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Homenaje a Albéniz

Wo r k s b y A l b é n i z , M o r e r a a n d P e d r e l l Concerto Málaga Massimo Paris

Homenaje a Albéniz
Concerto Málaga, Chamber Orchestra Massimo Paris, Musical Director and Principal Conductor

Enric Morera (1862–1942)
01 02 03 04 Andante Religios Melangia Queixa i Dansa (Queixa) Queixa i Dansa (Dansa) [05'23] [07'23] [04'50] [05'13]

Felip Pedrell (1841–1922)
05 06 Courante Gallarda [04'55] [06'47]

Isaac Albéniz (1860–1909)
07 08 09 10 Rumores de la caleta Asturias Córdoba Sevilla [03'48] [07'08] [05'52] [04'44]

Total Time

[56'07]

Isaac Albéniz, Enric Morera, Felip Pedrell
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Felipe Pedrell had no hesitation in choosing the title “Feeling in Spanish” for his inaugural lecture to the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid. February 17, 1895, was the day on which the man recognized as the father of the national movement in Spanish and Catalan music read his paper on Antonio de

composers was at the heart of one of the most sparkling and vivid episodes in Spanish music. Pedrell as initiator and intellectual guide to the nationalist renaissance, Albéniz as all-surpassing universal genius, and Morera with his consuming passion for lyric drama and his modernist streak, represented a model to follow. Pos-

“Feeling in Spanish”

Cabezón. Now, the music of Pedrell takes form on this CD, flanked by that of his two most cherished students: Isaac Albéniz and Enric Morera. Music of the Catalan nation which is Spanish music. Because feeling in Catalan is feeling in Spanish. And vice versa. It was Albéniz, Catalan-born in Camprodon, who enthusiastically recommended Morera to take lessons in harmony with Pedrell. This triad of Catalan
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sibly without successors, paradoxically. And frustrated, of course, by the disruption entailed by the terrible Civil War and its no less terrible outcome. The dream of Catalan music – the dream of Spanish music – had to wait for decades before it recovered its former vigour. E n r ic Mo r e r a was born in Barcelona in 1865, but his parents took him to Argentina when he was two. The sixteen-year-

old returned to Catalonia in 1881, where he soon struck up a friendship with Albéniz and began studying with Pedrell. By his death in 1942 he had composed some 800 works, some of which are among the most representative of the modern twentieth-century approach. Morera was professor to such composers as Jaume Pahissa, Carlos Suriñach and Xavier Montsalvatge. We now recognize his mastery in three original pieces for string ensemble. His Andante Religiós commences with an emotive phrase uttered mezzopiano by the violins over an unchanging crotchet refrain. This tapestry of sound evolves during the opening bars in cellos and double-basses, clearly defining the time-signature of 4/4 and the underlying tonality of D minor. The 71 bars of the manuscript encompass a more animated central section (bars 28 to 47) in D major. The piece concludes with a broad, calm diminuendo with an apparent affinity to some slow concluding passages by Gustav Mahler. Melangia (Melancolía) reveals both the able harmonist within Morera and the creator profoundly and intensely steeped in his culture. The work is pervaded by

that heartfelt nostalgia, nebulous, fervent and always noble, that is so characteristic of Catalan folk music. As almost always in the music of Morera, most of the headings and annotations are given in his native language. Dolç, poc a poc, a temps ... are some of the terms he uses to define the sweet and subtle expressive message of the work’s 116 bars. Queixa i dansa (Lament and dance) is the only “upbeat” work among the three by Morera on this CD. The Queixa represents a kind of prelude or introduction to the dance. A “Molto Andante e quasi Adagio” in 2/4 time, its meticulous writing matches its chromatic richness. The profusion of tempo and mood markings (this time in Italian) are a further sign of the careful composer. The dance breaks in with forthright clarity, extending to 196 lively and rhythmical bars closing fff in a radiant D major. A Tarragon from Tortosa, Fe l ip Pe d r e l l is justly considered the patriarch of modern Spanish music. He was the renewer and driving force of the Catalan and Spanish musical landscape (he taught for some years at the Madrid Conserva5

