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MODULO-3-La-Música-en-el-Contexto-Mundial-Latinoamericano-y-Nacional

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UNIVERSIDAD NACIONAL DE LOJA

ÁREA DE LA EDUCACION, EL ARTE Y LA COMUNICACIÓN NIVEL DE PREGRADO CARRERA DE MÚSICA

MÓDULO III Periodo: Septiembre 2010 – Febrero 2011 MODALIDAD PRESENCIAL
TÍTULO

ELABORADO POR

Dr. José Pió Ruilova P. Lic. Marcos Cañar R.
COORDINADOR

LOJA ECUADOR Septiembre 2010 Febrero 2011 1

“LA MÚSICA EN EL CONTEXTO (DESARROLLO HISTÓRICO-SOCIAL)

MUNDIAL,

LATINOAMERICANO

Y

NACIONAL”

a. PRESENTACIÓN. En el contexto cultural, el desarrollo histórico – social de la música universal, latinoamericana y nacional se constituye en un elemento de fundamental importancia en la formación integral del ser humano, consecuentemente, las instituciones de Educación Superior, en este caso, la Universidad Nacional de Loja, coherente con la misión y visión institucionales, se proyecta al tratamiento de temáticas pertinentes con la formación de los futuros profesionales, para que, con sus haceres y prácticas se inserten con idoneidad e incidan en el desarrollo cultural y social de la ciudad, la provincia de Loja y la Región Sur del país. El sistema político - económico actual, en el marco de la globalización neoliberal, propugna un modelo de sociedad unipolar, que en gran parte coadyuva al enajenamiento de las costumbres y tradiciones de los habitantes de los países menos desarrollados, imponiendo modelos de desarrollo no acordes con los verdaderos intereses de los pueblos y culturas que habitan en nuestro territorio. En este ámbito, la Universidad Nacional de Loja, y específicamente, el Área de la Educación, el Arte y la Comunicación, apoyados en el modelo político académico vigente, como lo es el SISTEMA ACADÉMICO MODULAR POR OBJETOS DE TRANSFORMACIÓN SAMOT, se propone fortalecer la formación profesional de los recursos humanos, en un paradigma humanitario, social y transformador, que coadyuve al fomento cultural en el campo de la artístico – musical y a la valoración de estas manifestaciones a nivel universal, latinoamericano y nacional. El presente módulo, está orientado al tratamiento del desarrollo histórico – social de la música universal, latinoamericana y ecuatoriana, por lo que proporciona una visión contextualizada del desarrollo del arte musical, en el andamiaje histórico – social de la humanidad, por lo que se propone despertar la iniciativa en los estudiantes, brindar el sustento teórico, para que puedan comprender las razones, escenarios y situaciones concretas en las que se construyeron los productos culturales en los diversos periodos, regiones y masas sociales. Sin lugar a dudas despertará en los estudiantes la curiosidad, la creatividad, la apreciación musical, la sensibilidad, el análisis y el planteamiento de propuestas que promuevan un cambio de actitud y predisposición apreciativa - auditiva, fundamentada con pertinentes elementos de juicio. Ponemos, entonces a consideración estos temas, que con el apoyo de la investigación formativa modular, fortalecaréan la comprensión de los mismos, así como también poner en práctica el tratamiento del desarropllo musical mundial, latinoamericano y ecuatoriano desde nuestra práctica, ya sea como docentes de educación musical o instrumentistas, toda vez que, la literatura histórico-musical seleccionada, es de gran pertinencia y trascendencia. El presente módulo será abordado en tres momentos Interrelacionados. El Primero, se refiere a la caracterización y situación actual de la problemática; el Segundo, se orienta a la fundamentación teórica y análisis crítico de la problemática; y el tercero, trata las alternativas que coadyuven a la solución de la problemática investigada. Cada momento posee el sustento teórico necesario y específico, así como las actividades puntuales que debe realizar el estudiante. 2

Sin embargo, de considerar pertinente, están en plena capacidad y libertad de ampliar sus conocimientos y referentes teóricos con bibliografía adicional, para de esta manera propender al logro de aprendizajes significativos.
b.

Considerando los elementos histórico-sociales de la música a nivel mundial, latinoamericano y nacional, se puede evidenciar en los docentes, tanto de Educación Musical, así como en los Instrumentistas que laboran en los centros educativos de la ciudad y provincia de Loja y en las agrupaciones musicales existentes en nuestra ciudad, algunas deficiencias que impiden desarrollar un adecuado tratamiento de estas temáticas en el proceso de enseñanza – aprendizaje, deficiencias que se las resume de la siguiente manera:  DESCONOCIMIENTO DE LOS PROCESOS HISTÓRICO-SOCIALES DEL ARTE MUSICAL A NIVEL MUNDIAL, LATINOAMERICANO Y NACIONAL. La limitación del tratamiento del desarrollo histórico – social del arte musical, sin tomar en consideración el entorno político, social, económico, etc, así como los antecedentes de diversa índole en cada época, desmerece la importancia que la Educación Musical y la Música, que, en la Educación Básica, como parte de la Cultura Estética, y, a nivel superior, tienen el propósito de sensibilizar al ser humano, formar seres humanos con valores éticos, culturales, cívicos y sociales, no se puede admitir que los docentes de Educación Musical y los Músicos Instrumentistas, que laboran en los centros educativos y agrupaciones musicales de la provincia de Loja, respectivamente, presenten vacíos o desconozcan los hechos más importantes que, a través del arte musical han trascendido en las diversas etnias y culturas del mundo, de Latinoamérica y del país, toda vez que constituyen elementos esenciales para comprender el contexto cultural y las razones principales del ser de cada género, época y más detalles específicos que evidencian el rico potencial cultural que encierran. Lo anotado conlleva a un marcado déficit de comprensión y apreciación del arte musical en todos sus ámbitos lo que afecta significativamente al adecuado desarrollo cultural de la sociedad ecuatoriana.  DESCONTEXTUALIZACIÓN EN EL TRATAMIENTO DE LAS ÉPOCAS Y GÉNEROS MUSICALES, MUNDIALES, LATINOAMERICANOS Y NACIONALES. El tratamiento del “contenido por el contenido”, es una antiquísima práctica de un gran número de docentes, no solo del campo específico que estamos tratando, sino, de la mayoría de las asignaturas. Práctica tradicional que parcela el conocimiento, direccionala a un propósito inadecuado, que, lamentablemente, pervive en los momentos actuales. Si consideramos a los contenidos como el QUÉ, en el proceso de enseñanza-aprendizaje, son el resultado de los haceres culturales, producto de teorizaciones que han vivido un proceso de experimentación y de hechos comprobados, mal hacen los docentes en no contextualizar el entorno multidimensional en que se fundamentaron. Todo hecho, acontecimiento, experimento o problema, tiene su contextualización. Mucho más aún cuando tratamos temáticas de orden histórico-social, como es el caso de la Educación Musical y la formación de los instrumentistas, amerita la integración del entorno, la contextualización en la que se dieron los procesos de desarrollo del arte musical.

DESCRIPCIÓN DE LA PROBLEMÁTICA QUE ABORDA EL MÓDULO.

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Esta falencia al no abordar multidimensionalmente los diversos periodos de evolución y desarrollo de las épocas y géneros musicales, origina un criterio empobrecido de la apreciación y aceptación de la cultura musical mundial, latinoamericana y nacional, que debilita el gusto y goce estético.  SIGNIFICATIVA ALIENACIÓN CULTURAL El sistema político-económico-social, producido por el proceso de globalización, ha transgredido toda forma de cultura ancestral-tradicional, y, ha impuesto una unipolarización de la cultura homogenización cultural-, en la que el consumismo, el entretenimiento, la pornografía y la violencia, se han convertido en los “patrones culturales” de actualidad. Preferir lo ajeno y despreciar lo propio se ha convertido en una práctica “muy natural”. Este fenómeno socio-cultural puede evidenciarse, especialmente en niños y jóvenes, así como también en una considerable cantidad de adultos, en algunos países de Latinoamérica, pero muy significativamente en el Ecuador. La música se ha convertido en una mercancía, y la práctica profesional del instrumentista en un servicio de mecenas, todo redunda en el dinero. Los ritmos tradicionales y folklóricos del Ecuador y Latinoamérica, han sido prácticamente olvidados y se prefieren otras músicas que nada tienen que ver con el pasado histórico, rico en elementos culturales ancestrales. El currículo oculto que viene en los textos y los famosos contenidos básicos obligatorios, se constituyen en el medio más adecuado para oficializar las nefastas intenciones de las transnacionales programadas por las potencias mundiales. En este contexto, los educadores musicales y los músicos instrumentistas se convierten en presas fáciles de estas prácticas, desmejorando significativamente el proceso de indentidad cultural nacional y Latinoamericana.  ESCASA CULTURA DE APRECIACIÓN ARTÍSTICO-MUSICAL. “El nivel de alienación cultural negativa se refleja en el nivel cultural de la sociedad”1. Frase muy decidora, que invita a la reflexión. Los docentes de Educación Musical y los Músicos Instrumentistas, en una considerable mayoría, demuestran apatía por asistir a conciertos y programas culturales que se dan en la ciudad y provincia. En nuestra sociedad lojana, fácilmente se puede observar en los diversos entornos culturales, al mismo público que asiste a los eventos, escasa asistencia a los conciertos de música de los grandes maestros que presenta la Orquesta Sinfónica mensualmente, lo que contrasta, lamentablemente, con la significativa cantidad de personas que no pudieron ingresar a la presentación artística de un cantante rockolero, de un grupo de rock, de una agrupación musical conformada por féminas que artísticamente no tienen ninguna trascendencia, pero exhiben su contoneante figura semidesnuda. En síntesis, la depreciación del gusto artístico es notoria.

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HARVE, Joseph. (1995). Diccionario de cultura. Pág. 75. Editorial “Verbo Divino”. Barcelona.

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entre otras ramas del arte.Proporcionar a los estudiantes una base teórica-conceptual sobre el origen y desarrollo histórico-social del arte musical mundial. el Arte y la Comunicación de la Universidad Nacional de Loja. POCA VALORACIÓN DE LA EDUCACIÓN MUSICAL Y DEL MÚSICO INSTRUMENTISTA. a nivel mundial. latinoamericano y ecuatoriano. El contexto del desarrollo histórico – social de la música universal. la consecuente desvalorización de nuestra identidad cultural latinoamericana y nacional. social y cultural de nuestra ciudad. latinoamericano y ecuatoriano. Como producto de la homogenización cultural. lo que degrada la actividad docente llevada a conciencia y con ética. todavía vienen laborando como docentes de Educación Musical en los centros educativos del país y de algunos países latinoamericanos. Es más. los currículos impuestos y descontextualizados y la influencia de los medios de comunicación de masas. que le permitan coadyuvar a la transformación y desarrollo musical. la Carrera de Música del Área de la Educación. significativa alienación cultural. Si bien es cierto que desde el año 1996. y poca valoración de la educación musical y del músico instrumentista. Objetivos Específicos: . latinoamericana y ecuatoriana. pretende Lograr una formación integral. apenas pueden rasgar un instrumento o entonar una canción. el Ministerio de Educación no ha implementado políticas sostenidas de capacitación específica a los docentes de esta disciplina. OBJETIVOS.Manejar elementos de la investigación social y educativa en el proceso de ínter aprendizaje del módulo. y. descontextualización en el tratamiento de las épocas y géneros musicales mundiales. que laboran en los centros educativos e instituciones especializadas de nuestra ciudad y provincia. en el campo del conocimiento de la cultura musical universal. lo que no ha permitido abordar con una mejor comprensión el estudio del Arte Musical. discernimiento y apreciación de las diferentes músicas. c. OBJETIVO GENERAL Contribuir a la formación del futuro Educador Musical y Músico Instrumentista de la Carrera de Música. en los procesos de desarrollo histórico-social de la música. en el contexto mundial. . personas que por habilidad o intuición. OBJETO DE TRANSFORMACIÓN. en la que se inserta. científicos. latinoamericano y nacional. ha tenido un incipiente tratamiento por parte de los docentes de Educación Musical y Músicos instrumentistas. escasa cultura de apreciación artístico-musical. latinoamericanos y nacionales. artístico. se puso en marcha en el país la Nueva Reforma Curricular Consensuada. Región Sur y el país. la Educación Musical y los haceres del Músico Instrumentista han sido desvalorizados por la sociedad. sustentada teórico. d. . latinoamericana y ecuatoriana. 5 .Analizar críticamente los elementos histórico-sociales que se produjeron en el contexto del desarrollo del arte musical. a la música. Razón por la que. científica y críticamente. a través del desarrollo de este módulo. lo que evidencia: marcado desconocimiento de los procesos históricosociales del arte musical a nivel mundial. teóricos-prácticos y axiológicos. Se sigue considerando a estas disciplinas como relleno. latinoamericano y nacional. con sólidos fundamentos.

f.. así como a diversos eventos artístico-culturales. respecto de los elementos formales.  Asisten a conciertos y recitales de música.Fomentar en los estudiantes la práctica axiológica que coadyuve en su formación profesional y pueda desenvolverse en un futuro cercano con responsabilidad ética y la aplicación de valores éticos.  Considerable juicio crítico – apreciativo.  Interpreta canciones a través del canto coral. observando las normas de la educación ambiental.  Acuerdan el tema y definen el escenario en donde van a desarrollar el proceso de investigación formativa modular. con aceptable timbre y afinación. PERFIL PROFESIONAL QUE CUBRE EL MÓDULO Los conocimientos. históricos. capacidades y actitudes que se desarrollarán en el presente módulo y permitirán lograr las prácticas profesionales alternativas antes anotadas. e. científica y críticamente los problemas surgidos en el diagnóstico. reportes y comentarios críticos que les permite fortalecer la comprensión y el adecuado proceso formativo. destrezas.  Redactan informes. así como a diversos eventos artístico-culturales.  Buena afinación para interpretar canciones por medio de la voz. con respecto al arte musical se produjeron a nivel mundial. conozcan y analicen los principales acontecimientos que. son loas siguientes: Para la formación específica  Puntualidad en la asistencia para el desarrollo de conciertos y recitales de música.  Interpreta los instrumentos musicales con sutileza. sociales y culturales del entorno de la obra y del compositor. estéticos.  Realizan acercamientos a la realidad y elaboran instrumentos de investigación. En este sentido:  Leen comprensivamente los referentes teóricos del módulo y contrastan los contenidos con las problemáticas del OT. de forma individual y en conjunto. latinoamericano y ecuatoriano. habilita a los estudiantes para que en equipos de trabajo. con los respectivos talleres de apoyo. con la finalidad de identificar y caracterizar la problemática correspondiente. 6 . COMPETENCIAS O PRÁCTICAS PROFESIONALES ALTERNATIVAS PARA LAS QUE HABILITA EL MÓDULO El presente módulo.  Se vinculan con la sociedad al sugerir alternativas de solución a los actores sociales que fueron parte del universo investigativo.  Aceptable destreza para leer las partituras musicales e interpretarlas en el piano u otro instrumento musical. culturales y sociales en el proceso de formativo y en el campo ocupacional. habilidades.  Socializan los informes de la investigación formativa modular.  Fundamentan teórica. en el contexto del desarrollo histórico-social. con un aceptable grado de criticidad y coherente discurso. en los que demuestra respeto y valor apreciativo.  Leen partituras musicales a través de la interpretación del piano. en una relación teóricopráctica objetiva. con la finalidad de fortalecer su capacidad auditiva-apreciativa.

Fundamentar teórica y críticamente cada uno de los elementos problemáticos y mas eventos que resultaron como consecuencia del diagnostico.  Adecuado posicionamiento institucional para vincularse con la colectividad.Para la Internalización. 2. será trabajada a través de un proceso de investigación que contempla tres momentos interrelacionados. Determinar de forma clara y consciente la situación problemática devenida del OT del módulo con la finalidad de elaborar un diagnostico de la realidad objetiva en los escenarios escogidos para tal efecto. 3. CARACTERISTICAS Y ACTIVIDADES PROCESO METODOLÓGICO. Para el desarrollo de la investigación formativa  Buena capacidad de liderazgo y comunicación interpersonal para establecer acuerdos y consensos en grupos. reportes y comentarios críticos que les permite evidenciar el nivel de comprensión.  Adecuada capacidad de abstracción para la fundamentación teórica de los elementos del diagnóstico. con la intencionalidad de que se constituya en actor fundamental que indague la realidad y contribuya a la solución de la misma. Proceso metodológico El módulo tiene como eje dinamizador el proceso investigativo que será abordado en tres momentos: 7 . profundización y analisis de la problemática contenida en el OT. Socialización y Aplicación de los contenidos del módulo  Aceptable dominio de los contenidos teóricos y la coherente relación con la caracterización de los diversos subproblemas contenidos en el nudo crítico del OT. g. DESCRIPCIÓN DEL PROCESO DE INVESTIGACIÓN FORMATIVA. Sugerir. Propósito: Insertar al estudiante en el estudio.  Desarrollada comunicación interpersonal que permita el diálogo y acercamiento para cumplir con el proceso investigativo. Objetivos: 1.  Considerable manejo del discurso y coherencia en su contexto para una adecuada exposición de los informes investigativos correspondientes. socializar y aplicar alternativas que contribuyan a la solución del problema.  Considerable capacidad para la redacción de informes. proponer alternativas de cambio e incidir en la ejecución de las mismas. La Problemática que aborda el módulo III y que se encuentra ampliada en el Objeto de Transformación.

estos pueden ser (los establecimientos educativos. de manera sistemática y coherente. significativa alienación cultural. Justificación 5. fichas de resumen. pueden ampliar los referentes teóricos con la consulta. instituciones relacionadas con el accionar artístico-musical de la ciudad y la provincia). dándole énfasis al Diagnóstico. Luego de revisar los contenidos teóricos proporcionados por el docente coordinador. cada una de las actividades presentes y futuras. El perfil del proyecto debe contener los siguientes elementos: 1. 3. Objetivos 4. Los estudiantes deberán organizar acercamientos con las instituciones involucradas en la problemática y establecer diálogos y conversatorios. mnemotécnicas y de resumen. Cronograma 8.Índice El producto acreditable del primer momento consiste en la entrega y socialización de un documento escrito en donde conste el perfil del proyecto de investigación así como el análisis cuanticualitativo de los resultados que obtuvieron en la investigación de campo. Bibliografía 10. los estudiantes deben cumplir las siguientes actividades: ACTIVIDADES. Presupuesto 9. Respecto de la problemática del OT. Problematización 3. Primera actividad. y poca valoración de la educación musical y del músico instrumentista. 2.Anexos 11. con la finalidad de poder desarrollar.El primer momento. 5. Tercera actividad. descontextualización en el tratamiento de las épocas históricas nacionales. lectura y elaboración de fichas bibliográficas. sean bibliográficas. escasa cultura de apreciación artístico-musical. lo que permitirá determinar el universo en donde se desarrollará el proceso de investigación formativa modular. como: desconocimiento de los procesos histórico-sociales del arte musical ecuatoriano. denominado Caracterización de la Problemática de los elementos que contienen en el OT. 4. Introducción Metodología Análisis Cuanti – cualitativo de los resultados de la investigación de campo Conclusiones Diagnóstico 8 . Los estudiantes deben formular un perfil de proyecto de investigación. el estudiante deberá realizar la lectura y análisis elaborando comentarios. Lógicamente. Metodología 6. El documento escrito debe contener los siguientes elementos: 1. Portada 2. Segunda actividad. Recursos 7. mnemotécnicas. lo que dará mayor consistencia y rigor científico a los contenidos y problemáticas planteadas en el OT. etc.

incluyendo aquellos elementos que devinieron como producto del diagnóstico del primer momento. en procura de plantear alternativas de solución. El producto acreditable del segundo momento. El tercer momento debe contener los siguientes elementos: 1. 9 . debidamente contrastados. El documento debe contener lo siguiente: 1. Estará integrado el momento uno y dos. El tercer momento. en donde los estudiantes devolverán la información de los resultados obtenidos en la investigación de campo. técnicas y estrategias metodológicas. El segundo momento cuyo tema central es la Fundamentación Teórica y Análisis crítico de los elementos que conforman la problemática. Introducción 2. se utilizarán métodos. que es la Vinculación con la Colectividad. será la elaboración y socialización de las sugerencias y alternativas ante los directivos y docentes de los centros educativos en donde se llevó a efecto la investigación de campo. el estudiante contará con el sustento teórico proporcionado en el primer momento. La propuesta desarrollada. 2. con la finalidad de dar solución a la problemática propuesta. Descripción metodológica del proceso realizado. Este informe final deberá constar por escrito junto a los productos acreditables de las dos normas de redacción científica y técnica. Recomendaciones. El producto acreditable del tercer momento consiste en la entrega y socialización de un documento que integre los tres momentos. consiste en la entrega y socialización de un documento que contenga la fundamentación teórica y el análisis crítica. Análisis crítico en el que se destaca la contrastación de lo ideal con la realidad objetiva. La actividad central que deben realizar los estudiantes. y que en la parte pertinente -el tercer momento – contenga los elementos propositivos que debieron ser socializados en las instituciones y escenarios en donde les proporcionaron la información. 4. con los datos empíricos obtenidos de la realidad de la práctica profesional de los docentes de Educación Musical. denominado propuesta alternativa que contribuya a la solución de la problemática. En este especio. que podrá ser profundizado con otras referencias bibliográficas y los apoyos de la informática. Fundamentación teórica de los elementos que conforman la problemática 3. 3. Conclusiones 5. En el desarrollo del proceso investigativo. que permitan obtener resultados reales. Presentación. es pertinente definir y concretar las causas que originan el desconocimiento y la no valoración de la música ecuatoriana. cumpliendo de esta manera con la tercera función de la Universidad. Las actividades que se proponen en este momento estarán orientadas al análisis crítico y la fundamentación teórica de los problemas propuestos en el OT. es decir a una seria y ponderada contrastación de los referentes teóricos y los problemas y más elementos que fueron determinados en el diagnóstico del primer momento. Igual que en el momento anterior.

La investigación documental también será utilizada. la guía de conversatorio. ya que se necesita comprende y demostrar e forma simple. ya que debemos indagar los sucesos y acontecimientos desde el mismo origen del cuanto hasta la actualidad. Es importante destacar que en el proceso investigativo. hemerotecas y la información documental bibliográfica nos permitirá aplicar y comprobar recursos que determine que durante los tres momentos de nuestra investigación obtengamos los mejores resultados. entre otros. Científica. porque permitirá explica el OT. utilizaremos las técnicas que en el caso amerite. Inductiva. porque tenemos que comparar géneros y estilos diferentes mediante un nivel de sustentación científica. en procura de plantear alternativas de solución.Música en la época del renacimiento . REFERENTES TEÓRICOS Y ACTIVIDADES PRÁCTICAS LA MÚSICA EN EL CONTEXTO MUNDIAL . la observación.  Conversatorios. Las técnicas a utilizar serán la encuesta. mediante su estudio tempo espacial histórica. h. clara que nos servirá para plantear conclusiones y recomendaciones con planteamientos positivos.Desarrollo de la opera 10 . ubicándolo en un contexto socio-cultural e histórico. Los instrumentos que utilizaremos en el proceso investigativo anotamos el cuestionario. Nuestra investigación será además: Descriptiva. entre otros. porque debemos sistematizar y analizar en forma objetiva. la entrevista. Deductiva.Música en la antigüedad . técnicas y estrategias metodológicas. que nos sirve para realizar el análisis de los datos estadísticos. el etnográfico. así como también los métodos específicos como: el descriptivo. hechos o acontecimientos de músicos que han hecho historia en nuestro país. En el desarrollo del proceso investigativo. ya que también nos proporcionará la información científica a través de documentos e imágenes. Analítica.Música en la comunidad primitiva . el sintético. Naturalmente que la busque da de información en bibliotecas. la guía de entrevista. que permitan obtener resultados reales. se utilizarán métodos. inductivo. los conversatorios.El método científico será el sustento central del proceso investigativo. el analítico.Música en el feudalismo . deductivo. como:  La entrevista en sus diversos tipos  Las Ficvhas de observación  La encuesta en sus diversos tipos  El cuestionario en sus diversos tipos. los diálogos.

La Música Argentkba durante la época colonial El siglo XIX Siglo XX La música popular Argentina. La música de lasd culturas precolombinas La música preoclombina en Centroamerica Las Culturas Maya y Azteca La cicilización Maya La civilización Azteca La Música Precolombina en Anmérica del Sur: La Cultura Inca Argentina. La Música Mexicana Durante la Etapa Colonial Siglo XIX Siglo XX La Música Popular Mexicana El Mariachi El Corrido Otros Países de América. Bambuco. Torbellino y Pasillo Los Llanos: Joropo y el Galerón La Región Amazónica México. De la Música Colonial al Siglo XX República Dominicana Puerto Rico La Música Popular y Tradicional Cuba República Dominicana Instrumentos Musicales de las Antillas Puerto Rico La Música en Venezuela. LA MÚSICA EN EL CONTEXTO LATINOAMERICANO - Los orígenes de la Música Americana. Música Indígena Música Criolla y Mestiza El Tango.- El clasicismo El romanticismo Las escuelas nacionalistas La música en el siglo xx Nuevas tendencias musicales. Colombia Siglos XVII y XVIII El Periodo de la República Independiente: Siglos XIX y XX La música Popular Colombiana La Costa Atlántica. La Cumbia y el Vallenato La región Andina. De la Música Colonial al Siglo XX Música Popular tradicional venezolana La Música en Centroamérica. De la Etapa Colonial al Siglo XX Guatemala El salvador Honduras Nicaragua Costa Rica 11 . El Caribe.

Características físicas . Plataforma Continental.Nacionalidades Indígenas del Ecuador .Costa o Litoral . De la Música Colonial al iglo XX La Música Popular y Tradicional.- Panamá La música Popular y Tradicional Panamá La Música en el Área Andina.Nacionalidades Siona – Secoya .Visión geopolítica del Ecuador. Boliva y Chile. De la mísoca colonial al Siglo XX Paraguay UruguayLamúsica popular y Tradicional en Paraguay. De la mísoca colonial al Siglo XX Paraguay Uruguay La música Popular y Tradicional.Región Insular o Galápagos .Nacionalidad Kichua . Perú Bolivia Chile La música Popular y Tradicional.Sierra o Región Interandina . La Música en Paraguay y Uruguay. Perú.Nacionalidad Swiwiar .En la Amazonía . Bolivia y Chile. . LA MÚSICA EN EL CONTEXTO NACIONAL ECUATORIANO . .Nacionalidad Épera .Nacionalidad Zápara .Población del Ecuador según autodefinición 12 .Nacionalidad Manta .En la Costa: .Nacionalidad Awa . Perú. La Música en Brasil.Mar territorial.En la Sierra . Órbita Geoestacionaria y Derecho del Ecuador en la Antártida.Huancavilca – Puná .Nacionalidad Tsáchila .División Político-Administrativa .Nacionalidad Al Cofán .Región oriental o Amazónica .Perú.Nacionalidad Chachi . La Música en Paraguay y Uruguay.Pueblo Negro de la Sierra .Nacionalidades Shuar – Achuar .Nacionalidad Andoas .Pueblos en situación de asentamiento voluntario .Nacionalidad Kichua de la Amazonía .Regiones naturales .Nacionalidad Waorani . Bolivia y Chile.

Cascabeles a cambio de productos .La aparición de una cultura popular .La comunidad negra del Valle del Chota .Los amorfinos .Religiosidad popular en la comunidad afroesmeraldeña .Ritos y creencias .Las comunidades negras .La conformación de la sociedad negra .Música del pueblo español en América .Visiones y espíritus .Proyectos viales y fundación de pueblos .El poblamiento negro hasta hoy .Comentarios y análisis crítico .Orígenes del poblamiento negro .Las visiones de las almas .La reducción y el establecimiento de los primeros poblados .Qué es la cultura popular .Primeras manifestaciones mestizas.La cultura popular .La fiesta de los santos y el arrullo .Alonso Illescas y la Carta de Libertad .Nacionalismo musical ecuatoriano .La acomodación a una nueva realidad .Música y danza .El proceso de mestizaje cultural .Las loas .La tradición oral .Organización social y subsistencia . Siglos XVI – XVIII .Otras manifestaciones de la tradición oral 13 .Mestizaje étnico y cultural .El naufragio de los negros en Esmeraldas .La cultura Afroecuatoriana .Compositores musicales nacionalistas .Conservatorio Nacional de Música de Quito .La cultura musical afroecuatoriana .Instituciones musicales .Los esclavos y sus amos .Tradiciones y costumbres .- Comentarios y análisis crítico Visión Histórico-Social de la Música Ecuatoriana La música indígena en la época prehispánica En las entrañas del barro Música religiosa La colonia .Los esclavos en el Valle del Chota en el año 1800 .La música en el siglo XIX .Esmeraldas: Negros – Zambos y Mulatos .El Inti Raymi o Corpus Christi: Fuentes de la cultura popular .Las décimas .Ópticas en el marco de la investigación científica .Las coplas .

Diferencias y similitudes del pasillo académico y popular ..El Capishca .Las bandas populares .Orígenes .La Translocalidad de la música ecuatoriana.Orígenes del pasillo ecuatoriano y su importancia en el contexto compositivo musical .El sanjuanito.La Internacionalización de la música popular ecuatoriana.Tradición y renovación .Temas de musicología ecuatoriana .El yumbo .El ritmo .Sobre el compositor popular .La banda lisa .Aspectos de la técnica musical de difusión popular . Construyendo una Identidad Nacional Alternativa .Banda de músicos de la Sociedad Obreros de Loja .Consideraciones sobre el compositor popular .Ritmos tradicionales y populares del Ecuador . Ritmo nacional del Ecuador .El Fox incaico .Diferencias .La Banda Mocha y la Música Bomba .La música y la danza populares .Consideraciones finales .Las bandas de música en la Provincia de Loja .Análisis musical . . MPE. .El pasillo.El pasacalle .Ma materialidad en la creación artística .La melodía .Características del pasillo .Conclusiones .Las bandas de armonía .Una Identidad Nacional Alternativa en la música .Antecedentes .Marco histórico .El tempo .Historia de las bandas de música en el Ecuador .El alza .Ritmos afroecuatorianos 14 .El albazo .El aire típico .Banda de música de la Brigada de Infantería Nº 7 Loja .La tonada .La armonía .Música u danza propia de los indígenas y mestizos del Ecuador .El danzante .Difusión musical .Similitudes .El Yaraví .El pasillo y la música rocolera .

iniciándose el 3 de enero de 2011 hasta febrero 16 de 2011. En el desarrollo general del módulo. vinculando las funciones básicas de la Universidad como son: Investigación – Desarrollo.teniendo como prioritarios los centros educativos e instituciones anexas a nuestra institución. paneles. entre otras. mientras que para los estudiantes de la mención Instrumento Principal. El tercer momento. en el en que se desarrollará la Fundamentación problemática. que podrá ser ampliado y profundizado con otras referencias bibliográficas y los apoyos de la informática. audiciones dirigidas. PRÁCTICAS PRE . Para ello el estudiante contará con el sustento teórico proporcionado en el primer momento. tanto de la mención Educación Musical. Jardín de Infantes José Alejo Palacios. Escuela Pedro Víctor Falconí. esto para el caso de los estudiantes de la mención Educación Musical. que es la Vinculación con la Colectividad. todo esto en una conjunción de prácticas. cuanto de Instrumento Principal. la conferencia foro.PROFESIONALES O PASANTIAS Y. como: la conferencia dialogada. tareas y actividades que 15 . ACTIVIDADES DE VINCULACIÓN CON LA COLECTIVIDAD. elaboración de gráficos. iniciando el 13 de septiembre hasta el 28 de octubre de 2010. de acuerdo al normativo provisional previsto. vídeo foro.profesionales o pasantías y actividades de vinculación con la colectividad como lo son: Centro de Desarrollo Infantil. De acuerdo con la malla curricular constante en el Plan de Estudios de la Carrera de Música. Consistirá en la Caracterización de la Problemática de los elementos que contienen en el OT. matriz y la extensión de Motupe. El módulo tiene como eje dinamizador el proceso investigativo que será abordado en tres momentos: El primer momento. se priorizarán las técnicas y estrategias de aprendizaje activo y grupal. Formación de Recursos y vinculación con la colectividad que interactúan como apoyos para la obtención de aprendizajes significativos. en donde los estudiantes devolverán la información de los resultados obtenidos en la investigación de campo. con los datos empíricos obtenidos de la realidad de la práctica profesional de los docentes de Educación Musical. mesas redondas. así como el Nivel de Capacitación Popular – Artesanal del AEAC. El segundo momento del proceso investigativo. Se denomina: Construcción y Socialización del enfoque alternativo. Colegio Manuel Cabrera Loza. exposiciones. con una duración de treinta y tres días laborables. conversatorios con expertos invitados. para que realicen sus prácticas pre. cumpliendo de esta manera con la tercera función de la Universidad. j..Comentarios y análisis crítico i. con una duración de treinta y cuatro días laborables. se ha permitido que las desarrollen en el Conservatorio de Música Salvador Bustamante Celi. tiene una duración de treinta y seis días laborables. iniciándose el 29 de octubre al 23 de diciembre del 2010. en una conjunción de prácticas y haceres que permitan la aprehensión del conocimiento.La bomba . a los estudiantes del módulo III. para lo cual se proporcionará los contenidos y fundamentos teóricos pertinentes. METODOLOGÍA Para el desarrollo de los contenidos del Módulo se priorizarán las técnicas y estrategias del aprendizaje activo y grupal.

5 . deberán observar estrictamente las normas y recomendaciones de la Redacción científica..  Conformación de equipos de trabajo para el estudio y análisis de los contenidos y más referentes teóricos. así como el análisis cuanti-cualitativo de los resultados obtenidos en la aplicación de los instrumentos respectivos. reportes.5 créditos 28. PRODUCTOS ACREDITABLES  El producto acreditable del primer momento. síntesis y más aportes. como son: La Formación de Talentos Humanos. Ese documento contendrá: a) La caracterización de la problemática 16 TIEMPOS 100 horas 100 horas 20 horas 20 horas 40 horas 40 horas 40 horas 40 horas 40 horas 440 HORAS CRÉDITOS 6. procurando.5 créditos 2. k.  Equipos de trabajo para el desarrollo del trabajo investigativo. la adecuada comprensión y rigor científico de las temáticas a desarrollarse. que interactúan como apoyos para la obtención de aprendizajes significativos. Para la elaboración de los trabajos. escenarios o espacios para dialogar con los directivos y puedan determinar el universo de investigación. Durante las tres cuatro primeras semanas de labores. Para cada uno de los momentos anotados.25 créditos 2. En síntesis. se considerará un día en cada una de ellas. vinculando las funciones básicas de la Universidad Nacional de Loja.25 1. CURSOS Módulo.25 6. Lectura musical 5 horas semanales Lectoarmonía Aplicada Nivel 1 Cultura Estética Arreglos musicales 2 horas semanales Recursos técnico-musicales 2 horas semanales Prácticas pedagógicas 2 horas semanales Piano funcional 2 horas semanales Guitarra funcional 2 horas semanales TOTAL l. se procederá de la siguiente manera:  Tratamiento individual de los contenidos y más referentes teóricos correspondientes.5 créditos 2. puedan acudir a los centros educativos o instituciones. los estudiantes en la redacción de los diversos informes. para efectos de que los estudiantes. DETERMINACIÓN DE TIEMPOS Y CRÉDITOS MÓDULO.ermitan la aprehensión del conocimiento.25 créditos 1. consiste en la elaboración y sustentación de un reporte escrito individual que contenga el diagnostico de la situación problemática. TALLERES.5 créditos 2. ante todo.5 créditos 2. con el grupo de investigación respectivo. el trabajo será realizado en interacción. resúmenes. La Investigación – Desarrollo y la Vinculación con la Colectividad.

) de la evaluación se unifican e identifican.  Como producto Acredítale del tercer momento. en donde conste: a) La fundamentación teórica y el análisis crítico de los elementos que relacionan el conocimiento de las épocas de la historia de la música con la práctica docente en la problemática. En otras palabras. es un ejercicio de profunda abstracción y análisis.  LA EVALUACIÓN La evaluación se realizará en un proceso permanente y sistemático. en este sentido se pondrá en práctica la autoevaluación. Es decir. ACREDITACIÓN Y CALIFICACIÓN DE ACUERDO A LO QUE ESTABLECE EL PRESENTE REGLAMENTO. como un paso previo a la reflexión de lo actuado por el propio estudiante que. y tomará conciencia de lo positivo y negativo para reafirmarlo o corregirlo según corresponda. asesorar el proceso de Investigación Formativa. Por lo expuesto y. módulos. b) Los criterios y juicios de valor que los estudiantes pueden emitir. etc. aprenderá a tomar decisiones sobre sus actos. Por medio de este momento evaluativo tanto el agente (alumno) de la evaluación como el objeto (temas. es necesaria la participación de los agentes que intervienen en todas las instancias. en el proceso de evaluación de los aprendizajes. y. por considerarla imprescindible ya que el estudiante debe desarrollar comportamientos de autoevaluación de sus propias actuaciones. permitirá la crítica y la autocrítica. la heteroevaluación y la coevaluación. incluyendo el enfoque alternativo correspondiente al tercer momento del proceso. una tarea por cumplirse. SAMOT. contenidos. los estudiantes deben socializar un informe escrito único que integre los productos acreditables parciales anteriores. informaciones.b) Análisis cuanti-cualitativo de los resultados obtenidos con la aplicación de los instrumentos c) El Diagnóstico de la situación actual de los problemas acuciantes de la institución o sector. para reorientar las actividades del módulo. sus trabajos realizados. retroalimentar el proceso enseñanza – aprendizaje en su contexto. Portada Índice Introducción Metodología Conclusiones y reomendaciones Integración de los productos Acreditadles Parciales Bibliografía Anexos CRITERIOS PARA LA EVALUACION.  La Autoevaluación. fundamentados en el sustento teórico consultado y comprendido. Es un tipo de evaluación que toda persona realiza a lo largo de su vida. sin lugar a dudas. a través de estrategias metodológicas que permitan el análisis crítico del proceso académico a desarrollarse. ya que continuamente se toman decisiones en función de la valoración positiva o negativa de una actuación específica. en coherencia con el modelo político – académico – pedagógico de la Universidad Nacional de Loja. 17 . así como instrumentos de evaluación.  El producto acreditable del segundo momento consistirá en la presentación y socializaron del informe escrito sobre la investigación realizada. Este documento debe contener: a) b) c) d) e) f) g) h) m. un trabajo realizado. sus deberes presentados.

con adecuado conocimiento y perspicacia. Además debe comprender la influencia que su juicio va a tener en una valoración global que se realice posteriormente a su actuación y progreso.  La Heteroevaluación: Es necesario que una persona evalúe a la otra sobre su: trabajo. La orientación del docente es importante e imprescindible para evitar la excesiva influencia de la subjetividad en la propia evaluación. en cada fase del proceso se aplicarán:     Pruebas orales y escritas Exposiciones Reportes Aplicaciones En el desarrollo y sustentación de la investigación Formativa del módulo se tomará en cuenta lo siguiente:      El informe de investigación. constatando el cumplimento de las normas de redacción científico-técnica La sustentación individual Dominio de contenidos Contextualización de las temáticas Expresión oral. recomendaciones y correcciones. una antipatía al mismo docente y competencia entre estudiantes. responsabilidades y actividades en su nivel de realización. que puede realizarse en pares para luego hacerlo en grupos pequeños. Para el caso de los contenidos teórico – prácticos. etc. con el fin de recibir criterios. Otra forma de practicarla. en equipos. honradez. El maestro generará trabajos de grupos. y corrección. De esta manera el mismo estudiante es parte activa de la evaluación. sobre temas o actividades que deben ser previamente planificadas. La coevaluación consiste en la evaluación mutua. conjunta de una actividad o un trabajo. El estudiante es perfectamente capaz de valorar su propia labor y el grado de satisfacción que le produce.  La Coevaluación: El estudiante no se encuentra aislado y solitario en el ambiente social y escolar. consistirá en entregar un cuestionario (anónimo) a los estudiantes. que permita eliminar una serie de dificultades y problemas que frecuentemente suelen presentarse y que luego derivan en un antagonismo a la disciplina de estudio. entre los alumnos. mucho más frecuente cuanto más inmadura es la persona que lo realiza. observaciones. Así despertará confianza en lo que hace y dentro de un ajuste y equilibrio "aprenderá a valorar" su propia acción y generar criterios de autoestima. Esta práctica será introducida habitualmente en el aula. reflexiones. En el proceso de evaluación se tomarán en cuenta los siguientes parámetrosy equivalencias numéricas. 18 . en forma paulatina y con ciertos grados de complejidad. con el fin de que opinen con absoluta independencia sobre lo realizado y contrastar con lo percibido por el docente. rendimiento. que ayudará a que se realice con seriedad. Práctica que será guiada por el docente coordinador. El maestro debe orientar esta actividad mediante pautas sencillas. por lo tanto debe compartir sus deberes. según el avance y desarrollo del proceso. actuación. en los cuales cada uno valora lo que le parece más interesante de los otros. y quizás con algún instrumento (ad-hoc) que pueda elaborar para uso de los estudiantes.

Luís Morocho Lic. son de aprobación obligatoria. Lic. Mieografado 19 .síntesis 0. En este proceso se observará lo estipulado en la segunda disposición transitoria del Reglamento de Régimen Académico de la Universidad Nacional de Loja. EQUIPO DOCENTE Dr. SANCHEZ.PARÁMETROS A EVALUAR Equivalencia  Valores y actitudes: puntualidad y asistencia. La acreditación se la realizará al final de cada unidad. seminario o taller. Historia de la música Universal. Elvis Tapia. Lic.5  Proceso investigativo 4  Pruebas orales y escritas 1 TOTAL 10  LA ACREDITACIÓN Para acreditar el módulo. durante el desarrollo del módulo. E. Verónica Chauvín o. Roque Pineda A. lo que permitirá cumplir con la normatividad institucional para la aprobación del módulo. será consignada en la secretaría de la carrera o programa de formación”  CALIFICACIÓN La calificación será la sumatoria de las ponderaciones efectuadas a los procesos señalados anteriormente (de aprendizaje e investigación) en una escala de 0 a 10 puntos. México. que textualmente puntualiza: “se evaluarán todos los aspectos inherentes al proceso de enseñanza – aprendizaje. Marítza Hidalgo.5 compromiso institucional  Trabajo individual 1  Trabajo grupal 2  Exposiciones – socializaciones 1  Reportes: análisis. de ser pertinente con la calificación que. Norman Cuesta. (1997). En este sentido. en la perspectiva de avanzar fundamentadamente en la construcción de nuevos conocimientos. Noriega Editores. Lic. Editorial LIMUSA. Lic. 0. El Proceso de la Investigación Científica. Maria E. n. fase o momento. enciclopedia de la música RODICA POP. Lic. el estudiante debe cumplir con todas las actividades individuales y grupales planteadas en cada uno de los momentos del proceso investigativo. José Pió Ruilova P. HAMMEL Y HURHLIMAN. BIBLIOGRAFÍA     Lic. Mario. Elsi Alvarado. Felipe Huiracoha G. ñuego de ser conocida por los estudiantes. Mieografado. Rodríguez Lic. TAMAYO Y TAMAYO. cada uno de los talleres y cursos de apoyo que conforman el módulo. Alex Aguirre T. cuirso. Lic. Lic. Historia de la música universal. Se requiere de la calificación mínima de 7 equivalente a buena para aprobar el módulo.

Editorial Jodoco Ricke. Quito –Ecuador. Programa de Desarrollo del SAMOT. (1995).  CLAIRE BELTRANDO. Música de la Tierra.  OPUS. Mario (2005).  MORENO.(2001). (2009) Ecuador Su Realidad.  VÁSQUEZ S. Lola. Carlos.  ALEXANDER. Banco Central del Ecuador. Archivo Carrera de Música.  CARLIB. GERARDO. Ediciones Abya – Yala. Quito. Diccionario Biográfico. (2002) historia de la Música del Ecuador. EDICIONES Y DISTRIBUCIONES.  GODOY AGUIRRE.Grupo Editorial OCÉANO. (1961) Florilegio del Pasillo Ecuatoriano. Quito. Coorporación Editora nacional. revistas de la Musicoteca del Banco Central del Ecuador Quito.  MORLÁS GUTIEEREZ. revistas de la Musicoteca del Banco Central del Ecuador Quito. Historia de la música en el Ecuador. Editorial ESPASA SIGLO XXI.  AUTORES VARIOS. Editorial Corporación Musicológica Ecuatoriana. Edición Universidad Nacional de Loja.  MORENO. Patier. Luis. Carlos. Grandes Autores y Grandes Obras. Editorial Casa de la Cultura Ecuatoriana.  OPUS.  TITUAÑA. (1987).  HONOLKA. Quito – Ecuador. Quito. Wilman. Música y Folklore Latinoamericano y Ecuatoriano. Freddy. Editorial VOLUNTAD.  GUEVARA. España. Impresión Apligraf. Editorial Corporación Musicológica Ecuatoriana. Gerardo. (2002). Ediciones particulares. Quito. Biblioteca General de Cultura. VALAREZO. ALBA BARREIRO. VICUÑA. Historia de la Música. Quito. Marcelona – España. Fundamentos Teórico – Metodológicos Para La Planificación. Historia de la Música. (1987). Historia de la música en el Ecuador.  HELERS. Impreso en España. Alberto. CONMUSICA. Walter. Edición: Fundación José Peralta. (2007). Marzo (1987). Ediciones. Napoleón. Quito – Ecuador. España. Gobernabilidad y Cultura. Carlos. Marie. Globalización. Madrid. (1970) Música y Músicos. Francisco. Impresión Apligraf. Marzo (1987). SALTOS G. Breve Historia De La Música del Ecuador. Ediciones. Rediseño del Plan de Estudios de la Carrera de Música.  SANCHEZ – PARGA.  GUEVARA. segundo Luís. editado por la TV.  GISPERT.  GUERREO. Músicos del Ecuador. (2002) historia de la Música del Ecuador. Editorial Graó. 20 . (2007). Quito. Documento Anillado. Ejecución y Evaluación de Programas de Formación en el Sistema Académico Modular por Objetos de Transformación.EDAF. CONMÚSICA.  GISPERT. Josélo (1987). El Mundo de la música.  GRUPO EDITORIAL OCÉANO. Ahora Hablamos de lo Nuestro. APOLO BERRÚ. Quito. Universidad Nacional de Loja. Segundo Luís.  GUERRERO GUTIERREZ. Ángel. Webgrafía. (2000). (2000). (1995). (1997). Serie de Estudios Sobre Globalización. Pablo. Editorial Casa de la cultura Ecuatoriana. Origen de la Música y sus manifestaciones en los pueblos aborígenes del mundo actual. (1999) Enciclopedia del Ecuador. (1987). Editorial Casa de la cultura Ecuatoriana. (2008). Banco Central del Ecuador. Manual de Recursos del Maestro. UQUILLAS. Francisco. ALDEÁN. CABRERA. José. El Oro. Richard. Kurt. Primera Parte Quito. Colombia. Sonia. Músicos Del Ecuador. Océano Equipo Editorial. Pablo.

htm 21 .  www.Production/Press_releases/pr0508.htm www.org.ec/English/PAS/Press.com/danzasboyacenses/pasillo.usembassy.sobre-todo.

 Seguimiento y monitoprero del proceso. REFERENTES TEÓRICOS  Música en la comunidad primitiva  Música en la antigüedad  Música en la Edada Media  Música en la época del renacimiento  La música en el Barroco  La Música en el Rococó  Desarrollo de la opera  El clasicismo  El romanticismo  Las escuelas nacionalistas  La música en el siglo xx  Nuevas tendencias musicales  Obras. Delineación del universo de investigación Sondeo de opinión Observación directa Elaboración del Proyecto de investigación. PRODUCTOS ACREDITABLES  Elaboración. Formulación de los problemas. ESTRATEGIAS ACADEMICAS  Lectura. entrega y sustentación de un informe escrito que contenga el diagnóstico de la problemática. Análisis y sistematización de la información.p. PERÍODO PROCESO DE INVESTIGACIÓN Contextualización y caracterización de la Problemática. Septiembre 13 a octubre 28 de 2010. Identificación de los problemas. 22 . formas y compostiores más relevantes de cada época. PRIMER MOMENTO. Aplicación de los instrumentos de investigación Revisión bibliográfica y documental Elaboración del informe escrito con el diagnóstico respectivo. Socialización de la información.MATRIZ DE DESARROLLO DEL MÓDULO III. Caracterización de los problemas y la problemática. ESTRATEGIAS DE INVESTIGACIÓN Acercamientos a la realidad del objeto.  Presentación escrita del análisis cuanti-cualitativo de los resultados obtenidos en la aplicación de los instrumentos respectivos. Sistematrización del nudo crítico de la problemática. analítica del módulo  Conformación de grupos de trabajo  Conferencias – foro  Lectura comentada del material bibliográfico  Elaboración de reportes teóricos  Empleo de técnicas para el manejo de la información  Presentación y sustentación del informe del momento ESTRATEGIAS PRÁCTICAS  Revisión de documentos y sistematización de información.

 Asistencia a bibliotecas y centros de consulta. Octubre 29 de 2010 hasta diciembre 23 de 2010. recepción y socialización del documento escrito que contenga la fundamentación teórica y el análisis crítico de los elementos que conforman la problemática.  Elaboración de fichas y resúmenes. comprensión y explicación de la problemática investigada ESTRATEGIAS DE INVESTIGACIÓN  Recopilación de información empírica y referentes teóricos documentales. PRODUCTOS ACREDITABLES  Presentación del documento con el desarrollo individual de las guías de los contenidos.  Sistematización de referentes teóricos la los – los REFERENTES TEÓRICOS La música en la Argentina La música en Colombia La música en Guatemala La música en México La música en el Salvador La música en Venezuela La música en Nicaragua La música en Perú La Música en Boliva La música en Brasil La música en Cuba Las múisica en Chile.  Presentación. Análisis. Música en Paraguay Música en Uruguay. Contexto Académico. 23 . Contratación y fundamentación teórica de los problemas detectados en el diagnóstico. pular y folklórico de cada región. ESTRATEGIAS ACADÉMICAS  Revisión bibliográfica  Técnicas de trabajo grupal  Reportes escritos  Elaboración de fichas bibliográficas resumen nemotécnicas  Audiciones musicales dirigidas  Conferencias foro  Asistencia a conciertos  Conformación del marco teórico conceptual con las experiencias de los participantes  Informe del avance del proceso investigativo  Exposición  Plenarias  Reflexiones sobre los problemas de la realidad  Presentación y sustentación del informe del momento II ESTRATEGIAS PRÁCTICAS  Revisión de documentos y sistematización de información.SEGUNDO MOMENTO PERÍODO PROCESO DE INVESTIGACIÓN Fundamentación teórica y análisis crítico de los elementos que conforman la problemática.

.Pueblos en situación de asentamiento voluntario. . .División Político administrativa . .Visión histórico social de la música ecuatoriana.La música indígena en la época prehispánica. . . .  Enero 3 de 2011 a febrero 16 de 2011.Tercer Momento PERÍODO PROCESO DE INVESTIGACIÓN Formulación de propuestas y socialización de resultados Consecución de los objetivos de la propuesta.La cultura popular. .Ritmos y géreros populares y tradicionales del Ecuador. . ESTRATEGIAS ACADEMICAS  Integración del producto acreditable final  Presentación y socialización del informe final  Taller de trabajo la tutoría el coordinador ESTRATEGIAS PRÁCTICAS  Revisión de documentos y sistematización de información  PRIDUCTOS ACREDITABLES  Documento escrito sobre el avance de la propuesta  Presentación del informe final del módulo integrado por los tres momentos  Sustentación del trabajo con exposición pública de la propuesta.   ESTRATEGIAS DE INVESTIGACIÓN Aplicación de los lineamientos de la redacción científica – técnica.Las comunidades y la conformación de la sociedad negra.El nacionalismo musical ecuatoriano.Visión Geopolítica del Ecuador . .Características físicas y regiones naturales.La música Religiosa. . ajuste y valoración de la propuesta. REFERENTES TEÓRICOS . Formulación de lineamientos que transformen el estado actual de la problemática y contribuya a su superación Socialización de los resultados Discusión.Población del Ecuadro según autodefinición.La cultura aafroecuatoriana. Presentación y sustentación del informe final.Siglos xvi y xviii .La música en el sighlo XIX .  24 . Propuestas alternativas que coadyuven a la solución de la problemática.Nacionalidades Ind´ñigenas del Ecuador.Las bandas de música. .La música y las danzas populares.

Nada la define mejor que la emoción que cada uno experimenta al escuchar una obra. era música toda ciencia o arte que inspiraba en el espíritu humano un sentimiento de placer y de equilibrio. impotente para expresar cualquier cosa. En todas las épocas se ha discutido sobre qué es y cuál es la buena música. que la música era esencial para la vida del Estado. estimular el trabajo! ¿Quién no ha experimentado. elocuencia y poesía heroica. en ciertas estaciones. ¿El arte más inexplicable? Hasta el momento." La afirmación de Ludwig van Beethoven (1770-1827) según la cual "la música es una revelación más alta que la ciencia y la filosofía" contrasta con la de Igor Stravinski (1882-1971). al son de algunos instrumentos. mímica. arte y lenguaje complejo para otros. Soportada o intensamente vivida. SONIDOS Y RUIDOS En los arrozales del Sudeste asiático y de Japón se puede presenciar. la música de los antiguos griegos no puede ser descifrada enteramente: si bien se pueden identificar las notas. sin duda la menos "explicable". la música tiene poderes inmensos e interviene en todas las actividades humanas. chapoteando en un agua pardusca. se ignora su duración. los niños atenienses empezaban a ir a clase del citarista. la música es la más inmaterial de las artes. las nueve diosas que presidían en las artes liberales: historia. que influía en el espíritu de cada ciudadano y que por ello suavizaba las costumbres del país. cuando declara: "Considero que la música es. los supermercados emiten melodías dulzonas desde que los especialistas en la venta descubrieron que ello estimula a la clientela. comedia. Confucio. músicos y teóricos han dado de la música definiciones tan divergentes? La concepción del filósofo y músico Jean-Jacques Rousseau (1712-1 778) es la más conocida: "La música es el arte de combinar los sonidos de una manera agradable al oído. nadie ha podido definir cómo y por qué se siente la emoción musical. como lo expresó el filósofo griego Pitágoras (siglo -vi): "La música es la ciencia del orden en todas las cosas. ¿Es por esta razón por la que fiilósos. cuando ya habían asistido a las clases del gramático. un sabio chino.SUSTENTO TEÓRICO LA MÚSICA EN EL CONTEXTO MUNDIAL La educación musical ocupaba en Grecia un destacado lugar: al cumplir los 11 años. la iglesia ." Simple diversión para unos. la música no era una disciplina particular. danza. se inclinan y se incorporan con un movimiento perfectamente sincronizado. ¿Cuáles son sus orígenes? ¿Por medio de qué fenómenos toma posesión de nosotros? SUAVIZAR LAS COSTUMBRES Para los filósofos griegos. tragedia. Durante largo tiempo. por su parte. la música tiene poderes todavía desconocidos: la "musicoterapia" (tratamiento de ciertos trastornos mentales mediante la música) se está practicando ya en algunos hospitales. uno de los más grandes compositores del siglo xx. por lo menos una vez en su vida. la más conmovedora tal vez. donde aprendían a tocar la cítara. astronomía. sino todo lo que pertenecía a las musas. pero también arte difícilmente delimitable." Por la misma época. que habla tanto al cerebro como al corazón. un extraño baile: una multitud de mujeres. En la actualidad. le asignaba un papel político por excelencia: le asignaba nada menos que el papel de ¡mantener el orden público! Estos pensadores consideraban. la extraña fuerza que la música libera? Arte completa. poesía lírica." El músico francés Paul Dukas (1865-1935) se muestra más exigente: "La música es ante todo un arte de expresión seria y sublime. MÚSICA. por su propia esencia. La música ha encontrado allí una función insólita: ¡unir en el esfuerzo. pues. música. la flauta o ambos instrumentos y se iniciaban en el canto coral.

según la primera sílaba de los versos del himno a San Juan Bautista: UT queant laxia = ut (luego. de Bach a Chaikovski. San! 26 . se produjo un cambio completo: la música "a la italiana" era aplaudida como la única música verdadera. las notas eran designadas por letras latinas. La escala occidental ha resultado de adaptaciones sucesivas. En el siglo XII. un siglo después. que procede de medio tono en medio tono. mi. ¡oh. re.consideró los instrumentos como diabólicos y la voz humana como la única capaz de alabar a Dios. etc. limpia de todo pecado los labios impuros de tu servidor. el estreno de La consagración de la primavera. sol a sol. y así sucesivamente. DEL RITMO DE LOS DEDOS A LA ELECTRÓNICA Desde el ritmo más sencillo que todo el mundo puede llevar golpeando una mesa con los dedos de una mano. filtrados o multiplicados por la cámara de ecos. la. La escala ascendente no corresponde a la escala descendente. pues podían turbar el alma de los fieles. para muchas personas no es más que un número demasiado elevado de decibelios.). El nombre actual de las notas se debe a Guido d'Arezzo (siglo xi). suplantando a veces la escala "nacional". si. hasta las obras elaboradas a partir de ruidos electrónicos refinados. en la corte de Luís XIV de Francia. He aquí tres ejemplos: En China y en el Extremo Oriente predomina la escala de 5 grados. Los intervalos entre las notas son desiguales: do. de Stravinski. durante la Reforma. sol. B = si. Por razones controvertidas. parece relativamente fácil percibir la diferencia entre un sonido elemental más o menos perfeccionado (la voz humana. de ahí la ausencia de tecla negra intermedia. mientras que la gran mayoría de los aficionados a la música se deleita sólo con obras del pasado. pasando por una sinfonía escrita según las reglas y normas clásicas. La escala musical o gama es la sucesión de sonidos dispuestos en orden de frecuencias crecientes o decrecientes. La división de la escala en grados no es idéntica en todas las civilizaciones. sol. que algunos ponen por las nubes. fue acogido con altercados y desvanecimientos. do. ¿dónde trazar el límite entre las sonoridades musicales y los otros "ruidos"? En primer lugar. etc. Las teclas blancas representan la escala natural: do. El intervalo fundamental de todos los sistemas provistos de una notación es la octava: do a do. En la Edad Media. la música de vanguardia no es apreciada más que por una minoría de melómanos. En cuanto a la música punk o hard rock. el órgano tomó así de nuevo el papel que había desempeñado hasta el siglo X: servir a la música profana en los circos y anfiteatros. En 1913. El empleo de los intervalos está regido por normas muy complejas. fa. que tanto gusta a los jóvenes. susceptible de ser escrito en una partitura para que cada uno pueda reproducirlo de una manera idéntica. hoy. un instrumento de cuerda o de viento). etc. la. una obra de inspiración italiana hizo palidecer de desagrado a los fervientes de la música "a la francesa". El teclado de un piano permite comprender fácilmente la estructura de esta escala. aplausos. Los intervalos mi-fa y si-do son de medio tono. amplificados. C = do. y un ruido producido por la naturaleza (tormenta. golpe. Este procedimiento está todavía en vigor en los países anglosajones. suele ser rechazada por la gente de más edad. ha prevalecido en todos los países occidentales. los calvinistas quemaron los órganos de las iglesias. India: 22 grados. Igualmente. Las teclas negras y blancas juntas representan la escala cromática. re. llamada pentatónica.fa SOLve polluti = sol LAbii reatum = la Sáncte Johannes = si Traducción: "Para que puedan resonar en los corazones afligidos las maravillas de tus acciones. Tailandia: 7 grados iguales. Se subdivide en 12 intervalos de medio tono.) o por el hombre (alarido. así como en Alemania: A=la. mi. do) REsonare fibris = re Mira gestorum = mi FAmuli tuorum -. La música pop.

Por convenio internacional. no se percibe más que golpecitos cercanos que corresponden a las diversas vibraciones. de un tubo o de una piel tensa). mientras que un concierto de campanas. de igual altura) pueden ser más o menos intensos: uno puede ser más fuerte que el otro.000 vibraciones se encuentran los ultrasonidos. la organización de estos sonidos o de estos ruidos. La intensidad está determinada por la amplitud de la vibración. Así. que el oído ya no capta. 220. Estos límites pueden variar ligeramente de un individuo a otro.. 440. 110. o sonoridades agresivas que pueden engendrar un verdadero malestar e incluso dolor. la audición es dolorosa y el oído puede sufrir daños. la nota más aguda es de unas 4. la nota mi. y músicas de forma y ritmo complejos que provocan en nosotros reacciones de orden afectivo. Por encima de este nivel. dicha o tristeza. GRAVES Y AGUDOS Cuanto más elevada es la frecuencia de una nota. sino el empleo que el compositor o el intérprete hacen de este sonido. Depende de la fuerza empleada para producir la vibración: al pulsar la cuerda de guitarra. Se ha determinado así una de las características del sonido: su altura.Parece. Para el piano. pensamientos. pues. en la misma época. si se reduce a la mitad la longitud de la cuerda ("pisando" en el traste duodécimo). Según el diccionario de Littré. El artista que organiza los sonidos sabrá ponerlos a su servicio. líquido o gaseoso. el músico Héctor Berlioz escribía en su Tratado de instrumentación: "Todo cuerpo sonoro utilizado por el compositor es un instrumento de música. más aguda es ésta. se obtiene la misma nota pero en una octava superior. Organización que comprende dos elementos indispensables: el ritmo y la altura de los sonidos. 880. al soplar en un instrumento. LA TRANSMISIÓN DE LAS VIBRACIONES SONORAS Todo fenómeno sonoro se traduce en vibraciones muy rápidas. que los transforma en representaciones mentales: imágenes. Por debajo de 20 vibraciones se sitúan los infrasonidos. al número de vibraciones por segundo) convirtiéndolas en impulsos nerviosos. Las notas la claramente audibles son. que corresponde a la nota la3. El ser humano percibe los sonidos de 0 a 130 dB. Esta influencia del sonido sobre nuestro cuerpo puede traducirse de dos maneras: bien por la excitación o el sosiego. tales como alegría. Por encima de 20. cacerolas. Hz." Por tanto. La siguiente experiencia es muy fácil de efectuar: si hacemos vibrar la primera cuerda de una guitarra. en el siglo xix. La intensidad sonora se mide en decibelios (dB). que llegan hasta la hipnosis o el éxtasis. CUALIDADES DEL SONIDO Doblando la frecuencia de una nota. que forman parte de una escala llamada gama" Sin embargo. al pulsar de nuevo la cuerda se obtiene la misma nota pero en una octava superior. hay músicas de forma y ritmo elementales que desencadenan en nosotros la necesidad de marcar el paso o de bailar (excitación física)..000. resulta evidente que no es la naturaleza del sonido (o del ruido) la que crea la música. el diapasón se fijó en 440 Hz. Estos son transmitidos a los centros de la audición del cerebro. recuerdos. Dos sonidos de igual frecuencia (es decir. colores. al golpear sobre un timbal. puede ser considerado como una obra musical. etc. que depende de la frecuencia de las vibraciones y se expresa en hertzs (Hz). Una orquesta sinfónica tocando fortísimo llega a sobrepasar los 27 . obtenemos un sonido determinado. pues. de naturaleza electroquímica. la nota más grave es de 20 vibraciones por segundo aproximadamente.000 vibraciones por segundo. Emanadas de una fuente cualquiera (por ejemplo. bien por el desarrollo coherente de nuestros pensamientos o sentimientos. si está bien organizado. es decir. Nuestro oído percibe sólo aquellos sonidos cuya frecuencia está comprendida aproximadamente entre 20 y 20. Una orquesta compuesta de buenos instrumentos produce ruido al afinar. la música participa de sonidos "puros": la define como "ciencia o empleo de los sonidos llamados racionales. de 55. posible distinguir entre sonidos "puros" y sonidos "impuros". estas vibraciones se propagan por medio del aire o de un medio sólido. de una cuerda. El oído reacciona a las frecuencias (es decir. vasos y máquinas de escribir. pues. La diferencia entre el simple ruido y lo que se llama música es. a fin de que expresen lo más aproximadamente posible su propio sentimiento: músicas sosegadoras.

un "tablao" flamenco en Granada. bodas o durante las grandes procesiones y alcanza toda su significación en los funerales. El mismo que tiene. NACE LA MÚSICA Un tocador de flauta en los Andes.. El lamento de las plañideras. una sesión de free-jazz en el Soho londinense. el exótico sitar de un virtuoso indio. con pasos cadenciosos. un papel importante. Por esto es por lo que músicos y físicos tienen a veces tanta dificultad en hablar el mismo lenguaje. el momento en que el desaparecido franquea el umbral de una nueva existencia es anunciado con toques de trompetas. 28 . Así pues. cuando se pulsa la cuerda de un piano. Desde los primeros tiempos de la humanidad hasta nuestro sofisticado siglo xx. La música es la más universal de las artes: pertenece a cualquier tiempo o lugar y. Un acordeonista en las calles de Montmartre... todavía hoy. se afirma como una presencia indispensable. los armónicos. lo que el cerebro percibe es diferente de lo que los instrumentos de medida detectan. El último disco electro-acústico. ceremonia que señala el paso a otro mundo. la plegaria de un almuédano desde un alminar en Bagdad.. exámenes de piano en el conservatorio. Dos notas de igual altura. El timbre es un fenómeno complejo. profieran lamentos y griten en la hora de la muerte. Pero en general se ignora el efecto de la duración sobre el timbre. la suntuosa representación de una ópera de Wagner en Bayreuth.. las marchas revolucionarias del Vietnam. intensidad y timbre pueden ser más o menos duraderas. un grupo folk escuchado por miles de jóvenes. en sólo una fracción de segundo.. espirituales negros cantados por la coral de una iglesia americana.. sin duda. Una representación de teatro no japonés. El arte más universal Estos ejemplos nos demuestran que cada grupo humano. con sortilegios. a su manera y de acuerdo con la tradición de su cultura propia. La Función Religiosa se manifiesta principalmente con motivo de nacimientos. Gritos y danzas precederían la expedición de le dores. En el África occidental. Actualmente se admite que la primera manifestación "musical". pues el cerebro humano no detecta las relaciones entre los armónicos más que en ese instante.100 decibelios de intensidad. Este fenómeno es importante para identificar un timbre. Hasta hace unos 40.. gentes de todas las civilizaciones han acompañado con ritmos y melodías los principales actos de su vida. pero en cada uno está acompañado por otros sonidos menos intensos. Son el número y la intensidad de los armónicos los que crean el timbre.. El canto debió de surgir con de palmas. ritos de iniciación. En los países mediterráneos. esperando que de este modo se propiciarían la caza. una misa de Pascua en Tierra Santa. la tradición establece que las plañideras salmodien. y Ia palabra apareció hace varios cientos de milenios. El primer canto humano Nunca se sabrá cuándo se escuchó música por primera vez. Para nuestros lejanos antepasados. la música debía de tener. Desde su origen. desde hace milenios. entre los pueblos primitivos que aún viven en la Edad de la Piedra. La frecuencia de los armónicos se sitúa por encima de la del sonido fundamental. Tomemos una trompeta y una flauta para producir la misma nota: un la de 440 Hz. debió de producirse tra la aparición de la palabra. el oído percibe una variedad muy extensa de sonidos armónicos. Por ejemplo. crea música.000 años no aparecen las primeras representaciones de instrumentos de música.. la música reviste una doble función: religiosa y profana. El sonido fundamental producido por cada instrumento es el mismo. muy primitiva. La duración de las notas de una composición determina el ritmo de ésta. La duración es una noción aparentemente sencilla: lapso de tiempo durante el cual se produce un sonido. que hacen que la misma nota suene con un timbre distinto en cada instrumento.

y las aguas se dividieron en tres masas. Nació el destino. Para el hombre primitivo. a veces." De India a Java. . religiosas y sociales son necesarias para alabar a los dioses y atraer su favor. por ejemplo..tam La Función profana: acompaña los actos de la vida. para seducir o para narrar. por ejemplo. quiero procrearlo a través de vac (la voz).. después lloró. la aparición del universo. es el dios Toth quien lleva a cabo este acto aplaudiendo con las manos y emitiendo siete carcajadas. fue debida al ruido que producía un cocodrilo al golpearse el vientre con la cola." Si la divinidad pudo crear el mundo con su propia voz. Se cantan o se tocan ciertas melodías para hacer que llueva. Entonces. Comunicar con los dioses La música alcanzó una nueva significación cuando se convirtió en un instrumento de comunicación con lo invisible. el origen de todo.. para favorecer la siembra. lanzó un grito. esta última rió. Meditó en silencio. se inclinó hacia la tierra y creó la serpiente pitón que es la presciencia universal. al percibir el sonido. por ejemplo.. la música interviene igualmente en otros actos de la vida: sus virtudes mágicas. para obtener una buena caza. con el espíritu. El brujo como músico Existen otros medios de comunicarse con las fuerzas temidas: los sacrificios de animales. también pudo hacerlo con la ayuda de un instrumento musical: según una creencia javanesa. de los zulúes a los chinos Un antiguo texto indio dice: "Prajapati deseaba multiplicarse y procrear. Lo que estaba en su espíritu se convirtió en el saman (el canto) y entonces consideró: yo llevo en mí un embrión. expuesto a los ataques de los animales. tras lo cual el dios silbó. La música expresa la esperanza y el placer en los cantos de amor. la orquesta interpretaba piezas de un ritmo cada vez más acelerado. las bandas de música acompañaban al muerto al cementerio con marchas lúgubres e himnos religiosos. Toth expresó por otras seis veces su alegría y nacieron seres y fenómenos nuevos: "La tierra. hasta que el movimiento prendía en los pies de los acompañantes y el cortejo fúnebre se transformaba en una bulliciosa comitiva que recorría las calles en medio de una gran expectación de curiosos. Cada música adapta su ritmo al trabajo al cual acompaña. Ésta dirigió su mirada a la tierra y profirió las tres notas musicales: ¡AO! Entonces el dios que es el señor de todo nació del eco de estos sonidos. se plegó. para tejer. según la mitología china. desamparado frente a la naturaleza. comunicarse con ellos. las penas y alegrías de la guerra en los cantos épicos. con su propio canto. por tanto. Y. dieron lugar al nacimiento de siete dioses. La música empezó a constituir entonces un vínculo entre los hombres y la divinidad. comenta los relatos más apasionantes (cantos narrativos). al regresar. asustar. En el origen del mundo. obsesionado por los misterios de las fuerzas hostiles que le rodean. acompaña danzas o acompaña la acción en una obra de teatro o en una película. KA la atmósfera y HO el cielo. conforme a una tradición de los zulúes.a los dioses y a los espíritus que rigen el mundo y ordenan el transcurrir del tiempo. Ciertas leyendas indias dicen que proviene de una orquesta de tambores. de un aire majestuoso y lento. El objetivo primordial es atraer -o.y el son del tam . En Egipto. pero. Pero la 29 . Emitió vac y cortó el embrión en tres partes: A fue la tierra.. es vital propiciar a los dioses y.En los comienzos del jazz. o al de una flauta. Los hombres aprendieron así el poder de hechizo de los ritmos y sonidos. corresponde al movimiento regular de los mazos que aplastan el mijo. entre el Cielo y la Tierra. poniendo ritmo a los trabajos efectuados por el hombre para obtener alimento y satisfacer las necesidades materiales. a su vez. En las sociedades primitivas. después la justicia y el alma. Al ver el día. En los relatos sobre la creación del mundo suele intervenir un elemento acústico.. la aparición del universo fue debida al sonido de una campana. según la tradición. el ritmo del tam-tam. Estas manifestaciones de gozo.

Una música profana presidía en los banquetes. hace unos 40. También la gama de timbres disponible era particularmente extensa. por lo tanto. ¿Bloques grabados con música? En Gran Bretaña. médico de la tribu. El brujo es a la vez el celebrante del rito y el organizador de la música. Grecia 30 . se labraban no sólo objetos sonoros (tablas o piedras que suenan al hacerlas girar. es posible saber qué acorde emitía el instrumentista en aquel momento. diosa del amor y de la música. el timbre de la voz. algunos expertos han llevado bastante lejos sus investigaciones. Un instrumento parecido se encuentra también en una imagen no tan antigua en África del Sur. La polifonía a dos o a tres voces existía ya entonces. El canto. no obstante. de Indonesia (foto superior. la lira. Los primeros tiempos de la música: La prehistoria En su origen. Se ha conservado el texto de ciertos himnos o plegarias. es responsable de todas las actividades rituales. la música tiene una función mágica. En el paleolítico superior. cuatro o cinco tonos. Estos bloques.000 años después En la Edad de la Piedra. Poseedor de todos los conocimientos. Han descubierto que a la fila visible de puntos correspondía una secuencia audible de sonidos y que. Al parecer. vendimias. como ocurre actualmente en las tribus primitivas del Amazonas. el instrumento adecuado para complacer a los dioses. a la derecha). el arpa. por ahora se debe tener mucha cautela con tal tipo de conclusiones. Sumer Es ésta una civilización centrada en la religión como ninguna otra. En nuestros días. preparado durante horas por ritmos incesantes. a la izquierda) y de la selva africana.000 años se utilizaban ya instrumentos tales como el arco musical y la flauta perforada. Es el único que conoce la importancia de elegir bien la cadencia. a partir de la flauta perforada.000 años existían ya melodías de tres. e incluso una música polifónica. según ciertas hipótesis. cosechas y fiestas campestres. La antigua Mesopotamia. silbatos). En la gruta francesa de los "Tres Hermanos" hay un fresco de hace 40. flautas y arcos con cuerda sonora. la trompeta y el timbal eran conocidos en las orillas del Nilo. "escrita". así como a las otras divinidades. ¿Podemos llegar a saber qué clase de melodía salía de los dedos de esos músicos? Parece improbable. la mayor parte de los cuales eran cantados y acompañados con arpa (foto superior. podemos encontrarlo también entre los bosquimanos y otros pueblos primitivos. Sin embargo. o megalitos. Podrían constituir alguna especie de música grabada. símbolos de ritos sagrados y coreográficos. Himnos brillantes celebraban a Hathor. que intrigan a los sabios. Sonidos que resuenan 40. Pero la quironomía (el lenguaje de los dedos y de las manos) permitía al cantante obtener de quien le acompañaba la secuencia de notas deseada. Gracias a la posición de la mano sobre el arpa.000 años que representa a un brujo enmascarado tocando un arco musical. Pero el enigma no está. sino también verdaderos instrumentos de sonido determinado.forma de comunicación más perfecta es el éxtasis. la danza y el mimo son anteriores a las más antiguas pinturas rupestres. es decir. Egipto No hay duda que el arpa. en Escandinavia y en ciertas islas del Pacífico existen extrañas hileras de grandes bloques de piedra. a varias voces. podrían ser. muy antiguos. La música es interpretada por sacerdotes y músicos profesionales. no existía ningún tipo de notación musical. con lira y con algún otro de los instrumentos entonces conocidos. de la cual se han encontrado varios ejemplares. resuelto. ni mucho menos. hace 40. y pondrían de manifiesto una particular forma de polifonía cuya tradición se extendería de Europa a Melanesia.

Hasta el siglo IX. no está basado en las Escrituras. Los instrumentos de arco. con algunas excepciones (Nerón). La música. En el siglo x. Sófocles). principalmente el de la flauta. abajo) son. el drama. el público escucha el órgano hidráulico importado de Egipto e imponentes fanfarrias. No obstante. en el que los versículos del salmo se alternan entre dos coros de fieles. su función ética y religiosa desaparece. En el siglo IV aparece el canto antifonal. Se trata esencialmente de un canto de alabanza a Dios. nada se opone ya al desarrollo y a la reglamentación de la música litúrgica. año 476 de nuestra era: es el final del Imperio Romano de Occidente. arriba) aparece en las representaciones de Apolo. generalmente el sacerdote o el obispo. el mousikós era considerado como un sabio en la antigua Grecia. ya que los focos de la nueva creencia se encontraban en Oriente (Antioquía. La primera notación musical —todavía muy sucinta— se remonta al siglo VI antes de nuestra era: Pitágoras propugna que el universo está regido por leyes numéricas. aparece entre los primeros cristianos una forma de origen popular: el himno. sin embargo. el músico se sitúa por encima del escultor. aún no se conocían. la música se convierte en pura diversión. El instrumento favorito de los griegos. Bailarines y músicos (foto de la derecha. los fieles responderían periódicamente al solista con una especie de estribillo cantado (Amén. escrito especialmente para ciertas solemnidades o ceremonias religiosas. pero su empleo es más complicado: está constituida por 24 intervalos que forman "modos" y "armonías". A partir de este siglo se inicia la polifonía (varias voces). la frase. termina con melodía y subraya ciertas palabras. esclavos. Poco después. los neumas -signos colocados encima del texto y subrrayados no sirven más que de ayuda a la memoria. Roma La música y la poesía se separan: por primera vez en la historia. hablada al comienzo. que se afirma gracias al impulso de la Iglesia. en que la Iglesia consolida su influencia. A lo largo de toda la Edad Media (del siglo Val xv) se desarrolla una nueva música. La música religiosa ha desaparecido: renacerá. así como para fijar las normas que regirían el desarrollo del culto. siempre monódica (una sola voz) a veces era compuesta por grandes poetas (Eurípides. que son también las de la música. para un nuevo culto.Los filósofos se ocuparon frecuentemente de la música. la música es esencialmente monódica (una sola voz). Aleluya): es lo que se conoce con el nombre de canto responsorial. En música. La música de los primeros cristianos La ausencia de documentos nos impide tener un conocimiento preciso de la música cristiana en sus orígenes. La Iglesia primitiva tomó del ritual judío la modalidad de la salmodia. El texto. En la jerarquía social. Como influencia tardía de la música griega. Sin 31 . La escala diatónica es parecida a nuestra escala natural de siete grados. él puede ser provisto de varias embocaduras: éstas le permiten producir los sonidos más variados. la cítara (a la derecha. Cantar y tocar en honor a Dios Roma. es decir. se sabe que los primeros cantos de la Iglesia primitiva estaban inspirados en ritos judíos y en melodías paganas antiguas. El nacimiento del canto gregoriano En el año 313. para participar más de lleno en la acción litúrgica. la recitación cantada de los salmos de la Biblia. Esquilo. síntesis perfecta de la poesía. Precursor del oboe y del clarinete. Alejandría). por el contrario. matemática misteriosa. fuente de sabiduría y purificación. En el circo. Los cristianos se inspiraron en las costumbres locales para establecer las primeras formas musicales. La línea melódica queda mejor definida en el siglo xi. Empieza una nueva época. la ruptura no es inmediata: los primeros cristianos mantienen durante varios siglos las tradiciones de las culturas orientales y de la civilización greco-latina. dios de la música. el edicto de Milán autoriza oficialmente la celebración del culto cristiano. Estos salmos eran cantados por un "lector". en las catacumbas donde se refugian los primeros cristianos durante las persecuciones. la danza y el canto.

Las formas angulosas pasaron a ser redondas en el siglo xvii. para indicar el do. Estos signos indican la línea general de la melodía. generalmente indicaba la nota fa. la música fue monódica (todas las voces sonaban al unísono). sea posible reproducir exactamente una melodía? Este problema preocupó a numerosas generaciones de músicos. Más tarde apareció una tercera línea: se había establecido ya el principio de las líneas a intervalo de tercera. La memoria como único apoyo Al principio. que indicara al mismo tiempo la altura y la duración de los sonidos. por lo cual resultaba relativamente fácil aprenderla de memoria y ejecutarla sin partitura alguna. No índica ni la altura de los sonidos.. La notación musical: mil años de ensayos e investigaciones ¿Cómo visualizar la música por medio de signos escritos de manera que. en color amarillo o verde. como un recordatorio para el cantor. las ornamentaciones. Fue entonces cuando apareció la necesidad de un sistema de notación. y al principio de la línea se escribía la letra que representaba esa nota: era el nacimiento del pentagrama y de la clave. Después de múltiples tentativas. También era necesario fijar la duración de los sonidos. Esta notación se usa aún en la música gregoriana. ni las entonaciones. Pero en el siglo ix empezó a desarrollarse la polifonía. eran de color negro. factor indispensable para ejecutar piezas polifónicas que superponen valores diferentes de notas. no permite descifrar un texto desconocido. El gran problema: fijar la altura y la duración de los sonidos El progreso más "revolucionario" se produjo cuando alguien tuvo la idea de disponer los neumas en torno a una línea trazada encima del texto. y desde entonces se hizo cada vez más difícil aprender de memoria las melodías. trazada en color rojo. Una etapa decisiva en la evolución de la notación musical comenzó cuando las notas dejaron de ser representadas por trazos y empezaron a representarse primero por medio de puntos y después con cuadrados. en la época del músico francés Pérotin (principios del siglo xiii) se estableció una correspondencia entre la forma de la nota y su duración. En el siglo xvi se empezó a dibujar sólo el contorno: era la notación blanca. ni la tonalidad. la extensión de las melodías hacia el grave y hacia el agudo impuso la necesidad de las dos líneas que faltaban todavía: pero hasta dos siglos más tarde no se generalizó el empleo del pentagrama actual. leyéndolos. A partir de entonces. La línea fijaba la altura de la primera nota de la melodía. Es decir. dando origen a las notas actuales. rojo o azul en toda la figura. Consiste en una serie de líneas y puntos escritos encima del texto litúrgico. Esta primera línea. "señal hecha con la cabeza o con la mano"). los músicos occidentales no sentían la necesidad de escribir sus composiciones: durante varios siglos. Fueron necesarios más de diez siglos de titubeos para establecer un sistema preciso. recordarlas por largo tiempo y. el elemento principal sigue siendo la memoria del intérprete. sobre todo. de forma cuadrada. El sistema de los neumas está concebido como una especie de taquigrafía. las notas completamente negras designaron valores más pequeños. 32 .embargo. Las notas. En el siglo xiv. ni los ritmos. Después se añadió una segunda línea. más tarde servirán para indicar los intervalos.. ejecutarlas correctamente. Primera visualización de la música Desde el siglo ix al xii se desarrolla el sistema de los "neumas" (del griego neuma.

de tal manera que ambas se perfeccionaron simultáneamente. al igual que la sexta. Ars nova Estas importantes modalidades corresponden a la necesidad creciente de dar al canto litúrgico un poder expresivo más intenso. por los egipcios y los sumerios. Esto da lugar al nacimiento del motete (del francés mot. la voz tenor no cantará obligatoriamente con notas sostenidas durante largo rato. ha tenido una influencia decisiva en la difusión universal de la música occidental. Este primer intento de polifonía se denomina diafonía u organum paralelo. siguieron este proceso: la melodía se dobló con una segunda voz. Sea como fuere. Estas nuevas formas musicales (organum con vocalismos. se abandona el paralelismo y se busca que cuando una voz sube la otra baje y viceversa. sin acompañamiento instrumental (a capel/a). La música pierde su austera grandeza. está concebida como una plegaria cantada que se basta a sí misma. conocían sus principios. Por otra parte. Es el comienzo de la polifonía. El contenido es siempre de carácter serio y moralizador. Por el principio del movimiento contrario. El papado emprende una lucha sin tregua contra los instrumentos: éstos turban el alma del cristiano con la evocación de las diversiones sensuales de la sociedad pagana. El intervalo de tercera era considerado. en contraste con el Ars nova del siglo XIV. pieza escrita libremente y en la que cada voz dispone de muchas posibilidades: el tenor puede cantar una melodía popular o un estribillo en lengua vulgar y no en latín. La monodia será. al mismo tiempo que el vehículo de la palabra divina. A veces se añade una tercera o una cuarta voz para acompañar al discanto. puesto que tiene el poder de elevar el alma del fiel hacia Dios. Se da un nuevo paso hacia delante cuando la voz principal toma un tema distinto al de la melodía gregoriana. Todo ello dará como resultado la forma del conductus. ésta se llamó así por los elementos renovadores que se introdujeron. Esta había sido practicada. quinta o cuarta. los músicos intentaron primero enriquecer el canto monódico. Sólo se tolera la voz humana. Ars antiqua. sin duda. Para ese fin. excepto en Inglaterra. Orígenes de la polifonía Por esta época aparece un nuevo elemento: la superposición de una segunda voz a la melodía.Cuando se sospecha de los instrumentos El canto romano se interpreta al unísono. como disonante. A principios del siglo xii la voz superior desarrolla una "línea" cada vez más compleja. La voz principal se denomina vox principalis (es la voz superior) y se convertirá con el tiempo en lo que llamamos la voz de tenor. debido a su pureza. se alarga con vocalismos (melisma. Gracias a la coordinación de estos progresos aparece por primera vez en la historia la notación musical sistematizada. que la seguía paralelamente según intervalos de octava. pero gana en variedad. Ellos son los representantes de una escuela llamada Ars antiqua. Con el advenimiento de la polifonía se hizo imperiosa la necesidad de una notación musical. la única forma de expresión litúrgica hasta el siglo IX. de esta manera. aunque no la utilizaron. 33 . Los griegos. Pronto se pondrán palabras a los vocalismos del discanto. Léonin (siglo XII) y Pérotin (finales del siglo XII y principios del siglo Xlll). La melodía. La música se vuelve compleja A finales del siglo XI se perfecciona la polifonía. Antes de pensar en combinar varias voces. o monodia. La música es admitida por la Iglesia. conductus) son desarrolladas principalmente por dos compositores de la escuela de Notre-Dame de París. pero debe ser la expresión de una fe intensa. melodía que se canta sobre una sílaba) y de este modo obliga a la voz principal a sostener cada una de sus notas: es el organum con vocalismos u organum libre. "palabra").

impreso en Valencia en 1495. melodías de estilo cortado y desigual. Por el contrario. Esta época se caracteriza igualmente por una rápida evolución artística: las formas simples del arte románico. marca el comienzo de la gran serie de misas polifónicas de los siglos XV y XVI. contemporáneas a la monodia gregoriana. motetes a tres y a cuatro voces. casi siempre instrumental). dan paso a los encajes de piedra del arte gótico. Medio siglo más tarde. rondeaux.Afirmación del individualismo Durante largo tiempo. símbolo de la Trinidad). por agregación de la contratenor (voz suplementaria inferior. Pero a partir del siglo XIII aparecen nombres de teóricos y compositores (Léonin y Pérotin son los dos primeros compositores conocidos). Este período musical de desarrollo e innovaciones corresponde a una evolución política y social: la sociedad feudal. la imprenta tardó en ponerse al servicio de la música. Por fin. publicado en Venecia en el año 1492. 34 . A finales de la Edad Media. poeta y músico que dejó una obra muy extensa (baladas. al mismo tiempo que florece la polifonía. el tratado de composición de Guillem de Puig. no sólo por medio de los sentimientos expresados en ellas. Su Misa de Notre-Dame. la primera debida a un único autor. la música fue anónima: al igual que las melodías populares. dominada por la Iglesia y los señores-caballeros. a cuatro voces. diplomático. etcétera) en la que se explotan todas las posibilidades rítmicas y sonoras. de un contenido armónico cada vez más rico. los cantos litúrgicos eran fruto de una especie de creación colectiva (de los religiosos o del pueblo). teórico del Ars nova que se interesó sobre todo en los problemas de notación rítmica. Dos figuras notables Dos nombres marcan este período de la historia musical: Philippe de Vitry (1291-hacia 1361). el misal de Johannes Hertzog. la música occidental posee ya dos características que le aseguran una indiscutible supremacía: es la única que dispone de notación musical y la única en crear formas elaboradas. La música se vuelve individual y cada autor imprimirá un sello personal a sus obras. permitirá la edificación de una polifonía de la que serán fruto las grandes composiciones del Renacimiento. sino también mediante innovaciones de orden técnico. dividiendo todo valor por dos o por tres. En el campo de la melodía se afirman progresivamente los modos mayor y menor. el desarrollo del motete. Ritmos nuevos Las innovaciones del Ars nova son ante todo rítmicas: abandonando el ritmo ternario (base de la música gregoriana. Inventada por Gutenberg hacia 1440. y Guillaume de Machaut (1300-1377). Hasta principios del siglo XVI no se imprimirán verdaderas partituras musicales. decae ante el empuje de la burguesía. utiliza ya notas impresas en caracteres tipográficos. los músicos tienden a utilizar valores cada vez más pequeños. Así contribuyen a hacer surgir una complejidad rítmica extraordinaria. contiene todavía ejemplos musicales escritos a mano.

