú: 1914 - 1921


10

15
Vuelta a Alemania, la Bauhaus: 1922 - 1933
12

Paris. Una abstracción liberada: 1933 - 1944


16

Kandinsky, el hombre
19

Kandinsky, el artista
20

Opinión personal
21

Bibliografía
22

15
INTRODUCCION

Nunca he sido capaz de entender el arte abstracto. Esos colores vivos y esas
formas geométricas jamás me han inspirado nada, me han dejado
absolutamente indiferente y pensando dónde estaba el arte que ha llevado
a la fama a los que pintaban esos cuadros tan raros. Mi sensibilidad hacia la
pintura no había pasado del arte figurativo y, como mucho, me han gustado
los impresionistas: admiro a Goya y sobre todo a Sorolla, pero creo que lo
que me impactaba de ellos ha sido su habilidad para crear arte con simples
manchas de color. Cuando comencé este curso en la Carlos III estuve
considerando cuál podría ser mi trabajo para esta materia de Historia del
Arte. Después de desechar varias opciones pensé que, probablemente, si no
era capaz de entender el arte abstracto era porque nunca me había
esforzado por conocer más sobre el mismo, así que decidí que mi trabajo iba
a tratar sobre este tema.

Siempre he creído que detrás de cada movimiento artístico existe una


filosofía, unas circunstancias que hacen que esa escuela o tendencia
aparezca justo en ese momento y no en otro. Aparece además como un
movimiento generalizado que no responde a un solo artista ni a un solo
país. Así que decidí aprovechar la oportunidad y empecé a documentarme
con el fin, no solo de hacer el trabajo, sino también para intentar entender
lo que llevó a la aparición de esa abstracción en la pintura que marcó los
comienzos del siglo XX.

A base de leer sobre el tema conocí que el verdadero iniciador de la pintura


abstracta era un pintor ruso: Wassily Kandinsky, de modo que este trabajo
está dedicado a su obra ya que, en ella, se puede apreciar muy claramente
la evolución de la pintura hacia la pérdida de la figura y el objeto y la
aparición del color y la forma como elementos protagonistas en sí mismos.

EL ARTE ABSTRACTO

El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y


cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así
concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con
la realidad visual. En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en
una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como
consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino
simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad
interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el
uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.1

Durante siglos, la humanidad no supo producir sino cuadros


“representativos”, es decir, objetivos y concretos. Y hubo que aguardar al
siglo XX en Europa para que se pintase el primer cuadro subjetivo y
abstracto, es decir, el primer cuadro “no representativo”. El arte de la
pintura no representativa es el arte de encarnar, en y por medio de un
dibujo coloreado, una pintura dibujada o una pintura propiamente dicha, un
1
http://www.artelista.com/arte-abstracto.html

15
bello pictórico que no ha sido encarnado, que no está encarnado y que no
será encarnado en parte alguna en ningún objeto real al margen del cuadro
mismo, es decir, en ningún objeto real no artístico.2

El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la


representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual
autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha
elaborado a partir de las experiencias fauvistas3 y expresionistas, que
exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o
informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista4, que da lugar a las
diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

WASSILY KANDINSKY

COMIENZOS: 1866 - 1896

Wassily Kandinsky pasa por ser el fundador de la pintura abstracta. Fue, en


efecto, el primer pintor que prescindió de la representación de objetos y
temas de la naturaleza de forma programática, el primero que entendió la
renuncia a la figuración como medio necesario para llegar a una pintura
pura. Aunque no toda la abstracción provenga de él, sin su precedente
hubiera sido imposible. Su aportación mayor en este sentido es la de haber
legitimado la renuncia al motivo y, con ella, la definitiva autonomía del
cuadro respecto al orden de la naturaleza5

Kandinsky nació en Moscú el 4 de diciembre de 1866, en el seno de una


familia acomodada, y aunque pasó la mitad de su vida en Alemania y
Francia, conservó un fuerte vínculo emocional con su ciudad. Durante sus
primeros treinta años, la pintura sólo fue la afición apasionada de un joven
soñador y romántico, pero convencional. Estudió Derecho y Economía, y su
brillante carrera académica le deparó una cátedra en Estonia, a la que
renunció para trasladarse en 1896 a Munich y dedicarse a la pintura.

