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Kandinsky

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Universidad de Historia del Arte

mayores

Carlos

III

wAsSILy KANDINSKY
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EL CAMINO HACIA LA ABSTRACCION

Vicente Hernández Hernández Curso 2007-08 INDICE

Introducción El arte abstracto 3 Wassily Kandinsky Comienzos: 1866 - 1896 4 Etapa de Munich: 1896 - 1911 5 La disolución de lo figurativo 6 De lo espiritual en el arte 8 El jinete azul: 1911 - 1914 8 El regreso a Moscú: 1914 - 1921 10

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Vuelta a Alemania, la Bauhaus: 1922 - 1933 12 Paris. Una abstracción liberada: 1933 - 1944 16 Kandinsky, el hombre 19 Kandinsky, el artista 20 Opinión personal 21 Bibliografía 22

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INTRODUCCION Nunca he sido capaz de entender el arte abstracto. Esos colores vivos y esas formas geométricas jamás me han inspirado nada, me han dejado absolutamente indiferente y pensando dónde estaba el arte que ha llevado a la fama a los que pintaban esos cuadros tan raros. Mi sensibilidad hacia la pintura no había pasado del arte figurativo y, como mucho, me han gustado los impresionistas: admiro a Goya y sobre todo a Sorolla, pero creo que lo que me impactaba de ellos ha sido su habilidad para crear arte con simples manchas de color. Cuando comencé este curso en la Carlos III estuve considerando cuál podría ser mi trabajo para esta materia de Historia del Arte. Después de desechar varias opciones pensé que, probablemente, si no era capaz de entender el arte abstracto era porque nunca me había esforzado por conocer más sobre el mismo, así que decidí que mi trabajo iba a tratar sobre este tema. Siempre he creído que detrás de cada movimiento artístico existe una filosofía, unas circunstancias que hacen que esa escuela o tendencia aparezca justo en ese momento y no en otro. Aparece además como un movimiento generalizado que no responde a un solo artista ni a un solo país. Así que decidí aprovechar la oportunidad y empecé a documentarme con el fin, no solo de hacer el trabajo, sino también para intentar entender lo que llevó a la aparición de esa abstracción en la pintura que marcó los comienzos del siglo XX. A base de leer sobre el tema conocí que el verdadero iniciador de la pintura abstracta era un pintor ruso: Wassily Kandinsky, de modo que este trabajo está dedicado a su obra ya que, en ella, se puede apreciar muy claramente la evolución de la pintura hacia la pérdida de la figura y el objeto y la aparición del color y la forma como elementos protagonistas en sí mismos.

EL ARTE ABSTRACTO El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual. En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.1 Durante siglos, la humanidad no supo producir sino cuadros “representativos”, es decir, objetivos y concretos. Y hubo que aguardar al siglo XX en Europa para que se pintase el primer cuadro subjetivo y abstracto, es decir, el primer cuadro “no representativo”. El arte de la pintura no representativa es el arte de encarnar, en y por medio de un dibujo coloreado, una pintura dibujada o una pintura propiamente dicha, un
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http://www.artelista.com/arte-abstracto.html

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bello pictórico que no ha sido encarnado, que no está encarnado y que no será encarnado en parte alguna en ningún objeto real al margen del cuadro mismo, es decir, en ningún objeto real no artístico.2 El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas3 y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista4, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

WASSILY KANDINSKY COMIENZOS: 1866 - 1896 Wassily Kandinsky pasa por ser el fundador de la pintura abstracta. Fue, en efecto, el primer pintor que prescindió de la representación de objetos y temas de la naturaleza de forma programática, el primero que entendió la renuncia a la figuración como medio necesario para llegar a una pintura pura. Aunque no toda la abstracción provenga de él, sin su precedente hubiera sido imposible. Su aportación mayor en este sentido es la de haber legitimado la renuncia al motivo y, con ella, la definitiva autonomía del cuadro respecto al orden de la naturaleza5 Kandinsky nació en Moscú el 4 de diciembre de 1866, en el seno de una familia acomodada, y aunque pasó la mitad de su vida en Alemania y Francia, conservó un fuerte vínculo emocional con su ciudad. Durante sus primeros treinta años, la pintura sólo fue la afición apasionada de un joven soñador y romántico, pero convencional. Estudió Derecho y Economía, y su brillante carrera académica le deparó una cátedra en Estonia, a la que renunció para trasladarse en 1896 a Munich y dedicarse a la pintura. Dos acontecimientos determinaron la vocación artística de Kandinsky en 1895: una representación de Lohengrin de Wagner, y el impacto que le produjo el cuadro Montón de heno de Claude Monet, en una exposición impresionista en Moscú. Si el primero apunta la temprana vinculación de la
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KOJÉVE, A.: Kandinsky. Madrid. Abada ed. 2007. Contraportada.

