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CARACTERÍSTICAS DEL PERÍODO BARROCO

CARACTERÍSTICAS DEL PERÍODO BARROCO

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CARACTERÍSTICAS DEL PERÍODO BARROCO 1.1.

CARACTERÍSTICAS GENERALES: Entendemos por Período Barroco aquella época de la historia comprendida entre aproximadamente 1600 y 1750, delimitación hecha por dos hechos importantes concernientes a la música: la primera ópera publicada (1600) y la muerte de Johann Sebastian Bach (1750). 1.2. CARACTERÍSTICAS ARTÍSTICAS: El aspecto artístico reflejó fielmente las características sociales de la época. Algunos aspectos detallados de las características en el arte, fueron:
   

Abundancia (en cierto término exagerada) de elementos decorativos. Explotación y agudización de los contrastes. Imitación de la naturaleza. Propensión a lo trascendental, a lo solemne y a lo magnífico.

Estas características fueron comunes a casi todas las naciones, pero a pesar de ello, cada una de ellas desarrolló su aspecto artístico dependiendo de su estructura social y su organización política y religiosa, instituciones que ejercieron gran influencia en el desarrollo del arte. 1.3. CARACTERÍSTICAS MUSICALES: Una característica importante fue que los detalles del arte en el barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (la polifonía recuperará más tarde con Bach todo el esplendor que la ha caracterizado), dando de ésta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera "entendible" el texto. Esto debido en gran parte a la corriente humanista. Y a propósito del acompañamiento, se ideó un sistema de anotación conocido como el bajo continuo. Era una parte para bajo, usualmente escrita para teclado (dado que casi todo acompañamiento en la música barroca era con órgano o clavecín), con unas cifras que señalaban las armonías exigidas. Otros hechos importantes del barroco musical fue el nacimiento del género operístico, la improvisación y las primeras formas instrumentales. 2. FORMAS VOCALES 2.1. Recitativo: Parte de la ópera donde el texto se "canta" como si fuera recitado. En realidad no es una forma vocal bien definida, pero cabe dentro de este análisis. 2.2. Aria: Es una composición musical, o una forma, para una sola voz y con un acompañamiento de uno o varios instrumentos. 2.3. Cantata: Parte de la ópera donde se alternan el narrador y los diferentes personajes en una escena lírica sin acción teatral.

2.4. Oratorio: En realidad no es una forma vocal, sino una composición de carácter religioso, también denominado ópera religiosa, en la cual no hay parte escénica, ni de actuación, vestuario decorados, etc. 2.5. Bel Canto: Forma vocal caracterizada por libertades interpretativas, donde el uso del rubato (elasticidad rítmica) y la libre ornamentación la fue llevando a absurdos excesos. Fue el origen más tarde de la cadenza en el concierto para instrumento solista. 3. FORMAS INSTRUMENTALES 3.1. El Concerto Grosso: Se derivó de la escritura para grupos. En esta forma musical, uno o varios instrumentos se destacan (concertino) en determinados pasajes, en contraste con la generalmente reducida orquesta (tutti o ripieno). Sus primeros representantes fueron los italianos Corelli y Geminiani. Más tarde sería el maestro Vivaldi quien llevaría el concerto grosso a su máxima esplendor. A partir de él, esta forma tuvo por lo general 3 movimientos (allegro-adagio-allegro), y se sentaron las bases del virtuosismo de los solistas en el futuro. 3.2. La Suite: Es un conjunto de danzas contrastantes y en la misma tonalidad (generalmente), pero con diferente medida y tiempo. Con Bach y Haendel adquirió una estandarización con cuatro danzas principales: allemande, courante, sarabande, gigue, precedida por una introducción denominada preludio u obertura. 1. Preludio: Introducción. A veces formado mediante la improvisación sobre un tema rítmico o melódico. 2. Allemande: Danza lenta de ritmo binario, de carácter expresivo y melódico. 3. Courante: De ritmo ternario, y carácter animado, suele contrastar notablemente con la anterior. 4. Sarabande: Danza lenta, majestuosa e imponente. Un componente infaltable de la suite barroca, con ritmo ternario, con stress o prolongación del segundo beat de cada compás. Curiosamente, no tiene relación alguna con la rápida danza con el mismo nombre, que las postrimerías del siglo XVI fuera prohibida por Felipe II de España por su carácter lascivo. Si bien estas cuatro danzas fueron las más importantes, con frecuencia se incluían algunas adicionales como Bourré, Gavotte, Minuet, y otras. 3.3. La Sonata: Es una composición de estructura binaria o ternaria, ejecutada por uno o dos instrumentos, en tres o cuatro movimientos. Existían dos tipos de sonata: La Sonata de Camera (sonata de cámara, basada en movimientos de danzas) y La Sonata de Chiesa (sonata sacra, de carácter más serio). 3.4. La Toccata:

se clasificarán los más grandes compositores de acuerdo a su nacionalidad: italiana. 3. Luego perdería importancia. inglesa o alemana. 4. Compuso obras instrumentales y numerosas óperas que se conservan incompletas. Francesco Geminiani (1687 – 1762): Violinista y compositor italiano. pero se advierte la proximidad del fin. Compuso cinco colecciones de sonatas para iglesia y cámara (1681 – 1700) y una de concerti grossi (1714). La Fuga: Composición musical que tuvo su origen en el renacimiento. repetidos en diferentes tonos. Tiene como características sus pasajes virtuosísticos de lucimiento.Básicamente es una pieza musical destinada generalmente para instrumentos de teclado. Bach utilizó algunos de sus temas. Su obra L’Orfeo (1607) marcó un hito en la historia operística. Sección Conclusiva: Regresa el tema central en su versión original. 4. Autor de sonatas para violín y clavecín de concerti grossi y de un método sobre técnica violinística (El Arte de Tocar el Violín.5. El tema melódico que está en la tónica se le denomina sujeto y al que va en la dominante se le denomina respuesta. Coda: Es una pequeña sección que afirma el tono central de la obra para darle su sentido conclusivo.4.1. COMPOSITORES Para una descripción más clara. ITALIA Una de las naciones más importantes en el barroco. Se le asocia estrechamente con la fuga en el Barroco Tardío. Arcangelo Corelli (1653 – 1713): Compositor y violinista.5. A veces hay un tema secundario llamado contrasujeto. La Coronación de Popea. Es como si la melodía se fugara de una voz a otra en imitaciones interminables. salmos. Vivió y enseñó muchos años en Dublín y Londres.5. tanto en el arte como en la música. Exposición: Aparece el tema en cada una de las voces en forma sucesiva. La fuga obtiene con Bach su estructura perfecta.5.1. Principal representante del Concerto Grosso. 3. Desarrollo: Se "juega" con los aspectos rítmicos y melódicos del tema central. motetes y madrigales.5. francesa. 3.). 1608. Tomaso Albinoni (1671 – 1750): Violinista y compositor veneciano. de una composición que gira sobre un tema y su contrapunto. Los compositores más importantes de la época fueron: Claudio Monteverdi (1567 – 1643): Fue el gran maestro de la ópera florentina. También compuso otras óperas (Arianna. . etc. 1641.3. De esta forma se contemplan cuatro secciones: 3. 3. Consiste en su forma más simple. 1731).2.