tory). Teacher, musicologist, composer and theorist, his main influence was disseminated in a wealth of publications and musicological studies and by numerous pupils, among them Isaac Albéniz, Manuel de Falla, Robert Gerhard, Enrique Granados, Lluís Millet and Amadeo Vives. Shaped in Barcelona, Rome and Paris, his career owed most to the Catalan city. He composed in all musical genres. Alongside his regional zarzuelas and his operas (including Els Pirineus, given at the Liceu in Barcelona in 1902, and La Celestina), he wrote much symphonic music, songs, piano pieces, sacred music and chamber music. The manuscripts of the two works by Pedrell presented on this compilation are held in the exemplary Catalonian National Library. There is a curious link between them: the Courante was hand-catalogued by Pedrell as “Opus 99”. However, this catalogue number was crossed out and replaced by a later entry in another hand, “Opus 107”, which is the very number assigned by Pedrell to the Gallarda, composed in 1879. The courante and the galliard are antique popular dances, which Pedrell recre6

ates with characteristic skill. His Courante begins with an expressive tune in piano shared between the violins and the violas. The key of E minor brightens in the central section to E major. Finally, the return of the opening bars closes this evocative work. Pedrell himself explains in his Diccionario Técnico de la Música that the galliard is an “ancient dance of French origin in simple triple meter and of lively movement, which is usually written for instruments without song”. His own Gallarda enhances this dance form with writing in which the violins are frequently doubled in octaves, evidently in order to project a more robust sound than the original. In 1909, on the death of I s a a c  A lb é n i z , Felipe Pedrell published a long article about him, applying great affection, understanding and care to one of the most faithful portraits that exist of the creator of Iberia. “It fell to me,” writes Pedrell, “to be his teacher at various times, but I never made the error of calling him my pupil, because temperaments like his are not teachable, they contain all that they need, they can only be steered, and

then to a certain degree, so as never to stop up or cloud the stream of limpid water springing from native intuition”. “That meant,” continued Pedrell, “that our speculations upon points of art were not lessons so much as conversations, or rather, simple chats between friends and comrades, richer in humour than in advice [...] Having observed that the dry cold rule would not penetrate his intelligence, I determined never to speak to him of rules, nor of chords, nor of resolutions and such technical jargon, but of taste, of fine and illuminated taste, aimed at good, true and ideal guidance of so exceptional a musical intuition as he possessed”. The unrepentant traveller that Albéniz always was recaptures in Rumores de la caleta the Mediterranean city of Málaga. He does so with this malagueña that is fresh, salty and inviting, assured of its status as one of the best loved and most often played in the composer’s oeuvre, whether in its original version for piano or in the many transcriptions that exist, including that for string orchestra featured on this CD. It is a tripartite configuration whose 165 bars embrace a slow central section— with its stylized and deep-set popular

song—framed by two identical sections of rhythmic character and melancholy artlessness. From the first moment of Asturias, with its fleeting refrain that defines the climate of the whole piece and admirably simulates the guitar, we hear rhythm, vigour and strong accents enfold a melodic line whose course is regularly cut short by dry daring chords sforzandi. A reposeful and enigmatic central section comes across as a slow sad lament with clear Moorish echoes. Asturias dies away discreetly and almost imperceptibly in a reflective coda. Dedicated to his close friend Enric Morera, Córdoba is one of Albéniz’s most inspired pieces. The long and withdrawn— as it were liturgical—introduction is a model of sobriety and expressiveness. It might be said that the composer has emulated Luis de Gongora, grown feudal. The evocative and descriptive character is underlined by the poetic legend that Albéniz gives in the score above the calm opening bars of this miniature nocturnal symphonic poem composed for piano. Luminous, resplendent and enormously popular, Sevilla represents one of the
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first great moments of the Albenizian oeuvre. Below the jubilant rhythm of the sevillanas, Albéniz builds up a portrait, picturesque and gay, festive and full of fascination, of the radiant and colourful Andalucía that so attracted him. Transparent and direct, it suggests that Andalucian folk tradition which, in one form or another, was almost always present in his work. The rhythm of the sevillanas is robustly implanted and is varied only for the elegiac central section, which gives free rein to a stirring and vibrant popular Andalucian song decidedly jondo in character. © Justo Romero