Dos acontecimientos determinaron la vocación artística de Kandinsky en


1895: una representación de Lohengrin de Wagner, y el impacto que le
produjo el cuadro Montón de heno de Claude Monet, en una exposición
impresionista en Moscú. Si el primero apunta la temprana vinculación de la
2
KOJÉVE, A.: Kandinsky. Madrid. Abada ed. 2007. Contraportada.

3
El Fauvismo es el estilo pictórico de características expresionistas tales como el uso de
colores intensos, principalmente el verde. Destaca sobre todo por ese cromatismo
antinatural. Busca la fuerza expresiva del color aplicando colores distintos a los que pueden
verse en la realidad, por ejemplo, árboles amarillo limón o rostros de color verde esmeralda.
El padre del Fauvismo fue Henri Matisse.

4
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia
y encabezado por Guillaume Apollinaire, pero también teniendo como principales fundadores
a Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. El cubismo trata las formas de la naturaleza por
medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo
plano.

5
FAERNA J.M. y OTROS: KANDINSKY. Barcelona. Ed. Polígrafa. 2005. Pág. 7-8

15
pintura a la música, el segundo prefigura el futuro
de una pintura no figurativa. Lo que impresionó a
Kandinsky fue, precisamente, que no pudo
reconocer el tema del cuadro, a pesar de lo cual le
cautivó. “Inconscientemente -escribió más tarde-
se desacreditaba al objeto como elemento pictórico
inevitable”. No es de extrañar que sus primeros
pasos en la pintura acusen la influencia del color,
impresionista primero y fauve después.

ETAPA DE MUNICH: 1896 - 1911


Cascada 1900

La capital bávara era uno de los centros culturales de Europa, donde se


gestaba el Jugendstil, versión alemana del modernismo. Allí Kandinsky se
transforma en animador de pequeñas asociaciones de artistas modernos
que promueven exposiciones. Phalanx (Falange), fundado en 1901, es el
primero de esos grupos, que expone obras impresionistas, simbolistas y
modernistas, las tres influencias más visibles en los primeros cuadros de
Kandinsky. Por estos mismos años hace sus primeros grabados en madera
-Xilografías- una técnica de gran tradición en Alemania desde la Edad Media,
y conoce a Alexei Jawlensky y Paul Klee, dos de los artistas con los que
encontrará mayores afinidades en distintas etapas de su vida. También
conoce a Gabriele Münter, una pintora con la que mantendrá una intensa
relación intelectual y amorosa hasta 1914 que le llevará a separarse de su
primera mujer.6

Sus pinturas de los


primeros años del siglo
son paisajes ejecutados
con espátula, en un
principio sombríos, para
luego adquirir una
intensidad casi fauve;
también pinta temas
fantásticos basados en
tradiciones rusas o en la
Edad Media alemana;
este periodo está
marcado por la
experimentación técnica,
en particular, en el uso
del temple sobre un papel
oscuro, para dar una
impresión de superficie
transparente, iluminada
desde atrás. La
consistencia tonal del
claroscuro enfatiza el

6
FAERNA J.M. y OTROS: KANDINSKY. Barcelona. Ed. Polígrafa. 2005. Pág. 11-12

15
esquema borrando la distinción entre las figuras y
en fondo, resultando una composición casi
abstracta.

A la derecha se puede ver Pareja a caballo 1906-1907 en la que el pintor


explora la posibilidad de una pintura modernista y donde se aprecian
todavía muy claramente las figuras de la pareja a caballo con un fondo
plagado de cúpulas doradas y bulbosas de un imaginario Moscú al otro lado
del rio.

El retrato de Gabriele Münter de 1905 nos


muestra a un Kandinsky en la primera etapa en la
que la figura sigue teniendo un papel
preponderante.

LA DISOLUCION DE LO FIGURATIVO

Entre 1908 y 1910 Kandinsky vive una etapa de serenidad en lo personal


que se traduce en un notable avance artístico. Pasa largas temporadas
pintando en Murnau, donde compra una casa, con Gabriele Münter.

15
De esta época (1908) data su Munich-Schwabing con la iglesia de Santa
Ursula

Interior. Mi comedor 1909

El significado de los cuadros de esta etapa lo aclara el mismo Kandinsky en


1912 cuando escribe: “El objeto todavía no quería ni debía desaparecer de
mis cuadros,…. (dado que) en el fondo, crea un determinado sonido
espiritual que puede servir y sirve como material en el arte de todos los
campos…Dicho con otras palabras: yo mismo todavía no estaba maduro

15
para experimentar la forma puramente abstracta sin un intermedio
figurativo.”7

Sin embargo ya, en 1910


comienza a difuminar lo
figurativo y a mostrar en
sus obras su tendencia
hacia la preponderancia
del color, como se puede
apreciar en esta
Improvisación 7.