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El Fauvismo es el estilo pictórico de características expresionistas tales como el uso de colores intensos, principalmente el verde. Destaca sobre todo por ese cromatismo antinatural. Busca la fuerza expresiva del color aplicando colores distintos a los que pueden verse en la realidad, por ejemplo, árboles amarillo limón o rostros de color verde esmeralda. El padre del Fauvismo fue Henri Matisse.
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El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Guillaume Apollinaire, pero también teniendo como principales fundadores a Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano.
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FAERNA J.M. y OTROS: KANDINSKY. Barcelona. Ed. Polígrafa. 2005. Pág. 7-8

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pintura a la música, el segundo prefigura el futuro de una pintura no figurativa. Lo que impresionó a Kandinsky fue, precisamente, que no pudo reconocer el tema del cuadro, a pesar de lo cual le cautivó. “Inconscientemente -escribió más tardese desacreditaba al objeto como elemento pictórico inevitable”. No es de extrañar que sus primeros pasos en la pintura acusen la influencia del color, impresionista primero y fauve después.

ETAPA DE MUNICH: 1896 - 1911 Cascada 1900 La capital bávara era uno de los centros culturales de Europa, donde se gestaba el Jugendstil, versión alemana del modernismo. Allí Kandinsky se transforma en animador de pequeñas asociaciones de artistas modernos que promueven exposiciones. Phalanx (Falange), fundado en 1901, es el primero de esos grupos, que expone obras impresionistas, simbolistas y modernistas, las tres influencias más visibles en los primeros cuadros de Kandinsky. Por estos mismos años hace sus primeros grabados en madera -Xilografías- una técnica de gran tradición en Alemania desde la Edad Media, y conoce a Alexei Jawlensky y Paul Klee, dos de los artistas con los que encontrará mayores afinidades en distintas etapas de su vida. También conoce a Gabriele Münter, una pintora con la que mantendrá una intensa relación intelectual y amorosa hasta 1914 que le llevará a separarse de su primera mujer.6 Sus pinturas de los primeros años del siglo son paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi fauve; también pinta temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana; este periodo está marcado por la experimentación técnica, en particular, en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el

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FAERNA J.M. y OTROS: KANDINSKY. Barcelona. Ed. Polígrafa. 2005. Pág. 11-12

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esquema borrando la distinción entre las figuras y en fondo, resultando una composición casi abstracta.

A la derecha se puede ver Pareja a caballo 1906-1907 en la que el pintor explora la posibilidad de una pintura modernista y donde se aprecian todavía muy claramente las figuras de la pareja a caballo con un fondo plagado de cúpulas doradas y bulbosas de un imaginario Moscú al otro lado del rio.

El retrato de Gabriele Münter de 1905 nos muestra a un Kandinsky en la primera etapa en la que la figura sigue teniendo un papel preponderante.

LA DISOLUCION DE LO FIGURATIVO Entre 1908 y 1910 Kandinsky vive una etapa de serenidad en lo personal que se traduce en un notable avance artístico. Pasa largas temporadas pintando en Murnau, donde compra una casa, con Gabriele Münter.

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De esta época (1908) data su Munich-Schwabing con la iglesia de Santa Ursula

Interior. Mi comedor 1909 El significado de los cuadros de esta etapa lo aclara el mismo Kandinsky en 1912 cuando escribe: “El objeto todavía no quería ni debía desaparecer de mis cuadros,…. (dado que) en el fondo, crea un determinado sonido espiritual que puede servir y sirve como material en el arte de todos los campos…Dicho con otras palabras: yo mismo todavía no estaba maduro

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para experimentar la forma puramente abstracta sin un intermedio figurativo.”7

Sin embargo ya, en 1910 comienza a difuminar lo figurativo y a mostrar en sus obras su tendencia hacia la preponderancia del color, como se puede apreciar en esta Improvisación 7.