ella todas las posibilidades contrapuntísticas. debutó en el género operístico en plena madurez. Intérprete virtuoso (considerado el precursor de Paganini!) autor brillante y colorista (dominio del contrapunto. unas 75 sonatas. Conocido organista y autor de piezas para clave. Sobresalen sus Concerti Grossi. clavecinista y compositor. organista en Weimar y maestro de capilla en Leipzig. Fue llamado Couperin el Grande. y fue profesor de violín en el Hospital de la Piedad. aunque dando más realce en sus obras a la melodía. caracterizada por la riqueza orquestal y la intensidad expresiva. 1722) 4. del resto de su producción. elevó la fuga a su máxima expresión. Armida (1686) fueron algunos de sus trabajos operísticos. odas. FRANCIA François Couperin (1668 – 1733): Fue junto con el Italiano Scarlatti. sonatas. GF Haendel y GP Telemann. suites. corales: El Clave bien Temperado. Johann Sebastian Bach (1685 – 1750): Organista y compositor. Se ordenó sacerdote (1703). danzas. extrayendo de. los . Se mantuvo dentro de la tradición contrapuntística. uno de los más grandes clavecinistas de la historia. se destacan Las Indias Galantes (1735) y Cástor y Pólux (1737). fuel el más importante representante del concerto grosso. De su vasta obra cabe destacar numerosos preludios. exhuberancia armónica). Alessandro Stradella (1642 – 1682): Compositor y cantante.3. Rolando (1685). Definitivamente es mi compositor favorito. Jean-Philipp Rameau (1683 – 1764): Compositor renovador de la ópera francesa clásica.4. Jean-Baptiste Lully (1632 –1687): Compositor francés de origen italiano. el oratorio y la cantata. Cadmo y Hermione (1673). ópera). Antonio Vivaldi (1678 – 1741): Compositor y violinista. toccatas.2.Domenico Scarlatti (1685 – 1757): Organista. también escribió cantatas. Contribuyó a la evolución del aria. Verdadero creador del concierto para solista. ALEMANIA Alemania fue la cuna de los más grandes compositores barrocos: JS Bach. a favor de la tradición. 1716) y de numerosas composiciones (obras para clavecín. sonatas.). INGLATERRA Henry Purcell (1659 – 1695): Fue miembro de una familia de músicos de la corte. óperas y cantatas. Autor de un método didáctico (El Arte de Tocar el Clavecín. Compuso más de quinientas sonatas para clave. si bien tuvo que renunciar al ejercicio de su ministerio. Doriclea (1677. 4. con Hipóclito y Aricia (1733). de la escuela barroca veneciana. y suites instrumentales. uno de los máximos exponentes de la escuela napolitana. realmente un personaje anticipado del Romanticismo. Compuso más de 470 conciertos. Gran renovador. Fue el creador de la ópera francesa. oratorio). en especial Las Cuatro Estaciones. y dejó escrita una importante obra teórica (Tratado de la Armonía Reducida a sus Principios Naturales. etc. Considerado como el iniciador de la ópera inglesa con su Didos y Eneas (1690). El más célebre de la familia (y de toda la historia de la música :). incluidos en El Fundamento de la Armonía y la Invención (1725). corales. Fue músico de la corte. 4. Intervino en la "querella de los bufones". sonatas. Junto con Corelli. unas 45 óperas. partitas. Sobresalió por su virtuosismo en el teclado. etc. San Juan Bautista (1675.

1745). suites. lo deberíamos incluir entre los italianos o los ingleses. la música sacra y la música profana conviven armoniosamente. italianos y franceses. ecléctica y exenta de artificios. el Arte de la Fuga. Dejó una extensa producción. representando la síntesis entre la escuela contrapuntística y el estilo armónico. sin relación con consideraciones ideológicas que se deriven de un texto. por el género vocal recitativo. sobre todo. Su extenso número de trabajos que hoy día se conserva es una fértil fuente para guitarristas. pues la música giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por . combinó elementos alemanes. Características El género hoy llamado "barroco" se caracteriza estéticamente por la preeminencia de lo emocional sobre lo racional. fugas. áspero y anticuado». motetes. en el cual el ritmo de la palabra determina el discurso melódico -donde "la música ha de ser sirviente de la poesía". Fue considerado el precursor de Bach. el Magnificat. Su obra. Una obra importante fue Divertimento Musical (1691).Conciertos de Brandemburgo. En el siglo XVIII se lo usó en sentido peyorativo para describir las características del género musical del siglo anterior. dando de esta manera más fortaleza y protagonismo al texto. el concerto grosso y el ballet francés. 1714) y. pero por su obra. La mayor permisividad estética lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión de ornamentos y recursos expresivos. es uno de mis compositores favoritos. Origen del término El término barroco se tomó de la arquitectura (donde designaba algo «retorcido». En esta época se desarrollan la sonata. más dramáticos que religiosos (El Mesías.. comprende cantatas. 1709. Johann Pachelbel (1653 – 1706): Compositor y organista alemán. que se consideraba «tosco. El Pastor Fiel. los oratorios. corales. o funcionales como en el caso de la música de danza. 1742. la Pasión según san Mateo. elaborada. En su vasta producción sobresalen óperas (Agripina. Georg Friederich Haendel (1685 – 1759): Clasificamos a Haendel entre los compositores alemanes por su nacimiento. Una característica importante fue que los detalles del arte en el Barroco no se aplicaron a la música. envuelta». extraño. una construcción «pesada.y por un auge de la música instrumental pura. formando parte de la profesión musical. Georg Philipp Telemann (1681 – 1767): Fue maestro de capilla en Hamburgo. Judas Macabeo. siendo el significado original del término un lusismo que describía una perla deformada o joya falsa). Sylvius Leopold Weiss (1686 – 1750): Fue el principal compositor para laúd de la escuela del Barroco Tardío. tanto de música religiosa como profana. Al igual que Bach. A diferencia de épocas anteriores. Personalmente. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (más tarde la polifonía recuperará con Bach todo el esplendor que la había caracterizado). es decir.