Su presencia era también muy apreciada en los castillos: acompañaban con su música las comidas y animaban los torneos entre los caballeros. fuente de los folklores actuales. Se les exigía mucho talento: en su repertorio figuraban acrobacias. prestidigitación. Dos grandes nombres: Philippe de Vitry (1291-1361).. Ars nova: el ritmo se hace complejo. Siglo IV Siglo VI Desde el siglo IX Siglos X y XI Siglos XII y XIII Siglo XIV Juglares Y Trovadores Aprovechando una tregua o un período de paz. poetas y bailarines se lanzaron a los caminos cada vez en un número mayor para divertir a los campesinos en los mercados. medio cantados. los dos primeros compositores. Antífona: dos coros alternándose. El organum con vocalismos: verdadera polifonía a tres y cuatro voces. Ars antigua: la música se individualiza. El conductus se escribe. amenizaban las fiestas de los pueblos y ciudades. El Inicios de la polifonía: diafonía u organum paralelo. bodas y bautizos. Cesa el dominio absoluto del arte gregoriano. Es obra de los juglares y ministriles. El motete desarrolla la polifonía. A veces. herederos de los mimos romanos y de los bardos celtas. poemas líricos o satíricos. El Antifonario recopila la música gregoriana. Edicto de Milán (313): Constantino concede. El vocalismo adorna el canto. se hizo vagabunda. El Papa Gregorio I (540-604). Bailes en la Iglesia y Músicos Ambulantes Desde el siglo XI la música y el baile animan todas las fiestas religiosas. La notación neumática se precisa. e iba permanecer así cuatro siglos. tocar y bailar. a pesar de que las autoridades eclesiásticas condenan esta costumbre pagana. la música. El órgano hace su aparición en las iglesias. distraían a los que tomaban baños en los establecimientos termales. Léonin y Pérotin. fiestas religiosas. Estaban presentes en los pueblos en cualquier ocasión: grandes banquetes. La Iglesia sale de la oscuridad y afirma su poder. que fue el compositor de la Misa de Notre-Dame. A veces se canta a dos voces Los neumas se constituyen en los primeros intentos de notación musical. ayudado por la orden de San Benito. "pagano y corruptor". los aldeanos bailan. Las melodías populares se infiltran en la liturgia. La monodia continúa. Esfuerzos de la Iglesia para unificar la liturgia. un día. algunos cantores con imaginación ¡danzan en los santuarios al son de melodías gregorianas! Con motivo de las procesiones o de diversas ceremonias. Seguían a éstos en sus desplazamientos y en las campañas guerreras. sobre una melodía popular. a los burgueses en las plazas de las ciudades y a los señores feudales en sus castillos. Era hacia el año 1000. libertad de culto. teórico del Ars nova. Se afirman los modos mayor y menor. 35 . "a los cristianos y a todos los demás". Esto fue el origen de una música popular. pantomimas. Guillaume de Machaut (1 300-1377). Se canta al unísono. Músicos callejeros.. Primeros teóricos de la polifonía. a veces. lleva a término la unificación de la liturgia. en su mayor parte músicos ambulantes. además de cantar. La Schola Cantorum propaga la música griega en la cristiandad. Seguían también a los peregrinos por los caminos y las posadas. relatos. impone la llamada música gregoriana Roma se afirma como el centro de la cristiandad. La Iglesia rechaza el instrumento musical.Lo esencial sobre La música religiosa de la Edad Media  Siglo I                                Los cristianos son perseguidos y se refugian en las catacumbas Salmos e himnos: inspirados en los ritos judíos e influidos por las melodías paganas greco-romanas. los salmos son medio recitados.

Los Meistersinger (o "maestros cantores") aparecen durante el siglo XIV. repertorios Los juglares que recitaban cantares de gesta eran particularmente estimados por los nobles. el arpa. desde el siglo xi. Los juglares narraban o cantaban estos textos acompañándose con un instrumento. Entre ellos destacan Wolfram vor Eschenbach. el añafil morisco y la trompa. la guitarra. Los instrumentos de viento constituían una familia aún más importante: axabela. Los músicos-poetas más antiguos son los trovadores. Dan vida a varios géneros distintos: renacen los poemas épicos y los relatos cortesanos. la rota. Los juglares de poesía narrativa crearon obras tan importantes en literatura como el Mío Cid. célebre por haber liberado al rey de Inglaterra Ricardo Corazón de León (prisionero en Austria y también trovador). que elevarán la canción popular al nivel de arte. Es frecuentemente perceptible la influencia árabe. aparecen. amor a una naturaleza omnipresente. etc. se reúnen en corporaciones de cantores que. Pero es imposible tener una idea exacta de éste. Todos ellos escriben en langue d'oc (provenzal antiguo). que aparecen en el sur de Francia a finales del siglo XI. Le seguirán Marcabrú. El repertorio musical de los juglares y ministriles era muy amplio. creaban un universo de sonidos a la vez roncos y suaves difícilmente imaginables hoy día. albogues. la bombarda e incluso el órgano portátil. De origen popular y burgués. En el siglo XIX. el salterio. "cantores de amor"). y Colín Muset. el odrecillo y la gaita. el atambor y el tamborete. los músicos-poetas. es decir. que penetró por España. El principal meistersinger es Hans Sachs (1494-1576). Estos modos de expresión crearon un arte cuya forma era tan refinada como su inspiración. Bernart de Ventadour y Jaufré Ru-del. Richard Wagner extraerá de este rico período musical alemán los temas de varias de sus óperas. duque de Aquitania. A principios del siglo XIII. surgen en el norte de Francia trovadores que escriben en langue d'oil Chrétien de Troyes. sonidos. se inspiran en las costumbres de su tiempo: entusiasmo por las hazañas de los cruzados. Podemos también citar a Thibaud Champagne. dictan reglas de admisión muy severas. muy variados. Y los juglares de 36 . el rabel. que influirá en toda la historia de la música alemana. También España vio toda una floración de juglares. Sus canciones evolucionan hacia un modo silábico que integra las palabras y las sílabas. el Poema de Fernán González o el Cantar del cerco de Zamora. futuro rey de Navarra. y Walter von der Vogel-weide. Estos instrumentos. traductor del Perceval de Chrétien de Troyes. la cornamusa. es el primero de los grandes trovadores. Y entre los de percusión. Blondel de Nesle. Los Minnesánger y Meistersinger modifican poco a poco el estilo refinado de los franceses. los fabliaux (escenas de la vida cotidiana de intención satírica). albogón y otros tipos de flautas. CANTORES DE AMOR Y MAESTROS CANTORES El triunfo de los trovadores franceses influye en los Minnesánger alemanes (literalmente. Cantar de Mío Cid. la cedra y la citóla. Músicos-poetas Paralelamente a los juglares y ministriles de origen popular. es uno de los más antiguos. Guillermo IX. autor de un Perceval. añadieron elementos de música popular. ya que sólo se transmitía por tradición oral. fervor de la fe religiosa. un trovador-ministril de origen modesto. Sus temas. generalmente extraños.Instrumentos. en las que se inspiraban al principio. de origen burgués. Adam de La Halle (1240-1287). Una relativa paz hace resurgir los juegos del espíritu. el atabal y el panderete. A las melodías litúrgicas. romances. es ciertamente el trovador más inspirado: desarrolla el arte de la canción y prefigura la ópera cómica francesa con el Juego de Robín y Marión. que les pedían relatos de cruzadas y de grandes hazañas de caballería: Canson de Roland. Entre los instrumentos de cuerda estaban la vihuela. preocupados por mantener sus tradiciones. el laúd y la bandurria. los misterios religiosos y el teatro profano. Estos artistas (la mayor parte de origen noble) dan testimonio de una sociedad de costumbres algo más refinadas. los que componen (trovar = "encontrar". poeta zapatero de Nuremberg. prefiguran la coral. "hallar") el texto y la música. Estos músicos-poetas son los trovadores. por su ritmo más acusado.

. etc. de Borgoña. La carola: Tal vez la precursora de la farándola. Esta expansión de las artes es fomentada por el mecenazgo de la gran burguesía comerciante y de los duques de Borgoña: Felipe el Bueno y. exagerada preocupación por la forma. En el siglo XV. tanto en música como en pintura.Cantos de oficio: cantados durante el trabajo. El repertorio de los trovadores . . en que la polifonía lo eclipsó. . burgueses.Cantos pastorales: frecuentemente en ellos se habla tanto de las pretensiones amorosas de un caballero hacia una pastora como de los juegos campestres de los pastores. Alfonso X el Sabio o el Arcipreste de Hita tienen abundantes elementos propios de juglares. El nuevo estilo abandona los excesos a los que el Ars nova había llegado a finales del siglo XIV. remozándolo.Las canciones de los juglares. . El sabio arte de los trovadores tuvo una larga vida: hasta el siglo XV. que acaecen en el momento de la separación de los amantes. en estrofas alternadas. En adelante. narran la vida cotidiana. carpinteros. del norte de Francia.Cantos de tela: Cantados por las damas de la corte que hilan y tejen. Se operó así un profundo cambio en el mundo de los sonidos. un juez acaba diciendo quién tiene razón. la evolución polifónica se lleva a cabo bajo la acción de algunos compositores franco-flamencos: de Flandes.Cantos de imaginación: evocan el amor cortés. Las danzas . hambre. . estas regiones son escenario de un gran desarrollo artístico.El corro: La más antigua danza colectiva consistía en un círculo cerrado de danzantes alrededor de un punto fijo (en general. Los comerciantes mantienen excelentes conjuntos corales y los príncipes consideran un honor atraer hacia su corte a los mejores compositores del siglo. hilanderas. .También la música se ve afectada por este cambio de poderes: la escuela de París pierde el papel preponderante que había tenido hasta entonces.Cantos de reflexión: son verdaderos diálogos eruditos sobre un tema concreto. Lo esencial sobre. pero renovándolo. en cadena. Su forma es sensiblemente parecida a la del corro (estrofas y estribillo). la música adquiere una flexibilidad acrecentada por el desarrollo del papel de la melodía.Cantos de narración . mito poético que se define como un código de amor complicado: el caballero amante permanece unido a su "dama" por un amor platónico y sumiso. enfermedades. La batalla de Azincourt tiene consecuencias funestas para los reyes de Francia: su autoridad se debilita.lírica cortesana abundaron tanto en Galicia.Villancicos populares. . éstas composiciones son generalmente obras de poetas-músicos. Príncipes y burgueses Enriquecidas por un comercio próspero. cantos satíricos que ridiculizan a un noble poco generoso. . combinaciones rítmicas y melódicas cada vez más complejas. . después. ponían ritmo a las actividades de los oficios pequeños: sastres. . un árbol o un bailarín). es una forma de corro que puede bailarse en cortejo. Del mismo género es el vodevil. Citemos también los cantos de labranza o cantos al aire libre..Cantos de amor: el cantor expresa en ellos sus impulsos y sus pesares. lavanderas. troveros y Minnesánger (en alemán) describen la vida de su época. a menudo dramáticos. por regla general. como en León y Castilla o en Aragón y Cataluña. poetas-músicos cultos como Berceo. Hay varias modalidades. . . las estrofas son cantadas por un solista y el estribillo por el conjunto de cantores. EL GRAN SIGLO DE LA POLIFONÍA En 1415. trovadores.. Aparte de los numerosos juglares populares. Carlos el Temerario.. en plena guerra de los Cien Años.Endechas: hablan de las inquietudes o de las esperanzas de los pobres durante los períodos difíciles (guerras. Tienen a menudo un carácter muy osado. Bajo su forma vocal. a menudo político o jurídico. Dos interlocutores discuten y expresan su opinión.Cantos de alborada: describen los acontecimientos'. etc. ministriles..Cantos satíricos: género muy popular en el cual los súbditos expresan sus reproches y quejas a la autoridad que les gobierna mal y les explota.Cantos piadosos: se trata de poemas consagrados a la Virgen María. -Cantos populares. artesanos y campesinos. .. Tal es el tema de Tristán e Isolda y de Romeo y Julieta. una mayor 37 . los arqueros ingleses derrotan a la caballería francesa en la aldea de Azincourt. los ingleses y los borgoñones (que han apoyado a los ingleses) se enseñorean de la mayor parte de los territorios franceses. Canciones de cuna. Renovación del Ars nova La escuela franco-flamenca desarrolla el estilo polifónico del Ars nova.Cantos realistas: ddesarrollan los temas de la actualidad militar y social: cantos que alientan.

Canción a tres voces La canción es la forma profana del motete. como la tercera y la sexta. es decir. Aportación del motete El motete medieval era una forma híbrida en la que los textos sagrados y los profanos. Este tema puede ser una melodía gregoriana. pero éstos intervienen a veces cuando una parte vocal no es suficientemente rica. Las misas polifónicas están concebidas para ser cantadas a capella. cuya aportación a la historia de la música será muy importante (polifonía del Renacimiento). una línea melódica más limpia. que a menudo se basa en danzas y toma la forma de éstas. se desarrolla una forma muy refinada: la canción polifónica de corte. gloria. el motete y la canción. como el motete. en francés mots. Puede desarrollarse sobre un tema dado o. las voces y los instrumentos se superponían sin gran coherencia. Paralelamente al canto monódico o polifónico basado en temas populares. pues sus obras llevan impreso el espíritu franco-latino. a manera de un tema coral. armonías consonantes fundadas en la tercera (do-mi) o en la sexta (do-la). de tres a cinco. la voz central (la tenor) desempeña un papel esencial y da su estructura particular a la pieza. de donde deriva el término "motete"). correspondientes a las cinco plegarias de la misa: kyríe. Apenas conocemos la biografía de este verdadero renovador. una canción profana o una creación personal. Las cinco plegarias de la misa La misa es la forma más importante de la música religiosa. no obstante. por el contrario. gracias a una armonía consonante fundada en intervalos definidos. sin acompañamiento de instrumentos. El inglés John Dunstable (1370?-1453) fue el gran pionero. sobre una melodía libre.soltura en el empleo de vocalismos extensos. de la liturgia. Se convierte ya sea en una pieza en la que dos partes instrumentales acompañan a una parte vocal solista (texto de la canción o palabras. una voz superior vocal y dos voces instrumentales. pero es probable que fuera un gran viajante. son vocales y cantan un texto idéntico. El motete de melodía libre creará un vocabulario musical muy rico (evocación del dolor mediante cromatismos. con valores largos. de la alegría por medio de vocalismos. sanctus y agnus dei. ya sea en una pieza en la que todas las partes. sin formar parte. etc. El motivo pasa de una voz a otra o se repite en la misma voz. Prepara el advenimiento de la escuela franco-flamenca. La misa polifónica adquiere su unidad en el siglo XV adoptando un único tema para las cinco partes. credo. Esa evolución pronto se beneficiará de dos influencias notables: la de Inglaterra (introducción de la tercera) y la de Italia (clarificación de formas y estilos). Es una forma vocal compuesta que comprende cinco partes distintas.). Dunstable busca ritmos libres. Generalmente está escrita para tres voces. Pronto van a desarrollarse tres formas musicales que ya cultivó Dunstable: la misa. En el siglo XV. 38 . Su arte no está sujeto a las reglas de composición eruditas. el motete cambia de sentido y se transforma en una pieza de carácter sagrado.

Conocido ya en la Edad Antigua. cuyo tubo está parcialmente tapado en el extremo superior y no deja pasar más que un hilillo de aire. la ciudad de Winchester poseía un órgano de 400 tubos que exigía la labor de 70 personas accionando los fuelles y 2 organistas. el órgano será el único instrumento admitido para participar en el culto. Se le puede considerar como el antepasado del piano. El sonido emitido es agudo y estridente. que se distingue de los demás instrumentos por unas plaquitas de madera (las eclisas) que unen perpendicularmente la tapa y el fondo de la caja de resonancia. constituido por el cuerno de un animal. de fondo plano como la guitarra actual. con la caja esbelta. en forma rectangular o de trapecio. inclinado hacia atrás casi en ángulo recto. LAÚD: en la Edad Media. Antaño muy popular. poseía de 10 a 25 cuerdas. EL ÓRGANO: bajo sus diferentes formas (portátil. Instrumentos de cuerdas percutidas. con una serie de orificios. campanillas. el laúd poseía cuatro cuerdas dobles y una cuerda simple (prima). la bombarda. eventualmente hecho de metal. de caña o de metal. y la guitarra latina. fondo que es plano. ARPA: de origen muy antiguo. el salterio era pariente del arpa. derivada del arco musical prehistórico. TROMPETA MARINA: tan alta como un hombre. que vibra y da el timbre y sonido del instrumento. MANDOLA: instrumento con caja abombada y en forma de almendra. con el nombre de címbalo. Citemos también la flauta a dos dedos: se tocaba con una mano. caramillo. ligeramente abombada. castañuelas. Como las religiosas se servían de ella en sustitución de la trompeta. Sus cuerdas se hacen vibrar con una rueda de madera. Era más pequeña que el arpa moderna. tubo cónico. que se pone sobre un soporte. las formas populares son numerosas: flautín o flageolet (instrumento de pastores). el órgano es el instrumento especifico de la polifonía de la Edad Media. VIELLA DE ARCO (o viola): este instrumento. VIELLA DE RUEDA: instrumento de cuerdas frotadas y teclado. Este instrumento es usado todavía por los músicos húngaros. pero comparable en cuanto a aspecto con ésta. los instrumentos de lengüeta doble han desembocado en el oboe. timbales. Todos estos instrumentos eran generalmente de madera. Las cuerdas se golpean con varillas. al ser accionado un teclado muy primitivo que permite tocar la melodía. la cornamusa. A partir del siglo xv será desplazada por el laúd. Se toca apoyándola en el hombro.Lo esencial sobre los principales instrumentos musicales de la Edad Media La Edad Media rebosa de instrumentos musicales de sonoridades insólitas para nuestros oídos. el serpentón. es el instrumento que acompañará a los miembros de la schola hasta el siglo XVI. El arpa goza en la Edad Media de una gran popularidad (juglares. se colocaba el instrumento sobre las rodillas. que se parece al laúd y a la guitarra moruna. no es aceptado en las iglesias hasta finales del siglo VIII Hacia el año 1000. Flauta travesera: se sostiene "al través". PRECURSORES DE LOS INSTRUMENTOS DE METAL. ya no se ve sino en museos. TÍMPANO: cítara de mesa. INSTRUMENTOS DE PERCUSIÓN Son muy semejantes a los instrumentos de la antigüedad: tambores. RABEL: pequeño instrumento de cuerdas frotadas por un arco. emparentada con la familia de los laúdes. correspondiendo cada uno a una única nota. o contra el pecho. el cromorn. Instrumentos de cuerdas frotadas. la bocina. A menudo no tiene más que una cuerda. o verticalmente sobre la rodilla. GUITARRA: en la Edad Media se utilizaban dos clases de guitarras: la guitarra moruna. ministriles y Minnesánger). Los instrumentos de lengüeta simple son los antepasados del clarinete. inclinándolo contra el pecho. menos difundida que la flauta de pico. Para tocarlo. Citemos también el caramillo. accionada por una manivela. el cornet de boquilla. SALTERIO: de forma generalmente triangular o trapezoidal. 39 . INSTRUMENTOS DE VIENTO. Desde finales del siglo XIII. Algunas cuerdads suenan al aire o como bordones y dan sonidos fijos (cuarta o quinta del sonido fundamental). la gaita y la dulzaina. se la llamó Maríen-trompete (trompeta mariana). se conserva aún en ciertos medios rurales. en cambio. etc. Algunos tienen su origen en la antigüedad clásica. las cuerdas melódicas dan distintos sonidos. mientras la otra accionaba un instrumento de percusión. una especie de trompeta o clarín recto. Posee dos o tres cuerdas. Desempeñará un papel muy importante en el desarrollo de la polifonía. B. Instrumento de acompañamiento por excelencia. Instrumentos de cuerda A) Instrumentos de cuerdas pulsadas. FLAUTA: Flauta de pico (o flauta dulce). posee cinco cuerdas. largo tubo cónico encorvado en su extremo (trompa de los ángeles del Juicio Final). con la parte posterior de la caja abombada. como la flauta de concierto actual. el corno (olifante de la Chanson de fíoland). con caja en forma de óvalo alargado y dotada de fondo plano. INSTRUMENTOS DE LENGÜETA: la lengüeta es una fina hoja de madera. cascabeles. nombre que derivó en "trompeta marina". será el instrumento rey del Renacimiento. CLAVICORDIO: este instrumento de forma rectangular posee un teclado y un mecanismo de martillos que golpean las cuerdas. es tan característico como su caja abombada. Muy extendida en la Edad Media por toda Europa (era el instrumento de los mendicantes). generalmente de madera. positivo o regulable). Las cuerdas se pulsaban mediante un plectro. corneta de forma ondulante. Flauta de Pan (o siringa): instrumento compuesto por la yuxtaposición de varios tubos. con caja de fondo plano o abombado. La trompa. Su clavijero. que suenan al rozarlas con un arco curvo. tamboril. Las cuerdas del laúd se pulsaban con un plectro. campanas. la trompeta marina es pariente del rabel. C. La viella era a veces tan grande que se necesitaban dos ejecutantes.

Favorecen el espíritu crítico y la imaginación creadora. Numerosos compositores lo tomaron como maestro y modelo (Josquin des Prés escribió un Lamento por la muerte de Ockeghem). se instala en las ciudades y las cortes. Su obra. El arte renacentista alcanza su plenitud. le distingue de ésta su preocupación por la claridad de estilo." Le animaba un espíritu humanista y "europeo". se dedicarán a describir la vida en todas sus dimensiones. Contemporáneo y rival de Dufay. sensual y culto. como los demás artistas del Renacimiento. como la Misa del hombre armado y la misa Se la face ay palé. la más antigua misa de réquiem que se conserva.Un lenguaje universal Cuatro compositores ilustran las refinadas innovaciones de la escritura franco-flamenca: El compositor flamenco Guillaume Dufay (1400-1474) trabajó en la corte de los Malatesta de Rímini. los herederos del Ars nova intentan renovarse: hacen fructificar sus legados con eficacia. La balanza está ya equilibrada: por un lado. Y Lutero declaró: "Los músicos hacen lo que pueden con las notas. este músico de gustos muy refinados es conocido sobre todo como compositor de canciones polifónicas a tres voces. al igual que a dos artistas a los que tal vez conoció: Miguel Ángel y Leonardo da Vinci. Las más conocidas son la Missa mi-mi y la Missa pro defunctis. Sediento de conocimientos y de acción. el virtuosismo no ahoga la inspiración: el temperamento vivo y espontáneo de su autor le da una gran frescura. Su música permanece fiel al espíritu del Ars nova. Amenazados de academicismo a principios del siglo XV. 40 . Primeramente chantre en la catedral de Amberes. Pronto gozó de gran fama en Francia. en la capilla pontificia de Roma y en la corte de Saboya. la estructura y la técnica. Sus viajes a Italia le permitieron forjar un lenguaje musical universal. el arte profano. Citaremos por último al músico flamenco Josquin des Prés (1450-1512). los polifonistas continúan cantando a Dios. todas las obras están dedicadas al Creador. Aparece un nuevo movimiento literario. y con él. de gran riqueza. otra escala de valores.. Encuentra también. sin embargo. Italia y Alemania. Luis XI y Carlos VIII). Su individualismo ya no es propio de la Edad Media: como maestros conscientes de su fuerza creadora. sobria y equilibrada. pero sobre todo motetes y misas. los humanistas toman conciencia de la existencia autónoma del hombre. de los reyes. renunciando a ciertos descubrimientos teóricos y a la sobreabundancia de construcciones abstractas. En ciudades y cortes A lo largo de toda la Edad Media. En el Renacimiento.. Cantor en la corte de los Sforza de Milán y después en la capilla pontificia. Los instrumentos de la Edad Media ARMONÍAS DEL RENACIMIENTO A finales del siglo XV se desmoronan las estructuras políticas y artísticas de la Edad Media. Josquin hace de ellas lo que quiere. preparan la llegada del Renacimiento. prevalece en Occidente una concepción de la vida que está influida por la religión cristiana: ya sea en las artes plásticas o en el campo de la música. la mayor parte de ellas en forma de rondó. en la música. Su música. En su obra -20 misas. por otro. Los señores feudales ceden terreno ante el poder. por el contrario. el hombre cuenta en lo sucesivo con sus propios valores. el humanismo. Su inspiración melódica y su prodigiosa habilidad de escritura (llegó a componer un motete a ¡36 voces! le permitieron tratar todos los géneros: desde canciones de carácter melancólico hasta misas que reflejan un fervor místico capaz de emocionar los espíritus del siglo XX. cada vez mayor. Autor de música religiosa. un medio de afirmar su personalidad. Los músicos. tanto las actividades de cada día como las grandes aspiraciones poéticas e intelectuales del hombre. busca la claridad. Lo esencial sobre. 90 motetes y 70 composiciones profanas-. el compositor flamenco Johannes Ockeghem (1420-1498) fue luego nombrado maestro de capilla de los reyes de Francia (Carlos Vil. incluye composiciones profanas (canciones). era llamado por sus contemporáneos el "príncipe de la música". el francés Gilíes Binchois (1400-1460) fue soldado antes de convertirse en capellán de Felipe el Bueno en la corte de Borgoña.

Italia: la música, mensajera del humanismo Italia domina Europa, y no sólo en el campo de las bellas artes. Da al mundo genios como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel o Rafael, pero sobresale también en la producción musical: enriquecido desde el siglo XV por la concepción franco-flamenca (véase el artículo El gran siglo de la polifonía), el arte musical de la península italiana es en extremo elaborado. Al rigor polifónico (muchas veces abstracto y demasiado matemático) del arte franco-flamenco va a unirse el sentido de la armonía italiano. Las voces superpuestas dejarán de seguir cada una su propio desarrollo. Se perfila poco a poco la armonía moderna, ciencia de los acordes y su sucesión. Así nacerá una música construida sobre melodías cortas y sencillas (en oposición a las extensas frases del arte gótico). Enriqueciendo sus poderes de expresión y emotivos, la música se convertirá en mensajera del humanismo. Intercambio productivo La invención de la imprenta permite la difusión a gran escala de las artes y la ciencia. El humanismo encuentra así un eficaz medio de difusión. Algunos decenios después del invento de Gutenberg (1440) aparece la música impresa por medio de planchas grabadas: la primera obra sale de la imprenta de Ottaviano Petrucci en Venecia en 1501. Las primeras editoriales españolas se establecen en Barcelona (1510) y Burgos (1511). En París, el editor Pierre Attaingnant inicia en 1525 el empleo de caracteres móviles. La imprenta ofrece a los músicos un mejor conocimiento de su arte. Facilita el intercambio de obras entre regiones de todo el continente. Las composiciones de los grandes maestros (sobre todo Josquin des Prés) se difunden por todas partes y son fuente de inspiración de composiciones de gran valor que jalonan todo el siglo XVI. Expresar las aspiraciones humanas La predilección por la fastuosidad y la grandeza proporcionará a la música profana una gran riqueza vocal e instrumental, pero además renovará la música litúrgica. Las formas musicales de la Edad Media, dominadas por rígidos convencionalismos escolásticos, se harán más flexibles. En lo sucesivo, el arte musical apunta hacia objetivos muy ambiciosos: describir el mundo que nos rodea y expresar las múltiples aspiraciones del ser humano. Las obras musicales del siglo XVI, bajo la influencia de las concepciones italianas, se distinguen por su claridad y su sencillez: los artistas no se someten ya a normas convencionales, sino que se preocupan por respetar el sentido y el ritmo de los versos a los que ponen música. Desde entonces, el texto adquiere una importancia primordial. Dará a la línea melódica su articulación: la melodía toma un cariz más natural y espontáneo. Constituida por temas breves, se divide en períodos en función del texto. La canción francesa Esta reacción contra el academicismo medieval se manifiesta en las dos formas principales de la música profana del XVI: la canción francesa y el madrigal italiano. La primera nació antes del Renacimiento, pero el siglo XVI supo simplificar y flexibilizar su melodía. Su diversidad es grande: los temas van desde la libre fantasía a la galantería. La canción expresa los sentimientos más delicados, pero no desdeña la broma desenfadada ni las ideas serias; es una especie de enciclopedia profana. El principal compositor de canciones francesas en el siglo XVI es sin duda Clément Janequin (14807-1560?). Pionero de la música descriptiva (más tarde llamada música programática), supo componer extensas obras vocales con una maravillosa precisión rítmica: La batalla de Marignan representa los enfrentamientos tumultuosos de los ejércitos. Los gritos de París y las Sabidurías de las mujeres relataban con humor la vida cotidiana; y el famoso Canto de los pájaros evoca as sensaciones de un amante de la naturaleza.

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LAS GRANDES CORRIENTES MUSICALES DEL RENACIMIENTO Los artistas del Renacimiento merecen el calificativo de "europeos". Abiertos a las ideas nuevas, influyen unos en otros, hablan un lenguaje universal. Las diferencias entre las escuelas no son tan pronunciadas como lo serán en los siglos XVII al XIX. No obstante: - cada escuela tiene su espíritu propio, a falta de un lenguaje particular; - la música religiosa protestante se aparta definitivamente de la católica. Escuela italiana Giovanni Pierluigi da Palestrina (15257-1594) consagra toda su vida a la música religiosa; providencialmente, su carrera de maestro de capilla, en Roma empieza cuando el papado intenta oponerse al rápido desarrollo de la Reforma El Concilio de Trento (1545-1563) reestructura las formas de la música litúrgica, principalmente con la intención de hacer inteligibles los textos cantados Como católico ferviente y gran músico, Palestrina será el portavoz de esta renovación; su inmensa obra (600 motetes, 105 misas y numerosos madrigales) no es la de un innovador, sino que desarrolla con una constante preocupación por la claridad el estilo de los grandes polifonistas del pasado. Palestrina es ante todo el músico de la Contrarreforma, que lucha por oponer la omnipotencia divina a la "humanidad" del Dios de los protestantes. Su música es grandiosa, sin afectación, y la perfección de forma es su principal cualidad. Paralelamente, en Venecia, Adrián Willaert (1480-1562) enriquece la luminosa música coral italiana con la técnica flamenca y Giovanni Gabrieli (1557-1612 desarrolla la música instrumental. La escuela española La edad de oro de la música española culmina bajo los reinados de Carlos V y de Felipe II. El extraordinario desarrollo de la música polifónica es obra de numerosos compositores. El más célebre de ellos es Tomás Luís de Victoria (15497-1611), que pasó gran parte de su vida en Roma. Su obra, esencialmente religiosa, es más personal que la de su maestro Palestrina: música apasionada, de una intensidad mística digna de la también abulense Santa Teresa de Jesús. Otros músicos importantes son el organista ciego castellano Antonio de Cabezór (1510-1566), el vihuelista valenciano Luis de Milán (14907-1562?) y los compositores andaluces Cristóbal de Morales (1500-1553) y Francisco Guerrero (1527-1599). La escuela franco-flamenca La gran escuela borgoñona alcanza su cima con Orlandus Lassus (1532-1594) Viajero incesante, estuvo en la corte de Francia, en Londres y en Milán, fijando al fin su residencia en Munich, donde fue nombrado maestro de capilla del duqut de Baviera. De una curiosidad insaciable y una imaginación renovada constantemente, une todas las tendencias musicales de su tiempo en un lenguaje muy personal. Su obra es inmensa: autor de innumerables canciones francesas y madrigales, dejó también 50 misas y 700 motetes. La música protestante En Alemania y en otros países, la Reforma crea un nuevo repertorio destinado a ser cantado por los fieles. En contraposición, la música católica permanece reservada a las capillas, a veces prestigiosas, que forman músicos profesionales. Según Lutero, la música vocal e instrumental es indispensable en la educación religiosa de los fieles. El gran reformador introdujo en su Iglesia cantos a una o varias voces llamados corales, que se convirtieron en emblema de los músico: luteranos y pasaron a ser la manifestación del espíritu religioso en los países germánicos. Las corales tendrán una gran influencia en la música alemana desde Bach hasta Bruckner. En Francia, Calvino prohibió el empleo de instrumentos en su Iglesia, pero desarrolló el canto de salmos bíblicos, en colaboración con el poeta Clément Maro y el músico Loys Bourgeois. Grandes músicos calvinistas, como Claude Goudime (15057-1572) y Claude le Jeune (15257-1601) se encargaron de armonizar austeramente estos salmos. En la Inglaterra anglicana de Isabel I, la música británica alcanzó uno de sus momentos más altos, con compositores de la talla de William Byrd (1543-1623) Thomas Morley (1557-1603), John Dowland (1 563-1626) y Orlando Gibbon: (1583-1625). Se desarrolló la música instrumental, sobre todo la de virginal.

Una pieza vocal el madrigal

Esta pieza corta, de forma libre, se desarrolla entre 1530 y 1600. El texto -generalmente de autores importantes, como Boccaccio o Petrarca- es resaltado por la música diestramente: el ritmo de las sílabas es el de la melodía, y el sentido de las palabras es expresado por la música. Al principio, esta pieza a cuatro o cinco voces es esencialmente vocal, pero desembocará en la creación l género llamado Esta pieza corta, de forma libre, se desarrolla entre 1530 y melodía acompañada: una sola voz acompañada por instrumentos. El madrigal es la pieza por excelencia para describir la naturaleza, para expresar los sentimientos y las pasiones por medio de audaces hallazgos armónicos y melódicos. Los grandes autores de madrigales son los flamencos establecidos en Italia Jacques Arca-delt (15047-1557?) y Cipriano de Rore (1516-1565), el compositor francoflamenco Orlandus Lassus (1532-1594) y los italianos Giovanni Pierluigi da Palestrina (15257-1 594), Orazio Vecchi (1550-1605) y, sobre todo, Cario Gesualdo (15607-1613) y Claudio Monteverdi (1567-1643).

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La música instrumental En el siglo XVI, la música instrumental se independiza progresivamente de la vocal. Las primeras obras son meras transcripciones de canciones para danzar, pero los músicos crearán pronto un repertorio concebido exclusivamente para los instrumentos. Así, el veneciano Giovanni Gabrieli escribe las primeras obras para un conjunto instrumental. En Italia, aparecen los primeros métodos de flauta y de viola, y en España surgen los primeros métodos de vihuela y de guitarra. En Francia se destinan orquestas de violas y violines a interpretar las danzas populares o reales. El órgano, el laúd y la espineta Estos tres instrumentos conocerán un florecimiento extraordinario. Libre del limitado repertorio del culto, el órgano se convierte en un instrumento solista y se perfecciona. Desde finales del siglo XV, se escriben piezas especialmente concebidas para este instrumento: del alemán Conrad Paumann (14107-1473) procede el más antiguo método de improvisación al órgano; el español Antonio de Cabezón (1510-1566), organista de Felipe II, compuso fabordones, fugas, versillos, tientos, etc.; y los italianos Claudio Merulo (1533-1604), Andrea Gabrieli (15157-1586) y Giovanni Gabrieli (1557-1612) escribieron toccatas, canciones y ricercarí. El repertorio para laúd -y para su equivalente español, la vihuela- está constituido en su origen por transcripciones de canciones, pero se enriquece rápidamente con obras originales. El italiano Francesco da Milano (1497-1543) escribió siete libros de música para laúd; y el español Luis de Milán (14907-1562?) publicó un importante Libro de música para vihuela, que servía de instrucción para los principiantes en este instrumento y ofrecía un repertorio de música vocal acompañada por la vihuela. La espineta (antepasado del clavecín), conocida en Inglaterra con el nombre de virginal, goza de un renombre creciente. Bajo los reinados de Isabel I y de Jacobo I, numerosos autores dedicaron a este instrumento una música sencilla, basada en el género de la variación: entre ellos, William Byrd (1543-1623) y Orlando Gibbons (1583-1625). A finales del siglo XVI queda constituido el lenguaje musical moderno. La armonía está ya prácticamente fijada. Sin embargo, se preparan nuevas conquistas, que ampliarán la gama de formas y aumentarán la variedad rítmica. EL BARROCO MUSICAL Sociedad y cultura en el Barroco En el Barroco cobró un enorme auge la exaltación de los sentimientos frente a la serenidad y a la mirada puesta en el hombre que habían sido propias del período anterior. El Barroco El término barroco proviene del portugués y, en su origen, significó «perla irregular y deforme». Se empleó para describir de manera peyorativa las formas artísticas demasiado recargadas. Hasta el siglo XIX el término barroco se utilizó como expresión desaprobatoria. Sin embargo, hoy en día ya no es así, aunque se sigue usando cuando se considera que algo es excesivamente complejo o recargado. El Barroco fue una época en la que se produjeron grandes avances científicos y descubrimientos que cambiaron la percepción que las personas tenían del mundo. Durante el Barroco se incrementó la ornamentación en todas las artes hasta llegar, en ocasiones, al exceso. La música, por su parte, experimentó un enorme desarrollo. Aspectos sociopolíticos El siglo XVII, y más concretamente su segunda mitad, está marcado por el triunfo del absolutismo en toda Europa, con la excepción de Holanda e Inglaterra. El poder político de los monarcas se fortaleció hasta eliminar toda representatividad, dando lugar a las monarquías absolutas.

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Los intereses nacionales se exacerbaron y pretendieron imponerse hegemónicamente. Durante el siglo XVI fue España la nación hegemónica, y en el siglo siguiente lo fue Francia. Las hegemonías terminaron en el siglo XVIII, fortaleciéndose la idea de equilibrio. La sociedad estaba organizada en tres grupos, llamados estamentos o estados: nobleza, clero y tercer estado o estado llano. Los dos primeros estamentos eran los privilegiados; el otro estamento poseía escasos recursos económicos y estaba excluido de la participación política. Unido al éxito de la monarquía absoluta, el mercantilismo se fue imponiendo en Europa desde mediados del siglo XVII. El Estado desarrolló una política económica intervencionista prohibiendo la salida de los metales preciosos. Se trataba de un auténtico nacionalismo económico que reforzaba el nacionalismo político. SABÍAS QUE... Un rey bailarín Además de monarca absolutista, el rey de Francia Luis XIV fue una gran aficionado a la danza. Se ganó el sobrenombre de Rey Sol a los catorce años, al aparecer en 1651 en un ballet de corte titulado La noche vestido de sol. Fue precisamente una interpretación suya como bailarín en 1670 la que puso fin a la intervención de los aficionados en las representaciones de ballet. Su pasión por la danza también fue la causa de que Luis XIV entrara en contacto con Jean Baptiste Lully, un gran músico que llegó a alcanzar enorme influencia en la corte francesa. La cultura del barroco El Barroco reaccionó frente a la rigidez de las reglas y se convirtió en un aire abierto, libre, que buscaba lo grandioso y lo dinámico. El Barroco, a la vez que fomentaba el interés por el hombre y la naturaleza, exaltaba el absolutismo real y el sentido victorioso y propagandístico de la Contrarreforma católica. La expresión artística estaba en consonancia con el desarrollo de la sociedad. La cultura tendió a encontrar razones justificativas del poder absoluto de los monarcas y a presentar siempre la monarquía en un contexto de «sublime emergencia» sobre el resto de la sociedad. Las luchas religiosas y el enfrentamiento entre reformados y católicos tuvieron grandes repercusiones en el arte y la cultura. En el campo católico, el arte sirvió para realzar la figura de la Virgen y de los santos, produciendo retablos e imaginería de gran valor. La arquitectura se caracterizó por el movimiento, el claroscuro y la grandiosidad. Grandes arquitectos italianos fueron Bemini, Borrommi y, algo más tarde, Juvara.  En la escultura triunfó el afán de movimiento y se dio preferencia a los gestos exaltados y la teatralidad. Destacaron Bemini, en Italia, y Gregorio Fernández, Martínez Montañés y Alonso Cano, en España.  La pintura se caracterizó por el naturalismo, la fuerte expresividad y el claroscuro. Destacaron Caravaggio, Rembrandt, Murillo y Velázquez.  En la literatura se asiste al desarrollo del tema religioso a través de la mística, en el siglo XVI, con San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Jesús, y de los autos sacramentales, en el siglo XVII, con Calderón de la Barca.  En el pensamiento surgió el racionalismo con Descartes y se inició la ciencia moderna, basada en la experiencia y la inducción. La filosofía empirista fue desarrollada por un grupo de filósofos ingleses a cuya cabeza estuvo Bacon. DESTINATARIOS DEL ARTE BARROCO  Alta nobleza. La grandiosidad decorativa exalta el poder y la riqueza de los reyes y de los nobles.  Iglesia. El Barroco ilustra las verdades de la fe y ofrece un marco suntuoso para las celebraciones litúrgicas.  Pueblo. Las imágenes religiosas y la espectacularidad agradan a la gente sencilla.

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Los efectos que excitaban los sentimientos en los conjuntos de los grandes escultores barrocos trató de conseguirlos el músico con el uso del acorde consonante y disonante. Las artes y el estilo musical del Barroco La música acompañó en todo momento los profundos cambios experimentados en la sociedad. Por otro lado. el método científico propició el nacimiento de la ciencia de la armonía (estudio de los acordes). acabó ejerciendo un absolutismo instrumental sobre el resto de la orquesta. las óperas. de sus voces. La arquitectura de línea curva y ornamentación exuberante tuvo su reflejo sonoro en las melodías llenas de adornos y acrobacias vocales. Los músicos adoptaron el término barroco para referirse al período de ciento cincuenta años que va desde los inicios de la ópera. Los castrati recibían una esmeradísima educación musical. la música barroca redujo todos los modos musicales eclesiásticos a solo dos: el modo mayor y el modo menor. y el Barroco se convirtió en la época del virtuosismo musical. La pintura realista y de fuertes contrastes guió a los compositores en sus obras instrumentales y los impulsó a buscar el colorido tímbrico. sobre todo con la aparición de voces artificiales: los castrati. que buscó en la naturaleza la fuente de toda legitimidad. Su extraordinaria capacidad pulmonar y la limpia ejecución de las más intrincadas coloraturas. se incorporaron a la escena operística. un precioso instrumento musical vivo. con lo que desapareció el resto de voces del estilo polifónico. Con estos modos se escribieron la mayoría de las obras musicales que han llegado hasta nosotros. Esta práctica decayó cuando las mujeres. Características del Barroco musical 45 . LOS CASTRATI Los primeros músicos de la historia en alcanzar la categoría de estrellas fueron los castrati. a finales del siglo XVIII. la música tuvo un desarrollo espectacular. y también surgió el virtuoso. teorizada por Gioseffo Zarlino (1517-1590). hasta la muerte de Johann Sebastián Bach en 1750. los enorgullecía más que la tesitura aguda. Un castrato era una maravilla vocal. y elegidos por la belleza de su voz infantil. pero unido a la capacidad pulmonar de un varón adulto. a los que se castraba antes de que llegaran a la pubertad. La alternancia de estas relaciones sonoras provocó movimientos espirituales que suscitaron efectos en uno u otro sentido. para cuyas voces se componía la ópera italiana en los siglos XVII y XVIII.La música en el Barroco En el Barroco. hizo que se produjera un mayor acercamiento entre los diferentes estamentos sociales de la época. y el contraste sonoro. por lo que su destino se consideraba envidiable. que. la cultura y el arte. con grandes intérpretes y un enorme desarrollo de la orquesta y de las técnicas de construcción de instrumentos. complejas acrobacias vocales escritas por los compositores para ellos. hacia 1 600. procedentes de los ambientes más pobres. en el que a un solista o grupo de solistas se opone o contrasta el resto de la orquesta. Consecuencia del racionalismo científico que dominó el pensamiento de la época. La aparición de teatros donde se representaban obras dramáticas con música. Los castrati eran varones. femenina. cantantes de sexo masculino que eran castrados antes de llegar a la pubertad para preservar su voz de soprano o contralto. con el que rivalizaban en resistencia para admiración del público. de una belleza y extensión asombrosas. en cierto modo. con la aparición y perfeccionamiento de nuevos instrumentos. y los que triunfaban amasaban grandes fortunas. con el uso del estilo concertante. Por este cruel procedimiento se conseguía que estos cantantes conservaran el timbre de una voz blanca. y en muchas ocasiones se enzarzaban en duelos con algún instrumentista de viento. La monarquía absoluta impuso el uso de una melodía principal. Podían sostener una nota durante minutos enteros.

 Uso de acordes disonantes con mayor frecuencia. violonchelo y contrabajoque fueron una conquista técnica del siglo XVII y generaron formas musicales propias.  Nacimiento del bajo cifrado o bajo continuo: el compositor da toda la importancia a las voces extremas. etc. Pero durante las primeras décadas del siglo XVII empezaron a utilizarse en Italia las palabras sonata y concierto para designar un número cada vez mayor de composiciones puramente instrumentales. viola. que llevaba la melodía. que era completa ya en la segunda mitad del siglo XVII. y la Contrarreforma.entró. En los primeros días de la ópera. de cuerda o viento. 46 . Este último. La aceptación plena de la música instrumental Hasta el Barroco. y otro de tecla. únicamente se cultivaba en el seno de los dos estamentos rectores de la vida política y espiritual: el aristocrático (las diversas cortes europeas) y el eclesiástico.  Aparición de un ritmo reiterativo y muy marcado. El bajo continuo o bajo cifrado consistía en la interpretación de la línea del bajo por parte de un instrumento grave. Los más famosos fueron Stradivarius. la concurrencia solía ser la comunidad entera. Al igual que había sucedido durante el Renacimiento. y los compositores reservaban sus mejores esfuerzos para la música vocal. Un tercer sector social -el burgués. durante esta época en el universo musical gracias a la ópera comercial. que presenta como ideal la monarquía absoluta. El acompañamiento se indica mediante una serie de cifras (bajo cifrado) que señalan al organista los acordes que puede ejecutar. resultó en buena parte consecuencia del éxito obtenido por los instrumentos de arco -violín. cuya técnica no ha sido superada todavía. Esta aceptación de la música instrumental. Frente al estilo polifónico del Renacimiento.  Supremacía de un estilo armónico: sentido vertical en la música. en el Barroco se desarrolló un estilo en el que la música quedaba reducida a una voz principal. la música instrumental era considerada un género menor. que permitía el acceso al teatro mediante el pago de una entrada. Amati y Guarnieri.  Delimitación e independencia entre música vocal e instrumental. en oposición a la popular.  Nacimiento y esplendor de la música dramática: ópera. llamados Luthiers. sin embargo.Las principales características que definen la música barroca son estas:  Predominio del estilo vertical u homofónico. la música culta o ilustrada. en tanto que los mitos griegos y romanos de donde provenían casi todos los argumentos que se ponían en escena reflejaban los valores aristocráticos de los estamentos sociales dirigentes. Innovaciones musicales del Barroco En el Barroco se produjeron dos grandes innovaciones musicales: el bajo continuo y la tonalidad. completaba el acompañamiento mediante acordes. la voz de bajo. que solía ser el clave. durante el Barroco. La sala de ópera era un modelo de la sociedad del siglo XVII. en el que todas las voces tenían la misma importancia. • El bajo continuo. separada jerárquicamente en pisos y gradas de acuerdo con su posición social. PARA SABER MAS: La música al servicio de la religión y la monarquía El Barroco fue un estilo artístico conformado por las ideas dominantes de la época: el absolutismo en política. y a otra. la reacción cultural de los países católicos de! sur de Europa frente a la Reforma protestante del norte.  Supremacía de la música profana sobre la música religiosa. En esta época destacaron algunos grandes constructores italianos de instrumentos musicales.  Aparición de la orquesta y perfeccionamiento de los grupos de cámara. cantata. siguiendo un sistema de cifras escritas sobre el bajo. La voz superior es la melodía.  El compositor practica todos los géneros de su época. que servía de acompañamiento.

Formas vocales  La cantata. Eran habituales los efectos de nubes que giraban en el escenario. adquiriendo rasgos muy característicos. donde alternan recitativos. De ellos se cuenta la siguiente anécdota: en Cremona. muchas obras musicales se representaron en los teatros y un público cada vez más numeroso pudo contemplarlas y escucharlas. las arias (solos en voces) y. la familia Stradivarius cuelga su cartel: «Hacemos los mejores violines del edificio». coro y orquesta. Los más famosos luthiers vivieron en la ciudad italiana de Cremona.Los Luthiers Durante los siglos XVII y XVlll la construcción de instrumentos musicales llegó a cotas de calidad difíciles de superar.  La ópera. Tenía una orientación dramática. la tramoya escénica de los teatros de ópera alcanzó complejidades asombrosas al servicio del gusto del público por la espectacularidad escénica. cuya iluminación se conseguía con antorchas. carros voladores. a medio camino entre el lenguaje hablado y el canto. volcanes en erupción y escenas submarinas. transformaciones en escena. hicieron de su oficio un arte y una tradición que continúa viva en nuestros días. Amati y Guarnieri. y los personajes dialogar entre sí. Está formada por anas y recitativos y se diferencia del oratorio en que el coro tiene menor importancia y en que tiene un carácter lírico en lugar de dramático (los personajes no intervienen en la acción). Al igual que en el oratorio. Sus partes más importantes son: la obertura (instrumental). el ballet. Obra para ser cantada.La orquesta barroca SABÍAS QUE. Puede usar la lengua latina o la lengua vulgar y se escribe para solistas. que narra la historia mediante el recitativo.  El oratorio. Drama litúrgico sobre la pasión y muerte de Cristo. Decorados y escenografías exigen unos marcos especiales. El resto de los instrumentos (viento y percusión) no eran fijos. 47 . después de años de pacífica coexistencia en el mismo edificio. se sentaban hasta ochenta personas. En los siglos XVII y XVIII. Poseer un instrumento construido por ellos sigue siendo un sueño para cualquier músico. Representación escénica de carácter lírico-dramático. El elemento unificador son los corales que se repiten. Los maestros artesanos. coros y orquesta. acompañada por diversos instrumentos. Se llamaron Stradivarius. un drama de carácter religioso. A menudo los efectos de humo y fuego producían incendios en los teatros. en ocasiones. los coros (voces). sino que variaban en función de la composición. dragones llameantes. En la cantata intervienen solistas.  La pasión. Por último.. Puede estar escrita sobre textos religiosos o profanos. diseñada con asientos y cabinas en las que. Toda esta espectacularidad barroca exigía tras el escenario montacargas. El recitativo consistía en una única melodía cantada (monodia). sino que solamente cantan una historia. por los propios personajes del Evangelio y el pueblo. y en cierta forma es una evolución del motete. GRANDES ESPECTÁCULOS MUSICALES Los teatros no solo se utilizaron para la representación de las obras de los más famosos escritores. ocasionalmente. los interludios (instrumental). Su base estaba constituida por instrumentos de cuerda frotada y el bajo continuo. arias e intervenciones orquestales. Durante el Barroco las formas musicales de épocas anteriores evolucionan al adoptar diferentes innovaciones. llamados desde entonces luthiers. terremotos y desastres. tampoco se actúa.. Está protagonizada por un evangelista. que surgió de la evolución del madrigal. en Roma. Los personajes no actúan. Se escribe sobre texto bíblico y participan solistas. FORMAS MUSICALES DEL BARROCO Fue en este período cuando la orquesta comenzó a tener más o menos la forma que tiene hoy día. que perfeccionaron la técnica de construcción de violines y otros instrumentos. coro y orquesta. Toma su nombre de los Oratorios de San Felipe Neri. Durante esos siglos. la tienda Amati decide hacer publicidad poniendo en su ventana el siguiente cartel: «Hacemos los mejores violines de Italia». cuerdas y mecanismos mecánicos de todo tipo que constituían la tramoya. La tienda Guarnieri enseguida reacciona señalando: «Hacemos los mejores violines del mundo».

tuvo su origen en el concierto barroco. como mucho. polonesa. paspié. etc. Sus cuatro tiempos basados en aires de danza suelen ser: alemanda. Una forma típica de música de cámara en el Barroco era la sonata da camera o trío-sonata. «concierto». acentuando el contenido de los textos.. Sucesión de danzas populares. de la que quedaban muchos vestigios de otras bellas artes. Otros tipos de danza son courante.  El concerto solista.  La sonata. alternando rápido-lento. lo cual permite un más alto grado de virtuosismo. gracias al impulso dado por los luthiers. se enriqueció en Venecia y Roma y logró el pleno éxito en Nápoles a finales del siglo XVII. para ser tocada. giga. cuya presencia era casi obligatoria improvisando las armonías. generalmente violines. contrasta con el resto de la orquesta (tuti. oboes. que es una de las más importantes manifestaciones de la música culta. extraía sus temas de la mitología clásica. es decir. Este fue el caso del violín que. Con la Camerata Florentina nació la ópera cuando un grupo de nobles italianos combinaron el arte de la canción con el drama de una historia narrada. Se puede escribir para uno. El concierto actual. Formas instrumentales  El preludio y la tocata. minueto.  La suite.  La fuga. en el Barroco se buscaba el contraste entre los instrumentos.) más bajo continuo. mientras en la segunda los protagonistas eran personajes del pueblo. amplió sus capacidades técnicas. pero aquí solo hay un instrumento solista. flautas. alternándose los rápidos con los lentos. Similar al concertó grosso. Tiene tres partes: exposición temática. NACIMIENTO Y DESARROLLO DE LA ÓPERA Florencia era a finales del siglo XVI uno de los focos culturales y artísticos más importantes de Italia. No debe ser confundida con la sonata clásica. pero no de la música. permitiendo mayores posibilidades para la ejecución. Piezas breves para instrumentos de teclado. en la que uno o dos solistas cantaban acompañados de bajo continuo y. que significa «luchar. Además de ser una forma musical instrumental. de uno o dos violines. La influencia de la ópera y la tradición del madrigal renacentista dieron lugar en el Barroco a la cantata. 48 . por oposición a una obra cantada o cantata. o ripieno). El nombre de concertó. pero tesitura distinta. Tuvo su origen en las danzas populares que se cantaban en la Edad Media. sino para cuatro: dos líneas melódicas principales (violines. violas). La melodía principal se llama motivo y es imitada por la respuesta.Se distingue entre la ópera seria y la ópera bufa o cómica. Se alternan motivo y respuesta dentro de un estilo contrapuntístico imitativo. En el Barroco se interpretaban con instrumentos y aparecían reunidas en una sola obra. PARA SABER MÁS: Los instrumentos musicales en el Barroco El refinamiento virtuosístico de la música del Barroco hizo que los instrumentos tuvieran que estar a la altura de los intérpretes. La ópera tuvo sus comienzos en Florencia. de talante aristocrático.  El concerto grosso. disputar. que era interpretado normalmente por la viola da gamba o violonchelo más el clave. e implica la presencia de un bajo continuo. divertimento o desarrollo y stretto conclusivo o reexposición. como sucede en la sonata. alternando un aire tapido y uno lento. combatir). Un grupo de instrumentos solistas (concertino). bourré y zarabanda.. La ópera en Florencia El Renacimiento había pretendido que el hombre se reencontrara consigo mismo volviendo la mirada a la Antigüedad clásica. no para tres instrumentos. Suele constar de cuatro movimientos. La primera. si no se indica lo contrario. puede ser también vocal. dos o tres instrumentos. cuyas divertidas historias eran reflejo de la vida cotidiana. Es la forma más compleja que se conoce en la polifonía occidental. Mientras que en el Renacimiento la música para conjunto se ejecutaba con instrumentos de timbre similar (flautas dulces. viene del vocablo latino concetare. Obra para ser sonada. El concierto suele constar de tres movimientos.

no dejando entender bien las palabras [se refiere a la polifonía]. se dio en Roma una especie de ópera con argumento sacro que llevaba por título la Representación del alma y del cuerpo.Tratando de imitar la tragedia griega. padre del astrónomo Galileo. debido a la tradición polifónica de la ciudad. a quien puede considerársele creador de la ópera bufa en Italia. de Emilio de Cavaliéri (hacia 1550-1602). composición independiente para voz solista. se produjera una mayor expresión dramática. Así nació la ópera Dafne. a finales del siglo XVI. autor del drama sacro San Alesso. Prefacio a sus Nuevos músicos La ópera en Roma Los experimentos de la Carnet ala florentina se extendieron con rapidez y fuerza por toda Italia. Tres años más tarde.» Giulio Caccini. especie de cantinela siguiendo los acentos del texto. y Rospigliosi. un grupo de humanistas que se reunía en Florencia. escribieron nuevas óperas en las que. Suele ir ubicada en el transcurso de una forma más amplia. En el año 1634. fueron los protectores de la ópera en Roma y los que permitieron la llegada de la ópera bufa. acompañada por el bajo continuo e interrumpida por el coro. soltura melódica e incluso un ligero acompañamiento instrumental. sino que debía atenerme al estilo de Platón y de otros filósofos. con algunos coros de Caccini. Ya que esos gentileshombres siempre me han aconsejado y convencido con clarísimas razones de que no debía apreciar aquella música que. el texto lo escribió Rinuccini y la música fue compuesta por Peri. Dos cardenales. como una ópera. fundidas palabras y música. Apareció de esta forma el aria. speri. generalmente con acompañamiento. Barberini compuso un libreto con criados graciosos. y de carácter lírico. en los salones de los condes Bardi y Corsi. buscó un nuevo estilo en el que. alargando unas veces las silabas y otras acortándolas. y no al revés. La escenificación se hizo más lujosa y se introdujo un personaje cómico. Barberini y Rospigliosi. un oratorio o una cantata. durante las fiestas celebradas con motivo de la boda de María de Médicis con Enrique IV de Francia. que afirmaron que en la música lo primero es el lenguaje. Domenico Mazzocchi (1592-1665) a quien se debe Caleña á Adone. que compuso e interpretó él mismo una escena dramática sobre el lamento de Ugolino de la Divina Comedia. para acomodarse al contrapunto con detrimento de la poesía. Lo practicó con éxito Vincenzo Galilei (hacia 1520-1591). Estimulado por este éxito. deforma el concepto y el verso. La primera consecuencia fue el nacimiento del recitativo melódico. primera que se conserva íntegra. El paso siguiente al recitativo melódico surgió de la necesidad de que las voces solistas interpretaran fragmentos que requerían más aire. En el mismo año en que se representaba Eurídice en Florencia. se dio una mayor importancia a los coros y a la orquesta. Artistas y humanistas se agrupaban bajo el nombre de Camerata Florentina. y Luigi Rossi (1598-1653). Filippo Vitali (hacia 1590-1653). música y danza). que en más de treinta años de estudio de contrapunto. en la que el intérprete desarrolla sus mejores cualidades expresivas. que se representó durante el carnaval de 1597 en el Palacio Corsi y cuya música se ha perdido. si es que se quiere que pueda ser admirada por los oyentes. músicos de la talla de Stefano Landi (hacia 1590-1639). La ópera decayó durante el pontificado de Inocencio X (1644-1655). con lo que nació la ópera bufa. se estrenó en el Palacio Pitti la ópera Eurídice. En Roma. escribió el libreto de Chi soffre. luego viene el ritmo y por último el sonido. que compuso L'Aretusa. con Orfeo. el conde Bardi encargó al dramaturgo Ottavio Rinuccini (1562-1621) y a los músicos Jacopo Peri (1561 -1633) y Giulio Caccini (hacia 1550-1618) que escribieran obras en el nuevo estilo. lo cual no se puede lograr con el contrapunto de las músicas modernas. 49 . que reunía en sí todos los elementos del teatro (poesía. LA MÚSICA Y EL LENGUAJE «Aprendí más con los doctos razonamientos de la Camerata florentina del conde Bardi.

onomásticas). Bélgica. y no la acción teatral. Los cantantes. Además de óperas compuso unos doscientos madrigales.. camareros con enormes bandejas servían bebidas a las personas principales del público. su temática fue más histórica que mitológica.PARA SABER MÁS: Ayer y hoy de la ópera En la Italia de principios del siglo XVIII la ópera era un espectáculo muy diferente al actual. compuesta con ocasión de la boda del emperador Leopoldo 1 con Margarita de España. donde compuso gran parte de su obra operística. Murió en Venecia en 1643. sino también para relacionarse con sus vecinos. Sobre el lamento de este Ugolino versa la escena dramática que compuso el músico Vincenzo Galilei. fue ordenado sacerdote. Su ópera más popular. para lo cual usó armonías más audaces y renovadoras. en los palcos se charlaba. tres misas y diversas colecciones de salmos. Donizetti y Liszt. era lo que importaba. que vivió en Mantua y en Venecia. Orfeo (1607). y un año después compuso una nueva ópera. El gran maestro de la escuela veneciana fue Claudio Monteverdi (1567-1643). en muchas ocasiones enzarzado en duelo con sus rivales. La apertura del primer teatro público de ópera en 1637. Francia. Fue él quien dio a la ópera el impulso que necesitaba para alcanzar un verdadero desarrollo. La acción teatral podía ser deslumbrante. que trató temas de la mitología antigua y de la historia romana y oriental. Egisto. Dante y la música Dante Alighieri (1265-1321) es el autor de la Divina Comedia. 50 . Claudio Monteverdi: BIografía Claudio Monteverdi nació en Cremona en 1567. famosa ópera de gala (composición que los maestros de capilla tenían la obligación de entregar con motivo de las grandes fiestas: bodas. Francesco Cavalli (1602-1676) fue compositor aristocrático. obra alegórica en la que se hace referencia a la relación que existe entre la poesía y la música. toda esta actividad se detenía momentáneamente para juzgar al cantante predilecto y se protestaba ruidosamente si su actuación no gustaba. Monteverdi se instaló en Venecia. con motivo de la boda de Luis XIV. hizo que se dieran a conocer sus más importantes óperas: El retomo de Ulises y La coronación de Popea. saludaban a sus amigos del palco desde el escenario y hablaban entre ellos cuando no cantaban. cumpleaños. La orientación universalista de su obra se debió a los viajes realizados estando en la corte de Mantua. Se separó de la ópera florentina y concedió mayor importancia a la orquesta buscando un timbre más de acuerdo con la expresión escénica. poco preocupados por su fama como actores. SABÍAS QUE. pues juzgar las acrobacias vocales del cantante favorito. La ópera en Venecia A mediados del siglo XVIII. fue estrenada en París. compusieron también obras inspirándose en los escritos de Dante. En 1613 fue nombrado maestro de capilla de San Marcos de Venecia. y la gente acudía no solo con objeto de disfrutar del espectáculo teatral y la música. saliéndose continuamente del personaje. Se le encargó la composición de la ópera Ercole amante. A los veintitrés años entró al servicio de la corte de los Gonzaga en Mantua. Cuando falleció su esposa. Luego. Las óperas siguieron teniendo como argumento temas griegos y mitológicos. el San Casiano. y nació el empleo de introducciones instrumentales. se saludaba a los amigos. puesto que ocupó hasta su muerte. se jugaba a las cartas durante los recitativos. Hizo sus primeros estudios musicales con Ingegneri. Su obra se hizo más realista. se merendaba y se discutía. con enormes máquinas capaces de conseguir increíbles efectos escénicos. El canto. Suiza. Otros músicos. alcanzó gran desarrollo el cantante y el aria. era uno de los principales alicientes del espectáculo. la cantante Claudia Cattaneo. decreció la importancia de los coros. Antonio Cesti (1623-1669) estrenó en Viena La manzana cíe oro. que le llevaron a Hungría. Durante la representación. cuando el recitativo cedía su lugar al aria. sus líneas melódicas fueron cada vez más interesantes e incluso recurrió a algún tema popular.. luego de relatar la muerte de los hijos de Ugolino de Pisa en la «Prisión del Hambre». como Verdi. Ariadna. El año 1613. Dante escribe que la hambruna pudo en Ugolino más que el dolor. Otros dos importantes compositores de la ópera veneciana fueron Cavalli y Cesti. con abundancia de coros en sus obras y con recitativos de gran colorido. Trento e Innsbruck. buscó el equilibrio entre el texto y la música y trató de» evitar el uso de los coros. En el verso 75 del canto penúltimo del «Infierno». Cesti es considerado un artista popular. Venecia fue el foco más importante de la ópera en Italia y continuadora de la etapa romana. En Mantua estrenó la primera ópera de fama duradera.

el cantante buscaba su lucimiento personal y la música quedaba subordinada a los caprichos de aquel. Se daba mayor importancia a los concertantes. A los veinticuatro años fue nombrado maestro de capilla del virrey de Nápoles. especialmente en los finales de acto. era más natural. volumen II ALESSANDRO SCARLATTI: Biografía Nació en Palermo en el año 1660. Telémaco y Griselda A Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736) cabe el mérito de haber desarrollado y dado madurez a la ópera bufa. Marchó a Roma siendo niño. logró un tipo de ópera que habría de conquistar el mundo. Historia general de la músico. arias y textura homófona. como los intermezzi del Renacimiento. Encontró su propio estilo con su primera obra Pino y Demetrio. speri en adelante. en este caso la ópera. pero las diferencias en su espíritu y su estructura 51 . pero en la ópera bufa los personajes eran pocos (habitualmente solo dos) y estaban tomados. después de un trozo intermedio. Fue el principal representante de la ópera napolitana. Aunque su ópera le debe mucho a la música instrumental. obras de cámara y teclado. en la que.La ópera en Nápoles La ópera nació en Florencia. la música religiosa adquiere un notable desarrollo y la música instrumental florece extraordinariamente. da cupo. A él hay que atribuirle el perfeccionamiento del ana. compuso 600 cantatas de cámara. A. de la vida cotidiana. se intercalaron en la representación. sobre todo. del que se derivó un gran desarrollo de la técnica vocal. PARA SABER MÁS: La ópera bufa napolitana En el siglo XVIII. En su forma eran más libres y más limitadas armónicamente. oratorios y sinfonías. La música del Barroco en Italia Italia. que. a pesar del éxito obtenido. se repite la primera parle desde el principio. ópera cantada. como la trama.iban desde las canciones palmeadas hasta las cantinelas sentimentales. de ahí que se hable de ópera napolitana. que nació y se desarrolló en cuatro grandes ciudades italianas. Todo. desempeñó un papel de primer orden en el origen y la evolución de la música barroca. La música religiosa La música religiosa estuvo totalmente identificada con el panorama general de la lírica (música dramática) del siglo XVII. Tanto o más éxito que la propia ópera tuvieron los entremeses que. Compuso más de cien óperas. Murió en Nápoles en 1725. adornándose con algunas coloraturas. La ópera bufa se originó en los intermezzi del siglo XVII que. aunque. Las formas musicales religiosas adoptaron nombres distintos de las formas profanas. con títulos como Matrídates Eupátor. en las que el cantante hace gala de su técnica y de su fantasía) sustituyó a todas las demás. Aparte de la ópera. intercalados entre los diversos actos de una obra seria. En Nápoles encontró forma definitiva el llamado bel contó. Además de 100 óperas. En ella solo se utilizaban voces naturales (ningún cástrate) y las arias -algunas veces reminiscentes de las canciones folclóricas. Harman. aunque nunca se intentara alcanzar los climas de la emoción. 200 misas. donde adquirió características propias. En su obra La Serva Padrona. como ya ocurrió en el Renacimiento. desde Chi soffre. al mismo tiempo. es. Esta última. solo se diferenciaba de la ópera seria en la naturaleza del argumento. como era costumbre. simple y melodiosamente. Las palabras se expresaban naturales. con la única diferencia de que en los templos no se permitía la escenografía. También trabajó en Venecia y Florencia. trabó amistad con Corelli y se convirtió en favorito de la reina Cristina de Suecia. en una palabra. eran unos espectáculos de tipo ligero. con tres figuras y apenas decorados. hasta tal punto que el ana da capo (la forma A-B-A. Nápoles creó la ópera bufa como reacción ante la falta de comicidad que se dejaba sentir en los libretos de Zeno y Metastasio ópera bufa no viene a ser lo mismo que ópera cómica. En 1703 volvió a Roma y ocupó el cargo de maestro de capilla de Santa María la Mayor. El principal representante de la ópera napolitana fue el siciliano Alessandro Scarlatti (1660-1725). menos artificioso que en la ópera seria. no consiguió nunca desplazar a la ópera seria del lugar que esta ocupaba en la estimación popular. aunque se parecieran en la estructura de recitativos. se enriqueció en Venecia y Roma y logró el máximo esplendor en Nápoles.

La plenitud del oratorio en Italia está representada por Alessandro Scarlatti.. con partes liricas y dramáticas. como la misa y el motete. Sabías que. Durante el siglo XVII se puede hablar de tres formas diferentes de música religiosa: la polifonía vocal (solamente voces). Alessandro Scarlatti compuso una Pasión según San Juan. posteriormente fueron textos religiosos. LAS PASIONES La «pasión» es una especie de oratorio que describe la pasión de Jesucristo. que unas veces actúa de narrador y otras veces participa en la acción. de Emilio de Cavaliéri. es una forma musical. Destacan sus obras Oratorio de la Asunción y Pasión según San Juan. muy expresivas. EL ORATORIO El oratorio. el recitativo y los instrumentos musicales para acompañar el canto de forma dramática. El oratorio se inició prácticamente con la Representación del alma y del cuerpo. PARA SABER MÁS: Los oratorios de Carissimi Giacomo Carissimi fue la gran figura de la primera época del oratorio. 52 . cada una de las voces empezó a ser sustituida por grupos de cuatro o más coros. Se conservan trece oratorios del maestro. estrenó en 1966 su Pasión según San Lucas. Tanto la historia de £i juicio de Salomón como las otras doce historias sobre textos bíblicos del Antiguo Testamento que relató Carissimi en los oratorios que compuso son episodios dramáticos breves que dan paso a un gran coro. En el siglo XV se musicalizó polifónicamente los textos en los que. el coro y la orquesta. sino que solamente cantan una histona. en las que usaba grandes coros a los que llegaba a convertir en protagonistas. como el oratorio. Conservatorios y escuelas de música El precedente de los actuales centros de educación musical surgió en Nápoles en 1537 como «escuela de beneficencia». estrenadas en 1723 y 1729.. que se escuchó por primera vez el año 1600. la orquesta y un narrador o cronista de escena. de gran fuerza dramática y con melodías ricas y coloristas. a cuyo desarrollo colaboró aportando la función diferente y contrastada que tiene que existir entre las voces solistas. ya citada como inicio de la ópera en Roma. de carácter educativo y moral y escritos en italiano. la cantata y la pasión. Se siguieron practicando formas religiosas del pasado. El gran maestro de este género fue Giacomo Carissimi (1605-1674). Los primeros textos de los oratorios fueron bíblicos y escritos en latín. un centro que impartía enseñanza musical a los huérfanos o niños sin recursos de la ciudad. Sobre la severa polifonía religiosa anterior. tomando como referencia los textos evangélicos. en los pasajes evangélicos. el compositor de la vanguardia musical. el polaco Krzysztof Penderecki. que compuso una misa a 48 voces. que lo construyó sobre bellas melodías. con su oratono San Juan Bautista. como ya hemos visto. y Orazio Benévoli (1605-1672). Pasión según San Juan y Pasión según San Moteo. el solo acompañado de algunos instrumentos y el estilo concertante de voces e instrumentos conjuntados. quien compuso catorce oratorios utilizando todos los recursos formales y expresivos que había empleado en sus óperas y en los que sacrificó el coro al esplendor vocal y a la explotación dramática de los efectos orquestales. Durante el siglo XVII este tipo de centros se extendieron por Italia y se llamaron conservatorios. Jonás. intervenía la muchedumbre. De sus alumnos se nutrirán las orquestas y los teatros de ópera italianos de la época. Además de los solistas intervienen el coro. Ya en tiempos actuales. En el Barroco se introdujeron el aria. entre los que cabe citar Jefté. respectivamente. Pero las pasiones más famosas son las de Johann Sebastián Bach. En la Edad Media ya se representaban pasiones con música de canto llano. El diluvio universal y El juicio de Salomón. Pero la influencia de la época provocó otras nuevas formas.no fueron notables. Otro músico que participó en el desarrollo del oratorio fue Alessandro Stradella (1644-1682). F. llegándose a las monumentales construcciones vocales de Agostino. donde los personajes no actúan. al que ya hemos citado como compositor de óperas en Nápoles. que escribió una misa a 52 voces.

EL PERFECCIONAMIENTO DEL VIOLÍN El refinamiento virtuosístico de la música del Barroco hizo que los instrumentos tuvieran que estar a la altura de los intérpretes. Residió en Viena. varias familias de artesanos perfeccionaron. cuyo valor ha alcanzado los 927. con su obra Cántate e aire a voce sole. gracias al impulso dado por los luthiers. todos ellos ya mencionados. no solo el violín.LA CANTATA La cantata tuvo un origen profano. La cantata. uno de los creadores de la moderna técnica violinística y del concertó grosso. permitiendo mayores posibilidades para la ejecución. cuya calidad de sonido aún no ha sido superada. sino todos los demás instrumentos de cuerda frotada. amplió sus capacidades técnicas. Dio mayor riqueza instrumental al concertó grosso.  Filippo Vitali.000 dólares.000. De Albinoni se recuerda e interpreta con asiduidad el famoso Adagio en sol menor. De la sonata para un instrumento se pasó a la sonata para dos y después para tres (dos violines y viola de gamba). Similar a la sonata y a la suite en su estructura. la alternancia de arias y recitativos. Carissimi y su principal discípulo Alessandro Scarlatti. remonta su origen a las Nuevas músicas de Caccini y fue practicada con acierto por Monteverdi. que en su época tuvo gran repercusión por sus óperas. Fue autor de doce conciertos de cámara. y las ornamentaciones y coloraturas (pasajes rápidos y llenos de adornos) compitieron con la brillantez técnica del virtuoso instrumental. Un iniciador de este género fue Giovanni Gabrieli (hacia 1557-1612).380. se llegaron a construir más de 1. Los tres instrumentos de cuerda más valiosos del mundo en la actualidad son Stradivarius. El más caro es el violín conocido como «Mendelssohn». con sus Canciones y sonatas. En el taller de Antonio Stradivarius. Brandeburgo y Bolonia. heredera del madrigal.  Arcangelo Corelli (1653-1713). Desde mediados del siglo XVI hasta el siglo XVIII. valorados actualmente en varios cientos de miles de dólares. «Cholmondeley». Parece ser que fue Alessandro Grandi (hacia 1580-1630). ya mencionado en este volumen por su aportación a la ópera en Roma. En su obra instrumental destacan seis sinfonías. 53 . violinista. la aparición del virtuoso y la búsqueda de nuevos timbres fueron los puntos de arranque de lo que más tarde se convirtió en una floreciente música instrumental. Cesti. quien dio nombre a la cantata en el año 1620. cuyo valor en dólares es de 1. construido en 1690. el concierto es una obra escrita para un solista o un grupo de solistas que contrasta con el resto de la orquesta. y «Bonjour». vendido en 950. 18 sinfonías y Concerti grossi con una pastoral para la Navidad  Tomaso Albinoni (1671-1 750). cantante y compositor nacido en Venecia. compositor y violinista.100 violines. hoy perdidas. LA MÚSICA INSTRUMENTAL La total independencia de los instrumentos con respecto a las voces. A comienzos del siglo XVII se desarrollaron las cantatas en Italia y adquirieron mayor variedad al introducir Luigi Rossi. Los otros dos instrumentos son violonchelos. al que ya hemos citado como autor operístico. será denominado concierto de iglesia o concierto de cámara. construido en 1720.000 dólares. Este fue el caso del violín que. Un paralelismo entre la música vocal y la instrumental estableció el aria solista en el mismo plano que la sonata a solo. Hay dos tipos de cantata: cantata de iglesia y cantata de cámara. construido en 1698. Surgieron así las primeras agrupaciones de cámara para las que escribieron los siguientes músicos:  Giuseppe Torelli (1658-1 709). su forma primitiva constaba de arias y recitativos que se alternaban y a los que acompañaba un instrumento. de quien merecen citarse el Concierto de Navidad y La Folia. Según el marco donde se interprete.

Murió solo y pobre en Viena. Imprimió al concierto una gran expresividad. dos violines. cuerdas y órgano o clavicémbalo. mientras estaba diciendo misa. aunque pronto su vida quedó absorbida por sus actividades como profesor de violín. maestro de capilla y empresario de ópera. que le otorgan una personalidad única. unas 30 óperas. sin darle la menor importancia. 60 obras para música de cámara.. música religiosa. dejó el oficio religioso. además. los instrumentos de arco tienen la misión de crear la escena. se le ocurrió un tema para una fuga. volvió después a decir misa». obra esta que contiene Las cuatro estaciones. Hizo notables aportaciones a la composición y a la técnica violinística. Vivaldi ejerció como sacerdote apenas un año. que sirvió para la creación de otras obras posteriores.Una gran parte d» los instrumentos de cuerda construidos durante los siglos XVII y XVIII perdieron su sonoridad original en el siglo XIX. En Las cuatro estaciones se narran cuatro historias del paso del tiempo sobre la tierra y entre los hombres. dos claves y tres órganos». cinco trombones. Por lo que respecta a la orquesta barroca italiana. La música del barroco en Alemania En sus inicios el Barroco musical alemán estuvo muy influido por la música italiana. Antonio Vivaldi (1678-1741) Fue el principal representante de la música instrumental del siglo XVII. Pero también compuso obras para todos los instrumentos. referido a la naturaleza. 23 sinfonías. un arpa. Estos títulos genéncos engloban amplias colecciones de conciertos. La stravaganza y II cimento del ll’a armonici y dell’ invenzione. retrato de autor anónimo. Corresponde al solista evocar los detalles pintorescos. Cuenta una crónica que «un día. Son cuatro conciertos para violín y orquesta pertenecientes a la colección titulada II cimento dell'armonia e dell'invenzione. Antonio Vívala. Por esta ocurrencia fue denunciado a la Inquisición. De su vastísima producción hay que destacar L'estro armónico. en San Pedro de Roma.. compositor. dos flautas grandes. la plantilla utilizada por Monteverdi para el estreno de su ópera Orfeo en 1607 da una idea bastante exacta de los instrumentos que la integraban: «Quince violas de tres tamaños. como la Sinfonía pastoral. los violines imitan las moscas. dos oboes. De todas sus obras. dos flautas comunes. 54 . sin decir palabra. aunque afortunadamente para la música se le permitió seguir con su actividad musical. Los conciertos están concebidos para violín principal. la más célebre es Las cuatro estaciones. que como castigo le privó del derecho a seguir celebrando misa. Vivaldi practicó el concierto. escrita el año 1725. Nació en Venecia y heredó de su padre la destreza en el manejo del violín. Las cuatro estaciones representan el modelo concertístico. hasta tal punto que Bach transcribió algunas de sus obras. contribuyó a la evolución de la técnica de la fuga y creó múltiples fugas instrumentales. Italia. la Sexta de Beethoven. se fue a la sacristía. anotó en papel de música su tema y. Se ordenó sacerdote. tanto el concertó grosso como el solista. Influyó mucho en la música instrumental.. Conocido por el sobrenombre de «el Bach italiano». como consecuencia de las reconstrucciones a que fueron sometidos para aumentar su sonoridad en la sala de conciertos. dos cornetas de madera. Liceo Musical de Bolonia. después. El órgano y la orquesta El auge del órgano en Italia se debe en gran medida a Girolamo Frescobaldi (1583-1643). Vivaldi confía a la orquesta algunos detalles: las violas evocan el ladrido de los perros.. generalizó el esquema «rápido-lento-rápido» y aplicó a la música instrumental todos los recursos estilísticos de la música vocal. que es uno de los primeros ejemplos de música programática. organista en la corte de Florencia y. Es. incluido un Concierto para guitarra. pero surgen figuras tan potentes como Bach y Telemann. un precursor del poema sinfónico. cuatro trompetas. los violonchelos simulan el hipo de los borrachos. PARA SABER MÁS: Las cuatro estaciones de Vivaldi Vivaldi compuso cerca de 450 concerti grossi y conciertos para instrumentos diversos.

Sobresale su famoso Canon y giga en Re para tres violines y continuo. y el sentir religioso de la Reforma. y organizador de los Abendmusiken. en cierta manera. como el gran genio que todos conocemos y que tuvo como continuadores de su quehacer musical a sus hijos Wilhelm Friedmann (1710-1784). A los quince años entró a formar parte del coro de Luneburg. JOHANN SEBASTIÁN BACH: Biografía Johann Sebastián Bach nació en Eisenach en 1685 y a una edad muy temprana quedó huérfano. Estudió a los músicos italianos. Bach dedicó cierta preferencia al órgano. En 1729 fue redescubierto por Mendelssohn. Cabe mencionar también a Dietrich Buxtehude (1637-1707). piezas para órgano y clavicémbalo. auténtico iniciador de la nueva música. posteriormente. JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) es el genio de toda la cultura musical barroca y uno de los más grandes músicos de la historia. Diversas sonatas a solo demuestran que Bach no olvidó ninguno de los instrumentos de su tiempo. Sus profundas convicciones religiosas le llevaron a escribir «una música lo más exacta posible y dedicada por entero a la gloria de Dios». compuso una extensa obra que comprende corales. Johann Pachelbel (1653-1706). de clara influencia italianizante. 55 . La Misa en si menor constituye una maravilla en su género. la componen principalmente varios oratorios y pasiones y una ópera. en Alemania. en principio. tocatas y motetes. notable organista y consumado contrapuntista. Schütz estudió en Italia. que se produjo hasta 1720. los Oratorios de Navidad. Marchó a la corte de Weimar. contrajo matrimonio. y las cuatro Suites para orquesta. preparó la llegada de Heinrich Schütz (1585-1672). siendo admitido dos años después como organista en Sangerhausen y. Sus composiciones más importantes son Sinfonías sacras. donde asumió los cargos de organista y director de la orquesta de cámara. de la Ascensión y de Pascua y las Pasiones según San Juan y según San Mateo. Durante este período escribió grandes obras y maduró artísticamente. Escribió más de 300 cantatas. Su obra. esencialmente. En sus estrofas corales se observa cierta influencia operística y de la música de carácter instrumental. para el que compuso preludios. que impregnó al pueblo alemán y que originó los kantorei (coros de iglesia). en Inglaterra. conciertos de música religiosa. Sus obras Ofrenda musical y Arte de la fuga demuestran su dominio de la técnica contrapuntística. primeramente con Gabrieli y más tarde con Monteverdi. que escribió varias monodias corales al estilo italiano y. En ese mismo año. obras para clave y para órgano. colección de 48 preludios y fugas. Carl Philipp Emanuel (1714-1788) y Johann Christian (1735-1782). compositor muy apreciado por Johann Sebastián Bach. autor de vanas cantatas. Dafne. religiosa. En el campo instrumental.Los iniciadores El Barroco alemán. cantatas. 1707. estuvo marcado por dos características esenciales: la influencia italiana. Concierto en forma de réquiem alemán y las Pasiones según San Mateo. fugas y más de 150 corales. Sus contemporáneos lo olvidaron totalmente tras su muerte. San Lucas y Son Juan. y Wesley. El clave fue distinguido con su obra £/ clave bien temperado. Su repertorio de composiciones era ya bastante amplio: cantatas. Los principales síntomas barrocos se detectan en Johann Hermann Schein (1586-1630). La música vocal de Bach es. escritos en la forma de concertó grosso. Su obra conjugó la delicadeza expresiva italiana con la sobriedad casi espartana del pueblo germánico. Los conjuntos instrumentales tuvieron la aportación del maestro en los seis Conciertos de Brandemburgo. en las iglesias de Arnstadt y de San Blas de Mülhausen. oriundo de Dinamarca. 371 corales a cuatro voces. mientras que en la práctica del estilo contrapuntístico buscó parecidos efectos a los logrados en el estilo armónico. sobre todo a Vivaldi.

el Barroco inglés no se inició hasta la llegada de Carlos II. Maestro en la instrumentación. donde Thomas Britton. así como numerosos anthems para grandes coros. Aquí pasó la etapa más larga y más interesante de su vida. Cuando fue contratado por el consejo municipal de Leipzig. está unido a la evolución social y económica de Europa a finales del siglo XVII. entendido como interpretación musical ante un público que paga su entrada para asistir al desarrollo de un programa prefijado. que declinó la oferta. Escribió cuarenta óperas. Logró que la ópera en Alemania adquiriera una importancia que no tuvo ni con Bach. reclama su derecho a convertirse en público musical. donde se ejecutaban semanalmente conciertos de música de cámara a los que se podía asistir pagando una entrada. Los inicios La guerra civil y el período republicano (1644-1660) llevaron al pueblo inglés al puritanismo de Cromwell.Se trasladó a Kothen e interrumpió temporalmente la producción de música sacra para dedicarse más de lleno a las cantatas profanas. Bach fue un compositor mal valorado. la clase social ascendente. Después de varios años de ceguera murió el 28 de julio de 1750. 56 . un comerciante de carbones. un consejero de la ciudad dejó escrito en un acta. pero alcanzó cotas extraordinarias con Purcell y Hándel. y un famoso Canon para tres instrumentos. Este monarca quiso conocer las corrientes y gustos musicales de su época y para ello envió por Europa a Humfrey y a Purcell. En su época. con derecho también a una taza de café. la música de cámara y la instrumental. después de la negativa de otro compositor famoso. se exigían diez chelines al año. La primera audición era gratuita. Georg Philipp Telemann Otro representante imprescindible del Barroco alemán es Georg Philipp Telemann (1681-1767). Puso música a algunos dramas de Shakespeare y compuso canciones de tipo religioso y profano. En 1720 murió su esposa y se casó de nuevo en 1721. Su música está influida por corrientes italianas y francesas. que «puesto que no fue posible conseguir al mejor. ORÍGENES DEL CONCIERTO PÚBLICO El concierto público. hombre de gran cultura. LA MÚSICA DEL BARROCO EN INGLATERRA En Inglaterra el Barroco musical fue algo tardío. sonatas y fantasías para instrumentos de cuerda. Escribió numerosas suites. combinaba en sus obras la expresividad melódica con la riqueza rítmica. cuando la burguesía. lo que le valió un perfecto conocimiento de los mismos. componiendo las Pasiones y la mayor parte de las cantatas. como Londres. Pelham Humfrey (1647-1674) fue discípulo de Lully y maestro de Purcell. A los dieciocho años formaba parte de la Capilla Real y desde 1682 fue organista de Westminster. Georg Philipp Telemann. Henry Purcell (1659-1695) fue afinador y restaurador de instrumentos. unos cuarenta oratorios. «el carbonero». donde ocupó el puesto de maestro de capilla de la iglesia de Santo Tomás y director musical de la universidad de esta ciudad. fundó en 1678 una especie de club en la parte alta de su carbonería. Dos años después se trasladó a Leipzig. seiscientas oberturas y doce series de cantatas. que se observan en sus melodías fluidas. piezas de carácter no litúrgico que podían cantarse opcionalmente en los oficios religiosos de la Iglesia anglicana. Su estilo renovador tendió un puente de enlace entre el contrapunto y el sistema armónico del clasicismo. Consecuencia del mismo fue la prohibición de la música religiosa en general y la clausura de los teatros. Por eso. alegres y muy gratas de escuchar. pero si se deseaba una asistencia continuada. Los primeros conciertos así entendidos surgieron en las ciudades de mayor riqueza comercial. refiriéndose a Bach. fue necesario aceptar a los mediocres».