Hasta al menos 1912 no dejan de aparecer objetos reconocibles en sus cuadros, pero las bases de la abstracción están sólidamente asentadas. El tema se disuelve cada vez más en las masas de color. “La belleza del color y la forma -afirma convencido- no es meta suficiente para el arte”. Es ahora cuando empieza a llamar a sus cuadros, dependiendo del grado de elaboración, impresiones, improvisaciones y composiciones, como si de pequeñas piezas sinfónicas se tratara.

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BECKS-MALORNY U. Vasili Kandinsky 1866-1944. Köln. Taschen. 2007. Pág. 37-38.

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Composición IV 1911

DE LO ESPIRITUAL EN EL ARTE Esta obra, la más famosa del Kandinsky, apareció en 1912. Tiene 44 años y ha tardado 10 en escribirla. De lo espiritual en el arte es una guía para comprender, interpretar y sentir, la evolución del arte de esta época y, sobre todo, la catarsis que se produce en el espíritu del pintor hasta llegar a prescindir del objeto y llegar a la pureza del arte. Son significativas algunas afirmaciones que cito a continuación:8 “Toda obra de arte es hija de su tiempo, muchas veces es madre de nuestros sentimientos “. Con esta sentencia Wassily Kandinsky inicia su ensayo. Con esta posición Kandinsky rechaza los esfuerzos del artista por imitar: de la imitación resulta un arte muerto al nacer, sin potencia de futuro. “El arte no es más que una forma de expresión diferente de las fuerzas psíquicas, que ancladas en el mismo proceso condicionan el fenómeno de la religión y de las ideologías cambiantes.” Kandinsky intenta definir el arte pictórico como una faceta más de todo el arte, que nace de la necesidad interior del artista como respuesta a un sentimiento espiritual, ajeno a la realidad exterior y que intenta representar su estado anímico del momento de la creación. El objetivo ha de ser lo esencial, es decir, la renuncia y el alejamiento de la contingencia externa. Este alejamiento de lo material abre el paso a lo espiritual, un nuevo camino, a la fuerza doloroso por iniciático, incierto por desconocido. “Cuando el hombre aparta la mirada de lo exterior, lo único que le queda es sí mismo. Iniciamos de esa manera el camino hacia la abstracción, hacia “una vibración” sin objeto, o el objeto como lejano referente”.

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KANDINSKY W. De lo espiritual en el arte. México. 1989. Varias pág.

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En esto coincide con otros pintores de su época: Matissse y Picasso, que partieron de la figura humana pero, el primero, dando primacía al color y el último a la forma, destruyeron el objeto material para crear una nueva realidad. Kandinsky no olvida el aspecto físico de la pintura, el color y la forma. Ambos despiertan un sonido interior, sea por asociación o por desarrollo de la sensibilidad. La armonía de estos elementos debe buscar el contacto adecuado con el alma, lo que Kandinsky llama el principio de necesidad interior. EL JINETE AZUL: 1911 - 1914 En 1912, junto con Münter y Jawlensky funda el grupo “Der Blaue Reiter” (El Jinete azul) el último y más famoso grupo muniqués.9 En sí mismo constituye un programa: es símbolo de la lucha del espíritu contra el materialismo y de la victoria de la vanguardia sobre la tradición.10 Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.

Improvisación 19

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Para Kandinsky el azul es el típico color celestial que alude a esferas espirituales y transcendentes. El jinete, que siempre reaparece en su obra, encarna la idea del que busca y del luchador.
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BECKS-MALORNY U. Vasili Kandinsky 1866-1944. Köln. Taschen. 2007. Pág. 84.

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Composición V

Impresión nº 5

EL REGRESO A MOSCU: 1914 - 1921 El estallido de la I Guerra Mundial sorprende a Kandinsky en Murnau y su pasaporte ruso lo califica como enemigo de Alemania. Se traslada a Suiza junto con Gabriele Münter y, tres meses después abandona este país y continúa viaje a Rusia. Gabriele retorna a Munich terminando aquí la relación entre ambos. Su primer año de estancia en Moscú lo pasa en una profunda depresión, hasta el punto que en 1915 no pinta ni un solo cuadro.