Claudio Monteverdi. La música instrumental alcanzó su primera madurez. Monteverdi y Antonio Vivaldi fueron los dos compositores estudiados más asiduamente por Johann Sebastian Bach. ello conforman una suerte de preclasicismo. El Barroco tardío (1700-1750) El Barroco tardío va entre 1700 y 1750 (aproximadamente) y sus compositores característicos son: en España Domenico Scarlatti. La seconda prattica. el "Lamento d'Arianna". en Italia Antonio Vivaldi. hay un gran florecimiento en géneros. y la retórica. es considerado el padre de la sonata clásica. Fue un maestro de los dos géneros entonces preponderantes: la prima prattica o el polifónico género madrigal y la seconda prattica o recitativo de la música vocal solista. en él sobresalían el compositor inglés Henry Purcell (1659 .1706). que en la época anterior dio el primer asomo en la música académica.acordes. una o varias voces solistas y bajo continuo. Compuso una de sus obras de Calahorra más famosas. El auge de la música instrumental La música instrumental. en Inglaterra Georg Friedrich Händel. tanto en versión polifónica como en versión para solista y bajo continuo. la sonata y la sinfonía y el Rococó. Tienen gran importancia la teoría de los afectos. Carl Philipp Emanuel Bach (1714-88). intérpretes y compositores que se acercaban a un profundo conocimiento de los instrumentos. El Barroco medio (1650-1700) El Barroco medio es el lapso comprendido entre 1650 y 1700. el desarrollo en Italia de la ópera buffa. tiene un auge sin precedentes en los siglos XVII-XVIII. técnicas. un subgénero de monodia acompañada. que considera a la música como creadora de emociones. Se destacó el caso del violinista Arcangelo Corelli . La transición al Clasicismo (1740-1770) A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el galante francés desde 1730.1695) y su contemporáneo alemán Johann Pachelbel (1653 . para que fuera "entendible" el texto. uno de los hijos de Johann Sebastian. al servicio de una fuerte expresión emocional. por primera vez en la historia. esto es. El Barroco temprano (1600-1650) Este período es conocido como el seicento: alrededor del año 1600 se destaca en la historia de la música un compositor de inusual talento. Esto fue debido en gran parte a la corriente humanista. la música vocal e instrumental están en plena igualdad. El cultivo de la música puramente instrumental llevó a un importante desarrollo de la técnica. caracteriza la música de este período. en Alemania Johann Sebastian Bach y en Francia Jean Philippe Rameau. que transfiere conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso musical del Barroco.

y el continuo. El concerto grosso A mediados del seicento. A diferencia de la música de cámara. ya en la época clásica. . habitualmente allegro-adagio-allegro (sonata da camera) o adagio-allegro-adagio-allegro (sonata da chiesa). que habitualmente alternaban una danza baja o de paso. el violín. Arcangelo Corelli y Giuseppe Torelli en el violín. el órgano. cuando tocaba en público "perdía el dominio de sí mismo". Toccata La sonata barroca —que no debe ser confundida con la sonata clásica de forma sonata— denota una composición para uno o dos instrumentos de cuerda o viento y bajo continuo. La ejecución a tutti alterna con pasajes a soli a la manera de la triosonata. La etapa final del Barroco (1700-1750) será el cenit y el ocaso del clavecín y la viola da gamba que en la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán totalmente relegados. Händel. más lenta —como la pavana— con otra alta o de salto. tenía los ojos enrojecidos y. como ocurre típicamente en la orquesta. Importantes centros del género instrumental concertante son Módena. dividida en tres o cuatro movimientos de carácter contrastante. Cantata. pese a todo esto. más rápida —como la gallarda. Bolonia y Venecia. También aparecen intérpretes virtuosos que por su gran destreza técnica explotan al máximo el instrumento. el bajón o un instrumento similar y el continuo doblaba esta línea y realizaba el "relleno armónico". se convierte en el género instrumental más típico de la época. Jean Philipe Rameau y François Couperin al clavecín. El Barroco fue una época de esplendor para muchos instrumentos. La Triosonata o sonata en trío La heredera del género polifónico renacentista y la principal forma de cámara del Barroco es una sonata para dos instrumentos agudos (frecuentemente violines). la cantata es una composición para canto solista y bajo continuo. cuya estructura habitual es recitativo-aria da capo. La alternativa contrastante de movimientos sucesivos es herencia de la suite o serie de movimientos de danza. La época dorada del clavecín. El equivalente en la música para instrumentos de teclado es la toccata. por sus descendientes.quien. la viola da gamba y el laúd vivieron su gran época dorada a nivel técnico. se cultivó intensamente la música de cámara para grupos instrumentales con acompañamiento de bajo continuo. Domenico Scarlatti. (el clavecín en la sonata da camera y el órgano en la sonata da chiesa) que era el encargado de completar las armonías. Sammartini. Se destacan las obras de Corelli. el clavecín y el órgano. como por ejemplo el violín. Buxtehude y Bach. el violonchelo y el forte-piano. De un modo equivalente a la sonata. el clavecín. la viola da gamba y el órgano En esta época. cada parte es ejecutada por más de un instrumento. interpretativo y compositivo. según el testimonio de François Raguenet. Gottfried Reiche (1660-1734) a la trompeta. Pergolesi. Sonata. de modo que la triosonata requiere cuatro ejecutantes. y Antonio Vivaldi. pues la línea del bajo era interpretada por la viola de gamba. lograba expresarse a la perfección. como Johann Sebastian Bach y Dietrich Buxtehude en el caso del órgano. uno bajo.

Händel (16851759). y Juan Cabanilles (1640-1712) en España. Son notables Antonio Soler (1728-83) en España y en Inglaterra. los compositores más destacados son:      Jan Pieterszoon Sweelinck en Holanda Girolamo Frescobaldi en Italia Samuel Schein H. que es el más notable en esta generación. En la primera mitad del siglo XVIII. desplazado por la guitarra y el clavecín. los compositores más destacados son: Dietrich Buxtehude (1632-1707). el órgano vivirá su máximo esplendor en Alemania para después iniciar su decadencia a partir de 1750 a nivel general. Johann Pachelbel (1653-1705) Georg Böhm (1661-1733) Johann Caspar Ferdinand Fischer (c. 1717. François Couperin. Bach (1685-1750) representa el máximo apogeo del órgano barroco. A. por lo que en la última etapa del Barroco no habrá en ese país ningún compositor notable. En la segunda mitad del siglo XVII. los tres por el concierto para órgano solista y cuerda.F. El órgano subsistirá pero ya no con el auge anterior. En la primera mitad del siglo XVII. rica y compleja que destaca por el alcance de la . Cabe mencionar los 4 libros de órdenes (1713. donde representan el máximo apogeo de la música clavecinística barroca. Johann Sebastian Bach. En Alemania J. donde la Toccata y fuga en re menor BWV 565 (1708) es la más famosa y conocida obra para este instrumento. la última etapa del Barroco. 1724 y 1728) de Rameau. que exprimen las posibilidades del instrumento creando una obra variada. William Boyce y Cristan Arne. el órgano entra en decadencia en Italia y en los Países Bajos. el instrumento renacentista por excelencia. El clavecín Artículo principal: clave Jean Philippe Rameau. cayó en el olvido ya por 1690-1700. donde el instrumento no conocerá más compositores de talla internacional. 1722 y 1730) de Couperin y los libros de suites (1706. 1665-1746) y J. en especial por sus 555 sonatas. Georg Friedrich Händel y Domenico Scarlatti son los más destacables en el ámbito del clavecín de la primera mitad del siglo XVIII. S. A partir de 1710-20. Schiedermann en Alemania Correa de Arauxo en España y Jean Titelouze (1563-1633) en Francia. el órgano también entra en decadencia en Francia. Reincken (1623-1722) en Alemania François Couperin (1668-1733) en Francia Henry Purcell (1659-95) en Inglaterra. Domenico Scarlatti es el más destacado representante de la música italo-española para teclado. desde 1712 G. El órgano El órgano tuvo ilustres exponentes en toda Europa en el principio del período. que es la cumbre de la música barroca francesa para teclado. compuestas en la Península Ibérica.El laúd. donde su música empieza a conocer su edad dorada por su destacable calidad. Hacia 1650. Rameau y Couperin son los más altos exponentes de la escuela francesa.