Hasta al menos 1912 no dejan de aparecer objetos reconocibles en sus


cuadros, pero las bases de la abstracción están sólidamente asentadas. El
tema se disuelve cada vez más en las masas de color. “La belleza del color
y la forma -afirma convencido- no es meta suficiente para el arte”. Es ahora
cuando empieza a llamar a sus cuadros, dependiendo del grado de
elaboración, impresiones, improvisaciones y composiciones, como si de
pequeñas piezas sinfónicas se tratara.

7
BECKS-MALORNY U. Vasili Kandinsky 1866-1944. Köln. Taschen. 2007. Pág. 37-38.

15
Composición IV 1911

DE LO ESPIRITUAL EN EL ARTE

Esta obra, la más famosa del Kandinsky, apareció en 1912. Tiene 44 años y
ha tardado 10 en escribirla. De lo espiritual en el arte es una guía para
comprender, interpretar y sentir, la evolución del arte de esta época y,
sobre todo, la catarsis que se produce en el espíritu del pintor hasta llegar a
prescindir del objeto y llegar a la pureza del arte. Son significativas algunas
afirmaciones que cito a continuación:8

“Toda obra de arte es hija de su tiempo, muchas veces es madre de


nuestros sentimientos “.

Con esta sentencia Wassily Kandinsky inicia su ensayo. Con esta posición
Kandinsky rechaza los esfuerzos del artista por imitar: de la imitación resulta
un arte muerto al nacer, sin potencia de futuro.

“El arte no es más que una forma de expresión diferente de las fuerzas
psíquicas, que ancladas en el mismo proceso condicionan el fenómeno de la
religión y de las ideologías cambiantes.”

Kandinsky intenta definir el arte pictórico como una faceta más de todo el
arte, que nace de la necesidad interior del artista como respuesta a un
sentimiento espiritual, ajeno a la realidad exterior y que intenta representar
su estado anímico del momento de la creación. El objetivo ha de ser lo
esencial, es decir, la renuncia y el alejamiento de la contingencia externa.
Este alejamiento de lo material abre el paso a lo espiritual, un nuevo
camino, a la fuerza doloroso por iniciático, incierto por desconocido.

“Cuando el hombre aparta la mirada de lo exterior, lo único que le queda es


sí mismo. Iniciamos de esa manera el camino hacia la abstracción, hacia
“una vibración” sin objeto, o el objeto como lejano referente”.

8
KANDINSKY W. De lo espiritual en el arte. México. 1989. Varias pág.

15
En esto coincide con otros pintores de
su época: Matissse y Picasso, que
partieron de la figura humana pero, el
primero, dando primacía al color y el
último a la forma, destruyeron el objeto
material para crear una nueva realidad.

Kandinsky no olvida el aspecto físico de


la pintura, el color y la forma. Ambos
despiertan un sonido interior, sea por
asociación o por desarrollo de la
sensibilidad. La armonía de estos
elementos debe buscar el contacto
adecuado con el alma, lo que Kandinsky llama el principio de necesidad
interior.

EL JINETE AZUL: 1911 - 1914

En 1912, junto con Münter y Jawlensky funda el grupo “Der Blaue Reiter” (El
Jinete azul) el último y más famoso grupo muniqués.9 En sí mismo
constituye un programa: es símbolo de la lucha del espíritu contra el
materialismo y de la victoria de la vanguardia sobre la tradición.10

Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres
categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las
improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones,
que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos
cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con
vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la
realidad.

Improvisación 19

9
Para Kandinsky el azul es el típico color celestial que alude a esferas espirituales y
transcendentes. El jinete, que siempre reaparece en su obra, encarna la idea del que busca y
del luchador.

10
BECKS-MALORNY U. Vasili Kandinsky 1866-1944. Köln. Taschen. 2007. Pág. 84.

15
Composición
V

Impresión nº 5

EL REGRESO A
MOSCU: 1914 - 1921

El estallido de la I Guerra
Mundial sorprende a Kandinsky
en Murnau y su pasaporte ruso
lo califica como enemigo de
Alemania. Se traslada a Suiza
junto con Gabriele Münter y,
tres meses después abandona
este país y continúa viaje a
Rusia. Gabriele retorna a
Munich terminando aquí la
relación entre ambos. Su primer año de estancia en Moscú lo pasa en una
profunda depresión, hasta el punto que en 1915 no pinta ni un solo cuadro.