Surgieron así sus oratorios. Un año después. danzas y recitados sobre temas mitológicos. Es una música más íntima y directa que la que hizo Bach para esta forma vocal. de ahí la tradición de mantenerse en pie mientras el coro canta este pasaje. se estableció definitivamente en Londres. como compositor de oratorios. Compuso múltiples concerti grossi. Luis XV y Luis XVI. en Londres. donde conjugó los grandes coros con una orquesta acompañante de extraordinario efecto. Allí compuso los primeros oratorios. Salomón. Sin embargo. La obra instrumental de Hándel es amplia y diversa. 57 . aunque artificiosas y banales. entre los que destaca La resurrección (1708). Viajó con frecuencia a Inglaterra y. No es fácil encasillar a Hándel en un estilo. pero el que le dio más fama. En el Diario de Valesio se lee: «Esta noche. el rey Jorge II y todo el público se pusieron en pie al oír !os primeros compases del «Aleluya». aristocrático y frívolo. alegóricos o políticos y constituían el espectáculo apropiado de una nobleza frívola y amante de lo banal. A esta época pertenecen Israel en Egipto. el Rey Sol. PARA SABER MÁS: Hándel y el oratorio Las óperas son la parte más voluminosa de las obras compuestas por Hándel y a las que dedicó la mayor parte de su vida. fue en Roma donde conoció a Corelli y a Scarlatti y donde alcanzó sus primeros éxitos musicales. casi programático. El Mesías. en la que nacieron sus óperas Alema y julio César. Hándel compuso muchos oratorios en Inglaterra. cuando el elector de la corte de Hannover se proclamó rey de Inglaterra con el nombre de Jorge I. representa junto a Bach la culminación del Barroco musical. La música del Barroco en Francia El ballet y la ópera adquirieron gran desarrollo en Francia. fue compuesto en Irlanda en tan solo tres semanas y fue estrenado en Dublín el año 1742 siendo dirigido por él mismo desde el clavicordio. Georg Friedrich Hándel (1685-1759). autor de El amor en la aldea y del himno nacional inglés Dios salve a la Reina. de fastuosa representación y de clara influencia napolitana. y Thomas Ame (1710-1778). especialmente en las cortes de los monarcas Luis XIV. Primera época: Lully Esta época coincidió con el reinado de Luis XIV (1643-1715). conciertos para instrumentos solistas y música de estilo figurativo. El desengaño de una vida vacía llevó a Hándel 1 un reencuentro consigo mismo y le acercó a una sociedad burguesa más real y comprometida con los problemas religiosos. Los principales representantes de esta comente fueron John Gay (1685-1732).La plenitud: Georg Friedrich Hándel La muerte de Purcell sumergió a Inglaterra en un gran vacío musical hasta la aparición de Hándel. En Italia entabló contactos con los hermanos Scarlatti y con Corelli. que escribió La ópera de los mendigos. el marqués Ruspoli dio en el palacio Bonelli de los Santos Apóstoles un bellísimo oratorio en música». Las representaciones escénicomusicales eran una amalgama de coros. como las suites Música acuática y Música para los reales fuegos de artificio. Como ser genial que era. se adaptó con facilidad a cualquier comente o moda musical. Aunque Hándel pasó muchos años en Inglaterra. se puede afirmar que Hándel. El Barroco final El final del Barroco inglés coincidió con el nacimiento de un movimiento nacionalista que quería contrarrestar la influencia italiana. La existencia de ciertas normas estéticas impidió la influencia italiana y retrasaron la llegada del Barroco a Francia. sobre todo. su conocidísimo Mesías. nacido en Alemania y nacionalizado inglés. jefté y. Su primera época es la de un Hándel cortesano. es al mismo tiempo su creador y consumador. Hándel realizó muchísimos viajes en su vida de frustrado estudiante de Leyes.

Sus obras más importantes son Ifigenia en Áulide. Pigmalión y Castor y Pólux. que superó las limitaciones de la ópera-ballet y sometió al principio de las tres unidades (tiempo. Directores de orquesta El compositor Jean-Baptiste Lully dirigía a sus músicos bailarines golpeando el suelo del escenario con un bastón con el que marcaba el compás. para solistas. La Europa galante. compositor alemán de origen bohemio. Murió al gangrenársele a herida. que contribuyó a desarrollar en Francia la música religiosa con sus obras. Sus teorías musicales las expuso en Tratado de armonía reducida a sus principios naturales. Fue un firme defensor de la tradición musical francesa frente a la italiana. sus Piezas para clavecín contienen el germen del futuro impresionismo francés. 58 . Según algunos musicólogos. situado frente a sus compañeros. de origen italiano. Hasta el siglo XIX no apareció la figura del director que. término que en italiano (battuta) significa «compás». y André Campra (1660-1744). que escribió ballets y composiciones religiosas. poniendo más énfasis en los recitativos y eliminando el exhibicionismo de los cantantes. Durante el siglo XVIII lo usual era que el ejecutante del clave (el instrumento antecesor del piano). dio nombre al estilo. y Alceste. La ópera francesa resurgió con Jean-Philippe Rameau (1683-1764). entre las que sobresalen un Te Deum y el oratorio El juicio de.El transcurrir del tiempo propició un acercamiento a los gustos italianos.. Perseo. con un estilo que supo armonizar el gusto francés y la influencia italiana. Sus obras más importantes son Armida. Las formas musicales se redujeron. que marcaba el compás con un pliego de papel enrollado. En el Rococó fue la obra de Francois Couperin. espacio y acción) la argumentación dramática de la obra. Francia fue el país del clavicordio y de los instrumentos de viento. se enfrentaron a quienes abogaban por una ópera nacionalista. melodías más frescas y menos ornamentadas que las italianas. A veces se utilizaba un segundo director para los coros. En ellas introdujo el ballet. coros y acompañamiento orquestal. la que completó la tarea. Salomón. redujo a tres actos la acción dramática de la obra y buscó el apoyo orquestal en todo el desarrollo operístico. Gluck devolvió a la ópera su fuerza dramática supeditando la música al texto.. quien colaboró con los dramaturgos Moliere y Comeille. de escaso valor musical. Segunda época: Couperin y Ramean El llamado «estilo galante» se inició con la regencia de Felipe de Orleans y continuó con el reinado de Luis XV. a quien se puede considerar el creador del nacionalismo operístico francés. llamado id Grande» (16681733). discípulo de Carissimi en Italia. Tercera época: Rousseau y Gluck Con la entronización de Luis XVI se produjo la «guerra de los bufones». Otra posibilidad era que se encargase de ello el primer violín. gesticulando con su cuerpo o con el arco del violín. Entre los primeros se encuentra el filósofo Jean-jacques Rousseau (1712-1778) que. En esta línea están sus óperas Las Indias galantes. Escribió vanos motetes. Michel Richard de Lalande (1657-1726). frente a la orquesta. dirige con una batuta. Los partidarios de la ópera bufa. La obra de Campra. contraria al estilo italiano. y creó la obertura francesa (un tiempo rápido entre dos lentos). después de la corte y de la Ópera. logrando auténticas tragedias líricas. fuese el encargado de dirigir la interpretación. Lully también dio un gran impulso a la orquesta y sus renovaciones fueron de gran alcance. A ello ya habían contribuido las formaciones orquestales de Lully. Cadmo. Para ello fue trascendental la aparición de Jean-Baptiste Lully (1632-1687). Acabó con la influencia italiana. Un día se golpeó accidentalmente el pie con el bastón. director de música en Notre Dame de París. SABÍAS QUE. Alceste y Orfeo y Eurídice. misas y Te Deum de estilo grandioso. Parecía como si la música solo pretendiera deleitar a la aristocracia. Entre los segundos está Christoph Willibald von Gluck (1714-1787). que se convirtió en la base de la música tonal. con unos argumentos que intentó llevar a la práctica en su ópera cómica El adivino de la aldea. influido por la representación en París de La Serva Padrona de Pergolesi. creador de la ópera-ballet. como demuestran sus obras La Europa galante y Las bodas de Venus. organista y maestro de la capilla real. las melodías se recargaron de adornos y la armonía se empobreció. Otros compositores notables de esta época fueron Marc Antoine Charpentier (hacia 1636-1704). defendió la ópera italianizante en su Carta sobre la música.

nacieron en este período géneros típicamente españoles como la zarzuela y la tonadilla. Luis Misón (hacia 1 720-1766) y Blas de Laserna (1751 -1 816). por otra parte. fue la primera en bailar sin tacones y. fecha que suele tomarse como el principio de la decadencia política española y al mismo tiempo de uno de los períodos más fecundos de la literatura y del arte españoles. Sus compositores más célebres fueron Pablo Esteve (hacia 1730-hacia 1790). a que en el incendio del Alcázar madrileño en 1734 se perdió posiblemente lo mejor de la música española de ese período y. acortándose el vestido hasta medio muslo. gracias a la presencia del famoso cantante castrato Farinelli. los profesionales de la danza fueron desplazando del ballet de corte a los aristócratas aficionados hasta el afianzamiento. En el siglo XVIII.. en el Real Sitio de El Pardo. Ello es debido. no se produjo la misma fecundidad que en la literatura y el arte. lo mucho que aún queda por investigar sobre esa época. con texto de Calderón y música de Juan Hidalgo. Su nombre le viene de la acción de dar el tono para iniciar el canto. La primera zarzuela propiamente dicha fue £/ golfo de las sirenas (1657). Joan Pau Pujol (hacia 1573-1626) y Joan Baptista Comes (hacia 1. La gran bailarina de esta época. en el siglo XVIII. También hubo autores que practicaron la ópera italiana. la francesa Marie Camargo (17101770). la ópera italiana se puso de moda en la corte borbónica. Sebastián Durón (1660-1716) y Juan Hidalgo (hacia 1612-1685). La zarzuela. como Mateo Romero (segunda mitad del siglo XVl-1647). Compositores iniciadores de la zarzuela fueron. o Celos que del aire matan.568-1643). el padre Feijoo habla de «una música artificiosa. como Doménec Terradellas (1713-1751). ligera. En música. con texto de Lope de Vega. La música religiosa Contó con buenos maestros. vestidos con trajes lujosos y máscaras. La ópera. una ópera española como La selva sin amor. espectáculos protagonizados por los cortesanos que. cuya partitura íntegra se conserva. coreógrafo francés y teórico de la danza. y Pérez. La música del Barroco en España El inicio del Barroco musical en España coincidió con la muerte de Felipe II (1598). La tonadilla surgió a principios del siglo XVIII y desapareció antes de llegar a la mitad del mismo. para mayor comodidad. Carlos Patino (1600-1675). El Siglo de Oro musical que vivió España en el Renacimiento extendió su influencia hasta el Barroco e impidió que los nuevos vientos musicales llegaran a España. por una parte. En el año 1648 se estrenó El jardín de Folerina con textos de Calderón de la Barca y música de autor desconocido. que eliminó las máscaras y las pesadas pelucas heredadas del ballet de corte. Todos siguieron las directrices renacentistas. entre otros. No obstante. operista en Ñápoles. PARA SABER MÁS: Los estudios del Barroco musical Lo que se conoce del Barroco musical en España está muy por debajo de lo alcanzado en la literatura o en la pintura de esa época. bailaban desarrollando argumentos de tema mitológico. puso mayor interés en el argumento y estableció definitivamente las llamadas cinco posiciones en las que todos los movimientos de los bailarines clásicos comienzan y terminan.EL BALLET DE CORTE Durante los siglos XVI y XVII tuvieron aceptación en la corte francesa las máscaras o ballets. pero sin éxito. Antonio de Literes (16731747). llena de innovaciones armónicas. En esta obra se alternaron escenas habladas con otras cantadas sobre temas populares españoles. Una figura muy importante en esta evolución fue Jean-Georges Noverre (1727-1810). Con el tiempo. No obstante. Es un intermedio satírico que generalmente concluye con una danza española. Se intentó. que estrenó obras por toda Europa. El origen de este nombre parece provenir del palacio de la Zarzuela. logrando monumentales obras para dos o más coros y hasta quince voces.. del espectáculo que hoy conocemos como ballet. La tonadilla. Nebra. superficial y con abuso de florituras.». Francisco Valls (16551747) dejó una interesante misa aretiana. ingredientes que constituyen las notas características de la zarzuela. donde se reunían músicos y artistas para entretener a los reyes con obras que tenían texto y música. 59 .

En España. donde ofrece una variada colección de danzas españolas: pasacalles. Europa experimentó un gran auge 5mico que estuvo ligado a los avances técnicos expansión colonial. y una nueva forma de gobernar. Rousseau y Diderot. a la que contribuyó de forma decisiva Juan Domingo Cacerols. como los franceses Voltaire. pero las monarquías absolutas europeas se resistieron al cambio. igualdad y fraternidad». Como autor dramático compuso El defensor de su agravio y Efectos de odio. se propuso extender por Europa los ideales de la Revolución Francesa. y proponía como ideales educación (las «luces» de la razón contra las «tinieblas»: la ignorancia). cuyo imparable ascenso y la pérdida de poder de la nobleza culminaron en la Revolución Francesa (1789) y sus ideales de «libertad. La sociedad europea el siglo XVIII y comienzos XIX Durante el siglo XVlII. Sus representantes más genuinos fueron Carlos III y otros reyes de esta época. y José de Torres (hacia 15681643). Austria y Prusia. Progresivamente. continuador de la escuela de Cabezón.Destacaron también el organista Cabanilles. etc. Se conoce como despotismo ilustrado la forma de gobernar que buscaba el bienestar y la cultura «para el pueblo. que terminaron con el Antiguo Régimen y dieron paso al mundo moderno. la religión. la aristocracia fue perdiendo sus privilegios y acabaron triunfando la libertad y el individualismo. se esforzaban en buscar respuestas racionales a las dificultades que í les presentaban en la política. que se muestra gran teórico y consumado maestro en su Libro de tientos y discursos de música práctica y teórica je órgano. este desarrollo se produjo con la llegada de la casa de Borbón. la vida social el arte. Rusia. zarabandas. entronizada 700. Fue profesor de un hijo de Felipe IV. que se intenta resucitar leales de la Antigüedad grecolatina. que comenzó en 1804 con la proclamación de Napoleón como emperador de Francia. Los países que derrotaron a Napoleón –Gran Bretaña. pero sin el pueblo». que rezuman arácter español. La guitarra española tuvo en Gaspar Sanz (1640-1710) al gran maestro. para quien escribió su célebre Instrucción de música para la guitarra española. La Ilustración fue un activo movimiento cultural que creía el papel decisivo de la razón para la consecución una sociedad más justa. Francisco Correa de Arauxo (hacia 1575-hacia 1663). rechazando las propuestas únicamente basadas n la fe religiosa o la tradición histórica. Paralelamente se desarrolló una nueva filosofía. la ilustración. la concepción ilustrada fue aceptada como propia por una clase social. EL CLASICISMO Panorama social cultural del Clasicismo Se conoce con el nombre de clasicismo la época de la segunda mitad Siglo XVIII y comienzos del XIX. la burguesía. autor de múltiples batallas.se reunieron en el Congreso de Viena (1814-1815) para restaurar el absolutismo y reconstruir el mapa de Europa rectificando las fronteras. Fue discípulo ¿e Domenico Scariatti y escribió gran número de sonatas a uno o dos tiempos. 60 . Se formó en Nápoles e introdujo en España la técnica guitarrística italiana. Los filósofos ilustrados. El imperio napoleónico. que escribió un tratado de órgano.El monasterio de Montserrat realizó una estimable tarea. y el alemán Kant. chaconas. ya citado. la libertad política y el dominio de las fuerzas de la naturaleza gracias al progreso científico. La música instrumental Merece especial mención en este campo el padre Antonio Soler (1729-1783). el despotismo ilustrado. composiciones que evocan una batalla entre instrumentos. A pesar de ello.

En literatura predominaron la crítica. formadas por dos semifrases melódicas de cuatro compases cada una. El equilibrio. lo cual tuvo un reflejo diferente en cada una de las artes.  Estilo alegre y brillante.. es decir lógica.EL ARTE NEOCLÁSICO El neoclasicismo fue una corriente cultural y artística que tuvo origen en Francia y pretendió reponer la estética. de monumentos conmemorativos y arcos. Características del Clasicismo musical La música del Clasicismo tomó como objetivos la sencillez melódica. Las principales características del Clasicismo musical son las siguientes:  Composiciones objetivas. todo aquello que se califica como clásico es percibido como un valor estable. equilibrio. artificiosidad o exuberancia ornamental tanto en literatura como en las artes plásticas. formando frases simétricas de ocho compases. lo cual es impropio. Herculano y Olimpia hicieron quela sociedad mirase hacia la antigüedad clásica.  Ritmo regular dentro de una sencillez natural. de estructura formal clara y comprensible. en París. con una orientación marcada por el didactismo.  Frases bitemáticas y cuadradas. merced a la aparición de la forma sonata y el desarrollo dramático de la misma. tanto desde el punto de vista de los temas. muy fáciles de apreciar y recordar. En términos generales. En escultura y pintura se idealizó la naturaleza y los temas mitológicos cobraron enorme importancia. como pregunta-respuesta musical. buen gusto y mesura que caracterizaron al Clasicismo fueron reglamentados por las academias y otras instituciones. la proporción y la elegancia.  Aparición de nuevos timbres y matices como consecuencia del mayor perfeccionamiento de la orquesta. ya que solo la música del siglo XVIII se podría denominar así. la Puerta de Brandemburgo. se emplea la expresión «música clásica» en muchas ocasiones como contraposición a música popular. En arquitectura sirvieron de modelo los edificios clásicos. Por un lado. Algunos ejemplos son el Museo Nacional del Prado. que se presentan primero en forma suspensiva y después conclusiva. Diversos factores propiciaron la iniciación del Neoclasicismo. Se otorgó una gran importancia a los órdenes dórico y jónico en la construcción de templos. se impusieron los cánones de proporción de los artistas griegos en las figuras humanas y en la composición de las obras. o la iglesia de La Magdalena. con una clara inclinación hacia la línea recta y la austeridad. por ello los compositores trataron de trasladar a sus partituras los ideales de proporción y equilibrio que se tomaron como canon en las otras artes.  Línea melódica de carácter predominante sobre la armonía. Perdió la afinidad que hasta entonces había mantenido con la arquitectura y buscó el paralelismo con la poesía y el drama. los ideales de la ilustración influyeron en el mundo musical y se concretaron en una música racional. la claridad. Igualmente. SABÍAS QUE. sobriedad.. hasta el punto de repetirse de forma insistente. Los artistas de la época tomaron como modelo obras de la Antigüedad clásica. destacando claramente sobre un acompañamiento armónico de acordes. En lenguaje cotidiano. en Berlín. que buscan el ideal de la belleza mediante el equilibrio formal. las excavaciones de Pompeya. Por otro lado. como de los cánones estéticos que utilizaban en su realización. La música en el clasicismo Durante la segunda mitad del siglo XVIII (1750-1800). y prescindiendo del bajo continuo del Barroco.  Armonía poco compleja y eminentemente consonante. el ensayo y la fábula.. El arte se popularizó a estar al alcance de un número cada vez más elevado de personas. En música apenas existían referentes de obras grecolatinas. el gusto y las normas de la Antigüedad clásica. de Madrid.. Lo clásico El término «clásico» hace refrenda a las características del arte propio de la Antigüedad grecolatina: sencillez de líneas. la culminación del Barroco produjo un rechazo hacia todo exceso. 61 .

Sobre este principio se desarrolla la forma sonata. en Francia. pasaba después a desarrollar ambos y. las composiciones serias. Después. una sinfonía es una sonata aplicada a la orquesta sinfónica. porque lo remoto e irreal de sus situaciones las alejaba de los gustos del público. se produjo un notable auge de la música instrumental. Bartók y Prokofiev. donde los dos temas interactúan. Las principales formas musicales que se desarrollaron durante el Clasicismo fueron la sonata. Las composiciones Aunque en el Clasicismo los músicos continuaron escribiendo misas y oratorios. Mediante un puente modulante se introduce el segundo tema. Los mismos temas presentados en la exposición se desarrollan y se transforman y alcanzan su clímax. debido. También en esta época se sentaron las bases para el posterior desarrollo ¿e la ópera. SABÍAS QUE. cual estructura fue adoptada por casi toda la música instrumental del Clasicismo. Primer tema en el tono principal. quedaron reducidas a las grandes celebraciones. el cuarteto. etc.  Desarrollo: nudo. sinfonía y concierto. pero a una escala menor y más fácil de interpretar. se puede decir que esta responde a una estructura literaria clásica: En la exposición se presentan los personajes antagonistas. «pelean» y se acercan y alejan sucesivamente. En la recapitulación se produce la «victoria» del tema B. por último. Sin embargo. a la estrecha relación que se estableció entre la música y las formas dramáticas. LA SONATINA Con este término.  Mayor «democratización» de la música. Predominio total de la música instrumental. se designa una forma musical de las características de la sonata clásica. en su concepción actual. la sinfonía y el concierto. La sonata clásica consta de tres o cuatro movimientos: I Allegro. hacía escuchar los dos temas..  A1. tan del gusto barroco. III Minueto o Scherzo.  Nacimiento de las formas sonata. así por ejemplo. Andante o Largo. pasa al segundo tema. Los dos temas melódicos de la exposición se resuelven. que se encuentra en un tono vecino. diminutivo de sonata. por ejemplo. concierto para violín y orquesta. El plan formal de la sonata clásica podía aplicarse a un solo instrumento (por ejemplo: sonata para piano) o a un solista con acompañamiento (sonata para piano y violín). II Adagio. sobre todo. Posteriormente retomaron la sonatina Ravel. que sale «vencedor». cuando se aplica a otras agrupaciones instrumentales recibe nombres diferentes. un cuarteto es una sonata escrita para cuatro instrumentos y un concierto clásico es una sonata para un instrumento solista y orquesta. En la línea de progresiva popularización de la música.La estructura dramática de la sonata Desde el punto de vista del contenido musical de la sonata. tan propias de la música barroca. El desarrollo de la sonata plantea el nudo dramático de la obra. 62 . Este esquema es aplicable al concierto. sobre todo.  Coda: melodía con la que concluye. Allegro o Presto. El primero de estos movimientos recibe el nombre de esquema de sonata. Exposición: presentación. Esto se corresponde con el desenlace de la obra literaria. esta parte se corresponde con el planteamiento de cualquier obra literaria. representados por los temas A y B. sin tener en muchas ocasiones que ver con temas anteriores. Cultivaron este género en el Clasicismo compositores como Muzio Clementi (1752-1823) y Jan Ladislav Dussek (1760-1810). también en tono principal.. al hacerse extensiva a un público más numeroso. El primer tema suele ser-enérgico en el tono principal. la sinfonía. Philipp Emanuel Bach añadió a la sonata un segundo tema. dúo. Recapitulación: desenlace. La sonata clásica Para evitar la monotonía de la repetición de un tema musical propia de la sonata surte. de carácter lineo. IV Final.  A1.

En el primer movimiento y. casi siempre. poniéndose de moda por toda Europa. le volvió a dar la acepción de los griegos. aunque lo pueden ser todos. Johann Stamitz (1717-1757) aplicó la forma sonata al formato de la obertura italiana. muy libremente y sin acompañamiento. ya en el siglo XIX. que daban ocasionales conciertos. entre la reexposición y la coda. Por tanto. El concierto clásico El concierto clásico es la forma sonata aplicada a un instrumento solista con acompañamiento de orquesta. el material temático siempre está condicionado por todo lo que contribuya al lucimiento del instrumento solista. quien. un programa regular de conciertos para los que se disponía de un local adecuado y una orquesta propia. en la escuela de Mannheim (Alemania). El esquema del concierto clásico es el mismo que el de la sonata clásica. más tarde no fue así. En la primera mitad del siglo XVIII. a los tres tiempos clásicos se añadió el minué. La sinfonía clásica Para los griegos. hasta ese momento eran sustituidas por hombres disfrazados de mujer. sino que fueron compuestas por Beethoven. en su Sinfonía sagrada. Otro fue su emancipación de la ópera. la institución del concierto público conoció su expansión general. que danzas cortesanas aparecidas durante el Barroco. En la primera mitad del siglo XVIII. Los instrumentos solistas del concierto clásico son principalmente el violín y el piano. la sinfonía clásica se puede considerar como una gran sonata para orquesta. el concierto clásico reemplazó al concertó grosso. en el que alternaban un grupo de solistas y la orquesta. además. A partir de que el eminente coreógrafo Raoul Feuillet publicase en 1700 el sistema de notación para la danza. se hicieron imprescindibles para relacionarse socialmente. la orquesta hace una pausa. Conviene recordar la existencia de dos tipos de obertura: la «italiana» del siglo XVIII (formato rápido-lento-rápido). Pero tuvo mucha mayor importancia la fundación en París en 1725 por Anne Danican Philidor de los «Concerts Spirituals». mientras el solista. La danza en el Clasicismo La danza de este período es heredera de una difícil técnica que surgió en Francia como resultado de la llegada al trono del monarca Luis XIV. pero con tres movimientos: formas sonata. A finales del siglo XVIII se produjeron varios cambios en la danza. el alemán Heinrich Schütz. sinfonía significaba «instrumentos que suenan juntos». con lo que nació la sinfonía clásica. este puede realizar adornos sobre los temas que la orquesta introduce y repite. Más tarde. A mediados del siglo XVIII.EVOLUCIÓN DEL CONCIERTO PÚBLICO En Alemania a principios del siglo XVIII se extendieron entidades llamadas «Collegium musicum». toca una cadencia exhibiendo su virtuosismo. Aunque en un primer momento se improvisaban las cadencias. y la «francesa» (formato lento-rápido-lento). Como el motivo más importante del concierto es que el solista virtuoso haga una exhibición de sus cualidades. los vocablos obertura y sinfonía adquirieron el mismo significado. que hacia 1751 contaba ya con 38 instrumentistas. tras las campañas napoleónicas. el estilo francés se internacionalizó. que con Beethoven pasó a ser scherzo. fundó la Académie Royale de Dance en 1661. canción y rondó. sinfonía fue sinónimo de «consonancia». A finales del siglo XVI. Uno de ellos fue la participación de las mujeres en los ballets de las óperas. entre otros. Paganini y Rubinstein. Posteriormente. en particular los instrumentos de viento. se denominó sinfonía a los trozos instrumentales situados entre partes de una obra teatral. 63 . además de ser bailarín. Entre la aristocracia era tan habitual «estar al día». Brahms. dependientes de las universidades. El ejemplo cundió pronto en las grandes capitales europeas y. Con el nacimiento de la ópera. como el minué.

sus miembros. familia de violín. Ello se debía al mecenazgo ilustrado del duque Cari Theodor. La potencia surge de forma natural de un nutrido número de manos. pues hasta el siglo siguiente no desapareció por completo. De ella decía el inglés Charles Burney. guía musical europeo: «Observé que la orquesta de Mannheim respondía realmente a las esperanzas que su fama hacía concebir. su mayor influencia radicaba en la forma en que utilizaron la orquesta. cuatro violonchelos y dos contrabajos. trompetas y timbales. viento y percusión. En el Clasicismo musical. doce trompetistas y dos tamboriles. es un ejército de generales. Stamitz estableció la primera orquesta sinfónica clásica seria. pero el juicioso uso de dicha potencia. consiguieron formar una orquesta de gran calidad y envergadura y realizaron una de las aportaciones más importantes para la música del Clasicismo: el uso del crescendo y el diminuendo. clavecín. pues en una estructura en cierto modo homofónica determinados instrumentos. añadiéndose clarinetes y trompas. entre los que se encontraban compositores como Johann Wenzel Stamitz. que ampliaba las posibilidades expresivas. oboes. Pero. diez violines primeros y diez segundos. que salían al salón haciéndose reverencias y que se deslizaban de izquierda a derecha.Reputados teóricos del momento demostraron que la danza podía contar con la ayuda de la música. no puede ser sino la consecuencia de una buena disciplina. contaba con cuatro trompas. hasta que Beethoven lo sustituyó por el Scherzo. LA ORQUESTA DE MANNHEIM Desde 1740. elector palatino. principalmente oboes y trompas. Desde mediados de siglo. H. en todo momento. mientras los italianos y los alemanes del norte. La orquesta estaba compuesta por treinta y cinco o cuarenta instrumentistas que se agrupaban en tres secciones: cuerda. Aunque la composición de la orquesta variaba mucho. era frecuente la siguiente: violas. crescendo (de suave a fuerte) y forte (amplio). que adquirió gran difusión en la corte de Luis XIV quien bailaba los minués que componía Lully en su honor. Los músicos estaban colocados en dos grupos opuestos. En la segunda mitad del siglo XVIII aumentó el número de componentes de la orquesta. la función del basso continuo resultaba superflua. se guiaban prefiriendo el modelo original de tres movimientos. que por lo general se instrumentaban para cuerda y continuo solamente. dos oboes. En su Historia general de la música. 64 . hacía más importante su papel. Se trataba de una danza originaria de la región francesa de Poitou. indudablemente. e incluso los vieneses. sino también se le viera. (Cuando Haydn fue a Londres. Especial fama cobró en toda Europa la orquesta de Mannheim. igualmente dotados para planificar una estrategia que para combatir».) El que al director no solamente se le oyera. pero sin textos ni cantantes que la comentasen. Allí. la corte electoral de Mannheim fue uno de los centros más importantes de la vida cultural alemana. Ya no era necesario el clavecín para completar la armonía. fagotes. de delante a atrás o cruzándose en su trayectoria. El clavecinista dirigía aún la orquesta. como innovación sensacional. Lo cierto es que intervienen más solistas y compositores en esta orquesta que en ninguna otra de Europa. cuatro violas. dos fagotes. Ottaway escribe: «Los compositores de Mannheim trabajaron denodadamente para implantar la sinfonía de cuatro movimientos. en 1791 y 1794. empleados por parejas. Para saber más: El minué Hacia mediados del siglo XVIII se introdujo en Francia el minué. dirigió sus sinfonías al piano. incluyó clarinetes. flautas. cada uno en un lado de! escenario y uno enfrente del otro. Estaba escrita en compás ternario y se bailaba por parejas. La evolución de la orquesta El movimiento musical que se desarrolló a mediados del siglo XVIII en la corte de la ciudad alemana de Mannheim fue fundamental en esta evolución. Además. podían cumplir esta función armónica de un modo más efectivo». Excepto en los movimientos lentos. Esta fue la primera orquesta que utilizó los matices piano (suave). Stamitz llegó a dotar a la orquesta de Mannheim de cuatro flautas. el minué formó parte del tercer movimiento de la sonata y figuró en la mayor parte de las sinfonías y cuartetos.

y Muzio Clementi (17521832). de la que goza de gran aceptación el minueto de su Quinteto para cuerda en Mi mayor. Viena. entre los terratenientes nobles. la. En su tiempo fue admirado por Haydn y Mozart. gran aficionado a la música. Aunque nacido en Italia. que en algunos casos tienen origen popular. muerto prematuramente. así como su conocimiento de los instrumentos de la orquesta. Trabajó magistral mente los desarrollos temáticos. y Juan Crisóstomo Arriaga (1806-1826). basado en la existencia de numerosas cortes principescas. aparte de Viena. hijo de Johann Sebastián. y que sirvió de transición entre el Barroco y el Clasicismo. orquestas de teatro y varios conjuntos privados. PARA SABER MÁS: La influencia del sistema político en la música El importante desarrollo experimentado por la música sinfónica durante el siglo XVIII debe mucho al sistema constitucional alemán y austríaco. que a partir de entonces no tiene solo un tema. que participó con Johann Stamitz en la creación de la sinfonía. y a su servicio estuvieron Leopold Mozart. Mozart y Beethoven. a Cari Philipp Emanuel Bach. como vicemaestro de capilla. siendo alabado por Mozart. que exploró las posibilidades de la expresión instrumental. En el actual territorio austríaco. Por su parte. contemporáneo del rococó que predominaba entre las bellas artes. el arzobispado de Salzburgo contaba con una prestigiosa tradición musical. sede del elector palatino. Tres grandes compositores dominaron este período: Haydn. que obtuvo en Italia grandes éxitos con sus óperas. En su música.Los protagonistas del Clasicismo musical Viena fue la capital del Clasicismo musical. Dos de los hijos de Bach tuvieron gran importancia en esta transición. Johann Christian Bach (1735-1782) combinó una sólida técnica alemana con un elegante estilo melódico. cabe hablan de tres períodos: 65 . y a su servicio estuvo hasta su muerte Franz Joseph Haydn. Viena. es decir. al cambiar la voz. que desempeñó un papel determinante en la difusión del pianoforte y en la definición de su lenguaje específico. Y los tres vivieron en la misma ciudad. sede del emperador. y fue niño cantor hasta que. sus frases musicales son cortas y de gran claridad. Franz Joseph Haydn (1732-1809) Franz Joseph Haydn nació en Rohrau. se vio obligado a abandonar su puesto. Y en Mannheim. los Esterházy eran los únicos. la corte contaba con la orquesta más prestigiosa a las órdenes de Johann Stamitz. Luigi Boccherini (1743-1805) se instaló en España en 1769 y la música española influyó en su extensa obra. sino dos. Más adelante llegó a ser el compositor del conde Morzin y de! príncipe Esterházy. entre otros músicos muy conocidos. y su hijo Wolfgang. Giovanni Battista Sammartini (1700-1775). Del Barroco al Clasicismo A mediados del siglo XVIII empezó a desarrollarse en la música un estilo clásico temprano. Asimismo merecen mención los españoles Vicente Martín y Soler (1754-1806). cerca de Viena. y adaptó la forma sonata al primer movimiento de la sinfonía. con melodías sencillas y alegres. contaba con los mayores recursos musicales: orquesta de corte. Su carácter bondadoso se deja entrever en toda su producción. Una serie de príncipes reinantes y de ciudades independientes rivalizaban en prestigio y magnificencia con los grandes cargos del Imperio. al que llegó a calificarse como el «Mozart español». Otros compositores que contribuyeron a fraguar el Clasicismo fueron los italianos Niccoló Jommelli (1714-1774). ampliada considerablemente por Federico el Grande. La orquesta de Berlín. Haydn perfeccionó el tipo sonata aplicado a la orquesta. sinfonía. rey de Prusia y elector de Brandemburgo. los electores. que poseían una orquesta similar a las de los grandes príncipes alemanes. que fue el dominante en el Clasicismo temprano y se caracterizaba por la armonía sencilla y una melodía muy adornada. Cari Philipp Emanuel Bach (1714-1788) fue el principal representante en Alemania del estilo galante francés. empleó. adoptado de la música italiana.

Su muerte le sobrevino escribiendo un Réquiem encargado por un misterioso personaje. naturalidad y espontaneidad. para el que escribió 83 obras. y ya en su lugar de alojamiento. que el maestro creyó venido del más allá para anunciarle el fin de su vida. Haydn compuso 104 sinfonías. Esta pieza musical era parte de un grupo de obras muy apreciadas. Dentro de la música de cámara perfeccionó y dio forma definitiva al cuarteto de cuerda. habéis escuchado la Sinfonía de los adioses». compositor de cámara y violinista de la corte de Salzburgo. Mozart fue el caso más representativo de precocidad en la historia de la música. y pasó cerca de treinta años a su servicio. pero al mismo tiempo siguió realizando diversas giras por Europa. obligado a componer cualquier música que le fuera solicitada.  Etapa final. Las cuatro estacones y Las siete palabras de Cristo en la cruz. Sus éxitos le acarrearon intrigas y envidias que fueron amargando su vida. Con el tiempo. en el que compone sinfonías como La Chase y L'Ours. su fama se extendió por toda Europa y llegó incluso a recibir un Doctorado en Música por la Universidad de Oxford. Durante su estancia en Italia. En su música sorprende la ternura. cantatas y oratorios. de sonidos muy suaves y melodiosos: el forte iba destinado a hacer saltar de su butaca a los que acuden a dormir a los conciertos. cuya publicación había sido prohibida por el papa para que solo pudiese ser interpretada y escuchada en el Vaticano. hasta su muerte ocurrida a los 77 años. Su vida fue la de un músico perfectamente integrado en un sistema. al llegar a este punto Haydn se volvió hacia su príncipe y le dijo: «Señor. En el campo de la música vocal se deben a Haydn misas. en Inglaterra. También compuso varios tríos y sonatas para diferentes instrumentos. Después de escuchar el Miserere. Haydn era un hombre de muy buen carácter. En 1782 se casó con la cantante Constanza Weber y se estableció en Viena. Londres. Mozart acudió con su padre al Vaticano para escuchar el Miserere del compositor Giuseppe Allegri. Su facilidad de asimilación y sus numerosos viajes le hicieron poseedor de un estilo donde la vena melódica italiana se entremezcla con la elegancia francesa y con la rigurosidad del sinfonismo germano. así como conciertos para clavecín y orquesta. Leopoldo. Leopoldo Mozart y su hijo. transcribió completa. SABÍAS QUE. Oxford. el joven Mozart pidió papel y pluma y. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Wolfgang Amadeus Mozart nació en Salzburgo (Austria) y a los cuatro años tocaba el piano y componía música.  Período intermedio. el patronazgo. Mozart creó más de 750 obras. De los niños. escribió una sinfonía en cuyo último movimiento los músicos iban saliendo del salón hasta quedar solo dos violinistas y el director. compuesta para la catedral de Cádiz. Las bromas de Haydn. que estaba a punto de desaparecer. De los adioses. en la que destaca la sinfonía Oxford. durante el que Haydn se convierte en el primer gran maestro del cuarteto de cuerda clásico. el papa Clemente XIV otorgó al jovencísimo Mozart la distinción de la Orden de la 66 . amable y sin enemigos. ante el asombro de toda Roma. En cierta ocasión en que los músicos a sus órdenes habían solicitado vacaciones. pero él siempre vistió con agrado la librea o uniforme que le acreditaba como servidor de los Esterházy. Del reloj. como Lo creación. cuando tenía catorce años. que no tardó en enterarse de la proeza. Haydn entró con 29 años al servicio del príncipe Esterházy. Otra famosa broma de Haydn: en la «sinfonía llamada Sorpresa ideó un estallido de instrumentos de percusión y de metal en medio de un pasaje delicado. Entre los seis y los once años recorrió Europa dando conciertos. de memoria. Haydn. En dos etapas distintas de su vida estuvo al servicio del arzobispo de Salzburgo. Museo Británico. un músico integrado Como ya se ha dicho. Parece ser que el príncipe entendió la broma y dio vacaciones a los músicos. nota por nota. MOZART EN ITALIA Durante su primer viaje a Italia. muchas de ellas conocidas por su sobrenombre: Sinfonía militar. Rococó o estilo galante. A pesar de su corta existencia. Con menos de dos años. recibió la primera educación musical de su padre. Sus formas son muy claras y la pureza de su música iguala y aun supera la de Haydn. la obra escuchada horas antes en San Pedro. Sus armonías dejan atisbar ciertos cromatismos hasta entonces desconocidos. aunque en unas condiciones de trabajo inmejorables para un músico de la época. jefe de una de las familias más poderosas de la nobleza austríaca. Sorpresa.

eso es también lo que yo deseo. me trata por tercera vez de la forma más horrible posible. los pianos de 1780 eran más semejantes al clave que al piano moderno e incluso que a los pianos de Schubert y Schumann. Más aún. A Johann Andreas Stein (1728-1792) se atribuye el invento del mecanismo de escape. suave) y forte (fuerte)». Sin embargo. y La flauta mágica. un héroe romántico. donde se expresan los ideales de igualdad. tal y como él deseaba. Para música de cámara escribió innumerables quintetos. el conde Arco me echa por la puerta y me da una patada en el trasero. pero a merced del éxito o fracaso de sus obras en el todavía novedoso mundo del concierto público. Escribió óperas sobre temas tradicionales. que asegura que el macillo queda inmóvil cuando la tecla está lista para volverse a pulsar. pero con dificultades para desenvolverse en su vida profesional. MÚSICOS Y PATRONOS «El arzobispo me ha dicho en dos ocasiones las mayores impertinencias y yo no he dicho palabra. Bueno. En lugar de reconocer mi celo a su servicio y mi esfuerzo por agradarle. En la segunda mitad del siglo XVIII aparecieron numerosos instrumentos de teclado que buscaban perfeccionar el pianoforte de Cristofori. una condecoración que podía exhibirse en todo momento y que daba derecho al título de caballero. Bueno. pero sus temas mayoritarios son de origen popular Don Giovanni. En la música vocal dramática consigue unificar. y aun contando con buenas perspectivas.» Carta de Mozart a su padre. francesa y alemana. que ya no presenta un héroe de farsa. que había imperado hasta el Barroco. Mozart prescindió de su uso. PARA SABER MÁS: El piano en tiempos de Mozart El piano o pianoforte fue inventado por el florentino Bartolomeo Cristofori en 1709 y con el tiempo consiguió desbancar al clave. SABÍAS QUE: La rebeldía de Mozart Mozart fue un hombre mucho más complicado que Haydn. su ciudad natal. al servicio del arzobispo local. Mozart tuvo la valentía de rechazar la seguridad que le proporcionaba Salzburgo y preferir la libertad creativa y el estímulo de las novedades que se le ofrecían en Viena. o convencerme de que dejara estar las cosas y las meditase mejor. De especial aceptación por parte del público siguen gozando piezas como la Pequeña serenata nocturna (1787) y el Concierto para darineto (1791). en los próximos días escribiré al señor conde lo que sin duda espera de mí. al que su constructor llamó «clave con piano (es decir. Vivió solo treinta y seis años. todas ellas de corte refinado y aristocrático. Praga (1786) y Júpiter (1788). entregado completamente a su arte. lo que no era posible con el clave. podía graduar y disminuir la intensidad de los sonidos. Sin embargo. en alemán eso quiere decir que yo no tengo nada más que hacer en Salzburgo. que fueron el lema de la Revolución Francesa. sus 25 conciertos para piano y orquesta. Pero en lugar de aceptar mi renuncia. 13 conciertos para violín y orquesta y 12 para diferentes instrumentos. Es como si quisieran que me marchase a la fuerza. es decir.Espuela de Oro. a diferencia de Haydn. cuartetos y tríos. si no me quieren tener. como Mitrídates y la Clemencia de Tilo. Compuso 49 sinfonías. en el momento de su muerte Mozart se encontraba en una difícil situación económica. he tocado ante él con el mismo celo y diligencia. las tendencias operísticas italiana. A pesar de estas mejoras. No deseo ninguna satisfacción del arzobispo. como si nada hubiese pasado. y no utilizó nunca dicho título. 13 de junio de 1781 Ludwig van Beethoven: Biografía 67 . Otras óperas importantes son Los bodas de Fígaro y El rapto del serrallo. creando un nuevo estilo. porque no está en condiciones de dármela. sino un rebelde contra la autoridad y la moralidad vulgar. pero. Su actitud rebelde le valió ser expulsado de su cargo y vivir el resto de su vida en Viena. Entre ellas cabe mencionar las sinfonías Haffner (1782). tras unos años de relativo éxito gracias a la ópera y los conciertos. Como debo tomármela por mí mismo. basada en la figura de don Juan. libertad y fraternidad. Era un auténtico piano con» macillos controlables y fue el instrumento que usaron Mozart y Beethoven. Linz (1783). Mozart escribió obras instrumentales y vocales: Dentro de su obra instrumental son de destacar sus sonatas para piano y para violín y piano. o de procurarme una audiencia. El pianoforte. Fue enterrado en una fosa común. se rebeló muy joven contra un sistema de patronazgo que le habría condenado a vivir toda su vida en Salzburgo.

a través del estilo neogótico. y ampliación de la percusión. enfermedad que fue aumentando. finita est comoedia” La transición al Romanticismo El final del siglo XVIII supuso la transición entre las formas y expresiones artísticas neoclásicas y el movimiento romántico que caracterizó al siglo XIX. pero una enfermedad de su madre le obligó a regresar a su ciudad natal. se consideró republicano y demócrata. el grupo alemán Sturm und Drang (Tempestad y empuje) agrupó a los prerrománticos Herder.Ludwig van Beethoven nació en el año 1770 en Bonn. el artista empezó a vivir de lo que le pagaban por las obras que componía. Revolucionó el sentido mismo de la música y la llevó por primera vez a todo el pueblo y no solamente a un auditorio minoritario o selecto. entre otros. En literatura. Influido por las ideas de la Revolución Francesa. Sus obras funden la más sublime perfección formal con la más honda expresión del sentimiento. como el trombón. ciudad en la que fijó su residencia habitual.  Sobriedad de las líneas melódicas. En su música se proyecta él mismo y la vida que le rodea.  Estilo armónico. Beethoven no es un músico. Culminación de las formas musicales existentes. amigos.  Perfeccionamiento de la técnica del piano.  Inclusión de nuevos instrumentos en la orquesta clásica. Goethe. La obra de algunos compositores. ya compuso sus primeras obras. Su obra inauguró la música del siglo XIX. En las artes plásticas siguieron vigentes las ideas neoclásicas. Así. sobre todo. En música. como Francois Gossec (1734-1829) y Luigí Cherubini (t 760-1842). como dijo Wagner. el compositor pasó a tener la independencia y libertad necesarias para componer sin depender de las decisiones de un príncipe o de una iglesia. Períodos en la producción musical de Beethoven 68 . siendo raro el uso del contrapunto. Schiller. Se daba en todos ellos una clara conquista de la libertad y de la poesía y también la incidencia en el mundo de las pasiones y los sentimientos del individuo frente a la razón y a toda atadura formal. Cuando tenía veintiséis años advirtió los primeros síntomas de su dolencia de oído. A los catorce años fue nombrado organista en la corte del elector de Colonia. En 1787 fue enviado a Viena para estudiar con Mozart. En 1792 realizó un segundo viaje a Viena. Con su música expresó las más profundas vivencias que anidaban en su alma atormentada por sus amores fracasados y sus desgraciadas experiencias marcadas por el dolor. entre la que adquirió prestigio. después de haber pronunciado la famosa frase: “Aplaudid. No tuvo un hogar familiar acogedor. el flautín y el contrafagot. rompió con el equilibrado Clasicismo anterior e impuso un tipo de expresión más libre y enérgica. la pobreza y la enfermedad. Siendo muy niño. Beethoven y su obra (1770-1827) Ludwig van Beethoven fue quien transformó las formas musicales del Clasicismo para dar cabida a la expresión y al pensamiento romántico. lo que le llevó en los últimos años de su vida a encerrarse en sí mismo y en su música. principalmente en la escultura y la arquitectura. Falleció en Viena el 26 de marzo de 1827. sino que él mismo es la propia música. Su experiencia como pianista le permitió relacionarse con la nobleza vienesa.  Gran capacidad para el desarrollo temático. Hólderlin y. y trabajaba individualmente. Fue alumno de Haydn y Salieri. Y es que. Las principales características de la música de Beethoven son las siguientes:  Expresión de profundos sentimientos subjetivos. fue puente importante hacia el Romanticismo. No hay que olvidar que Beethoven fue un gran virtuoso de este instrumento.

hasta el número 11. Obras para piano:  32 sonatas. También en este período escribió su Missa solemnis.  un concierto para violín y orquesta. la Sonata núm. OBRA MUSICAL DE BEETHOVEN 1.  ballets. Segundo período: la transición (1800-1815).  17 cuartetos de cuerda. EL ROMANTICISMO MUSICAL 69 . mientras que otros. dedicada en un principio a Napoleón Bonaparte. o cuando no puedo dormir». y sentía que tenía que madurarla y corregirla el tiempo que fuese necesario. Obras religiosas. 2. que afirmaba «no sé de dónde ni cómo me llegan las ideas. entre las que destaca la Patética. en ocasiones fluyen abundantes y mejor cuando viajo en coche. los seis primeros Cuartetos y las diez primeras Sonatas para piano. considerados como obra capital de la música para cuerda. profesionales cuyas obras se publican y venden en el mercado libre y que escriben para un público universal. y la Séptima. Beethoven escribió solo nueve en toda su vida. La libertad del artista. hasta quedar plenamente satisfecho. en la que canta a la libertad frente a la tiranía. Tercer período: integración en el Romanticismo (1815-1827). para convertirse definitivamente en artistas. de hondo sentido dramático. en la que. la ópera Fidelio. donde evidencia el triunfo de la naturaleza. Primer período: conclusión del Clasicismo (1794-1800). porque para él cada obra era única e irrepetible. frente a las 100 sinfonías de Haydn y las 50 de Mozart. que anotaba sus ideas en una libreta que llevaba constantemente consigo.. el Concierto «Emperador» para piano. Por eso. sin seguir los dictados de un patrón que lo tenga a su servicio. Música orquestal:  9 sinfonías  5 conciertos para piano y orquesta. Compuso la Tercera sinfonía («Heroica»). para la posteridad. un grito de fraternidad que sublima el dolor y se hace alegría y esperanza. Ópera (o similares):  una ópera. Al primer grupo pertenece Mozart. Asimismo. Al segundo grupo pertenece Beethoven. aunque luego rompió la dedicatoria. a partir de la primera idea. SABÍAS QUE.Dos clases de compositores No todos los compositores crean música con igual facilidad: algunos conciben una idea de golpe y casi pueden escribirla directamente en papel sin modificaciones. Bajo la influencia de Haydn y Mozart escribió la Primera y Segunda sinfonías. En este período. Variaciones. pueden estar años madurándola hasta darse por satisfechos. que compone sus obras para ser oídas una o dos veces como mucho con motivo de alguna ocasión especial. 3. incluso durante años. los grandes compositores dejaron para siempre de ser artesanos al servicio de un patrón noble. 4.Dentro de la producción musical de Beethoven podemos distinguir los siguientes períodos creativos. La evolución de muchas de sus obras puede seguirse en las correcciones de sus libretas. que es un canto de amor a la humanidad. bagatelas y Heder. que es un canto a la libertad. paseando. es decir. la Novena sinfonía. y los Cuartetos. en las que a veces aparecen hasta diez tiras de papel pegadas sobre un pasaje. Compuso su obra cumbre.  10 sonatas para violonchelo y piano.  música de escena. 28.. las obras musicales de Beethoven manifiestan ya características románticas. la Sexta («Pastoral»). 5. introdujo la voz humana cantando la «Oda a la alegría» de Schiller. la Quinta. las Sonatas 28 a 32 y los últimos Cuartetos. A partir de Beethoven. Música de cámara:  10 sonatas para violín y piano. en los que rompe la forma clásica de los cuatro tiempos. en el cuarto tiempo.

.). destinada a la diversión (valses. las dos grandes comentes fueron el idealismo de Hegel y el positivismo de Comte. países cuyos territorios pertenecían a diversos Estados.. que valoraba la música como la más romántica de las artes. provocaron diversos levantamientos. pesimismo: el artista sufría porque tendía hacia lo inalcanzable. como la muerte y el mundo de los sueños. en algunos casos hasta el suicidio. la historia y la arqueología.Los músicos en el siglo XIX La generalización del concierto público y la ópera comercial fueron las circunstancias que permitieron a los compositores prescindir del viejo sistema de mecenazgo y pasar a depender directamente del éxito en la ejecución pública de sus obras y de la venta de música impresa en un mundo nuevo que. los países que habían vencido a Napoleón se propusieron restaurar el absolutismo. produjo un cambio muy importante en la consideración social de los compositores. la política. también experimentaron un gran desarrollo gracias a la amplia labor investigadora que se realizó. Tuvo sus orígenes en Alemania y prescindía de las normas y reglas artísticas del Neoclasicismo.  Interés por su propio país: la historia. lo infinito. que rechazaba toda manifestación idealista. triunfaron en la práctica los postulados burgueses que habían desencadenado la Revolución Francesa.  Idealismo y. Las características principales del Romanticismo fueron las siguientes:  Individualismo y subjetivismo. mientras que en la Revolución de 1848 fueron las masas populares las que adquirieron mayor protagonismo. Esto. Paralelamente al triunfo del liberalismo político en Europa. tras la Revolución Francesa..Aspectos sociales y culturales de la época romántica El Romanticismo como movimiento cultural y artístico se extiende desde finales del siglo XVIII hasta fines del XIX. pasó a regirse económicamente mediante las leyes del mercado. como movimiento cultural. como la geografía. De este modo.. que acabaron convirtiéndose en ídolos de los salones de la burguesía europea. oprimidas por el absolutismo que se había reforzado en el Congreso de Viena (1814-15). Entonces. y se lograron gracias a la industria y a la fabricación en serie. especialmente en los campos de la física. las fuerzas liberales herederas de la Revolución Francesa. 70 . entre otras cosas. la burguesía desempeñó un papel fundamental. el individualismo y el sentimiento. que llevaban al artista a la expresión de sus propios sentimientos. a la vez.. el nacionalismo logró en la segunda mitad del siglo XIX importantes éxitos con la unificación de Italia y de Alemania. permitieron el perfeccionamiento técnico de los instrumentos de viento. con casi un siglo de retraso. En los dos primeros. SABÍAS QUE. Los principales movimientos revolucionarios se produjeron en España en 1820 (pronunciamiento de Riego) y en Francia. Este último dio paso a la proclamación de la Segunda República. Aspectos Sociopolíticos Durante la primera mitad del siglo XIX. que ya no fueron obra de artesanos. en temas sobrenaturales e irreales. La música del siglo XIX tampoco puede entenderse al margen de los avances tecnológicos iniciados a mediados del siglo XVIII con la Revolución Industrial que. En el pensamiento filosófico.. las leyendas antiguas y los temas relacionados con la Edad Media eran fuente de inspiración. que se manifestó en todos los campos de la actividad humana: las ideas. Características del Romanticismo El Romanticismo. surgió en Europa a finales del siglo XVIII. sino de ingenieros. y la música «ligera» o «de salón».  Evasión de la realidad: los artistas se inspiraban en países lejanos. En la ciencia y en la técnica se produjeron importantes avances. la biología y la medicina. Surgió como reacción contra el formalismo neoclásico y en defensa deja libertad. tanto de madera como de metal. mazurcas. centro de los salones. la creación artística. Así fue también como nació la figura del intérprete «virtuoso» (pianista o violinista). en 1830 (destronamiento de Carlos X) y en 1848 (destronamiento de Luis Felipe).  Deseo de libertad. Las ciencias sociales. unido a la nueva mentalidad.

 Valoración de los personajes marginales y exóticos, que rompían las convenciones sociales, como bandoleros, piratas, vagabundos...  Culto a la naturaleza, atracción por los paisajes salvajes y agrestes, las tormentas, los escenarios nocturnos, la Luna, etc. Las artes en el siglo XIX Durante el siglo XIX los artistas ya no estaban al servicio de una institución o un mecenas, ya no escribían, componían e interpretaban según el gusto de su señor. En este contexto: La música fue el arte más representativo de los ideales románticos. En literatura surgió el interés por el pasado medieval, las tradiciones, los cantares de gesta y el folclore. Destacaron los escritores ingleses lord Byron y Walter Scott, los franceses el vizconde de Chateaubriand, Víctor Hugo, Alphonse de Lamartine y Alejandro Dumas, y los alemanes Johann Wolfgang von Goethe y Friedrich von Schiller, a quienes ya hemos mencionado entre los prerrománticos. En España, la literatura romántica se impuso en la segunda mitad del siglo XIX con Gustavo Adolfo Bécquer, el duque de Rivas, José de Espronceda, Mariano José de Larra y José Zorrilla. En pintura predominaron el dibujo, el interés por la naturaleza, los paisajes salvajes y tormentosos, los desastres naturales y los grandes acontecimientos políticos. En Francia, sus máximos exponentes fueron Théodore Géricault y Eugéne Delacroix, en Inglaterra, Joseph Tumer, y en Alemania, Caspar D. Friedrich. En arquitectura y escultura apenas hubo nada nuevo. Los arquitectos imitaron los estilos de la Edad Media, aunque a finales del siglo XIX el uso de materiales como el hierro, el cemento y el vidrio abrió nuevas perspectivas para el desarrollo de la arquitectura. La escultura estuvo muy influida por la pintura y se centró en la realización de monumentos cívicos.
SABÍAS QUE...El compositor clásico y el compositor romántico Una de las diferencias esenciales entre un compositor clásico y un compositor romántico reside en la intención de usar o no la música como forma de expresión personal. Para una mentalidad clásica, la música es «forma musical», una sonata es una sonata con independencia de los sentimientos que su compositor experimenta cuando la está creando. Pero para un romántico, la música es «expresión», es decir, algo inseparable de los sentimientos que predominan en el compositor al escribirla. Schumann afirma en una de sus cartas: «Me afecta todo lo que sucede en el mundo -la política, la literatura, la gente- y medito todo eso a mi propio modo, y después anhelo expresar en música mis sentimientos. Por eso a veces es difícil entender mis composiciones, porque están relacionadas con muchos intereses distantes entre sí, porque todo lo que sucede me impresiona y me fuerza a expresar en música esas impresiones».

La música en el Romanticismo El Romanticismo musical se extiende, aproximadamente, entre los años 1 815 y 1880, continuando en algunos lugares hasta avanzado el siglo XX. El músico romántico La sociedad burguesa, que tras la Revolución Francesa se convirtió en la clase privilegiada, influida por la filosofía idealista que dominaba la época, cambió el papel social de la música. La iniciativa privada, como algo propio de esta sociedad, convirtió al músico en un profesional de su arte, con libertad absoluta para poner precio a su trabajo, dentro de la ley de la oferta y la demanda.

Su primer campo de acción fue el concierto público, donde las personas que pagaban pasaron a formar el nuevo auditorio y las orquestas se convirtieron en sociedades anónimas. Su otro campo de acción fue la música de

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salón, donde el piano llegó a ser el instrumento rey. La emoción musical, reprimida por las normas y cánones del Clasicismo, se desbordó. Para el hombre romántico la música fue el medio más importante con que expresar sus sentimientos. El teatro lírico alcanzó un gran desarrollo y la ópera italiana se difundió mundialmente. Características de la música romántica Las principales características de la música romántica son estas:  Composiciones íntimas y humanas.  Menor preocupación por la forma externa y mayor por la inspiración y fuerza expresiva.  Estilo melódico de mayor riqueza, con una melodía apasionada e intensa y una calurosa expresión de los sentimientos.  Frases melódicas menos regulares y simétricas que en el Clasicismo. Desaparición de la frase cuadrada.  Ritmos complejos y libres, llegando a la polirritmia.  Enriquecimiento armónico, basado en el uso de nuevos acordes y en nuevos recursos para la modulación, con el fin de crear un mayor efecto expresivo.  Búsqueda de contrastes musicales capaces de sugerir sentimientos a través de matices dinámicos (fuerte, piano, crescendo...).  Atención especial al folclore y las melodías populares como fuente de inspiración, que llevará a los nacionalismos musicales.  Predominio de la música instrumental sobre la vocal.  Consolidación y ampliación del número de instrumentos de la orquesta sinfónica.  Nuevos efectos de orquestación en la música sinfónica gracias a las innovaciones y mejoras técnicas de los instrumentos de la orquesta. Mayor empleo de instrumentos de madera, metal y percusión.  Preferencia por las formas menores: preludio, estudio, //ed, impromptu...  Creación del poema sinfónico, forma musical que ofrece mayor libertad que la sinfonía clásica.  Aparición del ídolo virtuoso, bien como instrumentista o como intérprete vocal.  Preferencia por el piano y el violín, y recuperación de otros instrumentos como el arpa y la guitarra. Formas musicales del Romanticismo Las principales formas musicales del Romanticismo son las siguientes: Preludio. Pieza en un solo tiempo, de corta duración y con características de virtuosismo, escrita principalmente para piano. Bagatela. Composición corta para piano y sin ninguna pretensión. Estudio. Obra breve de restringido material temático, en donde un motivo va adquiriendo cada vez mayor dificultad. Impromptu. Obra no sujeta a ninguna norma y en la que el ejecutante tiene libertad de improvisación. Nocturno. Composición de carácter apacible y sentimental con una delicada y expresiva línea melódica. Lied. Canción culta, refinada, íntima y de sugerencias líricas. Sinfonía y concierto. La sinfonía y el concierto se desarrollaron y se adaptaron a los ideales románticos. El primer sinfonista romántico fue Beethoven. Los compositores románticos posteriores estuvieron influidos por el esquema formal que dio Beethoven a la sinfonía. Música programática. Tuvo gran importancia este tipo de música sinfónica que pretende expresar una idea, historia, etc., y comunicarla al oyente por medio de un programa que sirve de argumento. La música programática dio origen al poema sinfónico. Poema sinfónico. Obra orquestal de un solo movimiento en el que se desarrolla musicalmente un argumento. Es la gran forma romántica, que establece una unión entre la poesía y la música.

PARA SABER MAS: La modulación

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Una característica distintiva de la música del Romanticismo fue el uso cada vez más intenso de la modulación. El término modulación significa «cambio de modo dentro de la misma pieza musical». Es el recurso técnico más importante para dar variedad y riqueza a la armonía, evitando la monotonía que resultaría al desarrollar la música en una sola tonalidad. Las modulaciones más sencillas y de efecto más natural, preferidas durante los períodos barroco y clásico, son las que se dirigen a alguna tonalidad vecina a la de partida. Tonalidades vecinas o cercanas son todas aquellas que no difieran en más de un bemol o de un sostenido en su armadura. Por ejemplo, las tonalidades vecinas de Do mayor son, en primer lugar, su tonalidad relativa, La menor (igual armadura), la tonalidad de la dominante (Sol mayor, un sostenido en la armadura) y la de la subdominante (Fa mayor, un bemol en la armadura). Los compositores románticos fueron buscando nuevas y más originales formas de llevarla a cabo y experimentando con modulaciones a tonalidades cada vez más lejanas como recurso expresivo. La música de Wagner fue la que llegó más lejos en este camino.

Los nuevos instrumentos de viento-madera y viento-metal La principal innovación tuvo lugar en 1838, cuando el alemán Theobald Bóhm adaptó para la flauta un nuevo sistema de llaves y anillas que puso al instrumento a la altura del violín en cuanto a precisión y agilidad. Hasta ese momento los intérpretes contaban solo con dos o tres llaves que les ayudaban a conseguir algunas notas imposibles sin su ayuda. El sistema Bóhm fue adoptado por la industria y aplicado a los restantes instrumentos de la familia de madera: clarinetes, oboes y fagotes permitieron tocar cualquier cosa y pasaron a ser fabricados de manera industrial y ya no exclusivamente con madera. Los instrumentos de metal sufrieron una transformación similar gracias al francés Périnet hacia 1839 y al austríaco Riedl en 1832. Hasta entonces solo podía tocarse con ellos un pequeño número de sonidos con facilidad y Habilidad, limitándose su intervención en la orquesta a breves frases de color o a reforzar la sonoridad general. En ocasiones se utilizaban roscas o tubos que permitían cambiar su afinación básica, produciendo nuevos sonidos. Eso obligaba al ejecutante a tener a su lado varios instrumentos de diferentes tamaños en los que debían introducir tubos adicionales, con los consiguientes problemas. Con la introducción de pistones y cilindros en su producción industrial, estos problemas quedaron solucionados. El Romanticismo pianístico El siglo XIX es conocido como el siglo del piano, instrumento para el que se compusieron numerosas formas musicales típicas del Romanticismo. El piano no faltaba en las salas de concierto, en los salones y en los hogares de la burguesía europea. El piano romántico Durante gran parte del Barroco y del Clasicismo, el violín fue el instrumento musical más importante. Después, durante el siglo XIX, los músicos románticos prefirieron el piano por su capacidad para la matización dinámica y por sus posibilidades sonoras. Surgió la figura del «virtuoso instrumental», capaz de interpretar piezas de extremada dificultad técnica. Asimismo se escribieron muchas obras para piano que, en la mayor parte de los casos, eran piezas cortas, libres, de carácter improvisado, denominadas con títulos evocadores: romanza, fantasía o preludio. En muchas ocasiones, esas piezas se reúnen en series bajo un título común, por ejemplo Carnaval, de Schumann, o como colecciones de danzas, como los Valses, Mazurcas y Polonesas de Chopin. Hasta el estudio, originalmente compuesto como pieza didáctica, pasa ahora a ser considerado apto para el concierto. Hacia finales del siglo XIX, el piano, gracias a sus importantes innovaciones técnicas, llegó a ser el instrumento musical por excelencia.

PARA SABER MAS: El piano moderno El piano moderno es un instrumento diferente al pianoforte que usaron Mozart y Beethoven, que a su vez había desbancado al clave.

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El piano moderno buscaba competir con la orquesta en sonoridad, y para ello fue necesario diseñar un mecanismo extraordinariamente complejo al servicio de un sistema de cuerdas metálicas que producen una tensión total que supera las 20 toneladas. Ello obliga a su montaje sobre un macizo marco de hierro fundido en una sola pieza, algo imposible de construir sin los medios de la industria moderna. Su fabricación en serie comenzó en Estados Unidos a partir de 1824.

Franz Schubert. Al compositor austríaco Franz Schubert (1797-1828) lo estudiaremos más detenidamente en las siguientes páginas en el sinfonismo romántico y como autor de heder. Entre la producción pianística de Schubert destacan los Impromptus y los Momentos musicales, en los que la inspiración melódica se impone sobre la forma clásica. Frédéric Chopin. (1810-1849) nació en Polonia, pero desarrolló su vida artística en París. Poseía una gran técnica pianística y un lenguaje lleno de ternura y nostalgia, que le hizo inspirarse en temas polacos para componer una obra llena de innovaciones melódicas, rítmicas y armónicas. Su armonía es de gran colorido y brillantez, con progresiones de acordes y modulaciones sorprendentes. Chopin escribió casi exclusivamente para piano. Su producción musical la realizó en «pequeñas formas», como sus Nocturnos, Polonesas, Valses y Mazurcas. En todas ellas vibra la esencia del músico romántico: sentimentalismo, intimidad, exaltación... Además de estas piezas breves, Chopin escribió dos Conciertos para piano y orquesta y el Concierto del «Krakowiak». Chopin ejerció gran influencia sobre pianistas posteriores y tuvo numerosos discípulos. Franz Liszt. Compositor húngaro (1811 -1886) llegó a ser a la edad de veinticinco años el pianista más famoso del momento, viajando continuamente y deslumbrando con su técnica al público europeo. En el año 1847 se instaló en Weimar como director de la orquesta de la corte. Desde esa fecha su labor se centra más en la composición y en la difusión de la música de otros compositores. Mientras que el romanticismo de Chopin es íntimo y poético, el de Liszt es brillante y espectacular. Liszt fue un pianista con unas facultades tan extraordinarias que sus contemporáneos lo consideraron más virtuoso que compositor. Escribió más de 1.300 obras, entre ellas las obras para piano Estudios de ejecución trascendente, Años de peregrinación, la Sonata en Sí menor y dos Conciertos pata piano y orquesto. Como creador del poema sinfónico, Liszt es tratado en el capítulo dedicado al sinfonismo romántico. Robert Schumann (1810-1856) nació en Sajonia. Fue el impulsor del ideario romántico. Una lesión en la mano le impidió ser un virtuoso del piano. Su obra pianística la realizó para su esposa Clara Wieck. Según él mismo afirmó, su música es un reflejo de su mundo interior. Sus obras más importantes son las pequeñas composiciones que se agrupan en colecciones como Carnaval, Álbum para la juventud, Kreisteriana, Escenas de niños y fantasía, que le valieron la denominación de «poeta del piano». El pianismo de Schumann es denso, pensado. La dificultad en la ejecución de sus obras arranca de la misma naturaleza de su música, desde un punto de vista armónico, melódico y estructural. Otras obras románticas para piano La mayoría de los músicos románticos compusieron obras para este instrumento. Aunque los principales de estos compositores son tratados en otros capítulos de esta enciclopedia, es imprescindible mencionar la música pianística de los alemanes Félix Mendelssohn (1809-1847), en la que destacan las Romanzas sin palabras, y Johannes Brahms (1833-1897), en cuyas composiciones para piano figuran dos Conciertos, las 21 Danzas húngaros, un Quinteto y dos Sonatas. También merecen recordarse las obras románticas para piano de los franceses Georges Bizet (1838-1875) y Camille Saint-Saéns (1835-1921), ambos pianistas. El sinfonismo romántico Se pueden distinguir dos corrientes en la evolución de la música sinfónica del Romanticismo: una orientada hacia

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destacando en la música de cámara y la orquestal. Compuso para casi todos los géneros. A Robert Schumann (1810-1856) se le puede situar en un punto intermedio entre ambas líneas. El número de componentes de la orquesta no dejó de aumentar hasta llegar al siglo XX. Brahms combinaba los esquemas formales del Clasicismo con la riqueza armónica y el colorido románticos. . A comienzos de nuestro siglo. y más tarde a los del compositor alemán Richard Wagner. gracias a los hallazgos e ideas del compositor francés Héctor Berlioz. Schubert y Wagner. hicieron de él el símbolo de la música en la tradición de Beethoven. excepto la ópera. de gran riqueza rítmica y muy lograda instrumentación y armonía. Johannes Brahms (1833-1897) fue dado a conocer por Schumann. la cual 75 . Es considerado el más clásico de los románticos. PARA SABER MÁS La orquesta sinfónica en el siglo XIX En el siglo XIX la orquesta sinfónica experimentó un importante desarrollo. La sonata es la base de su producción instrumental. entre las que sobresalen la Escocesa y la Italiana. Es un maestro en los desarrollos temáticomelódicos. Franz Schubert (1797-1828). recurriendo con frecuencia el autor a gigantescas plantillas orquestales. El mismo Berlioz llegó a escribir obras destinadas a ser ejecutadas por más de 500 músicos. Gustav Mahler (1860-1911) fue autor de diez Sinfonías. una línea innovadora que se abrió paso hasta el nuevo siglo. el compositor austríaco Gustav Mahler escribió una sinfonía llamada de los mil por el gran número de ejecutantes que necesita: gran coro y doble orquesta. que denotan una clara influencia de su formación religiosa y de Beethoven. y la número nueve. nueva forma musical menos estricta que la sinfonía. denominada La grande o también La romántica. también estudiado como compositor de obras para piano y el creador del lied romántico. Compositores de tradición clásica Los compositores de tradición clásica manifiestan mayor inclinación hacia la música pura en la herencia de Beethoven. Félix Mendelssohn (1809-1847) cultivó todos los géneros. entre las que merecen especial mención las llamadas La primavera y Renana. la gran fantasía romántica dio lugar a la aparición del poema sinfónico. entre las que destacan la octava. Antón Bruckner (1824-1896) se deben nueve Sinfonías. la décima inacabada. unidos a su talento para el desarrollo temático. La extensión de estas obras es enorme. entre ellos dos para piano. Compuso cinco Sinfonías. con importantes innovaciones en la instrumentación. donde no faltan voces solistas o grandes masas corales. conocida como La incompleto o Inacabada. destacando la Séptima. Su solidez técnica y constructiva y su uso habitual del contrapunto. Sinfonía en Do mayor. fue autor de nueve Sinfonías de influencia beethoveniana y gran riqueza melódica. música de cámara. siendo la variación su forma predilecta. En sus composiciones plasma Mahler el sentimiento poético y pesimista de la sociedad de finales de siglo Del compositor franco-belga César Franck (1822-1890) debe citarse en este apartado la Sinfonía en Re menor. Pero su medio preferido es el orquestal. cuya obertura compuso a los diecisiete años.formas más puras de tradición clásica y otra de tendencia programática. técnica y expresión románticos. La música de cámara se cuenta entre lo mejor de su obra. En su producción son de señalar sus cuatro Sinfonías y diversos Conciertos. aunque con colorido. por contar solo con dos movimientos. a excepción de la ópera: escribió obras para piano. además del famoso Concierto para violín y la música escénica para El sueño de uno noche de verano de Shakespeare. la clásica y la programática. oberturas y algunos Heder. Compositores de tendencia programática En la tendencia programática. Escribió cuatro Sinfonías de gran riqueza rítmica.

aunque vivió ya en el siglo • v la música de su primera época fue romántica. Fanny Mendelssohn: BIOGRAFÍA Entre las mujeres compositoras del siglo XIX destaca Fanny Mendelssohn (1805-1847). algo inaceptable para una Mendelssohn. El compositor austriaco Schubert consagró este género. Este fue el tipo habitual en el siglo XIX. entre otros. la muerte y la naturaleza. en su época no era adecuado que la hija de una familia de la alta sociedad alemana se dedicase profesionalmente a la música: eso implicaba subir a los escenarios por dinero. basada en uno o vanos temas que reaparecen garantizando la unidad formal de la obra. y aunque la resistencia fue grande. A los trece años. sentimiento y al realismo. Félix se hizo mundialmente famoso. cuya música se compone basándose en una poesía. como forma musical tiene una acepción más concreta: es una canción para voz solista con acompañamiento de piano. El Lied romántico El mejor vehículo para expresar los sentimientos románticos fue el Lied. Compuso más de 76 . Cuatro años mayor que su hermano. Fanny nació en Hamburgo. Características del Lied romántico Lied es una palabra alemana cuyo plural es lieder y que significa «canción». que se manifestaron en obras como Mazzepa y lo que se escucha en las montañas. mientras que Fanny. Puso música a textos de los poetas Schiller y Goethe. poseedora de un enorme talento musical que. en el que cada estrofa del texto cuenta con la misma música. entre sus sinfonías. en el que la música se adapta a la expresión y sentimientos presentes en cada estrofa del texto. Sin embargo. Los grandes maestros del género fueron los siguientes: Franz Liszt (1811-1886) estableció el poema sinfónico. Otros compositores que también cultivaron el lied fueron Schumann. Seis de las canciones de Fanny fueron publicadas con el nombre de su hermano. y el libre. Tanto Fanny como Félix recibieron una esmeradísima educación que incluía ciencias. Muerte y transfiguración y Así hablaba Zaratustra. permaneció siempre a la sombra de su hermano. Sin embargo. Entre los doce poemas sinfónicos que escribió destacan Orfeo y Los Preludios. Richard Strauss (1864-1949). ha pasado inadvertido hasta nuestros días. que ayudó toda su vida a Félix en la edición de su música. El músico francés Héctor Berlioz (1803-1869) consagró la nueva estética con una obra maestra. obra en un solo movimiento. a pesar de su inclinación musical. Franz Schubert (1797-1828) fue el verdadero creador del lied romántico. Sin embargo. basada en un programa» o guión que puede seguirse casi como un argumento literario. Fanny tocaba El clave bien temperado de memoria. En ninguna de sus sinfonías se sujetó a las normas clásicas. de alto contenido descriptivo. Fanny se las arregló para producir más de 400 partituras. cultura clásica y técnicas artísticas. ligada a ideas extra musicales. el lirismo y la exaltación del folclore alemán. Predominan dos tipos formales principales: el lied estrófico. en las que asocia la riqueza orquestal. entre otros. Dante y Fausto. y su talento musical ha sido aceptado plenamente. Compuso Obras como Don Juan. Brahms y Hugo Wolf. Desde entonces su música está en proceso de publicación y grabación. que tuvo su apogeo en el siglo XVI y que en el siglo XIX recibió un nuevo impulso gracias a los poetas Goethe y Schiller. Su obra estuvo marcada por los movimientos literarios románticos. sin embargo. hermana del compositor Félix Mendelssohn. pero el grueso de su producción fue ignorado hasta 1988. Su música denota una orquestación moderna e innovaciones atrevidas en el campo armónico. Sus temas predilectos fueron el amor. Fue un gran renovador de la orquesta. la Sinfonía fantástica 1830). De esta manera se consigue la íntima unión entre el texto y la música.resultaba insuficiente para que el músico romántico expresara sus sentimientos.

PARA SABER MÁS: Brahms y el lied popular Johannes Brahms. Sobre textos de Heme se construye su ciclo Amor de poeta. Escribió también Cuatro cantos senos. considerada por muchos su obra maestra. Johannes Brahms (1833-1897) compuso más de 300 Heder influido por Schumann en su sentimentalismo y por Schubert en su carácter popular. La forma es libre. al igual que el Lied. escrita en el año de su muerte y que contiene catorce Lieder. por encima de todos. Schiller y. tras haberse casado con Clara Wieck. solo se dedicó a componer. Gustav Mahler (1860-1911) sustituyó el acompañamiento de piano por el de la orquesta sinfónica. Su otro gran ciclo Amor y vida de una mujer lo realizó sobre ocho poemas del poeta alemán Chamisso. Su música fue una de las más avanzadas de la época en lo que se refiere a la disgregación de las tonalidades. 77 . Las características de este movimiento se ponen de manifiesto en sus Heder. se estableció en Viena. en el acompañamiento y en su preocupación por el sentimiento. Robert Schumann (1810-1856). donde llegó a ser director de la Sociedad de Amigos de la Música. animado por Mendelssohn. Lieder españoles y Lieder italianos. a medida que avanzaba el siglo. utilizó el principio de la «declamación continua». En ellas cobra gran fuerza el piano y se fundan la melodía y el texto. con veinticuatro canciones. que se cuentan entre lo mejor del Romanticismo y en los que consigue una compenetración casi completa con el texto. que tuvo amplia formación literaria.600 Heder. Sobre textos de Tieck compuso la obra Romanzas de Magelone. pudiéndose hablar de verdaderos dúos para voz y piano. canciones después de 1840. y su gran novedad estriba en el acompañamiento pianístico. en donde el lied tiene una fuerza mayor. se abrió camino en el siglo XIX y. Sus acompañamientos pianísticos son verdaderos subrayados al texto de los Heder. y el viaje de invierno. después. La ópera romántica alemana La ópera romántica alemana. con una melodía tierna y lírica a la que el acompañamiento del piano imprime un carácter irónico. Goethe. Heine. adaptándose a la poesía de cada estrofa. también compuso. destacando los Lieder sobre Goethe. LAS CANCIONES DE SCHUMANN Robert Schumann fue fundamentalmente pianista y. Conservan vigencia una veintena de lieder de Brahms. como La bella molinera. que consta de veinte canciones. que en muchas ocasiones» se erige en protagonista. Su obra póstuma fue El canto del cisne. o comenta psicológicamente el texto. Lieder de los niños muertos (1901 -04) y La canción de la Tierra (1907-09). Escribió más de 300 lieder. Byron. que muestran connotaciones populares y clásicas y una gran fluidez melódica. Hugo Wolf (1860-1903) fue el más importante autor de lieder del final del Romanticismo. Bajo la influencia de Wagner. Entre sus lieder merecen especial mención los Lieder aus des Knaben Wunderhom (1888-99). Aunque lo más importante de su obra son sus composiciones para piano. En el Romanticismo tardío. Se puede considerar a Brahms como el autor más importante del segundo Romanticismo. El lied de Schumann se diferencia del de Schubert en la manera de entender la melodía. entre los que se incluyen varias adaptaciones de motivos populares y la famosa canción Buenas tardes. el drama musical wagneriano se difundió por toda Europa. aunque nacido en Hamburgo. que incluye quince Heder ligados por un argumento común. buenas noches. Sus poetas predilectos fueron Hoffmann. Compuso 250 Heder. y la principal característica de sus lieder es el aspecto dramático. Gustav Mahler. Están agrupados en colecciones. por el que el texto es la parte más importante de la obra. se separó de la temática popular y se introdujo en la poesía culta alemana y mundial.

escrita en 1821. Su obra operística se caracteriza por sus melodías populares llenas de sentimientos alegres y a la vez profundos. prefería los temas de tipo mágico y fabuloso. En el año 1810 se estrenó su ópera Silvana que.  Temas basados en los mitos y leyendas alemanes. concretamente en sus obras El rapto del serrallo y La flauta mágica. en cuyos contrastes se consigue el aspecto dramático. Esta última fue. considerada por Wagner como la primera ópera alemana. Sin embargo. Con el estreno de su obra El anillo de los nibelungos (1876) se inauguró el teatro de Bayreuth. Oberón. En el campo de la orquestación consiguió efectos y timbres en los que mostró un gran conocimiento de la orquesta dramática. posteriormente. síntesis de la poesía. Utilización del leitmotiv. Su ópera Preciosa. sobre todo en sus coros y escenas. Su primera ópera auténticamente alemana fue El cazador furtivo.  Uso y potenciación del alemán en todas sus óperas. Uso de armonías cromáticas. con el texto en alemán y con diálogos hablados en vez de un recitado cantado. Kónigsberg y Riga. Beethoven compuso su ópera Fidelio. se basó en La gitanilla de Cervantes y en una colección de melodías españolas. buscando un lenguaje asequible. armonía y contrapunto.Antecedentes El primer paso hacia una auténtica ópera alemana lo constituyó el Singspiel.  Incremento del número de componentes y del protagonismo de la orquesta. La fuerza romántica de Weber radica en su maestría para conjugar lo popular y lo fantástico. música y danza. Su espíritu revolucionario le llevó a las barricadas en esta ciudad en el año 1848 y tuvo que huir a Zúrich. En el año 1864 se instaló en Múnich. es en realidad una ópera cómica. El Singspiel alcanzó su máximo desarrollo con Mozart. Weber. Carl María von Weber (1786-1826) fue hijo de un músico ambulante y estudió en Viena con Haydn y Vogler. Su última ópera. escrita diez años después. Instrumentalmente se le puede considerar precursor de Berlioz. construido según los leales del drama wagneriano. que era una forma musical muy popular en Alemania y Austria. En ella consiguió Mozart un equilibrio pleno entre los elementos populares y los cultos. aunque fue catalogada por el autor como una ópera romántica. Siete años después. Evolución hacia el drama musical. Su ópera Euriante está basada en una vieja leyenda francesa y es considerada una ópera excelente. Fue maestro de canto en Wurzburg y director de orquesta en Magdeburgo. donde las escenas se encadenan sin distinción entre aria y recitativo. motivo musical que caracteriza a los diferentes personajes de la ópera. o a la ópera seria italiana. contrariamente a la ópera bufa italiana. de tema realista. Leipzig. donde se Había instalado por razones de salud. desde los catorce años. en 1883. Con una música más sencilla que la de la ópera seria. estudió filosofía. Las características principales de su obra son las siguientes:  Intento del «arte total». artes plásticas. pero dramático. Fue director de orquesta de los teatros de Praga y Dresde. AHÍ plasmó sus ideales estético-filosóficos en la obra Arte y revolución. en modulación constante. Richard Wagner (1813-1883) nació en Leipzig y. Vivió en Londres y París hasta que fue nombrado director de orquesta del Teatro Real de Dresde. Más tarde. donde se dedicó a la composición bajo la protección de Luis II de Baviera. obra en la que la fuerza de la partitura se impone sobre la trama dramática.    78 . que llevaron la tonalidad a su punto de máxima tensión y que significaron el principio de la ruptura del sistema tonal clásico. -n paro cardiaco puso fin a su vida en Venecia. con la incorporación de nuevos instrumentos. está basada en un argumento fantástico y se estrenó en Londres unas semanas antes de la muerte del compositor. En ella aparecen todos los ingredientes del Romanticismo alemán. fue un contemporáneo de Beethoven. de tema histórico-mitológico. quien reaccionó contra la influencia de la ópera italiana hasta el punto de ser considerado como el creador de la ópera nacional alemana.

Su riqueza y fluidez melódica. Compuso otras obras importantes. La acción tiene lugar en las costas noruegas. Su ópera romántica Lohengrin (1850) fue el paso definitivo hacia su tetralogía El anillo de los nibelungos: El oro del Rhin. perseguido por una maldición y condenado a navegar sin reposo.  En ciertos momentos de la representación (arias y dúos) se busca la brillantez y el lucimiento de los solistas más que la unidad escénica y conceptual de la obra. uso del coro en representación del pueblo. continuador de la tradición mozartiana. pero con solo treinta y siete años de edad y habiendo alcanzado la fama dejó casi de componer tras la creación de su obra Guillermo Tell (1829). viéndose en la claridad de las olas las almas de los dos enamorados. autor de Hdnsel y Gretel. se amoldó a cualquier época musical. obra en la que han quedado plasmadas todas las características de la música wagneriana. y dio a sus melodías un carácter dinámico y fresco. En el siglo XIX. que son cauce de expresión para el drama argumental. fue estrenada en la Ópera de la Corte de Dresde el 2 de enero de 1843. y su espontaneidad para la escritura. Su obra El buque fantasma (1841) es un drama legendario en donde aparece la idea de la regeneración por el amor. la ópera italiana siguió ocupando un lugar preeminente. acentuación dramática de la orquesta e impulso de la ópera cómica. la ópera. Será Walther el vencedor del concurso y quien recibirá la mano de Eva. Las características más importantes de la ópera italiana son estas:  Lo vocal prima sobre cualquier otro motivo. La ópera romántica italiana En la Italia del siglo XIX la ópera se impuso como género predilecto. Desde sus inicios en el siglo XVll. Parsifal. La Walkiria. obra de inspiración autobiográfica que trata de las tradiciones de los gremios alemanes en la Edad Media. el último tribuno (1838-1840). Al navegante Daland. ópera infantil con motivos folclóricos.  Existe cierta superficialidad junto con agradables melodías. Cuatro años después Wagner compuso Tannháuser. Su última obra. el único músico de la escuela alemana destacable fue Engelbert Humperdinck (1854-1921). adoptando las correspondientes ideas estéticas. que constituyó uno de los espectáculos de mayor agrado del pueblo italiano. sobre todo en las oberturas. ópera en tres actos de Wagner. Rossini transmitió a los románticos posteriores atrevidas innovaciones: predilección por temas patrióticos o naturalistas. La ópera romántica sirvió para expresar las ideas de unidad. Senta se arroja al mar y redime a Daland. Rossini se hizo famoso en toda Europa tras el estreno de £/ barbero de Sevilla (1816). Gioacchino Rossini (1792-1868). PARA SABER MÁS: Argumentos de dos óperas de Wagner El Buque fantasma o El holandés errante. sobre leyendas medievales alemanas. 79 . solo le puede salvar el amor puro de una mujer. joven prometida al ganador del concurso de maestros cantores. En sus instrumentaciones aumentó el número de los instrumentos de viento. Otras de sus obras más importantes son Lo italiana en Argel. Características generales. con su famoso «Coro de peregrinos». Sigfrido y El ocaso de los dioses. La cenicienta y La urraca ladrona. Después de Wagner. Narra la historia de amor del caballero Walther y Eva. quedando en segundo plano los aspectos orquestales y armónicos. fueron proverbiales. es un drama religioso escrito en 1882. como la apasionada historia de amor Tristón e Isolda y la ópera cómica Los maestros cantores de Nuremberg. Los maestros cantores de Nuremberg es el único ejemplo de ópera cómica en la vasta producción wagneriana. fue el músico que encarnó el tránsito entre la ópera del siglo XVIII y la ópera romántica. y hasta Richard Strauss.La primera ópera importante de Wagner fue Rienzi. libertad y patriotismo por las que luchó Italia durante este siglo. al extremo de eclipsar a las demás formas musicales.  El virtuosismo del cantante se acentúa menos que en otras épocas. que trata de la vida de un revolucionario en la Roma del siglo XIV.

en el que escribió Aída y Otelo y. pero gloriosa. estrenada en el teatro de la Scala de Milán. lo espontáneo de sus argumentos -de carácter mitológico o histórico. escribía con todo detallo la ornamentación vocal para cada una de las partes de sus obras. La fuerza del destino y Don Carlos. La música romántica en Francia 80 . la música y la situación escénica tenían que estar íntimamente relacionados. Después de componer obras como El elixir de amor y La hija del regimiento. Entre sus obras destacan Norma (1831). Tosca (1900) y Madome Butterjly (1904). 1. Gaetano Donizetti (1797-1848) fue director y maestro de ensayos del teatro San Carlos de Ñapóles y compuso hasta los treinta años más de veinte óperas. por último. Otra ópera en un acto. cuyo libreto está sacado del drama escrito por el novelista Verga. logró la obra maestra del género bufo italiano. de Pietro Mascagni (1863-1945). Cuando tenía que poner música a un libreto. Giuseppe Verdi (1813-1901) nació en Roncóle. es Los payasos (1892) de Ruggiero Leoncavallo (1858-1919). Sus temas fueron más elaborados y buscó un público más entendido. Su primer éxito lo obtuvo con su ópera trágica Ana Bolero (1830) y su éxito mayor fue Lucia de Lammermoor (1835). Influida por la literatura realista de Zola. La obra de Verdi se ha denominado «realista» por la sencillez de sus melodías. En la obra de Verdi se distinguen tres períodos.La carrera de Vincenzo Bellini (1801-1835) fue breve. El comienzo del verismo musical se hace coincidir con el estreno de Cavalleria rusticana (1890). cuando ya tenía 80 años. Bajo la influencia de Rossini. la música trató de plasmar las emociones primarias de los protagonistas de las obras e incorporó a la ópera argumentos reales de la vida en sustitución de las tramas de enredo formal. Pertenecen a este período Simón Bocanegra. 2. consiguiendo la integración y el equilibrio entre acción. Puccini dejó sin acabar su última ópera. Estudió música en Milán y su primer éxito lo logró con Nabucco (1842). Verdi diluye las diferencias entre recitativo y aria en beneficio de una mayor continuidad musical y dramática. la música fue más profunda y los coros y la orquesta adquirieron más importancia. Don Pasquale (1843). recurría a los temas que iba acumulando. Por eso. A semejanza de Wagner. Puccini conocía perfectamente la complejidad de la obra teatral y la profunda interdependencia que existe entre los elementos que la componen: el gesto. lo natural de sus instrumentaciones. aunque alguna vez utilizó elementos fantásticos. siguiendo su ejemplo. Turandot. Puccini vigiló el trabajo de sus libretistas y los subordinó a su voluntad. Entre ellas es de señalar el gran número de óperas cómicas o farsas. En el segundo período. que terminó su discípulo Alfano. En estas obras. en la que tuvo que emplear hasta siete libretistas para lograr el texto que él quería. por su compromiso con la libertad del pueblo italiano dominado entonces por Austria. ópera de gran trascendencia político-social y cuyo coro de lamentación de los hebreos cautivos en Babilonia ¡o cantaba la gente por las calles de París y Londres. ya que diariamente practicaba inventando motivos musicales. La sonámbula y Los puritanos (1835). El primer triunfo de Puccini fue su ópera Manon Lescaut (1833). La Traviata y El trovador. El denominado «patriótico». Sus libretos los escogió entre obras de Víctor Hugo. la palabra. se hizo amigo suyo en París y. Falstaff. mitológicas o absurdas. palabra y música. Supo dar un realismo psíquico a sus personajes y se distinguió por su extraordinaria melodía y la originalidad armónica de su orquestación. Verdi compuso Rigoletto. que fue su último triunfo. En un período de ocho años compuso La bohéme (1896). considerada también prototipo del verismo. ya que ese mismo año murió. obra más pulida y refinada. Shakespeare y lord Byron. pero sin la autenticidad de la ópera de Mascagni. El período de conclusión. 3. El verismo musical A finales del siglo XIX surgió una nueva corriente dramático-musical denominada verismo. Verdi se muestra más preocupado por la unidad dramática y la distinción psicológica de los personajes. Pero fue Giacomo Puccini (1858-1924) el compositor más importante del verismo. Su música siempre estuvo en continuo progreso técnico. Admiraba a Rossini. principal representante del verismo literario italiano. Schiller. estrenada en París.

obtuvo cierto éxito con su ópera Los pescadores de peñas (1863). su música es melódica. es uno de los representantes más originales del Romanticismo francés y un gran innovador de la orquestación. que compuso Roberto el diablo (1831). nueva clase dominante. sabías que. efectos de luces y colores y la inserción de caprichosas situaciones de baile.. grandiosidad orquestal. lujo de escenas y de trajes. París se convirtió en la capital europea de la ópera. una nueva tendencia operística derivada de la gran ópera. que cultivaron las más diversas formas musicales. compuso un Réquiem (1837) y leyendas dramáticas como La condenación cíe Fausto (1 828-1846) y Romeo y Julieta (1839). mostrando gran interés por la polifonía del siglo XVI. de Minkus y Delibes. sobre las guerras de religión. grandes masas corales. en la que alternaban las partes recitadas y las musicales. Camille Saint-Saéns (1835-1921). 2.. Interior y exteriormente está decorado de un modo fastuoso y sobrecargado. Compuso música religiosa y oratorios. de extraordinaria riqueza melódica y colorido rítmico-dramático. modelo de la gran ópera durante bastantes años. y sus características son las del estilo ecléctico del Segundo Imperio. El teatro de la Ópera de París Charles Garnier fue el arquitecto que durante trece años dirigió la construcción del Teatro de la Ópera de París. La primera mitad del siglo Al comienzo del siglo XIX existían en Francia dos tendencias musicales dentro de la ópera: la denominada ópera heroica. 5. Obertura de Guillermo Tell. músico judío alemán. especialmente por Palestrina. impregnada del espíritu de la Revolución. consumado pianista. En su exterior hay que destacar los grupos escultóricos de diversos artistas. cromática y delicada. como la suite Lo artesiana (1872). La burguesía. La segunda mitad del siglo Hacia mediados del siglo XIX surgió la ópera lírica. Pero su triunfo más importante lo alcanzó con Carmen (1874). cuyas características fundamentales son argumentos heroicos e históricos.La música francesa en el siglo XIX contó con grandes compositores. de Auber. con la asistencia del presidente do h República y su esposa. El ballet La fuente. director de orquesta y organista. con autores como Daniel Francois Esprit Auber (1782-1871). gran instrumentista de teclado. Bizet y Massenet. al que tratamos también en el sinfonismo. sobre la matanza de la noche de San Bartolomé. de Meyerbeer. pero estuvo sobre todo dominada por el género operístico. reclamó un mayor espectáculo. 3. El principal autor de la gran ópera fue Giacomo Meyerbeer (1791 -1864). que fue cultivada por compositores como Gounod. entre otros Carpeaux. y la llamada ópera cómica. Se trata de una obra realista. Además de la Sinfonía fantástica (1830). Georges Bizet (1838-1875). Obertura de La muda de Portice. caracterizadas por la calidad de su instrumentación. con compositores italianos como Spontini y Cherubini. es autor de la ópera Sansón y Dahla. trama con diversidad de situaciones y de estilos. pero 81 . Alcanzó la fama con tas óperas Fausto. compositor. que compuso la ópera romántica Fray Diablo y La muda de Portia. y La africana. «La bendición de los puñales». considerada como la ópera premonitoria del teatro musical verista. El Teatro de la Ópera fue inaugurado el 5 de enero de 1875. Romeo y Julieta y Mireille. Héctor Berlioz (1803-1869). un vestuario más lujoso y una mayor variedad. de Rossini. de Halévy. 4. El profeta. El programa de la noche del estreno fue el siguiente: 1. de la ópera Los hugonotes. Surgió así la grand opera. Otras óperas suyas compuestas para divertir a un público menos refinado fueron Los hugonotes. Fue también un notable autor de piezas sinfónicas. Charles-Francois Gounod (1818-1893). Actos I y II de La judia.