Giuseppe Torelli y Alessandro Scarlatti (1660-1725) son los que dominan la escena nacional de la segunda mitad del siglo XVII hasta principios del siglo XVIII. las Variaciones Goldberg BWV 988 y El arte de la fuga son un antes y un después de la música de teclado en general y la cima de la literatura clavecinística barroca. sobresale Giovanni Legrenzi(1626-1690). representando la cumbre y ocaso barroca de su país. en particular por sus Toccatas para clavecín. donde sus obras El clave bien temperado (BWV 846-893). Girolamo Frescobaldi (1578-1643) tuvo gran importancia en el desarrollo de la música para teclado. Domenico Scarlatti (1685-1757) y Giuseppe Tartini (1692-1770) son los que más sobresalen.modulación y un cromatismo que se percibe en las tonalidades y ritmos. El alemán Händel es el máximo exponente del Barroco inglés para teclado. Bach. Bach es quizá el compositor más destacable de todo el período. J. Su música contiene ya los elementos estilísticos esenciales de la nueva época estética. Claudio Monteverdi (1567-1641) es el primer gran compositor del Barroco que inauguró este nuevo género en Italia y Europa. A mediados de siglo. influidos por la música popular española. Antonio Vivaldi (1675-1741). Arcangelo Corelli (1658-1711). Los compositores Italia Giovanni Gabrieli (1555-1612) es el principal exponente del Barroco temprano. dejó tras de sí un gran repertorio de preludios con fugas de suma importancia. una de las cumbres de la suite para teclado. aunque en su época no fue muy reconocido. Alemania . Destacan entre su obra las 8 grandes Suites (1720). S. Ya en la primera mitad del siglo XVIII.

Johann Caspar Ferdinand Fischer (c. Georg Friedrich Händel (1685-1759). Johann Adolph Hasse (1699-1783) y Carl Heinrich Graun (1703-59) junto con un joven Händel (1685-1759) -hasta que en 1712 se fue a Inglaterra. desde su llegada en 1712 al país.son los más destacables junto con Bach. Johann Mattheson (1681-1764). destacable e influyente. siendo en 1705 visitado por un joven Bach. el más importante del Barroco tardío. En la primera mitad del siglo XVIII. es el músico más importante del Barroco tardío alemán. llamado el padre de la música alemana. un italiano de nacimiento. junto con Bach. Reinhard Keiser (1674-1739). Su obra es la cumbre y ocaso de la música barroca. Inglaterra En Inglaterra el Barroco tarda en desarrollarse hasta la restauración de 1660. a mediados del siglo XVIII destacan Thomas Augustine Arne (1710-78) y William Boyce (1711-79) poniendo el punto final al Barroco inglés. y ya siendo el ocaso nacional. Al cabo entre los siglos XVII y XVIII. siendo la cumbre del Barroco inglés y. Dietrich Buxtehude (1637-1707) es el más sobresaliente. cuyas "Pasión según San Mateo" y el "Clave bien temperado" son cimas de la música occidental. 1665-1746) y Georg Böhm (1661-1733) son los más prominentes. el más notable en la primera mitad del siglo XVII alemán. contemporáneos de Heinrich Schütz. . siendo el máximo rival de Lully. culminó y dio su máxima madurez. Johann Kuhnau (1660-1722). En la segunda mitad del siglo XVII. Francia El género se consolida con Jean-Baptiste Lully (1632-87). junto con Bach. También sobresale en el mismo siglo Marc Antoine Charpentier (1640-1703). Georg Philipp Telemann (1681-1767). siendo el más importante compositor nacional del siglo XVII en ese país. y marca igualmente el inicio de la transición de la música barroca hacia la música clásica de la segunda mitad del siglo XVIII en su país. El Barroco alemán empezó con la figura de Heinrich Schütz (1585-1672). El Barroco alemán. y en general. esplendor y cenit en la primera mitad del siglo XVIII con uno de los compositores más importantes de la música universal. Johann Hermann Schein (1586-1630). y marca el fin del periodo en Alemania y en Europa.La obra de Bach está considerada la cumbre de la música barroca. es el más importante. Johann Jakob Froberger (1616-67) y Georg Muffat (1653-1704) destacan asimismo. también son bastante notables en esta época. siendo John Blow (1649-1708) y su alumno Henry Purcell (1659-95) los más destacados e influyentes en la segunda mitad del siglo XVII. que agotó todas las posibilidades de la música barroca. Samuel Scheidt (1587-1654) y Michael Praetorius (1571-1621). Johann Pachelbel (1653-1706). Después de Händel. que introduce la ópera en Francia. Johann Sebastian Bach (1685-1750). Johann Joseph Fux (16601741).

junto con los géneros antiguos del motete y la misa. Antonio de Literes. Los géneros vocales La ópera Artículo principal: Ópera Las corrientes humanistas buscaban una renovación del antiguo teatro griego. José Marín. Los géneros y las formas En los géneros del Barroco ya se percata una clara división en géneros instrumentales y géneros vocales. con compositores -como el milanés Roque Ceruti-. el concierto y la suite. España En España sobresalieron Gaspar Sanz.disonancias y modulaciones. en particular el grupo conocido como camerata florentina. siendo una de las cumbres del Barroco francés. Les interesaba sobre todo la antigua monodia helénica con acompañamiento de kithara. donde compusieron la mayor parte de sus obras. escribió en 1581 un tratado contra el género musical polifónico neerlandés bajo el título Dialogo della Musica Antica e della Moderna. las comedias madrigalescas con figuras de la commedia dell'arte y los intermezzi teatrales. los géneros instrumentales alcanzan su madurez y se crean los primeros grandes géneros instrumentales: la sonata. En el ámbito de los géneros vocales. el drama pastoral. como el drama litúrgico. basándose al mismo tiempo en formas musicales recientes. Francisco Corselli. En el Barroco. Juan Cabanilles. José de Torres. la ópera y el oratorio. el Padre Soler. Jaime Facco. siendo en los últimos años testigo del cambio del Barroco al Clasicismo en su país. En las colonias españolas en América también hubo actividad musical. la cumbre barroca nacional y el cenit del género francés barroco en la primera mitad del siglo XVIII.Al cabo de los siglos XVII y XVIII. Jean-Philippe Rameau (1683-1764) es. teniendo en 1717 un duelo musical con Bach. espressivo y representativo llevan a nuevas libertades en los medios sonoros empleados en las composiciones . cantantes. José de Nebra. . Vincenzo Galilei. François Couperin (1668-1733) es el más importante. Joaquín García y Tomás de Torrejón y Velasco Por entonces vivieron en España. padre de Galileo el astrónomo. Louis Marchand (1669-1732) también destaca. Juan Hidalgo. siendo la ópera el género vocal nuevo más importante del Barroco y uno de los de la música académica. Los géneros musicales recitativo. se crean tres importantes géneros que darán una época dorada a los géneros vocales: La cantata. gracias al auge de la música instrumental. Mucha de esta música aún se conserva y ejecuta. junto con Couperin. instrumentistas. Sebastián Durón. los italianos Domenico Scarlatti y Luigi Boccherini.