The musicians
Biographical notes

The Spanish string orchestra C o nc e r to M á l a g a founded in 1996 and dedicated to the study and interpretation of the string repertoire from the Baroque era to the present day, with particular emphasis on Spanish music. Its concert season is centred on the Ciclo Las Cuatro Estaciones (CIVE - cycle of 4 seasons) and it is the resident orchestra of the International Forum of High Musical Achievement of Southern Europe (FIAPMSE) and of the County of Donegal in Ireland. It has toured the Adriatic seaboard, the Benelux countries, Ireland, the United Kingdom and Germany. Concerto Málaga works with such wellknown soloists as the pianist María Luisa Cantos, the cellist Mihai Dancila, the flamenco guitarist Juan Martín, the violinist Mariana Sirbu and the celebrated guitarist Pepe Romero. Since 2003, its Principal and Artistic Director has been Massimo Paris, conductor, composer, renowned soloist and chamber musician of international repute.

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M e m b e r s of t he or c he s t r a José Manuel Gil (leader), Elisa Prieto, Javier Navascués, Marina Picazo, Alejandro Manzano, Orsolya Szabó-Yélamo, violins; Hiromi Udo, Carlos Picazo, Sergio Fernández, violas; Víctor Yélamo, Peter Sebestyén, cellos; Sophia Scheifler, double-bass and Juan Pablo Gamarro, keyboard. M a s s i mo P a r i s , born in Rome, is an artist of many talents: soloist on the viola and viola d’amore, composer, orchestral conductor and educator. His concert activities have taken him to the world’s principal centres of music: Carnegie Hall and Lincoln Center in New York, Teatro alla Scala in Milan, the Berlin Philharmonie, the Paris Opera, the Amsterdam Concertgebouw, the Vienna Musikverein, the Sydney Opera House, Suntory Hall in Tokyo, etc. He has been part of the Virtuosi di Roma with Renato Fasano and since 1978, the solo viola of I Musici. He founded the Stradivari Quartet in1994. He has worked with such artists as Carmirelli, Campanella, Canino, Carmignola, Gazzelloni, Giuranna, Graf, Holliger, Isserlis, Nicolet, Orozco, Pergamenschikow, Pressler, Petracchi, Romero,

Zacharias, Trio di Milano and members of the Beaux Arts Trio and with the Academica, Artis, Guarnieri, Emerson, Orlando and Orpheus string quartets. He appears at the festivals in Marlboro, Montreux, Edinburgh, Schleswig-Holstein, Santa FeNew Mexico, Mostly Mozart in New York, Orlando and Spoleto. A composer of symphonic and chamber music, he wrote the cadenzas for the CD of viola concertos by Rolla and 18 cadenzas to Locatelli’s L’Arte del violino CD for Philips. He holds a chair in viola and chamber music at the Musikhochschule of Cologne in Aachen, and since 2008 has been Professor for advanced studies of viola (postgraduate), in the prestigious Accademia di S. Cecilia in Rome. He has been Principal and Artistic Director since 2003 of Concerto Málaga and of FIAPMSE (Nigüelas, Sierra Nevada), and has recorded for leading broadcasting stations and for Columbia, Denon, Decca, Philips, Sony, Arcadia, Claves, Genuin and 3 charity CDs for UNICEF.