Se introdujo el uso del tutu. El triunfo supremo de un estudiante de composición en París era ganar el Premio de Roma. supo conquistar el gusto del público con un estilo melodioso. mientras que los bailarines actuaban como apoyo. Fue una época caracterizada por su riqueza artística. Su creador fue el compositor francés de origen alemán Jacques Offenbach (1819-1880). Jules Massenet (1842-1912). La danza en el Romanticismo Durante el período romántico se produjo un gran cambio en esta disciplina artística. que incluía cuatro años de estudios en la Academia Francesa en la Villa Medici de Roma. ninfas. Offenbach influyó de manera notable en los músicos de Viena. Se utilizaban los desplazamientos en vuelo. basada en la guerra de Troya. Gran maestro de la orquestación. reduciendo así el contacto con el suelo. y la enseñanza incluía un sistema de frecuentes exámenes y premios anuales por especialidades. proporcionando enseñanza de calidad y a la vez dictando unas normas de estilo que debían ser seguidas por los compositores. o. los bailarines se esforzaban por transmitir la expresividad necesaria para crear una imagen emotiva. EL CONSERVATORIO DE PARÍS La enseñanza musical. profesor del Conservatorio de París durante treinta y cuatro años. Werther y Don Quijote. Es una obra escénica en donde se intercalan fragmentos hablados con otros cantados sobre un argumento frívolo. que compuso unas cien operetas y la ópera Los cuentos de Hoffmann (1881). Otras óperas suyas. basada en la novela Manon Lescaut. satírico y humorístico. tomó carácter público y oficial en este siglo a través de los conservatorios. En la mayoría de los ballets. para dar sensación de flotar en el aire. sílfides. La opereta surgió en Francia como una derivación de la ópera lírica. Se le consideró como el compositor de ópera más famoso de Francia después del estreno nde Manon (1884). Cambios en la danza Mientras que en épocas anteriores se desarrollaban argumentos de temas mitológicos y dioses de la Antigüedad como Apolo. El primero fue el de París y su función en el siglo XIX fue importantísima. A cambio. como el Concierto en sol menor. del abate Prévost. mediante examen público que era siempre objeto de fuertes protestas. 82 . magia y amores no correspondidos. A principios del siglo XIX. un premio en el Conservatorio aseguraba una prometedora carrera musical. que hasta comienzos del siglo XIX había sido una cuestión artesanal de maestros y aprendices. la bailarina desempeñaba un papel principal. Venus o Marte. la Sinfonía número 3 y El carnaval de los animales. en el Romanticismo las historias tenían como protagonistas a príncipes. Los títulos de sus operetas más conocidos son Orfeo en los infiernos (1858) y La bella Elena (1864). que creaban un ambiente altamente competitivo. labor de escuelas de beneficencia para huérfanos. de entre las veintiuna que compuso. un vestido corto de gasa que permitía observar la destreza de los pasos. magos y enamorados. de gran elegancia y rigor constructivo. y el baile sobre la punta de los pies (sur les pointes) con zapatillas de punta endurecida. hechiceros. adonde pasaban sus operetas poco después de ser estrenadas en París. No era fácil estudiar en el Conservatorio: el ingreso se producía a los diez años. son El Cid. lo que otorgaba a la bailarina un aire de libertad y ligereza. siempre ante un tribunal de autoridades. Goza también de merecida aceptación su Oratorio de Navidad. el ballet comenzó a poner en escena historias de príncipes. como en Italia. ninfas. fue conocido durante algún tiempo por sus oratorios. Además. que supuso la aparición de una nueva estética.conserva mayor vigencia su música sinfónica.

y La bayadera. sobre todo en la gran ópera. Entre las principales se recuerdan sus versiones de los ballets de Léon Minkus (1826-1917) Don Quijote. Por lo demás. modelo que sería después seguido por los grandes coreógrafos del siglo XX. Fanny Cerrito y Carlotta Grisi. siendo el Romanticismo francés el que revolucionó la técnica. EL LAGO DE LOS CISNES En mayo de 1875 Tchaikovsky aceptó el encargo de los Teatros Imperiales de Moscú de componer la música del ballet El lago de los cisnes. ballet en dos actos de jean Schneitzhoeffer. Édouard Lalo (1823-1892).La ópera y el ballet La afición del público francés al ballet hizo que se incorporaran escenas de danza a las óperas que carecían de ellas. cuando iban a representarse en París. el encargo le venía muy bien. Además de París. inspirado autor de ballets como Copelio (1870) y Silvia (1876). la primera bailarina que encarnó a Giselle (1841). Petipa inauguró un modelo de estrecha colaboración entre un coreógrafo de talento y un compositor de talla. como ocurre con la impresionante danza de las monjas espectrales en Roberto el diablo de Meyerbeer. y de óperas bufas. Uno de los casos más ilustrativos de esta adaptación de obras al gusto francés fue el de la ópera de Wagner Tannhauser. pues por entonces el 83 . Uno de los principales exponentes de estos compositores fue el francés Leo Delibes (18361891). en las capitales de Rusia. Contribuía a la espectacularidad que el público pedía de las representaciones operísticas. El ballet operístico La danza teatral El ballet como forma artística independiente de la ópera se consagra definitivamente en el siglo XIX. que fue revisada para su estreno en París en 1861. Cascanueces (1892) y El lago de los cisnes (1895). estrenada en Moscú en 1869. la protagonista del ballet en dos actos del compositor francés Adolphe Adam (1803-1856).. Algunas figuras importantes de este período fueron las En el siglo XIX. Entre sus principales obras figuran el ballet Namouna (1882) y la ópera El rey de Ys (1888). En algunos casos. Bellini y Donizetti tampoco concedían especial importancia a la danza. Todas ellas consiguieron que un público cada vez más numeroso se interesara por la danza teatral. De la estrecha conexión entre el ballet y la ópera da fe el hecho de que hubo músicos que compusieron ambas formas musicales. quien desde que fue a bailar a San Petersburgo en 1847 hasta que se retiró como maestro de ballet en 1903 creó danzas para más de 100 obras. con coreografía del padre de la propia Mane. En numerosos teatros de Italia se representaban ballets independientes en los entreactos de las óperas. quien estrenó en 1832 La sílfide. Filippo Tagliori.. Las óperas italianas de Rossini. cuyo estreno tuvo lugar en San Petersburgo en 1877. además de la espléndida Sinfonía españolo (1883) para violín y orquesta. su mejor obra. Dinamarca. Inglaterra y Austria se desarrolló también una intensa actividad en el campo de la danza teatral. como Jean de Nivelle (1880) y Lokmé (1883). bailarinas italianas Marie Taglioni (1804-1884). y la danesa Lucile Grahn. Pero donde brilló muy en especial el arte de Petipa fue en las coreografías creadas para los ballets de Piotr llich Tchaikovsky (1 840-1 893) La bella durmiente (1890).SABÍAS QUE. como puede comprobarse en las escenas iniciales de Rigoletto y La Traviata y en la última de Un baile in maschera. cuyo famoso «Dúo de las flores» no falta en las antologías de música romántica. El punto culminante se alcanzó en Rusia gracias al bailarín y coreógrafo francés Manus Petipa (1819-1910). Otro músico francés. En una carta a Rimsky Korsakov Tchaikovsky escribe: «Hace mucho que deseaba intentar mi suerte en este tipo de música». compuso asimismo óperas y ballets. En las óperas de Verdi la danza ocupa ya un lugar de cierta consideración. el ballet se integraba en el argumento de la ópera. el ballet siguió siendo un elemento importante en la ópera.

sufriendo una profunda depresión. Los compases pueden ser binarios. Lo propiciaron el gran coreógrafo Marius Petipa. El compás musical En música. Liszt y Tchaikovsky. junto con su colaborador Lev Ivanov. se entiende por compás cada uno de los períodos o intervalos de tiempo regulares en que se marca el ritmo de una frase musical. el compasillo o 4/4 está dividido en cuatro tiempos. Es la danza que ha gozado de mayor aceptación a lo largo del tiempo en los bailes de salón. Valses.. pues se suprimió una parte considerable que fue sustituida por fragmentos de ballets de otros autores. cada uno de los cuales contiene una nota negra. Cuando los acentos de pulso se producen siguiendo la secuencia fuerte-débil-débil. La mazurca es un baile polaco que se popularizó por toda Europa en la época romántica. El compás musical se expresa mediante un quebrado. La música de este baile tiene ritmo temario que sigue el compás de 3/4. quienes siempre creyeron en la obra de Tchaikovsky y presentaron una versión completa y revisada por ellos en el Teatro Marinsky de San Petersburgo el 8 de febrero de 1895. cuyo numerador indica los tiempos en que está dividido. por ejemplo. y el denominador. El estreno de la obra en 1877 resultó un rotundo fracaso. Es una danza galante. mediocre.compositor atravesaba una apurada situación económica. procedentes de Viena. Está en compás de 2/4 moderadamente rápido y tiene un carácter alegre y popular. y cuaternarios. El éxito fue inmediato. la figura que contiene cada tiempo. que se baila por parejas. en las que fueron maestros indiscutibles los miembros de la familia Strauss. debido a diversos factores: la dirección coreográfica fue deficiente. la primera bailarina. polcas. Por si todo ello fuera poco. una serie de danzas y composiciones musicales encabezadas por el vals. Además de ambos Johann Strauss. A lo largo de! siglo XIX. se extendieron por Europa.. Fue adaptada como composición musical de carácter instrumental. y fue cultivada por compositores como Chopin. compusieron polcas autores nacionalistas como Smetana en La novia vendida y Dvorak. el ballet se estrenó incompleto. de tres tiempos. el atrezo y los decorados eran muy malos y el director de la orquesta no estuvo a la altura de la música de Tchaikovsky. Chopin compuso 55 mazurcas para piano. Brahms. de compás temario. de cuatro tiempos. El éxito de El lago de los cisnes llegó años después del fallecimiento de Tchaikovsky. 84 . una vez que se entiende y domina el compás de 3/4. BAILAR EL VALS Bailar bien el vals es difícil. el compás temario se denomina tres por cuatro. Para bailarlo se pueden seguir estos pasos: • Pulso 1 acentuado: se adelanta el pie izquierdo y se apoya en el suelo. pero aprender los pasos básicos es bastante sencillo. gracias sobre todo al vals vienés. mazurcas. Surgió en el siglo XVlll y se popularizó en el XIX. Así. que se ejecuta por parejas. Tchaikovsky se atribuyó la culpa del fiasco. no destinada para el baile. temarios. en las que la mujer elige a su acompañante. Bailes de compás ternario y binario El vals es un baile de salón de origen austríaco que se realiza por parejas con un movimiento giratorio. agravada por el fracaso de su matrimonio ese mismo año de 1877. si constan de dos tiempos. difundida en el siglo XIX por toda Europa y América. La polca es una danza y música de origen bohemio.

al tiempo que se produjo un intenso crecimiento demográfico. polcas y marchas. En Cascanueces (1891) se narra la historia de Clara.. (1825-1899). las revoluciones burguesas triunfaron en gran parte del mundo occidental y se impusieron progresivamente sistemas de gobierno más democráticos..( vals de las flores Entre las numerosas obras que compuso Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893). una niña que el día de Navidad recibe como regalo un muñeco cascanueces. al mando del cascanueces. donde el Hada de Azúcar organiza una fiesta para ella. Entre sus valses descuellan £1 bello Danubio azul. En el siguiente compás se inicia la misma serie de pasos. de las que sigue interpretándose con agrado del público la de Poeto y aldeano. un pequeño ejército de ratones entra en el salón. (1801-1843). concertino y compositor austriaco. mientras la niña duerme. Las mil y una noches. (1804-1849) nació en Viena y fue uno de los más reputados compositores de valses vieneses. • Pulso 3: se desplaza el peso del cuerpo sobre el pie izquierdo y el ejecutante se eleva de puntillas sobre él. El desarrollo industrial trasformó la economía. los juguetes cobran vida y. Fundó una orquesta propia y fue director de los bailes de la corte. Y a principios del siglo XX. Joseph Lanner. un coetáneo suyo. Franz von Suppé. las profundas transformaciones que experimentó el mundo se vieron reflejadas en la cultura y en el arte. económicas y culturales entre los Estados se intensificaran. pero comenzando con el pie derecho. Clara ayuda al cascanueces en el preciso momento en que este va a sucumbir. Esa noche. Biografía Mientras Johann Strauss (hijo) entusiasmaba a Viena con los brillantes acordes de sus valses. La bella durmiente y Cascanueces. las favoritas del público son sus tres espléndidos ballets: El lago de los cisnes. El cambio de siglo Durante la segunda mitad del siglo XIX. compuso también una Misa. El vals del emperador y Cuentos de los bosques de Viena. uno de los valses más famosos de todos los tiempos. triunfaba en los teatros vieneses con sus operetas. además de 180 farsas. Sociedad y cultura del siglo XIX al XX Junto con el liberalismo surgió en Europa en la segunda mitad del siglo XIX otro movimiento ideológico y cultural. la industria y la vida cotidiana. fue director de orquesta y se le ha llamado «el rey del vals». Entre los valses que compuso sigue interpretándose con asiduidad £1 vals de los patinadores. una Sinfonía y numerosas Oberturas. inició la moda del vals vienes y rivalizó en popularidad con los Strauss. También escribió operetas en tres actos.• Pulso 2: se acerca el pie derecho y el ejecutante se eleva de puntillas sobre él. como £1 murciélago y £/ barón gitano. hijo del anterior. Entre las más significativas y de éxito más persistente se cuentan La belfa Galatea. Compuso además marchas. barco de vapor. arrojando una zapatilla al rey de los ratones. los medios de transporte y comunicación (ferrocarril. nacido en la ciudad austríaca de Spalato y avecindado en la capital. Caballería ligera. Boccaccio y Doña Juanita. creando una música de gran riqueza melódica y elegancia formal. Músico ecléctico. Compuso y ejecutó con su propia orquesta más de 150 valses. de notables aptitudes y melodías de gran animación. polcas y un gran número de danzas diversas. SABÍAS QUE. 85 . Por su parte. Johann Strauss (hijo). Franz von Suppé (1819-1895). de las que compuso 36. Johann Strauss (padre). A la su/te Cascanueces pertenece el Vals de las flores. el país de los dulces. el nacionalismo. telégrafo) mejoraron de manera asombrosa. A su vez. Todo esto contribuyó a que las relaciones políticas. el nacionalismo supuso una búsqueda de las raíces y tradiciones culturales propias de cada pueblo. un Réquiem. aunque según los críticos carente de la vitalidad de Strauss. El cascanueces se convierte entonces en un príncipe que lleva a Clara a Confiterimburgo. presentan batalla.

que propiciaron formas de expresión muy diferentes a las que se habían planteado hasta ese momento.Cambió de forma radical el concepto estético que había servido de guía durante los siglos precedentes y se abrieron nuevas vías de investigación artística. Auguste Renoir (1841-1919) y Camille Pisarro (1830-1903). Antonio Gaudí (1852-1926) fue su máximo exponente. En esta época convivieron tendencias que procedían de épocas anteriores. ya que se empezaron a utilizar nuevos materiales. propia del realismo. como Vicent Van Gogh (1853-1890). Dostoievski (1821-1881) en Rusia y Benito Pérez Galdós 18131920) en España son algunos de los escritores más relevantes que cultivaron este estilo. sus representantes trataron de ir más allá de lo puramente 86 . Tolstoi (1828-1910). se preocuparon por reproducir la naturaleza. cuyo principal representante fue Edvard Munch (1863-1944). con otras que abrirían el camino hacia nuevos lenguajes artísticos. Para los post-impresionistas.1799-1850) en Francia. Entre finales del siglo XIX y principios del XX apareció el modernismo o Art Noveau. Por esta razón. Paul Gaugum (1848-1903) y Paul Cézanne (1839-1906). como el postromanticismo y los nacionalismos. El antecedente directo del simbolismo en pintura fue el prerrafaelismo británico. como el impresionismo y el expresionismo. el cristal y el acero. EL SIMBOLISMO En la segunda mitad del siglo XIX surgió en Francia un movimiento que reaccionó contra el positivismo y que produjo una revolución en la pintura y en la poesía: el simbolismo. como el impresionismo. El simbolismo pretende evocar o sugerir los objetos mediante símbolos o imágenes. Charles Dickens (1812-1870) en Inglaterra. como el hierro. España. Honoré de Balzac . en París. El realismo derivó después hacia el naturalismo. El edificio más representativo de la arquitectura de la época fue la torre Eiffel. Vos representantes más significativos de este movimiento fueron los franceses Claude Monet (1840-1926). Edgar Degas (1834-1917). sino que conviven al mismo tiempo tendencias y movimientos artísticos muy diferentes. Édouard Manet (1832-1883). Literatura El realismo surgió como reacción a la literatura romántica. atendiendo más a su impresión personal que a la realidad objetiva. Pintura y escultura La invención de la fotografía a mediados del siglo XIX cuestionó la función pictórica de representar fielmente la realidad. que cuajó con fuerza en Cataluña. Las artes a finales del siglo XIX A finales del siglo XIX. ni incorporan a todos los artistas de una misma época. que responden a diversas formas de interpretar la realidad. los pintores de las nuevas tendencias artísticas. en los últimos años del siglo XIX. que reflejaba la realidad sin evitar sus aspectos más desagradables. Arquitectura La revolución industrial tuvo grandes consecuencias sobre la arquitectura. la historia se acelera y se precipita. Los movimientos culturales ya no duran decenios. como el Barroco o el Romanticismo. Frente a los postulados del impresionismo. En los pnmeros años del siglo XX nació el expresionismo. las obras debían reflejar el sentimiento del artista hacia lo que estaba pintando. Se centraba en el análisis de la sociedad y del ser humano mediante la descripción objetiva de la realidad.

Irlanda. Los principales pintores simbolistas fueron Gustave Moreau (1826-1898). El poeta simbolista fue un visionario que. De las cátedras y los libros. y dominaron la música europea durante la mayor parte del siglo XIX. el nacionalismo pasó a la calle y al pueblo. Con ambos recursos persiguieron sobre todo la musicalidad. La lucha nacionalista se vio favorecida por dos circunstancias:  La existencia de pueblos. como Hungría y Bulgaria. como Wagner. Para ello. El nacionalismo como movimiento político es la tendencia que propugna la autonomía o la independencia de un pueblo consciente de los lazos históricos. que buscaban la unificación nacional. La música en el cambio de siglo Las principales figuras del Romanticismo musical provenían de Austria y Alemania. lingüísticos. Polonia y Bélgica. Arthur Rimbaud (1854-1891) y. Stéphane Mallarmé (1842-1898). sobre todo. los simbolistas se sirvieron del símbolo y de la metáfora. Sin embargo. étnicos. porque estaban dominados por imperios. los filósofos van por delante de los políticos: Rhigas en Grecia. donde se apreció con mayor intensidad el arranque intelectual del nacionalismo fue en Alemania. El nacionalismo se concretó en un profundo deseo de los pueblos de que sus fronteras coincidieran con los límites de su comunidad histórica nacional en un Estado propio. Sus principales representantes fueron Charles Baudelaire (1821-1867). En los pueblos europeos del siglo XIX hay un despertar del concepto nacional. Schumann y Brahms. Este movimiento alcanzó su pleno significado en Occidente en el siglo XIX y en muchos casos evolucionó hacia un planteamiento revolucionario. cada una de ellas con una forma distinta de entender la música. mediante la palabra. También se basó en las ideas defendidas por el Romanticismo. los escritores. Mickiewicz en Polonia. El nacionalismo encontró apoyo ideológico en el liberalismo. ya que se sentían nación. los cambios que surgieron a finales de este siglo provocaron una ruptura con la época anterior. La burguesía lo defendió en muchas ocasiones. como el turco o el austrohúngaro. que ayudaron a concretar el «sentimiento nacional». como Alemania e Italia. como ocurrió en España.visual y expresar ideas. culturales y sociales que unen a sus miembros. Puvis de Chabannes (1824-1898) y Odilon Redon (1840-1916). Mazzini en Italia y Michelet en Francia. los poetas. PARA SABER MÁS: El concepto de nación 87 . de la mano de Arndt. con temas de carácter espiritual y esotérico. estableció nuevas correspondencias entre el mundo sensible y el mundo espiritual. que amplió la idea del derecho de la persona y de la colectividad histórica nacional a la libertad. el ritmo y el poder de evocación de las palabras.  La existencia de pueblos. Sin embargo. Los profesores universitarios. Orígenes y significado del nacionalismo. que deseaban su independencia nacional. Jahn. Los nacionalismos musicales En la segunda mitad del siglo XIX se originaron en Europa movimientos nacionalistas que tuvieron como guía las ideas de libertad e igualdad propagadas por la Revolución Francesa y la afirmación y exaltación de la identidad nacional de cada pueblo o nación. También la religión estimuló el sentimiento nacionalista. sentimientos y emociones. Rchte y Herder. así como la aparición de diferentes escuelas.

. como hicieron Ernst Arndt (1769-1860) y Frédéric Mistral (1830-1914). La música. EL NACIONALISMO MUSICAL A mediados del siglo XIX. etc. su esencia». Además. los países escandinavos.La idea de nación no siempre se entendió de la misma manera. sino que ha habido distintas interpretaciones de la misma. fue el medio más efectivo para reflejar ese sentimiento. Hay quienes consideran que la nación es el asentimiento de una comunidad a su realidad histórica común. Valoración de la riqueza tímbrica de las orquestas.. La ópera facilitaba la puesta en escena de argumentos de carácter nacional y la interpretación de temas musicales populares. a partir de 1850. países que habían estado al margen de la creación o de la evolución musical. frente al menor uso de la sonata y la sinfonía. Otros justifican la nación desde diversos puntos de vista: por razones de comunidad étnica. que es considerado como la esencia expresiva del canto y de la música de un pueblo. SABÍAS QUE. Expresión del sentimiento nacionalista. y en particular la música dramática. por lo que era un buen cauce para una comunicación rápida y masiva de ideas.Válvulas y pistones 88 . o histórico-políticas y lingüísticas. El segundo período se extendió durante la primera mitad del siglo XX. como es el caso de Gobineau (1816-1882). Bohemia. bien como manifestación política. historia. y dentro de la ideología que el Romanticismo había formulado. bien como manifestación de la cultura autóctona de un pueblo. La música de este período fue más independiente y creativa. Las formas musicales predominantes eran la canción. de Italia y de Francia. Gran variedad y riqueza melódica. Redescubrimiento de instrumentos nuevos para la música sinfónica. el ballet y la ópera. Así. Consecuencia de esta actitud fue. la aparición de una corriente musical nacionalista que buscaba una expresión musical propia basándose en el folclore nacional. instrumentos autóctonos. Huida de las formas clásicas que. Reacción contra el dominio musical de los países del área germánica (Alemania y Austria). ritmos y melodías populares. las obras nacionalistas incluían leyendas. La música tuvo características de corte romántico y estuvo más directamente inspirada en el folclore. Friedrich Ludwig Jahn (1778-1852) afirmó que nación es «lo que hay de común en un pueblo. el poema sinfónico. si se aplican. Nacimiento de nuevos modismos y escalas basados en la peculiar música de cada pueblo. Se produjo una búsqueda de las raíces y tradiciones populares que definen culturalmente a cada pueblo. sobre todo en el campo de la percusión. surgieron los movimientos musicales nacionalistas en los países de la periferia de Europa. es para dar un estilo culto a la música folclórica. Períodos del nacionalismo musical y principales países en los que se desarrolló Se pueden distinguir dos períodos en la evolución del nacionalismo musical: El primer período se inició a mediados del siglo XIX y duró hasta comienzos del siguiente siglo. la ópera iba ganando progresivamente espectadores. Los principales países en los que arraigó el nacionalismo musical fueron Rusia. Una de las características esenciales del Romanticismo era la veneración por la cultura popular como expresión espontánea del alma nacional. Características de la música nacionalista Las principales características de la música nacionalista son estas:          Interés por el propio folclore. Hungría y España.

La sordina es un efecto usual en estos instrumentos. el poema sinfónico Una noche en el monte Pelado y la sute para piano Cuadros de uno exposición. Es considerado el fundador del nacionalismo ruso. El gallo de oro. El nacionalismo y otras tendencias musicales en Rusia Rusia fue la primera nación en la que surgió y cobró fuerza un nacionalismo musical. música coral y de cámara y obras orquestales. pero al margen del nacionalismo musical ruso. Nikolai Rimski-Korsakov (1844-1908) fue el más técnico y el mejor preparado del Grupo de los Cinco. junto a esta comente. y el poema sinfónico En las estepas del Asia Central. y su obra muestra una fuerte influencia de la música popular rusa. Su obra denota un profundo dramatismo. Heredero de la tradición iniciada por Glinka. desarrolló su actividad en San Petersburgo. hubo compositores de gran talla que se declararon contrarios a los principios nacionalistas. Su ópera más importante es El prisionero del Góucoso. que influyeron en el compositor impresionista francés Claude Debussy. Es autor de las óperas Esmeralda y Rusaka y una obra sin terminar. En la trompa. Pero. y los pistones de la trompeta. preparando el terreno al Grupo de los Cinco. Sodko y. Modest Mussorgski (1839-1881) fue el más genial e innovador del grupo. Las válvulas de la trompa. Alexeievich Balakirev (1837-1910) practicó la música de manera autodidacta. el instrumento suena más suave y con un timbre característico. Con sordina. un sonido fundamental y un número limitado de otros sonidos mediante la modificación de la presión de los labios del instrumentista y la fuerza del soplo. Intentó crear una ópera nacional basada en el folclore popular. como Noche de mayo. La trompeta utiliza sordinas diseñadas especialmente. Compositores nacionalistas Mijail Glinka (1804-1857) fue el artífice del despertar musical en la Rusia del siglo XIX. como puede apreciarse en las óperas Bor/s Godunov y Kovantchina. el instrumentista puede introducir la mano dentro de la campana mientras toca y modificar de ese modo la afinación y sonoridad. que incluye las famosas Danzas polovtsianas. maestro en la instrumentación. Capricho español y Scherezade.Antes de la aparición de llaves y válvulas en el siglo XIX. o sea. Incorporó una nueva forma de recitativo melódico. Alexander Dargomijski (1813-1869) siguió la línea marcada por Glinka. Fomaban este grupo los siguientes compositores: César Cui (1835-1918) fue el ideólogo del grupo y escribió óperas. Compositores no nacionalistas Contemporáneos del «Grupo de los Cinco». introducidas en el pabellón. sobresalen los compositores siguientes: 89 . El Grupo de los Cinco. aplicados desde 1839. y la fantasía Kamannskaia. junto a un buen número de óperas. y de este modo el instrumento puede dar todos los sonidos que se consideren necesarios. los instrumentos de metal producían sonidos naturales. la más popular de todas. Alexander Borodin (1833-1887) compuso obras como la ópera El príncipe Igor. Entre sus principales composiciones figurín la sinfonía para piano Isiarney y el poema sinfónico Tamara. El convidado de piedra. Compuso las óperas La vida por el zar y Ruslan y Ludmüa. conectan o desconectan prolongaciones del tubo principal modificando su longitud. Sus obras más conocidas son las sinfonías La gran Pascua rusa. introducidas en 1814. Su música tiene gran fuerza y es rica en melodías y colorismo. Su exacerbado nacionalismo le acarreó enfrentamientos con círculos musicales académicos tusos.

.Obertura 1812 Tchaikovsky escribió una obertura titulada 1812. Su obra más conocida es Melodía en fa. hizo posible una vida mucho más fácil al compositor Tchaikovsky. donde Debussy pudo estudiar a los grandes compositores rusos. mostrarles el camino hacia la tierra prometida y el reino de un arte nuevo e independiente. Son de destacar sus óperas Jenufa y Katia Kabanova y la obra sinfónica Toras Bulba. reunidos en el ciclo Mi patria. Compuso varios conciertos para piano y orquesta. 90 . que. donde fue invitado por el conservatorio de esta ciudad. ante todo. se pensó en instalar cañones reales que debían hacer fuego desde los cuatro ángulos de la plaza. con un abundante empleo de ritmos. representados por una de sus melodías populares. destinada a ser interpretada al aire libre.Antón Rubinstein (1829-1894) fue el fundador del Conservatorio de San Petersburgo. Durante 14 años este no tuvo que preocuparse del dinero. Nadezhda proporcionó empleo estable como pianista a otro joven compositor. Años después. que acompañó a Madame en sus viajes por Italia y la siguió hasta Moscú. Gran pianista. Se enfrentó al Grupo de los Cinco y fue profesor de Tchaikovsky. donde se hace especialmente perceptible el sello romántico de sus composiciones. autor de doce óperas. El nacionalismo musical en otros países La incorporación de los ritmos y estilos musicales del folclore popular a la música sinfónica fue un fenómeno que se extendió a numerosos países de Europa y a los Estados Unidos de América. Extrajo del canto popular los elementos para la renovación musical. Escribió también cantatas. escrita durante su estancia en Nueva York. constituye su obra maestra nacionalista. Dvorak y Janaceck. ilustrando la batalla musical entre los franceses. entre 1892 y 1895. representados por su himno nacional La Marsellesa. y reunió una gran cantidad de cantos populares moravos. Para dar un carácter más realista a la obra. El Dvorak eminentemente checo puede escucharse en sus obras nacionalistas Cantos de Moravia. que ella atribuyó a dificultades económicas. nueve sinfonías. el nacionalismo musical fue reflejo del nacionalismo político frente al dominio austríaco. fue un duro golpe moral para Tchaikovsky.. como Amarus. porque ella se ocupó de pasarle una pensión anual desde la distancia. Aunque se escribieron durante muchos años con regularidad. Leos Janaceck (1854-1928) fue un gran renovador de la música europea en el campo sinfónico y dramático. escribió seis poemas sinfónicos sobre Bohemia. El nacionalismo musical en Bohemia En Bohemia. Antonin Dvorak (1841-1904) fue una de las grandes figuras de la música europea de la segunda mitad del siglo XIX. En las dos únicas ocasiones en que coincidieron en el mismo lugar. Una protectora de la música Madame Nadezhda von Meck. compuso Recuerdos de Bohemio y la ópera cómica La novia vendida. entre ellas la famosa Sinfonía del Nuevo Mundo. PARA SABER MÁS. Los principales compositores nacionalistas checos fueron Smetana. ambos se separaron después de saludarse con gran embarazo. nunca se encontraron cara a cara. Claude Debussy. SABIAS QUE. en la que se describe la retirada de Rusia de las tropas napoleónicas invasoras. Danzas eslavas y Rapsodias eslavas. canciones y danzas populares. música de cámara y sinfónica. La retirada de la anualidad. y los rusos. Bedrich Smetana (1824-1884) fue el fundador del nacionalismo musical checo. Además. una mujer de la aristocracia rusa. y del bellísimo Concierto para violonchelo y orquesta. UN MUNDO NUEVO «Los americanos esperan grandes cosas de mí y mi misión es. sinfonías y óperas.

director de orquesta y compositor. la obertura Cockaigne. Entre sus poemas sinfónicos descuella el célebre Vals triste. Compuso óperas v. Cari Nielsen (1865-1931) conjugó la expresión de la tradición popular local con el impresionismo europeo. Koanga y Fennimore y Gerda. desde la que luchó por la valoración del arte de su país. En 1892. que compuso poemas sinfónicos como Finlandia y Karelia. un Réquiem y el poema sinfónico En un jardín de verano. dejándose seducir por la luz y por el color más que por la forma. el alemán Johannes Brahms. hermosas suites orquestales y varias óperas. siete sinfonías.Brevemente: crear un arte nacional. 91 . que fundó la Academia noruega de música. La figura más importante fue Jean Sibelius (1865-1957). el Concierto en La menor para piano y orquesta. El impresionismo musical buscó un nuevo lenguaje con predominio del timbre y la belleza del sonido. Sus composiciones comprenden las variaciones Enigma. como pianista. A los compositores nacionalistas húngaros de la segunda época. la música nacionalista contó también con importantes compositores. en Inglaterra. En Dinamarca. sus alumnos del Conservatorio de Nueva York le ayudaron a comprender. marchas. el poema sinfónico Pan y Siringa y varios Heder. y alrededor de ciento cincuenta canciones. y la Indian Su/te para orquesta. Aunque también británico. En Estados Unidos. Así. cuyas melodías y ritmos.» Así se expresaba a mediados de la última década del siglo XIX Dvorak. quien influido por Brahms renovó la música británica. Frederick Delius (1862-1934) vivió en Francia desde 1888. como el Concierto número 2 y las sonatas para piano. En su obra. como la famosa Pompa y circunstancia. como la famosísima Novena sinfonía en mi menor. numerosos oratorios. El impresionismo musical El impresionismo pictórico trató de ver de otro modo la realidad y el paisaje. entre ellos el titulado El sueño de Gerontius. los estudiamos en la música del siglo XX. Escribió las dos suites orquestales Peer Gynl. una Misa. cabe resaltar la obra de Edward Elgar (1857-1934). como Béla Bartók y Zoltan Kodaly. Dvorak llegaba a Estados Unidos y quedó deslumbrado por las canciones de los indios y de los negros. con sus famosas Danzas húngaras para piano a cuatro manos. como La muchacha en ¡a torre. insistiendo en los aspectos sensoriales de la música.orno Irmilin. El nacionalismo musical en Hungría La principal aportación al nacionalismo húngaro de la primera época la realizaron los compositores Franz Liszt. los spirituals y los cantos de las plantaciones. creador junto con Smetana de la música nacional checa. que se distinguieron por sus revolucionarias innovaciones. y su menos conocido Cuarteto de cuerda en fa mayor. se advierte la influencia de Grieg. en una obra en la que sobresalen seis sinfonías. Esas músicas le inspiraron algunas de sus mejores composiciones. El nacionalismo musical en Escandinavia El máximo representante del nacionalismo noruego fue Edvard Grieg (1843-1907). el poema sinfónico Falstaff. Danzas noruegas. constituyen bellísimas partituras cuya programación y ejecución sigue siendo aplaudida por les amantes de la música. entre romántica e impresionista. introdujo la impronta popular en su música marcada por resonancias de Wagner y Liszt. Otras escuelas nacionalistas En otras naciones de Europa y en los Estados Unidos de América. Los compositores finlandeses se inspiraron en las obras populares y en los libros de poesía Kalevala y El Kanieta. compositor y pianista. de quien Delius fue amigo. Aunque ninguna de estas dos obras representan una revolución ni en la estructura ni en las formas musicales de la época. llamada Del Nuevo Mundo. Edward Alexander MacDowell (1861 1908). cantatas y música de cámara. con razón denominado Americano.

sin variaciones. El impresionismo pictórico se caracteriza por el uso de pinceladas sueltas. vasca. escalas orientales y modos medievales. influido en un principio por Debussy y Satie. Mostró un rechazo hacia la ortodoxia musical del momento y hacia las reglas clásicas compositivas. Su primera etapa estuvo caracterizada por obras pianísticas de técnica similar a la de Debussy. 92 . pero cada vez con una instrumentación diferente. como MI madre la oca. escapando de la tonalidad clásica. en el que ya se apreciaba un cambio estilístico. que luego la retina del espectador las une y fusiona. pues con Liszt habían terminado los años esplendorosas del piano. Maurice Ravel (1875-1937). el único representante puro del impresionismo musical. tratando de reflejar las impresiones más que la realidad. Los grandes músicos impresionistas Claude Debussy (1862-1918) fue el primero y. los acordes son sonoridades que valen por sí mismas. la Rapsodia española y la Alborada del gracioso. Creación en las obras de una atmósfera sonora basada en «impresiones» auditivas. golpes de pincel. Debussy dedicó a este instrumento gran parte de su producción. Por influencia de su madre. atmósferas indefinidas. Características del impresionismo musical Las principales características del impresionismo musical son:         Puentes de inspiración objetivas. Predilección por los títulos poéticos. Debussy usó. reflejando los cambios que la luz origina en el paisaje a lo largo del día. ritmos imprecisos e irregulares y un peculiar colorido orquestal. Su primera obra impresionista fue la ópera Pelléas et Mélisande. Formas en principio vagas e imprecisas. En la pintura se dio importancia al color y a la luz. Ruptura con la armonía tradicional y las reglas clásicas y creación de nuevos acordes relacionados por bloques. de la música oriental y del jazz. Su estilo denota huellas del Clasicismo. En música. Imágenes. colocadas unas junto a otras. lo que supuso una ruptura con las tendencias artísticas existentes. supo imprimir un sello personal de gran elegancia a su obra. como Preludios. con la mirada puesta en la naturaleza. Ravel fue un gran instrumentista y conocedor de la orquesta. Otras obras suyas importantes son el ballet Dafnis y Cloe. Con Debussy se puede hablar de un «pianismo» auténticamente nuevo. En el célebre Bolero se suceden dos temas vascos repetidos diecinueve veces. Rimbaud y Mallarmé. y de los pintores impresionistas. en cierta medida. se pretendió gozar del sonido por sí mismo. Estampas y Estudios. Espejos. compuesta en 1902 sobre textos del poeta belga Maeterlmck. En 1893 compuso Cuarteto de cuerda. Otras composiciones suyas dignas de mención son el oratorio El martirio de San Sebastián y las obras orquestales El mar y Nocturnos. pero de gran efecto auditivo. Los pintores impresionistas se interesaron por la representación de la naturaleza. Su amistad con el poeta simbolista Mallarmé le llevó a escribir Preludio a la siesta cíe un fauno sobre textos del poeta. en la que la música y la palabra evocan imágenes vagas e imprecisas. como Verlaine. Para él. del Barroco.El movimiento impresionista El impresionismo es un movimiento pictórico-musical que surgió en Francia en el último tercio del siglo XIX. Gaspar de noche y Valses nobles y sentimentales. ausencia de formas y la utilización de masas de color sin mezclar. Búsqueda del placer en el sonido como fin último de la obra musical. Colorido orquestal brillante y sensible con aplicación de armonías y escalas nuevas. Pavana para una infanta difunta y la clasicista La tumba de Couperín. El impresionismo musical nació hacia el año 1882 bajo la influencia de los poetas simbolistas. Desaparición de la melodía lineal para dar paso a masas sonoras de acordes unas junto a otras sin aparente coherencia. compuso obras como la ópera bufa La hora española. pero que presentan un fondo estructural muy trabajado.

En el imperio austrohúngaro y en países como Alemania. Aspectos históricos. debido al dinamismo y a la rápida evolución de las corrientes artísticas. A comienzos del siglo XX se desarrolla una gran diversidad de movimientos culturales y artísticos. Las salas de concierto Durante el siglo XIX. la sala del Concertgebouw de Amsterdam. la Musikverein de Viena. Gabriel Fauré (1845-1924) es considerado como precursor del impresionismo. que tuvo consecuencias mucho más devastadoras que la anterior. En 1917 triunfó la revolución bolchevique en Rusia y se impuso el régimen comunista. hubo un período de grandes convulsiones internas en casi toda Europa. Sociedad y cultura en la primera mitad del siglo XX Las transformaciones que se produjeron durante la primera mitad del siglo XX originaron una aceleración del tiempo histórico. Entre sus restantes obras figuran la ópera Ariana y Barba Azul y el ballet La Pén. las canciones del ciclo de La bonne chanson. que tuvo su inicio en los primeros años del siglo XX. Las orquestas. expresionismo. dadaísmo y surrealismo. 93 . predispuestas a enfrentarse. cubismo. económicas y sociales. la Festpielhaus de Salzburgo y el Royal Albert Hall de Londres. Rusia y Turquía. como Cuadros de viaje. hacia mediados de siglo. que dio origen a corrientes pictóricas como constructivismo. y la ópera Peleas y Melisanda. corales y música de cámara. primitivismo. El horror por las consecuencias de la guerra no sirvió para evitar. Erik Satie (1866-1925) creó un lenguaje musical propio y de gran simplicidad. Tras la Primera Guerra Mundial.Otros músicos Otros músicos relacionados con el impresionismo musical fueron Fauré. La correlación existente hasta entonces entre la música y el resto de las artes dejó de existir. PARA SABER MÁS. D'lndy y Satie. como Tres gimnopedias. y por las trágicas experiencias de una época de crisis. obras para piano. formalismo. sociales y culturales Desde los últimos años del siglo XIX. Compuso óperas como El canto de la campana y El extranjero. • En pintura existió una reacción contra el impresionismo. las potencias europeas se alinearon en dos bloques. En España destacan el Palau de la Música de Barcelona y el Auditorio Nacional de Madrid. futurismo. coro y orquesta. el Réquiem para voces solistas. fauvismo. Paul Dukas (1865-1935) es universalmente famoso por su poema sinfónico El aprendiz de brujo. fue un movimiento fundamental en la evolución de la pintura contemporánea. con graves consecuencias demográficas. Posteriormente. e incluso durante su desarrollo. Entre las salas de conciertos más antiguas e importantes de Europa hay que citar la Gewandhaus de Leipzig. Dukas. las salas de conciertos sustituyeron a los salones cortesanos como marco de la música sinfónica. en salas especialmente concebidas para ellas y bajo mentalidad empresarial. Vincent d'lndy (1851-1931) fue discípulo de Cesar Franck y profesor de un buen número de músicos españoles. numerosas composiciones para piano. La cultura se vio condicionada por los avances científicos y tecnológicos. crecieron hasta alcanzar a finales de siglo los cien o más componentes. en estrecha relación con el dadaísmo y el surrealismo. y el drama sinfónico Sócrates. pero al mismo tiempo se mantuvo ligado a la tradición romántica. las dictaduras fascistas se adueñaron de Italia y Alemania. El enfrentamiento se produjo en los años 1914 a 1918 en la Primera Guerra Mundial. la Segunda Guerra Mundial (19391945). estallaron revoluciones que derrocaron a sus monarquías. En su obra destacan la música de cámara. A él se deben el ballet Parade. El cubismo. sinfonías como Sinfonía sobre un canto montañés de Francia.

gramófono. • • • • Nacionalismo del siglo XX. y se aplicaron nuevas técnicas de construcción. que busca la explicación de la realidad atendiendo a factores no racionales. automóvil. ragtime. crisis económica (1929). • Guerra Civil en España (1936-1939). el positivismo y o'. atonalismo. • Ciencia: teoría de la relatividad.  En arquitectura predominó el funcionalismo racionalista y organicista. teoría cuántica. abstracción. • Postimpresionismo. teléfono. confiaba en los valores de la razón y el progreso. • Realismo socialista en la Unión Soviética. Corrientes musicales LOS GRANDES CAMBIOS SOCIALES Y CULTURALES DEL SIGLO XX Entre los cambios sociales y culturales más relevantes del siglo XX hay que señalar la pérdida del optimismo que desde la Ilustración. gramófono. se extiende un relativismo cultural. • Revolución en Rusia (1917). • Segunda Guerra Mundial (1939-1945). régimen comunista. automóvil. surrealismo. que condujo a la Primera Guerra Mundial. En escultura se siguieron caminos paralelos a los de la innovación pictórica. se implantan los movimientos artísticos denominados «vanguardias» y nace el cine. • Electricidad y petróleo. que condujo a la Primera Guerra Mundial. • Cine sonoro. teléfono. • Ciencia: teoría de la relatividad. • Nacimiento del cine.  En filosofía se produjo un alejamiento de las dos líneas legadas por el siglo XIX. Impresionismo. nuevas fuentes de energía. Jazz: dixieland y swing. • • • • Nacionalismo romántico. Postromanticismo. aunque ambos se mantuvieron en grandes sectores intelectuales. por el que el hombre occidental ya no se ve a sí mismo como poseedor de una cultura superior. En el período de entreguerras se asiste a un cambio cultural muy importante: la ciencia experimenta un gran avance. • Búsqueda de alternativas a la tonalidad clásica: tonalidad ampliada. Neoclasicismo. idealismo. tras el final de la esclavitud. Dodecafonismo. 1900-1914 • Enfrentamiento económico entre grandes bloques de naciones. producto de los medios de 94 . Al mismo tiempo. • Fascismo en Italia (1922) y Alemania (1933). • Estados Unidos: discriminación racial de la población negra. • Expansión del jazz como música comercial. en el siglo XVIII. • Europa: confianza en la idea de progreso basado en la ciencia y la tecnología. • Búsqueda de alternativas al naturalismo. nuevas fuentes de energía. • La Primera Guerra Mundial quiebra la preponderancia europea en el mundo y fortalece la posición de Estados Unidos. teoría cuántica. ACONTECIMIENTOS Hechos históricos e innovaciones científicas y tecnológicas PRINCIPIOS DE SIGLO. • Estados Unidos: formación del jazz como tradición musical afroamericana. Un tercer factor transformativo es la aparición de la cultura de masas. Se realizaron grandes edificaciones de acero. Aspectos musicales • Expresionismo. Franco (1939-1975). hormigón armado > cristal. • Crac de la bolsa. • Electricidad y petróleo.1945 • Primera Guerra Mundial (1914-1918). • Bomba atómica. • Cambios en las formas colectivas de pensar y sentir después de la Primera Guerra Mundial: final del Romanticismo. radio. 1914 . • Máximo desarrollo de la tonalidad. Nacimiento del jazz: blues. Adquiere importancia el vitalismo. Aspectos sociales y culturales Las artes • Enfrentamiento económico entre grandes bloques de naciones. radio.

Al mismo tiempo. un piano mecánico que tocaba gracias a un rodillo de papel. la música europea vivió una convulsión solo comparable a la experimentada durante el siglo XIV o los inicios del Barroco en el siglo XVII.SOL . La ampliación de la tonalidad o tonalidad ampliada era un conjunto de técnicas que aumentaban las posibilidades armónicas. un movimiento o una tendencia que orientara toda la producción artística. Escala pentáfona Esta escala consta de cinco sonidos y hay diferentes escalas en función del lugar de origen. PARA SABER MÁS.LA . con la aparición del disco y los medios de comunicación de masas. La nueva actitud estética La música del siglo XX abrazó una actitud estética más preocupada por el lenguaje musical en sí y sus posibilidades. que llegó a ser muy popular. Tonalidad ampliada y atonalidad Los compositores de la primera mitad del siglo XX desarrollaron dos alternativas principales a la música del Romanticismo: la ampliación de la tonalidad y la atonalidad. pero ignoró el gramófono. Desaparecía la dominancia de una nota sobre las demás. La música en la primera mitad del siglo XX En torno a la Primera Guerra Mundial. Las que utilizaban los compositores de los siglos XIX y XX se caracterizaban por la ausencia de semitonos entre sus notas.MI . y musicales. puesto que en la época los discos eran carísimos. Alrededor de 1890 había fonógrafos en multitud de oficinas en Estados Unidos. A comienzos de los años 20 solo se había grabado en disco una sinfonía. Originalmente el aparato que escuchaba el perro era el fonógrafo de Edison. sino de una multiplicidad de estilos que se incrementaba más y más con el paso del tiempo. Utilizaba escalas que habían estado fuera de uso durante siglos o usaba otras inventadas por el compositor. Este clima histórico provocó una nueva sensibilidad artística. rítmicas y melódicas de la música y permitían producir una música radicalmente nueva y moderna. La cultura europea inició la exploración de caminos inéditos. inclinándose por una posición que valora la música por lo que tiene de arquitectura sonora. En el proceso de búsqueda de la modernidad los compositores de la tradición clásica tuvieron que enfrentarse con un problema: las escuelas impresionista y postromántica habían llevado al límite las posibilidades de la tonalidad como método de composición. Por ejemplo: DO . por sus posibilidades de construcción técnica e intelectual. buscando formas de expresión más modernas y adecuadas a los tiempos. un gran crítico musical recibió con entusiasmo la aparición de la «pianola».RE . porque 95 .El invento de Edison El fonógrafo de Edison fue vendido al principio como una máquina de dictado para oficinas.(DO). A causa de las profundas crisis que tuvieron lugar en la época. Ya no se podía hablar de una época. tal y como se venía practicando desde el siglo XVII SABÍAS QUE. cambiaron las ideas y la sociedad y se desarrollaron infinidad de corrientes artísticas.. que se había lanzado al mercado en 1913 en ocho discos. interpretada por la Orquesta Filarmónica de Berlín. • La ampliación de la tonalidad. en general. • La atonalidad. ante todo. al menos.. pero el pintor lo cambió por un gramófono de disco. considerándolo un «juguete de ricos».comunicación social y de la progresiva disponibilidad de tiempo de ocio. Con los discos antiguos tenían que parar cada cuatro minutos. lo que llevaba a una atonalidad que prescindía de las escalas y los acordes convencionales. El pintor Francis Barraud fue el autor del famoso Perro y trompeta. Algunos compositores consideraron que la evolución lógica de la música exigía el final de la tonalidad en favor de un método de composición completamente nuevo: un sistema atonal. en particular. la música se ha convertido en el arte con más presencia en nuestras vidas. La «nueva música» surgió. la Quinta de Beethoven. más cercana al contrapunto barroco que a la melodía acompañada. como reacción frente al Romanticismo. La mayoría de los grandes directores de orquesta de la primera mitad del siglo XX odiaban grabar. registrado en 1899 como marca de una casa de grabación llamada His mAster's voice (La voz de su amo). A finales del siglo XIX. ya fuera clásica o romántica.

sin pretensiones de expresar o significar nada más allá de sí misma.  Disgregación del concepto tradicional de la melodía.  Vuelta a las formas clásicas. El compositor ruso Igor Stravinski (1882-1971) fue el principal representante de esta tendencia. El neoclasicismo propuso una vuelta a los ideales estéticos del Barroco y del siglo XVIII: una música más abstracta. el neoclasicismo fue una de las corrientes dominantes de la música europea durante este período. sobre todo. El neoclasicismo del siglo XX Nacido en torno a la Primera Guerra Mundial. ritmos. 96 . y los usaba en combinación con las nuevas técnicas de composición. como escalas.. etc. creciendo en importancia los instrumentos de viento y. llamada «serie». respetando el orden de aparición fijado con un nuevo concepto de la disonancia y consonancia. Nacionalismo.  Creación musical de carácter objetivo y marcada influencia del entorno urbano. lo que desemboca en el dodecafonismo: doce sonidos que tienen igual importancia. que no se tendrá en cuenta en la música instrumental. como también es conocido. de acuerdo con los hallazgos técnicos o la intuición del compositor.  Nuevo concepto de la orquestación. Neoclasicismo.  Incorporación de nuevos elementos: ruidos. • El uso intensivo de la tonalidad ampliada. dodecafonismo y nacionalismo. El método de composición dodecafónico era una técnica tan compleja y precisa como la tonalidad clásica. Principales corrientes musicales En la primera mitad del siglo XX se pueden distinguir tres comentes musicales más importantes: neoclasicismo. El nuevo nacionalismo estudiaba con detalle la música popular de cada país para apropiarse de sus características más esenciales. donde dicha creación se realiza. • Las melodías y los acordes se formaban con las notas que ofrecía esa serie. para conseguir una música radicalmente moderna. desvinculada de ideas filosóficas y complejidades excesivas. Otras características musicales Otras características de las nuevas corrientes musicales son estas:  Aparición del elemento tímbrico como parte principal en el planteamiento compositivo de los músicos. Sus principales características eran: • Cada obra dodecafónica partía de una ordenación de las doce notas de la escala cromática. sonidos de la naturaleza y nuevas sonoridades obtenidas por medios técnicos. que fijaba el compositor. Esta corriente musical presentaba características diferentes a las del nacionalismo romántico del siglo XIX. alejada de toda estampa folclorista. los de percusión. Fue la corriente dominante durante este período. De ahí el término dodecafónico (doce notas) o serial. Dodecafonismo.cualquier nota podía ser seguida o sonar simultáneamente con cualquier otra. en cuyos moldes los compositores encontrarán la solución al principio de la unidad dentro de la variedad que persiguen para sus obras musicales. Fue el músico austríaco Arnold Schónberg (1874-1951) quien ideó el sistema dodecafónico como alternativa para la composición.  Aparición del ritmo irregular como consecuencia de la polirritmia o superposición de varios ritmos diferentes. El húngaro Béla Bartók (1881 -1945) es considerado como el compositor más representativo del nuevo nacionalismo. Sus principales características fueron: • El antirromanticismo.  Uso por igual de consonancias y disonancias.

en óperas como La voz humana. obras como Polichinela. 12 sinfonías y piezas para piano. Su música es totalmente objetiva. Su primer éxito lo obtuvo con el ballet El pájaro de fuego. oponiéndose al subjetivismo romántico. La ruptura total con las estéticas de su tiempo la llevó a cabo en su obra Petruska. Danus Milhaud (1892-197'!) Se caraterizó por el uso de la politonalidad y compuso óperas. El beso del hada y Edipo rey. Los compositores más representativos de la comente neoclásica son Igor Strávinski. escribió Ragtime para once instrumentos. tendencia en la que estuvieron incluidos. En su obra Sinfonía de los Salmos llegó al más puro arcaísmo y logró una gran profundidad religiosa utilizando esquemas muy sencillos. componiendo una música cargada de un ácido humor antirromántico. al igual que Bach. Aunque ruso de nacimiento y formación. de tendencias antimpresionistas y muy influidos también por Slravinski. además de los títulos ya citados. El ideal será una música más abstracta. canciones y obras de música sinfónica y de cámara. un seguidor de Debussy. que no pretende significar nada más allá de sí misma. volviendo a los ideales estéticos del siglo XVlll y el Barroco. sobresaliendo oratorios como El rey David. Erik Satie y el Grupo de los Seis Erik Satie (1866-1925). como el francés Maurice Ravel y el ruso Sergei Prokofiev. agrupadas por bloques audaces e hirientes. la mayoría de los compositores de la época. Sus obras Lo historia del soldado. Maurice Ravel (1875-1937). Compuso también. reaccionó también contra la influencia de Debussy. fue. tras una primera etapa impresionista. Erik Satie y los componentes del llamado «Grupo de los Seis». pero manteniendo las conquistas armónicas. Francis Poulenc (1899-1963) combinó la calidad melódica con la originalidad de la armonía. a quien ya hemos estudiado dentro de la tendencia impresionista. en la que existen aspectos del nacionalismo ruso. el poema coreográfico Lo valse y el Concierto en Sol mayor. con formas neoclásicas. radicados en París. rítmicas y melódicas de la modernidad.Características del neoclasicismo La idea principal de esta corriente consistía en reaccionar contra el Romanticismo. revolucionó desde París la música europea tras su encuentro en 1908 con el empresario Sergei Diaghilev y sus ballets rusos. de un grupo de jóvenes compositores llamado el Grupo de los Seis. Influido por el jazz. en su primera época. alrededor de 1920. al menos en algún momento de sus carreras. Mavra. contrastan con las refinadas y voluptuosas armonías impresionistas. y sus sonoridades. Los principales compositores del grupo. el poema sinfónico Pacific 231. asimiló diversas tendencias musicales para crear una obra propia en una línea de progreso y con gran proyección futura. Igor Stravinski (1882-1971) fue discípulo de Rimski-Korsakov y. Destacan entre sus obras orquestales. que adoptaron el lema de «Arte despojado». Arthur Honegger (1892-1955) utilizó la escritura tonal y cultivó diversos géneros musicales. y propició la formación. oallcts como El buey en el tejado. que fue representado en París por la compañía de Diaghilev y en el que se aprecian influencias de Rimski-Korsakov. fueron Milhaud. pero luego tomó un camino personal en el que mezclaba esa influencia con los ideales neoclasicistas. 97 . París fue la capital europea en la que trabajaron los principales compositores del neoclasicismo. La consagración de la primavera y Las bodas contienen innovaciones métricas y armónicas que en su tiempo fueron consideradas como excesivas. Honegger y Poulenc.

le convirtieron en un vanguardista. solistas y orquesta. que influyó en el proceso de disolución tonal y en el nacimiento del expresionismo. el cuento sinfónico Pedro y el lobo. Merecen destacarse sus obras Cardillac. sus efectos armónicos disonantes y su orquestación. pero a partir de 1905 se inclinó hacia la ópera. EL FUTURISMO El futurismo fue un movimiento artístico de vanguardia creado en 1909 por el poeta Marinetti. Obtuvo la beca Liszt y consiguió un puesto en el Conservatorio Stern de Berlín. pero rechazando el simbolismo filosófico. la ópera Guerra y paz y la Quinta sinfonía. su obra más conocida es la cantata profana Carmina Burana. Autor de un método de educación musical infantil. bajo la influencia de Wagner. Un precedente: Richard Strauss Richard Strauss (1864-1949) ya ha sido estudiado en "El sinfonismo romántico" como compositor en su primera época. desarrolló una música de gran fuerza rítmica bajo la influencia de Stravinski. sustituyendo los instrumentos tradicionales por quince aparatos llamados intona rumori. con un gusto particular por lo irónico y grotesco. En el ámbito musical. El compositor alemán Paul Hindemith (1895-1963) subrayó en sus trabajos teóricos el carácter utilitario de la música y la necesidad de que el público adoptara una actitud participativa. Compuso un buen número de sinfonías. Creó composiciones de estilo neoclasicista enraizadas en la tradición del contrapunto libre y relacionado con las formas barrocas. En 1914 dio en Milán un concierto con música de ruido. Dimitri Shostakovich (1906-1975) estudió en Leningrado con Glazunov y Stemberg. El caballero de la rosa es su ópera más conocida. abogaba por incorporar los ruidos a la música tradicional. como pueden apreciarse en las óperas Salomé y Electro. inspirada en la invasión alemana y conocida como Leningrado. para coro. obra heroica. silbatos. Su ópera Lady Macheth de Mzensk fue menospreciada. algunos de ellos eléctricos. también alemán. y uso del leitmotiv. sus obras adoptaron un lenguaje menos severo y en línea melódica. incorporando los conceptos wagnerianos de música continua. El principal representante del futurismo musical fue Luigi Rüssolo (1885-1947). Entre sus obras de mayor interés se cuentan varias sinfonías y la ópera El amor de las tres naranjas. 98 . Durante los años que estuvo en Estados Unidos y en París. Rüssolo fue el precedente técnico y estético de lo que más tarde se conocerá como «música concreta». Cari Orff (1895-1982). con una nutrida percusión. destacando la Séptima. ruedas. fuelles. En 1963 la rehízo y fue representada en Moscú con el título de Katerina Ismaílova. su música se caracterizó por fuertes disonancias y ritmos violentos. la ópera Matías el pintor y Nobilissima visione. La Escuela de Viena La influencia del sistema de composición dodecafónico en la música del siglo XX ha sido de tal trascendencia que hace de la Escuela de Viena un punto de referencia obligado para el estudio de la historia musical. A comienzos del siglo XX. Paul Hindemith. A su regreso a la Unión Soviética en 1934. denigrada y prohibida oficialmente por Stalin. que rompía con la cultura del pasado y defendía la nueva sociedad industrial y su símbolo más característico. y fue un hábil instrumentista. Fue también un maestro del lied. hilarante y surrealista. la velocidad. pero sin abandonar la tonalidad. sin distinción entre recitativo y aria. de poemas sinfónicos de carácter descriptivo. que utilizaba ruidos producidos por motores. Arnold Schónberg (1874-1951) nació en Viena y estudió contrapunto con el músico Zemlinsky.Sergei Prokofiev (1891-1953) utilizó en sus composiciones un lenguaje atrevido. etc. Títulos de esta época son el ballet Romeo y Julieta.

y siguiendo consejos de Mahler. ritmos. Utilizando el sistema serial compuso Pieza para piano. se forma la serie por inversión. donde fue profesor en Boston. y Un superviviente de Varsovia. en el que alcanzó los límites de la tonalidad. un Tratado de contrapunto y una Teoría de la composición. A muchos de los compositores que podemos englobar en esta nueva corriente nacionalista cabe también calificarlos de neoclásicos. al invertir los intervalos. PARA SABER MÁS. Más tarde. en las que reintrodujo elementos tonales junto al dodecafonismo. nos da la retrogradación y. se pueden comparar el cubismo de Picasso y la música de Stravinski. escribió el poema sinfónico Pelleas y Melisande. que a su vez también es leída al revés. la ópera Moisés y Aarón. por encima de todas. El nuevo nacionalismo del siglo XX El nacionalismo en el siglo XX adquiere características diferentes a las del nacionalismo del último tercio del siglo precedente. Pierrot lunaire. Serenata y Suite para piano. como escalas. El método de Schónberg fue seguido por sus discípulos Alban Berg y Antón von Webern. por ejemplo. sobre el holocausto judío en la Segunda Guerra Mundial. sistema en el que hay que componer dando igual importancia a los doce sonidos de la escala cromática. Por ser judío. etc. Esta forma de «melodía hablada» será utilizada por su discípulo Berg y por muchos compositores actuales. llamada de movimiento contrario. «como si cantara». Todo ello da lugar a formaciones melódicas y armónicas en las que los valores de consonancia o disonancia pierden validez. Tres piezas para piano. La música nacionalista y las nuevas técnicas El nuevo nacionalismo estudia con detalle la música popular para apropiarse de sus características básicas. Oda a Napoleón. y bajo la influencia wagneriana compuso obras como Noche transfigurada y la saga monumental de los Gurrelieder. al ser leída al revés. Recogió en sus obras ritmos exóticos y desconocidos. Variaciones para orquesta. Hungría Béla Bartók (1881-1945) arranca del nacionalismo para llegar en sus últimas creaciones a la abstracción musical. una colección de veintiuna canciones donde la voz recita en un estilo de sonsonete monótono. ya estudiados. Como autor didáctico escribió un Tratado de armonía. como es el caso de los rusos Sergei Prokofiev y Dimitri Shostakovich. La ordenación de los mismos constituye una serie que. De su última época son las obras Variaciones para banda. así como escalas primitivas como la pentatónica (de cinco 99 . en el que el lenguaje utilizado es el atonalismo (sin leyes de tonalidad). alejada de todo pintoresquismo folclonsta. y las utiliza en combinación con las nuevas técnicas de composición para conseguir una música radicalmente moderna. Así. Entre 1912 y 1923 no compuso ninguna obra y se dedicó a dar forma al dodecafonismo o música serial. Los tres formaron el grupo conocido como Escuela de Viena. Cinco piezas para orquesta y. Música y arte Para facilitar la comprensión de las grandes corrientes musicales de la primera mitad del siglo XX se puede establecer un paralelismo entre las obras de arte y la música. o la pintura abstracta de Kandinsky y la música atonal de Schónberg. incompleta. La técnica dodecafónica se muestra ya con madurez en el Quinteto de viento y en su primera aplicación a la gran orquesta.Al igual que Richard Strauss. Nueva York y Los Ángeles.. compuso el monodrama Erwariung. Posteriormente y en la línea del expresionismo musical. fue perseguido en la Alemania nazi y emigró a Estados Unidos. en una primera etapa trabajó dentro de los límites de la tonalidad.

Combina en sus obras las melodías y ritmos indígenas con elementos propios de la -música europea. que incluye la famosa «Danza del sable». El príncipe de madera. utilizó melodías populares de su país natal y ritmos brillantes. Estudioso del folclore armenio y especialista en música oriental. el Concierto para violonchelo y orquesta. Así desarrolló un arte muy personal. con obras como el ballet Los cuatro soles. y de numerosas piezas corales como Misa en Sol menor y Magníficat. Ignacy Jan Paderewski (1860-194 I). En Gran Bretaña. 14 Choros. Todo ello. Junto con Béla Bartók investigó el folclore de Hungría y de otros países limítrofes.tonos). ministro de Asuntos Exteriores y presidente de su país. alejado de los principios armónicos clásicos. Es autor además de tres sinfonías y de numerosas obras para piano. El armenio Aram Khatchaturian (1903-1978) fue un compositor neoclasicista y nacionalista dentro del período contemporáneo. escribiendo un interesante sistema para la enseñanza de la música. la ópera Háry János y la obra coral Psalmus hungaricus. Microcosmos. que es una introducción al lenguaje de la música moderna. percusión y celesta. Entre sus obras son de destacar el Concierto para violín y orquesta. Zoltán Kodály (1882-1967) se formó en el conservatorio de Budapest y en París. Se dedicó a la pedagogía. Bartók compuso el ballet El mandarín maravilloso. tres sonatas para violín y piano y la ópera Edipo. de conciertos como Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis. Iberoamérica El brasileño Héitor Villa-Lobos (1887-1959) fundó la Academia Brasileña de Música. Integró los elementos propios de la tradición musical de su país con nuevas tendencias vanguardistas. de sinfonías como Sinfonía del mar y Sinfonía de Londres. y Oda en memoria de Lenin. comenzó escribiendo obras de inspiración romántica y nacionalista para abrirse posteriormente a las nuevas corrientes europeas. compuso sus célebres Poema divino y Poema del éxtasis. Entre sus obras más importantes cabe mencionar Variaciones del pavo real. ballets. óperas. el ballet Gayaneh. Georges Enesco (1881 1955). fue también importante político. Es autor de seis óperas. Como compositor se le recuerda por su famoso Minueto. Bachianas brasileñas. Sobresalen entre sus composiciones un Poema rumano. piezas para música instrumental y diversas bandas sonoras para películas. muchos cuartetos y una colección pedagógica de 156 piezas. Música para cuerda. Otros países europeos En Polonia. recogiendo miles de melodías que permitieron un conocimiento profundo de su verdadera esencia musical. Estados Unidos 100 . junto con una excelente formación técnica. conciertos. ballets. dos Sonatas rumanas. excelente violinista. Rusia y Armenia Alexander Scriabin (1872-1915). Concierto para orquesta. puente entre los compositores rusos de los siglos XIX y XX. fue el principal representante de la escuela racionalista de su país. le hizo componer con un lenguaje atrevido que constituye una de las grandes revoluciones de la música en el siglo XX. Influido por la metafísica oriental. En su abundante producción se cuentan doce sinfonías. En Rumania. Ralph Vaughan Williams (1872-1958) 'je el fundador de la escuela nacional británica. considerado el mejor intérprete de piano de principios del siglo XX. el poema sinfónico Tierra mojada y Sinfonía india. El mexicano Carlos Chávez (1899-1978) fue el principal creador del movimiento musical contemporáneo en México. poemas sinfónicos y composiciones para guitarra. Compuso sinfonías.

se formó con D'lndy y Roussel. cuatro millones de esclavos negros fueron declarados legalmente libre aunque en la práctica se impuso la discriminación racial. llamada swing. Aaron Copland (1900-1990) compuso música de escritura politonal y con influencias del jazz y del folclore estadounidense y sudamericano. George Gershwin (1898-1937) incorporó a su c sinfónica la música popular de su país y. de modo que dos interpretaciones distintas de un mismo tema son dos obras diferentes. El músico de jazz crea en el momento en que actúa. compositor y pianista creó el cluster o racimo de notas. como sucede en la tradición clásica europea. Estos racimos de notas eran eje sobre el piano con la palma de la mano. Experimentó con sonidos no temperados y cultivó preferentemente la música atonal. la improvisación es la base de su arte. por la proximidad de las notas que la integra y por ser ejecutadas simultáneamente. en especial las estructuras melódicas del jazz. En 1915 se instaló en Estados Unidos. Un americano en París para piano y orquesta y la ópera Porgy and Bess. Entre sus principales obras se cuentan Música para teatro. la europea y la africana. Características del jazz El jazz ha marcado más que ninguna otra tendencia el desarrollo de la música del siglo XX Sus características más peculiares son: • El jazz se basa en la improvisación y no en la interpretación fiel de una obra escrita. Composiciones suyas de interés son Hiperprisma. Rodeo y Primavera apalache. al terminar la guerra de Secesión entre los Estados del norte y los del sur de los Estados Unidos. capital del Estado de Louisiana. La ciudad de Nueva Orleans. Salón México y los el Niño. sociales y culturales La música europea llegó a América con los colonos blancos de Europa.A comienzos del siglo XX se creó en Estados Unidos una música genuinamente americana. Henry Cowell (1897-1962). Estas difíciles circunstancias sociales están en el origen del jazz y han marcado su desarrollo a lo largo del siglo XX. Desiertos y Nocturnal. masa sonora que. conciertos y Las mareas de Maraunaun. Es autor de más de 700 composiciones. especialmente dura en los Estados del sur. se considera la cuna del jazz. El jazz es una música sincopada que produce una estimulante sensación rítmica. como puede apreciarse en sus composiciones Rhapsody in blue. da la sensación de un gran ruido. de origen francés. En 1865. Aspectos históricos. mientras que la música africana entró en el continente gracias a los esclavos negros. Nacimiento y consolidación del jazz El jazz nació a comienzos del siglo XX entre la población negra del sur de Estados Unidos y fue el producto de la mezcla de dos culturas musicales diferentes. • Entre sus características técnicas destaca el ritmo. Charles Ivés (1874-1954) fue un músico revolucionario del ritmo y de la técnica que se anticipó en algunos aspectos a compositores como Bartók y Schónberg y a técnicas de composición que se desarrollaron posteriormente en Europa. donde el jazz ocupó un lugar preponderante. el antebrazo o los puños. entre ellas 21 sinfonías. obligados a abandona-las costas occidentales de África para asentarse en las Antillas y el sur de los Estados Unidos. Entre sus obras destacan Sinfonía inglesa y Tres lugares en Nueva Inglaterra. PAULWHITEMAN Y EL JAZZ «BLANCO» 101 . Edgar Várese (1885-1965). La aparición del jazz supone la entrada en la historia de la música occidental de una nación cuya preponderancia había quedado demostrada en la Primera Guerra Mundial: los Estados Unidos de América.

la novela negra. En arquitectura. la moda. hambre. Durante los años centrales del siglo XX. Los años siguientes a 1970 estuvieron marcados por la inestabilidad económica y el derrumbamiento de los regímenes comunistas. junto con otros ya emancipados anteriormente. y adquiere gran importancia el urbanismo. Europa se vio desplazada en el protagonismo mundial por la bipolaridad centrada en los Estados Unidos y la Unión Soviética. * La televisión 1970 hasta la actualidad • 1973: crisis del petróleo. el cómic. Sin embargo. se centra la atención en el espacio interior y la obra escultórica semeja un simple armazón. Inestabilidad económica. que se desarrolló a finales de la década de 1920. lo que supuso el derrumbamiento de los grandes imperios coloniales. En las últimas décadas se han puesto en marcha procesos de globalización de la economía. En 1917. En escultura. se hizo famosa en Nueva York la Original Dixieland Jazz Band. la publicidad. tensiones sociales. y la propia palabra «jazz». melódicos y contrapuntistas. Aspectos históricos. «Dixieland». y se incorporan nuevas tecnologías.La música pop rock.En demasiadas ocasiones a lo largo de la historia del jazz. son numerosas las tendencias que aparecen insertas en un fuerte abstraccionismo. como el acero y el hormigón armado. haciendo honor a su apellido. los relatos de aventuras y la ciencia ficción fueron favorecidos por un espectacular desarrollo tecnológico y por la disponibilidad generalizada de ocio. Fue la época de las vanguardias y del jazz moderno. una agrupación de músicos blancos que incluía en su nombre la palabra que hasta hoy sirve para designar el estilo de estos primeros años. Acontecimientos Hechos históricos e innovaciones científicas y tecnológicas 1945-1970 • Guerra fría entre Estados Unidos y Unión Soviética. • 1957: creación del Mercado Común. presentó al público un estilo de jazz «blanco» que. 1957). • 1965-1973: Estados Unidos entra en guerra en Vietnam. Así nacieron nuevos Estados que agrupan a más de la mitad de la población mundial y que. Se crearon organismos internacionales de cooperación. 1945). en el que predomina el color o la acción. esto no impide que la música clásica y las artes tradicionales sigan ocupando un puesto de prestigio. por ejemplo. se generalizan los nuevos materiales. las colonias de Asia y de África. Casi todos estos países se ven desbordados por grandes problemas: subdesarrollo económico. Paul Whiteman. alcanzaron la independencia. 102 . Posterior apertura de procesos democráticos. dependientes de Europa. se erigen políticamente dos grandes bloques: el occidental y el comunista. En música se rebasan los campos armónicos. que duraron más de cuarenta años. sociales y culturales. se subraya el abandono de la figura. el primer músico blanco considerado como un gigante del jazz en el estilo Chicago. había superado el nivel primitivo en que era interpretado por los músicos negros. • "Gobiernos de facto" en varios países latinoamericanos. Se fue pasando de una situación de guerra fría entre ambos bloques a una actitud de coexistencia pacífica y a una postura de distensión y acercamiento. la sociedad blanca se apropió del mérito y los beneficios comerciales de la música negra. Sociedad y cultura en la segunda mitad del siglo XX En la segunda mitad del siglo XX. inestabilidad política y defensa de identidad cultural. Tras la Segunda Guerra Mundial. como la Organización de las Nacionales Unidas (ONU. Sin embargo. supuestamente. En pintura. analfabetismo. que se hizo famosa con ellos. en esos primeros años del jazz existieron también músicos blancos que sintieron sinceramente la música y se convirtieron en figuras respetadas por los músicos negros. la fotografía y el cine. de defensa y de economía. Entre ellos destacó Bix Beiderbecke. Y en los años veinte. constituyen el denominado «Tercer inundo». estableciendo así un precedente que pronto fue habitual. Los centros tradicionales de creatividad artística de Europa cedieron lugar a los de Estados Unidos. la OTAN (1949) el Pacto de Varsovia (1955) y la Comunidad Económica Europea (CEE.

música de masas. se produjo una reacción contra la excesiva complejidad de las vanguardias y un deseo general de recuperar !a comunicación con el público perdida durante los años anteriores. • Migraciones en masa: multiculturalidad. • Globalización. • Crisis del Estado de bienestar. • 1969: el hombre llega a la Luna» • Uso pacífico de la energía nuclear. melodía. Las artes • Crisis de las vanguardias. mientras compositores de gran talla vinculados con la tradición tonal continuaban desarrollando su obra. tales como ritmo. dispersión de tendencias. mediante la utilización de instrumentos novedosos o de nuevas formas de hacer sonar los instrumentos tradicionales. Aspectos musicales Corrientes musicales • Crisis de las vanguardias.cobra auge. • Pop rock: tendencias posteriores al punk. a escala internacional. • Utilizaron mayoritariamente en sus composiciones nuevos timbres y sonidos. • París. basado en los hallazgos de las décadas anteriores. Se entró en el mundo del sonido. Aspectos sociales y culturales • Prosperidad económica en Occidente. • Tradición clásica: minimalismo. por parte de cada compositor. produciéndose una ruptura violenta con el pasado que repercutió incluso en la grafía de la música. • Convivencia de la experimentación sonora con la música comercial. Desaparición de los regímenes comunistas del Este de Europa. citas. La música en la segunda mitad del siglo XX Después de la Segunda Guerra Mundial. Automatización de la producción. búsqueda de caminos personales. que desarrolló de un modo radical algunas de las posiciones estéticas atonales nacidas en las décadas anteriores. • Rock and roli y música pop. Pop art. A partir de los años 70. aleatoriedad. multiculturalidad. expresionismo abstracto. • El pop rock. Estos jóvenes vanguardistas se inclinaron por la experimentación sonora y el desarrollo de nuevas ideas musicales y compartieron una serie de características: • Consideraban anacrónicos la tonalidad y sus conceptos asociados.. • Europa pierde su preponderancia. Estados Unidos se convierte en la primera potencia mundial. surgió una nueva generación. cultura de masas. 103 . • Jazz moderno: be-bop y derivados. computadoras personales.. sin excluir la recuperación de la tonalidad como un recurso más a disposición del compositor. mayo del 68. de un lenguaje propio y personal.. • Informática. • 1989-1991: caída del muro de Berlín. música electroacústica. forma o armonía. La tendencia general fue la búsqueda. • Vanguardias: serialismo integral. Movimientos contraculturales.. • Jazz: dispersión de tendencias. • Búsqueda de lenguajes personales. jazz neoclásico. Principales características Después de 1945. • Sociedad de consumo. Desocupación. retroswing. • Jazz: fusión. se inició la búsqueda frenética de un nuevo lenguaje musical. • Aformalismo.

considerada su obra maestra. que compuso obras como Pájaros exóticos y Sinfonía de Turangalila. de modo que las intensidades. y el italiano Luigi Nono (1924-1990). en la que no hay lugar para el azar o las preferencias personales. aunque con un lenguaje indudablemente moderno. en sus múltiples modalidades. de carácter eminentemente urbano. autor de la obra más famosa y representativa de la escuela. el alemán Karlheinz Stockhausen (1928). Compositores de tradición tonal Entre los compositores de música clásica vinculados a Id tradición tonal. Corrientes de vanguardia Por su parte. entre otras. desarrolló a partir de los años 50 nuevas formas de jazz. al igual que la de Shostakovich. así como de Tercera sonata y Destellos. Britten es también autor de una Guía de orquesta para jóvenes. a esta corriente también se la ha denominado ultrarracionalismo. partiendo del dodecafonismo de la Escuela de Viena. que continúan produciendo obras de calidad en este período. ha alcanzado a un vasto público internacional en las últimas décadas. Pero los tres principales compositores de esta tendencia fueron el francés Pierre Boulez (1925). estas corrientes: El serialismo integral nació entre 1945 y 1960 en torno a los cursos de verano del Instituto Internacional de Música de Darmstadt. Por su rigurosidad científica. elaborada en suelo americano. Himnos y Jubileo. El martillo sin dueño. sino a todos los parámetros de la música. estudioso del canto de los pájaros y de la música hindú. destacando. Shostakovich desarrolló su trabajo bajo las directrices de un régimen soviético que censuró sus obras iniciales como «abstractas» para colmarlo de honores tras la Segunda Guerra Mundial. Los serialistas. de los que ya hemos tratado. de cuyas obras sobresalen Cantos de vida y amor y Bajo el sol cargado de amor. 104 . cuya obra incorpora elementos tradicionales y modernos y que. los timbres y las duraciones de los sonidos fueran también ordenados en series y aparecieran en la obra de un modo prefijado por la técnica compositiva. las tendencias de vanguardia se sucedieron a gran velocidad. vanos cuartetos y piezas sinfónicas como Sinfonía de primavera y Wor réquiem. aplicaron el concepto de serie no solo a las alturas. Mención especial merece el británico Benjamín Britten (1913-1976). las músicas populares latinoamericanas. citaremos al estadounidense Aaron Copland (1900-1990) y al ruso Dimitri Shostakovich (1906-1975).La música popular Junto a la música llamada «clásica». compuso también música electrónica. cobra en esta época cada vez mayor auge e influencia la música popular. Entre sus principales composiciones figuran las óperas Peter Grimes y Muerte en Venecia. Alemania. del que cabe resaltar las I I piezas para piano. De este modo se consigue una música «totalmente organizada». Como precedente de esta tendencia debe ser citado el francés Olivier Messiaen (1908-1992). y el pop y el rock en sus diversas variantes. La música popular urbana de la segunda mitad del siglo XX asimiló las formas y convenciones de la música afroamericana Esta mezcla de tradiciones africanas y europeas.