15
La revolución de 1917 le lleva a ocupar importantes cargos en la
administración artística y cultural del nuevo Estado Soviético. Su labor en
distintos organismos se traduce en la creación de museos por toda Rusia,
así como en programas de enseñanza artística.11

De esta época es el Oleo Moscu I. ”…me gustaría pintar un gran paisaje de


Moscú -tomar elementos de todos lados y combinarlos en un cuadro- Partes
débiles y fuertes, mezclar todo, del mismo modo que el mundo se compone
de diversos elementos mezclados. Tiene que ser como una orquesta”12

Nuevamente aparece la referencia a la música. La relación, no solo


hipotética sino
real entre
colores y
sonidos, entre
música y
pintura, le
cautivaron de
tal manera que
esa

correspondencia secreta entre las dos artes constituye la piedra angular de


sus teorías artísticas y el punto de partida de su pintura.13

En 1916 conoce a Nina Adreevsky que le devolverá el optimismo y la


confianza en sí mismo y un año después se convertirá en su segunda y
definitiva esposa. En este período predominan los temas optimistas y llenos
de esperanza. Dominan los colores cálidos y vivos, así como un escenario
fantástico y semifigurativo, aunque en ellos se echa de menos la fuerza y
11
FAERNA J.M. y OTROS: KANDINSKY. Barcelona. Ed. Polígrafa. 2005. Pág. 14

12
BECKS-MALORNY U. Vasili Kandinsky 1866-1944. Köln. Taschen. 2007. Pág. 115.

13
DÜCHTING H. Wassily Kansdinsky. Una revolución pictórica. Köln. Taschen. 2007. Pág. 10.

15
decisión de los años de Munich. También adquiere experiencia en pedagogía
artística y, desde 1918 trabaja como profesor, llegando a concebir un plan
de estudios especial basado en el análisis de la forma y el color, lo que
significaba una continuación de sus teorías expuestas en Sobre lo espiritual
en el arte. El plan de enseñanza se basaba, parcialmente, en sus antiguas
ideas sobre la correlación entre música y pintura y el análisis de los colores
y las formas elementales.

En el gris 1919

Este cuadro presenta una estructura compacta de formas abstractas en


tonos azulados, marrones y grises, apagados y fríos. De esta pintura, uno de
los pocos grandes trabajos de esta época preparados minuciosamente dice
Kandinsky “En el gris es el punto final de mi período dramático.”

Trazo blanco 1920

15
VUELTA A ALEMANIA, LA BAUHAUS:
1922 - 1933

En 1922, decepcionado por el control que se


ejerce en Rusia sobre los artistas, regresa a
Alemania en donde el arquitecto Walter Gropius
le ofrece dirigir el taller de Pintura Decorativa y
el curso de iniciación desde 1922 a 1933 en la
escuela de la Bauhaus.14 Allí se reencuentra con
su amigo Klee y junto con él, Jawlensky y
Feininger formará los Cuatro Azules.

A partir de esta época su producción pictórica


responde a un planteamiento cada vez más
perfeccionista, que hace que sus obras pierdan
la viveza y espontaneidad anterior, pero
conserva sus cualidades líricas. Se despeja el
revuelto mundo de colores chillones y formas, aparece una composición fría,
de orientación racional, basada en el profundo análisis formal que había
ensayado en los talleres artísticos rusos.15

Kandinsky trabajó durante once años en la Bauhaus, primero en Weimar y


luego en Dessau y Berlín. Su experiencia docente le obligó a sistematizar y
dar cuerpo doctrinal a su lenguaje pictórico, cosa que hizo, sobre todo, en el
libro Punto y línea sobre el plano, publicado en 1926. La idea de las
equivalencias musicales y emocionales del color, enunciada de De lo
espiritual en el arte, sigue estando en la base de su pintura, pero ahora
combinada con la interacción de la forma. 16 Aparecen en sus pinturas
cuadrados, cuadriláteros, conos, círculos, formas ovales, dameros, etc.