Translation: Janet and Michael Berridge
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„Sentir en español“ – „Spanisch empfinden“ – ohne zu zögern betitelte Felip Pedrell so seine Antrittsrede an der Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Königliche Akademie der Schönen Künste von San Fernando). Man schrieb den 17. Februar 1895, als der auch als Vater des musikalischen Nationalismus spanischer

gen. Diese Trias katalanischer Komponisten steht zusammen mit einigen weiteren Vertretern für eine der bewegtesten und lebhaftesten Epochen der spanischen Musikgeschichte. Pedrell tritt hier als Impulsgeber und geistiger Mentor der aufkeimenden nationalistischen Bewegung in Erscheinung; Albéniz verkörpert das

„Spanisch empfinden“

und katalanischer Prägung bekannte Pedrell eben jene Rede über den Komponisten Antonio de Cabezón hielt. Heute wird nun seine eigene Musik zusammen mit zwei seiner talentiertesten Schüler, Isaac Albéniz und Enric Morera, auf dieser CD verewigt. Es ist katalanische und zugleich spanische Musik, denn katalanisch empfinden heißt spanisch empfinden – und umgekehrt. Albéniz selbst, gebürtiger Katalane aus Campodron, legte Morera seinerzeit ans Herz, bei Pedrell Harmonielehre zu bele10

jegliche Grenzen überschreitende Universalgenie, und Morera, ein begeisterter Anhänger des lyrischen Theaters, setzt modernistische Akzente. Sie zusammen schufen ein Modell, dem man folgen konnte und das paradoxerweise doch keine Nachfolger fand, denn im furchtbaren Spanischen Bürgerkrieg mit seinem nicht weniger schrecklichen Ausgang trennten sich ihre Wege. So musste der Traum einer katalanischen – einer spanischen Musik noch Jahrzehnte warten, bis er etwas von der Lebhaftigkeit von einst zurückerlangte.

E n r ic Mo r e r a wurde 1865 in Barcelona geboren und zog im Alter von zwei Jahren mit seiner Familie nach Argentinien. 1881, mit sechzehn Jahren, kehrte er nach Katalonien zurück, wo er rasch Freundschaft mit Albéniz schloss und das Studium bei Pedrell aufnahm. Bis zu seinem Tod im Jahr 1942 schuf er ein weitläufiges Oeuvre, das rund achthundert Werke umfasst. Einige seiner Stücke gehören zu den repräsentativsten Kompositionen modernistischer Ästhetik des zwanzigsten Jahrhunderts. Schüler Moreras sind unter anderem die Komponisten Jaume Pahissa, Carlos Suriñach und Xavier Montsalvatge. Aus dieser Lehrzeit ist den heutigen Hörern ein dreiseitiger Originalsatz für Streichensemble überliefert. Das Andante Religiós beginnt mit einer gefühlvollen Phrase der Violinen im mezzopiano, die sich über einem Grund aus gleichmäßigen Viertelnoten entfaltet. Dieses klangliche Material wird in den ersten Takten der Violoncelli und Kontrabässe weiterentwickelt und setzt nun klar und deutlich den Viervierteltakt und die Grundtonart d-Moll fest. Im Mittelteil des einundsiebzig Takte umfassenden Manuskriptes folgt ein be-