Los principales representantes de esta tendencia son el estadounidense John Cage (1912-1992). tornillos. gomas de borrar. El compositor Edgar Várese (1883-1965) escribió en 1931 Ionisation (Ionización). Fluorescencias. Stabat Mater.. Segundo sinfbnío. con múltiples posibilidades de interpretación.. surgida de laboratorios de sonido. buscando la simplicidad.SABÍAS QUE. y dos excepcionales compositores polacos. un piano normal entre cuyas cuerdas se introducen tenedores. con obras como Orfeo y La reina verde. En 1913 el pintor y músico Luigi Rússolo presentó los intona rumari. la primera obra de música clásica que utiliza solamente instrumentos de percusión y sirenas. mezclando ambos estilos. Entre sus principales representantes se cuentan los estadounidenses Steve Reich (1936) y Philip Glass (1937).. pinzas y otros objetos que cambian notablemente el timbre del instrumento. La música electroacústica utilizaba sonidos concretos y electrónicos. con obras como Metástasis. aunque pronto fue más habitual la combinación con instrumentos tradicionales. instrumentos para producir ruidos. ¿Crisis de las vanguardias Las tendencias vanguardistas entraron en crisis en torno a 1970. debe mencionarse también a uno de los compositores más celebrados de nuestro tiempo. Libro para orquesta y Concierto para violonchelo y orquesta. Una de estas tendencias fue el minimalismo.). sin excluir la intervención del azar. autor de Sinfonía para un hombre solo. palabras. entre cuyas obras citaremos El canto de los adolescentes. con su obra Imaginary Landscape nº 4. partía de grabaciones en cinta magnética de sonidos naturales o «concretos» (risas. pero sus ideas y hallazgos siguen marcando una parte considerable de la evolución musical hasta nuestros días. es decir. no producidos por instrumentos musicales. La tendencia estocástica o matemática crea su música con la ayuda de computadoras y basándose en la probabilidad "matemática. a la vez que innumerables niveles dinámicos. El impulsor de esta corriente fue el griego-francés lannis Xenakis (1922-2001). La música electrónica utilizaba solo sonidos producidos por aparatos que los sintetizaban y se elaboraba en laboratorios. el húngaro Gyórgy Ligeti (1923). La música concreta. autor de obras como Variaciones sinfónicas. produciendo así obras en las que cada audición es diferente de cualquier otra posible. Música fúnebre. entre cuyas obras podemos resaltar el Réquiem y San Francisco Polyphony. Ptihoprakto y Eonia Por su uso novedoso del concepto de textura. y Krzysztof Pendcrecki (1933). Witold Lutoslawski (1913-1994). ruidos. Practicaron esta música los compositores italianos Luciano Berio (1925) y Bruno Maderna (1920-1973). Trenos por Hiroshima y la ópera Los demonios de Loadun. es decir. nacido en los años 60. que utiliza como procedimientos la repetición prolongada de frases y la reducción extrema de los recursos musicales.. Los logros principales se produjeron en tomo al Estudio Electrónico de la Radio de Colonia y fueron aportados por Karlheinz Stockhausen. de quien cabe mencionar sus obras Pasión según San Lucas.Música y ruido El interés por los nuevos timbres y combinaciones de sonidos es una de las características de la música del siglo XX. Esta música proporciona una gran gama de frecuencias. Destacan en esta corriente los compositores franceses Pierre Schaeffer (1910-1995). El compositor pide al intérprete que improvise o decida entre varias opciones interpretativas. Esas grabaciones se manipulaban artísticamente para configurar nuevos mundos sonoros. Inicialmente. La música aleatoria supuso la oposición al serialismo integral porque creaba obras abiertas. La música minimalista o repetitiva es un estilo tonal. y Pierre Henry (1929). Y el compositor estadounidense John Cage (1912-1992) hizo célebre en los años 50 su música para piano preparado. estas tendencias prescindían de la figura del intérprete. 105 .

en la que el intérprete se expresa guiado por una serie de gráficos y símbolos. Free jazz. sociales y culturales Los soldados negros. como el rock y el hip-hop. Especie de jazz polifónico en la que se realizan numerosas imitaciones breves entre los diferentes instrumentos. en la que se adoptan algunas de las nuevas tendencias compositivas del siglo XX. dio origen a un nuevo estilo que se denominó be-bop. junto a la necesidad musical de un cambio de rumbo sentida por algunos músicos. el jazz llegó a zonas experimentales muy cercanas a las de la vanguardia de la música de concierto europea. El be-bop estaba ligado a movimientos artísticos e intelectuales y tenía una gran carga de protesta racial y social. A partir de los años 70 el jazz dejó de contar con una dirección dominante. que ya en las décadas anteriores habían visto cómo la fama y los beneficios generados por su música acababan favoreciendo a las grandes figuras blancas. Este desequilibrio dio a la población negra una nueva conciencia de su situación. como el swing y las big bands. un estilo elegante y lírico derivado del be-bop.  El jazz neoclásico de los años 80. fue inventado por un grupo de fazzistas de gran talento inspirados en un músico legendario. el trompetista Dizzy Gillespie y el pianista Thelonious Monk. La irrupción del pop rock en los años 60. Elaboración más refinada del be-bop. Durante esta época se llegó a considerar el jazz como la «música clásica negra». hizo que este perdiese su carácter de música popular. se encontraron a su regreso con un panorama de discriminación racial muy parecido al del período anterior a la guerra. A principios de los años 60. lo habían apartado de sus orígenes. el dixtetand y el bop. Aspectos musicales Los aspectos sociales resonados anteriormente. propio de los años 40. y muchas veces contaban con sueldos inferiores.Dentro de la música aleatoria se encuadra la música gráfica. Uso de la electrónica en el jazz. 1950-1960. que vuelve la mirada hacia las raíces pasadas. Cool jazz. Entre las principales tendencias que se cuentan desde entonces destacan:  La mezcla o fusión con músicas populares. Electric jazz. generalmente. el saxofonista Charlie Parker. Be-bop. los músicos negros no podían comer en los mismos restaurantes ni dormir en los mismos hoteles que sus compañeros blancos. El be-bop. para pasar a convertirse en música para una minoría cultivada. se daban a veces casos de segregación. Después de 1945 se crean nuevos estilos que pretenden volver a la espontaneidad inicial y al contenido de protesta racial. El jazz tras la Segunda Guerra Mundial Algunas formas del jazz. 1960-1970. Los años 50 estuvieron dominados por el cooí.  El regreso del swing y las big bands bajo el nombre de retroswing. procedentes de las big bands. que habían luchado en el frente con el mismo uniforme que los blancos durante la Segunda guerra Mundial. con el consiguiente cambio en los gustos juveniles y la propia evolución interna del jazz. Aspectos históricos. integradas por músicos blancos y negros. supuso una ruptura profunda con el sonido del jazz anterior. En las big bands. Musicalmente. Otras grandes figuras que cultivaron este estilo fueron. Jazz para pequeños grupos de músicos. Un caso particular de esa nueva conciencia se dio entre los músicos de jazz. Corrientes musicales 1940-1950. en los años 1970 hasta la actualidad. entre otros. Los músicos que despuntaron durante estos años fueron el trompetista Miles Davis y el saxofonista John Coltrane. 106 .

como base. dio lugar a diversos estilos musicales hasta el presente. Con él. cuando apareció el rock. a 600 millones en 1959 y a 2. el 29 de mayo de 1913 en París se convirtió en uno de los escándalos más sonados en toda la historia de la música. de pie sobre una silla entre bambalinas. la música popular urbana protagonizó un proceso de crecimiento que se inició con el rock and roll. tanto de los instrumentos como de la voz. Características del pop rock Sin embargo. comprometiéndose con el profundo cambio de mentalidad y valores de las décadas de 1950 y 1960. A principios de la década de 1970 apareció una distinción importante entre rock y pop. por último. el pop rock está estrechamente unido a los avances tecnológicos de cada momento: sintetizadores. Una señora abofeteó a un joven que silbaba. según los criterios de cada intérprete o grupo. El público no estaba preparado para tanta disonancia y casi desde el comienzo de la música estallaron risas. lo que provocó que el joven y el acompañante de dicha señora se desafiaran a un duelo. pedaleras para la guitarra eléctrica. Hoy día.UN ESTRENO SONADO El estreno del ballet La consagración de la primavera. Aspectos sociales y culturales El éxito de la música rock está relacionado con los siguientes factores sociales y culturales:  La expansión de la economía de consumo en los países occidentales. 107 . Las ventas de discos en los Estados Unidos subieron de 277 millones de dólares en 1955. a través del micrófono.  El aumento de la capacidad adquisitiva de los adolescentes y su conversión en un grupo social con características propias. Corrientes musicales El rock nació a mediados de los años 50 en Estados Unidos como resultado de la mezcla de country. todos los estilos y corrientes englobados en la expresión pop rock presentan características comunes como estas:  La instrumentación. gritaba números a los bailarines que estaban en escena para que pudieran interpretar la coreografía porque. un bajo eléctrico y una batería. mientras que el pop se orientaba hacia el consumo. una forma de blues negro de las grandes ciudades del norte. la música de los campesinos blancos. dos guitarras eléctricas (rítmica y solista). no se podía oír la música. La Consagración de la Primavera está considerada como una de las obras musicales clave de nuestro siglo. La música pop rock En la década de 1950. del compositor ruso Igor Stravinsky. Este rock inicial se conoce como rockabilly y tuvo en Elvis Presley a su primera gran estrella. el pop rock se basa en el sonido que proporcionan. A esta formación básica se añaden otros instrumentos. etc. dada la algarabía general. la sala estalló en un violento enfrentamiento entre defensores y detractores de aquella música. El empresario ordenó a los electricistas que encendieran y apagaran las luces del teatro en un esfuerzo por restablecer el orden. Pronto se oyeron silbidos y gritos y. surgido en Estados Unidos. El rock and roll. y el rhythm and blues. Además.  El desarrollo de los medios de comunicación. en su evolución. el coreógrafo. el rock se introdujo en Europa. cajas de ritmos. que adoptó el rock como cauce de expresión de sus actitudes y valores. Nijinsky.000 millones en 1973. El rock aspiraba a la «autenticidad».  La electrificación.

reggae. al estilo de Pink Floyd. como Carole King. la new age. que podría definirse como un intento de la música negra por recuperar el liderazgo en la música popular.000. Nuevas tecnologías musicales Desde mediados del siglo XX. También pertenecen a esta etapa cantautores. cuando parecía que el rock iniciaba su declive. es ineludible la mención de Michael Jackson. De la combinación de rock y música latina nació la salsa. En cuanto a las estrellas mimadas de la industria discográfica.000 y 1.000 copias de un disco y un disco de platino cuando se venden 100. en Estados Unidos. el mercado más grande del mundo. Discos de oro La industria discográfica suele otorgar un disco de oro al artista que vende 50. tiene su principal representante en Otis Redding. A comienzos de los años 60. Bob Dylan es el mejor representante del folk-rock. el tecno de grupos como Prodigy. Muy pocos artistas han conseguido alcanzar el millón de copias vendidas de un disco. que mezcla el pop con los instrumentos y el clima de la música clásica. como Jim Morrison. nuevas etiquetas como rock alternativo y grunge (Nirvana) parecen dominar la escena de la música popular a comienzos de esta década. figuras inclasificables. ritmo e imagen que prendió en la juventud de la mano de The Beatles. la música cinematografía o la música publicitaria. punk. con Raíces. Julio Iglesias. manifestación de la música negra. Spice Girls. Sintetizadores La música electrónica ocupa desde la década de 1960 un lugar de creciente importancia en el desarrollo de la música pop. En Estados Unidos.PARA SABER MÁS. en la que se prescinde de la melodía cantada a favor del ritmo puro. llegó desde Inglaterra una revitalización de su espíritu de protesta. que pretendió superar la formación típica del rock para añadir instrumentos clásicos e incluso orquestas sinfónicas.000 de copias. En los años 90 continúan su trabajo algunos estilos nacidos en la década anterior. Madonna y Prince. Una tendencia importante fue el rock sinfónico. A comienzos de los años 80 el pop pareció perder vitalidad. y tendencias como el sonido discoteca.000.000. representados respectivamente por The Pólice y Depeche Mode. que vendió 40. con letras de un fuerte contenido de protesta racial. que introdujeron el vídeo-clip como fórmula habitual de presentación de las canciones.000 de copias respectivamente para obtener los mismos premios. Frank Zappa y David Bowie. Janis Joplin y Eric Clapton mezclaron el rock con el blues. de Michael Jackson. con Mi tierra. más recientemente. de Bob Dylan y otros grupos. El disco más vendido en la historia de la industria discográfica es Thriller. El soul. Es característica de esta época la incorporación de la tecnología electrónica e informática en las creaciones de estilos como la new wave y el tecno. The Rolling Stones y. Por música electrónica se entiende la que es producida con ayuda de instrumentos electrónicos como el sintetizador o. como Deep Purple y Led Zeppelm. la electrónica y la informática han influido de manera creciente en la evolución no solo de la música popular y del cine. la música étnica o world music. con Spice. Durante la década de los años 70 el pop rock se diversificó en una multitud de estilos. y Alejandro Sanz. y. ya sea diseñando sonidos nuevos y originales o bien imitando el sonido de los instrumentos tradicionales. En la actualidad ha cobrado extraordinario auge y son muchos los artistas que se dedican en exclusiva a este género. 108 . que intenta la fusión musical de distintas culturas. actualmente tan en boga. Algunos de los que lo han logrado son: Gloria Estefan. También en estos años alcanza difusión el rap. más propiamente encuadradas en la gran corriente pop rock. la computadora. con Más. sino también de la música clásica de vanguardia. es necesario vender 500. Un sintetizador es un aparato electrónico en el que se pueden programar por separado los distintos parámetros del sonido para combinarlos como se desee. representantes del hard rock. De su mezcla con el jazz surgió el jazz-rock o fussion: intérpretes como jimi Hendrix.

Secuenciadores. Pero. nuevos avances técnicos permitieron que I os sintetizadores incluyeran muestras digitales de una vanada gama de sonidos e instrumentos tradicionales. etc. cuando los fabricantes de instrumentos musicales electrónicos comprendieron que las computadoras eran un fantástico complemento para sus aparatos. También podemos encontrar prácticamente cualquier composición musical que se nos ocurra en formato MIDI. en la primera pista podemos grabar una melodía interpretada. imitaciones muy aceptables del sonido. Su nombre deriva de la palabra inglesa sample. la red informática mundial a la que puede conectarse cualquier computadora personal. proceden de uno o varios sintetizadores manejados por una sola persona. ofreciendo en los años posteriores aparatos cada vez más asequibles y de más sencillo manejo. La importancia del protocolo MIDI para el mundo musical aumentó enormemente en los años siguientes.El uso de sintetizadores se inició en la década de 1950 entre los miembros de la vanguardia musical posterior a la Segunda Guerra Mundial. Esto permite al músico producir. que significa «muestra». Todos estos instrumentos. comunicarse entre sí. Editores de partituras Un secuenciador es un programa informático que permite a la computadora grabar. una imitación casi perfecta del sonido de cualquier instrumento tradicional.. presentando la música completa. Hoy día. exigía estudios de gran coste a disposición del compositor y una considerable especialización. del Musical Instrument Digital Interface. SABÍAS QUE. de una flauta o un conjunto de violines simplemente apretando un botón. por ejemplo. La música grabada pista a pista en un secuenciador se puede editar y corregir de múltiples maneras. En la década de 1960. de gran complejidad técnica. la música pop y el cine descubrieron que la electrónica y el estudio de grabación permitieron la utilización de sonidos interesantes para sus propósitos. incluso de compañías diferentes. el secuenciador hace oír los dieciséis canales simultáneamente. pero esta tarea. violines. Esto generó una demanda de la que los fabricantes se hicieron pronto eco. Con un sampler se puede conseguir.. 109 . podemos hoy día instalar nuestra música electrónica y someterla al juicio de millones de personas. naturalmente. reproducir y editar información generada vía MIDI por un sintetizados formando una orquesta electrónica. en 1983. En la segunda grabamos un piano. MIDI. procesarlo y utilizarlo como un timbre más a disposición del músico. que son en realidad sintetizadores que permiten la inclusión de sonidos y música en los programas informáticos. partiendo de una muestra. samplers y tarjetas de sonido A principios de la década de 1980. dado que ambos podían comunicarse mediante el lenguaje MIDI. Informática musical Uno de los hechos fundamentales en el desarrollo de la tecnología electrónica al servicio de la música fue la presentación. Con el secuenciador es posible grabar dieciséis pistas. con un sintetizador. Vendría a ser una especie de estudio de grabación en miniatura. Los compositores se interesaron seriamente por las posibilidades de manipulación artística que permitía la electrónica. En Internet. o de tarjetas de sonido para computadora. de modo que en cada una de ellas almacenamos un timbre o instrumento diferente. Como en un estudio de grabación. MIDI. un protocolo o código de comunicación que permitía a los instrumentos musicales electrónicos. Terminado el proceso. estos aparatos permiten tomar muestras de cualquier otro tipo de sonido. Los samplers son otro resultado del desarrollo tecnológico de los sintetizadores. además. por ejemplo.Internet El futuro de la música es imprevisible. ron el desarrollo de la música concreta y la electrónica. por una flauta. los sintetizadores forman parte de nuestra vida cotidiana. en la tercera. ya sea en la forma popular de teclados electrónicos de uso doméstico. Sintetizadores digitales.

una limitación establecida por el disco de 78 rpm. Los autores se esforzaban por componer canciones que complacieran al público y ya entonces se empezaban a establecer fórmulas para dar con la canción de éxito. por tanto. sino por prácticamente todas las computadoras que tengan instalada una tarjeta de sonido. vista la creciente aceptación de éstos entre los consumidores. efectos sonoros. Se asumía ya que cierta progresión de acordes podía crear un efecto determinado en el público: por ejemplo. Ya tenemos dos de los rasgos característicos de la canción pop: la adecuación a los gustos del mercado y la brevedad. "Anything Goes" o "Love for Sale". logrando una gran penetración en la sociedad norteamericana. La creciente comercialización de la música exigía a los autores ampliar su público potencial y éste fue el motivo de que empezaran a adaptar los estilos genuinamente americanos a su música. la caducidad. sin tener que esperar a que una orquesta humana la intérprete. también lo fueron de soberbios intérpretes. tendencias y actitudes contemporáneas determinando. se puede afirmar que Crosby inventó el pop moderno. Gracias a la computadora. probando combinaciones instrumentales. 110 . una caducidad inminente. así como imprimir copias o separar las distintas partes a conveniencia. es posible crear música con la ayuda de un secuenciador y usar la secuencia MIDI resultante como punto de partida para completar o corregir informáticamente la partitura con un programa editor. en formato MIDI. Si éstos fueron años de excelentes compositores. el tiempo estimado como óptimo por las emisoras de radio y. Nombres como Dinah Washington o Mahalia Jackson empiezan a ser conocidos por el gran público. Durante ese período. Oscar Hammerstein. Con su voz casual y ligeramente ronca acentuada por el micrófono regulable que solía utilizar. Influenciado por el vodevil de Al Johnson y el jazz de Louis Armstrong. La duración de la canción también jugaba un papel importante en su éxito potencial La creciente importancia de la radio como forma de promoción para las canciones hizo que los autores fabricaran sus composiciones "a medida" para ella. que no ofrecía calidad de sonido suficiente si la canción tenía mayor duración. etc. LA REVOLUCIÓN MUSICAL DE LOS AÑOS CINCUENTA: EL ROCK & ROLL Y LA MÚSICA POP INTRODUCCIÓN En los años treinta la música popular era considerada tanto una industria como una parte del tejido social. Dick Haymes o el más popular de la época. y también los de grandes vocalistas de jazz como Ella Fitzgerald y Billie Holiday. El mercado comenzó a exigir al compositor una gran versatilidad. las canciones son diseñadas para reflejar los modos. introduciremos un tercero. Otros programas informáticos ayudan hoy día al músico a escribir e imprimir partituras. este cantante creó un estilo de vocalista melódico que sería copiado hasta la saciedad. Bing Crosby. si se disminuían las quintas y los tonos menores. con calidad de imprenta. Por último. estilos en los que aparecieron algunos de los mayores estilistas vocales del siglo. A la presión del propio mercado hubo que sumarle la de una industria cinematográfica que veía en el musical un formato de éxito garantizado.. incluso hasta nuestros días. puede ser leída no solo por otros equipos profesionales. la industria del entretenimiento sufrió una serie de drásticos cambios en los que jugó un papel fundamental la aparición del cine sonoro. en particular de jazz y gospel. A partir de la década de los treinta. Jerome Kern y Cole Porter crean en estos años algunos clásicos de la música popular como "Ol' Man River". El swing también aportó grandes vocalistas como Frank Sinatra. se producía una sensación de nostalgia en el oyente. Las transformaciones sufridas por la canción popular en esta época determinaran para siempre algunos de los rasgos que han caracterizado a la canción pop. así mismo.La secuencia o archivo informático final. Un solo músico consigue así simulaciones orquestales muy convincentes de sus propias obras sin salir de su propio estudio casero. quizás por ello los años comprendidos entre el final de la Primera Guerra Mundial y el comienzo de la Segunda estén considerados como la época dorada de los compositores. Ninguna canción debía exceder los tres minutos de duración.

como una exigencia de ruptura con los géneros musicales anteriores. interesadas en presentar al público una vertiginosa sucesión de nuevas modalidades. destaca una base rítmica dominante. de tono áspero. representantes del puritanismo y el conformismo de la sociedad estadounidense. Muy pronto. Lejos de la creatividad inicial. la música anglosajona derivaba ya hacia otras modalidades. constituía una evolución de las raíces de la música popular. Un tempo enérgico y dinámico. tanto negra como blanca. Aún así. 111 . se caía en formas repetitivas carentes de originalidad. su estructura básica está constituida por el blues de doce compases. causaría el entusiasmo del público. el término "rock & roll" se aplicó de manera genérica al conjunto de la música popular de finales de los cincuenta y pasó a designar. Sus antecedentes más directos hay que buscarlos en el jazz. cuyo chirriante sonido. lo que desencadenó la frontal oposición de las grandes compañías. cuya difusión por todo el mundo. a la que no fue ajena la extensión de un baile cuya base era el blues ritmicizado: el twist. Fue patrimonio de una juventud que. en los ritmos africanos trasplantados a los Estados Unidos por los esclavos y posteriormente desarrollados en las comunidades negras: el blues y el gospel. que habría de convertirse en emblema de la joven música.y el bajo marcan con intensidad el comienzo de cada compás de 4/4. que rechazaron en un principio el rock & roll por amoral y obsceno. Nueva Orleans y Chicago. Junto a las guitarras eléctricas. En 1960 los pioneros habían quemado prácticamente sus carreras. una forma de blues rítmico. Su público estaba compuesto mayoritariamente por adolescentes que reivindicaron sus inquietudes y sus aspiraciones con la ayuda del nuevo género. surgieron grupos cuyos estilos partieron del rock & roll básico. la guitarra eléctrica. que incorporan términos del argot juvenil y están frecuentemente relacionados con el tema del sexo y el mundo de los adolescentes. no quería parecerse a sus mayores. en torno a la cual se realizan variaciones.A comienzos de la década de los cincuenta se produjo en Estados Unidos el surgimiento de una nueva modalidad de música popular: el rock & roll. Las primeras grabaciones se realizaron en las pequeñas casas discográficas de Memphis. por sus referencias demasiado explícitas a la sexualidad -se consideraba que los intérpretes imitaban el acto sexual con sus contoneos en el escenario. asimismo. con sonoridades duras e intensas. Otros. Muchos de los pequeños sellos de grabación que alentaron el surgimiento del género antes de ser absorbidos por las grandes empresas. prácticamente gritando. marginadas del negocio. la batería -que pasó a desempeñar un papel preponderante. Al mismo tiempo. como los Platters. por primera vez en la historia. silabeando como en el blues. en realidad. expresión que podría traducirse por "contonearse y rodar". El rock & roll se convirtió pronto en la síntesis de una forma de vida. un estilo afín pero diferente. En Estados Unidos destacaron los Beach Boys y en Gran Bretaña los Beatles. El rock & roll nació como música claramente generacional. La juventud estadounidense encontró un cauce de expresión adecuado a sus necesidades en un sonido frenético y estridente que. breve pero espectacular. además de piezas que merecerían estrictamente tal calificativo. iniciaron una etapa de decadencia sin retorno. La estrategia comercial de las casas discográficas. y un estilo vocal estridente. Paul Anka. encontró en los medios de comunicación de masas su principal aliado. a principios de la nueva década el fenómeno experimentó una breve revitalización. características básicas del género. canciones de artistas blancos del ámbito urbano (Pat Boone. expresamente distorsionado y sobreamplificado. cuyo nombre está unido al del vocalista de color Chubby Checker. Frankie Avalon) y todo un cúmulo de creaciones enormemente variadas. donde el piano. La voz solista suele interpretar los textos. temas sentimentales interpretados por bandas de vocalistas negros. El rock & roll es. como Elvis Presley. constituyen. que habrían de cristalizar en el rock. contribuyó decisivamente a la decadencia del rock & roll. Con todo. los Rolling Stones y los Who. exploraban caminos diferentes. Una percusión obsesiva y secciones de viento de intensidad deslumbrantes acompañaban a un instrumento relativamente nuevo -había sido utilizado por vez primera a finales de los años treinta-. al mismo tiempo.

lo más preciso sería emplazarla en el momento en que por primera vez se produjo la popularidad masiva de cualquier tipo de música. El pop se ha convertido en una banda sonora común para nuestras vidas y. los años de la Depresión en los Estados Unidos. disponible o contemporánea. podemos afirmar que el nacimiento de la música popular tuvo lugar a finales del siglo XIX. la Guerra de Vietnam. al igual que lo fueron las pianolas con sus rollos perforados.El término "pop". incluso un poco antes con la aparición del rock & roll. podemos fijar cronológicamente la aparición de la música popular en el momento en que la música se hace. Le siguen Francia e Italia. reflejar la realidad social en la que se desarrolló de forma mucho más cercana y real de lo que fue capaz nunca la música "culta". grabados y luego tratados. con las técnicas de edición utilizadas en el proceso de grabación. Siguiendo este planteamiento. sobre todo. una experiencia limitada por condicionamientos espacio-temporales. esta venta masiva de partituras sí fue un punto de partida para la comercialización de la música. se ha intentado definir de distintas formas a lo largo de los años. Anton Webern explora los intervalos. Basándose en la obra de Cage. la atonalidad. que una misma pieza fuera escuchada por millones de personas. Paralelamente a esta transformación en el proceso creativo. que permitió a nuevos estratos sociales disfrutar de sus piezas favoritas en su propia casa. De esta manera nacieron las canciones de éxito. al igual que las canciones populares trasmitidas oralmente de generación en generación por los trovadores de siglos pasados. No obstante. las reivindicaciones sociales o los distintos movimientos políticos surgidos a lo largo del siglo. popular. el estado de ánimo de varias generaciones marcadas por acontecimientos históricos fundamentales como las dos guerras mundiales. Edgard Varèse explora las posibilidades de la percusión y John Cage introduce elementos antes impensables en la composición. un invento que hizo posible. aunque su mejor definición es aquella que deriva de su propio origen: popular. por tanto. al menos en teoría. las diversas crisis económicas. las canciones populares. Pasada la Segunda Guerra Mundial. se desarrollan los instrumentos necesarios para permitir al compositor generar esas nuevas formas de sonido. Hasta entonces. donde se funda el Instituto de Fonología de la Radio de Milán. el collage de distintos elementos y sonidos e incluso de la música concreta. Charles Ives se revela como un precedente de las tendencias que surgirán luego: la politonalidad. estructura la dodecafonía y da forma a esta nueva estructura tonal con el serialismo. que permitían que el oyente reprodujera la música sin tener que interpretarla al piano. LA MÚSICA ELECTRÓNICA EN LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX En las primeras décadas del siglo XX se dan los primeros pasos para la investigación de nuevos campos sonoros y la obra de Debussy y Mahler preludia la desaparición del tradicional sistema tonal. los nuevos medios técnicos hacen posible que todos los cambios anteriores se sinteticen y tomen forma definitiva. La música pop ha conseguido algo muy importante. existe una relación bilateral entre la música de la gente y la propia gente. Por su parte. 112 . La revolución electrónica es ya una realidad y en 1950 se crea en la Radio de Colonia el primer estudio de música electrónica. con un criterio musical. Schönberg independiza los sonidos. las disonancias y los grados de tensión. la música popular ha reflejado el devenir de la sociedad occidental a lo largo del siglo XX y. El proceso de popularización de la música había comenzado ya con la aparición del piano vertical. utilizando expresiones como inmediata. el francés Pierre Schaeffer crea la "música concreta". eso sí. Si bien el profano tiende a situar el momento del nacimiento del pop en la explosión beat de los años sesenta asociándolo con grupos como Beatles o. con la aparición del gramófono. la comunicación y la dinámica comercial de la cultura occidental y. con ciertas limitaciones: no todos poseían la formación musical necesaria para leer las partituras. Aunque imperfecta. El pop ha estado siempre dirigido por la tecnología de masas. aunque parezca reiterativo. Y ese momento viene determinado por la invención del gramófono o fonógrafo. por su parte. en la que las notas musicales son sustituidas por objetos sonoros tomados del medio ambiente. la experiencia musical se reducía a la interpretación en vivo de una pieza ante un público presente.

Este fenómeno no se puede explicar sin hacer una breve referencia al movimiento punk. estos nuevos instrumentos resultaban demasiado complicados de utilizar y demasiado caros como para ser utilizados por cualquier músico. de una complejidad técnica tan grande que sólo podían ser utilizados por músicos de formación clásica. de quien ya se habló al tratar las NUEVAS PERSPECTIVAS DESDE 1945 HASTA LA ACTUALIDAD. Alpha 77. permitiendo a músicos menos experimentados explorar los nuevos sonidos. Uno de los primeros discos que aparecieron en el mercado con los nuevos sonidos fue el single "I Love You Baby" (1975) de Donna Summer. herederos directos de los principales grupos del rock alemán como Can. el EMS. En la década de los sesenta LaMonte Young. Es la popularización de los sintetizadores la que afecta de sobremanera el curso de la evolución musical de los años ochenta. Lo hizo con dos discos fundamentales para finales de la década de los setenta. La revolución electrónica es ya una realidad y se ve impulsada por la obra de Stockhausen. seguidor del minimalismo del compositor de vanguardia John Cage y responsable de una de las numerosas direcciones de la música electrónica. 113 . Posteriormente se inventa el theremin (1920). se acostumbra a bailar al son de ritmos generados por las cajas de ritmos. Por otra. propugna el "sonido único": las modulaciones alrededor de un sonido único y prolongado.Nada más comenzar el siglo se crea el telharmonium. ambos de David Bowie. el Hammond (1935). fue uno de los primeros productores en aplicar las nuevas tecnologías en el estudio de grabación. Esta nueva generación de sintetizadores viene a sustituir a los complicados instrumentos anteriores. que invita al oyente a entrar en el sonido y reaccionar ante la aparente y estudiada monotonía de las ondas. grupos de rock sinfónico como Yes o del soul más avanzado como Motown. Otro invento que incide de manera determinante en todo este proceso es la invención de la cinta magnética por la empresa alemana AEG en 1932. también había significado una revolución en el terreno musical. En ellos. el transmisor de Lilienfield. creó su propio estilo a través de las "reiteraciones evolutivas" de bucles sonoros que se repetían una y otra vez. etc. el ambient. Heroes y The Lodger (1977 y 1978. Davoli. antiguo componente de Roxy Music. La suya era una música de ritmo interno que utilizaba la repetición escalonada para llegar a un estado final de "encantamiento" que fue copiada por numerosos grupos de rock y pop. el novachord (1939) y la computadora digital (1946). que permiten a los jóvenes músicos basar sus grupos enteramente en ellos. La auténtica revolución del sonido tecno la protagonizaron los sintetizadores y aparatos de percusión electrónica que fueron sustituyendo a los instrumentos convencionales. tanto económica como técnicamente. Brian Eno. Riley. influido por las obras de Cage. respectivamente). Los avances tecnológicos se suceden a lo largo de las décadas y comienzan a aparecer los primeros sintetizadores comerciales como el Moog con sus diversas variantes. sin ser consciente de ello. El hipnótico ritmo de esta canción demostró las posibilidades de los sintetizadores y las cajas de ritmos y abrió un nuevo camino para la música de baile. En un principio. liderado por Stevie Wonder. Si bien el punk tenía un claro trasfondo social y se había gestado entre una juventud desencantada por el paro que terminó gritando a la sociedad "no hay futuro para nosotros". Con el tiempo. así que quedaban reservados para los estudios y los ingenieros de sonido. El pionero de este sonido es el productor Giorgio Moroder y la artista más popular la cantante norteamericana Donna Summer. otro gran exponente de la música electrónica. sentando las bases para la música disco. empezaron a incorporarlos a sus composiciones. se empiezan a comercializar sintetizadores más asequibles. Esta evolución se desarrolla por diferentes vías: por una parte. Kraftwerk o Tangerine Dream. la música disco europea bajo la etiqueta sonido Munich acerca los nuevos sonidos al público general que. precursor del órgano Hammond. trató de crear un ambiente postindustrial que no haría sino presagiar lo que sería una corriente musical predominante en los años ochenta. EL TECNO El tecno se inició a principios de los años setenta con los grupos de rock progresivo. el ARP.

(Véase LA MÚSICA DISCO Y LA MÚSICA HOUSE). especialmente norteamericanos.Había sido una auténtica reacción contra los grandes grupos de los setenta. como el legendario Bob Marley. a lo largo de varias décadas. la música tecno evoluciona hacia nuevas formas a finales de la década de los ochenta y principios de los noventa. que. etc. discográficas. en los años setenta. o los de los diversos movimientos de la canción popular política que aparecieron. Si bien es cierto que algunos músicos reggae han tenido. se hicieron versiones de las obras de Machado. 114 . Tangerine Dream y Kraftwerk vuelven a convertirse en referencias indispensables para una generación de músicos que hace música para bailar. en los años sesenta. y que fue anteriormente llamada bluebeat o ska. los primeros cantautores fueron los de la nova cançó catalana. En España. En esa época. Heaven 17 o Human League ocupando los primeros puestos de las listas de éxito. el gran público. productores. proviene de la chanson francesa. este estilo de música jamaicano ejerció un poderoso influjo sobre músicos de otras partes del mundo. a pesar de despreciarlo. Una vez absorbido el fenómeno tecno-pop. de la sociedad de su tiempo. El reggae se escuchó por primera vez en el Reino Unido durante los años cincuenta. por lo que está claro que el sentido de la definición es mucho más restringido de lo que parece. François Villon y otros muchos poetas vieron sus composiciones reflejadas en canciones de Ferré o Brassens. Y ése es el momento en que la música electrónica o tecno llega al gran público y se convierte en un sonido ampliamente aceptado por todos los actores del mundo de la música: músicos. sobre todo. El punk revitalizó el espíritu inicial del rock & roll. alterando los textos de viejas baladas tradicionales. esos grupos cultos e intelectuales que habían dominado la escena musical bajo la etiqueta rock sinfónico. a finales de los años sesenta y principios de los setenta. época de un importante movimiento migratorio de trabajadores jamaicanos a ese país. El motivo central de las composiciones es el ritmo y de esta manera nace la música house y. Sin embargo. sí. La tradición de poner música a los poetas. el concepto de cantautor parece derivar del trabajo emprendido por los cantantes franceses desde principios del siglo XX y de los folksingers anglosajones. desde luego. destacan Neruda. quedaban claramente excluidos de esta categoría determinados músicos cuyas creaciones eran demasiado comerciales o poco comprometidas. los grupos adoptan los nuevos instrumentos electrónicos para hacer también su pequeña revolución: canciones pop. la influencia del reggae no ha sido del todo reconocida. y de los españoles. el término "reggae" se implantaría más tarde. tanto negros como blancos. Orchestral Manouvres in the Dark. y demostró que cualquiera podía subirse a un escenario y tocar. tan característica de los cantautores hispanos. No obstante. un éxito comercial respetable y que algunos de sus máximos exponentes se han convertido en protagonistas indiscutibles de la historia de la música. En ese entorno de reivindicación de la música joven. LOS CANTAUTORES La palabra "cantautor" empezó a acuñarse en España. León Felipe. Nicolás Guillén. hicieron una crónica. Entre los poetas americanos escogidos. entre satírica y contestataria. y ha sido uno de los cimientos sobre los que se han construido géneros actuales como el rap o el jungle. A pesar de la gran cantidad de adeptos a esta música que hay en todo el mundo. pero con un sonido completamente iconoclasta. Alberti. para definir a un tipo de artista que escribía y cantaba sus canciones. La década de los ochenta se inaugura con grupos de tecno-pop como Depeche Mode. José Martí o Benedetti. Baudelaire. con ella. la dance. esa manifestación musical recibía el nombre de bluebeat o ska. EL REGGAE Con el término "reggae" se da nombre a una corriente musical afrocaribeña que nació en Jamaica. una cultura completamente nueva. lo cierto es que es un género que no ha obtenido el reconocimiento suficiente por parte de la crítica musical como tampoco ha merecido una atención suficiente por parte de los estudiosos de la música. En principio. medios de comunicación y.

The Specials y The Selecter. además de seguir despertando el interés de muchos músicos de todo el mundo. una minoría de la población blanca entró en contacto con una música rítmica y alegre que pronto despertó el interés de un sector del público especializado. donde entró en contacto con nuevas técnicas de grabación que luego. Tras el primer éxito del sello. el reggae y su forma anterior. curiosamente con cierta afinidad con el movimiento punk. El reggae iba ganando adeptos tanto en el Reino Unido y cantantes como Dennis Brown y Gregory Isaacs empezaron a llamar la atención con grupos como The Wailers y Toots & The Maytals. interpretado por el grupo británico Madness. A partir de ese momento. este estilo de música pervive en grupos como Dreadzone (antes Big Audio Dynamite). también introdujo a oyentes profanos al sonido del ska. El rastafarismo empezó a ampliar su contenido y. "Freedom" de Clancy Eccles. y. un auténtico himno rastafari. En la década de los sesenta. The Abyssinians: Este trío vocal fue el responsable de definir las variaciones de raíces africanas de los grupos vocales de finales de los sesenta. al que se atribuye la creación de la música dub. En tan sólo dos años. que ampliaría su catálogo con Jimmy Cliff. pasaron por el estudio de Codd músicos como Lee Perry y Prince Buster. Codd trabajó en los Estados Unidos. y "The Harder They Come". en el Reino Unido empezarían a ser conocidos músicos como Coxsone Codd. a su trasfondo religioso. Lee Perry fundó su propio sello discográfico en 1968. que más tarde crearía el sello discográfico Island. se revelan como una de las principales influencias de la nueva música británica. interpretado por Desmond Dekker. Studio One pasaría a ser propiedad de una compañía inglesa. trabajó con Marley y colaboró con U-Roy y Big Youth. que influiría a principios de la década de los ochenta a grupos de gran éxito comercial como Madness o The Specials. Upsetter. como demuestra el hecho de que Perry colaborara en un tema de The Clash. como el mítico carnaval jamaicano del barrio londinense de Notting Hill Gate. el término "ska" fue sustituido por el de "reggae". Posteriormente. alcanzando el éxito comercial en los años ochenta con "Chasing the Breeze". y sus letras sobre el regreso a un paraíso africano se apoyaban.Los inmigrantes jamaicanos llevaron consigo sus tradiciones musicales y en aquellos barrios de las grandes ciudades británicas donde se asentaron. "Complete Control". de manera consciente. El primer sencillo de este grupo fue "Satta Massagana" (1969). figura fundamental de la música jamaicana e impulsor de muchos nuevos artistas que serían conocidos a nivel internacional. se le añadió un sentido filosófico y artístico. Trojan. un compositor clave de la música jamaicana y autor de "You Can Get It if You Really Want It". 115 . Codd grabó algunos de los primeros temas de Bob Marley & The Wailers. como la tendencia representada por Madness. representantes del rastafarismo como Burning Spear se convirtieron en símbolos de la juventud. Gracias a la exportación de sus discos. Alejándose de las estructuras de la música soul norteamericana. A finales de la década de los setenta. The Abyssinians aportaron a su música una nueva espiritualidad. y Perry fue uno de los principales impulsores de este cambio. El nombre que habían elegido dejaba claro que se inspiraban en la religión jamaicana. En los años ochenta aparece el ragga. a su vuelta a Jamaica. La importancia de Perry en la expansión del reggae es enorme. el ska. De esa manera. La celebración de festivales de música y danza jamaicanas. el rastafarismo. una mezcla de reggae y rap. De esta manera. Studio One. el empresario Chris Blackwell. Aswad: Su nombre significa 'negro' en el argot jamaicano y ha sido uno de los grupos más importantes de la escena reggae británica desde mediados de los setenta. sobre unas melodías estructuradas sobre acordes menores que miraban más a Oriente que a Occidente. En este momento. con su sello publicó casi un centenar de discos desde su fundación hasta 1974. crearon sus propios locales de reunión en los que se tocaba su música tradicional. UB40. utilizó para crear un sistema de sonido propio con el que grabó a músicos locales que luego editaría en su propio sello discográfico. precursores del rap y con King Tubby. The Vikings y Alton Ellis. empezó a importar discos de Jamaica para venderlos en tiendas especializadas. en los noventa.

Al analizar los discos que grabaron a lo largo de sus catorce años de carrera (el grupo se disolvió en 1990). sin embargo. impresiona su capacidad como instrumentistas. sus elaborados ritmos y unas de las voces más bellas del sonido reggae. George Oban.Formado en 1975 en un barrio del oeste de Londres. al final de esta década. La Música Disco y la Música House La música de baile es una de las tendencias más representativas de las últimas décadas del siglo XX. Aswad se resistía a encasillarse en un solo estilo y siguieron evolucionando: de unos comienzos claramente influidos por el sonido de los Wailers. Musicalmente. a un planteamiento mucho más pop de su música. tanto el disco como el house o el dance han acercado al público nuevos sonidos y formas interpretativas que han abierto camino para géneros musicales que antes hubiesen sido relegados a los ambientes marginales o etiquetados bajo "alternativos" y que. ahora conviven junto a sus variantes más comerciales. Tony "Gad" Robinson y Angus "Drummie Zeb" Gaye. por las influencias rock y ritmos bailables a principios de los ochenta y. que encontró en la música bailable una forma efectiva de hacerse un hueco en la sociedad. su núcleo estaba formado por Brinsley "Dan" Forde. haciendo de los clubes donde se escucha este tipo de música el centro de la vida social de las nuevas generaciones. En la actualidad. la música dance y todas sus variantes (house. jungle o drum'n bass) no sólo han alcanzado un gran éxito comercial sino que han variado de forma rotunda los comportamientos de los jóvenes. 116 . pasaron a una reivindicación más militante de sus raíces africanas desde finales de los setenta. Dicha revolución tiene sus orígenes en el nacimiento de la música disco a mediados de los setenta y en la cultura gay de finales de esa década.

violín y arpa. flamencos. Luego. LA MÚSICA DESPÚES DE LA COLONIA: Se refiere a la llegada de los españoles en 1536 y junto con ellos alemanes. su música e instrumento. lo que dió un sello inconfundible a la música de todo el continente. pues sus noveles compositores adquirieron su capacitación técnica dentro de aquel estilo. Los primeros en difundir la música culta europea en América fueron los misioneros de la Compañía de Jesús. El amo blanco. En 1551. Al primero casi llegan a exterminar. que se instalaron en el continente a raíz de la conquista española. y los músicos nativos se multiplicaron. composiciones polifónicas europeas. ARGENTINA Para estudiar la música en Argentina debemos considerar dos etapas: LA MÚSICA PRECOLOMBINA O INDIGENA: Esta contaba con instrumentos rudimentarios. pues cuando se canta y se baila es porque se está contento y de buen humor. utilizaban la música de curaciones. a Chile y Ecuador. que afloraría en forma inevitable en sus primeras realizaciones. era el pobre esclavo. un ser abandonado y sin amparo. la fuerte individualidad de los hijos de América. frecuentada casi exclusivamente por la nobleza indígena. que trajeron consigo la música europea. veía en el canto del esclavo negro la expresión inocente de una alegría y despreocupación infantiles. sino también como compositores dando origen a una polifonía neohispánica. mientras el coro de los españoles lo subrayaba y acompañaba con armonías típicamente europeas. y que enseñaron a la población indígena como parte de su misión tanto cultural como evangelizadora. y sobre todo italianos. y el noroeste argentino a través de las quebradas del Toro y Humahuaca. que contenían textos cristianos adaptados a melodías autóctonas así caro música gregoriana y. se produjo en plena época del Romanticismo Europeo. impresos. con el correr de los años. la música que éstos practicaron. 117 . y le daban un poder mágico. Patagones y Guaraníes entre otros.LA MÚSICA EN EL CONTEXTO LATINOAMERICANO La organización política post-revolucionaria de las Colonias de América. CIVILIZACIONES PRECOLOMBINAS: A su llegada al continente americano. a veces con acompañamiento de órgano. su ideología y la dominación. que solían dirigir maestros de nacionalidad alemana o flamenca. de cuyos sentimientos nadie se preocupaba. naturalmente. un instrumento de explotación. los conquistadores hallaron civilizaciones ampliamente desarrolladas en todos los aspectos. debe ser tenida especialmente en cuenta por nosotros. La incáica. El Colono Europeo trajo consigo su cultura y religión. creadas solamente para conseguir compasión. Los coros alcanzaron un elevado nivel artístico. griegos. dado que las investigaciones posteriores han demostrado que poseían un instrumental importante. que se cantaba en la Iglesia. agradecimiento a los dioses por las buenas cosechas. Sin embargo. y. el segundo era considerado caro una bestia de carga. etc. Las dos primeras víctimas de su dominación fueron el Indio y el Negro. Étnicos. y porque su influencia política abarcó además de Perú y Bolivia. incluyendo el musical. La función educadora corría a cargo de la schola cantorum de la catedral. se empezó a destacar netamente con el uso de elementos propios de cada región: Geográfica. fue la sácra. no sólo caro ejecutantes. en cambio. con ocasión de la festividad del Corpus Christi. Sus canciones eran inocentes formas tristes. para los pastores y predicadores de almas. y Culturales. sobre todo. pero más a menudo de guitarra. naturalmente. que sufre pacientemente y canta con añoranza su perdida libertad. En América no tardaron en aparecer libros de música. los Calchaquíes. utilizados en sus ceremonias rituales. Juan de Fuentes instruyó un Coro de ocho muchachos que interpretaron un cántico incaico en la Catedral del Cuzco.

la Argentina cuenta con un nutrido plantel de compositores. Floro Ugarte (1884). muchos de los cuales alcanzaron prestigio internacional. A Juravscim. En la música de concierto y de ópera J. LA MÚSICA PRECOLOMBINA: Analizada desde épocas anteriores a la llegada de los Españoles de acuerdo a datos que proporcionan crónicas y relatos de los historiadores caro Juan de 118 . imitación del europeo cuyo repertorio. C. autor de unas escenas argentinas. la zarzuela hispana siguió desarrollándose brillantemente hasta el advenimiento de los sainetes criollos en el último decenio de 1800. finalmente. A partir de entonces. En la actualidad ocupa un papel preponderante en la creación musical Latinoamericana y Europea. En 1881 nacieron Constantino Gaito. hay que destacar tres fechas: 1701. Ernesto Drangosch (1882—1924) y Juan Bautista Massa (1885. que fue la primera representada en América. Tres músicos desaparecidos a temprana edad forman el puente hacia la generación contemporánea: Julián Aguirre (1868-1924) cuya pluma trazó los Lider más delicados y sentidos. que es la de la representación de la “púrpura de la rosa”. futuro autor de la canción nacional y la personalidad más descollante de aquella época cato pianista y compositor. aparecieron los primeros músicos profesionales. Su Decano es Alberto Williams. Lafinur. sus músicos han figurado en los puestos honoríficos en concursos internacionales y sus obras con incluidas en el repertorio de todo el mundo musical contemporáneo. En este sentido. La misma generación pertenece a Arturo Luzzatti (1875) nacido en Turín pero radicado en Buenos Aires. Iglesias Villoud. Gilardi (1889) autor de la bella canción de cuna india. poseedores de una rica vena melódica. se convirtieron en las figuras centrales del naciente movimiento musical. que lo es de la representación de la “Parténope”. Para 1945.A. 1756. Hergreaves.1938). lo podemos analizar con mayor facilidad y eficacia dividiéndole en cuatro etapas las mismas que son:  La Música Precolombina  La Conquista y la Colonia  El siglo XIX  La Época Actual. Shiuma (1885) que ha dado valioso aportaciones a la lírica musical. Giocobbe. A finales del siglo.A fines del siglo XVIII llegaba de ultramar Blas Perera. Pascual de Ragatis (1881) y Roberta L. así como los intérpretes. Pero además de la música sacra. una ópera con libreto de Calderón de la Barca. H. En junio de 1870 se fundó la escuela de música y declamación. con libreto de Silvio Stampiglia. Arturo Berutti y Héctor Panizza. entre ellas las de los compositores argentinos C. solía ser extranjero. Carlos Suffern. COLOMBIA El desarrollo musical que se ha venido dando en éste país. ópera de Manuel zumaya. en América tuvo mucho auge un teatro lírico. De ambos centros pedagógicos nacieron jóvenes artistas y compositores que comenzaron a dar personalidad musical a la república. estilos y tendencias. que nunca alcanzó un auténtico nivel artístico. compositor dramático de temperamento y brillante técnica y Carlos López Buchardo. 1711. dirigidos uno por el argentino Williams y el otro por el Belga Edmundo Pallemaerst. dos grandes conservatorios de música. P. creador de la ópera argentina. cuyas obras “la Muerte del Inca” y la “Suite Argentina” son las más logradas. R. J. García tri11o. actualmente perdida. Durante el primer siglo de la Independencia dieron a conocer en el viejo Teatro Colón y en el de la ópera 135 Obras Líricas. Los compositores Argentinos han abandonado todos los géneros. que debe recordarse muy especialmente porque además de ser la primera representada en México también tiene el inmenso valor de haber sido la primera escrita en tierras americanas. Otros compositores de fama son: Felipe Boero (1884). por ser la fecha en que abrió sus puertas el primer teatro de Buenos Aires. Viacava y Montserrat Campmany entre otros de ésta época. F. Jorge Pickerhayn. y. Picasarri junto con su sobrino Esnaola. Juan José Castro (1895) director compositor de recia personalidad y finalmente entre la joven generación Alberto Ginastera y Carlos Guastavino. de corta existencia.

De todos ellos se han oído primicias que anuncian un brillante futuro. Utilizaron instrumentos de percusión y de vientos tales como: sonajas. dirige la orquesta de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio. En 1882 se funda la Academia Nacional de Música por Jorge Price. bajones (fagotes) y construyeron órganos que les enseñará principalmente el Jesuita José Dadey (1564-1660) precursor de la música Colombina. La última figura de la generación es Fabio González Zuleta (1920) el único compositor Colombiano de primera magnitud en la país. Se cree que su música era monódica. conchas. 119 . LA ÉPOCA ACTUAL: Se destaca Guillermo Uribe Holguin (Compositor y Pedagogo). funda el Conservatorio Nacional de Música en 1910. Antonio María Valencia. José María Ponce de León. Luis Figueroa. flautas verticales y transversas. con escalas defectivas de base pentafónica.Tres sinfonías .Dos poemas: El niño y el amo . sino. Se destacan José Joaquín Guarin. y ello es causa de repetidos errores de análisis. o mejor dicho cultural. Luis Espinoza. Roberto Pineda. Jesús Pinzón. ocarinas y totutos (trompetas en forma de caracol).Castellanos. Naturalmente. da testimonio del encuentro dramático de la cultura española con el mundo mágico que llenaba el espacio americano. los atuendos. Santiago Velasco.Un ensayo electrónico GUATEMALA La música con que actualmente se acompañan las danzas.Varios Corales y Música de Cámara. Sin embargo. este hecho en la mayoría de los folkloristas que se han dedicado al estudio de la música de los indios americanos. que se encuentra también en la música de los indios sudamericanos. con más de 140 composiciones se destacan tres Balletes criollos. Diego Fallón. placas de metal. La conjugación racial. y Furatena (drama lírico). EL SIGLO XIX: Influenciado por la música Italiana es Henry Price quién dió la idea de fundar la Sociedad Filarmónica (1846—1857) que dió el ambiente propicio para la Música. José Rozo. etc. unida a la danza. cascabeles. y hallazgos arqueológicos nos dan a conocer la importancia que tenía la Música para los Indios pues la incluían en toda actividad social y de trabajo. Les enseñaron el Canto Gregoriano y muy pronto ejecutaron chirimías (clarinete). LA CONQUISTA Y LA COLONIA: Los “doctrinetos” conquistadores aplicaron sus técnicas del Canto llano y el floreciente Contrapunto de clara tendencia religiosa europea. contienen su substrato étnico de esencia pentatónica que puede descubrirse tras su apariencia heptatónica. ceremonias. Chumacero. germen del actual Conservatorio. en 1920 se oficializa el Himno Nacional con Música de Oreste Sindice y letra de Rafael Nuñez. rituales y muy excepcionalmente los cantos de los indios que su amplia mayoría habitan en Guatemala. cuya práctica activa en iglesias destaca a compositores tales como Juan de Herrera. . Su firme técnica. Fabián González y entre los más jóvenes Blas Emilio Atheortúa. En ésta línea citemos también a Jesús Bermudez. Molfo Mejía. con rasgos de heterofonía al mezclar estos instrumentos. le ha permitido plasmar una sólida producción que incluye las siguientes obras: . no es exclusivamente de esta región del continente. para así atraer a los indios.Rapsodio griego . esta característica estructural y expresiva. no se han advertido.

Joaquín Orellana y otros más. Así tenemos: El aporte de Carlos Chávez al asumir la Dirección del Instituto Nacional de Bellas Artes. En el siglo XVIII. desarrollo la tendencia nacionalista en sus primeras obras. Añadiendo al tema de sus composiciones podemos decir que no ha sido posible emprender un estudio minucioso de la situación del arte musical en la época colonial. José T. que ademas de ser compositor de vanguardia. podemos citar figuras cato Jorge Álvaro Sarmiento. Guzmán etc. A estos anteriores se pueden añadir otros compositores que cultivaron el genero de la música religiosa como profana. quienes de una u otra manera han ensayado expresiones nacionalistas en sus primeras obras con contenidos a las últimas tendencias estéticas. Para concluir este tema. algunos de ellos formados en Europa que introdujeron en el país las nuevas corrientes estéticas predominantes en la época como son: Julián González. Creó series de audiciones de diversa índoles bajo el título de música para México y la ópera de bellas artes. MÉXICO Al igual que los demás pueblos Latinoamericanos. la ópera Nacional en el Gobierno de don Adolfo Ruiz se ve disminuida en la subvención económica que venía recibiendo. vamos a mencionar también a uno de los personajes de destacado renombre dentro de la vida musical guatemalteca como es José Castañeda. La evolución de la Música en México ha sido muy importante hasta 1 presente material vernáculo de manera intuitiva especialmente en sus operas QUICHE VIRAK Y NIETE. sin dejar de crear obras de carácter litúrgico puede considerarse cato el iniciador del movimiento sinfónico en el aspecto creativo. únicamente se pueden citar los músicos de la Catedral de Guatemala cato el madrileño Antonio Pérez 1548 y Gaspar Martínez 1560. Entre los jóvenes compositores del presente. puede decirse que principio con Jesús castillo. quien abrió la ruta de los trabajos folklóricos con música autóctona de 1927 y la música maya quiche de 1941. A la derivación de su teoría. lo primero que hizo fue oficializar la orquesta sinfónica nacional. aunque orientado en sus ultimas creaciones a un sentido mas universalista. Francisco Aragón. quedando esta actividad únicamente a cargo de INBA. el profesor Castañeda ha desarrollado una notación que no obstante su extrema sencillez. se suman otros compositores como su hermano RICARDO CASTILLO en 1894 hasta llegar al momento del nacionalismo musical guatemalteco. Nac. El nacionalismo musical mismo. Posteriormente surgió una pléyade de músicos con técnicos más avanzadas. Pero el compositor Eulalio Samayoa. de Bellas Artes. 120 . su hermano Ricardo castillo con estudios hechos en París. el mismo que tenía una academia de la ópera creada para formar a los jóvenes cantantes. son el compositor JESUS CASTILLO que vivió entre los años 1877 y 1946. cultivan la música religiosa. sufrió con la llegada de los españoles la destrucción de una gran parte de su cultura autóctona. Pero la vida musical guatena1teca no se desarrolla notablemente hasta las últimas décadas del siglo XIX. es musicólogo y autor de una novísima teoría musical cuyo propósito es la de cancelar el conflicto actualmente existente entre los principios y reglas que todavía se enseñan en los Conservatorios logrados por los compositores contemporáneos. a este. permite escribir la música de todas las épocas y culturas cato también las siglo pero valió la pena recalcar algunos hechos trascendentes. Herculano Alvarado y otros más que merecen la misma valía. a quien se le debe las primeras copilaciones de melodías indígenas quien como compositor autodidacta.En este estudio debemos señalar que algunos destacados y a quienes se les puede considerar con justicia como pioneros de la recopilación y estudio de la música de Guatemala. Ist. se acerco a las complejidades de la música electrónica. A partir de 1947 se producen algunos cambios importantes.

aún cuando tuvieron buenos músicos pero no escribieron obras importantes cazo en el periodo anterior. fuera del servicio litúrgico en iglesias y conventos. La historia musical moderna en el Salvador no empieza hasta las primeras décadas del siglo XIX en que se fundó la primera banda marcial. Durante la época colonial cuando el país era una lejana provincia de la Capitanía General de Guatemala. En el último tercio del siglo se inicia el periodo nacionalista. 121 . En 1947 se inicia una serie de investigaciones musicales recogiendo la música tradicional llevando a la flotación moderna. en el siglo XIX se introduce la ópera Italiana y. el tambo zambumba y modernamente la marimba y la chirimía como aires y motetes. Revueltas. el romanticismo en Venezuela no estuvo a la altura de los siglo XVIII. es decir la utilización del folklor mexicano en obras de forma culta Europea. compartían con éstos los mismos instrumentos que eran pitos. También aquí. Carlos Chávez entre otros. pero al poco tiempo se fueron haciendo audiciones para otro público convirtiéndose en una de las actividades musicales más estimables de la Capital Mexicana. EL SALVADOR En la época precolombina. y sostiene también su propia orquesta sinfónica. conocidas igualmente en España y otros países americanos. fundada en 1864 bajo la Dirección de Eubelio Castillo. cuyos miembros. que en un presupuesto del año 1832 aparece formada por un tambor mayor. Su Director actual es el maestro Rubén Arauy quién hizo estudios en el Conservatorio de París. organizó y dirigió conjuntos instrumentales y dió un ejemplo como compositor religioso e instrumental y también como teórico. Además se utilizaban entre los indios la caramba.En años más recientes la música de Cámara se desarrolló por el mismo INBA y de otras tres instituciones como son: 1. La música de cámara. en su mayoría son de origen Israelita. Como maestro y fundador de la primera escuela de música formó toda una generación de músicos salvadoreños. De esta época datan ciertas fiestas como la de moros y cristianos. La Dirección general de difusión cultural de la Universidad autónoma de México. En 1856 ya se introdujo la imprenta musical en México y la fabricación de órganos fué floreciente. los primeros pobladores del país los pipiles rama de los aztecas. tres tambores. dió inicio de un gran progreso en todos los órdenes de la vida musical. VENEZUELA En realidad. silbatos y flautas. tres pífanos y tres clarinetes. parece que no hubo actividad musical alguna. Cabe mencionar además la Escuela de Música de la Academia de Bellas Artes. La llegada al país del músico guatemalteco José Escolástico Andrino en 1845 llamado el padre de la música en el Salvador. su primer Director fue el Maestro Italiano Domingo Santo. 2. Melecio Morales fué el primer compositor Mexicano cuya ópera “ILDEGONIA” se estrena en Europa en 1868. El movimiento musical del país esta enriquecido últimamente por las actividades de la Asociación proarte del Salvador. el género del VALS se arraigó en el pueblo. José Rolón. En 1930 se estableció finalmente el Conservatorio Nacional de Música. iniciándose en 1955 con carácter gratuito para beneficio de los estudiantes universitarios. destacándose Manuel Ponce. Parte del siglo XIX. Merece señalarse las audiciones que tienen lugar los sábados en la casa del Lago de Chapultepec en un ambiente más popular que el de la ciudad universitaria. que ha sabido unir la técnica actual con el espíritu de las técnicas Mexicanas. La asociación de Manuel María Ponce 3. y esa influencia popular dió menos vigor y expresión a esta danza llamada Vals Venezolano.

velancios (villancicos). cazo SEBASTIAN PEÑA. sus obras son de carácter religioso. el mismo que las ha reelaborado. pregones. Pero antes de esta generación existieron otros compositores. pero estos tres compositores formaron la Trilogía de maestros mas respetados en el País. la chirimía. en especial en las remotas aldeas de la costa. la música surgió un letargo hasta aparecer un nuevo grupo de músicos en 1919. Desde 1945 a 1966 se han incorporado al país distinguidos músicos extranjeros como PRIMO CASALE que ha iniciado un sólido movimiento en pro de la ópera nacional. En los primeros años de nuestro siglo. parecido a una trompeta muy rudimentaria y el chilchil. RHAZES HERNANDEZ LOPEZ (1918) ha cultivado la música serial (dodecafónica). NICARAGUA Se cree que las fuentes primitivas de la música folklórica nicaragüense. Se ha realizado una recopilación de estas obras por parte de VICENTE EMILIO SOJO. que ha logrado una revolución latinoamericana en torno a esta creación. FEDERICO VILLENA (1835—1899) y la figura universal TERESA CARREÑO (1853-1917) que no fué compositora. 122 . que es popular en América y España por su Joropo ALMA LLANERA. y estos grupos fueron el despertar de una nueva aurora para la música del país. La Orquesta Nacional Juvenil se forma el 12 de Febrero de 1985 y hasta esta fecha existen 62 orquestas juveniles. que viene a ser como una esquila pequeña. En la actualidad prácticamente sobreviven muy poco de esta música como son algunas melodías y ritmos peculiares. SOJO fue también el reorganizados en 1936 de la Escuela Superior de Música “JOSÉ ÁNGEL LAMAS” y como compositor. el juco.También se cultivó la llamada CANCION ROMANTICA que viene en parte a llenar el vacío que dejará la música orquestal y coral de la época clásica venezolana. el cacho. que junto con otros compositores fundo el mas importante grupo coral y la Orquesta Sinfónica de Venezuela. La religión católica tuvo mucha influencia en los ritmos aborígenes. Las principales figuras del Romanticismo son: FELIPE LARRAZABAL (1816—1873). que es considerada como la composición más importante del siglo XIX. que fué el más sobresaliente con su obra SEGUNDO TRIO EN LA MAYOR. En la generación 1919 las figuras mas sobresalientes fueron VICENTE EMILIO SOJO. son las ramas maya y quiché de los indios centroamericanos. MANUEL RODRÍGUEZ. el gueguense que se celebra el día de San Jerónimo. y. especie de zambomba. PEDRO GUTIÉRREZ. el azul. Desde 1952 se halla al frente de la Escuela Nacional de Opera del Instituto de Cultura y Bellas Artes y ha puesto en escena hasta ahora 26 obras. Así mismo se cree que aún existen instrumentos más primitivos como por ejemplo: el quijongo. Otras figuras fueron JOSE CALCAÑO (1900) y JUAN PL4ZA (1896-1965). motivo por el cual se produjo una curiosa amalgama de culturas cuyo resultado son las formas tradicionales que se conoce con el nombre de amanesqueras. con la ópera VIRGINIA que fué estrenada en abril de 1873 en el teatro Caracas. que consistía en una flauta de cinco. pero sí una gran concertista del piano que recorrió todo el mundo con su alta técnica pianística. La obra más importante es la conformación de la Orquesta nacional JUVENIL DE VENEZUELA. especie de monocordio. seis agujeros y una extensa gama de tambores como también la marimba. y ellos formaron una nueva generación de músicos entre los que se destacan GONZALO CASTELLANOS (1926). ha escrito obras orquestales. INOCENTE CARREÑO (1919) que escribió música para cine. Podemos decir que el indio contemporáneo sigue usando sus antiguos instrumentos musicales como las maracas. ANTONIO ESTEVEZ (1916). Por esto actualmente en Venezuela se desarrolla un vigoroso movimiento musical que se deja fuera de las Fronteras. GUSTAVO PLANCHART (1935) compositor dodecafinista y electronista. Se les ha dado el nombre de LOS TRES GRANDES DE LA MÚSICA VENEZOLANA desde 1919 hasta nuestros días. JOSÉ ANGEL MONTERO (1839-1881) que el primer compositor de ópera que nació en el país. y ha conformado muchas orquestas juveniles a nivel nacional. ademas se encuentran 15 mil niños en formación musical.

melodías para violín y piano. era una música simple propia del pueblo guerrero. lo mismo puede decirse de los instrumentos preincásicos y de sus subsecuentes modalismos derivados. ya no evoca. diversos tipos de tambores etc.  MÚSICA REPUBLICANA. la quena. pero es indudable que han respondido ya a necesidades de exigencia mayor que no excluye la suntuaria. posteriormente y ya lleno en éste siglo llegamos a la sublemación folklórica en la que se busca una temática no precisamente originaria. otro término. La principal danza era el Huayno.  MÚSICA COLONIAL. que se han encontrado en la cultura Nazca. yaraví llevará el del canto. Entre los sucesos que tuvieron influencia sobre la vida musical de entonces se debe consignar la llegada de la Opera Italiana. Entre los poemas sinfónicos de tipo religioso que se debe a Luis. flauta vertical de caña. en consecuencia se produce rápido mestizaje instrumental. Por las fuentes informantes sabemos que estaba basada en una escala pentatónica de un orden interválico no mensurable según los tonos occidentales. Preincato e incanato. música de un lado exclusivamente cultural que muchas veces respondió sólo a necesidades cortesanas. hayan borrado todo vestigio costumbrista y que en el gran proceso de transformación nacional hayan desaparecido sus últimas aisladas supervivencias. especie de flauta de pan. la ocarina. Conquista y Virreinato. sobria. PERU La Música Peruana es un reflejo consecuente de los grandes acontecimientos políticos y sociales ocurrido. El mestizaje se afirmaba y delineaba ya perfiles característicos. Delgadillo se le atribuye la recopilación de muchas melodías indígenas y populares como la Yeguecita. así como de renombrados concertistas Europeos. digamos así a las postrimerías del siglo XIX. incluida música. vihuelas y bandurrias primero y más tarde guitarra y arpas. A. van desde los más primitivos de sus épocas más tempranas hasta objetos de fabricación y funcionamiento muy complejo. Fácil es comprender. último ingrediente que faltaba en la vertiente de la música popular Peruana. Independencia y República. el mismo que después de estudiar en Italia regresa a su país y crea una Escuela de Música.La Música culta en Nicaragua esta poco adelantada. algunas de las cuales han sido utilizadas para componer sinfonías como la Sinfonía Incaica. estaba totalmente impedida de evolución. austera. El único compositor que se ha destacado en dar a conocer la música fuera del país es Luis A. un Ballet. sino esencia. como en el caso de las Antaras Cromáticas. trompetas de madera o arcilla. Entre los instrumentos principales tenemos la ya citada Antara. los Caballitos y el Zopilote. 123 . No era una música muy desarrollada. preludios para piano. y dos óperas: Final de Norma y Mavaltayán. tenemos: Tramoto en la Cumbre. que tan agudos cambios políticos. cuartetos. En l nueva generación lo tenemos a Rosales. Sólo se puede deducir su empleo. tríos. al que la Historia le negó el tiempo para madurar su cultura. Delgadillo también ha dejado músicos muy destacados como: Alejandro Vega Matus y José Cruz Mene. es sin embargo fácil comprender las razones de tal olvido. su pueden distinguir tres épocas:  MÚSICA PREHISPANICA. la Cabeza de Rawí. ambos frecuentemente unidos designados para cualquier actividad. que se extendió después hacia las expresiones de la música dramática que floreció durante los siglos XVII y XVIII pero permaneció ignorado por largo tiempo. Los objetos de los más variados tipos que nos brinda la arqueología son innúmeros de muy difícil interpretación. como también operetas. A Delgadillo. Delgadillo. Durante la colonia se verificó aparte del continuado proceso de mestizaje especialmente en la música popular. elude. canto y danza. la Sinfonía Mexicana y la Sinfonía Serrana de Nicaragua. llevará en sí la idea de danza. Sus periodos son los mismos que los del territorio en que tuvo lugar. Apenas iniciada la conquista empezó el paralelo proceso de aculturización y desde luego incluyó el aspecto musical. A la aparición de la llamada música chola se asomó el importantísimo elemento del aporte Afroide. Por otra parte se trató siempre de una música que por su naturaleza culta no tuvo mayor arraigo popular.

así como también las llamadas cadenas melódicas. que como principales características son dignas de mencionar las siguientes: La constancia del ritmo binario El predominio de la síncopa Polirritmia muy variada Proceso discursivo que convierte cantos en recitativos Empleo preferente del modo mayor Los saltos melódicos. la MACUMBA. Entre los conspícuos representantes de éste periodo. a Pablo Chávez Aguilar (1898—1950) a Ernesto López (1890) a Luis Pacheco (1893) Alfonso de Silva (1903—1937) a Renzo i3ascescio (1888) finalmente a Rodolfo Joismanca (1910) y Andrés Sas (1900). y toda clase de flautas y de tambores. y las CONGADAS. mezcladas con elementos de culto. se dan curiosas tendencias de regresión. bastones para marcar el ritmo. En cuanto a la música indígena brasileña. el haber cimentado para su patria y para el mundo entero la conciencia nacional de los compositores brasileños. y además sus tradiciones fetichistas. constituyó el talento específico de los africanos venidos a las tierras brasileñas. aparece una generación de compositores que entran de lleno a las tendencias y corrientes de la música moderna. tiene una extraordinaria vitalidad. zumbadores. desde las más primitivas estructuras de repetición de un sólo sonido. Finalmente llegarnos a la última generación de músicos Peruanos. el africano y el europeo. podemos destacar a José Mauricio Nuñez. podemos decir que describen las ceremonias rituales. producto de la fusión de tres elementos étnicos: e1 indio. Los instrumentos empleados son: marcas. Aporte muy importante. la mayoría escribe dentro de los términos de vanguardia. que sobreviven en danzas como el CANDOBLE. y al cual se le debe además. conchas. en la mitad del siglo. canto y composición y más tarde en la Universidad donde curse filosofía. Y en tercer lugar aporta enormemente el nivel musical del cual estaba impregnada Europa y por ende Portugal en lo que sería para el mundo el Renacimiento y todas sus facetas posteriores. Leopoldo Muiguez y el famoso Heitor Villa Lobos. uno de los más importantes músicos peruanos de la actualidad. da como resultante la canción popular brasileña. debemos mencionar a Rosa Alarco (1911) a Enrique Iturriada (1918) Celso Garrido. Entre los músicos brasileños que se han destacado desde la creación de la república cano tal y tal vez un poco antes es decir en el periodo colonial. A los 38 años de edad por encargo del Obispo Pedro Agustín Morell de Santa Cruz. y la disminución de la séptima. 124 . guerreras y sociales de las tribus de la región y las melodías conservadas son de tipo muy diverso. Inmediata a la segunda post guerra. con su extraordinario sentido del ritmo y de la improvisación. Carlos Gómez.Entre sus principales exponentes debemos citar a: Roberto Capio (1900) y Carlos Sánchez (1904) a Teodoro Valcrcel. quién elevó a un rango representativo el nacionalismo musical brasileño. hasta las de dos y tres. El empleo en las melodías y en la armonía de las antiguas escalas pentafónicas. BRASIL La música brasileña moderna. Arthur Napoleao. exafónicas y modales. y aunque en algunos casos. Manuel de Macedo. Glauco Velazquez. CUBA La historia musical cubana empieza realmente con la llegada de Estéban Salas a Santiago de Cuba Nacido el 25 de diciembre de 1925 en la habana donde cursó sus estudios musicales y generales primero en el parroquial Mayor donde aprendería órgano. sus realizaciones afloran casi en su totalidad. Esta fusión de tres culturas. construye la capilla de música de la catedral de Santiago de Cuba. teología y derecho económico.

especialmente africana de gran trascendencia para la música cubana. Silvano Boudet. etc. El anhelo de situar a Cuba en la órbita musical contemporánea hizo que naciera el grupo denominado de Renovación Musical dirigido por Ardevol e integrado por sus discípulos más destacados. Pastor. la Sociedad Filarmónica y el Liceo. Gracias a la iniciativa de Música de Wagner y Berlioz y al impresionista C. 125 . Mauri y muchos otros. Cratilio Guerra.La Obra de Salas podremos dividirla en 2 partes: Música Litúrgica y no Litúrgica. la academia de artes y letras con su sección de música. El piano fue el instrumento predilecto de los compositores cubanos ochentistas. En Cuba el aprovechamiento de algunas conquistas de la revolución industrial hizo posible el aumento vertiginoso en las riquezas de los hacendados criollos. Los Conservatorios privados proliferan: Orbón. el Liceo Artístico y Literario. La música cubana tiene mucha influencia africana y francesa. la música en este país corrió diversa fortuna. Gracias a la iniciativa de Música en este país corrió diversa fortuna. Durante las seis primeras décadas de este siglo. Al mediar el siglo XIX van apareciendo músicos de gran importancia que merecen mencionarlos: Laureano Fuentes. Surge también la academia municipal de música de la Habana que más tarde se convertiría en Conservatorio Municipal. En 1922 Gonzalo Ruíz funda la Orquesta sinfónica y dos años más tarde se crea la Orquesta Filarmónica bajo la dirección de Pedro San Juan. gracias al músico Holandés Hubert de Blanck. Nicolás Ruíz. la Sociedad filarmónica. En la capital. Debussy. Peyrellade. XIX como resultado de este auge económico se fundan en la isla varias instituciones musicales. en Santiago. y ello es explicable porque este instrumento precisamente fue el que servía de vehículo natural a los compositores románticos Europeos. L casi absoluta influencia española perdura hasta la mitad del siglo romántico. En el S. Se diferencian en que el primero está en texto latino y la otra en romance (Castellano). Fénix y al finalizar el siglo XIX se funda el primer conservatorio.

Illiniza. aún. Tungurahua. La Cordillera de los Andes marca toda la geografía del país. Además. Guagua Pichincha. los cerros de las Peñas. Chimborazo. el Ecuador se halla dividido en cuatro regiones naturales: Costa o Litoral La Costa es una región localizada al oeste de la Cordillera de los Andes y está atravesada de norte a sur por una cadena montañosa de poca altura (800 m) y constituida por extensas planicies aluviales. los que dan origen a la cuenca del río Guayas. las sabanas tropicales del centro y sudoeste. Su orografía está formada por pequeñas montañas que son la prolongación de la Cordillera Occidental de los Andes que va perdiendo altura conforme avanza hacia la Costa. la Cordillera Suboriental. Cayambe. Altar y Sangay. Entre el borde costero y el piedemonte andino. Muchos bosques han sido destruidos por la actividad agrícola. Antisana. La Cordillera Occidental es más baja que la anterior y de bases más angostas. Cotopaxi. al sur y este con Perú y al oeste con el Océano Pacífico. 126 . pero. Corazón. que abarca 40. Su territorio incluye además. entre las que se destaca la isla Puná. Las principales elevaciones de esta cordillera son: Mirador. La Costa está formada por tres ecosistemas principales: ¡os bosques lluviosos tropicales del noreste. El sistema montañoso de la región está conformado por la Cordillera Costera. las islas Galápagos o Archipiélago de Colón y varias islas litorales. Reventador. tiene una extensión de 256. arrancan dos ramales. La parte más ancha se encuentra en la provincia del Guayas con 180 km y la más angosta en una franja de 20 a 40 km en la provincia de El Oro. La Cordillera Oriental es la más alta. Es uno de los países más pequeños de América del Sur. Santa Ana y El Carmen que continúan hacia el norte con los nombres de Chongón. y el bosque seco de la franja peninsular occidental y meridional.LA MÚSICA DEL ECUADOR EN EL CONTEXTO NACIONAL VISIÓN GEOPOLÍTICA DEL ECUADOR Características físicas Ecuador está situado en el noroeste de América del Sur. se compone de tres pequeñas cordilleras: Napo-Galeras.000 km' y está cubierto por bosques en el interior y manglares en el litoral. se puede encontrar importantes zonas donde existe vegetación primaria. Atacazo. de diciembre a mayo. sus bases son anchas y terminan en cumbres altas y puntiagudas. Regiones Naturales Desde el punto de vista geográfico.370 km2 Mediante el Acuerdo de Paz firmado en Brasilia entre Ecuador y Perú. y el verano. existe una depresión longitudinal drenada por el río Daule. ejerce soberanía sobre una parte del continente Antártico. Las principales elevaciones son: Ruco Pichincha. Limita al norte con Colombia. las playas y acantilados. Las principales elevaciones son: Pax. Sumaco. que en su curso bajo se une a otras comentes de agua de los ríos Vinces y Babahoyo. La corriente cálida de El Niño provoca un aumento en las lluvias entre los meses de enero a mayo. Las estaciones climáticas van así: el invierno. de junio a diciembre. La temperatura promedio que prevalece en la región es de 22º C. compuesta por varios sistemas montañosos pequeños como el cerro de las Cabras. A lo largo del litoral costero se distinguen dos ecosistemas adicionales caracterizados por las entrantes de manglar y otras áreas. (1998) se concede a Ecuador el derecho de propiedad privada sobre un kilómetro cuadrado en el sector denominado Tiwinza. Curucú y Cóndor. Cordillera Occidental y Oriental que cruzan el territorio hasta el nudo de Loja al sur y un tercer ramal más pequeño y fragmentado. Desde el nudo de Pasto al norte. Colonche y Manglaralto. La Tercera Cordillera o Suboriental es un pequeño ramal bajo y fragmentado.

Sierra o Región Interandina Comprende el sector montañoso. Es la región de mayor asentamiento indígena y por lo tanto. Se encuentra ubicada entre el nudo de Pasto al norte hasta el de Loja al sur. la mayor parte cubiertas de nieve. por lo que la actividad pesquera es una fuente importante de recursos. Santo Domingo de los Tsachilas. Sin embargo. con días muy calientes y noches muy frías. islas y sitios arqueológicos. Tiene atractivas playas con un alto potencial turístico. La provincia de Santa Elena se caracteriza por su riqueza natural y el turismo. Loja. hasta los bosques nublados y áreas semidesérticas. ha desaparecido la capa de ceniza y otros materiales que fertilizaban la región. Cañar. Los Ríos y El Oro. Las condiciones climáticas existentes en la Sierra. reservas naturales. La parte sur del Nudo del Azuay o subregión de Volcanismo Antiguo no cuenta con grandes elevaciones. Cada una de ellas cuenta con innumerables atractivos turísticos. Bolívar.500 m sobre el nivel del mar.526 m3 de agua dulce por segundo. la máxima altura se encuentra en el Chimborazo. caña de azúcar.000 km2 está cubierta de páramos o de vegetación seca. ubicado en esta provincia. Bahía. Muchas de ellas conservan la actividad volcánica como en el caso del Tungurahua. Cuenca declarada también Patrimonio. la estación lluviosa o invierno dura de octubre a mayo. uno de ellos el banano. el mismo que caracteriza a los paisajes de páramo. Pichincha. El Parque Nacional Machalilla. arroz.000 metros. Volcanismo Moderno y la del sur. Se produce además: café. algunos que pueden citarse son: Quito reconocida como Patrimonio Cultural de la Humanidad. Guayas.059 ha. Los principales puertos de entrada son: Guayaquil. en El Oro. En esta provincia se destaca el Bosque Petrificado de Puyango. carbón de piedra. así como la actividad volcánica han provocado un desarrollo peculiar de las especies vegetales. entre otros. Está conformada por 11 provincias: Carchi. cerca de la superficie se encuentran varios minerales como el mármol. 127 . Puerto Bolívar. ocupando una franja de 600 km de largo por 100 a 120 km de ancho. Azuay. Posee numerosas zonas marítimas pesqueras y excelentes lugares para la práctica de deportes acuáticos. Santa Elena. San Jacinto. tiene una superficie de 55. soya. Chimborazo. una de las de mayor diversidad étnica y cultural. lo cual significa que la actividad volcánica se desarrolló con anterioridad. entre otros.500 y 4. Atacames. En la Sierra. en Esmeraldas. La provincia del Guayas tiene uno de los ecosistemas más importantes del país: el Golfo de Guayaquil en donde desembocan 1. Volcanismo Antiguo. Manabí. manglares y algunos sitios arqueológicos. Muisne.En la Costa se cultiva extensivamente importantes productos de exportación. La décima parte del Ecuador 27. Crucita. Las principales atracciones turísticas de Esmeraldas son los pueblos de pescadores. en Manabí. cacao. se configura por la prolongación de la Cordillera de los Andes meridionales que vienen desde Colombia. Jaramijó. Súa.de costa y playa. Imbabura. Tungurahua. Guagua Pichincha. la altura media es de 4. algodón. Baños de Ambato. caliza. El nudo del Azuay divide a esta región en dos subregiones. playas. caracterizados por cumbres altas con cimas agudas.817 km. frutas y otros cultivos tropicales destinados a satisfacer la demanda tanto interna como externa. la diversidad de recursos naturales. Otavalo. La región de Volcanismo Moderno posee sistemas orográficos más recientes. con una temperatura anual promedio que varía de 12° a 18ºC. San Vicente. Las más nombradas son: Salinas y Playas en la provincia de Guayas. Ubicada entre los 3. constituyen un gran atractivo turístico. la del norte. la región del páramo es un hábitat ideal para ciertas especies como el cóndor. con el influjo de la Comente Fría de Humbolt se produce una vegetación de tipo semidesértico. La Costa está dividida en seis provincias: Esmeraldas. incluyendo las islas de Salango y La Plata. En la provincia de El Oro. Cotopaxi y Sangay. La cordillera está formada por dos cadenas paralelas que se unen mediante cordilleras transversales denominadas nudos. a lo largo de 4. Manta y Esmeraldas. la variación diaria puede ser extrema. sus cimas son redondeadas y bajas. Los manglares y el medio ambiente marino ofrecen a los peces y crustáceos un hábitat ideal. los manglares. En la provincia de Manabí. en cuyo interior se encuentran las hoyas. Cotopaxi. cada una con diferentes lugares de atracción y variada vegetación que va desde los bosques lluviosos.

Apenas el 24% presenta condiciones favorables para la agricultura. con temperaturas promediales de 25°C y una humedad ambiental del 90%. la que al ser eliminada afectaría los regímenes de lluvias. Todo el archipiélago tiene una extensión total de 8. Pastaza (643 km). Está constituido por 17 islas grandes (sólo siete superan los 100 km2). riega 130 islas cubiertas de bosques. esos promedios llegan a duplicarse. mientras que Perú y Colombia forman el límite oriental y meridional. pero en la confluencia de los Andes. La ruta turística más importante es el río Napo.020 570 130 96 25 17 10 128 . Región Insular o Galápagos Constituye una provincia más del Ecuador. Presenta las características típicas del bosque tropical húmedo. Las llanuras aluviales se ubican en las terrazas de los ríos principales y tienen grandes concentraciones de palma. con una gran variedad de flora y fauna. El Archipiélago de Galápagos se halla a una distancia de entre los 900 y 1. el Ecuador ha creado varias reservas: el Parque Nacional Yasuní.Región Oriental o Amazónica La Amazonia ecuatoriana se extiende sobre un área de 131. Sumaco-Galeras.120 km).500 mm anuales. uno de los grandes tributarios del Amazonas. El clima es ecuatorial. Todos desembocan en el río Amazonas. La Amazonia está conformada por seis provincias: Sucumbíos. Pastaza. y su ancho varía de uno a 5 km. Entre los principales están: el Napo (1. El ecosistema amazónico. Especies frecuentes en la región son" la canela.010 km2. el 76% del área amazónica está cubierta por tierras de baja fertilidad. Tigre (563 km). el árbol de seda. Orellana. La principal atracción es la vegetación en general. Curaray (805 km). En toda la región se encuentran anchas llanuras y grandes valles aluviales atravesados por extensos ríos. y en particular los árboles. La Cordillera de los Andes forma el límite occidental de esta región. algunos de los cuales sobrepasan los 45 m de altura. Para conservar y proteger estas áreas. en especial su bosque lluvioso tropical. Las principales islas son: ISLA Isabela Fernandina San Cristóbal Española Pinta Punzón Baltra K2 4. es considerado uno de los hábitats vegetales y animales más ricos y complejos del mundo. el Jacaranda y varias plantas leguminosas. A pesar de los mitos. Morona Santiago y Zamora Chinchipe. la Reserva Cuyabeno.000 km2 de exuberante vegetación propia de los bosques húmedos tropicales.400 km. lo que permite entender la importancia de la cubierta vegetal. El extenso sistema de parques nacionales del Ecuador junto a las estaciones científicas y las áreas protegidas cubren cerca de 3 millones de hectáreas. puesto que allí vienen a descargar las masas de humedad que circulan en la cuenca amazónica. Esto quiere decir que el régimen hídrico de la Amazonía depende del 50% de su propio reciclaje interno. El suministro de agua procede en partes iguales del Océano Atlántico y de la evapotranspiración de la vegetación. Napo. 23 islotes y más de cien pequeñas. La cuenca del Napo tiene una longitud de 1.200 km del continente. El área es muy rica en agua y tiene una floresta intrincada.275 750 430 103 50 17 15 NOMBRE DE LA ISLA Santa Cruz San Salvador Floreana Marchena Santa Fe Genovesa Rábida K2 1. Los promedios de lluvia de la región se ubican en los 2. Morona (418 km). sobre todo en las orillas de los ríos. Los Andes amazónicos están entre los lugares más lluviosos del mundo. entre otras.

Presentan una orografía muy accidentada. tanto en las costas continentales como en las del Archipiélago. como de su exclusiva soberanía. (Instituto Geográfico Militar. una extensión de 200 millas náuticas (371 km). en la "Declaración de Panamá". Los países de alta tecnología espacial. Este es un recurso estratégico para las comunicaciones. 129 . así como información de carácter físico. 6 en la Legión Amazónica y una en Galápagos. Por estas razones las Islas Galápagos son consideradas Patrimonio Natural de la Humanidad. mamíferos que se encuentran exclusivamente en el archipiélago. Las islas emergieron del Océano Pacífico hace cinco millones de años como resultado de erupciones volcánicas submarinas. los estados americanos adoptaron como zona de seguridad las 200 millas. Plataforma Continental La plataforma continental o Zócalo Submarino es la continuación del relieve continental por debajo de las aguas marinas hasta una profundidad aproximada de 200 metros. hicieron de este archipiélago uno de los más raros e importantes lugares de nuestro planeta.Las islas son de origen volcánico. el Ecuador tiene una proyección directa desde las Galápagos hasta Antártida. ante la perspectiva de la Segunda Guerra Mundial. El proceso de evolución. aves. de esta forma. es decir a la zona interceptada por los meridianos 84° 30' y 95o 30' de longitud occidental. solamente se encuentran pequeñas lagunas y manantiales. el mayor es el Cerro Azul (1. 11 en la Sierra. con millares de cráteres y conos volcánicos. Existen más de 2.689 m) en la isla Isabela.000 km2 de territorio antártico. La organización política administrativa del estado ecuatoriano comprende: el régimen seccional autónomo y el régimen dependiente del Ejecutivo. Ecuador comparte con once países en el mundo el privilegio de acceder a la órbita geoestacionaria. casi la totalidad del mundo habitado se podría intercomunicar por radio con sólo tres satélites colocados en esa órbita. cuenta con 24 gobiernos provinciales. Por esta razón. el Ecuador adoptó el área de 200 millas como mar territorial y como plataforma continental a las tierras sumergidas contiguas al territorio continental hasta una profundidad de 200 metros. creadas sobre conos basálticos que descienden a 2. El Ecuador declaró también entonces. Los organismos que sobrevivieron a la travesía evolucionaron hasta formar especies únicas en plantas. 221 gobiernos municipales.000 m de profundidad. el clima. Órbita Geoestacionario y Derechos del Ecuador en la Antártida. colocan sus satélites en determinadas órbitas que les permiten conocer todas las riquezas y recursos que existen en la región. A partir de 1939. Plataforma Continental. mediante decreto legislativo. 395 parroquias urbanas. en 1967 la Asamblea Constituyente aprobó el derecho que el país tiene a 323. reptiles. Órbita Geoestacionaria En 1945. Mar Territorial. las corrientes marinas. 6 en la Costa. ejerce soberanía en el mar territorial y en la plataforma submarina. En noviembre de 1950. Ecuador al tener costas al Océano Pacífico y las Islas Galápagos. Arthur Clarke sugirió la posibilidad de colocar satélites artificiales en una órbita. 778 parroquias rurales. 2007). En el interior de las islas no existen cursos de agua dulce importantes.000 volcanes muchos de ellos activos como el Wolf y el Alcedo.ADMINISTRATIVA Ecuador a junio del 2008. Administrativa y territorialmente el Ecuador se divide n 24 provincias. Siguiendo diferentes "caminos" desde el continente hasta las islas. DIVISION POLÍTICO . llena de elevaciones. animales y plantas colonizaron los originales lechos de lava que hace millones de años formaban las Galápagos. geográfico y militar. Derechos del Ecuador en la Antártida De acuerdo a tratados internacionales y en particular al sistema de los vectores polares en el Polo Sur propuesta por el brasileño De Castro. por estar atravesado por la línea ecuatorial. como mar territorial y plataforma submarina.

849 133.393.148 5.611 3.537 77. Vaquerizo Moreno.138 228.691 166.189 11.556 REGION INSULAR Galápagos Pto.417 630.316 86.autoridad Consejo Provincial.987 1.449 6.828 755. 130 .879 SIERRA 3.928 406. en buena medida.222 4.607 620. Nivel administrativo Provincia Cantón Parroquia Provincia Esmeraldas Manabí Guayas Santa Elena Los Ríos El oro Carchi Imbabura Sto.721 98.Las provincias se subdividen en cantones y éstos a su vez en parroquias urbanas y rurales. han sido asimiladas por los mestizos como parte de su identidad. El Ecuador es uno de los países que cambia con relativa facilidad su estructura geopolítica.010 Fuente: Instituto Geográfico Militar 2008. Los grupos indígenas forman constitucionalmente parte del aparato administrativo y político del estado.696 6.875 10. 8. Francisco Orellana Puyo Macas Zamora de 17.Presidente de la Junta.954 437.575 15.790 4.484 114.928 7 6 4 4 12 9 3 PROVINCIAS DEL ECUADOR Superficie K2 COSTA 16. Cantones 8 22 25 3 13 14 6 6 1 7 9 7 10 7 15 16 29.927 3. principalmente en los centros urbanos. en pequeño grado en la costa. En la nueva Constitución se realizaron cambios a esta forma de organización territorial.755 408.151 3.331.476 21.728 18.742 N.262 263.110 Población 501.254 5. En el oriente viven en las selvas y muchas comunidades casi no tienen contacto con la civilización de corte occidental.085 3. Nacionalidades Indígenas del Ecuador Las poblaciones indígenas se distribuyen sobre todo en la sierra y oriente y. Domingo de los Tsachilas Cotopaxi Tungurahua Bolívar Chimborazo Cañar Azuay Loja Sucumbíos Napo Orellana Pastaza Morona Santiago Zamora Chinchipe RÉGIMEN SECCIONAL AUTÓNOMO Organismo .Consejeros Municipio-Cabildo-Alcalde-Concejales Juntas parroquiales. Capital Esmeraldas Portoviejo Guayaquil Santa Elena Babahoyo Machala Tulcán Ibarra Santo Domingo Latacunga Ambato Guaranda Riobamba Azogues Cuenca Loja ORIENTE Nueva Loja Tena Pto.873 510.591 23.068 23.137 270.999 3.702 691.895 181. que domina buena parte de la sierra y la costa. aunque nunca se han respetado sus derechos ni manifestaciones culturales que.669 8.138 167.947 12.