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La revolución de 1917 le lleva a ocupar importantes cargos en la administración artística y cultural del nuevo Estado Soviético. Su labor en distintos organismos se traduce en la creación de museos por toda Rusia, así como en programas de enseñanza artística.11

De esta época es el Oleo Moscu I. ”…me gustaría pintar un gran paisaje de Moscú -tomar elementos de todos lados y combinarlos en un cuadro- Partes débiles y fuertes, mezclar todo, del mismo modo que el mundo se compone de diversos elementos mezclados. Tiene que ser como una orquesta”12 Nuevamente aparece la referencia a la música. La relación, no solo hipotética sino real entre colores y sonidos, entre música y pintura, le cautivaron de tal manera que esa

correspondencia secreta entre las dos artes constituye la piedra angular de sus teorías artísticas y el punto de partida de su pintura.13 En 1916 conoce a Nina Adreevsky que le devolverá el optimismo y la confianza en sí mismo y un año después se convertirá en su segunda y definitiva esposa. En este período predominan los temas optimistas y llenos de esperanza. Dominan los colores cálidos y vivos, así como un escenario fantástico y semifigurativo, aunque en ellos se echa de menos la fuerza y
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FAERNA J.M. y OTROS: KANDINSKY. Barcelona. Ed. Polígrafa. 2005. Pág. 14 BECKS-MALORNY U. Vasili Kandinsky 1866-1944. Köln. Taschen. 2007. Pág. 115. DÜCHTING H. Wassily Kansdinsky. Una revolución pictórica. Köln. Taschen. 2007. Pág. 10.

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decisión de los años de Munich. También adquiere experiencia en pedagogía artística y, desde 1918 trabaja como profesor, llegando a concebir un plan de estudios especial basado en el análisis de la forma y el color, lo que significaba una continuación de sus teorías expuestas en Sobre lo espiritual en el arte. El plan de enseñanza se basaba, parcialmente, en sus antiguas ideas sobre la correlación entre música y pintura y el análisis de los colores y las formas elementales.

En el gris 1919 Este cuadro presenta una estructura compacta de formas abstractas en tonos azulados, marrones y grises, apagados y fríos. De esta pintura, uno de los pocos grandes trabajos de esta época preparados minuciosamente dice Kandinsky “En el gris es el punto final de mi período dramático.”

Trazo blanco 1920

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VUELTA A ALEMANIA, LA BAUHAUS: 1922 - 1933 En 1922, decepcionado por el control que se ejerce en Rusia sobre los artistas, regresa a Alemania en donde el arquitecto Walter Gropius le ofrece dirigir el taller de Pintura Decorativa y el curso de iniciación desde 1922 a 1933 en la escuela de la Bauhaus.14 Allí se reencuentra con su amigo Klee y junto con él, Jawlensky y Feininger formará los Cuatro Azules. A partir de esta época su producción pictórica responde a un planteamiento cada vez más perfeccionista, que hace que sus obras pierdan la viveza y espontaneidad anterior, pero conserva sus cualidades líricas. Se despeja el revuelto mundo de colores chillones y formas, aparece una composición fría, de orientación racional, basada en el profundo análisis formal que había ensayado en los talleres artísticos rusos.15 Kandinsky trabajó durante once años en la Bauhaus, primero en Weimar y luego en Dessau y Berlín. Su experiencia docente le obligó a sistematizar y dar cuerpo doctrinal a su lenguaje pictórico, cosa que hizo, sobre todo, en el libro Punto y línea sobre el plano, publicado en 1926. La idea de las equivalencias musicales y emocionales del color, enunciada de De lo espiritual en el arte, sigue estando en la base de su pintura, pero ahora combinada con la interacción de la forma. 16 Aparecen en sus pinturas cuadrados, cuadriláteros, conos, círculos, formas ovales, dameros, etc.