wegterer Abschnitt (Takt 28–47) in der Varianttonart D-Dur. Das Stück schließt mit einem langen, ruhigen diminuendo, das an manch eine langsame Schlusspassage Gustav Mahlers erinnert. In Melangia („Melancholie“) offenbaren sich zugleich die harmonische Begabung Moreras sowie seine tiefgehende und engagierte Beschäftigung mit der eigenen Kultur. Das Werk ist voll inniger Wehmut, geprägt von jener undurchdringlichen, warmherzigen und stets erhabenen Sehnsucht, die so bezeichnend ist für die katalanische Folklore. Auch hier sind die Spielanweisungen und Anmerkungen, wie in fast allen Werken Moreras, in der eigenen Regionalsprache verfasst. Dolç, poc a poc, a temps … so lauten nur einige der Worte, die in den hundertsechzehn Takten die lieblich zarte Botschaft des ausdrucksstarken Stückes unterstreichen. Queixa i dansa (Klage und Tanz) ist unter den drei Werken Moreras auf dieser CD das einzige „lebhafte“ Stück. Die Queixa bildet hier gewissermaßen den Auftakt bzw. das Vorspiel zum Tanz. Das Stück ist „Molto Andante e quasi Adagio“ und steht im Zweivierteltakt, wobei die akribische Notation ihr Pendant in der vielfältigen
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rengegangenen Zarzuelas (operettenhafte Chromatik findet. Auch die Fülle der AnStücke) und Opern (unter denen besonweisungen zu Spiel und Ausdruck (in dieders Els Pirineus, uraufgeführt 1902 im sem Fall auf Italienisch) verweist auf die Liceu de Barcelona und La Celestina erwähgroße Sorgfalt des Komponisten. Der Tanz nenswert sind), schuf er viele sinfonische beginnt entschieden und klar und steuert Werke, Klavierstücke, im Verlauf der hundertsechsundneunzig Rube n s Q uLieder, ar tet— D e b u t C D geistliche Kompositionen und Kammermusik. lebendigen, rhythmischen Takte auf ein Die Manuskripte der beiden Stücke strahlendes Fortissimo (fff ) in D-Dur zu. Joseph Haydn: String Quartet in G Minor Pedrells auf diesem werden in Der aus Tortosa in der Provinz TarraDmitri Shostakovitch: String Tonträger Quartet No. 3 der Biblioteca de Catalunya aufbewahrt. gona stammende Fe l ip  Pe d r e l l wird Auf merkwürdige Art und Weise sind heute zu Recht als Patriarch der modernen spanischen Musik bezeichnet. Er sie miteinander verbunden: Die Courante wird von Pedrell eigenhändig mit erneuerte die katalanische und spani„Opus  99“ überschrieben, doch die Versche Musik und gab ihr wichtige Impulwurde durchgestrichen se. (Zudem unterrichtete er einige Jahre G E Nzeichnisnummer 8 5 519 und nachträglich von jemand anderem am Konservatorium in Madrid.) Seinen entscheidenden Einfluss als Lehrmeister, durch „Opus 107“ ersetzt. Dies ist die Nummer, die Pedrell selbst seiner GallarMusikwissenschaftler, Komponist und Theoretiker belegen sowohl eine Vielzahl da aus dem Jahr 1879 gab. Gallarda musikalischer Publikationen und musikD e u t s Sowohl c h e S t Courante r e i c h e rals p hauch ilhar m o n i egreifen alte Volkstänze auf, die von Pedrell wissenschaftlicher Studien, als auch seine in Dvor seiner Art bearbeizahlreichen Schüler – unter ihnen Isaac Antonín ˇák:charakteristischen String Serenade in E Major tet wurden. Symphony Das erste in Stück beginnt mit Albéniz, Manuel de Falla, Robert GerFelix Mendelssohn: F Major einer ausdrucksstarken Klavierlinie, einhard, Enrique Granados, Lluís Millet und gerahmt von Geigen und Bratschen. Im Amadeo Vives. Nach der Ausbildung in Mittelteil wird die Tonart e-Moll zu E-Dur Barcelona, Rom und Paris nahm die KarMichael Sanderling, Conductor moduliert. Schließlich endet dieses Stück riere Pedrells in Barcelona ihren Lauf. Als voller Assoziationen mit der WiederhoKomponist widmete er sich sämtlichen der ersten Takte. musikalischen Stilen. Neben den verloG E Nlung 8 5 513
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In seinem Diccionario Técnico de la Música („Technisches Wörterbuch der Musik“) erklärt Pedrell die Gallarda als einen „althergebrachten Tanz französischen Ursprungs im einfachen Dreivierteltakt, lebhaft und häufig rein instrumental, ohne Gesang besetzt.“ Auch Pedrells eigene Gallarda weist diese Charakteristika auf. Oft sind im Satz die Violinen in der Oktave verdoppelt, in der klaren Absicht, über den altertümlichen Klang der Vorlage hinauszugelangen. Im Jahr 1909 veröffentlicht Felipe Pedrell nach dem Tod I s a a c  A lb é n i z ’ ei­ nen langen Artikel zu dessen Person. Darin zeichnet er mit Zuneigung, Kenntnis und Genauigkeit eines der wohl gelungensten literarischen Porträts des Schöpfers des Iberia-Klavierzyklus’. „Ich habe ihn einige Jahre lang unterrichtet“, erzählt Pedrell „aber als Schüler habe ich ihn trotzdem nie bezeichnet. Temperamente wie das seine sind nicht belehrbar, nicht zu bändigen. Man kann sie bloß lenken – und das auch nur bedingt, wenn man die angeborene Intuition, die wie kristallklares Wasser fließt, weder aufhalten, noch stören will.“ „Mit ihm“, fährt Pedrell fort, „waren die Diskussionen verschiedener