Para los Chachis. aproximadamente. Tahuaza o Filomena Aguavil y Otongo Mapal. Eloy Alfaro y San Lorenzo. Nacionalidad Épera De acuerdo con su afinidad étnica y lingüística y sus puntos originarios de migración. un mundo intermedio habitado por los hombres y los espíritus.pequeños cultivos especialmente de plátano. producto de un proceso migratorio que se produce en 1964 desde el Chocó Colombiano. Inicialmente vivían dispersos al sur de Colombia y en el norte de Ecuador. debido a la forma particular de peinarse y pintarse el cabello con achote. plantas. apelativo rechazado por ellos que reivindican el nombre de Tsa'chilas. gente. La Nacionalidad Chachi ocupa un territorio aproximado de 105. debido a la atracción provocada en ellos por ¡as similitudes de esta región con el Chocó Ecuatoriano. la zona Centro. es de 2. uno de los grupos indígenas con mayor población en Colombia. que significa la verdadera gente. les asignó 19. montes. Rio Verde y Quinindé. particularmente en la provincia de Esmeraldas en condiciones de absoluta pobreza. conservan elementos culturales importantes que les da identidad. creen que irrespetarla puede provocar desgracias. Este pueblo ve amenazada su supervivencia por la presencia de la oncocercosis. Su población. con estatutos legales. En el Ecuador son de presencia tardía. El Poste. Naranjos. de las cuales las 83. cuentan con 457 familias distribuidas en 46 centros. consideran que los espíritus pueden ser masculinos o femeninos y tienen la facultad de causar el bien o provocar el mal. las demás han sido ocupadas por colonos. Peripa. Su representación del universo se basa en un principio dual. A pesar del intenso contacto con la sociedad mestiza. Su supervivencia está garantizada por la agricultura. La lengua materna de la Nacionalidad Chachi es el Cha'palaa. y la zona Sur.194 habitantes que se encuentran distribuidos en 22. Nacionalidad Awá Los Awá (hombre. 131 . en los cantones. La base de su alimentación son los.Costa Nacionalidad Chachi Habitan el centro norte y sur de la provincia de Esmeraldas.060 hectáreas. Las familias de 250 personas. el universo está dividido en tres mundos: uno superior que sólo es conocido por quienes forman parte de la cultura. en 1998. En la zona Norte.000 hectáreas de las cuales actualmente solo cuentan con 9. ríos. persona. y un mundo inferior que es la réplica del mundo intermedio. Hoy viven un proceso de reagrupamiento y están ganando en identidad y sentido de pertenencia en el poblado Santa Rosa de los Epera junto al río Cayapas. quebradas. los Épera son una ramificación de los Eperara Sia (Embera). la caza y la crianza de ganado vacuno. consideran que todos los seres humanos. de oposición y complementariedad. 000 hectáreas. Aproximadamente son 2. entre los ríos Mira y San Juan de la provincia del Carchi.000 hectáreas corresponden a bosques primarios y secundarios con una gran riqueza forestal apetecida por las grandes industrias madereras. combinada con actividades como la caza y la pesca. Buha. en las orillas del río Cayapa. Según estudios del PRODEPINE. Cóngoma Grande. A los Tsa'chilas generalmente se les ha conocido como "colorados". animales. al sur occidente de la provincia de Pichincha. en los cantones Esmeraldas. pero en el que todo ocurre al revés. El Ex-stituto Ecuatoriano de Reforma Agraria y Colonización. piedras poseen espíritu. a 128 kilómetros de Quito. bipolar. en el cantón Muisne. Nacionalidad Tsa ´chila La Nacionalidad Tsa'chila se encuentra ubicada en el Cantón Santo Domingo de los Colorados. ser humano) conocidos también como Coayquer se ubican en el noroccidente del Ecuador. La naturaleza es percibida como un sistema vivo y animado con una gran fuerza sagrada.640 habitantes distribuidos en 8 comunidades muy cercanas a la ciudad de Santo Domingo de los Colorados: Chiguilpe. que es una enfermedad causada por la larva del mosquito "juro"y que produce ceguera. como por ejemplo el tsa'fiqui (verdadera palabra) como lengua de su comunidad.

pero se hallan mezcladas con fiestas de origen católico. la pesca y el cultivo de huertos especialmente de productos como la yuca y el plátano. La población indígena de la Sierra conforma una unidad que la identifica con la nacionalidad kichua. Cañari.pamama. en la Península de Santa Elena. Caranqui. Panzaleo. y en Guayas. cantones Portoviejo. en la provincia del Guayas. Waranka. Quito. cantones Santa Elena. La nacionalidad Kichua se halla situada a lo largo de la región interandina y está conformada por diversos grupos étnicos basados en relación de parentesco y una tradición cultural compartida. en las provincias de Manabí y Guayas. los Panzaleos y las comunidades más alejadas de los centros urbanos son las que mejor han mantenido su cultura. sufren un fuerte proceso de mestizaje. cantones Santa Elena. Las principales fiestas indígenas de la provincia de Imbabura tienen orígenes prehispánicos. con una variedad cultural. cantones Portoviejo. Montecristi. Jipijapa. Playas y Guayaquil. por ejemplo los indígenas de Zumbahua.500 de posesión ancestral (no legalizadas). esta constituía por 13 pueblos. Viven básicamente de la agricultura complementada con la cría de ovejas. que les provee de alimento y de madera para la construcción de viviendas. Sierra Nacionalidad Kichua La nacionalidad Kichua es el resultado de un proceso de conquista de varios pueblos con diferentes características culturales.000 hectáreas de tierras legalizadas y 5. Su idioma es el castellano. Guayama. Zámbizas. el Kichua fue adoptado como lengua materna por todos esos pueblos. en la Península de Santa Elena. Manta. 132 . En Manabí. en una extensión de 515. una lengua común. Su lengua es el Awapit. Además de nacionalidades y pueblos existen también las comunidades. El chontaduro es una de las especies más importantes para los Awá. la tierra y el hombre (Pachacama. Se encuentran ubicados en la Costa Sur del Ecuador. Playas y Guayaquil. Salasaca.Centros ubicados en Ecuador y Colombia: entre el rio San Juan y Mira en la provincia del Carchi. Saraguro. Natabuelas y Caranquis. La base de su subsistencia está en la cacería. Una de las más importantes es la fiesta de San Juan. los pueblos y comunidades que se mantienen se hallan localizados en los alrededores de la ciudad de Quito. 24 de Mayo y Puerto López. en la mayor parte de casos toman el nombre del lugar en que habitan. En la provincia de Pichincha. Kitu-Ka-ras. Montecristi.Puná se encuentran en un proceso de reconstitución como pueblo y de precisión de su Identidad. En Cotopaxi. alto-bajo. que comparten un largo proceso histórico. Puruhá. una misma cosmovisión basada en la relación armónica entre el universo. y en San Lorenzo en la provincia de Esmeraldas. En Imbabura se encuentran los pueblos: Otavalos. 24 de Mayo y Puerto López. Chibuleo. que se celebra a partir del 21 de junio. Natabuela. Estos pueblos son: Otavalo.Huancavilca . Esta nacionalidad está conformada por varios pueblos. En 1982 el Estado les entregó los títulos de propiedad de las tierras. y que tiene a la comunidad como su centro de referencia para su sobrevivencia económica. Jipijapa. en 101. frío-caliente) que organiza la relación entre el hombre y la naturaleza. Nacionalidad Manta – Huancavilca .Puná Se encuentran ubicados en la Costa Sur del Ecuador.38 has. 965. Moreta. Cayambi. ail . o la fiesta del Inti Raimy o de las cosechas. conservan poco de su cultura tradicional. cuyo idioma. cada uno de ellos. Guangaje. y en Guayas. Los más importantes son los Kayambi. Los Manta . social y cultural. runa) y la división binaria de oposiciones (tierra-cielo. Manta. En Manabí. en las provincias de Manabí y Guayas.

Pastaza al sur. Amazonía En la amazonia ecuatoriana habitan varias nacionalidades indígenas. la base de su sustento es la agricultura. Cacha. sus tierras comunales en la mayor parte les han sido arrebatadas. 133 . En Chimborazo. pero a pesar de ello han logrado preservar su cultura e identidad. Simiatug. Muchos de los indígenas igualmente se ven obligados a migrar a las ciudades. el 70% son colonos que emigraron a la región en la época en que se implementó la Ley de Fomento Agropecuario y Colonización. Los indígenas acosados por esta situación. Hasta la década del 50 la Amazonia estaba habitada principalmente por población indígena. son comunidades que estuvieron vinculados a las haciendas en calidad de huasipungueros. En el proceso de Reforma Agraria se entregaron tierras comunales en las zonas altas. Muíalo han sufrido procesos de mestizaje más fuertes. Viven en las provincias de Sucumbíos. Tradicionalmente han sido pueblos sometidos al abuso y la explotación. persona. Comparten igual tradición lingüistica y cultural con los Kichuas de la Sierra. el producto principal es el maíz que es el cultivo más generalizado. pasando a desempeñar una variedad de ocupaciones poco remunerativas. Los indígenas que habitan en la selva tienen características especiales. El idioma de la Nacionalidad Kichua del Oriente es el Runa Shimi. pesca y de una incipiente agricultura itinerante. son pueblos que viven de la recolección. Tienen problemas de tierras debido al avance de la colonización y penetración de empresas transnacionales de palma y té. Saquisili. han perdido parte de sus territorios y se han visto obligados a internarse en la selva o a convertirse en asalariados en situaciones muy desfavorables. En Bolívar se encuentran algunas comunidades que toman el nombre de los lugares en que habitan. los Puruhá. Son migrantes que alimentan la población marginal de las ciudades. los ríos. Píllaro. En Tungurahua. Comunidades más cercanas a la capital de provincia como Pujili. hoy los indios constituyen apenas el 30% de la población de la región. produciendo deterioro y disminuyendo sus posibilidades de vida. Son alrededor de 80. En Cañar y Azuay se encuentran los pueblos Kañari y en Loja los Saraguro. Los pueblos Kichua han sido sometidos a una fuerte y agresiva penetración ideológica y cultural de parte de la población blanco-mestiza. perteneciente a la familia lingüística Kichua. además de colonos. Sin embargo. en la zona comprendida entre los ríos Putumayo y San Miguel al norte. Colta. Las principales nacionalidades del Oriente son: Nacionalidad Kichua de la Amazonía La Nacionalidad Kichua de la Amazonia comprende dos pueblos que comparten una misma tradición lingüística y cultural: El Pueblo Napo-Quichua y el Pueblo Quichua del Pastaza o Canelo-Quichua. En la actualidad esta situación se ha modificado. Constituyen mano de obra asalariada para trabajos agrícolas y de la construcción. así tenemos los Waranka. Licto. Defienden su derecho a autodenominarse como Runas que significa gente. las estribaciones de la Cordillera y las fronteras de Colombia y Perú al este. la explotación petrolera y la agricultura practicada por los colonos y las empresas agroindustriales y madereras contaminan el aire. En general. Napo y Pastaza.000.Una buena parte de los indígenas de esta provincia mi-gran a las ciudades a incorporarse como trabajadores de la construcción. Sasalaka que sobreviven con la agricultura y la práctica de algunas artesanías. El uso y aprovechamiento del bosque constituye la base de su existencia con el que forman una unidad hombre-naturaleza. formados en su mayor parte por indígenas de la Sierra. especialmente en el sur de la provincia de Morona Santiago y posteriormente en la década del 70 atraídos por la bonanza de la explotación petrolera en las provincias noroccidentales. Chibuleo. los suelos. caza. los principales pueblos y comunidades son: Salasakas.

que marca la época de los primeros hombres (runas) y por lo tanto de la historia. pesca y recolección de frutos. Conservan sus vestidos tradicionales que son símbolos muy importantes de su identidad. y. Estos dos seres son los que trasmiten el conocimiento al hombre y la mujer. Aguarico y Cuyabeno. la pesca y la recolección de frutos silvestres. que les ayuda a alcanzar el poder y el conocimiento y es el medio para comunicarse con las fuerzas sobrenaturales.En la actualidad la expansión de la colonización. el Callan Uras. la agroindustria. Actualmente su subsistencia se encuentra amenazada por la penetración de los colonos y la contaminación. han limitado el territorio de los quichuas. aunque han modificado otras manifestaciones como su vestuario. Se denominan así mismos como Ai que significa gente. complementada con productos obtenidos de la caza. prácticas de medicina tradicional. la explotación petrolera. como por ejemplo una buena parte de ellos adoptaron como su religión la evangélica. Su idioma es el Aingae. que les da un sentido de identidad cultural muy fuerte.Secoya Son alrededor de 700 personas. Los Secoya trabajaron en la limpieza de los campos y las construcciones para las compañías petroleras. y Shungui espíritu del agua. El principal espíritu de la selva es Amasanga. porque su territorio se redujo considerablemente y además fue fraccionado formando refugios en las zonas más alejadas y a veces inhóspitas de la selva. prohibieron el uso del yagé que les servía para el mantenimiento de sus valores y comportamientos culturales. basadas en la ceremonia de beber el yagé. complementada con caza. Su sustento básico es la horticultura. La explotación petrolera afectó a todas las comunidades Cofán. En la familia Cofán no existe una división rígida del trabajo. Nacionalidades Siona . aunque muchos utilizan el vestuario occidental. La cosmovisión Kichua reconoce diferentes tiempos: el Unai (tiempo mítico) remoto e indiferencia donde tienen su origen las conductas sociales. Entre sus prácticas ancestrales se encuentran las shamánicas. Para ellos. La acción del Instituto Lingüístico de Verano provocó profundos cambios culturales en este pueblo. La penetración de los colonos y la explotación petrolera les ha llevado a perder sus condiciones de vida. obligándolos a incorporarse a la economía del país en forma muy desventajosa. Su subsistencia se basa en una agricultura itinerante. La ganadería y la agricultura intensiva les ha obligado a la sedentarización y han creado relaciones de dependencia de las instituciones de crédito. Los Kuichuas de la Amazonia mantienen en la actualidad su cosmovisión. conocido también como Sacha Runa. La esposa de Amasanga es Nunghuí la madre de la chacra o madre de la arcilla. ya que muchos de ellos deben emplearse como trabajadores de las empresas petroleras. Poseen 40 mil hectáreas legalizadas. 134 . habitan en las orillas de los ríos Putumayo. la mujer participa en todas las actividades. Otra celebración importante tiene que ver con la maduración del chontaduro. existe un mundo subterráneo llamado la casa de la tierra en donde viven los mortales y un mundo celestial. costumbres y el quichua como la lengua de la comunidad. el Cunan Uras (tiempo actual) que se remonta hasta donde alcanza la memoria. Son alrededor de 728 en el Ecuador y 200 en Colombia. Su idioma es el Paicoca. Nacionalidad Al Cofán Se encuentran localizados a lo largo de los ríos Aguarico en la provincia de Sucumbíos. Practican el culto al Yagé.

(El Comercio D4. tienen como promedio cuatro usos distintos para cada planta. Mazaraka (Mazara-mu). se conoce de otros grupos que se mantienen alejados o "no contactados" pero que pertenecen al mismo pueblo como son los Tagaeri y los Taromenani. son nueve comunidades dispersas. Nacionalidad Zápara Es el grupo de indígenas más pequeño de la Amazonia ecuatoriana. son 800 indígenas que poseen lengua y vestimenta propia. el rio premiaba y castigaba. Pastaza y Napo. ocupan la parte sur de la provincia de Pastaza. Cuyacocha. el este de Morona Santiago y Zamora Chinchipe. 135 .) Nacionalidad Shiwiar Su idioma es el shiwiar-chicham. Actualmente se encuentran además en las provincias de Napo. y el nuevo asentamiento Akamaru. reunido en el Puyo. en especial por la explotación de los caucheros. Practican una agricultura itinerante. Conocidos como záparos. Ocupan las riberas de los ríos Pastaza y Bobonaza. el río cumplía un papel vital. Están ubicados a 45 minutos desde el aeropuerto de Shell (Pastaza) por vía aérea.000 habitantes. Viven a orillas de los ríos Santiago. 269 del 9 de julio del 2003. Se encuentran entre los ríos Napo y Curaray. así por ejemplo. En la antigüedad. El conflicto entre Ecuador y Perú los dividió territorialmente. Fueron reconocidos como nacionalidad por el Parlamento Indio Amazónico el viernes 8 de mayo del 2004. Los Huaorani se han visto expulsados de su territorio y amenazadas las fuentes de su subsistencia debido a la explotación petrolera. Están ubicados en las provincias de Orellana. Aremano (Jandiayacu). Morona y Pastaza. de los que se conoce muy poco. Con la firma del Protocolo de Río de Janeiro en 1942 los dividió una parte de ellos quedó en territorio ecuatoriano y otra en Perú. se encuentran ubicados al suroeste de la provincia de Pastaza. Los aproximadamente 200 habitantes Zapara del Ecuador viven en una parte de la selva Amazónica de alta biodiversidad entre las cabeceras de los Ríos Conambo y Pindoyacu.Nacionalidad Waorani Su idioma es el huao tiriro. mientras la mayor parte se quedó dentro de las fronteras del estado ecuatoriano. Los Huaoranis no constituyen un grupo homogéneo. hoy sobreviven 200. Ocupan un territorio de 100. en las comunidades de Kuitza (Llanchamacocha). alcanzando una población según el Prodepine de 110. Nacionalidad Andoas Ubicados en Pastaza. Nacionalidades Shuar . Pastaza y Zamora Chinchipe. otros al agua. Están organizados en la ONAPE (Organización Andoa de Pastaza y el Ecuador) con Acuerdo ministerial N. Los Huaorani demuestran un profundo conocimiento de la selva.000 hectáreas de selva virgen.Achuar Su idioma es el shuar chicham.000. Martes 11 de mayo del 2004. Su idioma es el záparo. los Huaorani adoraban al sol. Se denominan así mismo Untsuri Shuar "gente de la montaña". No hay datos sobre el número de habitantes. cada familia posee varias parcelas que las cultivan en forma cíclica y alternada. de doscientas mil personas agrupadas en 39 diversos grupos que fueron a la llegada de los españoles. además de la caza y la pesca. son aproximadamente 3. La cultura de la nacionalidad Zapara del Ecuador y del Perú han sido reconocidos por parte de la UNESCO como Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad por sus tradiciones orales y otras manifestaciones culturales. hoy un pequeño grupo ha quedado al otro lado de la frontera en Perú. su nombre es Zapara que en su idioma significa "personas de los bosques" La historia de este pueblo es la historia de la devastación producida por el impacto de la cultura occidental.

la diosa de la madre tierra.000 personas. que en su condición de pueblos originarios constituyen testimonio vivo de la cultura y patrimonio sociocultural tangible e intangible del Ecuador y de la humanidad. del tráfico de madera.000 que están por legalizar.Actualmente los Shuar disponen de un territorio de 718. Como consecuencia de la expansión demográfica y los incontrolables procesos de colonización. Pueblos en situación de asentamiento voluntario En el territorio ecuatoriano viven al menos dos pueblos indígenas en situación de aislamiento voluntario. Cotacachi. las de la cuenca del Río Mira en la provincia del Carchi y la provincia de Esmeraldas.220 ha ya legalizadas y aproximadamente 150. los Shuar se han visto empujados a ocupar tierras ribereñas y de selva baja en territorios vecinos. Urcuquí. Salinas e Intag. Es el grupo cultural más grande de la cuenca amazónica. con sus propias tradiciones y costumbres. Cuenca del Río Mira. y en especial la de Esmeraldas. según Declaración de la UNESCO en 1989. La población negra del país. las estrellas. que comparte una misma historia. Mira y Bolívar. Sus zonas de asentamiento tradicional son: el Valle del Chota en la provincia de Imbabura. Estos problemas afectan la interdependencia de los pueblos Tagaeri y Taromenani con su hábitat natural y ponen en riesgo la integridad de la biodíversidad y la conservación de gran parte del Parque Nacional Yasuní. reconocido como Reserva Mundial de la Biosfera. Su agricultura es itinerante. Uimbí y Cachaví en la segunda mitad del siglo XVIII. afirman que el viento. Los pueblos Shuar y Achuar se hallan étnicamente emparentados y conviven en territorios de Ecuador y Perú junto a otras etnias como la de los Aguaruna y los Huambisa del Perú. Pueblo negro de la Sierra Se encuentran ubicados en las provincias de Imbabura y Carchi. Hoy se hallan sedentarizados lo que ha modificado en parte su sistema socio-cultural. en el denominado Valle del Chota. usan la técnica de roza y quema. Son los Taromenani y Tagaeri (desmembramiento de los Waorani). pero en una situación de extrema fragilidad debido a su vulnerabilidad. Las amenazas a su integridad física provienen además de la intervención petrolera. Practican también la ganadería. y de las cuadrillas de esclavos traídos del sur de Colombia a los lavaderos de oro de los ríos Santiago. Los negros son un grupo étnico conformado por las Comunidades Negras. desprotección frente al avance de la civilización y el desarrollo. Son pueblos que se auto . es decir por el conjunto de familias de ascendencia afro-ecuatoriana que posee una cultura propia. tiene como orígenes: el desembarco de un barco negrero en las costas de esta provincia en 1553. Son parte de este país muitiétnico y pluricultural y enriquecen la cultura nacional ecuatoriana. que conserva conciencia de identidad que le distingue de otros grupos étnicos. Pimampiro. los animales y las plantas son reencarnaciones de almas que existieron en el pasado. los truenos. Su cultura posee muchos mitos. Población Negra La población negra se halla distribuida por todo el país aunque en un número reducido. todos pertenecen a una misma familia lingüística con una población total de 80. que pertenecen a los Achuar. colonos. en los Cantones: Ibarra. la pesca ilegal en sus ríos y las incursiones de militares. evangelización. Una de las figuras más sobresalientes es Nunkui. 1998). mientras que otros defienden la autodenominación de "Afroecuatorianos".identifican en relación a su color. comercio ilegal de madera y extracción de los recursos naturales no renovables. quichuas y de algunos Wuaorani enemistados en sus territorios. por ello se autodenominan "Negros". Viven en completa libertad en sus territorios de uso tradicional. que reinvidican sus orígenes ancestrales. (PRODEPINE. que se ha traducido en colonización de sus territorios. 136 .

El idioma del Pueblo Negro es el Castellano. Los denominados "blancos" o europeos mantendrán la superioridad racial. así como en la capacidad para improvisar sus coplas. cuando se decreta la Manumisión de esclavos. Cuantitativamente cobran importancia a partir del siglo XVI. el valle del Chota. como Carpuela. pero tampoco son indígenas. Es un tema de una gran complejidad. cultural y espiritual durante varios siglos. 137 . Un elemento importante de su cosmovisión y que evidencia sus raíces ancestrales africanas. Caldera y Chalgua-yaco. y en la manera de construir o de tocar sus instrumentos. sobre todo en los primeros siglos los mestizos serán marginados y excluidos de la sociedad por ser considerados "no puros" y ocuparán los lugares más bajos de la sociedad. de la Virgen y los Santos y donde moran el alma de los niños muertos y de las personas que en vida fueron buenas. españoles. Durante la colonia. el infierno o mundo subterráneo donde habitan las almas de los muertos y espíritus que no pudieron llegar al cielo. La zona que habitan. pequeños comerciantes. y 8. de allí que tienen una visión del universo en tres niveles: el cielo que es el espacio de las divinidades. la música y el baile. en los sonidos. al continente Americano. Pero la mezcla. Chamanal. de Dios.000 habitantes. constituidos por aquellos que desarrollan profesionales liberales o artesanos. no solamente es biológica es ante todo cultural. cuyos descendientes resultan ser los mestizos de antes y de hoy. 4. de los cuales 7. según datos de PRODEPINE de 1998. y los Jesuítas el cultivo de caña. La producción de coca y algodón que se daba en el Valle permitió una época de bonanza de los Señoríos asentados en la Cuenca del Río Chota-Mira en tiempos pre-hispánicos. sus lenguas originarías se han extinguido.800 viven en el valle del Chota. la tierra que es el mundo del ser humano y de la naturaleza de la que depende su vida. o Valle Sangriento ya que la población fue diezmada por las epidemias y el trabajo agotador en las grandes haciendas con plantaciones de caña. pero también a una mezcla cultural. algodón y viñeros que tenían los misioneros Jesuítas. el castellano. 6. en el Valle del Chota. Los españoles serán aculturizados por los indígenas en el mundo de lo cotidiano. Posteriormente los españoles introdujeron cultivos de olivo y vid. Una de las características originarias de los mestizos va a ser su ambigüedad.438 en la Cuenca del Río Mira. La población negra mantiene una fuerte influencia de la iglesia católica en sus prácticas culturales. la católica. Población Mestiza La categoría mestizaje surge con la llegada de los europeos. que será otro componente en la actual conformación étnica y social del Ecuador. Los indígenas tuvieron un proceso de aculturación desde el mundo español a través de la imposición de una religión.624 en Intag y el Área Urbana. en ocasiones se acercaran a lo blanco y otras a lo indígena. Para el periodo de la independencia los mestizos serán un sector importante de la sociedad. de la convivencia. que les permitió el control económico y social de la región y la apropiación de grandes haciendas y tierras de alta productividad. La Concepción y Guajara.El Pueblo Negro del Chota tiene una población de 27. La situación de pobreza y explotación se ha mantenido durante el periodo republicano. sus propiedades son traspasadas a los terratenientes locales que mantienen la esclavitud hasta 1852. alude a la mezcla "racial" a uniones interétnicas en particular entre españoles e indígenas. La crisis demográfica de la población indígena y la necesidad de mano de obra llevó a que los Jesuitas introdujeran mano de obra de esclavos negros. antiguamente fue conocida como Coangue.140 en Salinas. que se demuestra en los contenidos. y en el Valle del Mira. en la armonía del baile y el canto responsorial. no son blancos. Así a inicios del siglo XX y con la Revolución liberal se impone un proyecto de nación ecuatoriana de carácter mestizo. de una lengua. Con la expulsión de los Jesuítas (1767). de allí que esa zona sigue siendo una de las más pobres del país. es la relación que tienen con la poesía. las de Santa Lucía. Poco a poco se irán constituyendo en la clase media de la sociedad colonial. a una mezcla simbólica. como se señala anteriormente.

con un orgullo. Cosa similar sucedió con el mestizaje. de carácter occidentalizada (a veces identificándose con lo andino). porque a su interior hay una rica y variada diversidad. Bajo los términos mestizo o blanco se puede estar "escondiendo" una identidad que no se quiere asumir. pero propia en el sentido que toma valores. no así instrumentos musicales. C.En la actualidad en los procesos de modernización del Ecuador y de desarrollo del capitalismo este sector adquirirá un rol fundamental. Población del Ecuador Según Autodefinición En el VI Censo de Población y V de Vivienda realizado por el Instituto Nacional de Estadísticas y Censos -INECen noviembre del 2001 por primera vez se preguntó a la población ecuatoriana sobre la forma en que se definía a sí misma desde el punto de vista étnico. excepto un churo (caracol) junto a un esqueleto humano en las Vegas (Santa Elena). Lo que mide el censo en este caso son las percepciones que la población tiene sobre sí. VISIÓN HISTÓRICO – SOCIAL DE LA MÚSICA ECUATORIANA LA MÚSICA INDÍGENA EN LA ÉPOCA PREHISPÁNICA. no es igual un mestizo del campo que de la ciudad. una identidad y una cultura que puede ser mezcla de todo pero que la siente como propia. Carolina. En general se puede señalar que los mestizos de hoy.más fuerza a este concepto convirtiéndolo en la festividad más importante del Tahuantinsuyo. Los vestigios dejados por el antiguo hombre ecuatoriano datan de más de 12. cada colectividad ha producido un imaginario propio o compartido sobre lo que constituye el mestizo del siglo XXI. en sus apacibles labores.necesariamente tenemos que hablar de sonido organizado. Situación que es más visible. en tanto constitución de la burocracia profesional que sostiene el Estado. Cabe resalta que así como no se puede usar el genérico indígena para referirse a toda esta población. creará una ideología y una práctica política "propia".000 años A. que los datos expuestos a continuación deben ser leídos y analizados tomando en cuenta esta perspectiva. simplemente se es mestizo. y será la basa fundamental de los partidos políticos llamados "modernos". De allí. microlitos e instrumentos de trabajo se han hallado en los sitios del inga. o aquella población del Ecuador que se autodefine étnicamente como mestiza. Ángel Calvache Mora Recorrer los museos arqueológicos del Banco Central. asumir una identidad que socialmente no es "valorada". época del precerámico o paleoindio. Pumas de proyectiles. de Quito o Guayaquil. que de Cuenca o Latacunga. En las entrañas del barro. son construcciones que la población realiza en base a una serie de condiciones que tienen una raíz histórica y social. que siendo una realidad nacional se identificó primero con su raíz española y solamente hoy con los procesos de revalorización de lo indígena. pobre. indígenas o negros ya no es un tema sobre el cual crearse conflicto. 138 . sobre todo. en donde han estado presentes en forma permanente la revalorización de "lo blanco" identificado primero como lo español. en detrimento de "lo indio" y "lo negro" que fue considerado como inferior. por lo que -sin descartar. tiene una cultura y una identidad propia. lascas. es revivir el pasado e imaginar a nuestros hombres y mujeres de antaño inmersos en la lucha diaria. al interior de la población mestiza sucede lo mismo. luego europeo y hoy lo estadounidense. ya que estos procesos de autopercepción. este está siendo rescatado. para la mayor parte de la población. dadas conquista inca le dio. en las ciudades en donde la población mestiza siente que sus orígenes españoles. porque resulta todavía difícil. pero representará también buena parte de la población ecuatoriana empobrecida. aspecto que debe ser considerado con mucho cuidado. en su actividad siempre armónica con la naturaleza. como atrasado. de la Casa de la Cultura Ecuatoriana y de otros centros que hacen de Quito y del Ecuador un emporio de arte y de cultura. rasgos culturales de sociedades occidentalizadas y de otras y las hace suyas. en sus intereses comunes. se siente y se vive como tal.. y que representa más del 75% de la población.un cierto tipo de música en aquella época. subdesarrollado. Las Vegas.

De esta comunión del hombre con la tierra surgieron los ritos. que no fue comprendida por los españoles. etc. los conquistadores ibéricos se acercaron y los territorios que hoy constituyen Perú y Ecuador. silbatos. 139 . los más apreciados y recónditos secretos que con el maíz. Tolita.: Proyecto Multinacional de Artes. nos da una visión cronológica de cómo aparecieron los instrumentos además una clasificación según el género. son claros testimonios de la sabiduría de nuestros antepasados. Huancavilcas y otras poblaciones que habían desarrollado varias formas sociales de vida y que. Es imposible evitar tocar dos notas simultáneas a menos de que uno deliberadamente cubra ambos agujeros de un conducto”. Notándose que el material utilizado en las diferentes culturas predomina lo que les ofrecía el medio. con acabados y decoraciones primorosas y de inimaginable complejidad que resulta nada menos que imposible el imitarlos. la permanencia incaica en territorios del Reino de Quito fuere relativamente corta. época en la que algunos estudiosos enmarca a las primeras culturales ecuatorianas del Formativo Temprano (Valdivia). Medio (Machalilla) y Tardío (Chorrera). Ahí reposan los más complejos y elementales instrumentos musicales. las ceremonias y los cantos de adoración al sol. Jama Cuaque. debido a que los españoles empezaron sus pruebas tangibles. Bahía. ejecutando polifonías a tres voces (una flauta y dos votes femeninas). como lo demuestran ciertos vestigios. las más bellas obras repujadas con el cincel de su constancia y delicadeza. que presenta el Banco Central del Ecuador en su libro “Instrumentos Musicales Prehispánicos del Ecuador” del autor Jaime Hidrovo Uriguen. Guangala. Así mismo se ha comprobado que las mujeres de la parcialidad Shuar cantan a varias voces. habían desarrollado y heredado de sus ancestros una alta cultura. La arqueología y la tradición oral-auditiva son las dos fuentes para el estudio de la música precolombina.500 años A. Para el estudio de la música en la etapa colonial se disponen de fuentes adicionales: la documentación escrita la documentación iconográfica’ de la primera se desprende que para 1526. poseían unas rica cultura musical. También asegura haber escuchado una grabación de los indios Cofanes. Según datos históricos. desde los 3.. Flautas pertenecientes a la cultura Bahía descritas así: “Hay dos conductos que son soplados desde la misma abertura. así como aquellos de la región costera oriental del Ecuador prehispánico. hacen la armonía perfecta donde el hombre danza su realización plena. con entradas a distinto tiempo y aunque no existen referencias tangibles también se ha pronunciado la posibilidad de que los indígenas poseían instrumentos de cuerda en su arsenal órgano lógico. Las culturas precolombinas de Chorrera. En las entrañas del barro esta la cultura andina.. como hijos que buscan sus raíces en los senos exuberantes de la madre. Valdivia. Con esta cosmovisión descubrieron su mundo y con ella las técnicas de construcción de hermosas piezas de cerámica. a la luna ya la tierra misma. Caraquez. sobre la cual los incas no ejercieron mayor influencia. Si todo el desprendimiento de esos hombres que más apreciaban la cosmología del mundo material fue arrojado a los homos. C. qué podía esperarse en relación a sus manifestaciones espirituales y artísticas. sin incursionar a ellos sino hasta enero de 1531. cada conducto con dos agujeros para lOS dedos. Los cronistas mencionan ciertos tipos de rabales y guitarrillas. Uriguen divide la época Prehispánica en cinco periodos de desarrollo. Es importante indicar que los pueblos asentados en los Andes. En las costas esmeraldeñas dominaron el pueblo indígena de Coaque y posteriormente siguieron la marcha a lo largo de las costas de Manabí y Guayas. Ej. “una vos casi siempre imita a la otra formando un corto efecto canónico”. donde se hallaron con varias comunidades indígenas tales corno los Mantas. Sabiduría que hoy podemos rememorar gracias a los tesoros arqueológicos descubiertos y con los cuales nos es fácil comprender que sus estatuillas. utensilios y adornos son testimonio de una vida diáfana y de un ímpetu arrebatador para la conquista de anhelados sueños.

En tanto que el mestizaje cultural. el orden social se estructuró en base a una división de castas. Sin embargo. Además. entre ellas la de los mestizos. al medir las distancias sonoras reales. tal el caso de considerarla exclusivamente monódica. que se sentó en los conventos y cuyo exponente fue el maestro de capilla: educador. Los siglos XV y XVI marcan el esplendor de la música española. etc. Fase Machalilla. fue sustituido por músicos profesionales. La cúspide de la pirámide era blanca.).Si bien la arqueología ha podido recoger una pequeña fracción de lo que pudo haber existido. el rescate de variados instrumentos musicales prehispánicos construidos en barro y cerámica. estableció una posición social para cada grupo resultante. itomorfas. sustentada por las subdivisiones “inferiores” configuradas por las mixturas étnicas. con detalles y formas antropomorfas. El esquema impuesto por los conquistadores. era jerárquico y fue configurado sobre los criterios de raigambre feudal provenientes de Europa. resultado de una casi infinita posibilidad de cruces que se dieron en América entre los tres grandes troncos raciales: el indígena. qué sonidos se interpretaban?. sólo podía ser maestro de capilla un religioso ordenado que venía de España. La iglesia. Se cree pues y esto ya fue preparado por Pedro Pablo Travesari en las primeras décadas del siglo presente que los microtonos eran usados a modo de ornamentaciones. uno de los principales centros de difusión del pensamiento colonialista europeo. qué función podían tener dentro de una festividad o ritual? De hecho son retos de la arqueología el reconstruir las culturas antiguas. El mestizo ocupa una jerarquía menor al español y al criollo (hijo de europeo nacido en América). el de procedencia europea y el de origen africano. de igual manera a como actualmente los indígenas usan melodías ornamentales.C. La de mayor representatividad fue la música religiosa. Sin embargo hay que tomar en cuenta que los instrumentos musicales arqueológicos aún no dan respuesta a preguntas como quiénes los tocaban?. lo cual llevó a pensar inicialmente que los indígenas debieron hacer uso de sistemas microtonales en su música. fruto de la combinación racial. a través de diversos medios. fitomorfas.C. Por los resultados que han arrojado las evidencias arqueológicas.). intérprete y compositor. Las investigaciones efectuadas en los últimos diez años han obligado a replantear las conclusiones. pero en la pirámide social si el mestizo tenía un rango menor que el criollo y el blanco. 140 . se fue gestando en un proceso demás largo plazo. en las comarcas americanas se estableció una organización y administración política con características que ofrecía la España católica. no existe posibilidad de sostener una teoría de escalas musicales basada en intervalos equidistantes. ya que es muy difícil establecer los objetos construidos en materiales perecedores. etc. como En la etapa colonial. Naturalmente el mestizaje étnico. MÚSICA RELIGIOSA Después de la conquista.. En un principio.500 D. tenía en cambio un rango más alto que el indígena. soomorfas. uno de ellos fue precisamente la música religiosa. pues por el momento es aún imposible conocer toda la dinámica de las culturas aborígenes. según Charles Sigmund se verifica la existencia de instrumentos musicales dobles. produciéndose una sincretización de valores y pensamientos de una y otra culturas. por lo que varios científicos han preferido llamar a los sitios estudiados en sus investigaciones con el nombre de fases (fase Chorrera. Sin embargo las investigaciones aún no dilucidan esa hipótesis. como aquella de la pentafonía como sistema musical indígena. dan muestra del avance y tecnología que se utiliza en su construcción. que sobre la música indígena se habían establecido. se pueden obtener sonidos musicales de una distancia de semitono e inclusive distancias más pequeñas. De los innumerables instrumentos musicales de viento. catequizó y transmitió su ideología a los habitantes americanos. con el tiempo. producto de la interacción de culturas. sobre todo del periodo de Desarrollo Regional (500 A. muchos de los cuales eran criollos aún mestizos.

1538 . El Presidente de la Audiencia de Quito. que llegó a ser maestro de capilla. el nacimiento y en la hora de la muerte. etc. pues ya en las crónicas de Indias se puede advertir la importancia de la música entre los indígenas. presente en las ceremonias religiosas. Otros instrumentos de pequeñas magnitudes corno la vigüela. más tarde en los siguientes viajes españoles. 1620) y Manuel Blasco (ca. siembra y cosecha. No es difícil pensar que. Así lo testimonia Miguel Cabello Balboa en sus crónicas. Por eso es como se puede rescatar de los testimonios de los cronistas a oídos de los colonizadores la música indígena sonaba infernal. los primeros instrumentos europeos que se escucharían a través de toda América serian la corneta y el tambor de guerra. ávida de oro. Femando Santillán. con ‘buena gracia” la vigüela. Indígenas de la región del Chimborazo. o 10 hizo fabricar para la enseñanza de la música a los indígenas en el colegio San Andrés por 1535. Juan Santa Cruz ejecutaba. fúnebre. Colorados. e incluso algunos instrumentos de uso ritual fueran destruidos. También. quienes serán los encargados de guardar el acervo musical indígena.). acompañaban a los españoles en sus campañas conquistadoras. primer antepasado directo de la guitarra. pero no menos cierto es que los instrumentos. fue Diego Lobato de Sosa Yarucpalla (ca. trabajo. Aún hoy. 1628 . los rituales incluyen música con especiales características para cada celebración. es posible observar como las culturas indígenas vinculan la música a cada una de sus actividades diarias. De ahí que música y danza indígenas fueran muchas veces prohibidas por las autoridades religiosas católicas. etc. que pronto aprendieron a fabricar los artesanos mestizos e indios. a través de la tradición oral y auditiva. la ritualidad y el pensamiento musical. marcial. cambiar por cascabeles y otras bagatelas. Las expresiones artísticas logradas en siglos por los pueblos precolombinos no fueron apreciadas por la realeza europea.1695). Shuaras. impía. quedando convertidas. Cierto es que las comunicaciones indígenas del oriente. dolorosamente. guerreras. Otros famosos representantes musicales fueron Gutiérrez Fernández Hidalgo (ca-1553-ca. heredados de sus antepasados. Bartolomé de las Casas proponía.El primer mestizo del que se tiene noticias. LA COLONIA. en la campaña de la conquista en la provincia de Esmeraldas en 1577. Ventajosamente no todo se perdió.ca. en los crisoles desaparecieron las más extraordinarias creaciones del arte indígena. De alguna manera la resistencia indígena ha logrado la sobre vivencia. que los indígenas asimilaron la organología europea. 1610).sus costumbres culturales.ca. siguen siendo transmitidos a sus hijos. 141 . para evitar la usurpación por la fuerza. Tungurahua. de una u otra forma luchan contra el influjo de patrones extraños. de la modernidad y de las industrias que poco a poco cercenan su territorio y marginan . el oro de los indios. costa y región andina (Quijos. lúgubre. de muchas celebraciones. donde relata que uno de sus compañeros. La iglesia propició el ingreso de los instrumentos musicales europeos. melodías e instrumentos indígenas. adoptados desde entonces en las celebraciones y velorios. presentes. sin piedad. MESTIZAJE ÉTNICO Y CULTURAL Cascabeles a cambio de productos Posteriormente. en fríos lingotes únicamente tenían el lenguaje de la balanza. Hecho que no es nuevo. distribuía tamboriles y arpas en las comunidades indígenas como. tal el caso de la guitarra y los instrumentos de banda que ahora incluyen en su arsenal instrumental. Probablemente Jodoco Ricke trajo consigo algún instrumento musical.

en otro de sus estudios.Además se sabe que los religiosos. se seleccionaban estudiantes entre varios pueblos de la región. sobreviven hasta hoy. en el siglo XIX. El sincretismo que se produjo entre la música española y la música indígena del Ecuador originó la música mestiza. Pedro Gosseal de Luovain (flamencos).Primeras manifestaciones Mestizas (Siglos XVI – XVIII) En la ciudad de Quito. fuentes de vidrio y de facistol que incluían cantos de órganos: 35 en el inventario de 1708 y solo 20 en el de 1754. por supuesto. eran enseñadas a los indígenas de estas regiones. que de acuerdo a testimonio de los cronistas. trompetas. Muchas coplas. sobre todo ingresaban los hijos de los caciques. y si se empieza una búsqueda sistemática en los archivos extranjeros. ha llegado a constituirse en una clara manifestación musical con identidad propia. funcionaba una escuela organizada por los franciscanos Fray Jodoco Rickey y Pedro Gosseai. España tuvo su influjo musical a nivel religioso y popular. ¿Lo hicieron Américo Vespucio u otros audaces navegantes de la época? No lo sabemos con certeza. creaban nuevos bailes para que los indígenas los ofrecieran a las imágenes católicas. hacer yugos. advierte que es posible encontrar la música religiosa de compositores del Ecuador colonial. no españolas. sacabuches. Stevenson. es que se entregaron a los habitantes de la isla Guanahaní. música. el minuét. cornetas. como textos de las culturas indígenas y mestizas. También se introdujo un sinnúmero de canciones populares.Pero. En Quito. chirimías. si a estos textos se los musicalizaba con melodías indígenas. Pedro Rodenas y Antonio Rodríguez (españoles). si se revisan los 50 y más pesados libros de coro que vio por 1960 en la Catedral. en la cual se enseñaba. la manera de contar cifras de guarismo y castellano a leer y escribir y tañer los instrumentos de música. canto. tuvo raíces distintas. Lo que sí sabemos gracias a las anotaciones realizadas en el Diario de Navegación por el mismo Cristóbal Colón. en 1757. que han podido ser identificadas como la raigambre española. tecla cuerdas.. flauta. La misma que. la contradanza. hasta finales del siglo XVIII. 142 . copiados en pergamino. Sobrevivieron veintinueve inmensos libros de canto llano. otros habían sido dispersados. en 133 1. habían desaparecido para siempre las colecciones mencionadas en 1734. Ricke y Francisco Morales fundaron el Colegib San Juan de Evangelista. que en 1555 tomaría el nombre del Colegio de San Andrés. tal el caso del vals. una serie de formas musicales europeas. cuatro curas franciscanos: Jodoco Ricke de Molina. pues desde ese momento se comienzan a introducir en el continente americano. por el escritor Juan León Mera en su libro Cantares del Pueblo Ecuatoriano (1892). el canto llano y órgano. abren una escuela para la educación de indios y españoles Dieciséis años después. etc. obra en la que se pueden reconocer tanto canciones como textos de seguro origen ibérico. a quienes se les enseñaba a tocar órgano. las cuales servían antes para venerar a sus dioses. que permitirían encontrar los libros de coros polifónicos que faltan en los archivos de la catedral de Quito. Algunas de ellas fueron recogidas. en la actualidad el bien se reconoce. en el Convento de San Francisco. en afán de sepultar la idolatría. Los religiosos vieron que era más fácil la catequización si ponían los textos sagrados católicos en la lengua de los indígenas y.. sacabuches. desde 1535. entre otras disciplinas. arado y carretas. flautas. ¿Trajeron algún instrumento musical los marineros que se embarcaron en el Puerto de palos de Moguer con Cristóbal Colón en su primer viaje a las “Indias”?. INSTRUMENTOS MUSICALES. Los jóvenes indígenas fueron educados musicalmente por religiosos. Allí se enseñó a los indígenas “a arar con bueyes. Sin embargo. entre las cuales estaban los cuatro libros de coro de motetes. MÚSICA DEL PUEBLO ESPAÑOL EN AMÉRICA No solo la música religiosa tuvo su presencia en el nuevo mundo. por 1545.

pero no se conocen los alcances educativos que tuvo en ese Jugar. Juan de Campos. nativo de Guangopoio y Sancho. Francisco Saldívar. y funcionó bajo el nombre de San Nicolás de Tolentino. A nuestro tiempo. puede juzgarse por los inventarios de los libros. albazos y otros ritmos. Miguel de la Zona. Estos maestros de enseñanza ordinaria. escritura y tañido de teclas y flautas. Pedro Ortia. indio de Latacunga. fue tomando características propias. en l8l6y 1838 respectivamente. Gran parte de la música mestiza tiene sus antecedentes en la música indígena y. Juan Bermejo. que tocaban en compañía de los indios Juan Mitima. Los cambios que se fueron dando a través del tiempo se deben sobre todo. Francisco Fraga. por falta de pruebas documentales. En 1568 la Audiencia de Quito solicitó los nombres de los profesores del plantel para la distribución del presupuesto. indio natural de Quito. natural de Cotocollao. Históricamente se especula que el sanjuanito. realizada por 1856 (publicada en Madrid en 1883). En los libros de cuentas también se pueden encontrar los nombres de los sacerdotes Diego Lobato de Sosa Yarucpalla (ca. arpistas. Pedro Días. tal es el caso de Cristóbal. Varios libros de teoría musical. 143 . De acuerdo con el musicólogo norteamericano Robert Stevenson. que fue traído por los españoles en sus excursiones colonizadoras. natural de Pizolí. se contrataron a los músicos extranjeros José Celles y Alejandro Sejers. han llegado algunos nombres de indígenas y mestizos que se destacaron por sus habilidades en el canto. yaravíes. organista y cantante. también la música indígena y aquella creada e interpretada por mestizos. indio de Conocoto. para canto. es consignado como uno de los primeros compositores de la época. Manuel. en ciertos casos. Juan Martín Lorellana y Pedro de Zambiza. escritura y tañido de flautas y chirimías. Mideros. bajo la dirección de Fray de Obeso. Este tipo de expresiones musicales se vieron modificadas en su extensión y en su estructura general. etc. los principales difusores y maestros del dogma católico en los pueblos indígenas. Checa. Hassuarek y otros. en la música europea tal el caso de los fandangos. Lima. generalmente de música popular eran publicadas en Quito. Entre sus discípulos se asienta a Juan Bastidas. que aún cuando no se ha podido hallar sus obras.No sólo la música religiosa iba sufriendo ciertas modificaciones en América. Las partituras. lectura. para dirigir pequeñas escuelas de música en la capital. La primera compilación pautada de música indígena y popular que se conoce es atribuida a Juan Agustín Guerrero. a la guitarra instrumento de probables raíces árabes. En la guitarra se fueron adaptando los Sanjuanitos. Para el año 1581 el colegio fue traspasado a los Agustinos. en la que se comprometían Diego Gutiérrez. quizá el músico mestizo más importante. lectura y tañido de instrumentos. violinista y organista. nativo de Tanta. Juan Mitima. Francia. figura como cantollanista y primer tenor de la iglesia de la Catedral de Quito. y de los mestizos Francisco Moran y Bernardo de Trejo. 1540-16 10). interpretación y composición musical en el Colegio San Andrés. y una traducción al castellano de un libro de armonía de Fetis por Mario de la Torre. todos los cuales habían aprendido música y canto en el Colegio San Andrés. Diego Guana. Holinski. La finalidad principal de este “Colegio de indios” fue el adoctrinamiento a los hijos de los Caciques. quienes seguirían después con la influencia que les daba el cacicazgo. Luis Darmes. tuvieron por ayudantes a Juan Oña. el decaimiento de la música polifónica en la Catedral de Quito “Desde 1708 en adelante. Se presentó una lista. Ignacio Miño.En un documento manuscrito de 1817. Se cuenta además con informaciones musicales del siglo XIX en los escritos viajeros como William Stevenson. Antonio Fernández. el danzante y el yaraví sean los primeros en tomar características mestizas. órgano. probablemente en Cuenca y otras en el exterior Hamburgo. Antes de ser fundado el primer conservatorio del país. para la enseñanza de canto. Guayaquil. violinista. para canto llano. de quién Fray Reinaldo Lizárraga consideraba podía ser tiple en la capilla del Sumo Pontífice. cantor.

Manuel Jiménez flauta J. que evidentemente posibilitarían transformación y cambio en el desarrollo musical. La ausencia de trabajos de investigación. Después de siete años de funcionamiento. se dictó el decreto correspondiente de fundación y el 3 de marzo empezó a funcionar. La colonia es la etapa más oscura para la música en el Ecuador. Incluso el Himno Nacional del Ecuador. por ende. son entre otras las causas que han frenado la potencialidad de afianzar argumentos y conceptos científicos nuevos. como es sabido. en los cuales está la raigambre de la música mestiza. a medida que pasa el tiempo más complejo resulta en su totalidad el fenómeno del pensamiento musical y sus referentes históricos. hasta 1897 en que la sociedad se extinguió. de composición musical. Muchos creadores adaptaron sus obras cuando no las creaban para nomenclatura musical bandistica. Se contrató al pianista y compositor ecuatoriano Juan Agustín Guerrero Toro. se decidió. fue estrenado en 1870 por banda militar. que estuvo entre 1861-1865 en estas instancias. Cecilia. A la muerte de Neumane (1871). Para 1892 el compositor Aparicio Córdova. revisión de fuentes de una manera apropiada y su sistematización de terminan. son el mecanismo más importante de difusión y. En los siglos XIX Y XX. principalmente. cada año celebraban la fiesta en homenaje a la patrona de la música Sta.CONSERVATORIO NACIONAL DE MÚSICA Al empezar el año 1870. arpa. se ha podido obtener muy pocas referencias de los compositores y su música. calcula que existían unos 120 pianos entre las distinguidas familias de la capital.musical. el Conservatorio fue clausurado por falta de recursos económicos y por problemas políticos a los que se veía abocado el país. La inauguración solemne se efectuó el 5 de Febrero de 1893 y después. Fueron contratados varios extranjeros para su formación y dirección. pobreza en guías documentales (bibliográficas. El piano y la guitarra serian símbolo de la música de los sectores burgués y popular.). epistolarios. nominado director del titular del establecimiento. y. Manuel Checa. desconocimiento de los compositores y del repertorio nacional antiguo y moderno. en 1877. lo cual denota la falta de preocupación en las instituciones musicales y culturales por la preservación e investigación del pasado musical. Aún no se ha podido localizar una sola obra de creadores ecuatorianos. Felipe Vizcaíno y Manuel Jurado que enseñaban teoría musical. igualmente que de los anteriores. y después las bandas populares. En la nómina de maestros constaban: Miguel Pérez y José Manuel Valdivieso. respectivamente. Lagotnarsino piano. etc. Se contrató músicos italianos para su dirección: Enrique Marconi. actuó como director interino hasta la llegada del italiano Francisco Rosa. para la subdirección y profesor de teoría y piano. quien dictaba las clases de piano indígenas. así como imprescindible su difusión. en 1872. recopilan. y esto. el conservatorio fue reabierto por decreto ejecutivo del 26 de abril de 1900. 144 . pues. Tras veintitrés años de clausura. cuando Gabriel García Moreno ocupaba la Presidencia de la República y aprovechando que el músico extranjero Antonio Neumane se hallaba en el país. ya ha sido señalado por varios investigadores latinoamericanos. El 28 de febrero de 1870. Ópticas en el marco de la investigación científica Es inaplazable la multiplicación de estudios o investigaciones músicológicas. LA MÚSICA EN EL SIGLO XIX. casi todos ex-alumnos del conservatorio. la imposibilidad de realizar estudios comparados. “en vista de la decadencia de la música religiosa y popular”. organizar un conservatorio con Neumane en la dirección. la dificultad de desarrollar un lenguaje propio en el campo históricoestético. En el siglo XIX las bandas militares. formó una asociación de músicos. El diplomático Friedrick Hassaurek. También determina. en el gobierno liberal del General Eloy Alfaro. Juan Agustín Guerrero. violinistas.

Los compositores Juan Agustín Guerrero Toro (1818-1886) y Segundo Luis Moreno Andrade (1882-1972) son pilares principales en los que se sustenta la Historia escrita sobre la música de nuestro país. etc. los esfuerzos actuales de investigación musical en el Ecuador. conformada por Segundo Liis Moreno Andrade (1882. ajuste a nuestra realidad y necesidades. manuscrito (1902). 1904. Francisco Salgado Ayala (1880-1970) y de Pedro y Pablo Traversari Salazar (1874-1956). publicada en dos volúmenes en París en 1925. (1951). Salgado y Gustavo Salgado. filosofía. en la que se ha escrito las diversas fases. (1938). través de sus Debido a la inexistencia de una tradición. en la gran mayoría de los casos se han realizado gracias a la buena voluntad de aficionados sin formación técnica en este campo. así como eventualmente. Al Primero se debe la Música Ecuatoriana desde su origen hasta 1875. La músiques des Incas et ses survivances. y sinfonías.l972J. quienes comienzan a elaborar canciones y teoría musical nacionalista ecuatoriana. por ende. y si bien entendemos que sus aportes son de innegable validez Y reconocimiento. pero más que sus edades nos regiremos por la interrelación existente entre maestros y discípulos. tendencia de carácter social y estético que se venía produciendo desde el siglo XIX en otras latitudes del mundo. rapsodias y poemas sinfónicos ecuatorianos. Los creadores académicos presentaron ponencias sobre géneros europeos. El estudio más importante de Moreno sin duda es la Historia de la Música en el Ecuador (inéditos dos de los tres tomos). regiones y culturas de nuestro país.. en el país no se llegaron a establecer juicios conceptuales propios de aquella época. selección de artículos de periódicos que escribió desde 1912 en los diarios capitalinos sobre música ecuatoriana y universal. quien ejerció un notable influjo en los músicos ecuatorianos. creando óperas. función. que es difundida a. publicada en 1928. tenemos necesariamente que superar conceptos y alcances. publicada en 1876. la música ecuatoriana. cuyo anexo incluye partituras de música popular e indígena. basándose en la ponencia generacional.NACIONALISMO MUSICAL ECUATORIANO Queremos mencionar al grupo de compositores que activaron en el Nacionalismo. atrajeron a músicos como Luis H. seguramente se compusieron obras académicas con características nacionalistas. 145 . de Luis Humberto Salgado (1903-1977): Música Vernácula Ecuatoriana. a una escuela metodológica que se. principalmente Schomberg. Gabriel Cevallos: Intención y Paisaje de La Música Nacional Ecuatoriana (1943). (1957). tienen valor los escritos históricos de Juan Pablo Muñoz Sanz (1898-1964). Síntesis Histórica de la Música Nacional Ecuatoriana. entre otros. De ahí deriva el problema de no contar con estudios analíticos consistentes acerca de la música. sin embargo. producto de estas propuestas la música popular de creadores académicos era de elaboración y desarrollo. su simbología. Resulta un tanto anticipado el establecer un cuadro definitivo de las distintas generaciones de músicos nacionalistas. en lo que a formación musicológica se refiere y. Francisco Salgado Ayala (1880-1970). Musicología: Crítica y estética. a principios del actual siglo.1947): La Música Ecuatoriana. y Robert Stevenson: La música en Quito (1962). Gerardo Alzamora:. También son valiosos los trabajos históricos de Pedro Pablo Traversari Salazar (1874-1947). El Arte en América o sea Historia del Arte Musical Latinoamericano. (inédito). Creemos que como una eventual gula se podrían hacer las siguientes consideraciones al respecto: Antes de la llegada del compositor italiano Domingo Brescia (Director del Conservatorio de Quito. Las propuestas europeas de Stravinski y. Es a raíz de la que podría denominarse: Primera generación de músicos nacionalistas.También. misas. También se conoce que Ricardo Romero en 1941. pues el hecho musical es un proceso que continuamente se renueva y amplia y que necesita ser analizado desde continuas música indígena fue reconocido por algunos músicos desde comienzos de siglo (Pedro Pablo Traversari) y para 1936 las teorías del. además se le atribuye la recolección de melodías indígenas y populares. suites. historia. historia. Sixto Maria Duran Cárdenas (1875. representó al Ecuador en el Primer Festival de fa Sociedad de Compositores Contemporáneos. y los aportes de los musicólogos extranjeros Raúl lacourt. mexicano Julián Carrillo y su sonido 13 eran difundidas en nuestro país. Sixto María Duran Cárdenas (1875-19473. sociología. cuyas partituras fueron publicadas por Marcos Jiménez de la Espada de Madrid (1883) con el título de yaravíes Quiteños.

difusión en nuestro país. hasta el serialismo Shombergiano. cintas magnetofónicas. 146 . Juan León Mera y Juan Agustín Guerrero son los primeros en reconocer los valores de la música popular indígena. tal el caso de Mesías Maiguashca. tecnología. tanto conceptualmente como musicalmente. en el siglo XIX la italiana. fueron la española como primera fuente. quien dictó unas charlas en 1916. por ello Segundo Luis Moreno empezó la recopilación de materiales musicales indígenas y seguidamente la elaboración de postulados nacionalistas. estos planteamientos debían ser asimilados por los músicos académicos de la cultura mestiza. El compositor italiano Domingo Brescia influyó notablemente en el sentido nacional de la creación. computadores. en busca de consolidar la tendencia que decidió llamarse “Música Contemporánea’. entre otros. pues eran mecanismos sobradamente probados en otras latitudes. la inglesa. Desde tiempos coloniales las músicas de mayor. Las obras de las nuevas generaciones de músicos ecuatorianos no necesariamente nacionalistas incluyeron recursos técnicos y tecnológicos vinculados a la electrónica. austriaca. Las últimas generaciones proyectaron sus composiciones dentro de un nacionalismo con cierta tendencia política y posiciones estéticas particulares. ultrarnodemismo y las propuestas nacionalista religiosas. Néstor Cueva. técnicas musical de tradición y universal. José Ignacio canelos Morales (1989-1957). En esta generación se distinguen Luis Humberto Salgado Torres (1903. También el uso de microtonalismos en la 2006. Belisario Peña Ponce (1902-1959). hasta la primera década de nuestro siglo. estos escritos fueron reforzados por el compositor peruano Alomia Robles. incidió en los planteamientos estéticos y sociales. (1898-1964). la misma que sirvió de paradigma para los nuevos pueblos en cuyo desarrollo existían faltantes de identidad y representatividad universal. ahora que nos acercamos al año escritos y de sus obras musicales. La segunda generación compuesta. por el influjo de los italianos que constituyeron el profesorado del Conservatorio.La tecnología. video animación. Juan Pablo Muñoz Sanz. quien decide su partida al exterior en busca de nuevas y prometedoras fuentes en la composición. etc. Los rusos aportaron con su música nacionalista al mundo entero. En las actuales propuestas de la música académica se procuran sintetizar elementos musicales organológicos. pero habrá que esperar se consoliden las propuestas de la música académica ecuatoriana. Ellos influyeron a su vea en los jóvenes exponentes cuya mayor representación está en la figura de Luis Gerardo Guevara Viteri (1930). El Romanticismo tuvo mucho que ver para el desarrollo de una teoría nacionalista. principalmente.1977). Aunque las generaciones de la segunda mitad del siglo veinte usaron estos recursos más que como un proyecto de desarrollo estético. Se debe a ellos los principales trabajos históricos con los que cuenta la musicología ecuatoriana. Esta pléyade de compositores es además el pilar fundamental de la historia musical escrita. Es muy temprano para afirmar la existencia de un neonacionalismo. desde la mitad del siglo. Inés Jijón. algunos músicos académicos ecuatorianos consideraban estrechos los márgenes que regían a la música tradicional y de avanzada que se producía en el país (recuérdese que Luis Humberto Salgado compuso obras seriales desde 1944). De hecho también produce según ciertos criterios la continuidad del colonialismo cultural. sobre todo como un recurso de experimentación. con acceso a la información cultural mundial. Gerardo Guevara en París se pone a tono con propuestas de renovación y de vanguardia de la composición. de la cual son representantes: Arturo Rodas y Millón Estévez. por corrientes nacionalistas que llegaron a conjugar en sus composiciones las propuestas hechas por la primera generación (expresar por una técnica clásico-romántica europea la dualidad indígena hispánica). Ángel Honorio Jiménez. Fruto de ello. Algunos de los compositores de la generación que estamos destacando fueron Corsino Duran. Lógicamente en el Ecuador.

y. Según el relato de Balboa. Cabello Balboa los sitúa en la bahía de San Mateo y el cabo Pasado. en el año 1553. 147 . la provincia de Esmeraldas y la cuenca del Chota-Mira. Esmeraldas: Negros. valores. creencias. a estos últimos. técnicas e instrumentos. cayapas. por la región del curso alto del río Daule. al sur quedaría delimitada. del misionero Miguel Cabello Balboa. por la cuenca del río Chone hasta la cadena montañosa de la Costa. El naufragio frente a la costa de Esmeraldas.COMPOSITORES ECUATORIANOS NACIONALISTAS I GENERACIÓN IV GENERACIÓN Milton Olger Estévez Báez Salvador Bustamante Celi Francisco Salgado Ayala Jacinto Freire Camacho Alberto Moreno Andrade Arturo Rodas Dávila Juan Pablo Muñoz Sanz Diego Fabián Luzuriaga Arias José Ignacio Canelos Morales Julio Femando Bueno Arévalo Segundo Luis Moreno Andrade Sixto María Duran Cárdenas Pedro Pabló Traversari Salaza II GENERACIÓN V GENERACIÓN Segundo Cueva Celi Carlos Efraín Gavela Mora Luis Humberto Salgado Torres Pedro Pablo Freire Camacho José Ricardo Becerra Lara Marcelo Boanerges Ruano Ángel Honorio Jiménez Coloma Guerrón María Inés Jijón Rojas Raúl Guillermo Garzón Guzmán Néstor Luis Cueva Negrete Willams Ernesto Panchi Culqui Corsino Duran Carrión Belisario Peña Ponce Juan Pablo Echeverría Terán III GENERACIÓN VI GENERACIÓN Carlos Galo Raúl Bonilla Chávez David Marcelo Beltrán Flores Enrique Espín Yépez Juan Esteban Cordero Espinoza Claudio Aizaga Yerovi Juan Esteban Valdano López Luis Gerardo Gevara Viteri Leonardo Arturo Cárdenas Mesías Decroly Maiguashca Palacios La cultura afroecuatoriana. En el siglo XVI. transportaba mercaderías y negros para ser intercambiados por plata en el Perú. es decir. Zambos y Mulatos La primera información que se tiene sobre la población negra que se ubicó en la actual provincia de Esmeraldas se encuentra en la valiosa crónica Verdadera descripción y relación larga de la provincia y tierra de las Esmeraldas. En ambos sitios se ha mantenido reproduciendo su cultura. la región de Tumaco y los grupos indígenas de Barbacoas. como límite occidental. propiedad de! sevillano Alonso Illescas. sus formas de organización. en respuesta a los retos que le han planteado la historia. niguas y yumbos. permitió la huida de esclavos originarios de Guinea: 17 hombres y 6 mujeres. actitudes. en la zona interior. con destino al Perú. esta embarcación. patrones de conducta. en la ensenada de Portete.000 personas. y se concentraba básicamente en dos espacios geográficos de asentamiento tradicional. Además de narrar el suceso que modificaría en pocos años la composición étnica de la zona de Esmeraldas. comienza definiendo la demarcación espacial: como frontera oriental señala los Andes. matabas. y al norte. lachas. los grupos étnicos que ocupaban la región eran los campaces. La costa de Ataca-mes y la desembocadura del Esmeraldas estaba habitada por los campaces y niguas. el cronista da testimonio sobre el naufragio de un barco procedente de Panamá. por el curso del río Mira. En ella. Las Comunidades negras En el último lustro del siglo XX la población negra del Ecuador era de aproximadamente 700. el océano Pacífico. en el área costera. En relación al escenario geográfico de la «provincia de las Esmeraldas». el cronista presenta una reseña detallada del medio geográfico y de las etnias aborígenes de la región. el entorno físico y el medio social.

especialmente en lo relativo a la no tributación y al perdón general para negros. que se hallaba entonces en vías de formación. un negro. movido por intereses militares. pues el carácter agresivo y violento de las frecuentes incursiones militares dificultaba el mantenimiento de la comunidad negra libre. La conformación de la sociedad negra Una vez que el grupo de esclavos negros arribó a la provincia de Esmeraldas. a quienes denomina «indios bravos» o «indios de guerra». Alonso Illescas era un negro «ladino» -término que se aplicaba a los indígenas o a los negros que conocían el Evangelio y la lengua y la cultura españolas-. las de. emprendida por Andrés Contero en el año 1568. dantas). quien había adoptado el nombre de su amo. como complemento nutricional consumían carne de aves (pavas. La capacidad de Illescas en el manejo de asuntos políticos y negociaciones se evidenció aún más con la denominada «Carta de libertad». que obtenían en la costa. para cuyo fin era necesario iniciar la pacificación y reducción de la nación de Esmeraldas. Alonso Illescas y la Carta de Libertad En el contexto de una expedición de tipo militar. cuando Illescas y las autoridades de la Audiencia concluyeron un acuerdo por el cual los pobladores negros y zambos se convirtieron en vasallos del rey. puercos monteses.Estos pueblos indígenas vivían hacia el interior. que se desarrollaron durante todo el período colonial hasta ¡a época de la Independencia. permitió a los negros establecer alianzas con los indígenas a través del mestizaje. los esteros y la desembocadura de los ríos). religiosos y económico-comerciales. el contacto interétnico se dio entre los negros y los blancos. como los campaces y cayapas. que coincidieron con el final del siglo XVI y la década de 1620. permitiéndole alcanzar el liderazgo de la comunidad negra en la región. ocupar determinados territorios y afianzar su presencia en la región. agrícolas (yuca. Las expediciones de carácter militar tenían un marcado afán de exploración y conquista. alentadas por la orden de la Merced. La sociedad negra esmeraldeña se fue conformando como resultado de esta interacción muitétnica. tenía como principal empeño la asimilación de las naciones mediante la política de reducciones. En este documento el líder negro solicitó a las autoridades una ampliación de las mercedes concedidas en las «Provisiones Reales». Illescas obtuvo una respuesta oficial de la Audiencia a sus peticiones mediante las «Provisiones Reales». Durante la primera etapa. como se ha apuntado. En estos espacios existían diversos recursos minerales. carácter misional. plátano y otras frutas) y pesqueros (mariscos y pescado. La intención del líder negro era poder llegar a un acuerdo con los españoles. cuando éstos penetraron en Esmeraldas. y se prolongaron desde 1560 hasta 1580. más tarde. y las de carácter económico-comercial. se le nombró gobernador de la provincia y se legitimó su autoridad. en las riberas de los ríos y en las cuencas hidrográficas. de la sociedad blanca. los negros usaron estrategias que se revelaron efectivas en el enfrentamiento con los aborígenes. zambos e indígenas bajo su autoridad. El éxito alcanzado en las contiendas con los niguas y otros grupos. condición que le sirvió para obtener el reconocimiento de los aborígenes y. La crónica señala el carácter belicoso de los aborígenes. ésta era una práctica generalizada dentro del sistema. Panamá y Nueva España. Alonso Illescas. era caracterizada por el encuentro entre negros y blancos. recurriendo al elemento sorpresa y al uso de armas de fuego. desde el siglo XVI hasta el XVIII. tenían como objetivo la apertura de una vía al mar que generase un comercio activo entre la Sierra y los mercados de Lima. en 1577. 148 . Con la llegada del misionero Cabello Balboa. Alonso Illescas y su grupo iniciaron las relaciones con la sociedad blanca. y pasaron a estar exentos del pago de tributos. la definida por el contacto entre negros e indígenas. Estas nuevas demandas fueron atendidas en 1600. su condición de náufragos fugitivos con problemas de supervivencia mediatizó su acercamiento a otras etnias. perdices) y mamíferos (venados. que se realizó en dos etapas: primero. pues además de «comer y beber ocupaban su tiempo en guerrear a sus vecinos. las autoridades de la Audiencia habían enviado a Contero a la región ante el interés demostrado por Illescas. y más tarde. Sus acciones estuvieron dirigidas por uno de los esclavos fugitivos. En la segunda etapa. por las cuales se le otorgó el perdón.

gestada por esclavos fugitivos al margen de la normatividad colonial.] sacaron consigo a tierra diez y siete negros y seis negras [. tenía dos hijos... pues no se ajustaba a la política general de reducciones establecida por la Corona en otros espacios de la Audiencia de Quito.. a su vez.Al mismo tiempo. tomaron tierra en aquel lugar los marineros i y saltando a ella para descansar [. El naufragio de los negros en Esmeraldas Pasados treinta días de navegación. El segundo hecho de importancia tiene que ver con la fundación de pueblos negros. Mientras ellos en tierra. Estos acuerdos entre los negros y las autoridades coloniales supusieron. El establecimiento de pueblos en Esmeraldas dependió del cumplimiento de las obligaciones adquiridas por las autoridades en los acuerdos establecidos con los negros. fue la marcha a Quito de los principales líderes de la región: Sebastián de Illescas (hijo de Alonso Illescas) y Francisco robe -hijo de Juan Mangache.' La reducción y el establecimiento de los primeros poblados El proceso de conversión y reducción de la población negra en Esmeraldas presentó un carácter particular. en 1600. Fray Alonso de Espinoza. pusieron su cuidado en escapar si pudiese. La «Carta de libertad» consta de dos partes: la primera constituye una síntesis de las incursiones realizadas por la sociedad blanca a Esmeraldas durante cuarenta años. Hacia el año 1600 ya se había fundado el «pueblo Nuevo de San Matheo o San Matheo de la Bahía». El objetivo del viaje era celebrar un encuentro con las autoridades coloniales. los padrinos fueron autoridades civiles de la Audiencia. y cumpliese lo que vuestras reales cedulas contienen de diez años de libertad y a don Alonso de Ilescas ques como dicho tengo la llave de la gobernación que vuestra majestad le haga merced de hazelle governador de vuestros súbditos y naturales de la dicha gobernación y ansimesmo que si agora y en qualquier tiempo paresciere su amo y otra qualquier persona que contra su libertad biniere pidiendo no pueda ser preso ni sus bienes bendidos ni enajenados y hazlendo vuestra magestad estos daran la tierra llana y pacifica a vuestra magestad». por parte de la sociedad blanca.] dejando el barco sobre un cable.. sin propósito ninguno de volver a servidumbre.. Pedro y Domingo.. 149 .] para que les ayudaran a buscar algo que comer [.quien. lugar de residencia de Francisco Arobe. a través de un documento denominado «Asiento. El primero. en el ya quebrado barco habían venido.. La segunda parte dice así: «Pedían a vuestra magestad les hiziese merced a los negros y mulatos dalles y concedelles perdón general de todos y cualesquier delitos que contra vuestra corona rreal subditos y basados ubiesen cometido y adjuntamente con esta carta de libertad ansi a ellos como a sus hijos de que agora y en ningún tiempo a nadie tributasen y que los indios que saliesen de paz se las guardasen como la confirmación de les dirigentes de la comunidad negra.] queriéndolo poner en efecto procuraron juntar a los negros los cuales y las negras se habían metido al monte adentro. a fin de ratificar los compromisos fijados en los acuerdos. tomado de José Rumazo González. se levantó un viento y marea que le hizo venir a dar en los arrecifes de aquellas costas. desde 1583 hasta 1585». posesión y juramento de firme colaboración en !a reducción de la provincia y a estar al servicio de los proyectos viales propuestos por la sociedad blanca.. el reconocimiento de una sociedad negra libre y autónoma. acto que se realizó en la iglesia del barrio indígena de San Blas. los negros se comprometieron. Con éste fin se celebraron ritos de acercamiento. El interés de esta ceremonia residía en iniciar relaciones de parentesco espiritual que sirvieran para reforzar la vigencia y funcionalidad de los vínculos existentes. los que. Dos hitos marcaron este proceso. «Relación de lo sucedido i en la jornada de las Esmeraldas. y en ella se advierte que «las ansias y codicias tan desordenadas que han tenido en buscar oro y esmeraldas» fueron causa de la Imposibilidad de reducir estas tierras a favor de la Real Corona. procuraron dar cobro a sus vidas [. en una ensenada que se hace en aquella parte que llamamos el Portete. pudo hallarse doblando el cabo de San Francisco. Documentos para la historia de la Audiencia de Quito. algo de lo mucho que tenían y visto no poder redimir la ropa.

con sus anejos Playa de Oro. del 20 en Muisne y del 11 en Atacames. Maldonado (1890) y Concepción. 150 . el encuentro con los indígenas y los blancos del grupo negro llegado a Esmeraldas en 1553 llevó a éste a poner en práctica estrategias de adaptación como el mestizaje y el parentesco. pues se dejó fuera de esta gobernación al asentamiento de los Illescas. Con esta demarcación los dos asentamientos negros. el del norte y el del sur. La nueva situación. y tomando en cuenta la ubicación de los pueblos negros. las uniones a través del matrimonio promovieron una red de relaciones sociales de parentesco por afinidad. la provincia de Esmeraldas se halla dividida en siete cantones: Atacames. Por otro lado. Entre las labores productivas propias de este patrón de residencia fluvial figuraba la agricultura. Esmeraldas. del 91 en Río Verde. Quinindé. Proyectos viales y fundación de pueblos La creciente necesidad de la sociedad blanca por concretar una ruta entre la Sierra y la Costa que permitiera poner en marcha un proyecto comercial exportador llevó a la Corona. ubicado a 15 leguas de San Matheo. un nuevo proyecto vial propuesto por Pedro Vicente Maldonado y los representantes de los sectores productivos de la Sierra contempló otra vez la construcción de dos caminos por las mismas rutas establecidas un siglo atrás: el primero partía del pueblo de Nono hasta el río Esmeraldas. la primera a través del eje Ibarra-rio Santiago. que tuvo como resultado la conformación de dos gobiernos: el de Esmeraldas y el de Caráquez. Los índices de población negra presente en los cantones son del 96 por ciento en Eloy Alfaro. En 1607 este pueblo fue trasladado al cabo Pasado. con la sociedad blanca se crearon vínculos por medio del parentesco espiritual. se lo denominó San Martín de Campaces. los ríos y esteros. Muisne. caracterizada por las difíciles condiciones de trabajo impuestas por los encargados de abrir los caminos. los negros fueron desarrollando su propia forma de vida bajo la influencia de formas culturales aborígenes. y la segunda por el río Esmeraldas. En función de la apertura de estas vías. La permanente actitud de cooperación de los grupos negros. diferenciación definida por el grado de vinculación a la sociedad blanca. lo que posibilitó reclutar varias parcialidades y forjar la unidad social bajo el liderazgo de los negros. Cachaví y Huimbi. de la ciudad de Ibarra hasta el río Santiago. Borbón (1886). De acuerdo al censo poblacional de 1990. el de Sebastián de Illescas. donde se formaban pueblos y rancherías compuestos por cinco o seis casas. uso de armas y actividades económicas. ceremonias.628 habitantes: 156. del 70 en San Lorenzo. Obtenían su sustento en las márgenes de ríos y esteros. expresada en la reducción de pueblos y en las labores que realizaban como centinelas en la costa y canoeros en los ríos. en el río Santiago. Entre los indígenas y los negros. con el fin de habilitarlo al puerto en la bahía de Caráquez y asegurar su mantenimiento con el trabajo de los habitantes de aquella población.Al segundo pueblo creado. tenía como fin garantizar la autonomía y libertad alcanzadas hasta ese momento en la construcción de la comunidad negra. cuya respuesta consistió en el paulatino abandono de los pueblos y el desplazamiento hacia el que era su hábitat tradicional. en el siglo XVII. Para el siglo XVIII. paralelo al proceso de mestizaje. iniciaron procesos internos de negros libertos provenientes del valle del Chota y de Colombia. además de los negros traídos de Jamaica por el presidente Eloy Alfaro para construir el ferrocarril Quito-Guayaquil. Eloy Alfaro. cuenta con 306. definido por el compadrazgo entre las autoridades de la Audiencia y los Illescas. a conceder permisos para la construcción simultánea de dos vías hacia el mar. Río Verde y San Lorenzo. Según éstos. En la actualidad. A finales del siglo XIX se fundaron. el segundo. del 36 en Quinindé. con cultivos generalizados de plátano.686 hombres y 149. como las relativas a ritos. Este hecho marcó la desarticulación del liderazgo negro en Esmeraldas. del 71 en Esmeraldas. Como parte del proceso de adaptación al medio socioeconómico y cultural. se realizó la división jurisdiccional de la provincia. hacía evidente el desconocimiento de los derechos adquiridos hasta el momento por los negros esmeraldeños. La acomodación a una nueva realidad Los primeros datos sobre las formas organizativas adoptadas por la comunidad negra para lograr subsistir constan en los relatos coloniales.942 mujeres.

861 1.144 1.083 3.708 Tachina 3.058 1.328 Viche 3.189 1.280 2. 2007.306 346 Tonchigüe 5. Ante la coerción de que fueron objeto en el curso de los trabajos viales.995 1. se registra la presencia de los siguientes pueblos negros: La Tola.186 3.070 San Francisco de Onzole 1. se conformaron dos nuevos poblados: Malbucho y Carondelet.058 Santo Domingo de Onzole 1. zambos y mulatos) los abandonaron paulatinamente.145 2. Mimeo.922 2.761 3. San Matheo de Esmeraldas (situado en la boca del río Esmeraldas].432 Rocafuerte 5.632 447 Eloy Alfaro Anchayacu 1. En Esmeraldas. La Canoa o Cabo Pasado y Atacames. para el siglo XVIII.253 2.714 Rosa Zárate 25.025 Muisne San Francisco 3.910 Majua 3.546 Esmeraldas (periferia) 2.011 2. Nota.085 771 Quinindé Malimpia 12.009 4.009 Montalvo 4.122 1.727 Súa 2.330 1.707 4. En 1804.040 2.349 Tabiazo 3.653 Colón Eloy del María 813 805 La Tola 3. Entre los nuevos asentamientos figuraban La Tola y Limones.Maldonado fundó nuevos pueblos.164 1.976 Luis Vargas Torres 237 237 Maldonado 1.089 San Lorenzo Ancón 1. estimuló la colonización de la provincia y movilizó a las etnias a sitios donde podían estar al servicio del plan vial. Atacames La unión 2. con el proyecto vial propuesto por el presidente de la Audiencia.724 1.144 Pampanal de Bolívar 1. 151 .296 Vuelta Larga 20.550 Selva Alegre 752 752 Telembí 2.498 1. el barón de Carondelet.515 1.700 4.Para construir estas vías -objetivo que no se cumplió totalmente.281 320 Tulubí 942 942 Urbina 1.784 Río Verde Camarones 3.468 Timbiré 646 646 Valdez (Limones) 1. ubicados en los dos brazos que forma el río Santiago en su desembocadura.598 San Gregorio 4.761 Lagarto 4.516 Chontaduro 3.039 13.227 982 Esmeraldas Chinca 5.583 Fuente. los habitantes de estos pueblos (indígenas. lo que derivó en el despoblamiento total de Limones. lo que produjo cambios significativos en la región.515 Atahualpa 672 672 Borbón 4.976 3. Comité de Gestión de los Pueblos Indios y Negros del Ecuador.610 2.751 Coronel Carlos Concha 2.944 San José de Chamanga 3.468 2.011 Mataje 657 657 Santa Rita 922 922 Tambillo 1.209 1.164 Calderón 276 273 Carondelet 899 899 Concepción 2.550 1.050 3. POBLACIÓN NEGRA EN LA PROVINCIA DE ESMERALDAS POBLACIÓN CANTONES PARROQUIAS TOTAL NEGRA.707 Río Verde 4. Últimos datos disponibles.547 15.636 Chumunde 4.812 San Mateo 4.330 San José de Cayapas 1.583 1.119 3.

El aparecimiento de nuevos poblados negros respondía al crecimiento demográfico que experimentó la región. y otro. las formas de compartir. ahijados) posibilita la multiplicación de lazos de parentesco que engendran solidaridad social. Entre los ríos importantes de la zona norte -Bogotá. Concepción. No existen problemas de aislamiento y movilidad. A pesar de ello. especialmente gracias a la intensa migración procedente de tierras de la Colombia actual. aunque no habite en ella regularmente. Cayapas. los negros se encontraron unidos a ocupaciones económicas no tradicionales. aves. Onzole. Río Verde. A finales del siglo XIX se fundaron. que se inició a partir de 1750 con el traslado de cuadrillas de esclavos al río Santiago. La Tola y Carondelet. Selva Alegre y Maldonado. según el censo de 1825. la abuela. con sus anejos Playa de Oro. amigos. El hecho de mantener vínculos permanentes con los parientes (tíos.y al cultivo del banano. Iscuandé y Tumaco. 152 . en el río Santiago. las tierras de cultivo no sólo están en el margen del río.799 habitantes. que determinan la convivencia y su reconocimiento. compadres. La poligamia serial se refiere a la formación de varias familias. tagua. en la cual todas las actividades vitales giran en torno a la figura femenina: la madre. en donde se conformó un distrito minero. sino también en medio del bosque o de! monte. Cayapas. Esmeraldas contaba con 2. Santiago. cacao y madera. Estas nuevas actividades hicieron de los ingresos monetarios la base de la reproducción de la unidad familiar. yuca o arroz. Las condiciones de aislamiento entre los diversos poblados dispersos en las riberas de los ríos han llevado a los negros a utilizar el parentesco (uno de los principales componentes de la cultura negra] para establecer contactos con otros grupos en un proceso de socialización continuo. el cual previamente se desmonta para sembrar plátano.se ubican recintos. Esta realidad explica que la organización familiar determinante en la población negra sea la matrifocal. las dificultades que presenta el hábitat son menores. las distancias entre os caseríos y los principales centros poblados han acuitado la pervivencia de cierta cohesión cultural. Con motivo de la incorporación de Esmeraldas al mercado externo durante los siglos XIX y XX. El lavado de oro en las cabeceras de los ríos es una actividad adicional de la población. En la actualidad. adopta formas diferentes: dos mujeres que residen en una misma casa. vinculada al tipo de asentamiento ribereño tradicional. establecidos por mutuo acuerdo. dentro de los asentamientos ribereños. Una familia. En el río Santiago se hallan pueblos como Angostura. existen otros códigos. La unión de dos personas no necesita ser legitimada a través del matrimonio. caucho.El Poblamiento negro hasta hoy En el siglo XIX. Cachaví. En el caso de San Lorenzo y de otros pueblos esmeraldeños. En los asentamientos ribereños actuales. Playa de Oro. primos. puede pasar por diversas fases. que viven en casas separadas en el mismo pueblo o que viven en pueblos diferentes. En el asentamiento mareño. en las riberas de los ríos y esteros. La unión de los familiares constituye una estrategia de supervivencia. Atacames. caseríos y poblados. el papel que la familia desempeña dentro de la organización social es importante. Cachavi y Huimbi. El bosque y los ríos proveen además de varios recursos para la supervivencia: animales. Borbón(1886). resultan funcionales al encontrarse asentadas a lo largo de un río. Organización social y subsistencia A lo largo de la época colonial. las cuales. junto al mar. desde su constitución. peces y madera. Si el hombre cumple con el papel de padre y esposo puede ser reconocido como jefe de la casa. Pues la reciprocidad. desde la familia monógama a la polígama. pues los poblados se encuentran cerca de los centros urbanos y de abastecimiento de alimentos. de dar y recibir facilitan el control del hábitat. como la recolección de productos de exportación -oro. las tías. distribuidos en los siguientes poblados: Esmeraldas. plantas. la organización socioproductiva descrita se mantuvo hasta el punto de que aún hoy se evidencia en Esmeraldas la presencia de dos patrones de asentamiento poblacional: uno. Maldonado (1890) y Concepción. además de los negros traídos de Jamaica por el presidente Eloy Alfaro para construir el ferrocarril Quito – Guayaquil. como Barbacoas. A esta migración se sumaron los negros libertos provenientes del Valle del Chota y de Colombia. maíz.

La pesca es para las familias una fuente primaria de alimentación y, mediante la comercialización del producto de esta actividad, de ingresos económicos. Complementan su subsistencia los cultivos de sus parcelas y los salarios obtenidos como jornaleros en las haciendas de la zona. Religiosidad popular en la comunidad afroesmeraldeña La religiosidad popular afroesmeraldeña, expresada a través de las creencias, valores y complejos sistemas simbólicos, es producto de la experiencia histórica; de allí que sus ritos y formas de celebración sean el resultado de elementos religiosos provenientes de los negros, indígenas y blancos. El universo religioso de los negros, la concepción de la muerte y de lo divino y la importancia de los ritos deben ser entendidos en el contexto de su cosmovisión. Dentro de la cosmovisión actual de los negros, el cosmos es un espacio en donde se distinguen dos niveles: el primero, conformado por el poblado y la casa, y el segundo, por el cielo o el infierno. Entre estos dos niveles se encuentran la selva, los ríos, el manglar, malas Las comunidades negras. En estos espacios confluyen elementos sagrados y religiosos; sin embargo, los hombres pueden tener control del mundo religioso del poblado a través de los rituales. La muerte y la vida forman parte de un mismo universo. La muerte no es un concepto fatalista, pues con ella existe continuidad de la vida en el más allá; es un paso a otra forma de existencia. Quien muere debe encontrar un sitio permanente, con la ayuda de parientes y amigos; mientras esto no sucede, el muerto está en permanente comunicación con los vivos. En cuanto a la divinidad, está presente la concepción cristiana. El cielo es la morada de Dios, la Virgen, ¡os santos y las almas buenas; el infierno alberga al demonio, los espíritus malignos y las almas condenadas. Paralela a esta creencia, discurre otra, de tipo popular, relacionada con la existencia de personajes míticos, como por ejemplo la Tunda, el Duende o el Riviel, cuyas acciones pueden perjudicar a los seres humanos. Los rituales religiosos, en tanto que manifestaciones de lo sagrado y cielos aspectos importantes de la vida de la comunidad, son de gran significado. Entre las ceremonias generalizadas se cuentan los ritos funerarios, la fiesta de los santos, la Navidad, la Semana Santa, y la fiesta de los Reyes. La celebración de las fiestas constituye una oportunidad para estrechar lazos entre los miembros de la comunidad, en función de la cohesión social. Además, son momentos de libertad que rompen la rutina, que ausentan los problemas propios de la cotidianidad, como la pobreza las enfermedades o el desempleo. Ritos funerarios: chigualos y alabados. La comunidad comparte tanto los nacimientos como la muerte. Cuando alguien de la familia muere, los parientes y amigos se reúnen en la casa del difunto para celebrar el velorio. Los ritos mortuorios cambian según el difunto sea niño o adulto. Los actos que tienen relación con la muerte de un niño tienen carácter festivo, pues el alma del pequeño va al cielo. Gracias al encuentro con Dios, la Virgen, los santos y Jesús podrá interceder por sus familiares; los niños se convierten en espíritus que ayudan a los seres que aún permanecen en la tierra. El velorio de un niño se celebra al día siguiente de su muerte. La madre, algunos parientes y la madrina lavan el cuerpo del niño y lo visten; luego lo colocan en el cuarto principal de ¡a vivienda, encima de una mesa adornada con flores e imágenes de la Virgen, Jesús y los santos. Parte fundamental del ritual es la presencia de músicos, como los bomberos y cununeros, además de cantadoras o rezadoras, encargadas de entonar los chigualos o arrullos. Éstos son cantos alegres que se acompañan con instrumentos como el bombo, el cununo, las maracas y el guasa; una mujer hace de solista y las demás, que conforman el coro, repiten un estribillo Estos cantos duran toda la noche, en el transcurso de la cual se sirve aguardiente y café. Los chigualos o arrullos simbolizan la entrada del alma del niño a la gloria, y sus letras hacen referencia al niño, a Dios, a la Virgen o a los santos. A través de las coplas dedicadas a la divinidad o a los personajes sagrados se envían las lamentaciones de los vivos.