14
BAUHAUS, etimológicamente significa, Casa de Construcción, fue fundada en 1919, en
Weimar por Walter Gropius, trasladada en 1925 a Dessau y disuelta en 1933 en Berlin. En el
Manifiesto de Fundación se explicitaron ideas que alentaban y pretendían el retorno a la
unidad perdida entre artesanía y arte, apuntando tanto a los aspectos más teóricos como a
las implicancias sociales de esta vinculación. El camino utópico a transitar era el de volver a
lograr la unidad de las bellas artes.Se veía como origen de muchos errores y desvíos la
separación entre Pintura, Escultura y Arquitectura, posterior al Renacimiento y que sin
embargo en la Edad Media formaban una unidad. Se convocaba a unir esfuerzos en busca de
la Construcción de la Obra de Arte Total. El espíritu y las enseñanzas de esta institución se
extendieron por todo el mundo.

15
DÜCHTING H. Wassily Kansdinsky. Una revolución pictórica. Köln. Taschen. 2007. Pág. 62.

16
FAERNA J.M. y OTROS: KANDINSKY. Barcelona. Ed. Polígrafa. 2005. Pág 60.

15
Sin título 1923

Amarillo-Rojo-Azul 1925

Este cuadro con su título programático es la obra principal de Kandinsky


durante la época de Weimar. La estructura compositiva básica está
determinada por los colores primarios.

15
Pequeño sueño en rojo 1925

Este cuadro de colores cálidos, con un efecto casi íntimo y una riqueza
formal caprichosa se aparta de sus austeras construcciones geométricas.

Tensión en rojo 1926

15
Lo característico de los
primeros cuadros de
Kandinsky en Dassau es
una creciente
geometrización y una
mayor amplitud de las
superficies. Aquí consigue
la tensión introduciendo
formas inusitadas que
llenan el cuadro.

Este Acento en rosa de


1926, extrae su tensión de las polaridades cromáticas (contraste blanco-
negro en el centro) y los contrastes complementarios (rombo amarillo frente
a las esquinas de un violeta azulado, círculos verdes con rojo o rosa). El
antagonismo entre las formas angulosas y las circulares, tan apreciadas por
Kandinsky, aporta al cuadro una energía adicional. Según el autor: “El
círculo es la síntesis de las mayores contradicciones. Combina lo
concéntrico con lo excéntrico en una figura en equilibrio”.

El círculo será otra de las fijaciones en el arte de Kandinsky.

Algunos círculos
1926

En 1930 escribe:

“Si, por ejemplo, en los últimos


años he empleado el círculo en
tantas ocasiones y tan
apasionadamente, la razón (o la
causa) no es la forma
geométrica del círculo o sus
características geométricas, sino
mi fuerte sentimiento ante la
fuerza interna que posee el
círculo en sus innumerables
variaciones. Hoy amo al círculo
como en el pasado amé, por
ejemplo, al caballo; quizá más,

15
porque en el círculo encuentro más posibilidades internas, de ahí que haya
ocupado el lugar del caballo.”

En 1928 realiza dieciséis dibujos, algunos de ellos acuarelas, para los


decorados de la obra de Mussorgsky: Cuadros de una exposición, producción
que responde a su deseo de colaborar en una obra total. Nuevamente
aparece aquí el sentimiento musical que inspira su pintura.

La obra artística de Kandinsky durante los últimos años en la Bauhaus de


Dessau muestra rasgos que anuncian ya los elementos de sus posteriores
cuadros parisinos: su repertorio formal consta de piezas más pequeñas y
multifacéticas.17 Es el caso de Rosa decisivo (1932) en la que predomina la
distribución regular y una rigurosa ordenación vertical y horizontal de las
formas geométricas.

En septiembre de 1932 se cierra la Bauhaus en Dessau por la presión que


ejercen los nazis a raíz de los resultados de las elecciones de 1930: “Hay
que despedir de inmediato a los profesores extranjeros, ya que es
incompatible con la responsabilidad que una buena alcaldía debe tener ante
sus ciudadanos; nuestros compatriotas pasan hambre, mientras hay
extranjeros que reciben un sueldo sustancioso de los impuestos del pueblo
que vive en la miseria”.18 Se establece en Berlín donde solamente resiste un
año a la presión de la Gestapo y a finales de julio de 1933, el claustro de
profesores decide por unanimidad la disolución de la Bauhaus en Berlín.