künstlerischer Standpunkte mehr Gespräche als bloße Unterrichtseinheiten, und vielleicht nicht einmal dies, sondern ganz einfach ein Plausch unter Freunden, eher von Witzen denn von Ratschlägen bestimmt. […] Als ich erkannte, dass sein kluger Geist keine trockenen, starren Regeln zuließ, beschloss ich, ihm nie wieder mit Vorschriften, Akkorden, Auflösungen und derlei dummem Geschwätz über Technik anzukommen, sondern nur noch vom Geschmack, vom feinen, erlesenen Geschmack zu reden, denn ich war entschlossen, auf diese Art sein außergewöhnliches musikalisches Gespür auf die rechte Bahn zu lenken.“ Albéniz war zeitlebens ein rastloser Reisender und erinnert sich in den Rumores de la caleta an das mediterrane Málaga. Mit seiner frischen, verlockenden, nach Salz schmeckenden Malagueña schafft Albéniz eines seiner beliebtesten und meistgespielten Werke mit Symbolcharakter. Das gilt sowohl für die Originalversion für Klavier, als auch für die diversen Bearbeitungen, einschließlich derjenigen für Streichorchester, die auf dieser CD zu hören ist. Die hundertfünfundsechzig Takte sind in drei Teile gegliedert. Im
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langsamen Mittelteil ist ein schwermütiges Volkslied angedeutet, umfasst von zwei identischen, rhythmisch-melancholischen Passagen. Asturias beginnt mit jener ständig wiederholten, flüchtigen Note, die zugleich die Atmosphäre des Stückes vorgibt und ein eindrucksvolles Beispiel der typischen Gitarrenzupftechnik darstellt. Von Anfang an wird die Melodielinie von kraftvollen Rhythmen und starken Akzenten umspielt und ihr Verlauf wird regelmäßig von kurzen, gewagten sforzandi-Akkorden unterbrochen. Der ruhigere und geheimnisvolle Mittelteil stellt sich als lange, wehmütige Klage mit klaren, maurisch anmutenden Klängen dar. Leise, fast unmerklich klingt Asturias in einer mit Reminiszenzen versehenen Coda aus. Córdoba gehört zu den wohl inspiriertesten Kompositionen Albéniz‘ und ist seinem engen Freund Enric Morera gewidmet. Die weitschweifige, zurückhaltende, fast schon liturgische Einleitung ist ein Musterbeispiel nüchterner, ausdrucksstarker Kompositionsweise. Man kann fast sagen, hier hat sich der Komponist dem Gongorismus zugewandt, ist
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geradezu hochherrschaftlich geworden. Der beschwörende, beschreibende Charakter des Stückes wird noch unterstrichen durch die poetische Legende, die Albéniz den ersten ruhigen Takten dieses düsteren, kurzen sinfonischen Gedichtes voranstellt, das ursprünglich für Klavier komponiert worden war. Das hell funkelnde, äußerst beliebte Werk Sevilla stellt einen der ersten Höhepunkte in Albeniz‘ Schaffen dar. Die mitreißenden Rhythmen der Sevillanas inspirieren Albéniz zu einem pittoresken, fröhlichen und zugleich festlichen und faszinierenden Bild des bunten und strahlenden Andalusien, zu dem er sich so sehr hingezogen fühlte. Die Komposition steht Pate für die offene, direkte, folkloristische Tendenz, die das Werk Albéniz‘ stets auf die ein oder andere Weise bestimmt. Der Rhythmus der Sevillanas durchzieht energisch das Stück und wird lediglich im elegischen Mittelteil durchbrochen, in dem ein temperamentvoller, wehmütiger Tanz aus Andalusien entfesselt wird, der sich voll und ganz der Schwermut hingibt. © Justo Romero