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BAUHAUS, etimológicamente significa, Casa de Construcción, fue fundada en 1919, en Weimar por Walter Gropius, trasladada en 1925 a Dessau y disuelta en 1933 en Berlin. En el Manifiesto de Fundación se explicitaron ideas que alentaban y pretendían el retorno a la unidad perdida entre artesanía y arte, apuntando tanto a los aspectos más teóricos como a las implicancias sociales de esta vinculación. El camino utópico a transitar era el de volver a lograr la unidad de las bellas artes.Se veía como origen de muchos errores y desvíos la separación entre Pintura, Escultura y Arquitectura, posterior al Renacimiento y que sin embargo en la Edad Media formaban una unidad. Se convocaba a unir esfuerzos en busca de la Construcción de la Obra de Arte Total. El espíritu y las enseñanzas de esta institución se extendieron por todo el mundo.
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DÜCHTING H. Wassily Kansdinsky. Una revolución pictórica. Köln. Taschen. 2007. Pág. 62. FAERNA J.M. y OTROS: KANDINSKY. Barcelona. Ed. Polígrafa. 2005. Pág 60.

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Sin título 1923

Amarillo-Rojo-Azul 1925 Este cuadro con su título programático es la obra principal de Kandinsky durante la época de Weimar. La estructura compositiva básica está determinada por los colores primarios.

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Pequeño sueño en rojo 1925 Este cuadro de colores cálidos, con un efecto casi íntimo y una riqueza formal caprichosa se aparta de sus austeras construcciones geométricas.

Tensión en rojo 1926

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Lo característico de los primeros cuadros de Kandinsky en Dassau es una creciente geometrización y una mayor amplitud de las superficies. Aquí consigue la tensión introduciendo formas inusitadas que llenan el cuadro.

Este Acento en rosa de 1926, extrae su tensión de las polaridades cromáticas (contraste blanconegro en el centro) y los contrastes complementarios (rombo amarillo frente a las esquinas de un violeta azulado, círculos verdes con rojo o rosa). El antagonismo entre las formas angulosas y las circulares, tan apreciadas por Kandinsky, aporta al cuadro una energía adicional. Según el autor: “El círculo es la síntesis de las mayores contradicciones. Combina lo concéntrico con lo excéntrico en una figura en equilibrio”. El círculo será otra de las fijaciones en el arte de Kandinsky.

Algunos círculos 1926

En 1930 escribe: “Si, por ejemplo, en los últimos años he empleado el círculo en tantas ocasiones y tan apasionadamente, la razón (o la causa) no es la forma geométrica del círculo o sus características geométricas, sino mi fuerte sentimiento ante la fuerza interna que posee el círculo en sus innumerables variaciones. Hoy amo al círculo como en el pasado amé, por ejemplo, al caballo; quizá más,

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porque en el círculo encuentro más posibilidades internas, de ahí que haya ocupado el lugar del caballo.” En 1928 realiza dieciséis dibujos, algunos de ellos acuarelas, para los decorados de la obra de Mussorgsky: Cuadros de una exposición, producción que responde a su deseo de colaborar en una obra total. Nuevamente aparece aquí el sentimiento musical que inspira su pintura. La obra artística de Kandinsky durante los últimos años en la Bauhaus de Dessau muestra rasgos que anuncian ya los elementos de sus posteriores cuadros parisinos: su repertorio formal consta de piezas más pequeñas y multifacéticas.17 Es el caso de Rosa decisivo (1932) en la que predomina la distribución regular y una rigurosa ordenación vertical y horizontal de las formas geométricas.

En septiembre de 1932 se cierra la Bauhaus en Dessau por la presión que ejercen los nazis a raíz de los resultados de las elecciones de 1930: “Hay que despedir de inmediato a los profesores extranjeros, ya que es incompatible con la responsabilidad que una buena alcaldía debe tener ante sus ciudadanos; nuestros compatriotas pasan hambre, mientras hay extranjeros que reciben un sueldo sustancioso de los impuestos del pueblo que vive en la miseria”.18 Se establece en Berlín donde solamente resiste un año a la presión de la Gestapo y a finales de julio de 1933, el claustro de profesores decide por unanimidad la disolución de la Bauhaus en Berlín.

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BECKS-MALORNY U. Vasili Kandinsky 1866-1944. Köln. Taschen. 2007. Pág. 163.