17
BECKS-MALORNY U. Vasili Kandinsky 1866-1944. Köln. Taschen. 2007. Pág. 163.

18
BECKS-MALORNY U. Vasili Kandinsky 1866-1944. Köln. Taschen. 2007. Pág. 168.

15
Situación sombría 1933

La situación de Kandinsky tras la toma del poder de Hitler en 1933 será


cada vez más precaria. El encarna todo aquello que convierte a una persona
en indeseable en la Alemania Hitleriana: ruso, pintor abstracto y maestro de
la Bauhaus. Aunque él y su esposa cuentan desde 1928 con la nacionalidad
alemana, muy pronto se darán cuenta de que no pueden quedarse en
Alemania. Después de 12 años vuelven a exiliarse trasladándose a Francia,
instalándose en Neuilly, cerca de París.

PARIS. UNA ABSTRACCION LIBERADA: 1933 - 1944

Las relaciones de Kandinsky con la incipiente pintura abstracta europea


después de instalarse en París no son fáciles. Aunque es un artista ya
consagrado, en la capital francesa su círculo de amistades no será muy
amplio: “En París no me conoce nadie”, se queja a un antiguo alumno de la
Bauhaus. A pesar de ello, su pintura de los últimos años se caracteriza por
esa libertad desprejuiciada y serena característica de la vejez de tantos
grandes artistas. Kandinsky abandona las composiciones geométricas de los
años de la Bauhaus para practicar lo que algunos críticos han llamado
“abstracción biomorfa” por la frecuencia en que aparecen formas
suavemente curvas y orgánicas.19

19
FAERNA J.M. y OTROS: KANDINSKY. Barcelona. Ed. Polígrafa. 2005. Pág. 66

15
Stencil 1935

Treinta
1937

Treinta casillas rectangulares irregulares que llevan treinta dibujos


diferentes. La rigurosa distribución en blanco y negro no sólo es una
estructura de apoyo, sino que sirve también para analizar el efecto visual de
las formas negras sobre el fondo blanco y de las formas blancas sobre el
fondo negro.

A pesar de su actitud ajena


al mundo que lo rodeaba,
pronto se vio envuelto en
el torbellino de
acontecimientos políticos.
Sus cuadros fueron
retirados de los museos
alemanes y, a partir de
1937, fue considerado en
Alemania como un “artista
degenerado”, igual que
otros muchos de sus
compañeros. Si bien
algunos amigos de confianza se ofrecieron para ayudarle a abandonar el
país o por lo menos París, Kandinsky permaneció en Neuilly. Pese a las
numerosas dificultades, su deseo de trabajar es inquebrantable y vuelve a
dedicarse íntegramente a su pintura, al tiempo que defiende el arte
abstracto en más de una docena de artículos que se publican en revistas de
arte.

Sus últimos cuadros no parecen más maduros que sus primeras obras.

15
En torno al círculo 1940

En este cuadro resaltan las formas sobre el fondo negro, igual que las
cúpulas de Moscú envueltas por la luz crepuscular. La composición alrededor
del círculo rojo central resulta fascinante, casi musical, como si quisiera
traducir con tonos cromáticos la música de su compatriota Stravinsky.20 “El
rojo cálido y claro (rojo saturno) tiene un cierto parecido con el amarillo
medio (en efecto, contiene un pigmento
amarillento) y da sensación de fuerza,
energía, impulso, decisión, alegría, triunfo,
etc. Musicalmente recuerda un sonar de
trompetas acompañadas de tubas; es un
sonido insistente, irritante y fuerte.”21

Azul cielo 1940

Sobre un fondo azul lechoso y atmosférico


flotan estas alegres formaciones
características de las creaciones formales de
Kandinsky en su época parisina. La similitud
con las formas de culturas primitivas es
asombrosa. Kandinsky se refiere en De lo
espiritual en el arte a semejantes formas
artísticas del pasado con las que existen
puntos de contacto internos: “… la
semejanza del sentir íntimo de todo un
período puede conducir lógicamente a la utilización de formas que, en un

20
DÜCHTING H. Wassily Kansdinsky. Una revolución pictórica. Köln. Taschen. 2007. Pág. 86.

21
KANDINSKY W. De lo espiritual en el arte. México. 1989. Edición digital. Pág. 46

15
período pasado, sirvieron eficazmente a las mismas tendencias. Así surgió
en parte nuestra simpatía, nuestra comprensión, nuestro parentesco
espiritual con los primitivos. Al igual que nosotros, estos artistas puros
intentaron reflejar en sus obras solamente lo esencial; la renuncia a la
contingencia externa surgió por sí misma.22

A pesar de la arterioesclerosis, que le llevaría a la muerte el 13 de diciembre


de 1944, Kandinsky continuó pintando en cartones pequeños hasta julio de
ese año.