Die Künstler
Biografische Anmerkungen

Seit seiner Gründung im Jahr 1996 widmet sich das spanische Streichensemble C o n c e r to M á l a g a dem Studium und der Interpretation von Musik für Saiteninstrumente vom Barock bis heute, wobei ein besonderer Schwerpunkt auf spanischen Kompositionen liegt. Während der Konzertsaison spielt das Ensemble regelmäßig Konzerte im Rahmen des Ciclo Las Cuatro Estaciones (CIVE) („VierjahreszeitenZyklus“) und ist außerdem Hausorchester im Forum Internacional de Alto Perfeccionamiento Musical del Sur de Europa (FIAPMSE) („Internationales südeuropäisches Forum zur musikalischen Vervollkommnung“) sowie residierendes Orchester in der irischen Grafschaft Donegal. Das Ensemble hat bereits Tourneen entlang der Adriaküste, den Niederlanden, Irland, Großbritannien und Deutschland absolviert. Concerto Málaga blickt zurück auf künstlerische Zusammenarbeit mit renommierten Solisten wie der Pianistin María Luisa Cantos, dem Cellisten Mihai

Dancila, dem Flamencogitarristen Juan Martín, der Geigerin Mariana Sirbu oder dem gefeierten Gitarristen Pepe Romero. Die allgemeine und künstlerische Leitung liegt seit 2003 bei dem international bekannten Dirigenten, Komponisten, Solisten und Kammermusiker Massimo Paris. M it g l ie d e r Violine: José Manuel Gil (Leitung), Elisa Prieto, Javier Navascués, Marina Picazo, Alejandro Manzano, Orsolya SzabóYélamo; Viola: Hiromi Udo, Carlos Picazo, Sergio Fernández; Violoncello: Víctor Yélamo, Peter Sebestyén; Kontrabass: Sophia Scheifler; Cembalo: Juan Pablo Gamarro. M a s s i mo P a r i s , geboren in Rom, ist ein äußerst vielseitiger Künstler: Er ist Solist an der Viola und der Viola d’amore, Komponist, Dirigent und Pädagoge. Seine Konzerte führten ihn bereits an die weltweit renommiertesten musikalischen Einrichtungen, darunter die Carnegie Hall, das Lincoln Center New York, das Teatro della Scala in Mailand, die Berliner Philharmonie, die Pariser Oper, das Concertgebouw in Amsterdam, der Wiener Musikverein, das Sidney Opera House und die Suntory
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Hall in Tokio. Er war außerdem gemeinsam mit R. Fasano Mitglied der Virtuosi di Roma und ist seit 1978 Solobratschist der I Musici. Weiterhin gründete er 1994 das Stradivari Quartett. Paris arbeitete bereits mit Künstlern wie Carmirelli, Campanella, Canino, Carmignola, Gazzelloni, Giuranna, Graf, Holliger, Isserlis, Nicolet, Orozco, Pergamenschikow, Pressler, Petracchi, Romero, Zacharias, dem Trio di Milano und den Mitgliedern des Trio Beaux Arts sowie mit den Quartetten Academica, Artis, Guarnieri, Emerson, Orlando und Orpheus. Paris nimmt außerdem an den Festivals von Malboro, Montreux, Edinburgh, Schleswig-Holstein, Santa Fe-Nuevo in Mexico, Mostly Mozart in New York, Orlando und Spoleto teil. Er hat überdies Musik für Kammerbesetzungen und sinfonische Orchester sowie die Kadenzen für eine CD mit Konzerten von A. Rolla komponiert. Auch die achtzehn Kadenzen für die CD-Box „L’Arte del violino“ von Locatelli (erschienen bei Phillips) stammen von ihm. Er ist Lehrstuhlinhaber für Viola und Kammermusik an der Musikhochschule Köln am Standort Aachen, sowie seit
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2008 Titularprofessor an der angesehenen Accademia di Santa Cecilia, wo er anspruchsvolle Postgraduiertenkurse ­ für Bratschisten gibt. Außerdem ist er seit 2003 leitender und künstlerischer Direktor des Ensembles Concerto Málaga und des FIAMPSE („Internationales südeuropäisches Forum zur musikalischen Vervollkommnung“ in Nigüelas, Sierra Nevada) und hat für bekannte Radio- und Fernsehsender sowie prestigeträchtige Labels wie Columbia, Denon, Decca, Philips, Sony, Arcadia und Claves sowie für drei UNICEF-Benefiz-CDs aufgenommen.