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A diferencia de la alegría que acompaña el velorio de un niño, el temor y la tristeza prevalecen en el caso de la muerte de un adulto, puesto que es probable que éste, antes de ir al cielo, pague sus culpas en el purgatorio, e incluso cabe la posibilidad de que vaya al infierno. La realización del velorio de un adulto queda a cargo de sus parientes más cercanos; los hombres elaboran la caja mientras las mujeres preparan el cadáver y lo colocan sobre una mesa. En el transcurso del velorio, las puertas y ventanas deben permanecer abiertas para que el alma del difunto pueda moverse libremente. Los personajes principales del velorio son las rezanderas, mujeres ancianas que conducen la ceremonia y organizan los rezos y cantos denominados alabados, cuyas letras hacen referencia a la muerte o a la preocupación por el alma del difunto, y no cuentan con acompañamiento musical. Se denomina «alabado» tanto a cada canción como al ritual en su conjunto. Al día siguiente del entierro del difunto, sus parientes más cercanos inician la novena, que consiste en reunirse en la casa del fallecido durante nueve noches, a fin de rezar por el alma del un hombre muere en el pecado, por ejemplo en una pelea con otro -en cuyo caso habría muerto con mucho calor- es probable que [su alma] no partirá sin problemas. En este caso, se hace una ceremonia que se llama la tumba. Los hombres construyen peldaños hasta una altura de más de un metro, y colocan cuatro postes con una altura de un metro y medio alrededor de los peldaños. Las mujeres colocan una sábana sobre este arreglo, y también se pone papel negro en la forma de una cruz sobre los peldaños, con la base de la cruz hacia la puerta. Se colocan velas en las cuatro esquinas del arreglo. Todas las otras luces se apagan, y el alma entra en el espacio cubierto por la sábana. Todo el espacio dentro de la sábana se llama la tumba. La gente forma dos filas que van entre la puerta de la casa hasta el frente de la tumba, a ver al muerto y ayudar en su partida. El último día se realiza el novenario: se construye un altar adornado con velas e imágenes de santos, en donde se ubica un ataúd que simboliza la presencia del difunto; luego de la medianoche se cantan alabados y se inicia la despedida final. A partir de este momento el ambiente de la reunión es muy distinto, puesto que el alma del muerto ya se halla ausente, y es posible pasar de la tristeza a la alegría a través del relato de cuentos y chistes, que se prolonga hasta el amanecer. Los hombres se ponen por un lado y las mujeres por otro. El espacio que queda entre las dos filas de personas se llama «el callejón». Se cierran todas las ventanas. La persona que organizó la ceremonia camina al frente de la tumba; apaga las velas soplándolas, deja la sala en completa oscuridad, y después saca la cruz negra de papel de los peldaños, así esforzando que el alma, como espíritu, saiga de la tumba y entre al callejón. Ahora todos cantan juntos: Te vas y me dejas, sólito con Dios /Adiós, primo hermano. El alma sale del callejón con un ruido fantasmagórico, sale por la puerta y llega al Purgatorio o al Infierno. Algunos lloran con el sonido del espíritu que parte; otras gritan, no llore, no llore, tengan valor, él sale bien. Norman E. Whitten, Jr., Pioneros negros. La cultura afrolatinoamericana del Ecuador y de Colombia. La cultura Musical afroecuatoriana En la actualidad, los ritos funerarios con «alabados» y «chigualos» tienen mayor vigencia en los poblados rurales, especialmente en la zona norte. La finalidad de esta celebración es garantizar la vida del alma en el más allá y la de aquellos que quedan en la tierra, pues frente al hecho de la muerte existe la necesidad de reafirmación de la vida. La fiesta de los santos y el arrullo Dentro del calendario religioso de la población negra, la fiesta de los santos es el rito más importante. Los santos y las vírgenes son aliados de los hombres y desempeñan un papel mediador ante Dios, están integrados en la vida cotidiana y se establecen relaciones personalizadas con ellos. A los santos, por ser parte de la comunidad, se les puede hacer peticiones: pueden proteger de las enfermedades y de los malos espíritus, ayudar en lo relativo al trabajo y al amor, y propiciar la buena suerte; por ello son homenajeados con fiestas en donde el arrullo es el rito fundamental. Entre los santos más celebrados en toda la provincia de Esmeraldas destacan san Antonio y san

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José. Otros santos son objeto de especial devoción a nivel local, como san Vicente, en Carondelet; san Martín de Porres, en La Tolita, y san Jacinto de Yaguachi, en Lagarto. Previamente a la iniciación del arrullo de algún santo, en una casa particular o en la casa comunal del poblado se levanta un altar con la imagen de aquél, como símbolo de su presencia material. En un poblado ribereño, por ejemplo, se adorna una balsa para el paseo del santo o de la Virgen. En el desarrollo de la fiesta del santo o de la Virgen están presentes músicos, bomberos y cununeros; las cantadoras, acompañadas por las maracas y el guasa, interpretan los arrullos. La ceremonia comienza con las peticiones al santo, y continúa con cantos o arrullos que son interpretados alternadamente por una solista y el coro de mujeres. Sólo las mujeres son las beneficiadas por los favores del santo; los hombres, que participan del arrullo bebiendo aguardiente y guarapo, también pueden solicitar sus favores, pero por intermedio de las mujeres. Junto a estas fiestas se deben incluir las de las vírgenes, cuya forma de celebración no difiere de las de los santos. Entre ellas se cuentan las de las vírgenes del Carmen, de las Mercedes, de las Lajas y del Rosario. La cercanía y familiaridad que caracterizan la relación del creyente con las vírgenes se expresan en el nombre que se les da, como Carmela o Mercedes. Navidad y el arrullo al Niño Dios La fiesta de la Navidad es la más generalizada en la provincia y se lleva a cabo en las zonas urbanas y rurales. En los barrios de Esmeraldas la fiesta se asemeja a la celebración establecida por la Iglesia católica. En la zona norte se celebra de acuerdo con la forma tradicional: se denomina «arrullo al Niño Dios» y tiene la misma estructura que la fiesta de los santos. Existen fiesteros encargados de la organización del arrullo. Los altares de los santos se reemplazan por pesebres levantados en diversas casas, en parques y en la iglesia; la gente acude a la novena, en donde se reza y arrulla al Niño cada noche, hasta el 24 de diciembre. En la actualidad, en ciertos poblados como La Tola, se acostumbra a arrullar al Niño en la iglesia únicamente la noche del 24 al 25 de diciembre. En este ceremonial, cantadoras y músicos amanecen, animados por el aguardiente que comparten en los momentos de descanso. Semana Santa Las formas específicas de ccelebración de esta festividad dependen de la zona, pero existen elementos comunes en toda la provincia. En los poblados ribereños del norte, como Guimbí, Telembí o Playa de Oro, la ceremonia mantiene la forma tradicional de celebración, que consiste en la representación teatral del hecho histórico: la pasión, muerte y resurrección de Jesucristo. Los habitantes del lugar tienen una participación activa: deben asumir un papel o un cargo dentro del poblado, el cual deben interpretar según las reglas previamente establecidas. En el desarrollo de la festividad es importante la presencia de músicos y «rezanderos», que conducen las oraciones y los cánticos durante la procesión. Para el día de Gloria o Resurrección se tocan bombos, cununos y marimbas en una fiesta general, con la que culmina el ritual. En Malimpia, Muisne y Tachina la Semana Santa se inicia con el domingo de Ramos: Jesús es paseado por el pueblo y la población participa agitando ramas, hojas y entonando cánticos. Entre el lunes y el jueves santo la ceremonia se realiza en la iglesia. El viernes se inicia el Vía Crucis, previo armado en las calles de altares que representan las estaciones en donde la población se detiene a rezar. Por la noche se realiza el velorio, que se extiende hasta la madrugada. El sábado se celebra la resurrección, que generalmente termina con una fiesta popular. En la mayoría de poblados de la provincia, durante la presentación del Vía Crucis se da énfasis al aspecto de la pasión de Jesucristo, entendida como dolor y sufrimiento, pero a la vez, como esperanza y alegría. En aquellos lugares en los que históricamente existieron formas de esclavitud, el ritual incorpora ciertas expresiones de violencia que representan también la marginación de que ha sido objeto la raza negra y el racismo que ha padecido.

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Música y Danza Estas dos formas de expresión cultural son el resultado de la confluencia de prácticas culturales propias de los negros y de otras con las cuáles históricamente entraron en contacto. Los instrumentos característicos de la cultura afroesmeraldeña son básicamente de percusión y sonajeros: el bombo, el cununo, la marimba, el guasá y las maracas. En la elaboración de estos instrumentos se ' utilizan elementos vegetales de la región, como la corteza de demahua y maderas como el pambil, el cedro, la balsa y la caña guadúa. Con estos instrumentos se han producido los ritmos y géneros tradicionales, como la música de marimba de carácter profano, y las canciones propias de las fiestas religiosas, como los arrullos. Las fiestas no religiosas, durante las que se interpreta la música de marimba, tienen un carácter marcadamente social, lejos del ámbito de lo sagrado; su objetivo es reforzar los lazos de la comunidad. La marimba, los cununos, el bombo, el guasa, las maracas y las voces interpretan diversos ritmos bailables como el bambuco, el patacoré, la pangorita, el mar fuera, el fabriciano y la caderona, entre otros. Al conjunto conformado por la música de marimba y la danza se lo denomina «currulao». Este baile es propio de la cultura negra, y permite apreciar la influencia de los ritmos africanos. En la actualidad, las festividades con marimba y ritmos tradicionales se mantienen en los poblados asentados a lo largo de los ríos Santiago, Cayapas y Onzole; en el resto de la provincia, debido a la influencia de los medios de comunicación de masas (radio y televisión), aquéllos han sido reemplazados por ritmos tropicales de origen centroamericano y antillano, con predominio de salsa. Sin embargo, hay grupos organizados que destacan las expresiones culturales ancestrales a través de talleres para el aprendizaje de instrumentos populares; así se promueve en el sector rural la celebración de los rituales tradicionales, como las fiestas de santos o los arrullos. Las visiones de las almas: Todos los habitantes de la región tienen muy claro quién vive en la Gloria: Dios, Jesucristo, las vírgenes, los santos y las almas de los niños muertos. Tal vez [también] están las almas de algunos sacerdotes o monjas muy buenas. [...] Las almas de los adultos salen de la casa donde murieron en algún punto entre el Purgatorio y el Infierno. Si no fuera por el último alabado [...] el alma podría quedar sin salir de la tierra. Tanto Dios, san Pedro y Jesucristo como el Diablo, los demonios poderosos y las almas de los hombres y mujeres que murieron en el pecado, vienen a buscar el espíritu del difunto. Este último grupo, del Diablo, los demonios y las almas malas, vienen del Infierno donde habitan. La gente nunca sabe cuál es la disposición del alma que sale de este mundo. Algún día, tal vez, un alma del Purgatorio alcanzará a llegar a la Gloria, pero se piensa que es poco probable. Norman E. Whitten, Jr. Pioneros negros. La cultura afro-latinoamericana del Ecuador y de Colombia. Visiones y espíritus Las visiones son parte de la cosmovisión del hombre negro, en la que coexisten conciencia mítica y realidad. Las creencias en ciertos personajes -cuya existencia es aceptada aun cuando no han sido vistos- forman parte de la memoria colectiva de la población. Entre tales visiones figuran la Serpiente o Diablo de Siete Cabezas, la Candela, el Hombre sin Cabeza, la Gualgura, la Sirena del Mar o el Barco Fantasma; entre las más comunes figuran la Tunda, el Riviel y el Duende. Estas visiones tienen como escenarios los ríos, el mar o la selva, y la función de varias de ellas es establecer o reforzar ciertas normas dentro del grupo y frente a la naturaleza. Así sucede, por ejemplo, con la Tunda, que evidencia los deberes que debe cumplir la mujer en el interior del hogar. La Tunda es un espíritu con identidad de mujer: no tenía la costumbre de realizar las tareas domésticas, se fue al monte y se convirtió en visión. Posee una pierna de madera y su pie tiene la forma de un molinillo. Con los gases que despide «entunda» o marea a los muchachos, jóvenes y niños, y los lleva al monte. Para el rescate hay que trasladarse al monte con los padrinos de bautizo y un rezandero, y con bombo y escopeta, pues al escuchar el ruido se espanta, huye y abandona a su víctima. En los velorios de niños se aconseja tocar fuerte el bombo

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Para 1740. algodón. Entre sus haciendas de la cuenca del Chota-Mira se registran nueve. A medida que se asciende desde las playas o vegas hasta el monte alto.400 y 3. La comunidad negra del Valle del Chota El proceso de poblamiento del valle del Chota -conocido también como «valle Sangriento». En la época prehispánica. Chamanal.000 metros de altura.000 hectáreas cultivadas. Pisquer. El Riviel es una visión que pertenece al mundo de los muertos: es un fantasma que camina errante por el río por no haber recibido sepultura. corre en dirección sudeste-noroeste. Situado en la sierra norte ecuatoriana. camote. La introducción de negros africanos se dio al finalizar el siglo XVI: en 1582 había varios esclavos ocupados en el cultivo de viñedos. a usurpar las tierras y el agua de los aborígenes. como el cultivo del tabaco o de leguminosas. El Chota-Mira nace a unos 3. propio del valle del Chota. muchas de las cuales fueron adquiridas junto con los esclavos que trabajaban en ellas. además. Una vez lista la caña para la molienda debían iniciar la extracción de mieles y sus derivados. hasta temperaturas de páramo o clima frío en el monte alto. en la parte central articula una cuenca de 80 kilómetros. A partir de la segunda mitad del siglo XVI. la cual constaba de tierras. la roza y quema del suelo. Este trabajo se complementaba con otras labores agrícolas que exigía la hacienda. ocho cañeras y una de «pan sembrar»: Caldera. la orden de Loyola se había convertido en el principal propietario de tierras en la zona. y a imponer un sistema de trabajo intensivo. Cuajara. pequeño de estatura y con un gran sombrero de color negro. Santa Lucía y Tumbabiro. cañaverales y esclavos. coca. éste fue el caso de la estancia Concepción. algodonales y frutales. Carpuela. los esclavos ocupaban su tiempo en actividades agrícolas. El monte es el lugar donde vive y cabalga. La obtención de esta gran variedad de productos era posible gracias a las condiciones ecológicas de la zona y el eficiente aprovechamiento del agua. y el monte alto o páramo. En 1610 los jesuítas realizaron las primeras compras de pequeñas y medianas propiedades a indígenas y españoles de la zona. trapiches. el clima y el paisaje varían desde un clima semiárido. el abonamiento y el cuidado de acequias. añil. pues aquí el asentamiento negro estuvo vinculado al sistema esclavista que se instauró en la zona. olivo y la caña de azúcar. y allí es dueño de las aves y de otros animales. «valle del Coangue» o «valle de los negros andinos»-es radicalmente diferente al que se dio en la región de Esmeraldas.800 metros de altitud. los pisos más aprovechados han sido las playas de los ríos y el piedemente o somontano. quienes implementaron el cultivo fr la vid. Sobre el Duende se afirma que fue un muy buen músico. En las haciendas.para alejarla y evitar el robo del muerto.100 metros. lo que motivó la huida de los indígenas hacia las tierras altas de la región. pues para salir de su estado de alma errante su lugar debe ser ocupado por otra persona. Éstos se dedicaron.100 metros. atravesado por el río Chota-Mira.200 y 1. y que es hábil seduciendo a las muchachas jóvenes. este largo valle transversal. Pero fue en el siglo XVII cuando su ingreso al valle resultó significativo. seco o de estepa. Este personaje asusta a los navegantes y los guía hacia remolinos a fin de que pierdan la vida. el riego. la zona de piedemonte o somontano. este valle se proyectó a los señoríos y cacicazgos indígenas de la Sierra norte de productos propios de la zona como el así. Esta situación fue causa de una paulatina disminución de la población local. recurso de difícil acceso en la región ya desde esa época. Orígenes del poblamiento negro. En el caso de haciendas que controlaban 157 . a partir de los 3. frutas y yuca. en las faldas de la cordillera Oriental. rematada a la orden en 1682. La función social de esta visión es impedir que los niños se aventuren por el monte. con 3. a quienes desea para acariciar sus senos de doncellas. la cual era conveniente por la facilidad con que podía adaptarse a este valle caliente. que obligó a hacendados particulares y religiosos a plantear la necesidad de importar mano de obra esclava. tales como el cultivo de la caña. Históricamente. En el valle del Chota y la cuenca del río Mira es posible diferenciar tres pisos ecológicos: las playas o vegas de los ríos. Concepción. la producción de este próspero valle interandino decayó debido a la presencia de estancieros españoles. entre 2. Chaiguayaco. entre 1.

Los religiosos Jeuistas. como poner en práctica las normas establecidas en el “Reglamento del trabajo y el buen tratamiento de los esclavos”. Predicadores 35 San Vicente PP. Éstos. Los negros ya no estaban dispuestos a ser tratados como bienes muebles. alimentación. más tarde. y finalmente. Jil de Madrigal. “La abolición de la esclavitud en la provincia de Imbabura. 1821 – 1854”. además de importar directamente esclavos. los adquirieron en los mercados de Popayán y Protobelo. procurador de la Compañía de Jesús. obligó a las autoridades y a los hacendados a hacer ciertas concesiones. lo que demostraba que el sistema esclavista del Valle del Chota había entrado en fase de descomposición. el 34% de los esclavos existentes en la provincia de Imbabura aún mantenían los nombres de origen africano. la vestimenta. Esta situación motivó a los esclavos a emprender acciones de protesta. En 1690 compraron a varios carabalíes provenientes del golfo de Biafra. en 1695.varios pisos ecológicos. las haciendas pasaron a ser administradas por la Junta de Temporalidades de la Corona española. Hacia 1850. Los esclavos y sus amos Al tiempo que se conformaba la gran propiedad hacendataria. ESCLAVOS EN EL VALLE DEL CHOTA. con un total de 801 esclavos. han sido la base de la economía de las familias negras del Valle del Chota. vendió al Capitán Andrés de Sevilla un total de 114 esclavos. en 1767. La radicalización de las protestas. EN EL AÑO 1800 PROPIETARIOS Nº DE ESCLAVOS Tumbabiro Doña Josefa Acosta 76 Puchimbuela Don Carlos Araujo 50 Concepción Don Juan Antonio Chiriboga 134 Pusir PP. la agricultura a pequeña escala en los huasipungos y el trabajo en las haciendas. Memoria nº HACIENDA 158 . los jesuitas pasaron a formar parte de las redes de comercio de esclavos de las compañías negreras europeas. promovieron su desmembración. Con el traspaso de estos fundos a otros dueños y por el afán de aumentar la rentabilidad de las tierras se ejerció una mayor presión sobre los esclavos. junas por la vía legal y otras a través de la violencia. mina y mondongo. Agustinos 50 Emmanuelle Bouisson. lo que provocó un deterioro de sus condiciones de vida. en la villa se San Miguel de Ibarra. fueron rematadas a particulares. Predicadores 35 Caldera Don Nicolás Calisto 100 Chaiguayaco Don Pedro Calisto y Muñoz 65 Santiago de Monjas Monasterio de las Conceptas 23 Santiago Don Mariano Donoso 60 San Buenaventura Don Gregorio Larrea 21 Carpuela Don Domingo Gangotena 50 Cuajara Don Agustín Valdivieso 22 Chamanal Don Francisco Gómez de la Torre 80 Tababuela PP. En 1637. Los disturbios ocurridos a finales del siglo XVIII y en el primer decenio del siglo XIX respondieron a la no inobservancia de las costumbres establecidas por los Jesuitas en relación al trabajo. En 1800 había en el Valle del Chota catorce haciendas propiedad de particulares y órdenes religiosas. llegaron los primeros congos de África Central. tales como carabalí. los castigos y la estructura familiar. Dentro de este activo comercio negrero. entre 1783 y 1802. ante la imposibilidad de adquirir las haciendas mediante pagos directos. Tradicionalmente. los Jesuitas se convirtieron en proveedores de esclavos para el mercado local y regional. congo. Co la salida forzosa de los religiosos. los negros también se ocupaban del pastoreo del ganado. especialmente de los trabajadores de la hacienda Concepción. a fin de incrementar su rendimiento. como las de Concepción y Cuajara. a fin de importar esclavos negros directamente de África.

ya que bajo la denominación de «cultura popular» se puede hacer referencia tanto a una multiplicidad de actividades que trascienden los estrechos límites del arte popular como a los distintos actores sociales vinculados a aquéllas. herramienta metodológica que en el Ecuador sirvió para señalar las diferencias entre ambos ámbitos hasta. presenta un problema: la delimitación de la frontera que separa a ambos grupos. en varias ocasiones se ha mantenido que los partícipes de la cultura popular son aquellos que. El problema se torna más complejo cuando se hace referencia al concepto de «cultura popular» ya que éste es un término controvertido por su contenido intrínseco. pero su operatividad disminuye en aquellos contextos sociales donde dicha oposición no es tan estricta. ya que dicho ejercicio permitiría precisar la noción misma de «cultura popular». En este sentido. Sin embargo. entraña múltiples dificultades. Esta noción corrió durante largo tiempo en muy diversos círculos sociales. el término «cultura popular» ha suplantado a la noción de «arte popular». aproximadamente. por consiguiente. esta tesis es válida cuando existe una clara oposición entre grupos dominantes y subalternos. sin que se haya logrado un acuerdo expreso sobre una definición de la misma. uno de los investigadores más prestigiosos de este tema. que en su proceso de reproducción va incorporando nuevos elementos a un patrimonio tradicional transmitido a lo largo de las generaciones. que dificulta cualquier definición universal de dicha expresión. Sin embargo. la década de 1950. que generalmente había sido utilizada para expresar más o menos el mismo contenido. Siendo ésta una proposición hasta cierto punto correcta. dentro de la escala económica social. Qué es la cultura popular A causa de las peculiaridades señaladas existe una gran variedad de aproximaciones conceptuales en torno al tema de la cultura popular. Lo dicho hasta aquí se relaciona con la clásica oposición entre la cultura popular y «lo culto». de sus múltiples significados-. una de las características que les identifica es que pertenecen a las clases subalternas. es muy importante fijar quiénes son estos actores. los sectores subalternos. La definición de la cultura popular. la cultura popular es un ente dinámico. Néstor García Canclini. están situados en el extremo opuesto a los miembros de cada cultura dominante. facilita un útil instrumento de análisis al señalar que las culturas populares «son resultado de una apropiación desigual del capital cultural.6. de los actores que se alinean con su praxis. LA CULTURA POPULAR Tradiciones y costumbres Ritos y creencias Artesanía y arquitectura tradicional Tradiciones y costumbres La conceptualización científica del término «cultura» es una de las tareas más difíciles de lograr a causa de su carácter polisémico -es decir. Así. fundamentalmente de manera oral. pues. y que por dicho motivo. 159 . En efecto. lo que suponía la desvalorización de sus portadores. Con esa arbitraria división se marcaba tradicionalmente una distinción entre una cultura oficial identificada con lo prestigioso y una cultura popular de «mal gusto». la elaboración propia de sus condiciones de vida [de los grupos sociales subalternos] y la interacción conflictiva con los sectores hegemónicos». Una característica importante de la cultura popular es su constante proceso de renovación y cambio a nivel de contenidos y. Esta corrección ha sido muy bien recibida. si se parte de la premisa de que no hay expresión cultural sin actores sociales. donde se asumían de lacto estas visiones negativas respecto de la cultura popular. Desde otro punto de vista. por la dificultad de definir a los actores sociales directamente involucrados en la misma y por el hecho de que la cultura popular es una entidad que se halla inmersa en un constante proceso de cambio.

que lo hizo suyo. las manifestaciones culturales que se producían tenían relación con los grupos nativos que habitaban el continente. Identidades indias en el Ecuador contemporáneo. a través de las mutuas prestaciones de sus contenidos. existía un movimiento cultural de gran tradición hispánica que identificaba a sectores poblacionales minoritarios. simbiosis que. sería conocido como cultura popular. Esta dinámica obliga a enmarcar a la cultura popular en el contexto histórico. en abstracto. las fiestas y la medicina popular) y «artesanía y arquitectura popular». existía la cultura vernácula. en las zonas rurales del país. Así. Se celebraba en tiempo de cosechas. el de los criollos. Pero ni los actores sociales ni el proyecto cultural llevado adelante por éstos son los mismos en el curso del tiempo. José Alberto Simbaña C. previo a la llegada de los conquistadores. esta fiesta permaneció como una expresión de nuestra cultura indígena y de ahí que hayan sido tan populares y festejadas. la música y la danza. En lugar de continuar como parte de un ritual natural. y que ello influyó en las manifestaciones culturales de los pueblos conquistados. Desde los tiempos ancestrales se ha venido celebrando en las comunidades indígenas de la Sierra la Fiesta del Maíz o Inti Raymi. ya que las diversas etapas y vicisitudes históricas que ha vivido el Ecuador han influido de forma directa en los contenidos de aquélla. las diferentes expresiones de la cultura popular se tratarán de forma individualizada. la Virgen y los Santos. puesto que en el fondo se sigue rindiendo culto a la naturaleza detrás de las fachadas católicas. en el contexto de esa época no se puede hablar con precisión del advenimiento de una cultura popular. que ya había desarrollado una serie de expresiones culturales desde las épocas prehispánicas y que se encontraba. sin embargo. el mismo que. Con este fenómeno se inició un verdadero proceso de mestizaje cultural. la cocina popular y las actividades lúdicas). como son los relativos a la cultura popular. que no entraban 160 . La aparición de una cultura popular Con el advenimiento de la época republicana ya se podía hablar con cierta precisión de tres vertientes culturales bastante definidas. esta festividad sufre un cambio con la llegada de los españoles. sus seguidores eran fenotípicamente conocidos como «indios». sino que se hace referencia a una realidad que está íntimamente ligada a una praxis social. en una unidad de acto. El proceso de mestizaje cultural Cuando se habla del término «cultura» no sólo se alude a su nivel conceptual. pasa a conformar el calendario católico. y a unos actores sociales concretos que a través de su cotidianidad construyen dicha praxis. y que fenotípicamente se autocaracterizaban como «blancos» en oposición a los otros grupos sociales. en el solsticio de verano. resultaba favorable al Invasor. En efecto. el contacto entre dos vertientes culturales diametralmente opuestas propició. los cuales reivindicaban para sí una línea de contacto directa con España. desde luego. a fin de dar una mayor precisión a sus contenidos. el nacimiento de un híbrido cultural que ya no era prístinamente español ni totalmente nativo. muchos años más tarde. «Comunidades indígenas de Calderón Ñucanchic Ñan». Pese a estos cambios.Cabe señalar que los hechos culturales.. como agradecimiento al Sol por su generosidad con los hombres. En segundo lugar. y puso delante de las fiestas indígenas la Cruz. por lo que se las celebra en junio como fiestas de San Juan y San Pedro o También como Corpus Christi. identificó a un estrato popular. En primer lugar. En un primer momento. ¿inti Raymi o Corpus Christi?: Las fuentes de la cultura popular. con lo que las fiestas se unificaron. Pero. agrupadas bajo tres epígrafes: «tradiciones y costumbres» (donde se incluyen la tradición oral. Sin embargo. y existe entre ellos una intima relación. Con el proceso de conquista por parte de los españoles comenzaron a crearse las condiciones para el surgimiento de lo que. propia de los pueblos nativos. vino la Iglesia mezclando y tergiversando. Si bien es verdad que en la época prehispánica se habían dado una serie de procesos de conquista entre los diversos conglomerados humanos. en muchos casos es difícil conocer dónde termina uno y comienza otro. se expresan en una forma muy integrada. «ritos y creencias» (donde se trata la religiosidad popular. en las páginas que siguen. preferentemente. desde un inicio. como una simbiosis cultural entre la manifestación Indígena antigua y las formas traídas por los españoles.

la tradición oral tiene que inscribirse necesariamente dentro del contexto de la cultura popular. las leyendas. y hubo civilizaciones muy avanzadas. En tercer lugar. que servían para comentar acontecimientos de 161 . Si en los orígenes la distinción entre los contenidos culturales de los diversos grupos sociales estuvo dada por la diferente membrecía de los actores sociales a cada grupo. La tradición oral La necesidad de comunicarse entre sí es una característica de los seres humanos desde los albores de la humanidad. Esta visión estereotipada de la cultura popular pasó a ser la norma a nivel general. es decir. como la de los incas. y muy variados los escenarios en los cuales se presenta. desde principios de la época republicana adquirieron fama y prestigio los amorfinos. la misma que se quedaba a medio camino entre las manifestaciones culturales nativas y las de quienes reivindicaban una matriz cultural fundamentalmente hispánica. las décimas. Esto no quiere decir que los sectores no populares prescindan completamente de ella. sin valores estéticos. ateniéndose a los cánones estéticos y culturales dominantes. que expresaba su identidad de una forma propia y específica y que no podía ni debía ser estigmatizado por este motivo. sino también por cuanto quienes la crean y recrean y se nutren de ella son sobre todo los sectores denominados «populares». Puesto que en un inicio la mayoría de las sociedades eran ágrafas. Hoy día. la cultura popular fue identificada como una instancia poco elaborada. que no la conocieron. las manifestaciones de la cultura popular en el Ecuador son múltiples y se expresan tanto en acciones cotidianas como en actividades que rompen la cotidianidad. pero la escritura no se desarrolló en todos los pueblos al mismo tiempo. Si bien es verdad que. a renglón seguido surgió un nuevo criterio diferenciativo. su supuesta «pureza» racial y cultural era el argumento que esgrimían para justificar sus actitudes frente a los demás. por cuanto era el vehículo más directo y apropiado para la transmisión de mensajes de toda índole. puesto que hace posible el paso de conocimientos. El advenimiento de la escritura permitió dejar registro escrito de los acontecimientos sociales y de los principales elementos de una cultura. referido a los contenidos explícitos de las manifestaciones culturales. fue vista como todo lo opuesto a lo que los códigos culturales europeos demandaban de una manifestación cultural. Las manifestaciones de la tradición oral en el Ecuador son múltiples. Los amorfinos En el Litoral. la tradición oral tenía más importancia en las culturas ágrafas. se encontraba un grupo social y cultural resultante de un proceso de mestizaje que se había venido dando desde los albores de la conquista y que se consolidó en la época republicana. ya que es inherente al proceso de socialización y al mecanismo de 'transmisión cultural encaminado a la reproducción cultural de los conglomerados sociales. Precisamente éste es el conglomerado que se comenzó a identificar con una cultura popular. etcétera. no sólo por la relación de sus contenidos con lo popular. En este momento se inició un proceso de oposiciones radicales en el que. los cuentos populares. no es menos cierto que en las que conocieron la escritura mantuvo una gran trascendencia. fundamentalmente culturales. Entre ellas se cuentan los amorfinos. por fuerza de las circunstancias. sino que su vigencia en estos conglomerados sociales no adquiere tanta importancia como en los primeros. la tradición oral era la única manera a través de la cual se podían transmitir los mensajes culturales. de mal gusto. las coplas. valores o creencias de generación en generación. de modo que la cultura popular fue adquiriendo «carta de ciudadanía» y una aceptación tácita y expresa a nivel nacional a lo largo de un proceso difícil que aún no ha concluido. En la cultura popular la tradición oral adquiere una importancia superlativa. preservando sus contenidos y sirviendo de verdadero boletín informativo para los miembros de un conglomerado social determinado. especie de coplas populares obra generalmente de autores desconocidos. los piropos.en esta categoría. En el caso ecuatoriano. las adivinanzas y la lectura del testamento del Año Viejo. las loas. Era evidente que las críticas formuladas' en este sentido no tomaban en cuenta que detrás de aquella producción cultural había un contingente social muy importante.

destacándose las de naturaleza satírica frente a acontecimientos especiales o personajes singulares. los temas sobre los que giran las décimas son muy variados. El origen de estas expresiones literarias populares es difícil de precisar. Pero el relator de esas composiciones populares tenía gran prestigio entre su grupo. y se caricaturizan acontecimientos que han tenido trascendencia para la vida de la ciudad. cuya actividad agrícola y entorno natural siempre están presentes y son recreados de muy diversas formas. en las cuales se hacen alusiones satíricas a los personajes de la política nacional y local. el triunfador era el que dejaba literalmente callado a su contrincante. Ejemplo de una décima doble: El vestido cortico Ya también es por demás las del vestido cortico que a medias no más se agachan se les ve el escondidito. La ironía de sus textos y las moralejas que de ellos se desprendían eran una de sus notas connotativas. a manera de contrapunto. y la noción o el conocimiento de quien las había hecho se había perdido en el proceso histórico de su transmisión. y la tradición oral da cuenta de la existencia de personajes cuya función exclusiva era recorrer las comarcas negras recitando décimas o contando cuentos para el regocijo de quienes los escuchaban. Como en el caso de los amorfinos. ya que muchas de estas composiciones habían sido transmitidas de manera oral.carácter político o social y para cortejar a las mujeres. En otras ocasiones sirvieron para reseñar hechos históricos importantes en la vida de esas comunidades. Hasta las viejas ancianas que ya no pueden soplar usan los vestidos cortos como niñas colegialas para poder agradar. Que parece una deidad la moda de Panamá venida de la galera las de las zancas afuera ya también es por demás. son comunes las décimas. El tono burlón y algunas alusiones de contenido sexual también son notas características de estas composiciones. en el muy famoso Carnaval He Guaranda la alegría festiva se expresa a través de las coplas. acompañan las celebraciones en donde la participación popular es la norma. 162 . Por otra parte. Estas coplas no están exentas de referencias a problemas personales de ciertos personajes muy conocidos en la zona. al igual que los personajes que en 'los aparecen. expresadas la mayoría de veces en versos de rima consonante. Imbabura y Carchi donde la presencia de población afroecuatoriana es mayoritaria. Las coplas En la región serrana del país. las coplas. composiciones populares anónimas que expresan diversas vivencias de estos pueblos. Un número central de las diversas festividades de esas regiones era el concurso de amorfinos. Qué modo tan provocante que parece «pinganilla» aquello del calzón-zapo y el vestido a la rodilla Qué lujosa maravilla. en donde había verdaderos especialistas en improvisarlos y recitarlos. aunque es evidente que existe una influencia andaluza en el lenguaje y en la métrica de los versos. relacionados con los hechos cotidianos de los pueblos montubios. Quien recitaba las décimas no era necesariamente el autor de las mismas. uno tras otro. El amorfino tuvo enorme importancia y vigencia entre los pueblos montubios de la costa ecuatoriana. en el que estos trovadores populares hacían uso de su ingenio para improvisar estrofas alternadamente. Las décimas En aquellos lugares de las provincias de Esmeraldas. en algunas décimas se encuentran reiterativas alusiones de naturaleza sexual. Claro está que los contenidos tienen un carácter regional muy marcado. Por ejemplo. Parte de esas improvisaciones quedaban registradas y se mantenían vivas a través de la tradición oral.

y en ellos el ingenio no tenía límites. como en el caso de las coplas. Los textos de dichos piropos se aprendían de los mayores. de autoría desconocida en la mayoría de casos. dentro de los que se destacaban los de naturaleza costumbrista. confinados fundamentalmente a las áreas rurales del país. también había un proceso de inventarlos constantemente. así como los relatos en los cuales el «miedo» era el eje central del argumento. Otra de las expresiones de la tradición oral que en la actualidad sigue vigente y cuya existencia está. y ya no cumplen el papel de antaño en el contexto social. tratando de adaptarlas a situaciones actuales. La literatura oral se manifestó también en los cuentos populares. En el caso de las adivinanzas. la gradual desaparición de las leyendas en la memoria colectiva de las nuevas generaciones es una triste realidad: la popularización de las estaciones de radio y televisión las ha vuelto obsoletas. o a algún santo particular. En el caso los primeros. los cuenteros reunían a la gente durante las noches y les relataban un sinfín de narraciones. Sin embargo. Leyendas y cuentos populares Las leyendas se refieren a una infinidad de temas y tienen como elemento particular el hecho de que en varias de ellas se quiere transmitir una moraleja. en la cual se da cuenta de los principales acontecimientos acaecidos durante el año que termina. También se da el caso de que. El silencio nocturno y la falta generalizada de luz eléctrica permitían crear el escenario perfecto para dicha actividad. se ha producido un hecho curioso: al haber sido registradas varias de ellas en textos escolares ya no corren el peligro de ser olvidadas. Con el cambia en la manera de relacionarse hombres y mujeres. que las mantienen vigentes y aseguran la existencia de este género. 163 . se han incorporado a los textos originales nuevos contenidos acordes a circunstancias actuales. si bien muchas otras que se transmitían por vía oral han desaparecido. En algunos casos han sido incorporados al texto de las loas algunos elementos que nada tienen que ver con el hecho religioso. pero sí con la cotidianidad del lugar en donde se celebra la fiesta. el ingenio popular se convertía en un instrumento eficaz para cortejar a las mujeres. Es interesante anotar que en estas expresiones populares hay un proceso de constante creación de nuevas adivinanzas. La presencia de las leyendas se extiende a todas las regiones del país. Las loas La recitación de las loas constituye uno de los momentos más importantes en la realización de las fiestas populares. si en alguna ocasión se sabe el nombre del autor. ya que antiguamente ésta era una de las pocas actividades lúdicas que tenían lugar en el campo. con el proceso de transmisión oral y el paso del tiempo se diluye ese conocimiento y Las coplas terminan por convertirse en anónimas. en cierto sentido.Aunque hay especialistas en la creación de estas expresiones de literatura oral tradicional. y. se realizan innovaciones en base a coplas elaboradas en el pasado. Quien sabía relatar los cuentos ocupaba un lugar importante dentro de la sociedad. en algunas circunstancias. Otras manifestaciones de la tradición oral El contenido de los piropos y las adivinanzas también forma parte de la tradición oral. generalmente tales personajes prefieren quedar en el anonimato. Su texto ha pasado de padres a hijos por espacio de varias generaciones. Se referían a varios tópicos. claro está. aunque. Por lo general tampoco se conoce a su autor. hecho que ocurre en el último día del año. Había personajes reconocidos por su calidad de buenos piropeadores. y junto con esta figura cayeron en el olvido varios textos de autores anónimos que habían sido transmitidos de generación en generación. La mayoría de las veces estas expresiones de la literatura oral tradicional representan una curiosa mixtura de una alabanza a Dios. El testamento es una composición en verso elaborada por un autor popular. y una serie de consejos de naturaleza moral. garantizada es la lectura del testamento del Año Viejo. Con el advenimiento del servicio de energía eléctrica a las áreas rurales la magia del cuentero desapareció. En determinadas épocas. esta costumbre popular ha ido en desuso. aunque en algunas abundan más que en otras.

Este género musical se ha popularizado en los espacios urbanos y cada día adquiere mayor número de aficionados. así como las referencias a acontecimientos importantes ocurridos en el exterior. Es decir. a todas las problemáticas que se presentan en la cotidianidad y que son motivo de sufrimientos y de alegrías. 164 . Esta costumbre popular estaba en vías de desaparecer. cuya obra se ha vuelto más popular después de su muerte. Las expresiones de la música popular no se concretan exclusivamente en la repetición de viejas composiciones por obra de nuevos intérpretes. etcétera. Dentro de ese contexto. a finales del siglo XX el pasillo ha retomado su popularidad como expresión musical. Este amplio sector poblacional ha sido poco proclive a la incorporación de otros elementos musicales o dancísticos en sus aficiones y más bien sigue creando y recreando los ritmos tradicionales. es decir. Pero dentro del contenido explícito de la cultura popular. y los ritmos y las danzas venidos con el proceso colonial. lo más importante no es la forma en la que se manifiestan esas expresiones dentro de los códigos musicales y dancísticos. a los amores no correspondidos. con prescindencia de cualquier consideración por cómo se realizan estas actividades. la música y la danza adquieren otras connotaciones: son genuinas expresiones de los actores sociales populares. incluso por parte de ciertos sectores sociales que mientras vivió fueron sus detractores. mantenida por los pueblos nativos desde épocas anteriores al contacto con los europeos. en forma mayoritaria. sino que en ella están involucrados otros conglomerados sociales. De este factor se deriva la amplia afición por esta expresión musical. que las utilizan como vehículos para expresar sobre todo sentimientos. de tal modo que el resultado final de estas expresiones musicales y dancísticas es una integración de todas esas vertientes culturales. En cuanto a las letras. A las primeras se les atribuye todo tipo de deficiencias de forma y fondo. Por una parte. al tiempo que la producción de sus discos ha ido en aumento. a un estrato popular. a todo ello se suman otros elementos que fueron traídos por los esclavos procedentes de! continente africano. en el caso de las canciones. se da una especie de sincretismo entre una matriz vernácula. Es interesante notar que no solamente son los estratos económicos bajos los que participan del gusto por esta música. Otra manifestación importante de la música popular es la conocida como música “rocolera”. sino la letra. La música y la danza populares Cuando se habla de música y danza populares se cae invariablemente en la tentación de comparar esas expresiones culturales populares con lo que serían una música y danza «cultas». que transporta sentimientos de muy variada índole. lo más importante no es la parte musical. siempre en contraposición a las expresiones musicales y dancísticas académicas. y son entonadas en todos los escenarios por otros cantantes. Del mismo modo. Tradición y renovación Cabe hacer dos observaciones sobre la música y la danza populares del Ecuador. a las traiciones. a la ternura. sus seguidores pertenecen. Es una música que generalmente está ligada a la bohemia. no sólo entre algunos sectores sino de un modo generalizado. tanto de los contextos urbanos como rurales. la parte más importante de la danza no es la perfección y el academicismo de la coreografía. a los sueños y aspiraciones. generalmente apelan a los sentimientos. sino lo que culturalmente se desea expresar. El pasillo y la música rocolera Si bien son los estratos populares de la sociedad quienes mayormente se alinean con esta música. pero permanece vigente a través de concursos anuales organizados por la prensa local. Este singular fenómeno ha tenido como detonante la producción musical del cantante Julio Jaramillo. sino el mensaje que está adherido a ellos.Las alusiones a los personajes políticos y del convivir social son parte integrante del testamento. Su popularización en el Ecuador tuvo mucho que ver con la carrera artística de un cantante cubano. Sus canciones han alcanzado mayor aceptación. sino que existe un constante proceso creativo de compositores y músicos jóvenes que siguen en la misma línea musical. Por otra 'parte.

independientemente de que en circunstancias normales se mantenga frente a ella una actitud negativa. son la música que se baila en las reuniones sociales festivas. Marcelo Naranjo.Daniel Santos. La Cultura Popular en el Ecuador. Imbabura. la música bomba y la presencia musical de la banda mocha son los segmentos diagnósticos de una expresión musical popular que sigue vigente. conocidos como «cununos». y como consecuencia de las transformaciones políticas y socio-económicas que trajo la Revolución Liberal de 1895. sus expresiones artísticas y musicales continuaron bajo la influencia cultural de España a lo largo del siglo XIX. quienes crearon este género musical que ha adquirido gran popularidad. de poca valoración tanto estética como social. El estilo de música popularizada por él fue seguido por otros cantantes. el pasacalle. y con ella hombres y mujeres demuestran sus extraordinarias capacidades dancísticas. quien constantemente se presentó en un sinnúmero de escenarios a lo largo y ancho del territorio ecuatoriano. Composiciones como el sanjuanito. el albazo. etcétera. Ecuador no es la excepción. trompeta. En el caso del valle del Chota. así como a la construcción identitaria de distintos grupos sociales. barítono. surgen nuevos símbolos musicales que reflejan y representan el nuevo orden político y económico en Ecuador. Tomo IV. afroantillano o colombiano es una realidad. Se puede sostener que este tipo de bandas constituye una versión local (afro) de las bandas de pueblo. maracas. la música de marimba y percusión con tambores tradicionales. Son canciones relativamente más melódicas que la música instrumental de la banda mocha. en la provincia de Imbabura. Desde principios del siglo XX se conoce como “música nacional” a la música que representa la identidad y el sentimiento del pueblo ecuatoriano. la «música nacional» es cantada y bailada por los asistentes. bajo). mantiene la popularidad de siempre. dos guitarras y. Entre la primera. Otras expresiones musicales y la danza popular ha sido mantenida y popularizada por los estratos económicos bajos de las ciudades y las zonas rurales del país.los sonidos de metales (clarinete. 165 . en ocasiones. Es interesante anotar que en algunas ocasiones se produce el mismo fenómeno en estratos sociales no pobres y anclados en las áreas urbanas del país: cuando la fiesta está por culminar y la alegría de los participantes es desbordante. y en el mismo valle del Chota. tanto nacionales como extranjeros.} TEMAS DE MUSICOLOGÍA ECUATORIANA Música popular e identidad ecuatoriana La música popular está estrechamente ligada a la construcción social e imaginaria de la nación. aunque con un inconfundible predominio rítmico dado por la ejecución de la bomba. Generalmente. En los umbrales del siglo XX. en la medida en que los instrumentos típicos –imitan. étnicos y generacionales. es un grupo orquestal compuesto de doce a quince músicos: su nombre obedece al hecho de que los instrumentos de soplo que la integran. es interpretada normalmente por un trío o cuarteto: una bomba. las naciones y estados recurren a las fuentes populares y folklóricas para construir los símbolos musicales de la identidad nacional. y en particular los diversos tipos de puros. tanto la de la región de la provincia de Esmeraldas. Un lugar muy importante dentro de estas expresiones es el que ocupan la música y danza practicados por la población afroecuatoriana. Esta música es la invitada obligada de las fiestas. LA BANDA MOCHA Y LA MUSICA BOMBA La Banda Mocha o Banda Mate. sobre todo cuando la ingesta de alcohol ha sido generosa y se desea «volver a las raíces». recortados – o mochos-. aunque la introducción de otros ritmos de origen caribeño. Aunque Ecuador obtuvo su independencia política en 1822. la expresión musical más tradicional y característica de los negros del Chota. La música conocida con el nombre genérico de «música nacional» también es entusiastamente bailada y entonada por los asistentes a las fiestas. La música bomba.

) han ejercido una gran influencia en el desarrollo económico y en la vida política del país. tanto a nivel documental como sonoro. la música indígena y afro-ecuatoriana se consideran expresiones regionales asociadas con grupos étnicos específicos. Gradualmente. y a la falta de apoyo y protección a la música y al artista nacional por parte del gobierno. Si bien la música nacional tuvo su “época de oro” en la primera mitad del siglo XX. España. Chile y Canadá a fines del siglo XX. libaneses. A pesar de que los inmigrantes internacionales (españoles. un significativo número de inmigrantes de Europa y Asia llegaron a Ecuador. tanto dentro como fuera del país. la tonada. dolarización y las olas migratorias nacionales e internacionales han traído como consecuencia el desarrollo de estilos musicales asociados con los gustos de las clases populares. También se organizan conciertos en las principales ciudades de Ecuador. la música popular urbana va adquiriendo rasgos musicales indígenas. Mientras géneros de la música mestiza. como el albazo. La contribución de Ecuador al desarrollo de la música popular internacional se ha limitado a sus propias fronteras. El Banco Central del Ecuador ha contribuido a rescatar. el pasacalle y el pasillo. Para defender los derechos de autor y los derechos de los músicos se crearon instituciones como la Sociedad de Autores y Compositores Ecuatorianos (SAYCE). Guayaquil. La nostalgia por la madre patria ha tenido un fuerte impacto en la comercialización y difusión de la música popular ecuatoriana. sus expresiones musicales han tenido escasa influencia en el desarrollo de la música popular ecuatoriana. creada en 1979. y en los timbres de las voces. Actualmente existen políticas de protección que exigen cierto número de horas semanales para la difusión de la música nacional en las estaciones de radio y televisión. En la música académica. En esta concepción de “nación mestiza” se marginaba la raíz afroecuatoriana. Esta ideología reconoce el mestizaje biológico y cultural de la población ecuatoriana. Italia. italianos. preservar y difundir el acervo musical ecuatoriano. Los procesos de urbanización. Cabe destacar su labor de promoción y difusión musical a través de los conciertos presentados en la plataforma del Museo de Arqueología y Artes Contemporáneo (MAAC) de Guayaquil. como las que se quedan en el país. alemanes. como son la música rocolera. y asociaciones de artistas en las principales provincias el país. un gran número de ecuatorianos y ecuatorianas de los estratos populares han emigrado a Estados Unidos. A través de sus Departamentos Culturales en Quito. diversificando de esta manera el componente étnico de la población ecuatoriana. Artistas ecuatorianos cantan para las colonias ecuatorianas residentes en el extranjero y las grabaciones de música ecuatoriana tienen una gran demanda por parte de los migrantes. el sanjuanito. situado en el Malecón 2000. su nivel de difusión disminuyó significativamente a partir de la década de 1970 debido a la presencia de corrientes musicales extranjeras – como el rock. en los tempos lentos. las primeras generaciones de compositores académicos utilizaron los géneros mestizos para la construcción de un “nacionalismo musical” A principios del siglo XX. que dan un espacio público a los músicos ecuatorianos y gozan de gran poder de convocatoria. esta ideología se manifiesta en géneros y ritmos mestizos que combinan elementos del sistema musical europeo e indígena. donde se escuchan canciones cuyos textos narran las experiencias que viven tanto las personas que emigran. Las clases dominantes de principios del siglo XX construyeron la identidad nacional ecuatoriana en base a la ideología de la “nación mestiza”. y por Julio Jaramillo en las décadas de 1960-1970). especialmente desde la década de 1960. peyorativamente llamada “música chicha”. etc. Musicalmente.El ” que represente la “esencia” y el “espíritu” del pueblo ecuatoriano. chinos. 166 . son identificados como la “música nacional” por excelencia. en la instrumentación. la tecnocumbia. y una categoría conocida actualmente como “nacional bailable”. mestizaje formado principalmente por la mezcla de españoles e indígenas. Más influyente ha sido la migración de indios y mestizos a los centros urbanos. el aire típico. la música tropical y las baladas románticas –. Buscando mejores condiciones de vida. que se manifiestan en la base pentafónica de las melodías. Cuenca y Loja. fundada en 1973. la Federación Nacional de Artistas Profesionales del Ecuador (FENARPE). A pesar de que el “pasillo” ha sido el único género musical ecuatoriano cuyas grabaciones han tenido venta y difusión internacional (principalmente por los sellos discográficos “Columbia” y “Víctor” a principios del siglo XX.

una bebida fermentada que preparan los indígenas. tiene presencia y visibilidad nacional. los cuales han sido adoptados y adaptados para el consumo local de manera innovadora. 5. Es una música asociada al ambiente de cantina y estigmatizada como corta-venas. boleros. su nombre deriva de la “chicha”. Las remesas de dinero enviadas por los migrantes ecuatorianos han llegado a representar el segundo mayor rubro de ingresos del país. 167 . como la música de Leo Dan y Los Iracundos. valses y pasillos que surgen en la década de 1970 con los procesos de modernización. vulgar e inmoral. que para la burguesía ha simbolizado la identidad nacional hegemónica durante la mayor parte del siglo XX. Esta circulación de gentes y divisas ha tenido un enorme impacto en la producción. no alcanza difusión internacional. Sin embargo. todos los demás tipos de MPE tienen gran demanda en los sectores populares urbanos. un concierto de MPE combina repertorios de música bailable (música chicha. el albazo y el pasacalle. especialmente entre los jóvenes. Ketty Wong Cruz. siendo superado solo por la exportación de petróleo. consumo y difusión de la MPE dentro y fuera del país. Etnomusicóloga ecuatoriana La globalización en la música implica una deterritorialización de los géneros y estilos musicales. o al estilo de éstas. tecnocumbia) y sentimental (música rocolera y música del recuerdo). Antecedentes Como resultado de la crisis bancaria y consecuente dolarización de la economía del país en el año 2000. La música del recuerdo: baladas de la década de 1970. La música rocolera: son los boleros. una hibridación del ritmo de cumbia con géneros folklóricos andinos e instrumentación electrónica. Generalmente. como es el caso del pasillo. Más que ejercer una influencia. migración rural y urbanización. 4. 2. LA TRANSLOCALIDAD DE LA MÚSICA ECUATORIANA. este estudio examina las percepciones cambiantes que tienen los ecuatorianos de su identidad nacional.Su influencia en la música popular internacional ha sido mínima. CONSTRUYENDO UNA IDENTIDAD NACIONAL ALTERNATIVA. que si bien no es hegemónica. 3. Italia y Estados Unidos en busca de trabajo y mejores condiciones de vida para sus familiares que se quedan en el país. Ecuador ha sido receptor de tendencias musicales internacionales (rock. los cuales llegan a ser producidos y consumidos más allá de las fronteras nacionales. ni el status de “world music”? Cómo influye esta supuesta falta de ‘presencia internacional’ en la autoestima e identidad nacional de los ecuatorianos? A través del análisis de una variedad de discursos públicos en torno a la internacionalización de la música popular ecuatoriana en la década de 1990. Qué pasa cuando la música popular de un país. y de los efectos de la crisis bancaria y la migración internacional hacia España y Estados Unidos. La tecnocumbia o “cumbia andina”: de origen peruano. LA INTERNACIONALIZACIÓN DE LA MÚSICA POPULAR ECUATORIANA Con la migración de la MPE varios empresarios y artistas nacionales comenzaron a emitir discursos en torno a una supuesta “internacionalización” de la música ecuatoriana por tener ésta una gran demanda y difusión en el extranjero. detractores de esta posición afirman que dicha “internacionalización” es una fantasía. También examina la construcción de una identidad nacional “alternativa” en la música por parte de las clases populares. La música nacional: un repertorio de canciones mestizas y urbanas en distintos géneros musicales. La música chicha: un conjunto de ritmos bailables de raíz indígena. A excepción de la música nacional. Cinco tipos de MPE asociadas a las clases populares migran continuamente con los cantantes y discos compactos que viajan a otros países llevando recuerdos sonoros de la madre patria: 1. música tropical). cientos de miles de ecuatorianos de las clases populares urbana y campesina han emigrado a España. como el sanjuanito y el cachullapi. como Ecuador.

una música que los identifique en el extranjero como el tango a los argentinos. reproduciendo en otros países las mismas prácticas y contextos sociales que se presentan en Ecuador. como el tango. Es decir que si bien la MPE cruza las fronteras nacionales en términos geográficos. A lo largo de mi investigación. un directivo de una institución que defiende los derechos autorales llegó a emitir el criterio de que se necesita un Luis Miguel para el pasillo. sino lo que se aparenta ser para los demás (Traverso 1998: 192). A pesar de que el pasillo es reconocido como el emblema musical del país y tuvo cierto grado de difusión internacional durante la mayor parte del siglo XX. Esta posición es reafirmada con otros discursos similares provenientes de las clases dominantes: 168 . El término “translocalidad” explica mejor el fenómeno de un cambio de localidad de las prácticas musicales de una colectividad en un territorio distinto al de su origen. existe la percepción generalizada de que solo es conocido dentro del país y que es necesario rescatarlo y modernizarlo para que vuelva a tener vigencia. El segundo momento se relaciona con lo que muchos ecuatorianos recuerdan como una “hazaña musical”. El tercer momento está asociado con la figura del célebre cantante ecuatoriano Julio Jaramillo. es decir. Tampoco se ha convertido en “world music” o “world beat” porque no es conocida ni circula a nivel mundial. de quien se dice “paseó” al pasillo ecuatoriano por toda América Latina en las décadas de 1960 y 1970. era por primera vez escuchada en los discos de pizarra en otros lares del mundo. es decir una figura de talla internacional que haga con el pasillo lo que hizo Luis Miguel con los boleros de antaño. por citar un ejemplo. En los años noventa. los cantantes y las canciones puesto que son exclusivamente los migrantes ecuatorianos de las clases populares quienes asisten a los conciertos. A diferencia de otras músicas latinoamericanas. la MPE no ha sido objeto de exotización. Esta visión que vincula las nociones de “presencia internacional” con “identidad nacional” concibe a esta última como “la imagen” hacia afuera o la “imagen de exportación”. Una mirada retrospectiva al siglo XX muestra tres momentos cumbres en que la MPE alcanzó cierto grado de difusión internacional. Alemania y Estados Unidos en la década de 1910. una música realmente “internacional” debe ser conocida y consumida por gentes de otros países. cuando el Dúo Ecuador viajó a New York en 1930 paran grabar varios discos con música ecuatoriana. Según los detractores. es decir. ni es una música comercialmente rentable. como es el caso del consumo abundante de cerveza que termina generalmente en episodios de violencia. interpretada por bandas y cantantes extranjeros. no tanto “lo que se es” o “lo que se cree ser”. el reggae y la salsa. su consumo está limitado al mercado y a la población ecuatoriana. El primero coincide con las primeras grabaciones de pasillos ecuatorianos realizadas en España.Lo que existe realmente es una “translocalidad” de la audiencia. Era la primera vez que músicos nacionales salían del país para “conquistar al mundo” con sus canciones. El común denominador de estas tres épocas es que la música ecuatoriana era interpretada y escuchada en otras geografías por una diversidad de público no necesariamente ecuatoriano. la discusión en torno a la “internacionalización” de la MPE es sintomática de una débil expresión identitaria que se manifiesta en la percepción generalizada entre los ecuatorianos de que el país no tiene “presencia internacional” con su música. De cierto modo. varios entrevistados de clase media-alta han manifestado cierto malestar por el hecho de que Ecuador no tenga una música o un cantante de reconocida fama internacional. La música ecuatoriana.

Ecuador es “un país sin un ritmo musical que lo identifique y lo aglutine. En Ecuador se escucha decir con frecuencia que los ecuatorianos adolecemos de una falta de autoestima y cierto complejo de inferioridad. Para ellos. En Quito. Regresando al tema de la “translocalidad” de la MPE. (Donoso 2000: 55). se observa en la declaración que Jefferson Pérez diera a la prensa cuando ganó la medalla olímpica en marcha. en cambio. los cantantes y el repertorio de canciones sigan siendo los mismos. la MPE es constantemente criticada por su vulgaridad. La baja autoestima crece aún más cuando países subdesarrollados tratan de emular los estilos de vida de las sociedades desarrolladas partiendo de realidades socio-culturales distintas. combinando géneros bailables y sentimentales para satisfacer la demanda de un público diverso. así como con los ritmos. los conciertos de MPE son “maratónicos”: empiezan al mediodía y duran alrededor de 6 a 8 horas. la música chicha y la tecnocumbia resaltan la raíz indígena con los contextos sociales que recrean. Por el contrario. Según el escritor guayaquileño Miguel Donoso Pareja. para los migrantes ecuatorianos en España. 169 . Destaca además que no hay música ecuatoriana bailable. Estos discursos que niegan la existencia de una música popular legítimamente ecuatoriana revelan profundas diferencias étnicas y de clase social. el antropólogo ecuatoriano José Almeida afirma que “si se presta demasiada atención al desarrollo económico [y standard de vida] alcanzado por Europa o Estados Unidos como referencia identitaria [y modelo a seguir]. respectivamente. Tratando de explicar el origen de este complejo de inferioridad. un país que no ha desarrollado la música popular”. con una variedad de canciones y estilos musicales.“Ecuador no tiene una bebida que lo identifique internacionalmente”. “Los ecuatorianos no tienen una identidad musical propia”. sobre la cual se ha construido el imaginario de la “ecuatorianidad”. un género musical que con sus textos poéticos resalta la raíz hispánica en la ideología de la “nación mestiza”. melodías y estilo de cantar que las caracterizan (Wong 1999). prefiriendo lo extranjero. donde manifestaba que tuvo que “renunciar” al complejo de inferioridad para ganar la competencia. salvo la indígena. este fenómeno no constituye un simple cambio de localidad geográfica en el consumo musical puesto que aún cuando la audiencia. se presentan de 10 a 15 cantantes en coliseos populares. que hace que desvaloricemos nuestras expresiones y productos nacionales. mestizos e indígenas. se crean procesos de dislocación. la música ecuatoriana de estrato popular llega a convertirse en un referente de identidad nacional y pierde cierto grado de estigmatización al estar ausentes. aquellos que la estigmatizan. el pasillo de antaño es el símbolo de la identidad nacional ecuatoriana por excelencia. La dislocación y transformación de las prácticas musicales se manifiesta en la logística y en los contextos sociales. como la tienen los brasileños y los colombianos con la samba y la cumbia. Cabe destacar que las clases dominantes y los intelectuales no se ven identificados con la MPE por estar asociada con los sectores populares. lo cual impide cualquier referente identitario nacional desde la óptica de las clases dominantes. Así por ejemplo. En Ecuador. como la tienen Brasil y México con la caipiriña y el tequila. mercantilismo y falta de calidad artística. es inevitable que esta comparación genere una autoapreciación devaluada y un agudo sentido de inferioridad en los latinoamericanos” (Almeida 2003: 84). transformación y mediación que van a generar otros significados y cambios en las prácticas musicales. que se “patalea” monótonamente a nivel popular y de clase media-baja en la serranía. Esto ocurre especialmente con los migrantes jóvenes que no están familiarizados con la música nacional de antaño. internalizada por una gran mayoría de ecuatorianos. la música rocolera. Esta percepción. o en menor cuantía.

“música mexicana” o “música peruana”– en Ecuador se utiliza frecuentemente el término “música nacional” para hablar de la MPE. Solo así se explica que los conciertos en Ecuador presenten numerosos cantantes. están desplazando a la música nacional en términos de difusión y comercialización. a diferencia de los que se realizan en el extranjero. los conciertos tienen lugar en discotecas y restaurantes. Si consideramos al nacionalismo como una actitud colectiva que refleja y moldea los sentimientos de pertenencia de un pueblo. el concepto de identidad nacional no puede ser singular o excluyente por la diversidad étnica. Por otra parte. Actualmente. Ya que los conciertos se realizan en coliseos populares o plazas de toro. la “música nacional” se ha convertido en sinónimo de “música del pueblo”. Cabe destacar que el término “música nacional” es ambiguo y tiene diferentes significados según la edad. mientras que la “música nacional” de antaño es llamada “música nacional antigua” (Wong 1999). en un lenguaje coloquial que. ignorando la visión de las clases subalternas que forman también parte de la nación (Mallon 1995). entonces los sectores populares también pueden mostrar su nacionalismo de abajo hacia arriba. convirtiéndose en un barómetro que mide las percepciones cambiantes que tienen los ecuatorianos de su identidad nacional. el desarraigo y la separación familiar. el público baila en las graderías. con apenas dos o tres artistas a los que hay pagar. Para algunos sectores de las clases dominantes. familias enteras asisten a los conciertos debido a que éstos se realizan los sábados y domingos al mediodía y los niños no pagan entrada. Sin embargo. –“música popular brasileira”. existen también diferencias en cuanto a la organización y los costos de producir un concierto en Ecuador y en el extranjero. o la música de raíz extranjera que es interpretada por cantantes ecuatorianos. En Ecuador. y al elevado costo de las entradas. junto a la música rocolera y la música chicha. y se presentan solo unos cuantos artistas como atractivo central. los empresarios son generalmente dueños de emisoras radiales o productores de programas de televisión. gastos de transporte y estadía. todo tipo de música ecuatoriana producida y consumida por el pueblo tiende a ser considerada como música nacional. Para ellos. la “música nacional” es un conjunto de ritmos y canciones que narran sus experiencias de vida. los conciertos se convierten en bailes sociales donde lo apropiado es bailar con una pareja. al parecer de las clases dominantes. empiezan en la noche. En Quito. cambiando presentaciones gratuitas por publicidad. especialmente desde el inicio de la migración internacional a fines de los noventa. “música cubana”. sensible y valiente. fuera de los honorarios. Las generaciones mayores y las clases dominantes se sienten identificados con la “música nacional” de antaño debido a que sus textos poéticos retratan a los ecuatorianos con los atributos por ellos deseados: gente culta. es inusual ver niños o familias enteras asistir a un concierto debido a los horarios en que éstos empiezan. Los estudios sobre “nacionalismos” e “identidades nacionales” son generalmente examinados desde la óptica de las clases dominantes. El concepto de “identidad nacional” es aglutinante y busca homogeneizar a una población heterogénea. sólo o con la persona que se encuentra a su lado. describe a los ecuatorianos como gente vulgar. Cabe destacar que mientras en otros países latinoamericanos se identifica a la música popular por su origen. UNA IDENTIDAD NACIONAL ALTERNATIVA EN LA MÚSICA La tecnocumbia. social y cultural resultante del mestizaje y otros procesos históricos en Ecuador. etnicidad y clase social de los oyentes.En Madrid y New York. 170 . En Madrid y New York. centradas en la relación de pareja. en consecuencia. quienes hacen trueques con los artistas que están empezando su carrera. de arriba hacia abajo. en cambio. generalmente tarde en la noche. antes consideradas versiones decadentes de la música folklórica ecuatoriana. Sin embargo. En cuanto a la mediación. inmoral y alcohólica. Las percepciones de la identidad nacional están cambiando al igual que la noción de “música nacional”. música chicha. como es el caso de la tecnocumbia. los jóvenes migrantes y las clases populares que viven en Ecuador conciben la “música nacional” como la MPE que ellos consumen hoy en día (música rocolera. en cambio. música del recuerdo).

a la gente de las urbes. rara los artistas el trabajo y la socialización del mismo tienen en la creación una parte siempre preponderante. a la mujer. será el considerar que la creación del compositor popular obedece a razones que no están únicamente en el individuo productor. situaciones humanas que permiten al campesino. Revisemos este segundo aspecto. ¿cuál es la temática predominante en nuestra música popular? Diríamos que se canta a la geografía. Estos dos elementos que hemos mencionado son los procesos que nutren de "materialidad" a la obra artística. que si bien no es hegemónica tiene presencia y visibilidad nacional. Por el contrario. la alegría.: en fin. Habla y Canta. 20. Constituyen “identidades competitivas” que luchan por legitimidad y hegemonía en el imaginario colectivo del país. la que hace que aquel se exprese después con su capacidad técnica2 incorporando en sus obras códigos simbólicos y aspectos funcionales que lo identifican con su pueblo. con su propia experiencia y cotidianidad. duración. valores y grupos sociales (Larraín 1996: 210). entonces. podemos hablar también de una “identidad nacional popular” que pluraliza las voces del pueblo e interpela con su música aquella identidad musical impuesta por las élites con el pasillo. que representen diferentes intereses. La Habana. La materialidad en la creación artística El arte de crear y escribir obras musicales supone en quien lo ejerce el conocimiento de la técnica musical y un grado de imaginación y sensibilidad necesario para emplear el lenguaje musical en la expresión de sus pensamientos y sentimientos personales Y si bien alrededor de esta labor. Estas “identidades populares” en la música pueden ser consideradas. combinaciones armónicas. Revista Nº 1 Quito. de los sentimientos y la inspiración corren distantes de la praxis social del hombre. “Creación Artística”.. las costumbres y tradiciones. 171 . al obrero. el segundo en cuanto que su producción. a los niños y a los valores como el amor. etc. en su sensibilidad: sino que es la influencia social sobre la mente y la emoción del artista. 65. Diríamos se canta la vida de los demás vivida junto a ellos3 2 3 Espinoza. como una identidad nacional “alternativa”. Si hablamos de una “identidad nacional hegemónica” que busca homogeneizar a la población ecuatoriana. Se dice que Ecuador es un país que no tiene una identidad musical propia. y. la problemática y el medio en el cual se desarrolla su existencia. trabajador. pero lo cierto es que tiene múltiples identidades que coexisten y representan a diferentes grupos sociales. uno de los puntos de partida de esta exposición. identificarse con sus recuerdos. la lucha. desarrollos melódicos. Víctor Jara. que se impropia y manifiesta en sus contenidos y formas. 1980.En su estudio sobre la identidad latinoamericana. e! trabajo. P. P. en su conjunto. 1978. dinámica y excluyente. el músico la comunica y trasmite a una masa de oyentes de la que él es parte y que revierte para sí respuestas y relaciones que escrutan su visión. CONSIDERACIONES SOBRE EL COMPOSITOR POPULAR INTRODUCCIÓN La Música Popular se denomina como tal en tanto en cuanto es una manifestación de carácter social y colectivo. Casa de la América. !a convicción. la abnegación. Definirla en este sentido permite superar posiciones idealistas que conceptualizan a la creatividad artística como un fenómeno individual y subjetivo y en el cual el juego de las emociones. intensidad y timbre. en IADAP. relaciones de altura. etc. El primero en tanto significa la acción transformadora de la materia prima sonora fijada en combinaciones rítmicas. José. una sola identidad nacional porque esta construcción mental es selectiva. al poblador de los suburbios. el sociólogo Jorge Larraín afirma que es posible construir varias versiones de una identidad nacional. a los sucesos y anécdotas históricas. la ternura. No existe. comúnmente se menciona la inspiración o la intuición.

utilizan en gran medida las notas de adorno (apoyaturas superiores e inferiores). Se puede señalar que el modo menor pentáfono y las escalas menor. El glisando es parte de la interpretación especialmente cantada. nos referirnos a simbolismos. que a través de la tradición se han fijado en nuestra gente. Aparece como un "cuello de botella" en el que se condensa la creatividad del conglomerado social. La música popular no es la música de los individuos. En nuestras canciones. “Anotaciones sobre la Música Ecuatoriana”. El final se realiza con una modulación por el III-V-I. V-l. es también importante presentar de una manera sistematizada algunos rasgos técnicos y recursos que se observan en el mismo4.. sobre todo tomando en cuenta los antecedentes de oralidad de nuestras etnias aborígenes. Mencionar la tradicionalidad no significa identificarla con lo antiguo. metáforas. Lo tradicional involucra algo más. VI. natural y melódica son característicos y predominantes. cuartas. más bien es un lenguaje socializado que habla de un yo colectivo de la comunidad y que expresa patrones establecidos a los que se aviene el creador de las obras musicales. observándose algunas diferencias entre las partes A y B. V o III grado. El compositor popular es parte fundamental en la música nacional. Aspectos de la técnica musical de difusión popular Paralela a esta reflexión más centrada en los contenidos del cancionero nacional. En las melodías son frecuentes los intervalos de terceras mayores y menores. además de las notas naturales de estas escalas. es un contacto fecundante que permite a las nuevas generaciones tener sentido de unidad y continuidad histórica de la sociedad. del color y contenido de nuestra música. En el desarrollo de las canciones existen modulaciones internas pasajeras al IV. con los caracteres que definen a un pueblo. su papel es el de un preservador y trasmisor de técnicas de ejecución de los instrumentos. aspiraciones. Patricio. s/f. sobre todo. éstas además. creencias. podemos anotar que las introducciones de las canciones generalmente se constituyen en estribillos que se repiten después de cada parte o período. que trae el pasado al presente y lo hace activo. con lo folklórico. parece se sanciona en la medida que sintoniza el sentir del pueblo y lo revierte con formas e imágenes propias de nuestra idiosincrasia. la inspiración y realidad del pueblo y que la hace “retornar” cargada de subjetividad en las formas musicales que le permiten sus recursos técnicos. En general. es algo antiguo que funciona. que está vigente.Esto supone la presencia de un creador compenetrado con su medio ambiente cultural. reglas y parámetros de su quehacer. a decir de los estudiosos. las segundas a manera de notas de paso y bordadoras o apoyaturas. pero por lo regular la segunda parte de la canción modula al VI grado para luego volver a la tonalidad original. con un objetivo de ubicación tonal para lo cual se combinan los grados de la escala de diferentes formas: V-III-I. podemos decir que detrás de nuestra música popular so halla un compositor que recibe cual sabia nutriente. se encuentran también alteraciones cromáticas a manera de notas de adorno. respetándolos como normas.III-V-I: I(arpegiando). cadencias y modulaciones. Sobre las combinaciones armónicas. existiendo también los demás intervalos: sextas. pensamientos. Pero su condición. 4 Mantilla. modulatorias y climáticas. etc. con dinámica adecuada al texto. Sobre el compositor popular Cuando nos referimos al compositor popular. se utilizan dos clases de escalas: la pentafónica y la heptafónica. de allí que en términos generales. las líneas melódicas tienen carácter reiterativo. sobre todo. de recursos expresivos diversos tanto del canto corno de la instrumentación y. III-VI. quintas y primeras. 172 . aunque la más tradicional y característica es la cadencia napolitana. Lo tradicional. El dúo de la melodía principal corre generalmente a distancia de tercera inferior (mayor o menor) aunque algunas veces lo hacen también a distancia de sexta. por lo general. nos referimos a una actitud contraria al yo individual.

himnos y marchas cívicas. una en la de granaderos y dos en la plaza mayor de cada batallón. bandola. más FRUCTÍFERA. reglamentada por Carlos III. también nos puede unir el anhelo de construir una vida mejor. de percusión e idiófonos indistintamente. Antes de adentrarnos en el estudio de este tema. en las que se inscriben los nombres de grandes compositores. directores y agrupaciones que han propiciado el desarrollo y difusión de la música. La banda lisa También conocida como banda de guerra. yumbo. de percusión e idiófonos. Finalmente. 37 y38 del título X. pasacalles. La banda. pífanos y trompetas. afroecuatorianos e hispánicos. de cuerda. Una ordenanza del ejército español. bandolín. fue el conjunto instrumental más extendido en el territorio ecuatoriano. se caracterizó por su sencillez. intérpretes. tonada y bomba. conviene señalar que históricamente hay dos clases de bandas: la "banda lisa" y la "banda de armonía". por muchas décadas. requinto) aunque poco a poco se ve popularizarse conjuntos vocales e instrumentales que ejecutan instrumentos de viento. así: 2/4 3/4 6/8 4/4 (binario simple): (ternario simple): (binario compuesto): (cuaternario simple): sanjuanito. y por estar generalmente vinculada a la milicia. en las segundas. HISTORIA DE LAS BANDAS DE MÚSICA EN EL ECUADOR Introducción La historia de las bandas musicales está llena de brillantes páginas. Consideraciones finales Es importante que el uso de estos elementos de la creación musical tiendan cada vez más a contribuir a la preservación de la identidad nacional de nuestro país. ternarios y cuaternarios. se realiza con cordófonos preferentemente (guitarra. graficados en compases simples y El acompañamiento y armonización para el canto de dúos.En nuestra música existen ritmos binarios. cajas). pífanos y clarinetes para los cuerpos de infantería. Este tipo de banda o agrupación musical se usó para convocar. Varios son los caminos: investigar y reconocer mejor nuestros antecedentes aborígenes. o desarrollar los mismos enriqueciéndolos con las contribuciones de la música universal: pero sobre todo la tarea del artista creador. guitarrón). coros mixtos al unísono o a manera de "contrapunto". vals. marchas. señalaba: “Se autorizan tambores. buscar su integración y proyectar la necesidad de ser mejores. albazo. en las bandas de pueblo y las estudiantinas observamos el manejo de instrumentos de viento (madera y metales). el 22 de octubre de 1768. dos plazas para cada una de las compañías de fusileros. robores. en los artículos 36. compuestos. clarines. guitarra. danzante. 173 . en las primeras y un repertorio de cordófonos (bandolín. Los instrumentos usados en estas bandas fueron atabales (timbales. dar órdenes o señales determinadas. y transmitir que así como nos unen las canciones. tríos. pasillo. parece ser la de comprometer su canto para comunicarse con el pueblo.

que intentaba compensar la inflación de sueldos y precios..que los músicos debían tocar en bandas de a cinco. En 1835 Wihelm Wieprecht y Johann Gottfried Moritz de Berlín patentaron la tuba (bajo en Fa).0 Hechos como la Ilustración. que fue el que se hizo al Sr. el 9 de octubre de 1701. al narrar los cruentos acontecimientos del 2 de Agosto de 1810. etc. coincide con el advenimiento de la República. se cumplía de esta manera: “el año de 1610. el corno francés. hubo participación de una banda integrada por "trompetas. además de los tambores. al frente del Palacio. . y 12 por una de 6. en las procesiones. y dio la bendición cantada (. desde inicios de la época colonial. una reunión muy numerosa. Dn. en los festejos organizados para celebrar la fiesta de San Raimundo. El viajero inglés W. desde el 25 de julio hasta el 6 de agosto de 1603. En 1810 Joseph Halliday patentó el bugle de llaves. 1 guitarrista y 1 tamborero. los instrumentos a usarse son timbales y trompetas. En 1843. chirimías y atavales".El artículo 1 del título XXI dispone: "El tambor mayor será jefe de todos los tambores. escribió: "Los tambores tocaron a la carga en diferentes lugares de la ciudad. en los instrumentos musicales aerófonos se perfeccionaron los mecanismos y uso de llaves. Entonces tuvo lugar una reunión. y la música militar estacionada en la emplanada frente al Palacio.). el pícolo. a partir de la primera mitad del siglo XIX. así como por la presencia y variedad de un mayor número de instrumentos musicales y la consecuente ejecución de un repertorio más complejo. a manera de ejemplos. Por lo tanto cada músico recibía 3 reales por hora de trabajo. varias referencias sobre este tipo de banda-En Quito. pífanos. en su repertorio incluían algunas "tocatas nacionales".3 En las calles de Quito. era nominándoles miembros de la banda de guerra. (. ¿Cómo estaban constituidas las agrupaciones musicales (bandas) en nuestro medio? En una ordenanza del Cabildo de Guayaquil de 1804. bandas que se acogían al modelo de la escuela militar francesa. la invención de nuevos instrumentos propiciaron la organización y difusión de ensambles musicales más grandes y permitieron a los compositores explorar nuevas sonoridades. se oyó al mismo tiempo una descarga de artillería. Arzobispo al altar mayor. al igual que las bandas de las cofradías..) subió el Sr. apenas lo suficiente para comprar una libra de pan. y con estruendo de trompetas y chirimías.El mismo autor. y clarinetes de todo el regimiento". A través de esta nota podemos apreciar que esta banda militar quiteña. En el siglo XVIII se inventaron entre otros instrumentos. Bennet Stevenson. en la época colonial. En el siglo XIX. y que habían de recibir 6 pesos por una actuación de 3 horas. Sommer de Weimar. Arzobispo de Sta. Lobo Guerrero. En los cuerpos de caballería. sacabuches (antecesor del trombón) y flautas. 174 .. LAS BANDAS DE ARMONÍA En Latinoamérica. y el florecimiento de las "bandas de armonía".) y comenzó a salir la procesión en silencio. se ordenó entre otras cosas: . presidente de la Audiencia de Quito. en tiempo del Sr. o saludo real. chirimías (instrumento musical antecesor del oboe). 1 arpista." Las bandas de música de las cofradías quiteñas. escribió: “A las seis de la mañana se vio a formar en la plaza.. En contraste con las "bandas lisas" las "bandas de armonía" se caracterizan por su evolución. pífanos y cajas". el paradigma cultural francés. ejecutó hasta las nueve tocatas nacionales. formadas por 2 violinistas. en sus festividades y procesiones religiosas. clarines y trompetas.. El ingreso de un prelado forastero. Obispo de este Obpdo.. pistones y émbolos. patentó el eufonium o "barítono". La decadencia de la "banda lisa" o "banda de guerra". las guerras de la independencia. En 1846.1 Una manera de ayudar y asegurar el futuro de los jóvenes huérfanos o vagabundos. la proclamación del Rey Felipe Quinto se realizó al son de "clarines. Fe. que vino promovido al Arzobispado de los Reyes (. Antoine Joseph Sax. y repique de campanas en todas las iglesias. y testigo de los acontecimientos del 10 de Agosto de 1809. y con multitud de pendones y cruces de las religiones y parroquias. la muerte y el pillaje duraron hasta las tres. siempre y cuando tocasen continuamente por el período entero para el que se los había contratado. se propició la creación de las llamadas bandas de armonía. usaron bajones.. patentó el primer "saxofón".. el clarinete. el "bugle". Salvador de Rivera. en París. Cito. quien fue Secretario del Conde Ruiz de Castilla.

comenzando desde entonces a organizarse en nuestros pueblos las bandas civiles que tanto se han difundido en el altiplano (. fagotes. Desde inicios del siglo XIX el impacto de las bandas militares en la música ecuatoriana fue muy grande. además de la difusión musical de nuevos repertorios. En esa época de transición y de profundo sentimiento "nacionalista" las bandas militares. cumplieron con esa importante tarea y sirvieron de ejemplo para que se organizaran bandas en otras instituciones. especialmente en la época del Presidente García Moreno (1860-1875). En 1820.por los años de 1818 a 1820. como en los que pasaban al Perú. nuestros mayores nos aseguran que los instrumentos de metal jamás fueron oídos hasta la venida de Numancia. "retretas" y fiestas militares. en actos o celebraciones públicas y algunos ritos privados. lo que despertó el gusto por esta clase de música. y después con la de los ejércitos libertadores de Colombia: razón porque todas las bandas. flautas. siendo el primero el joven Concha. agrupación inicialmente conformada por 16 músicos esclavos del terrateniente mendocino Rafael Vargas. fue omnipresente. bombos. Virrey de Santa Fe. al mismo tiempo. clarinetes. el impacto de las bandas militares en la música ecuatoriana. y de tres a cuatro mil hombres comienzan a reunirse en expectativa de la entrada de las máscaras. La presencia de la banda de músicos del Numancia. etc. quien llegó a Quito en 1808. 175 . posteriormente creadas en el Ecuador.La iconografía musical latinoamericana del siglo XIX muestra grupos de músicos con pífanos. de modo que hasta hoy no se cuenta más que cuatro directores nacionales. cuyos trabajos han sido respetados de muchos extranjeros. previamente convenidas. al narrar las corridas de toros en Quito.llegó a oírse música francesa y alemana.. bugles. natural de Guayaquil. Segundo Luis Moreno. De esta época. fue un acontecimiento trascendental. municipios y pequeños poblados. tambores. en 1818. incluso cuando el Santísimo Sacramento era "llevado donde un enfermo". gremios. y más de dos mil personas frecuentemente entran acompañadas de bandas de música y fuegos artificiales.. fue muy grande.. y dada la carencia de centros de formación musical. la música militar se reservó para más tarde. y entran al circo en procesión esto se hace a menudo por las cuatro esquinas de la plaza. serpentones. escribió: Después del triunfo de Pichincha -que selló nuestra independencia en mayo de 1822-. pasó por el actual territorio ecuatoriano el batallón realista Numancia. la música militar se oía más continuamente en este país en los ejércitos libertadores de Colombia que guarnecían nuestras plazas. Desde inicios del siglo XIX. escribió: Alrededor de las dos de la tarde. también es famosa la banda del ejército de los Andes. "Bolívar [a este batallón] le cambió su nombre por el de Voltijeros".. Bennet Stevenson. triángulos. El Numancia permaneció de Guarnición en Lima. trompas. Con la venida del señor Zapuch y su esposa -cantores de ópera. porque esta clase de música fue enteramente desconocida en el país.) La música europea más conocida entonces aquí era la española. a cuya hora comienza generalmente la corrida. que se han reunido en diferentes partes de la plaza. han sido dirigidas por extranjeros. oficleides. por la sonoridad y el uso de instrumentos ignorados en este medio. enviado por el español Juan de Sámano. trompetas. hasta el año de 1818 en que se oyó sonar por primera vez con la venida del batallón Numancia. Con destino a Lima. Agustín Guerrero escribió al respecto: Si con la aparición de Celes se pudo conocer gran parte de la instrumentación de orquesta. todas las galerías están repletas. El mencionado batallón tenía una excelente banda de músicos que brindó varias retretas en algunas de nuestras ciudades. algo la italiana y las contradanzas de origen inglés: de las otras escuelas no se sabía siquiera su existencia. que en Quito dieron sus funciones en el teatro del colegio San Fernando -hoy de las monjas de los Sagrados Corazones. quien obsequió esta banda al General San Martín. La animación con "música militar".