En esta actúan de 6 a 8 ejecutantes que se destacan por tocar música preludiana. cuyo tema fue tomado de las Metamorfosis de Ovidio. tocatas. sino que simplemente se repite la célula para cambiar. este género se fue adaptando a las características técnico-musicales de los diversos períodos de la historia de la música. Como es lógico. pero el motivo debe de repetirse tres veces (en voces distintas) y así sucesivamente (si es a cuatro voces. si hay preludio. para luego volver a su carácter eminentemente religioso en el Barroco. Los géneros instrumentales La sonata Artículo principal: Sonata La sonata es parte de la música barroca en el período medio. El motete El motete se desarrolla en Europa desde épocas medievales relacionadas a la antigua escuela francesa conocida como Ars antigua . Los preludios son piezas de dos o tres páginas con una dosis de técnica. Preludios.Entre las primeras óperas conservadas se cuentan Dafne de Jacopo Peri. fantasías y fugas Artículo principal: Toccata Artículo principal: Preludio Artículo principal: Fantasía (música) Artículo principal: Fuga Por regla general. detrás va una fuga. Una fuga a dos voces significa que hay una voz con una célula (uno o dos compases) que crea un motivo (una melodía) y al cabo de un tiempo la otra voz lo imita. Si una fuga es a tres voces.. La suite Artículo principal: suite Una suite es un conjunto de movimientos o piezas agrupados.. Las fugas suelen ser a 2. Este primer motete aún primitivo partía de contraponer secciones con polifonía (aún en desarrollo) y secciones puramente monódicas. este género tuvo un curioso devenir histórico llegando a escribirse motetes profanos durante el "ars nova" y el Renacimiento. pasa lo mismo. Si bien el primer motete fue de carácter puramente religioso. cargadas y con libre interpretación. sin que estén escritos). Eurídice de Giulio Caccini y Orfeo de Claudio Monteverdi. transpone (cambia de tonalidad). Son piezas expresivas.en donde sobresalieron compositores como Leonin y Perotin. en la mayoría de los casos. . Una vez imitado. ya que los trinos y los ornamentos son libres (los crea el propio ejecutante. 4 ó 6. 3. cuatro veces se verá el motivo.). de tonalidad). yendo así del motete medieval no funcional y puramente polifónico interválico al motete tonal desarrollado en el Barroco. hace alguna variación o crea unas falsas repeticiones conocidas como puentes o colas (repetición de la célula sin hacer el motivo completo.

Zarabanda: movimiento lleno de energía pero pausado. 1717 1720 1722 Orfeo (ópera) Fiori musicali Daniele Selva morale e spirituale Symphoniae Sacrae Pasión según san Mateo Roland Dido y Eneas Hexacordum apollinis Obra Compositor Claudio Monteverdi Girolamo Frescobaldi Giacomo Carissimi Claudio Monteverdi Heinrich Schütz Heinrich Schütz Jean-Baptiste Lully Henry Purcell Johann Pachelbel Sonatas para violín y bajo continuo op. La suite puede contener un par de minués. la música es digna. Obras destacadas del Barroco Obras destacadas del Barroco Año 1607 1635 16-1640 1629-44 1666 1685 1689 1699 1700 1680 c. con intrusiones de (B. aristocrática.).La suite habitualmente tenía seis partes:       Allemande: pieza cortesana. Minué: obra parecida a un vals. Giga: movimiento mucho más rápido y enérgico. etc. con esa reunión de variedad y decoro de encanto italiano y gravedad teutónica. C. 5 Arcangelo Corelli Canón Música acuática 8 grandes suites Conciertos de Brandenburgo Johann Pachelbel Georg Friedrich Händel Georg Friedrich Händel Johann Sebastian Bach . vigorosamente rítmica y melódicamente rica. D. Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior. tan característica de esta época en Alemania. Rondó: pequeña obra basada en la repetición de un tema (A). Dentro de la suite.

Hilliard Ensemble (Inglaterra). entre los que destacan Ars Antiqua (Austria). Rose Consort of Viols (Inglaterra). Salomon Quartet y Sarband (Alemania). Fretwork (Inglaterra). existen. Musica Antiqua Köln (Alemania). Collegium Musicum Den Haag (Holanda). Oni Wytars (varios países). The Harp Consort (varios países). XIX en Occidente). Ars Rediviva (República Checa). Utilizan afinaciones distintas a las empleadas por las orquestas sinfónicas actuales. The Dufay Collective (Inglaterra). Phantasm (Inglaterra). sin embargo. Respectable Groove (Inglaterra).1722-44 1724 1725 1727 1706-28 1713-30 1733 1742 1749 1749-50 1762 El clave bien temperado Giulio Cesare Las cuatro estaciones Pasión según San Mateo 3 libros de suites 4 libros de órdenes Música para la mesa El Mesías Johann Sebastian Bach Georg Friedrich Händel Antonio Vivaldi Johann Sebastian Bach Jean-Philippe Rameau François Couperin Georg Philipp Telemann Georg Friedrich Händel Música para los reales fuegos de artificio Georg Friedrich Händel El arte de la fuga El juicio final Johann Sebastian Bach Georg Philipp Telemann Intérpretes contemporáneos de música barroca En la actualidad la música barroca es interpretada por un gran número de conjuntos musicales en todo el mundo. entre otros. incluyendo aquellas que ejecutan una amplia variedad de música clásica. Florilegium early music ensemble (Inglaterra). Periodos de la música barroca . conjuntos que se han especializado en música de este periodo. así como tempos y ritmos poco ortodoxos (de acuerdo al cánon que ha imperado desde finales del S. Les Muffatti (Bélgica). Red Priest (Inglaterra). Les Cyclopes (Francia). Una de las principales características de estos grupos es que buscan rescatar estilos de interpretación e instrumentos propios de la época barroca. L'Arpeggiata (Europa). Il Giardino Armonico (Italia). Hannoversche Hofkapelle (Alemania).