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BECKS-MALORNY U. Vasili Kandinsky 1866-1944. Köln. Taschen. 2007. Pág. 168.

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Situación sombría 1933 La situación de Kandinsky tras la toma del poder de Hitler en 1933 será cada vez más precaria. El encarna todo aquello que convierte a una persona en indeseable en la Alemania Hitleriana: ruso, pintor abstracto y maestro de la Bauhaus. Aunque él y su esposa cuentan desde 1928 con la nacionalidad alemana, muy pronto se darán cuenta de que no pueden quedarse en Alemania. Después de 12 años vuelven a exiliarse trasladándose a Francia, instalándose en Neuilly, cerca de París.

PARIS. UNA ABSTRACCION LIBERADA: 1933 - 1944 Las relaciones de Kandinsky con la incipiente pintura abstracta europea después de instalarse en París no son fáciles. Aunque es un artista ya consagrado, en la capital francesa su círculo de amistades no será muy amplio: “En París no me conoce nadie”, se queja a un antiguo alumno de la Bauhaus. A pesar de ello, su pintura de los últimos años se caracteriza por esa libertad desprejuiciada y serena característica de la vejez de tantos grandes artistas. Kandinsky abandona las composiciones geométricas de los años de la Bauhaus para practicar lo que algunos críticos han llamado “abstracción biomorfa” por la frecuencia en que aparecen formas suavemente curvas y orgánicas.19

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FAERNA J.M. y OTROS: KANDINSKY. Barcelona. Ed. Polígrafa. 2005. Pág. 66

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Stencil 1935

Treinta 1937

Treinta casillas rectangulares irregulares que llevan treinta dibujos diferentes. La rigurosa distribución en blanco y negro no sólo es una estructura de apoyo, sino que sirve también para analizar el efecto visual de las formas negras sobre el fondo blanco y de las formas blancas sobre el fondo negro. A pesar de su actitud ajena al mundo que lo rodeaba, pronto se vio envuelto en el torbellino de acontecimientos políticos. Sus cuadros fueron retirados de los museos alemanes y, a partir de 1937, fue considerado en Alemania como un “artista degenerado”, igual que otros muchos de sus compañeros. Si bien algunos amigos de confianza se ofrecieron para ayudarle a abandonar el país o por lo menos París, Kandinsky permaneció en Neuilly. Pese a las numerosas dificultades, su deseo de trabajar es inquebrantable y vuelve a dedicarse íntegramente a su pintura, al tiempo que defiende el arte abstracto en más de una docena de artículos que se publican en revistas de arte. Sus últimos cuadros no parecen más maduros que sus primeras obras.

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En torno al círculo 1940 En este cuadro resaltan las formas sobre el fondo negro, igual que las cúpulas de Moscú envueltas por la luz crepuscular. La composición alrededor del círculo rojo central resulta fascinante, casi musical, como si quisiera traducir con tonos cromáticos la música de su compatriota Stravinsky.20 “El rojo cálido y claro (rojo saturno) tiene un cierto parecido con el amarillo medio (en efecto, contiene un pigmento amarillento) y da sensación de fuerza, energía, impulso, decisión, alegría, triunfo, etc. Musicalmente recuerda un sonar de trompetas acompañadas de tubas; es un sonido insistente, irritante y fuerte.”21 Azul cielo 1940 Sobre un fondo azul lechoso y atmosférico flotan estas alegres formaciones características de las creaciones formales de Kandinsky en su época parisina. La similitud con las formas de culturas primitivas es asombrosa. Kandinsky se refiere en De lo espiritual en el arte a semejantes formas artísticas del pasado con las que existen puntos de contacto internos: “… la semejanza del sentir íntimo de todo un período puede conducir lógicamente a la utilización de formas que, en un
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DÜCHTING H. Wassily Kansdinsky. Una revolución pictórica. Köln. Taschen. 2007. Pág. 86. KANDINSKY W. De lo espiritual en el arte. México. 1989. Edición digital. Pág. 46

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período pasado, sirvieron eficazmente a las mismas tendencias. Así surgió en parte nuestra simpatía, nuestra comprensión, nuestro parentesco espiritual con los primitivos. Al igual que nosotros, estos artistas puros intentaron reflejar en sus obras solamente lo esencial; la renuncia a la contingencia externa surgió por sí misma.22 A pesar de la arterioesclerosis, que le llevaría a la muerte el 13 de diciembre de 1944, Kandinsky continuó pintando en cartones pequeños hasta julio de ese año.