Impetu moderado 1944

En marzo concluye su último cuadro: Impetu moderado en el que tampoco


aparecen indicios de las amenazas internas y externas de aquellos años.

KANDINSKY, EL HOMBRE
Hasta aquí hemos visto un breve repaso a la biografía y evolución de la obra
de Kandinsky, pero no podemos dejar de lado al hombre,
a su calidad humana.
Una alumna de Kandinsky en la Bauhaus cuenta que la
relación con sus alumnos era muy respetuosa:
Admirábamos su claridad y su lógica. Era muy concreto.
Todo aquello que decía era evidente e imposible de
rebatir. Otro alumno recuerda cómo eran las clases:
Kandinsky sabía mucho. Sabía tanto como un sabio
oriental. Su saber universal en historia del arte,
psicología, historia de la cultura, antropología, etcétera,
nos impresionaba. Estábamos fascinados de que
estuviera tan convencido de sus teorías. Amábamos,
adorábamos y tomábamos ejemplo de su pintura, ya que
estábamos seguros de que su trabajo nacía de un convencimiento sincero.
22
Citado en: BECKS-MALORNY U. Vasili Kandinsky 1866-1944. Köln. Taschen. 2007. Pág. 171.

15
Este mismo alumno dice también de él: Me enseñó a hablar en el lenguaje
de la pintura y de la vista, de él aprendí las palabras para escribir frases.
Para mí Kandinsky era el profesor que me indicaba que todas las formas en
la pintura tienen su significado, y no he aprendido a entenderlo por
Kandinsky, sino que lo he comprobado por mí mismo guiado por él.
Podríamos definir a Kandinsky como una persona afable, humilde, abierta,
muy activo, meticuloso y tremendamente honrado en su trabajo.

KANDINSKY, EL ARTISTA

“La obra de arte consta de dos elementos: el interno y el externo. El


elemento interno, tomado individualmente, es la emoción que siente el
alma del artista. Esa emoción tiene la capacidad de provocar una emoción
paralela en el alma del espectador. Generalmente, mientras que el alma
permanezca unida al cuerpo, solo se podrán captar las vibraciones por
intermedio de la sensación. Por tanto, la sensación es un puente de lo
inmaterial a lo material (artista), y de lo material a lo inmaterial
(espectador).

Emoción – Sensación – Obra – Sensación – Emoción.

Esta es la definición que hace Kandinsky del arte, no solo de la pintura sino
de toda obra de arte. Esta debe producir una comunión entre el creador y el
espectador a través de un sentimiento espiritual y, la obra en sí misma, no
es más que el mecanismo de transmisión de esa comunicación. El arte, para
serlo, tiene que transmitir algo, provocar sentimientos en quien lo
contempla.

Ya hemos hablado de la importancia de la música en su obra; a este


respecto, y tras escuchar Lohengrin, comenta: “Tuve que reconocer que el
arte en general era mucho más poderoso de lo que me parecía, que por
otra parte, poseía y podía desarrollar las mismas fuerzas que la música”.
Este pensamiento nunca le abandonó y le llevó, tras diez años de
anotaciones, a escribir Sobre lo espiritual en el arte, que contiene todas sus
ideas sobre la abstracción. Si la música no utiliza sonidos reales de la
naturaleza como el viento en las hojas, el murmullo de los ríos o el canto de
los pájaros, ¿por qué no habría de hacer él lo mismo con la pintura? Música
en los lienzos, vida interior expresada en colores y formas.
En 1916 escribía a la que sería su segunda esposa: “Ya sabes que mi sueño
era pintar un gran cuadro cuyo sentido fuera la alegría, la felicidad de la
vida o del universo. De pronto siento que la armonía de los colores y las
formas son la alegría de este mundo.”
No hay fraude en la obra de Kandinsky (no se puede decir lo mismo de todo
el arte abstracto). El sentía los colores, disfrutaba de los cuadros. El
siguiente comentario surge de lo más profundo de su alma: “En general el
color es un medio para sensibilizar directamente al espíritu. El color es la
tecla. El ojo es el martillo. El alma es el piano. El artista es la mano que, con
una u otra tecla hace vibrar el espíritu del ser humano”. Esta "necesidad
interior" es la clave de la obra de Kandinsky, y el artista que emprende una
obra sin esta "necesidad interior" sólo obtendrá pobres resultados. Aquello