Tuvo gran influencia en la generación posterior. El barroco pleno. las ensaladas y la tonadilla escénica. También sufre una división en dos tendencias: la ópera bufa y la ópera seria. · Periodo primitivo (1575-1630): esta etapa coincide con el desarrollo de la polifonía neerlandesa. Las danzas antiguas se estilizan en suites instrumentales. cuando musicólogos alemanes así lo determinaron. Por su parte. En España el renacimiento iniciado por Alfonso el Magnánimo generó en Nápoles un importante intercambio de músicos españoles e italianos. mientras que los estilos medievales del auto sacramental evolucionaron hacia las églogas. Es importante aclarar que el periodo de la música barroca no coincide con los demás de las bellas artes. Por su parte los instrumentos llegaban a donde las voces no lo hacían. y con ello preparó el siglo de oro español en el que se dio gran auge a la música instrumental. cierta libertad en ritmo. del solo acompañado. famosos compositor. asimismo. sino de dobles y triples. que serviría de base al barroco. y de esta manera se crea el stille rappresentativo. En este siglo se desarrollan los estilos concertantes y algunas formas instrumentales. Sebastián Bach. este último es una forma musical en donde dos grupos instrumentales distintos tocan como si se tratara de un coloquio entre ellos. inicialmente ligado a Italia. Estudiosos de la música han coincidido en dividir la música barroca en tres periodos: barroco primitivo. se propaga hacia Francia y Alemania. de la cual uno de sus representantes es J. el villancico escenificado. El término barroco para designar a la música de este estilo no se conoció sino hasta 1920. y se desarrolla el bel canto. organista de la Basílica de San Pedro. Guerrero De Morales. persigue las interpretaciones no solamente de un solo coro. y soltura en la digitación. en la que introdujo mejoras. representadas por Palestrina. en Roma.Marsella Cruz. demanda. quizás porque es el antecedente de la plenitud y de la época tardía de este estilo. Esta época musical tiene lugar durante el renacimiento. veneciana. · El Barroco pleno: se extiende a casi todo el s XVII. En esta época la ópera adquiere nuevas características. y su participación en el canto se hizo imprescindible. El barroco busca ser más sonoro y el contraste del individualismo con la masa sonora. barroco pleno y barroco tardío. la expresividad en las composiciones. aunque muchos estudiosos lo han considerado como el antecedente de la música barroca. y se le ha llamado el periodo primitivo de la música barroca. surge la ópera-ballet y la comedia-ballet. romana y española. · Durante el barroco tardío se desarrollan las formas instrumentales basadas en la suite y el concerto grosso. especialmente con las plásticas. en donde a su primer concierto asistieron 30 000 personas. Victoria. Gabrieli y Di Lasso. Muchos otros cambios importantes existieron: la polifonía religiosa adquirió características más expresivas. En este mismo terreno instrumental cabe citar a Frescobaldi. Su estilo de tocar creó una escuela que su característica principal era la expresividad. todos ellos formas escénicas españolas que tuvieron gran influencia del barroco italiano. la . de tal suerte que parecería una conversación musical.

S. Nacimiento del bajo cifrado o bajo continuo: el compositor da toda la importancia a las voces extremas. F. El acompañamiento se indica mediante una serie de cifras (bajo cifrado) que señalan al organista los acordes que puede ejecutar. . Bach. Museo Nacional de Berlín Las principales características que definen la música barroca son estas:   Predominio del estilo vertical u homofónico. El barroco tardío llega a su clímax con G. Haendel fue el principal representante de la ópera italiana. Antonio Soler fueron otros compositores de la etapa final del barroco. Domenico Scarlatti. oratorios y misas. con quienes se inicia un nuevo periodo. pero llevó la herencia barroca en cuanto a expresión a las formas instrumentales (órgano. La voz superior es la melodía. clave) como a las corales-instrumentales: cantatas. Haendel y J. cuadro de Velázquez.cantata tiene en este periodo un puesto junto al oratorio. pasiones. mientras que Bach no escribió óperas. Características del Barroco musical Los tres músicos.

y en Alemania M. Es la época de la ópera y la cantata. BARROCO TARDÍO (1680-1750). J. El hombre era concebido aún como miembro de un todo. Supremacía de la música profana sobre la música religiosa. arioso y recitativo. se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor manera posible los sentimientos (monodía acompañada. cantata. Haendel y G. La representación de los sentimientos humanos en la música barroca será pues estilizada y no personal. La ópera será el género que más desarrolle la expresión de los sentimientos. de poca extensión. Scarlatti y los alemanes J. etc.S. Lully en Francia.F. Vivaldi. Se produce una vuelta hacia el contrapunto.…) como forma de ordenar y racionalizar la música. Esto lo podemos constatar en la siguiente frase de J. Se da un predominio de la música instrumental sobre la vocal. Las formas adquieren unas dimensiones más largas. no como individuo con libertad personal. Frescobaldi. El compositor practica todos los géneros de su época.B. Así pues. Aparición de un ritmo reiterativo y muy marcado. Etapas Podemos hablar de tres sub-periodos a la hora de estudiar la música barroca:    Características BARROCO TEMPRANO (1580-1630). D. y con ella. La música instrumental va ganando terreno y se pone a la altura de la vocal.…). Se produce un rechazo al contrapunto renacentista. Peri. ya bien constituido. Purcell en Inglaterra y J. G. Las obras son. y con ello el énfasis en el ritmo mecánico. Nacimiento y esplendor de la música dramática: ópera. tonalidad. Dentro del lenguaje musical barroco se van a dar una serie de importantes novedades que darán a este periodo una sonoridad característica indiscutible. Las más destacados son : . todavía. Mayores posibilidades tímbricas. Se da un mayor predominio de la música vocal sobre la instrumental. G. Rameau (considerado el fundador de la moderna armonía): “…la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien establecidas. aparece el estilo concertado. La tonalidad queda totalmente establecida. Los compositores más destacados son: en Italia C.          Supremacía de un estilo armónico: sentido vertical en la música. Monteverdi.” Pero además. Las figuras más representativas son: los italianos A. ||||||la orquesta. BARROCO MEDIO(1630-1680). Etapas y característcas del barroco musical El pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy patente en el panorama musical. Comienza la diferenciación entre música vocal e instrumental. en este período se busca una codificación de todos los parámetros musicales (ritmo. Uso de acordes disonantes con mayor frecuencia. principio que no puede revelarse sin ayuda de las matemáticas…. contrastes tímbricos. Si el arte Barroco representa al hombre de su época. Aparición de la orquesta y perfeccionamiento de los grupos de cámara. Los compositores más relevantes de esta época son: H.P. P. la distinción entre aria. Teleman. dichas reglas deben derivar de un principio evidente. Bach. Incorporación de instrumentos. Delimitación e independencia entre música vocal e instrumental. la Música Barroca representa sus afectos y sentimientos. uso de dinámicas. Praetorius.