Impetu moderado 1944 En marzo concluye su último cuadro: Impetu moderado en el que tampoco aparecen indicios de las amenazas internas y externas de aquellos años.

KANDINSKY, EL HOMBRE Hasta aquí hemos visto un breve repaso a la biografía y evolución de la obra de Kandinsky, pero no podemos dejar de lado al hombre, a su calidad humana. Una alumna de Kandinsky en la Bauhaus cuenta que la relación con sus alumnos era muy respetuosa: Admirábamos su claridad y su lógica. Era muy concreto. Todo aquello que decía era evidente e imposible de rebatir. Otro alumno recuerda cómo eran las clases: Kandinsky sabía mucho. Sabía tanto como un sabio oriental. Su saber universal en historia del arte, psicología, historia de la cultura, antropología, etcétera, nos impresionaba. Estábamos fascinados de que estuviera tan convencido de sus teorías. Amábamos, adorábamos y tomábamos ejemplo de su pintura, ya que estábamos seguros de que su trabajo nacía de un convencimiento sincero.
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Citado en: BECKS-MALORNY U. Vasili Kandinsky 1866-1944. Köln. Taschen. 2007. Pág. 171.

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Este mismo alumno dice también de él: Me enseñó a hablar en el lenguaje de la pintura y de la vista, de él aprendí las palabras para escribir frases. Para mí Kandinsky era el profesor que me indicaba que todas las formas en la pintura tienen su significado, y no he aprendido a entenderlo por Kandinsky, sino que lo he comprobado por mí mismo guiado por él. Podríamos definir a Kandinsky como una persona afable, humilde, abierta, muy activo, meticuloso y tremendamente honrado en su trabajo.

KANDINSKY, EL ARTISTA “La obra de arte consta de dos elementos: el interno y el externo. El elemento interno, tomado individualmente, es la emoción que siente el alma del artista. Esa emoción tiene la capacidad de provocar una emoción paralela en el alma del espectador. Generalmente, mientras que el alma permanezca unida al cuerpo, solo se podrán captar las vibraciones por intermedio de la sensación. Por tanto, la sensación es un puente de lo inmaterial a lo material (artista), y de lo material a lo inmaterial (espectador). Emoción – Sensación – Obra – Sensación – Emoción. Esta es la definición que hace Kandinsky del arte, no solo de la pintura sino de toda obra de arte. Esta debe producir una comunión entre el creador y el espectador a través de un sentimiento espiritual y, la obra en sí misma, no es más que el mecanismo de transmisión de esa comunicación. El arte, para serlo, tiene que transmitir algo, provocar sentimientos en quien lo contempla. Ya hemos hablado de la importancia de la música en su obra; a este respecto, y tras escuchar Lohengrin, comenta: “Tuve que reconocer que el arte en general era mucho más poderoso de lo que me parecía, que por otra parte, poseía y podía desarrollar las mismas fuerzas que la música”. Este pensamiento nunca le abandonó y le llevó, tras diez años de anotaciones, a escribir Sobre lo espiritual en el arte, que contiene todas sus ideas sobre la abstracción. Si la música no utiliza sonidos reales de la naturaleza como el viento en las hojas, el murmullo de los ríos o el canto de los pájaros, ¿por qué no habría de hacer él lo mismo con la pintura? Música en los lienzos, vida interior expresada en colores y formas. En 1916 escribía a la que sería su segunda esposa: “Ya sabes que mi sueño era pintar un gran cuadro cuyo sentido fuera la alegría, la felicidad de la vida o del universo. De pronto siento que la armonía de los colores y las formas son la alegría de este mundo.” No hay fraude en la obra de Kandinsky (no se puede decir lo mismo de todo el arte abstracto). El sentía los colores, disfrutaba de los cuadros. El siguiente comentario surge de lo más profundo de su alma: “En general el color es un medio para sensibilizar directamente al espíritu. El color es la tecla. El ojo es el martillo. El alma es el piano. El artista es la mano que, con una u otra tecla hace vibrar el espíritu del ser humano”. Esta "necesidad interior" es la clave de la obra de Kandinsky, y el artista que emprende una obra sin esta "necesidad interior" sólo obtendrá pobres resultados. Aquello