Siempre se contrata músicos para estas ocasiones. estimulada por García Moreno. corridas de toros. o los tambores y las trompetas de los soldados. los quiteños tienen una natural afición por la música. no han dejado de contribuir por su parte para la conservación de las bandas militares. Bolivia y Venezuela. y que hoy podemos decir que tenemos música militar. Los únicos sonidos que suben desde la meseta en la que se asienta esta ciudad son el repicar de las campanas de la iglesia. este medio de comunicación debe ser usado para publicar leyes y ordenanzas". Sobre las diversiones populares narra: "También he visto procesiones de disfrazados llevando antorchas. en su visita a Cotacachi (Imbabura). embajador americano quien vivió en el Ecuador en la década de 1860. Su canto es deficiente por falta de un método y los niños croan en vez de cantar.. al describir las corridas de toros. Orando y cantando la procesión sigue su marcha. en la década de 1870.las banderas flamean en los techos y las ventanas. retretas. que los ejecutantes ni siquiera tenían tiempo para comer.. confesemos que todos los gobiernos que han seguido al del General Juan José Flores. escuchó una banda y dejó este testimonio: "Una banda de músicos se hallaba tocando para convocar a los residentes a escuchar la lectura de una nueva orden municipal. martilleo de triángulos y soplidos de pitos comenzó a imitar el trino de los pájaros para estimular la devoción de los mirones. fiestas familiares. pero el resultado es que ha adelantado en el ramo. en su libro: Cuatro Años con los Ecuatorianos detalla su ingreso y primeras impresiones de Quito: Aún no hay sonidos de vagones ni de maquinaria que llegue a nuestros oídos. y uno se asombra por el inmenso valor de la joyería que cubre las imágenes de la Virgen. el canto de los gallos. clarinetistas y violinistas capaces. Se formaban pianistas. El jesuita alemán Joseph Kolberg. mucho mejor que la del Perú. que fundó la República del Ecuador. procesiones. Mientras estaba allí. ensayaba desde el alba hasta la puesta del sol con tanta dedicación. Frederich Hassaurek. DIFUSIÓN Las bandas. en 1863. cohetes y torpedos que explotan aquí y allá. escribió: . y según nos han asegurado varios profesores extranjeros. vestidos con trajes espléndidos y acompañados con bandas musicales". movimiento de tropas. (presidencia de García Moreno). Logran dominar con eficiencia inclusive algunas obras complicadas y podrían haber hecho buena impresión en Europa siempre que hubiesen dejado atrás el gran tambor al que son tan adictos.. En las grandes festividades la procesión es animada por bandas militares y algunos oficiales. Banderas y estandartes flamean. Chile. "mingas". bien es que no lo han hecho con la sana intención de fomentar el gusto ni las disposiciones del pueblo. con tintineo de campanillas. El mismo autor. animación de veladas artísticas. priostazgos. al alcance del oído. ex profesor de la Politécnica de Quito. torneos deportivos. tradicionalmente han estado ligadas a la animación de actividades al aire libre: ceremonias religiosas. (se escucha) una banda de instrumentos de viento que lanzan sonidos terribles. ni un murmullo emerge de la capital del país. En un país sin periódico. militares.. sino más bien por vanidad y lujo de sus ejércitos.17 Has-saurek. en su obra Natch Ecuador (Hacia el Ecuador) escribió: Toda festividad ya sea dentro o fuera de la iglesia es animada con música y canto aunque de una especie difícilmente calculada para deleitar un oído europeo.Ya que nos hemos ocupado de las bandas militares. Sobre las procesiones de días religiosos narra lo siguiente: Las damas respetables que llevan los cirios se confunden con el populacho que va entonando cantos. "Pases de Niño". cívicas. una banda del ejército. No obstante. En mi primera víspera de Navidad. 176 . desfiles cívicos. una multitud. vísperas.

zampoñas. dulzainas. de origen precolombino con ritmo alegre y melodía melancólica. Por consiguiente las Bandas de músicos son agrupaciones constituidas por instrumentos de viento (madera y metal) y de percusión. bombos. tiene origen pre-hispánico en la provincia de Imbabura. donde habitaban los indígenas Caranquis e Imbayas. Según los musicólogos es una combinación única que denota el sentimiento del indígena ecuatoriano. sostienen que el San Juanito es originario de la Cultura Inca. Por la variedad de timbres. Pingullo. posiblemente una derivación del Huayno Cuzqueño Segundo Luis Moreno. Música y Danza propia de los indígenas y mestizos del Ecuador Es considerado el Ritmo Nacional del Ecuador. esto gracias el al invento y perfeccionamiento de los instrumentos de viento con boquilla. EL SAN JUANITO RITMO NACIONAL DEL ECUADOR. 177 . el sometimiento inca en esta región fue por muy poco tiempo. mientras que el acompañamiento lo desarrollan los bombardinos y bajos. y. Para los etnomusicólogos franceses Raúl y Margarita D´harcourt quienes realizaron investigaciones de campo en Perú. etc. las Bandas Populares se constituyen en organismos capaces y valiosos para el desarrollo y difusión de nuestra música. y otros autores no aceptan esta hipótesis por las siguientes razones:  La invasión de los Incas en la zona de origen del San Juanito en lo que hoy es el Cantón Otavalo. Las Bandas Populares en sus inicios fueron conjuntos de trompetas y tambores que adquirieron mayor capacidad para ejecutar verdaderas obras musicales. por la posibilidad de conseguir cualquier agrado y carácter de sonoridad. lo que no da el margen de tiempo para pensar con seguridad que los incas difundieran o establecieran su música en ese lugar. con otros autores comparten la idea de que el San Juanito surgió en lo que hoy es. se suman a estos instrumentos extranjeros como: la guitarra. más aun son de carácter colectivo porque su participación obedece más en los inicios masivos y comunitarios. los San Juanitos muy alegres y movidos reciben el nombre de Saltashpa. deriva su nombre a que se lo baila en las fiestas en honor a San Juan Bautista. Actualmente se interpreta con la mezcla de instrumentos autóctonos del Ecuador como: el rondador. Existen varias versiones hipotéticas sobre el origen del San Juanito.LAS BANDAS POPULARES Son aquellos conjuntos que ejecutan instrumentos de viento y percusión que con sus presentaciones artísticas en plazas y sitios al aire libre deleitan y educan a nuestros pueblos. San Juan de Iluman perteneciente al Cantón Otavalo. clarinetes y saxofones. Los historiadores de nuestra música manifiestan que en el año 1818 se escuchó por primera vez una Banda completa en el país con la llegada de los conjuntos pertenecientes a los ejércitos liberadores de Colombia y Venezuela. tambor y platillos. todos ellos son regidos rítmicamente por el bombo. RITMOS TRADICIONALES Y POPULARES DEL ECUADOR. incluso con instrumentos electrónicos dándole un toque de modernidad y estilización. todos los perfeccionamientos actuales de los instrumentos. quena. Generalmente la identidad musical desarrollada por estas agrupaciones son de carácter popular y sus representaciones las realizan en su mayor parte a] aire libre. Los instrumentos musicales que por lo común tiene una banda se organizan así: La melodía es desarrollada por las trompetas. Bolivia y Ecuador. se produjo la invasión española. luego de este suceso. según el musicólogo Segundo Luis Moreno. Bandolín.

Provincia de Imbabura Ecuador. esta última agrupación ha sido reconocida por el Congreso Nacional del Ecuador por su brillante trayectoria musical. todos los presentes hacen gala de sus mejores pasos bailan formando círculos. Para el mestizo bailar San Juanito tiene un mensaje de algarabía e identidad nacional. 178 . Según muchos investigadores a sus orillas nació el San Juanito. pertenecían antes al Ecuador. existen reliquias muy antiguas de el rondador confeccionadas. en el museo del Banco Central del Ecuador. ritmo similar al San Juanito pero con características propias. Según Cronistas españoles. forma parte del repertorio en fiestas populares y reuniones sociales de todo el país. este tipo de música era ya muy difundida en las regiones andinas desde mucho tiempo atrás de la formación del imperio inca. que investigan. Bailar al son del San Juanito. Actualmente el San Juanito tiene vigencia siendo interpretado por muchas agrupaciones juveniles que lo han modernizado y estilizado con fines comerciales. Para el indígena bailar el San Juanito expresa un mensaje comunitario de unidad. identidad y relación con la madre tierra (Pacha mama). interpretan y difunden el San Juanito a nivel nacional e internacional son: Chari Jayac y Ñanda Mañachi. con el antecedente de que parte del departamento de Nariño y del Valle del Cauca. cuando está muy encendida la farra (fiesta). cuyo origen no establece vinculación con la cultura inca. con plumas de cóndor. En la actualidad. el baile del San Juanito. sentimiento. Las mejores agrupaciones indígenas de Otavalo. los mismos que se separaron al desmembrarse la Gran Colombia. en los departamentos del Huila y Tolima EL SAN JUANERO. instrumento básico para la interpretación del San Juanito que datan de épocas pre hispánicas. etc. trencitos (hilera de personas). las dos agrupaciones han dejado muy en alto el nombre del Ecuador y han hecho famoso al San Juanito.  Como sinónimo existe en la región andina Colombiana. evidencias de instrumentos autóctonos del Ecuador como el Rondador o similares.  No existe en otras regiones andinas. es propio de los indígenas y mestizos del Ecuador. Lago San Pablo al pie del Monte Imbabura.

fuentes del siglo XVII ya mencionan al albazo en las fiestas de San Pedro. Fórmulas rítmicas características El alza Llamado también Alza. alcanza gran popularidad en el siglo XIX. 179 . acompaña al baile de tejido de las cintas en Tisaleo (Provincia de Tungurahua).865. titulando "El Albacito" aclarando que "con ese yaraví despiertan los indígenas a los novios al otro día de casados". que recorren las calles durante el Alba de ahí su nombre que deriva de ALBORADA. es un peruanismo. Segundo Moreno dice. Jiménez de la Espada. pertenece al compositor Juan Agustín Guerrero. lo hace mención en 1881. Hassaurek dedica unas líneas a un baile "lento y monótono". Según Tobar Donoso. la voz Albazo. alza que te han visto. En Chaupicruz a las 4 de la mañana se ofrece un albazo a la priosta (Prioste es la persona que aporta económicamente para las fiestas) del día de la cruz. Se oyen albazos a partir del 29 de Junio de cada año en ocasión de San Pedro en Alausí (Provincia de Chimborazo) en Cayambe y Pomasqui (Provincia de Pichincha). en 1865. la primera partitura que se conoce de este ritmo data de 1. El Albazo.Formulas rítmicas características: El albazo Ritmo musical generalmente interpretada por bandas de músicos. "el albazo es una composición criolla en la que no han tenido la más leve intervención los indígenas" por eso es posiblemente que sea uno de los primeros géneros musicales de los mestizos. quien registro la melodía en la ciudad de Guayaquil. El Domingo de Ramos en Licán (Provincia de Chimborazo) comienza con el Albazo durante el cual se beben canelas (bebida caliente de canela con aguardiente o licor) y chicha (bebida fermentada de maíz).

el baile de los danzantes deriva probablemente del antiguo baile cápaccitua o baile "de los militares" que los incas solían representar en el mes de Agosto. aparte del respeto ganado este puede ingresar a las casas sin ser invitado. Generalmente las parejas de baile se forman entre hombres o entre varón y mujer. cada una de las cuales está construida con los clásicos 16 compases.El Alza que te han visto. El capishca Música y baile mestizo. El Alza. Mera afirma en 1982 que el alza era el nombre de una tocata y danza muy alegre y "tan popular como el costillar" Segundo Luis Moreno. su ritmo es muy similar al albazo. en su cabeza luce un adorno que simula un altar gobernado con penachos de vistosas plumas. El compromiso y honor de ser danzante empeora el estado económico del indígena hasta el punto de volverse esclavo de sus deudas. propio de la provincia de Chimborazo. El yumbo. hacia los lados y en circulo ya sea a la izquierda o la derecha. hacen entradas y atenciones que gustan a los bailarines y espectadores. haciendo menciones o alusiones a la condición física. moral o social de la pareja que lo interpretaba. Por lo general consta de dos partes. sentarse a la mesa comer los platillos preparados para la fiesta y partir sin dar las gracias. algo exótica y suelto como todas las danzas criollas" también indica que esta era una danza cantada que no tenia versos propios. Hay que hacer una diferenciación clara al hablar de este ritmo que también acoge a los personajes que lo bailan. por cuanto se ve obligado a gastar sus ahorros de todo el año para representar a este personaje tiene similar responsabilidad económica que los priostes en las festividades. en la actualidad se lo baila en las fiestas de la Virgen del Cisne (Provincia de Loja). hacia atrás. 180 . según el Instituto Ecuatoriano del Folklore el danzante es un aire en compases de 6/8 cuya melodía va acompañada de acentos rítmicos por medio de acordes tonales y golpes de percusión en el 1er y 3er tercios de cada tiempo. El ritmo danzante se interpreta con un tamborcillo y un pingullo. El Danzante es un personaje ataviado con trajes elegantísimos y de mucho valor. Para Cevallos. El danzante. Es una tonada muy alegre y movida donde se pone a prueba la aptitud física de la pareja que lo interpreta haciendo pases y entradas con muestras de picardía y galanteos. divididos en dos periodos de 8 con dos frases de 4 cada uno. según Costales viene del verbo quichua CAPINA que significa exprimir. de los que cuelgan cantidades de monedas de plata y adornos costosos. Ritmo y danza de origen prehispánico característico de la región oriental. pues cada cantor usaba los que más le parecían. explica su estructura y su baile de esta manera "El baile tiene forma especial típica. manifiestan que el Capishca es una tonada que cantan los vaqueros del Chimborazo con versos quichuas y castellanos. se interpreta con un tamborcillo y un pito. se interpreta con arpa y guitarra. Piedad Herrera y Alfredo Costales. Su interpretación coreográfica es un "semizapateado" con pasos hacia adelante. en este baile la pareja con pañuelos o sin ellos. es un verdadero honor ser danzante ya que se goza de ciertos privilegios dentro de la comunidad. pertenece al género de bailes sueltos y alegres.

La Bocina es la melodía más representativa de este género. es una especie de "ragtime" norte americano. el mismo que pinta su cara con varios colores. generalmente llevan en sus coreografías una lanza de chonta o de cualquier otra madera. Los pasacalles son interpretados por las bandas. ya que también lo encontramos en el Perú. tiene cierta similitud con jazz. se cree su nombre proviene del FOX TROT (trote del zorro). según el Instituto Ecuatoriano de Folklore dicha composición musical está escrita en La menor y "transita por los tonos de Fa mayor. Un ritmo algo difícil de definir sus orígenes.El yumbo es el personaje que interpreta este baile. compuesto por el Sr. tiene similitud con el paso doble español de el cual tiene su ritmo. Al parecer este ritmo no es patrimonio del ecuador. Andrade Marín cree que los Yumbos personifican a los Yungas. Alfredo Carpio. tienen un tiempo lento por lo cual es más para escuchar que para bailar. cuentas con alas de cochinilla. Los pasos son hacia delante y atrás y con vueltas hacia la derecha e izquierda. Otras combinaciones se pueden mencionar al incaico. doblados y los puños cerrados. para modular y termina en La menor original" Su danza es una especie de zapateo vivo. Fórmulas características: Fox incaico. tienen similitud con el fox norte americano. semillas. El baile de los yumbos es con brincos. Género de piezas musicales de carácter popular. adorna su cabeza con plumas y guacamayos disecados. en este ritmo se conjugan escalas y modalidades pentafónicas. en su cuerpo lucen pieles de animales salvajes. esta canción expresa de una manera melancólica y bella el sentimiento del pueblo indígena. shimmy incaico. El Chulla Quiteño es la melodía más representativa de este género. El pasacalle. que se efectúa con los brazos levantados. 181 . su autoría es atribuida al compositor Rudecindo Inga Vélez. saltos y gritos ceremoniales. Las primeras melodías que se compusieron. al parecer su nombre se origina por su movimiento elegante con pasos firmes cuando se lo baila en las calles por eso es utilizado mucho por agrupaciones que hacen coreografías en las calles o desfiles. compás y estructura general pero conservando y resaltando la particularidad nacional. yaraví. Si menor y Do mayor. data de la primera época de este siglo. sin tener nada que ver con este. insectos de llamativos colores.

Casi todas las ciudades del Ecuador tienen un pasacalle escrito en su nombre los más famosos son: Ambato tierra de flores. Cuba. Marco Histórico . se desea abordar la conformación. Costa Rica.Antecedentes El ritmo del pasillo se ha cultivado en varios países de Latinoamérica. Venezuela. La presente investigación. Soy del Carchi. Partiendo de estas premisas. El Salvador. evolución y consolidación como género. se ha escogido al pasillo “El alma en los labios” como un representante de lo que sería el género popular y al pasillo “Reír llorando” como una obra representativa del llamado pasillo “académico”. El Chulla Quiteño. Mediante el análisis musical se pretende comparar y dilucidar cuales son las diferencia y semejanzas de estas dos variables. entre ellos Perú. Panamá y Nicaragua donde este ritmo tiene presencia. Objetivo General Verificar por medio del análisis musical que el pasillo “Reír llorando” es uno de los precursores del género de pasillos académicos en el Ecuador. Elaborar un análisis histórico del pasillo ecuatoriano. 182 . Resumen de una investigación musical INTRODUCCIÓN Basado en estudios históricos y mediante el análisis musical formal. Objetivos Específicos 1. Ecuador. Ambateñita Primorosa. etc. se hace hincapié en este pasillo y se toma al mismo como objeto de estudio con el fin de sustentar la hipótesis de que es este uno de los precusores del género de pasillos “académicos” ecuatorianos. desarrollo y vigencia tanto del pasillo “popular” como del llamado pasillo “académico” en el Ecuador. valorarlas y consolidar la identidad latinoamericana. Establecer las diferencias y similitudes del pasillo académico con el pasillo popular. Fórmula característica El pasillo ORÍGENES DEL PASILLO ACADÉMICO ECUATORIANO Y SU IMPORTANCIA EN EL CONTEXTO COMPOSITIVO MUSICAL. De tal manera que profundizar en su estudio es conocer nuestras raíces. Bajo el supuesto que “Reír llorando” contiene suficientes elementos que nos remitan a los orígenes. 2. pretende acercar al lector al conocimiento de un género que ha aportado a la cultura musical no sólo en el Ecuador sino también en otros países americanos. Realizar un análisis musical de los pasillos “Reír llorando” y “El alma en los labios” 3. Chola Cuencana. A través del estudio histórico se desea sentar las bases para dotar de un marco referencial en cuanto a su origen.

que sus influjos hicieran mella y muchos de estos perduraran y otros desaparecieran. el pasillo instrumental decae a la par del auge que tiene el pasillo cantado. A partir de 1910 la producción de pasillos en el Ecuador. favorece y lo consolida no ya como un baile de salón y de factura instrumental. vals. swing. en las postrimerías de la Colonia para consolidarse como género a mediados del mismo siglo. fecha que coincide con la aparición del primer Conservatorio de Música en la ciudad de Quito. melódico y de texto. sin embargo coincidiremos en que sus comienzos data a principios del siglo XIX es decir. buscar y experimentar nuevas posibilidades dentro del género del pasillo instrumental. el pasillo definitivamente se impone convirtiéndose en la música más representativa y de una gran audiencia en el gusto del público. datan del año 1886 y en el año 1902 aparece la primera noticia histórico-musical sobre el género. new age. 183 . jazz. pasodoble. etc. Esto lejos de perjudicar a este ritmo floreciente. La introducción de este ritmo al Ecuador. Se graban y publican pasillos de reconocidos autores. serialistas. Desde entonces y hasta la actualidad. Si bien se podría decir que el género apareció en la Colonia fue más tarde y gracias a la mezcla tanto a nivel rítmico. fueron Aparicio Córdoba (184? . Las primeras crónicas sobre festejos políticos en los que se menciona el baile del pasillo. Por otro lado. esto favorece y acrecientan la difusión al mismo tiempo que la oferta va en aumento constante. será en esta colaboración músico-poeta que el pasillo cantado tome nuevos y novedosos rumbos. electrónicos. es probable que este ritmo no sólo se ejecutara por pequeños grupos instrumentales sino que también se ejecutaba en las bandas militares. Así. hasta las nuevas generaciones incluyendo al rock. es desplazado como baile de salón por nuevos ritmos que están de moda como el fox trot. este género ha aportado al igual que muchos otros la materia prima para compositores de variadas tendencias. sino que se orienta hacia el pasillo con texto que será donde definitivamente se afiance como género. Los primeros compositores ecuatorianos de pasillos reconocidos. Se abocan a escribir y su producción intenta dotar a la creación de música ecuatoriana de obras con raigambre nacional y al mismo tiempo de impecable y elaborada construcción. Escriben pasillos que poseen un mayor desarrollo formal. data del año 1877 por medio de funcionarios diplomáticos colombianos que trajeron este género el cual se cultivaba y gozaba de prestigio en este país. Es entonces la Gran Colombia (Venezuela. Esto es aprovechado por algunos compositores de la generación de principios del siglo XX. consolidando no sólo la música “seria” sino y en general la creación de música ecuatoriana. rítmico y melódico. armónico. comienza una proliferación de pasillos de carácter popular escritos y ejecutados por músicos académicos los cuales no sólo tienen una preocupación por la música sino que la letra es encargada a reconocidos poetas. Colombia. encuentran en este género una fuente de posibilidades expresivas y de acercamiento al sentimiento nacional. irá en aumento de forma que su importancia y aceptación llevan a considerarlo tanto al interior como en el exterior la música nacional del país. que encuentran una oportunidad para desarrollar. Si bien opaca y relega a segundo plano otros géneros musicales. el pasillo se ha convertido en una fuente inagotable de inspiración. En el año 1870. Sin embargo a principios del siglo XX.Varias son las hipótesis sostenidas acerca de cómo y cuando apareció este género. los músicos con estudios formales e influenciados por la corriente nacionalista. Cultivado en un comienzo como género de baile de salón y ligado a las clases dominantes. dodecafonistas. contemporánea. El pasillo como tal debió tomar un tiempo desde su aparición hasta su conformación y consolidación. Desde la generación de los nacionalistas pasando por los románticos.1930) y Carlos Amable Ortiz (1859 . Ecuador y Perú) quien ve nacer a este género y será la época Republicana la que acoge definitivamente al pasillo como el ritmo criollo de mayor valía y aprecio en las clases dominantes.1937). años que corresponden a la época Republicana.

sin embargo. se introdujo la pentafonía como una característica en el movimiento melódico y las relaciones armónicas introdujeron “la repetición de motivos o frases trasladadas que usualmente presentan relaciones plagales. los cuales se han visto modificados por el influjo melódico y armónico de la música indígena y popular ecuatoriana. La moda trae consigo no solo sus vestidos sino también una cultura. que son por lo general usadas en la música ecuatoriana”1 y particularmente en los pasillos. Esto se debe a que la influencia colonial y más tarde la copia de las modas y los modelos europeos estaban en auge y calaron profundamente en el quehacer social y cultural de las florecientes ciudades americanas. Estas generalidades ponen en evidencia las particularidades del pasillo ecuatoriano y su diferencia con los creados en otras regiones de América. Del vals quedan características comunes. España y Alemania principalmente. Esto de alguna forma intentaba ser copiado por las clases dominantes quienes eran los que tenían acceso a la información a los viajes y al conocimiento de lo que sucedía en el Viejo Continente. Siendo una característica sobresaliente el hecho de que estas comienzan en anacruza. Esto hace pensar que el vals fue el género que nuestros compositores escucharon y cultivaron con más asiduad. al cual lo fueron modificando y poco a poco se le impregnó no sólo el sello personal sino características que lo identifican con una región o localidad. Quito y Guayaquil no pasaron ausentes a este influjo y se sumaron a las ciudades que miraban hacia Francia. tomaremos como punto de referencia al vals vienés ya que fue este género el que más se difundió no solo en el país sino universalmente y que además fue el baile de salón por excelencia en la época Colonial y Republicana. es decir sus bailes. el pasillo al igual que muchos otros ritmos surgen de este sincretismo y apropiación local que le dan un sello y una identidad propia. Sin embargo. el paspie francés. todos con características particulares que coinciden en la métrica _ y unos más que otros en las figuras propias de este ritmo (negras y corcheas). todas coinciden que su antecesor está en algún género radicado en la vieja Europa. Varios fueron los géneros bailables que en uno u otro momento eran los más apreciados y ejecutados por músicos locales que asimilaron y porque no. El influjo de la música criolla e indígena no pasó desapercibida. por ejemplo las frases anacrúzicas. su música. bolero español. Estas frases melódicas. una vez modificado el ritmo base. Italia. su forma de caminar y de comportamiento.instrumental y pasillo instrumental. se apropiaron de ellos. 184 . se organizan en compases pares y los movimientos interválicos son realizados por grado conjunto y los saltos son de carácter tonal.Orígenes Varias son las teorías sobre el origen de este ritmo. Estas frases melódicas responden a un movimiento lógico gracias al uso frecuente de secuencias. es de suponer que al igual que muchos elementos culturales fueron asimilados en la colonia y sincretizados por nuestros antepasados esto ha sido una constante en el pensamiento y formación de la cultura mestiza americana desde entonces y hasta la actualidad. Si esto sucedió así. ya que es de este último de donde nace el académico. el zorstico español. Las siguientes características generales son válidas tanto para el pasillo académico como popular. CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL PASILLO El género musical del pasillo se presenta en dos versiones. Algunos de los géneros que más afinidad tienen con el pasillo son: el vals alemán. pasillo vocal. sus comidas. La melodía Las ideas y frases melódicas del pasillo son generalmente escritas en negras y corcheas. Por esto. En la música popular y académica este género responde a los moldes europeos en cuanto a la organización de la forma. el uso de negras y corcheas y la métrica.

ha sido grabado y editado en varios países y por diferentes agrupaciones musicales de reconocida trayectoria nacional e internacional. Cada una de las partes utiliza una cadencia final. Es interesante notar que el texto lleva consigo una enorme carga poética y su profundidad y desgarramiento. perteneciente a la generación de los “decapitados”. Cuando hay una introducción este se presenta en 4. 8 o 16 compases) y duplicadas lo cual completa un período. 185 . continúa con un interludio de 6 compases y realiza un Da Capo al tema A donde finaliza. precedidos y antecedidos por introducciones o interludios instrumentales. pena. El texto musical tiene una Introducción de 6 compases. Este pasillo en particular. El ritmo La métrica en la cual se escribe el pasillo es en 3/4. Generalmente se presentan pasillos en dos tempos. característica en la música ecuatoriana: III – V – I o VI – III – V – I.Estructura Formal El esquema formal en los pasillos vocal-instrumental pueden ser bi o tripartitos. En el proceso de estructuración rítmica que llevó a transformar el vals europeo. tema A de 16 compases un interludio de 6 compases y un tema B de 20 compases. Si la parte A está en tonalidad mayor. la parte B se presenta en su relativa menor La armonía La armonía del pasillo responde al sistema tonal-funcional. casi siempre están escritos en tonalidad menor para realizar en la segunda parte una modulación a tonalidad mayor. la primera parte lenta y la segunda más rápida. la parte B será en su homónima mayor o en el sexto grado. esto se logra mediante el cambio del Tempo propiamente dicho o por la variación rítmica. Si la parte A esta en tonalidad menor. Las frases se estructuran en forma cuadrada (4. Tanto la introducción como los interludios que sirven de enlace entre las partes. sin embargo se pueden encontrar pasillos en 3/8 y 6/8. coinciden con una de las temáticas más tocadas en el género del pasillo popular. están escritos en la tonalidad principal. la negra del segundo tiempo fue reemplazada por dos corcheas y posteriormente la primera corchea fue sustituida por su silencio. Las variantes sobre la métrica de _ es diversa. quienes con su visión de mundo influenciaron profundamente en el género ya que muchos fueron los que aportaron sus letras a un centenar de pasillos que manejan una temática de desarraigo. 8 o 12 compases y generalmente en tonalidad menor. Se maneja la forma tradicional bipartita (ABA) y al igual que la armonía y el uso rítmico estos elementos son parte de las características comunes usados en los pasillos ecuatorianos. es decir por una aumentación en las figuras utilizadas en la segunda parte: Largo Allegro Lento Allegro Andantino Allegro Análisis Musical Análisis del pasillo “El alma en los labios” Se ha escogido este pasillo como representativo del género popular ya que éste ha tenido una difusión amplia y ha alcanzado a ser uno de los más ejecutados no solo dentro del Ecuador sino que ha sido reconocido internacionalmente. a continuación se registran las más significativas: El tempo Se han registrado pasillos que van desde lento hasta allegro. La modulación de la segunda parte casi siempre desemboca en el VI grado. La letra de este pasillo es del reconocido poeta Medardo Ángel Silva. angustia y dolor.

negras con puntillo y blancas) como en disminución (semicorcheas) aunque esta con muy poca presencia.ID Ab mayor: VI – ii V – I – VI – I – iii – VII° V–I El ritmo Está escrita en un compás de _ con un bajo que repite la frase rítmica durante todo el transcurso de la pieza (2 corcheas. No existe en esta obra un desarrollo armónico ni rítmico significativo.#I° . y las apoyaturas sugieren los sonidos de las flautas utilizadas en la región andina. El resumen armónico es el siguiente: A Do menor: V7 – I – VII° . silencio de corchea. una corchea y una negra.) Las secciones A. La rítmica está dada en negras y corcheas.funcional. C y D están caracterizadas por la utilización de corcheas como eje principal de su movimiento rítmico con variaciones tanto en aumentación (negras. pero el compositor le da a cada una de estas parte un tratamiento armónico y melódico que sugieren ser consideradas como una parte propiamente dicha. comienza la sección A para ir a la mayor en la sección B. 186 .V –IC Do menor: V – I – VII° . La Armonía La tonalidad principal está en Do menor y en cada sección modula dentro de la lógica tonal. Los interludios se mantienen en Re menor al igual que la introducción. Melódicamente utiliza apoyaturas cromáticas hacia la subdominate (mi natural fa) la subdominante (fa sostenido sol) y la sensible (si natural do) Estructura formal Es una forma cuatripartita (A – B – C – D – A) estructurada en frases binarias que completan periodos de 16 compases. B. La organización de los compases en las secciones A. dadas sus características musicales y de texto. La sección D es contrastante con las anteriores por el uso de una melodía realizada en el tiempo.En tonalidad de Re menor. El registro utilizado en esta obra va de un C5 a A7.I .V – I B Eb mayor: I – II – V – III7 V – I – VII° .IV – V . La melodía La melodía se encuentra estructurada en frases anacrúzicas binarias las cuales generalmente se elaboran dentro de la estructura armónica cuando contienen saltos y por grado conjunto se advierte una clara utilización de la escala menor armónica. Se da este margen puesto que se tienen noticias que ya se escuchaba y se bailaba este pasillo en los años de 1930. C y D es 2 + 2 + 2 + 2 Tanto la sección C como D cumplen también una función de puente. pero se puede hablar que esta apareció aproximadamente entre los años de 1875 a 1910. Análisis musical del pasillo “Reír llorando” Al abordar el estudio del pasillo “Reír llorando” se han encontrado una serie de características que llevan a pensar que nos encontramos ante una obra escrita por un compositor con un claro sentido de lo que era la realidad nacional en ese momento y de su compromiso para con el desarrollo de la música en el Ecuador. Concluyendo. o se han encontrado datos fidedignos de cuándo el compositor Carlos Amable Ortiz escribió esta obra. se dirá que el pasillo “El alma en los labios” es un claro ejemplo de lo que se considera un pasillo popular. Por ejemplo cabe destacar que la parte C es el único momento dónde se puede sentir el uso de una escala pentafónica.

Gotas de sangre en el alma (valse Boston). contienen elementos comunes que los identifican como tal. Así. Fue compositor. Soñarse muerto. El proscrito. 96 la negra. El baquiano (valse). son generalmente cantados y aunque existen pasillos instrumentales estos son la excepción. Corazón que sufre. Una de sus primeras composiciones datan del año 1875. También trabajo organista de la Iglesia de San Marcos y la Catedral. Tu imagen está en mi corazón. Ay mi patria (bolero). La patria en el Ecuador. además de la construcción anacrúzica de las frases las cuales además son de construcción binaria. Los Trece. Un recuerdo. en los pasillos académicos se desarrolla la ejecución instrumental y son la excepción los cantados. violinista y pianista. Estos elementos son la particularidad que hacen reconocer en una obra el género al cual pertenece. Realizó labores dentro de la docencia dictando clases particulares de piano y violín. Reír Llorando. Por el contrario.M. Sus partituras eran muy cotizadas en los almacenes de música. Obtuvo el segundo lugar en el concurso musical que se realizó en Quito con motivo de la Expedición Nacional de 1892 con su pieza “estudios de un violinista”. El Tempo En la partitura con la que se trabajó no existe una alusión a la velocidad exacta en al cual se ejecutaba esta pieza. Reliquias del Mariscal de Ayacucho (pasodoble fúnebre) Yo y ella (valse). Compuso un considerable número de obras tanto académicas como populares. Entre sus obras se encuentran: A unos ojos. a la raíz. etc. Plegaria. el schotis “Gratitud”. tendremos que las similitudes en estos dos tipos de pasillo que se analizan.La sección B está caracterizada por su cambio rítmico a semicorcheas lo que genera un movimiento más rápido aunque el tempo se mantiene (M. la cual no llegó a concretarse a causa del asesinato del magistrado. son los elementos básicos que los identifican. Guayaquil heroico (one step). que también proveían sus composiciones en rollos de pianola en la primera década del siglo XX. Mi dolor. 96). están íntimamente ligados a sus características primarias. Las frases rítmicas en todas las secciones están estructuradas en dos compases. Los ayes del alma (valse). Te vas y me dejas (pasillos). 187 .M. las inflexiones melódicas y los giros armónicos característicos. sin embargo por referencias tanto orales como basados en la partitura misma se considera que el tempo es más o menos M. Por sus aptitudes y aprovechamiento recibió varios premios en los certámenes del plantel y la promesa del Presidente Gabriel García Moreno de una beca para ir a terminar sus estudios musicales en el Conservatorio de Milán. DIFERENCIAS Y SIMILITUDES DEL PASILLO ACADÉMICO Y POPULAR Similitudes Realizadas las comparaciones. Momentos de tristura (yaraví). se puede notar que tanto el pasillo de corte popular como el académico. Flor del alma. Alumno en el primer Conservatorio de Música fundado en 1870 en Quito donde realizó estudios de piano y violín. El ritmo de base. y entre 1888 y 1893 fue director de bandas del Ejército. Mi corazón en pedazos. Ortiz fundó en 1888 La Estudiantina Ecuatoriana. Ilusión Perdida. Diferencias Los pasillos de corte popular. Sin estos elementos generales en común mal se podría decir que nos encontramos ante un pasillo como tal. Biografía del compositor Carlos Amable Ortiz (“el pollo”) Nace en la ciudad de Quito el 12 de marzo de 1859 y muere en esta misma ciudad el 3 de octubre de 1937.

en donde podemos notar el uso de la aumentación y tendremos en la sección C un uso más discreto pero notorio del recurso de disminución.  La ampliación y disminución rítmica es otro elemento importante que nos hace notar que nos encontramos ante una obra en la cual se trabaja con detalle y en la búsqueda de una variedad y desarrollo a nivel de la rítmica.  Aunque el esquema tonal está basado en la característica convencional de modulación menor. se ha encontrado más de una de estas características. a saber:  El uso de cuatro partes en la estructura. pero esta es frecuentemente ampliada introduciéndose más partes y además alargando cada sección. los encontramos más claramente en la sección B.La estructura formal puede ajustarse al patrón ya descrito. hace a este pasillo diferenciarse totalmente del popular. empleo de cromatismo y una búsqueda de tensiones que posibiliten transitar por regiones no comunes con el pasillo popular. renovar e intentar llevar al pasillo por nuevos y novedosos derroteros. busca desarrollar la figuración y procede al uso de recursos de aumentación y disminución además de promover un proceso paulatino y medido en cuanto al uso cada figura rítmica. Por otra parte. contiene en su forma y estructura algunos de los elementos descritos que lo harán diferenciarse claramente de los populares. mayor. Se puede decir entonces.  Estos elementos de diferenciación a nivel del ritmo. Un pasillo de corte académico.  Por otra parte su complejidad y dificultad de ejecución es posible resolverla sólo por instrumentistas dotados de un buen manejo técnico. enriquecer. 188 . espejo. Ya no se limita a usar corcheas y negras sino que recurre a las posibilidades de ampliar tanto a figuraciones más rápidas como a romper el esquema de base planteado. necesariamente tendrá que recurrir a elaborar tanto la línea melódica. se puede llegar a concluir que los dos pasillos estudiados poseen las características propias del género. sin embargo el pasillo “Reír llorando” presenta en su desarrollo formal una particularidad que lo hace diferenciarse del popular. Esto hace pensar que este pasillo fue escrito para ser ejecutado como una obra de concierto o estudio para músicos de escuela. ya que el compositor al enfrentarse a una obra con una factura más grande. notas de paso y escapadas. En cuanto al pasillo que se analiza y conforme la premisa establecida. es notorio el empleo de tonizaciones en la sección B y D del pasillo “Reír llorando” que de alguna manera refrescan y dan un poco de variedad al complejo armónico. que el compositor académico trabaja con una materia prima como fuente de creación y a partir de esta moldea y genera nuevas y novedosas posibilidades. un pasillo académico tendrá como objetivo no sólo mantener la forma y características generales del género. El uso de la armonía se basa en la característica del género pero el manejo de recursos armónicos más elaborados son comunes. promoverá y buscará una elaboración musical que permita ampliar. cuando posea una o varias de las características descritas anteriormente. CONCLUSIONES Realizadas las comparaciones pertinentes tanto del pasillo popular como del pasillo considerado de carácter académico. Como ya se había establecido. y sexto grado. se considerará a un pasillo como académico. Asimismo el planteamiento formal hace que sea necesario desarrollar más la melodía y por lo tanto plantear el uso de recursos ya no solo de secuencias sino de aumentaciones.  Nuevamente nos encontramos aquí ante un claro ejemplo en el cual la longitud de la obra hace necesario recurrir a técnicas de composición que requieren un conocimiento y elaboración. ampliación de la cadencia. con el fin de lograr variedad e interés en la obra. retro y cualquier posibilidad al alcance del compositor. resoluciones irregulares y notas no armónicas. tonizaciones y modulaciones lejanas. rítmica y armónica. El aspecto rítmico es más trabajado. Las melodías utilizadas están más relacionadas con el devenir armónico y por esto se emplean recursos como bordaduras.

 Por último, el año en el cual posiblemente se escribe este pasillo (1895 a 1910), los estudios formales del compositor Ortiz y su claro interés por mantener viva la música nacional, hacen suponer que nos encontramos ante uno de los primeros pasillos de tipo académico encontrados en el país. Es entonces en estas particularidades en las cuales se sustenta el presente estudio para confirmar la hipótesis de considerar al pasillo “Reír llorando” como una obra precusora de lo que podría llamarse el pasillo académico ecuatoriano. Fórmula característica

La tonada.
Ritmo musical muy alegre, interpretado con banda, típico en todas las festividades de los pueblos indígenas y mestizos. Gerardo Guevara Viteri, opina que la tonada es una variedad de danzante desarrollado por los mestizos. Su base rítmica se parece mucho a la tonada Chilena escrita en tonalidad mayor, la tonada del Ecuador es escrita en tonalidad menor. Al parecer la guitarra tiene mucho que ver con el aparecimiento de la tonada, su nombre posiblemente deriva de la palabra tono. Fórmula característica

El yaraví.
Melodía propia de la geografía andina, interpretada con pingullo o quena por que emiten sonidos agudos, hermosos y melancólicos. Para M. Cuneo y D'Harcourt yaraví se compone de aya-aru-hui, de donde aya significa difunto y aru significa hablar, por lo tanto yaraví significa el canto que habla de los muertos.

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D'Harcourt dice que el yaraví es una deformación española del vocablo quichua harawi en cual significaba en los tiempos incásicos cualquier aire o recitación cantada. Los yaravíes se interpretan en funerales como despedida al difunto, su letra y música muy melancólica arranca lagrimas a los asistentes.

El aire típico.
Con este nombre se conoce a un sinnúmero de composiciones musicales populares que generalmente tienen un carácter alegre y bailable, suelto y de tonalidad menor. Su origen parece estar en el norte del Ecuador, sus raíces provienen de la música indígena interpretada con arpa. Luis Humberto Salgado Torres, considera que impropiamente a los Aires Típicos se los llama Cachullapis y algunos lo conocen como rondeña. Nicasio Safadi Reyes, Carlos Rubira Infante entre otros son los más grandes exponentes del Aire Típico ecuatoriano, el baile guarda mucha similitud con el Albazo.

Ritmos afroecuatorianos.
La Marimba es un instrumento característico de la provincia de Esmeraldas, Stevenson lo vio allí en 1808 describiéndola así "La marimba se construye amarrando por sus extremos dos piezas anchas de caña (caña guadua - variedad de bambú), cada una de 6 a 10 pies de largo; varios trozos de caña hueca penden de ellos, de 2 pies de longitud y 5 pulgadas de diámetro a 4 pulgadas de longitud y 2 de diámetro, semejando un enorme órgano de tubos; al través de la parte superior de dichas cañas se colocan pedazos de chonta delgada (madera resistente extraída de una variedad de palmera), los mismos que descansan sobre el marco sin tocar los tubos, y están sujetos ligeramente con hilo de algodón; al instrumento se lo cuelga del tejado de una casa y lo tocan por lo común dos hombres que se colocan a los costados opuestos, provistos de palillos con puntas de caucho, que usan para golpear las referidas piezas de chonta, produciendo diversos tonos según el tamaño del tubo colgante sobre el que esta la tablilla de chonta" La marimba no es propia de los negros esmeraldeños sino también de sus vecinos cayapas cada quien la ejecuta a su modo y gusto, el ritmo de la marimba es muy alegre al son de sus notas bailan los negros con saltos y movimientos de caderas que embriagan los sentidos, al mismo tiempo cantan amorfinos (versos burlescos que hace el hombre a la mujer y viceversa). D´Harcourt compara estudios de la marimba en Guatemala, Nicaragua y México, afirmando que este instrumento se aclimato tanto en estos países que algunos autores como A. Morelet la creyeron indígena, pero nadie tiene dudas sobre su origen africano, conocido con su mismo nombre -marimba- se sabe que es un instrumento angolano, importado en el siglo XVI.

La bomba.
Ritmo afro-ecuatoriano típico del Valle del Chota (Provincia de Imbabura), donde se encuentra un asentamiento negro, que tiene sus propias características y costumbres. Este es un baile alegre que se baila al son de un tambor o barril que en uno de sus lados se ha templado una piel, este género musical cantado y bailado ameniza las fiestas de este rincón hermoso de nuestra patria donde sus habitantes bailan sin cansar con una botella de licor sobre su cabeza. Entre las bombas más conocidas tenemos: La Bomba de la Soltería, María Chunchuna, Chalguayacu y la más famosa "La Carpuela". Ulises de la Cruz, Iván Hurtado, Agustín Delgado, Edisson Méndez, Geovanny Ibarra, Raúl Guerrón, etc. famosos futbolistas del Ecuador festejan sus triunfos al son de la bomba, llevan su ritmo en la sangre ya que nacieron en el pintoresco Valle, corazón de la bomba ecuatoriana.

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GALERÍA DE COMPOSITORES Y MÚSICOS ECUATORIANOS
Luis Pauta Rodríguez COMPOSITOR, PIANISTA Nació: Cuenca, 1858. Murió: Cuenca, 1945. Obras: Himno a la Juventud Universitaria, Himno Obrero, Himno triunfal Aurelia, Himno del Ecuador al Sagrado Corazón de Jesús, Himno al Libertador, Himno azuayo (a Cuenca), con letra del Dr. Luis Cordero Crespo; El llanto azuayo y Duelo nacional (marchas fúnebres), Misa en mi menor; Telégrafo (marcha), etcétera. Heredó de su padre Ascencio Pauta, compositor, el gusto por la música, y creció junto con su tío José María Rodríguez, otro laureado músico que le enseñó los primeros conocimientos. Perteneció a coros religiosos y fundó un orfeón en Cuenca; fue director de bandas militares y organizó la del actual colegio Benigno Malo. Publicó artículos sobre apreciación musical y lideró una campaña para reformar la música del Himno Nacional del Ecuador. Compuso numerosas obras de género religioso y popular. Carlos Amable Ortiz COMPOSITOR, VIOLINISTA, PIANISTA Nació: Quito, 1859 Murió: Quito, 1937 Obras: Reír llorando, A unos ojos, Plegaria, Habla corazón, Di que me amas, Piensa en mí, Tormentos del alma e Ilusión perdida (pasillos), Guayaquil heroico (one step), El baquedano y Los ayes del alma (valses), Ay mi patria (bolero), Reliquias del Mariscal de Ayacucho (pasodoble fúnebre) y Momento de tristeza (yaraví), entre otros.En el primer Conservatorio de Música fundado en Quito en 1870 realizó estudios de piano y violín, destacándose y obteniendo premios en certámenes internos. En el campo profesional fue director de bandas del Ejército y logró galardones en concursos nacionales; asimismo, compuso muchas obras musicales académicas y populares. Trabajó como profesor particular de piano y violín y organista litúrgico de iglesias quiteñas; fundó la Estudiantina Ecuatoriana y con cariño se lo llamó el Pollo Ortiz. Sixto María Durán COMPOSITOR, PIANISTA, PEDAGOGO Nació: Quito, 1875 Murió: Quito, 1947 Obras: Cumandá (ópera), Mariana (zarzuela), Brumas, Miosotis (pasillos), Sol de Ayacucho, Patria (marchas), Himno a Juan Montalvo, Mariposas (vals), Indiana (melodía), Ñuca Llacta (fox trot), Andante fúnebre (marcha fúnebre), Ingratitud (yaraví), Invocación (romanza), etcétera. Su madre, que gustaba de la música, lo inició en el arte; el sacerdote alemán Jausen le enseñó. Continuó su autopreparación y lo nombraron profesor de piano del Conservatorio de Quito, plantel que dirigió por tres ocasiones. Escribió textos de teoría y técnica musical y ensayos sobre música indígena; alcanzó galardones en concursos de composición en Colombia, Perú, Argentina, Francia y en nuestro país. En 1918 perdió dedos de la mano derecha, pero aquello no le impidió seguir su carrera de compositor que dejó alrededor de 200 obras. Salvador Bustamante Celi COMPOSITOR, ORGANISTA Nació: Loja, 1875 Murió: Loja, 1935 Obras: Reír llorando, El desterrado, Adiós a Loja, Amar sin esperanza, Los adioses, Onomástico (pasillos), Lojanita (jota), Alondra, Serranita (polcas), Mi último adiós, Arrullos (valses), Bernardo Valdivieso, A Juan Montalvo (himnos), Lindo Niño, Dulce Jesús mío, Ya viene el Niñito, No sé Niño hermoso (villancicos), entre muchas otras composiciones. De familia de músicos, muy joven se trasladó a Quito donde aprendió la profesión de talabartero y siguió cultivando el arte musical con la guía de excelentes maestros. En Lima perfeccionó conocimientos de armonía, melodía, composición, etcétera. Tocaba

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órgano, piano y otros instrumentos. Trabajó como organista en Lima, Guayaquil y Loja, ciudad natal en la que impulsó sobremanera el desarrollo musical formando coros, dirigiendo bandas y escribiendo textos. Triunfador de concursos, el Conservatorio de Música de Loja tiene su nombre. Segundo Luis Moreno COMPOSITOR, MUSICÓLOGO, DIRECTOR DE BANDA Nació: Cotacachi, Imbabura, 1882 Murió: Quito, 1972 Obras: Nueve de Julio (obertura), El eco del bosque (polca), A ti (romanza), A Bolívar (marcha); Quejas, Gotas de ajenjo, A una rosa, Delirando, Ligia (pasillos), Navidad (cantata), Suite ecuatoriano N° 1 y N° 2. La muerte del Sol (marcha fúnebre), entre muchas más. Estudió música con el maestro otavaleño Virgilio Francisco Chaves y después ingresó al Conservatorio de Música de Quito, donde aprendió fagot, teoría musical, estética y composición con Domingo Brescia; allí lo nombraron profesor de teoría, solfeo e instrumentos de madera. Dirigió el Centro Musical Ecuador, varias bandas y en 1937 lo designaron director-fundador del Conservatorio de Cuenca. Fue historiógrafo musical y compositor. Escribió libros de los siguientes temas: La música en la provincia de Imbabura, La música en el Ecuador, Reformas al Himno nacional, entre otros. Colaboró con revistas del país especializadas en cuestiones musicales. Carlos Brito Benavides COMPOSITOR DE MÚSICA POPULAR Nació: Uyumbicho, Pichincha, 1891 Murió: Quito, 1943 Obras: Sombras, Imploración de amor, Rosas, Solo penas, Ojos tentadores, A tus ojos, Tus ojeras, Fatalismo, Alas rotas, Ella (pasillos), Los huachis (danza india), Cuasmal (danzante), Hotel Tesalia (pasodoble), entre otras. Recibió los primeros conocimientos de su padre, también músico, y posteriormente del maestro Sixto María Durán Cárdenas. Dirigió bandas militares como las del Regimiento N° 3 Calderón y del Batallón N° 1 Vencedores, e hizo aplaudidas giras por varias ciudades del país. Compuso canciones religiosas, tangos, himnos, bambucos, yaravíes, etcétera. Su pasillo Sombras, con letra de la poetisa mexicana Rosario Sansores, tiene difusión internacional. Francisco Paredes Herrera COMPOSITOR Nació: Cuenca, 1891 Murió: Guayaquil, 1952 Obras: Tú y yo, Bajo los almendros, El alma en los labios, Un triste despertar, Manabí, Horas de pasión, Como si fuera un niño, Anhelos, Siempre te he de amar, Pesimismo, Idilio, Luz y Sombra, Vamos linda, Rosario de besos, Unamos los corazones (pasillos); La feria, Viva la paz (pasodobles); Savia, Fría nenita (tangos); Mujercita, Flor de granadilla (sanjuanitos); Serpentinas (one step), Raza vencida (shimi); Ni más las mujeres (fox trot), etcétera). Su padre fue el gran músico Francisco Paredes Orellana, quien lo estimuló cuando mostró sus precoces cualidades. Aprendió armonía y música superior con el sacerdote italiano José Basso. Incursionó en el campo profesional como asistente de director de bandas militares y al mismo tiempo como compositor cuya fecundida está testimoniada con un significativo número de temas de diferentes géneros. Llamado el Príncipe del Pasillo, se le atribuyen más de 600 composiciones, incluyendo polcas, danzantes, pasacalles y otros ritmos. Custodio Sánchez Meza COMPOSITOR, DIRECTOR DE BANDAS Nació: Babahoyo, 1896 Murió: Guayaquil, 2000 Obras: Lindo Quito de mi vida (pasacalle), Apamy señora (sanjuanito), Olvídame, Óyeme, Acuérdate de mí, Añoranzas de amor, Cómo es el olvido, Llora mi corazón, Olvido (pasillos). Cuando ingresó en el Batallón N° 2 Quito recibió lecciones de Eduardo Osa Madrid, director de la banda de ese reparto militar, y no descuidó incrementar sus conocimientos de lectura y escritura de música. Luego colaboró con el almacén de José

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Limosna de amor. (tango). para realizar las primeras grabaciones de música ecuatoriana. en las actividades musicales. Vuelves a fingir. Muy joven aprendió a tocar el piano y ofreció años después recitales y conciertos en ciudades ecuatorianas y del exterior. Un pedazo de alma. Junto con Enrique Ibáñez Mora formó el dúo Ecuador. Jilguerito tráeme besos. Sevilla en amor (pasodoble). La mapa señora (fantasía). Evocación nostálgica. Aromando. Estudió en el Conservatorio Nacional de Quito. 1968 Obras: Guayaquil de mis amores. La tarde está de paz. 193 . 1985 Obras: Rosales mustios o Laura. 1898 Murió: Quito. como las hermanas Mendoza Sangurima. La divina canción. Por tu camino (capricho indio). enseñó en planteles quiteños y de Guaranda. PIANISTA Nació: Hacienda Pesillo. Quito nocturno (pasacalle). Un pétalo final. incursionó en el ambiente artístico como cantante y acompañante realizando sus primeras grabaciones. Invernal. Delirio del indio. De corazón a corazón. Los jilgueros. donde se graduó de pianista y después recibió lecciones de instrumentación y orquestación. Romanza india. Hello Harrison (marcha). Nicasio Safadi Reves COMPOSITOR. Así quiero tenerte. cantor y organista. dirigió otra perteneciente a la Casa de la Cultura de Manabí y enseñó en el colegio Olmedo de Portoviejo. Lejana. y dirigió grupos orquestales. José Ignacio Canelos COMPOSITOR. Pobrecito mi cariño. Monserrate (pasillo místico). De hinojos. Agüita serrana (aires típicos). Ojos verdes. Lagrimón (fox incaico). Evocación. Portoviejo (pasacalle). Manta. 1897 Murió: Guayaquil. Sí. Editó las obras didácticas Cancionero Escolar (60 canciones originales para canto y piano). La canción de los Andes (fox incaico). Después de aquella noche. CANTANTE DE MÚSICA POPULAR Nació: Beirut. 1957 Obras: Piedad. Pétalos marchitos (pasillos). Primer amor (vals).Domingo Feraud Guzmán y en lo sucesivo -además de dedicarse a la composiciónorientó artísticamente los pasos inciales de varios intérpretes que triunfaron en el ámbito musical ecuatoriano. Amor que vuelve tarde. Qué más te puedo dar (pasillos). Cuba (rumba). Aterrizaje (pasillos). Escena campestre (suite sinfónica). La canción del olvido. Constantino Mendoza Moreira COMPOSITOR. Romance criollo de la niña guayaquileña. Y yo no he de volver. Pensamiento. Pichincha. etcétera. Ojos glaucos. que en junio de 1930 viajó a Nueva York. Líbano. bandas militares. Tristeza. Retorno triste. Cancionero Escolar N° 2 y Melodías de mi vida. A temprana edad fue adiestrado por su padre. Ósculos. Al morir de las tardes. Siendo un niño llegó a Guayaquil y se quedó para siempre. Añoranza. Madre mía (canción). jurisdicción de Cayambe. Volver a ser muchacho. Ojos tristes. Compuso rondas y cantos escolares y trabajó como organista en templos de la capital de la república. ayudó a noveles artistas y organizó orquesta y conjuntos musicales. Ay mi madre (valses). Talento autodidacto que en el transcurso de los años acumuló experiencia como pedagogo musical. etcétera. El montubio. Atardecer. Triunfó en certámenes convocados en varias ciudades del país. entre muchísimas otras composiciones. Convertido en admirable autodidacto siguió una carrera ascendente sin olvidar los consejos brindados por valores contemporáneos. Ansío tus labios (valses). Fue fecundo como compositor. PEDAGOGO Nació: Portoviejo. Fundó una academia de música en su ciudad natal. Estados Unidos. Aprendió a tocar guitarra. 1898 Murió: Cuenca. PIANISTA. A Eloy Alfaro (himno). pero calla. Ambato bohemio (chilena).

y muchos otros temas. Ay. acordeón y guitarra. con Enrique Luna y Armando Pantza Aráuz. PIANISTA. El artista integró un trío con Carlos Silva Pareja y José Valdivieso Alvarado. etcétera. etcétera. Yo me he visto en tus ojos. mi viejita. Tardes del Zamora (valses). 1975 Obras: Lamparilla. Roza le enseñó a tocar la trompeta y lo invitó a integrar la banda militar que dirigía. COMPOSITOR DE MÚSICA POPULAR Nació: Guayaquil. No te olvidaré. recibió galardones del Gobierno nacional y de otras instituciones lojanas. No te puedo olvidar. Dos palabras (valses). quien fue sustituido por Rubén Uquillas. cantó en el cuarteto del que formaron parte su esposa e hijos. Reproche. Corazón bohemio. 1903 Murió: Estados Unidos. Se reveló como precoz músico y tuvo como profesores a Antonio Vega y Salvador Bustamante Celi. Sé que me matas. Asimismo. especialmente pasillos. Ven y verás. Ilusiones del alma. Ausencia. Último recuerdo. Yo quisiera decirte. yaravíes. Una lágrima mía. Con su amigo Nicasio Safadi Reves formó el popular dúo Ecuador. este último su familiar. Cuando tenía 8 años de edad hizo una presentación en público tocando el piano. El músico portugués Claudino G. 1998 Obras: Endechas. Corazón que no olvida. El porteñito (pasacalle). Dulces tristezas. 1969 Obras: Solo por amarte. Miguel Ángel Casares Enrique Ibáñez Mora 194 . Panamá y Lima.Alberto Guillén Navarro Segundo Cuev a Celi Alberto Guillén Navarro CANTANTE. Escombros Presentimiento. El bombero (pasillos). VIOLINISTA Nació: Loja. el Pibe. Recordando tu olvido. recibió varios homenajes por su fecunda labor en pro de la difusión de la música ecuatoriana. pasacalles. Laura. Pequeña ciudadana. marchas escolares. Para mí tus recuerdos (pasillos). Miguel Ángel Casares COMPOSITOR. 1899 Murió: Guayaquil. Trabajó en la compañía de zarzuelas Ramos Albuja y se destacó en la ejecución del piano. Se inició a temprana edad en la música y fue conocido por las frecuentes presentaciones que realizaba. entre otras composiciones populares. Enrique Ibáñez Mora COMPOSITOR. Mendigante. Estudió varios años en el Conservatorio Nacional de Música de Quito. De igual manera. albazos y otras composiciones. no solo con pasillos sino con cachullapis. formó un dúo que realizó presentaciones en Perú y Chile. Olvida corazón. Soñando. La pérdida de la visión no le impidió seguir enriqueciendo el arte musical ecuatoriano. que gracias al entusiasmo de José Domingo Feraud Guzmán en 1930 grabó una serie de composiciones para el sello Columbia de Nueva York y además actuó en La Habana. Tu boca. Segundo Cueva Celi COMPOSITOR. Para llamarte mía (pasillos). 1901 Murió: Quito. Con el conocido cantante Alberto Valdivieso. pero también himnos. Legó una valiosa lista de composiciones. alternó con artistas como Carlota Jaramillo e Inés Jaramillo y formó dúo con Humberto Dorado. Mi sufrimiento. Rosas de amor. Los indios rojos (composición). valses y nocturnos. Arias íntimas. La culpa la tuvo un beso. Pobre de mi madre querida (yaraví). Desolación. Diablo Ocioso. Piedad. 1903 Murió: Quito. CANTANTE Nació: Guayaquil. fue profesor del colegio Bernardo Valdivieso de su urbe natal. Recordando tu amor (pasillos). 1990 Obras: Cenizas. Vaso de lágrimas. integró el trío Los Campiranos. CANTANTE Nació: Quito.

Zulemma Blacio Galarza PIANISTA. Himno a la Asociación Ecuatoriana de Radiodifusión (AER). ofreció audiciones en emisoras cuencanas y buscó más conocimientos como alumno del Conservatorio José María Rodríguez de la capital azuaya. Por su labor de maestra la designaron Subdirectora de Educación Musical. La ñusta (canción incaica). 1905 Murió: Cuenca. Sanjuanito futurista (microdanza para piano). también fundó y dirigió el conjunto sinfónico de la Casa de la Cultura Ecuatoriana. PEDAGOGA.. Dio especial atención a la música vernacular de nuestra región Litoral. Himno a la Mujer Americana. Fue maestro de escuelas y colegios. CONCERTISTA Nació: Guayaquil. Venezuela. Aídita (canción de cuna). Ingresó en el Conservatorio Nacional de Música de Quito y fue profesor de dictado y armonía en ese mismo centro. Iniciado por su padre. Panamá y Perú. Inició sus estudios musicales con su padre. Vivir agonizando. Chola cuencana. Homenaje a la danza criolla (poema sinfónico). 1977 Obras: El río Guayas (para coro mixto y piano). fue nombrada profesora de piano.Luis Humberto Salgado Rafael Carpio Abad Zulemma Blacio Galarza Luis Humberto Salgado COMPOSITOR. Himno a la Asociación Escuela de Derecho de la Universidad de Guayaquil. también publicó el libro de partituras para piano Cantares cuencanos y el Florilegio del villancico tradicional cuencano. estudió en el Conservatorio Antonio Neumane hasta graduarse en 1933 y. PIANISTA. 1980 Obras: Fantasía montubia (suite para orquesta). Copa de hiel. música de cámara y melodías populares. Blacio Potes. su padre. El compositor Claro J. En el Diario El Comercio de la Capital escribió temas de crítica musical. Editó Texto de armonía (dos tomos) y Música vernácula ecuatoriana (microestudio). Atahualpa o el ocaso de un imperio (suite para banda sinfónica). orientó sus cualidades musicales. Rafael Carpio Abad COMPOSITOR DE MÚSICA POPULAR Nació: Cuenca. Copa vacía. obtuvo premios en certámenes locales y nacional. Hoja seca (pasillos). y recibió reconocimientos de instituciones guayasenses. entre muchas otras composiciones. 195 . Himno de los colegios Veintiocho de Mayo y Amarilis Fuentes y de las escuelas República de Francia y Presidente Alfaro. Himno al Círculo de Periodistas del Guayas. 1903 Murió: Quito. A partir de 1935 hizo periódicas giras artísticas en el país y por ciudades de Colombia. óperas. COMPOSITORA. Ferviente anhelo (pasillo). también músico. 1908 Murió: Guayaquil. Perla ecuatoriana (pasacalles). desarrolló sus cualidades que perfeccionó con dedicación. Fundó una academia de música con su nombre. operetas. donde además ocupó la dirección varias veces y dirigió la orquesta y coro adscrito a la entidad. El páramo (preludio andino ecuatoriano). A orillas del Tomebamba (sanjuanito). Debajo del capulí. CRÍTICO MUSICAL Nació: Cayambe. asimismo. 2004 Obras: Chorritos de luz. El amaño (ballet). Himno a la Asociación Femenina Universitaria. Compuso sinfonías.

Quiero verte madre. Hacia ti. El cartero. Por qué (pasillos). Prolífico en su quehacer musical. Historia de amor. Cristóbal Ojeda Dávila COMPOSITOR Nació: Quito. Ambato tierra de flores. Vuelve. entregó para la posteridad más de 200 canciones en diferentes ritmos. 1984 Obras: Ruego. 196 . Adiós. Yo no sé si te quiero (zamba). En 1940 grabó varias de sus creaciones. 1912 Murió: Guayaquil. Estudió en el Conservatorio de Música Antonio Neumane de Guayaquil. 1910 Murió: Quito. Chica linda. A la ingrata (danzante). Tus ojos. Manabí. pues tocaba el piano. Qué será de mi vida. entre otros. entre otras. CANTANTE DE MÚSICA POPULAR Nació: Guayaquil. Los cuatro. El bautizo (albazo). etcétera. Te amaré en silencio. Pedazo de bandido (aire típico). Sangre ecuatoriana (pasodobles). Eternos lazos. Alondra fugitiva. Olimpo Cárdenas. Una de sus grabaciones fue Quedas tranquila. Venga conozca El Oro (pasacalles). más tarde. Yo no sé (valses). Viviré llorando. La oración del olvido (pasillos). 1917 Murió: Guayaquil.Carlos Rubira Infante Cristóbal Ojeda Dávila Carlos Solís Morán Gonzalo Vera Santos Carlos Rubira Infante COMPOSITOR. Esperando. Guayaquileño. En distintas épocas formó dúos muy aplaudidos como Los Porteños (con Olimpo Cárdenas). pero problemas económicos le impidieron que siga su carrera. Latidos (pasillos). Murió durante la llamada Guerra de los Cuatro Días. Gonzalo Vera Santos COMPOSITOR. muchas de esas piezas le pertenecen en letra y música. y pese a su corta existencia dejó un buen número de hermosas y sentidas composiciones. 1989 Obras: Romance de mi destino. Lo mejor de mi tierra (sanjuanito). Bastante joven y acompañado de su guitarra. Para entonces. Pequeñita (vals). CANTANTE. entre otras. Quedas tranquila. Desde niño mostró su afición por la música. además. Guayaquil. Juramento. realizó presentaciones en emisoras locales dando a conocer sus composiciones. Hojas secas (tango). Por esta triste senda. Él también dirigió los pasos iniciales de valiosos intérpretes compatriotas como Julio y Pepe Jaramillo. Eterno amor. GUITARRISTA Nació: Bahía de Caráquez. Mi Guayaquil (pasacalle). pero recién en 1944 lo hizo profesionalmente en la emisora Ondas del Pacífico. wCrepúsculo. Despedida (romanza). Abandono (sanjuanito). Carlos Solís Morán COMPOSITOR Nació: Guayaquil. 1932 Obras: Alma lojana. Señor yo nada tengo. Ausencia y olvido (pasillos). Radicado por algún tiempo en Loja enseñó baile (varios ritmos) en el colegio Bernardo Valdivieso. Playita mía. Despedida. Rubira Infante formó un dúo que actuó en algunas emisoras de Guayaquil y también realizó presentaciones en varias ciudades del país. Casamiento de indios (aire típico). La espera. La tristeza de un adiós. 1921 Obras: Esposa. etcétera. y otro con Gonzalo Vera Santos. Atardecer de invierno (habanera). Al oído. realizó estudios para aprovechar sus dotes de compositor. Cálmate corazón. sus primeras grabaciones tuvieron mucho éxito. Desde que te fuiste. Plegaria (himno). pórtico de oro. Penas mías (sanjuanito). Comenzó su carrera artística en 1936 en su ciudad natal. En las lejanías. con Carlos A. de los primeros discos fabricados en el Ecuador. Alejándose.

DIRECTOR DE ORQUESTA Y CORO Nació: Quito. Eco andino. Acuarela indígena. Cuarteto de cuerdas. entre otros composiciones del género académico. Mil años de música. como primer contrabajo. centro del que fue director posteriormente. Las quiteñas (zapateado). coro y recitantes). etcétera. donde luego enseñó contrabajo y guitarra. Preludio. Nocturno. Grabó discos con grupos corales e intérpretes solistas y editó el texto Método para guitarra. Yumbo. Dirigió el de la Universidad Central. Tambores shyris. Ismos. especialmente para guitarra y orquesta). Sueña mi bien. Wawaki (yumbo). Idílica. siendo además su director. Ponchito al hombro (obras sinfónicas. CONTRABAJISTA Nació: Quito. Cantares del alma. Ostenta importantes galardones de certámenes de composición y obras corales. Raíces. Cuadernos de la tierra (para orquesta. 1930 Obras: Yaguar shungo (ballet para orquesta. 1923 Obras: Subyugante. Suite mínima (para guitarra). PIANISTA. GUITARRISTA. Fue director fundador de varios coros institucionales quiteños y dirigió el de la Casa de la Cultura Ecuatoriana. convocados en diversas ciudades del país. Elegía y danza. 197 . entre otras. en Francia obtuvo el título de director de coros. y en diversas ciudades del país los formó junto con orquestas. Atahualpa. coro y recitantes). Gerardo Guevara Viteri COMPOSITOR. Despedida. En Colombia perteneció a la Orquesta Filarmónica de Bogotá y en nuestro país a la Sinfónica Nacional. con el que efectuó presentaciones en festivales internacionales. Estudió en el Conservatorio Nacional de Música de Quito. Solo tú (pasillos). También ha escrito textos y selecciones antológicas de la música popular y tradicional del Ecuador. Se va con algo mío (pasillos). Realizó estudios en el Conservatorio Nacional de Música de Quito.Carlos Bonilla Cháv ez Carlos Bonilla Chávez COMPOSITOR.

incluidos el lenguaje verbal y los gestos. de la filosofía y de la exploración de la conciencia. Valores intermedios: intelectuales y estéticos. las elecciones y la forma de afrontar las consecuencias de nuestros actos. Para entender las mentalidades colectivas hay que acudir a las fuentes históricas. valores del conocimiento puro de la verdad. Los valores según Frondizi (1972) Objetivos y subjetivos. Los seres humanos han definido sus valores a lo largo de la historia.. Las mentalidades colectivas Todas las actividades humanas. Valores inferiores: económicos y afectivos. Valores religiosos: lo santo y lo profano. lo justo y lo injusto. Valores vitales. la belleza. éticos y estéticos. Componentes de las mentalidades colectivas Las mentalidades colectivas están formadas por los siguientes componentes:  El racional. la virtud. Valores espirituales: lo bello y lo feo. la verdad. felicidad o bien común. Valores superiores: morales y espirituales Los valores según Rokeach (1973) Valores instrumentales o relacionados con modos de conducta: valores morales. corresponden a un entorno mental colectivo. afirmando así una determinada concepción de la humanidad. Historia cultural e intelectual de las ideas. han sido conceptos que desde el principio de la humanidad han guiado el comportamiento y las aspiraciones de las personas y las sociedades. Ejemplos de clasificación de valores Los valores según Scheler (1941) Valores de lo agradable y lo desagradable.  El emotivo. La práctica de los valores identifica a un individuo con la manera de estar en el mundo del grupo al que pertenece. libertad. 198 . la felicidad. ¿Qué son los valores? Los valores son aquellos criterios que rigen el comportamiento de los seres humanos. Valores terminales.LECTURAS AXIOLÓGICAS Los valores sociales El bien. Afectos e impulsos que nos mueven a actuar y a reaccionar. Dicho entorno determina las motivaciones. las leyes y costumbres. La clasificación más común discrimina valores lógicos. reflejándolos en las mentalidades colectivas. referidos o de existencia: paz. El legado de las generaciones pasadas es tan importante como nuestras acciones presentes. la religión y la cultura.

Mención especial hay que hacer del teatro.  El amor al prójimo como base de la convivencia. es un soporte de expresión de valores con una amplia influencia. La literatura ha sido una potente creadora de imágenes. 199 . Los valores en las leyes y costumbres Los valores sociales encuentran su máxima expresión en los códigos de comportamiento que cada sociedad se impone a partir de leyes. Las derrotas militares en las guerras carlistas tuvieron como consecuencia la abolición de los fueros en 1876. con la democracia. Este medio. Además. por un lado. En el caso del cristianismo. Durante la Edad Moderna. Las páginas de los libros son también un espejo en el que se reflejan los valores de una época y de una sociedad. debido a su carácter masivo. Cuando las provincias vascas fueron incorporadas a la corona de Castilla mantuvieron sus instituciones. y los reyes y señores juraban acatar los fueros. relacionados con su concepción del mundo. miembros de un colectivo. El imaginario. usos y costumbres aceptados por la generalidad. y por otro. creando una imagen coherente de los mismos y dando lugar al nacimiento de proyectos colectivos. llamadas juntas. Al hablar de la sociedad vasca. la literatura influyó decisivamente en la formación del sentimiento de identidad de los pueblos europeos. de responder de una forma concreta a los problemas derivados de la convivencia social. sino que se fueron forjando a lo largo de la historia. estamos hablando de los fueros vascos y su historia. Los fueros y el Estatuto de Autonomía En los tres Territorios Históricos vascos y Navarra. que durante siglos tuvo una importancia capital para la constitución del espíritu colectivo de los pueblos. A partir de la segunda mitad del siglo XX. en el que se reconoce el derecho foral (uno específico para cada territorio histórico).  El bien común y la justicia social como referencia para gobernantes. Los valores sociales en la literatura y el cine: La lectura sirve para aprender. Aquellos procesos mentales que escapan a la conciencia. se aprobó mediante referéndum el Estatuto de Autonomía. Las doctrinas sociales de la gran mayoría de las religiones se inspiran en los principios que se desprenden de sus libros sagrados. Las religiones y las mentalidades colectivas Las religiones tratan. frente a la lectura que es un acto individual. desarrollar la inteligencia y entretenerse. relativamente reciente. la imagen (cine y televisión) ha superado como generador e indicador de valores sociales a la palabra escrita. Toda la actividad humana es observable según lo que se hace o se dice. Por ello su normativa se basa en las tradiciones y están formados por un conjunto de leyes que regulan tanto el derecho público como el privado. Éstos no nacieron de súbito. los usos y tradiciones se recogían en los fueros. los Evangelios resaltan la importancia de los siguientes principios:  El respeto a la dignidad de la persona. de sus valores y leyes. Representaciones mentales que configuran un mundo interior personal pero compartido por los  El inconsciente.  El conductual. A lo largo del XIX los vascos fueron perdiendo sus privilegios. de proporcionar a las comunidades unos valores éticos y morales. Hay que tener en cuenta que hasta finales del siglo XIX la capacidad de lectura era patrimonio de una minoría culta. el teatro se consume colectivamente. En 1979.

Recordemos que bien es aquello que mejora. El peine del viento. establecer el hábitat de la arquitectura y mostrar el diálogo de la novela y el movimiento del teatro.El cine tiene gran influencia en la transmisión de valores. El estudio de los problemas de las sociedades. debería intentar integrar sus valores culturales específicos en un marco universal dominado por principios como el humanismo. lograr la imagen estática de la pintura. de sus tradiciones y de sus valores culturales. la solidaridad. los procesos educativos deberían incluir:  La identificación. CLASES Se entiende por valor moral todo aquello que lleve al hombre a defender y crecer en su dignidad de persona. Valores particulares y valores universales La Conferencia de Viena de 1993 planteó la dificultad de saber si es ético definir y aplicar unos valores y unos derechos universales a un determinado país.  Comprensiva: es un medio de conocimiento y explicación del mundo. completa. son patrimonio de toda la humanidad. En este sentido.  Comunicativa: al hacer su obra pública. San Sebastián. de Eduardo Chillida. aunque su calidad y su belleza no tienen necesariamente que depender del juicio que merezca su moralidad. La respuesta a este complejo choque de valores pasa por el diálogo. independientemente de su nivel de desarrollo. El cine puede pretender la profundidad de la poesía. Gipuzkoa.  La proposición de iniciativas para la creación de formas de vida más justas a nivel personal y colectivo. se pretende crear un vínculo social. INTENTANDO UNA CLASIFICACIÓN DE LOS VALORES. simular las tres dimensiones de la escultura. tiene una triple función:  Expresiva: muestra la manera que el autor o la autora tiene de ver el mundo. la ecología. el pacifismo y la tolerancia. la democracia. Los valores sociales en las artes plásticas El arte. La obra de arte expresa y crea valores. El valor moral conduce al bien moral.  La construcción de un marco de convivencia basado en la razón y la tolerancia. como actividad humana. interpretación y crítica de situaciones de injusticia. que puede sentirse tocada por su belleza. Los edificios de Gaudí y las esculturas de Chillida o de Oteiza entre otros. 200 . perfecciona.

por ejemplo. Sin embargo vivir en la mentira. ya que se obtienen basándose en mérito. únicamente el hombre. la vivienda. la prosperidad. todos nosotros en el fondo buscamos aceptación del grupo social. a través de una estabilidad laboral por ejemplo. el hacer uso de la violencia o el cometer un fraude. d. trabajo.El hombre siempre busca su comodidad. que la finalidad del hombre en el mundo es alcanzar la felicidad. Siendo el ser humano el punto de referencia para los valores. la moral y la religión. por ejemplo: el alimento. luchar por ideal.) e. por ejemplo. es la valoración de su vida y establecer jerarquías de importancia. degradan a la persona. Depende exclusivamente de la elección libre. Estos valores perfeccionan al hombre de tal manera que lo hacen más humano. la salud. Cuando hemos referido líneas arriba cuando hablamos de valor. etc. el buscar la justicia. la autoridad. Por otro lado. en su voluntad. le perfeccionan. Necesidades de seguridad. Necesidades primarias.Es cuando un núcleo familiar no es suficiente para el desarrollo de la persona..Son las necesidades fisiológicas que todo ser humano tiene que satisfacer.Son aquellos valores que son exclusivos del hombre. con los animales.. 201 ... Un valor cobrará mayor importancia en cuanto logre perfeccionar al hombre en un aspecto más íntimamente humano: Valores infrahumanos. de la universidad. Valores Instrumentales. Se dice también... Aquí se encuentran valores como el placer. la fuerza. Por el contrario las acciones buenas. precisamente para cubrir sus necesidades básicas. el arte. el sujeto decide alcanzar dichos valores y esto sólo será posible basándose en esfuerzo y perseverancia. Necesidades de autorrealización.. CARACTERÍSTICAS. Para ello una de las cosas que debe hacer la persona. por ejemplo. la educación. pero en aspectos más inferiores. Valores económicos. pero esto no afecta directamente al ser hombre. Se puede tener buena o mala salud. se refiere también a las necesidades (satisfacción de las mismas) o aspiraciones humanas y su clasificación se da de la siguiente forma: a. por ejemplo. ya no los alcanzan los animales. actuar con honestidad.Son aquellos que sí perfeccionan al hombre. Y socialmente hablando. vivir la verdad. que permiten al hombre realizarse de alguna manera.El valor moral perfecciona al hombre en cuanto a ser hombre. en su razón.Son estados finales o metas en la vida que al individuo le gustaría conseguir a lo largo de su vida. lo deshumanizan. Aquí encontramos valores como los económicos. el prestigio. generalmente nos referimos a las cosas materiales. Necesidades sociales. el arte. el éxito. etc. etc.Se refiere de encontrar un sentido a la vida. c.Se refiere al temor de pasar desapercibido. Estas pueden satisfacerse por medio del cultivo de la ciencia. b. el vestido. más o menos cultura. Entonces se convertirá en la carta de presentación " moral" del individuo. Así se dará cuenta que algunos valores serán sacrificados por otros de mayor grado. el buen gusto. El valor moral te lleva a construirte como hombre. Valores Terminales. instituto.. por lo que tendemos a formar nuevos grupos de pertenencia (proceso de socialización a través del colegio.. cabe ordenarlos de acuerdo con su capacidad para perfeccionar al hombre. la riqueza. La inteligencia y el conocimiento. en aspectos que comparte con otros seres. espirituales. Valores humanos inframorales. la justicia hace al hombre más noble. El hombre actúa como sujeto activo y no pasivo ante los valores morales.Son comportamientos alternativos mediante los cuales conseguimos los fines deseados. relegado por los demás. a hacerte más humano. Para lograr comprender plenamente los valores morales debemos analizar la relación que éstos guardan con otro tipo de valores. de mayor calidad como persona. empeoran al ser humano. en su libertad. la agilidad.

la libertad. 202 . el hombre alcanza una sociedad mejor a través de la búsqueda de una evolución moral humana. Independientes e inmutables.). Subjetivos. para el hombre. ANTECEDENTES FILOSÓFICOS: SÓCRATES (470 -399 AC.. a través de un entrenamiento práctico prolongado donde el papel de un buen maestro es esencial.Dentro de las características principales que poseen los valores. dicho contrato debe ser apoyado por las leyes y//o por la fuerza.No existe ninguna persona que no agote la nobleza. BASES CIENTÍFICAS En esta primera parte del segundo capítulo se ha intentado resumir y –con el riesgo de caer es interpretaciones sesgadas.Son lo que son (originales) y no cambian. el desprejuicio y la razón. la belleza. siendo la sociedad una estructura ajena a su naturaleza. asevera que el hombre no puede vivir libre y ser gobernado al mismo tiempo: Renuncia a su "libertad natural" para acatar un " contrato social".los fundamentos teóricos (filosófico.Tiene importancia para la persona en específico de acuerdo a sus intereses. Absolutos.. la sinceridad. psicológico y educacional) de la educación moral.al luchar por su propio interés. ARISTÓTELES (384 -322 AC. la sobriedad y la preocupación por los demás.Los valores se les da tanto a las cosas como a las personas. entre otros.). LA EDUCACIÓN MORAL. PLATÓN (428-347 AC. Ejemplo: la justicia. b.Al igual que Sócrates.. el amor.. Por ello la libertad se encuentra en la conducta autodeterminada que ocurre cuando se ejerce un juicio racional desinteresado. se acerca a un estado natural sin ley. c.En su obra El Leviatán (1651). biológico o individual. asociando la felicidad con un modo de vida moral donde primen el autocontrol. el amor. independientemente de que se las conozca o no. Para los hombres es necesario descubrirlos para que vaya formando su personalidad. Podemos concluir que lo correcto y la virtud se construyen a partir de la relación entre razón y pasión. la bondad.El conocimiento es la virtud más grande que puede poseer y practicar el ser humano. está convencido que el conocimiento es la virtud más grande que puede poseer y practicar el ser humano. Por ejemplo: la verdad o la bondad. asocia la idea de virtud a su idea de hombre moral: este debe ser educado en la autodeterminación. encontramos las siguientes: a.Es el desarrollo del carácter la virtud más grande a la que puede aspirar el hombre: Énfasis educativo en la voluntad y creación de hábitos. THOMAS HOBBES (1588-1679).).Son aquellos que no están condicionados a ningún hecho social. Para ello se ha trabajado texto del maestro español Juan Grass Pedrals. Objetivos. Así en su obra El Emilio (1762). Para ello propone un ambicioso programa educativo cuyo camino es posible para unos "pocos privilegiados" pues el conocimiento moral involucra un estado de abstracción alto. Podemos concluir que el conocimiento requerido para alcanzar la virtud moral está al alcance de todos y que el bien del hombre se alcanza en relación con otros hombres..Concibe la naturaleza humana como buena pero sujeta a corrupción. d. Entonces. para la sobrevivencia de su propia vida e. JEAN-JACQUES ROUSSEAU (1712-1778). Inagotables. histórico. Al creer en una justicia universal producto de la razón humana. más -como todos los hombres.

Establece el absoluto moral. ante todo. Lo que define la etapa en que una persona se encuentra es el razonamiento que justifica la respuesta.Respecto a la educación moral nos asevera que hay ciertos principios universales que son comunes a todas las personas y que dicha educación moral se logra a través de la práctica de tres ideas centrales: Disciplina. Dio origen. "puros y apriori". CORRIENTES SUBJETIVISTAS. IMMANUEL KANT (1724-1804). no la respuesta en sí. En ellas el educando toma un papel activo en su propio desarrollo moral.Para estas corrientes de pensamiento existen criterios objetivos para el reconocimiento del bien. ADOCTRINAMIENTO. La psicología cognitiva se concentra en los procesos mentales internos y el desarrollo cognitivo es el proceso por el que los individuos adquieren complejas formas de pensamiento y de resolución de problemas. por el que la moralidad es. expresada en una inclinación a la benevolencia (lo entiende como un interés generoso por el bienestar general de la sociedad). practicada por los pueblos alemán y japonés antes del inicio de la segunda guerra mundial. que señala lo correcto de lo incorrecto. W. sin embargo es el estado contingente de las circunstancias el que define si algo es considerado ético o no. pues no es verificable. Estas corrientes se sintetizan en el siguiente enunciado: "Nadie puede afirmar o contradecir lo que otro afirma como cierto".La fuente principal de nuestro conocimiento es la experiencia captada por nuestros sentidos: hablar de Dios o de la Libertad no tiene sentido. Dicho enunciado fundamentó el origen de la clarificación de los valores.DAVID HUME (1711-1776). 203 . Los grandes aportes de la teoría cognitiva en la educación moral contemporánea vienen de Jean Piaget y de las modificaciones posteriores hechas por Lawrence Kohlberg: Hay seis etapas o estadios en el desarrollo moral de una persona. Moore como la enseñanza de valores definidos sin cuestionamientos. el psicomotor y el afectivo. a las corrientes subjetivistas. mediante técnicas apropiadas se le hace progresar a través de las diferentes etapas de su desarrollo. Para ser absolutas las leyes morales deben ser "universales" y "necesarios" y sus juicios. desde el punto de vista metodológicoeducacional fue exitosa pues se lograron los objetivos deseados. como reacción. Para saber en qué estadio de desarrollo moral se encuentra una persona se presenta un dilema ético y se clasifican las respuestas posibles dentro de cada etapa de desarrollo moral. Más el temor al adoctrinamiento causó profundo impacto en la educación de la posguerra. CORRIENTES RELATIVISTAS. ANTECEDENTES DE LA PSICOLOGÍA Y LA EDUCACIÓN: KOHLBERG Y EL DESARROLLO MORAL COGNITIVO. ÉMILE DURKHEIM (1858-1917). sin embargo la mayor parte de los adultos llega sólo a la tercera o cuarta etapa (ver Anexo: Tabla 1).Definida por T. Por ello la moralidad es materia del sentimiento. obediencia al concepto de "ley moral".La psicología educacional reconoce tres dominios: el cognitivo. involucramiento y autonomía.Tiene como su antecedente más antiguo al filósofo griego Protágoras.

a establecer jerarquías entre las cosas. políticas y medios. es decir. esta incorporación. la capacidad crítica para tomar decisiones en un conflicto ético. nacido de una postura feminista. MODELOS DE EDUCACIÓN MORAL Estos tipos de modelos nacen por las interrogantes que se presentan por ejemplo el tema de la génesis de la moral.busca consolidar la etapa en que el niño o joven se encuentra.Comparten una idea heterónoma de la moral. Educar en valores es también educar al alumnado para que se oriente y sepa el valor real de las cosas. sin poder de elección de otra posibilidad. debe ser moral en sus propósitos. Una vez que los alumnos interioricen los valores. El individuo pierde autonomía. a través de ellos llegan a la convicción de que algo importa o no importa.La educación moral -en este enfoque. éstas se convierten en guías y pautas de conducta. pensar y actuar. Los valores pueden ser realizados. B. EDUCACIÓN EN VALORES.Sucede cuando la educación moral tomada en este sentido se identifica con una concepción relativista de los valores. por ello reside su importancia pedagógica. válidos en cualquier situación. La hipótesis central del enfoque es CUIDAR Y SER CUIDADO SON NECESIDADES FUNDAMENTALES DEL SER HUMANO. realización. estas tomas de decisiones se da cuando nos enfrentamos a un conflicto de valores. la escuela debe ayudar a construir criterios para tomar decisiones correctas y orientar nuestra vida.. Las fortalezas e intereses de los estudiantes deben ser desarrollados en un ambiente de cooperación. una transmisión de valores inmodificables. sostiene la creación de un ambiente de apoyo y solidaridad en un colegio para promover valores que trasciendan a la generosidad. otro de los objetivos de esta educación es ayudar al alumno en el proceso de desarrollo y adquisición de las capacidades para sentir. reconocen y respetan la dignidad de todos los seres. La educación moral -en este enfoque. cada persona posee una escala de valores que le permite tomar decisiones. necesitan la participación de toda la comunidad educativa en forma coherente y efectiva. descubrimiento son tres pilares básicos de toda tarea educativa.La educación en valores es sencillamente educar moralmente porque los valores enseñan al individuo a comportarse como hombre.. Modelos de transmisión de valores absolutos. NODDINGS Y EL ENFOQUE DE APOYO Y CUIDADO. de construir la historia personal y colectiva. Modelos de autoconocimiento y autenticidad moral. también se promueve el respeto a todos los valores y opciones.Sostiene que el enfoque de Piaget y Kohlberg están orientados en la personalidad masculina privilegiando la justicia y la racionalidad. las personas implicadas creen que la vida tiene un sentido. 204 . Es un trabajo sistemático a través del cual y mediante actuaciones y prácticas en nuestro centro se pueden desarrollar aquellos valores que están explícitos en nuestra constitución como base para cualquier tipo de educación en valores. Su enfoque. nos ayuda a aceptarnos y estimarnos como somos. son asimilados libremente y nos permiten definir los objetivos de vida que tenemos. como impuestos. pero más importante aún. como vemos tan solo no es una educación que busque integrarse en la comunidad sino que va mas allá busca la autonomía. tiene por objetivo lograr nuevas formas de entender la vida.debe producir personas morales. para luego hacerlo progresar a la siguiente mediante técnicas de desequilibrios y asimilaciones. los valores absolutos entran en crisis. Entonces la formación de los sujetos no es única y surgen algunos modelos: A. descubiertos e incorporados por el ser humano.

Modelos de socialización. E.C. F.Considera la educación moral como socialización en tanto que pretenden insertar a los individuos en la colectividad a la que pertenecen.Para este modelo una persona se considerará moral si su conducta la virtuosa. alguien que no existía. existe un inadecuado conocimiento teórico del tema. Ésta acción tutorial no se da como lecciones magistrales sino que deben informar toda la vida del aula. pero tampoco comparte la creencia de que los conflictos morales únicamente puede solucionarse atendiendo a preferencias subjetivas... esta relación constituye el esquema conceptual para el área de enseñanza de valores. 205 . para ellos el papel de la educación debe centrarse en el desarrollo del juicio moral. los valores subyacen en los temas transversales propuestos.. esto puede provocar en la persona un sentimiento de frustración. D.  Incongruencia entre el decir y el hacer. cuando un profesor explica correctamente los valores y en la práctica no lo hace patente y realiza lo contrario. Modelos de desarrollo de juicio moral.  Intelectualización de los valores. los realiza de forma habitual y constante. es decir. Modelos de la construcción de la personalidad moral.. REFLEXIÓN NECESARIA La preadolescencia es la etapa clave para la educación en valores. RIESGOS DE LA EDUCACIÓN EN VALORES  Convertirse en moda. En nuestra sociedad como se puede ver hay una tendencia al vacío moral. si realiza actos virtuosos y. en este mundo es importante reconstruir los valores culturales locales para luego construir los valores globales. además. Modelos de adquisición de hábitos morales. como se ve es estructurado.Niegan la existencia de valores absolutos que deban transmitirse de generación a generación. coherente y adecuado a los tiempos (currículo). a las cuales todas las personas deben someterse aceptando las normas y valores que posibilitan y conforman la vida en sociedad. es decir. Algunas veces lo que propone la escuela no guarda relación con la realidad que se vive en las familias y en los medios de información. Podemos terminar este apartado puntualizando que educar en valores no es enseñarle a alguien algo que no sabía sino crear condiciones para hacer de esa persona. Otro de los problemas que es notorio es que a los educadores parece faltarle el discurso para expresar sus ideas sobre valores. porque como sabemos los valores se encuentran en todas las áreas curriculares y no se considera necesario ocuparse de ella en una disciplina específica.Parte de la idea de que la moral no es algo adquirido a priori sino que se entiende como un producto cultural cuya creación depende de cada individuo y del conjunto de todos ellos. Es inevitable que en esta etapa de globalización se produzcan conflictos de valores por la preponderancia de las máquinas ante los hombres. quiere decir que se tome como algo pasajero y no para toda la vida. para asimilarlos y vivirlos y es la acción tutorial un elemento importante en la transmisión de valores para ayudarles a saber qué hacer con su vida y optar por el camino correcto. La enseñanza no debe quedarse en el papel sino hay que conocerlos para vivirlo y ponerlo en práctica. la sociedad es concebida como bien supremo del cual emana la moralidad.  Entorno adverso y contradictorio.

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