El barroco busca el contraste. Los acordes son improvisados. el oratorio.    NUEVAS FORMAS como la ópera. Se trata de relacionar no cuatro o cinco voces. Recitativo: declamación del texto siguiendo sus acentos. El bajo continuo se va a aplicar a todo tipo de música excepto a la escrita para un instrumento solista. el concierto (grosso y solista). Es un recurso para dar mayor expresividad a la música. pero el intérprete puede improvisar sobre las mismas. Con ello. aunque también aplicable a la música vocal. Normalmente. está a medio camino entre el canto y la declamación. la sonata Música Tocata y fuga en re menor.  Se intensifica la fuerza emocional de las palabras dentro de la música vocal. Además. arioso y aria. Esta técnica les permite comprender el texto y transmitir una mayor expresividad. la pasión. Por ello. a lo largo del siglo XVII se generaliza la escritura de la música utilizando compases.LA MONODÍA: Los compositores del Barroco consideraron excesiva la complejidad a la que había llegado el contrapunto renacentista. se forman diferentes coros y se responden unos a otros. Creando tres maneras de cantar el texto: recitativo. Es uno de los inventos que hacen evolucionar de manera sustancial al canto.  ESTABLECIMIENTO DE LA TONALIDAD Y DEL RITMO: En el Barroco se establece el concepto de tonalidad tal y como lo conocemos hoy. Se formulan tratados de armonía en los que se establecen unas estrictas normas sobre las tonalidades y la formación de acordes.…). ya que así no se podía expresar ningún tipo de sentimientos. los instrumentos que se encargarán del bajo continuo serán instrumentos polifónicos como el órgano. la sonoridad llega a unas novedades imposibles antes: el uso de contrastes y ecos. el clave o el arpa. BWV 565 . sino hasta doce o más.  EL POLICORALISMO. La música quedaba medida por completo y atrás se dejaba cualquier atisbo de ritmo libre. Arioso: está a medio camino de las dos anteriores. una de las innovaciones que van a crear es el uso de la monodía acompañada (una sola melodía con acompañamiento instrumental). se especifican por medio de cifras que se escriben encima o debajo de la línea del bajo. soli.  NACIMIENTO DEL ESTILO CONCERTATO: Es una técnica que nacerá sobretodo para la música orquestal. concertino. creando un relleno armónico que va cambiando durante toda la obra. Se basa en contraponer distintos planos sonoros y timbres de un grupo de instrumentos (tutti. Aria: melodía cantada y enriquecida mediante adornos. La melodía principal es acompañada por esas sencillas notas del bajo. dando lugar a un sistema de escritura denominado bajo cifrado TEXTURA: la textura que caracteriza a este período musical se llama monodía acompañada. Es la característica que define y distingue a la música barroca. la suite.  EL BAJO CONTINUO: Es una línea de notas graves que se interpreta de manera ininterrumpida desde el inicio hasta el final de la composición.

1er movimiento: Allegro Las cuatro estaciones de . «Aleluya» El Mesías de Georg Friedrich Händel. BWV 565 de Johann Sebastian Bach.Tocata y fuga en re menor. Primavera.

¿Problemas al reproducir estos archivos? Artículos principales: Música del Barroco y Compositores del Barroco. Entre los especialistas se acepta que la música entre los albores del siglo XVII y mediados del siglo XVIII tiene una serie de características que permite clasificarla como un período estilístico. 9 de Domenico Scarlatti. algunas de las características de esta música ya existían en la Italia de la segunda parte del siglo XVI y .º 11 de Arcangelo Corelli. aunque el período pueda acotarse entre 1600 y 1750. Primer movimiento Preludio (Adagio) de la Sonata en trío Op. 2 n. También hay coincidencia en que. el denominado Barroco en la historia musical occidental. 9 en re menor Sonata K.Antonio Vivaldi. Sonata K.

hasta finales del siglo XVII. convirtiéndose en una de las artes más variadas. fuga. oratorio. Jean Philippe Rameau y Marc-Antoine Charpentier. François Couperin. Antonio Vivaldi y Tommaso Albinoni. El bajo continuo era una línea independiente que duraba toda la obra.141 Sin embargo. extendidas y vigorosas. palacios. concierto para un instrumento solista. los alemanes Heinrich Schütz. de allí el nombre de bajo cifrado. hasta las muertes de Bach y Händel.145 Período temprano (1600-1650) . fantasía. Johann Pachelbel y Johann Sebastian Bach. etc.142 La música barroca a menudo tenía una textura homofónica. iglesias. coral. en los 150 años de este período la música occidental cobró un gran impulso. suite y tocata. teatros. preludio. cantata.143 Entre los muchos compositores barrocos destacan los italianos Claudio Monteverdi. colegios. sonata (para tres instrumentos o para uno solo). Domenico Scarlatti. medio. otros autores estiman excesivas esas analogías.144 Para Francisco Camino. La extensión geográfica de la música barroca alcanzó a toda Europa desde Italia: la música sonaba en todos los lugares. concierto grosso. y tardío. llegándose a denominar la «época del bajo continuo». Algunos autores dividen a su vez el barroco musical en tres subperíodos: temprano. El vigor de las formas barrocas se siguió expandiendo en los siglos siguientes con una fuerza que hoy todavía continúa. los franceses Jean-Baptiste Lully. prefiriendo señalar los rasgos estilísticos únicamente musicales que pueden ser calificados de barrocos simplemente por ser contemporáneos de las artes plásticas y la literatura. Georg Philipp Telemann. ópera. El bajo continuo fue esencial en la música barroca. hasta mediados del siglo XVII. normalmente un teclado. donde la parte superior desarrollaba la melodía sobre una base de bajos con importantes intervenciones armónicas. y por tener una unidad espiritual y artística con el período post-Renacimiento.otras se mantuvieron en zonas periféricas de Europa hasta finales del siglo XVIII. Alessandro Scarlatti. Estos acordes se solían especificar en el pentagrama mediante números junto a las notas del bajo. conventos.141 Se han estudiado paralelismos y similitudes entre los rasgos musicales de esta época con los de las otras artes de este período histórico como la arquitectura y la pintura. y los ingleses Henry Purcell y Georg Friedrich Händel (alemán de nacimiento). Apoyado en la base del bajo se improvisaban melodías mediante acordes con un instrumento que los pudiese producir. La polaridad que resultó del triple y del bajo llevó desde la transición entre los siglos XVI y XVII al uso habitual del bajo continuo: una línea de bajo instrumental sobre la que se improvisaban en acordes los tonos intermedios. La variedad la aportaban los géneros y formas que se establecieron en este período: aria de capo. por eso recibe el nombre de continuo. Arcangelo Corelli.

el bajo continuo con sus acordes se ocupaba de la armonía. Acompañando al texto y sustentando la melodía. buscando ser más expresivo se dejaron de emplear las voces polifónicas renacentistas. Monteverdi exploró todas las posibilidades del teatro musical. entre ellos.148 149 La ópera tiene un papel destacado en la cultura desde entonces.150 Período intermedio (1650-1700) .143 Así describe el musicólogo Adolfo Salazar la innovación de la monodia frente a la polifonía: se abandonaron las múltiples combinaciones de voces superpuestas del Renacimiento. La nueva forma se basaba sobre todo en una voz solista. entre rápido y lento. 146 Los compositores abandonaron las formas renacentistas de continuidad melódica y rítmica plana con texturas homogéneas y se decantaron por la discontinuidad dentro de la misma obra. En Venecia en el siglo XVII se estima que se estrenaron más de mil óperas y otras mil en el siglo XVIII.El Palacio Ducal de Mantua donde fue estrenada la ópera La fábula de Orfeo de Monteverdi en 1607. 147 148 La nueva estética musical cambió el estilo vocal. la nueva idea de la monodia abogaba por una sola voz protagonista que buscaba que el texto solista y la melodía desnuda se escucharan con claridad expresando los afectos. En los 400 años de historia de la ópera en Italia se han estrenado unas 30 000 óperas y en el mundo se estiman unos 50 000 estrenos de obras de ópera. siendo el primero en dotar a los elementos esenciales (drama. lo que favoreció el desarrollo de la misma y el público de la ciudad se volcó en ello. acción y expresión) de unidad y cohesión. música. Se buscaba el contraste de diversas formas: entre suave y fuerte. la primera gran obra maestra del género. la ópera. la sonata para solista o la sonata en trío. entre los variados colores vocales o instrumentales. como el madrigal. entre solos y tuttis. Fue un período de experimentación dominado por la supremacía de los estilos monódicos en diversos géneros. entre diferentes voces e instrumentos. el aria para solista. llegando en sus últimas óperas a desarrollar completamente el género. tanto vocales como instrumentales. En Venecia comenzó la ópera y se construyeron teatros de ópera financiados por las familias nobles poderosas. el concierto sacro vocal. Los compositores experimentaron con el nuevo estilo y.