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que nace de una necesidad interior y espiritual, es bonito. Es bello, si es
hermoso interiormente.23

Kandinsky mostró siempre una personalidad absolutamente vanguardista y


provocadora de acaloradas polémicas. Fue un artista apasionado y siempre
deseoso de explicar y explicarse las razones primeras y más profundas de
esa extraña y singular aventura que es la creación artística. Kandinsky no
tenía una idea segura de su proceso pictórico, porque era un salto en el
vacío. En los cuadros y libros aparecen estas dudas e incertidumbres, llega a
la abstracción pura y da marcha atrás. El pintor era sensible a las críticas
feroces que recibía, tanto en Rusia, considerado conservador para los
artistas de la vanguardia, como en Múnich, donde era demasiado avanzado.

OPINION PERSONAL

Kandinsky buscó la relación entre la pintura y la música, es algo intrínseco


en su obra: la concepción del arte como un todo, como algo capaz de
transmitir sensaciones. El título de muchas de sus pinturas deriva de la
terminología musical, pues Kandinsky, al igual que los simbolistas, estaba
interesado en la analogía entre los colores y los sonidos (era un gran
amante de la música, tocaba el cello y el piano y era amigo del músico
Arnold Schoenberg, cuyas revolucionarias composiciones atonales
Kandinsky equiparó con sus propios experimentos pictóricos).
Evidentemente, cuando aparece una nueva corriente artística va a afectar a
todas las expresiones del arte. Siempre ha ocurrido así a lo largo de la
Historia y de ellos tenemos abundantes ejemplos: Románico, gótico,
renacimiento, barroco, han sido movimientos que han influido en la música,
la pintura, la escultura, la arquitectura, etc.

El objetivo de Kandinsky era el crear una “pintura pura”, que emocionara


tanto como una composición musical, para Kandinsky, la obra de arte,
compuesta de colores y formas, sería un producto mental, una vez
abandonada ya su relación con la formas reales.

Estoy totalmente de acuerdo con la opinión de Blas Cubells 24: “Por más que
no nos guste el arte abstracto, creo que la obra de un personaje como
Wasily Kandinsky se merece, como poco, un esfuerzo de comprensión por
nuestra parte, antes de condenar su pintura. Algo ve él en el juego de
colores y formas que se nos escapa, quizás no lo entendamos porque nos
falta desarrollar más la sensibilidad para la pintura. No todo el mundo se
emociona o se arroba con el adagio de Albinoni, hace falta gusto y
sensibilidad para la música. ¿No estará sucediendo esto mismo con la obra
de Kandinsky? Su pintura entraña dificultades para ser entendida, para
poder sentirla y emocionarnos, pero quizás el esfuerzo merezca la pena. Si
no conseguimos ese mirar con "ojos libres", tal vez nos estemos perdiendo
algo bello, algo internamente hermoso.”

23
http://www.monografias.com/trabajos901/kandinski-creador-arte-abstracto/kandinski-
creador-arte-abstracto.shtml

24
http://www.monografias.com/trabajos901/kandinski-creador-arte-abstracto/kandinski-
creador-arte-abstracto.shtml

15
Por mi parte sigo prefiriendo a Goya y a Sorolla, será porque no consigo
encontrar mis “ojos libres”.

Madrid, abril de 2008

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BIBLIOGRAFIA

BECKS-MALORNY U. Vasili Kandinsky 1866-1944. Köln. Taschen. 2007.

DÜCHTING H. Wassily Kansdinsky. Una revolución pictórica. Köln. Taschen.


2007.

FAERNA J.M. y OTROS: KANDINSKY. Barcelona. Ed. Polígrafa. 2005.

KANDINSKY W. De lo espiritual en el arte. Edición digital. México. 1989.

KOJÉVE, A.: Kandinsky. Madrid. Abada ed. 2007.

http://www.xtec.es/~jarrimad/contemp/kandinsky.html

http://www.monografias.com/trabajos901/kandinski-creador-arte-
abstracto/kandinski-creador-arte-abstracto.shtml

http://www.artelista.com/arte-abstracto.html

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