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que nace de una necesidad interior y espiritual, es bonito. Es bello, si es hermoso interiormente.23 Kandinsky mostró siempre una personalidad absolutamente vanguardista y provocadora de acaloradas polémicas. Fue un artista apasionado y siempre deseoso de explicar y explicarse las razones primeras y más profundas de esa extraña y singular aventura que es la creación artística. Kandinsky no tenía una idea segura de su proceso pictórico, porque era un salto en el vacío. En los cuadros y libros aparecen estas dudas e incertidumbres, llega a la abstracción pura y da marcha atrás. El pintor era sensible a las críticas feroces que recibía, tanto en Rusia, considerado conservador para los artistas de la vanguardia, como en Múnich, donde era demasiado avanzado.

OPINION PERSONAL Kandinsky buscó la relación entre la pintura y la música, es algo intrínseco en su obra: la concepción del arte como un todo, como algo capaz de transmitir sensaciones. El título de muchas de sus pinturas deriva de la terminología musical, pues Kandinsky, al igual que los simbolistas, estaba interesado en la analogía entre los colores y los sonidos (era un gran amante de la música, tocaba el cello y el piano y era amigo del músico Arnold Schoenberg, cuyas revolucionarias composiciones atonales Kandinsky equiparó con sus propios experimentos pictóricos). Evidentemente, cuando aparece una nueva corriente artística va a afectar a todas las expresiones del arte. Siempre ha ocurrido así a lo largo de la Historia y de ellos tenemos abundantes ejemplos: Románico, gótico, renacimiento, barroco, han sido movimientos que han influido en la música, la pintura, la escultura, la arquitectura, etc. El objetivo de Kandinsky era el crear una “pintura pura”, que emocionara tanto como una composición musical, para Kandinsky, la obra de arte, compuesta de colores y formas, sería un producto mental, una vez abandonada ya su relación con la formas reales. Estoy totalmente de acuerdo con la opinión de Blas Cubells 24: “Por más que no nos guste el arte abstracto, creo que la obra de un personaje como Wasily Kandinsky se merece, como poco, un esfuerzo de comprensión por nuestra parte, antes de condenar su pintura. Algo ve él en el juego de colores y formas que se nos escapa, quizás no lo entendamos porque nos falta desarrollar más la sensibilidad para la pintura. No todo el mundo se emociona o se arroba con el adagio de Albinoni, hace falta gusto y sensibilidad para la música. ¿No estará sucediendo esto mismo con la obra de Kandinsky? Su pintura entraña dificultades para ser entendida, para poder sentirla y emocionarnos, pero quizás el esfuerzo merezca la pena. Si no conseguimos ese mirar con "ojos libres", tal vez nos estemos perdiendo algo bello, algo internamente hermoso.”
23

http://www.monografias.com/trabajos901/kandinski-creador-arte-abstracto/kandinskicreador-arte-abstracto.shtml
24

http://www.monografias.com/trabajos901/kandinski-creador-arte-abstracto/kandinskicreador-arte-abstracto.shtml

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Por mi parte sigo prefiriendo a Goya y a Sorolla, será porque no consigo encontrar mis “ojos libres”.

Madrid, abril de 2008

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BIBLIOGRAFIA BECKS-MALORNY U. Vasili Kandinsky 1866-1944. Köln. Taschen. 2007. DÜCHTING H. Wassily Kansdinsky. Una revolución pictórica. Köln. Taschen. 2007. FAERNA J.M. y OTROS: KANDINSKY. Barcelona. Ed. Polígrafa. 2005. KANDINSKY W. De lo espiritual en el arte. Edición digital. México. 1989. KOJÉVE, A.: Kandinsky. Madrid. Abada ed. 2007. http://www.xtec.es/~jarrimad/contemp/kandinsky.html http://www.monografias.com/trabajos901/kandinski-creador-arteabstracto/kandinski-creador-arte-abstracto.shtml http://www.artelista.com/arte-abstracto.html

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