Stradivarius y Guarneri.148 Así. que fueron incorporados a las orquestas. el violonchelo y el contrabajo. El compositor italiano Jean-Baptiste Lully emigró a Francia y allí adaptó la nueva música y la ópera al gusto francés. Bajo la dirección de Lully. en Francia instrumentos como la trompeta y el oboe tuvieron un importante desarrollo técnico y sus intérpretes impulsaron las posibilidades de estos instrumentos. tanto en grandes masas orquestales como en pequeños grupos de instrumentos. como las familias Amati. la nueva música se difundió por toda Europa.151 En Italia en este período el violín se destacó como el instrumento más importante de la orquesta. el grosor de sus tablas hasta conseguir una sonoridad más potente e intensa manteniendo su calidad. mientras que el recitativo expresivo desarrollado en el tiempo anterior perdió relieve. los instrumentistas de la corte francesa adquirieron un gran nivel técnico y su orquesta de cuerda. Paralelo al perfeccionamiento en la construcción de la familia de cuerda. El oratorio y la cantata religiosa en los países protestantes elevaron el concierto sacro. Se desarrolló el lenguaje tonal. difundiendo el estilo . Fue un período de consolidación. perfeccionaron la construcción del violín. La sonata para solista y para trío alcanzó un modelo estable. De sus talleres salieron el violín y sus familiares.En esta época los fabricantes de violines perfeccionaron este instrumento. fomentando la aparición de nuevas formas y géneros musicales. era muy admirada en toda Europa. formada a partir de arias y recitativos. La disonancia se acotó de forma más estricta. la cantata. Luthiers italianos. la intuición de los compositores mejoró la intensidad y calidad de su sonoridad gracias a nuevas técnicas de ejecución de estos instrumentos. que acompañaba sus óperas. El concierto y la sonata para instrumento solo o en trío adquirieron un gran desarrollo. relegó a la monodia lírica. que fomentó el virtuosismo del cantante.143 Entre las innovaciones de este período medio apareció el estilo vocal belcantista. que tenía un gran predicamento en la corte francesa. Los principales compositores italianos compusieron fundamentalmente para estos instrumentos de cuerda.143 Desde su amplio florecimiento en Italia. Aunque los instrumentos de cuerda habían dominado el panorama musical. estudiaron sus óptimas medidas. la viola actual.151 152 El florecimiento de la música italiana originó que los artistas italianos fuesen reclamados en toda Europa y estos fueron emigrando e instalándose en otros países. aunque de manera totalmente nueva. dando preferencia en la misma al ballet. El contrapunto se volvió a desarrollar.

que alcanzó en desarrollo a la música vocal. tanto la instrumental como la vocal. Bach y otros compositores. Es el autor de los conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. en cambio en Inglaterra predominó la influencia italiana. tenía una gran influencia en Europa. la tonalidad quedó definitivamente establecida mediante normas adquiriendo esquemas más amplios. mientras la armonía se fusionó con la polifonía. consolidaron y llevaron a su esplendor. la música italiana. A finales del siglo XVII.154 Grandes compositores del Barroco tardío Antonio Vivaldi cimentó el género del concierto. Arcangelo Corelli y otros compositores italianos exploraron y extendieron la música instrumental. Con estas técnicas compositivas las formas alcanzaron grandes dimensiones.153 143 La música italiana continuó un desarrollo inmenso. En Austria y Alemania se impuso tanto la música italiana como la francesa. Apareció el concierto para un instrumento solista que los compositores.153 La música barroca llegó a su plenitud en las composiciones de Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel. Algunos cantantes de ópera alcanzaron gran fama y eran muy populares.de música de su país. con especial énfasis en la ópera. Jean Philippe Rameau y Georg Philipp Telemann.151 Período tardío (1700-1750) En el Barroco tardío. Antonio Vivaldi. especialmente la ópera. junto a la de Domenico Scarlatti. especialmente Antonio Vivaldi. . La ópera se enriqueció con el incremento de la participación orquestal y los compositores exploraron las potencialidades expresivas del género. especialmente los castrati.S. También el estilo antiguo de música instrumental y religiosa que se había mantenido durante todo el siglo XVII se renovó en el estilo fugado tonalmente ordenado por J.

S. Autor de la Pasión según San Mateo y El clave bien temperado. fusionó los conocimientos musicales de su época. Bach está considerado la cumbre de la música barroca. desde la tradición de la iglesia alemana protestante. Johann Sebastian Bach. especialmente ópera y oratorio.G. Domenico Scarlatti compuso sonatas para clavicémbalo. Händel destacó en todos los géneros musicales. Compuso El Mesías. . Analizó la obra de los otros compositores copiando y arreglando sus partituras. Así conoció los estilos de los principales compositores de Italia. por las que es universalmente reconocido.F. J.

que acarreó hambre. lo que unido a su maestría en el contrapunto. •Guerra de los Treinta Años: conflicto ocurrido entre los años 1618 y 1648 que aunqe inicialmente se trató de un conflicto religioso entre estados partidarios de la reforma y la contrarreforma dentro del propio Sacro Imperio Romano Germánico. retratos del interior de la vida de corte) . De los italianos y. por razones no necesariamente relacionadas con la religión. se estableció en Londres y compuso en un lenguaje musical totalmente cosmopolita: óperas italianas. la intervención paulatina de las distintas potencias europeas gradualmente convirtió el conflicto en una guerra general por toda Europa. también alemán de nacimiento pero con una formación musical tanto alemana como italiana.156 En cambio Haendel. epidemias y profundo malestar económico (paralelamente surge el Rococó. sobre todo. creó el oratorio inglés y dio nuevos significados a otros estilos tradicionales. pareciendo ya anticuada su forma de componer. así como a ajustar el esquema armónico. dio origen a su personal estilo bachiano. revueltas. cuando un nuevo estilo forjado en los teatros de ópera italianos se extendía ya por Europa. de Vivaldi.Francia. aprendió a desarrollar los temas con concisión y en grandes proporciones.154 BARROCO: •Contrarreforma: lucha del catolicismo contra el protestantismo > se enviaron a construir iglesias y se obligó a los artistas a alejarse de los temas paganos predominantes en el Renacimiento. Los elementos que asimiló los desarrolló en toda su potencialidad. •Crisis del siglo XVII. Alemania y Austria.155 Bach compuso sus obras maestras a partir de 1720. Por ello el conocimiento completo de su obra debió esperar al siglo XIX.

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