Felip Pedrell no dudó en titular “Sentir en español” su discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Fue el 17 de febrero de 1895 cuando el reconocido como padre del nacionalismo musical español y catalán leyó el discurso, que versó sobre la figura de Antonio de Cabezón. Hoy, la música de Pedrell toma

intelectual del renacer nacionalista, Albéniz como genio universal que trascendió todo, y Morera, con su pasión irrenunciable por el teatro lírico y su impulso modernista, marcaron un modelo a seguir. Quizá sin sucesión, paradójicamente. Y, desde luego, frustrado por la dispersión que supuso la terrible Guerra Civil y su no

Sentir en español

cuerpo en este cedé, rodeada por la de dos de sus más queridos discípulos: Isaac Albéniz y Enric Morera. Música catalana que es música española. Porque sentir en catalán es sentir en español. Y viceversa. Fue precisamente Albéniz, catalán de Camprodon, quien recomendó vivamente a Morera acudir a Pedrell para recibir clases de armonía. Esta tríada de compositores catalanes representa, junto con algunos otros nombres, uno de los momentos más efervescentes y vivos de la música española. Pedrell como impulsor y guía

menos terrible desenlace. El sueño de la música catalana -el sueño de la música española- hubo de esperar decenios para recobrar algo de la vivacidad de entonces. E n r ic  Mo r e r a había nacido en Barcelona, en 1865, pero a los dos años se trasladó junto a sus padres a Argentina. En 1881, con 16 años, regresó a Cataluña, donde entabló pronto amistad con Albéniz y comenzó a estudiar con Pedrell. Hasta su muerte, en 1942, compuso un extenso catálogo, que ronda las 800 obras, algu17

nas de las cuales forman parte de lo más representativo de la estética modernista y novecentista. Morera fue profesor de compositores como Jaume Pahissa, Carlos Suriñach y Xavier Montsalvatge. Ahora su magisterio llega al oyente contemporáneo a través de tres páginas originales para conjunto de cuerda. El Andante Religiós se inicia con una emotiva frase enunciada en mezzopiano por los violines sobre un invariable fondo de negras. Este tejido sonoro evoluciona durante los primeros compases en violonchelos y contrabajos, y define con claridad el tiempo de 4/4 y la tonalidad base de re menor. Los 71 compases del manuscrito albergan en su sección central un episodio más movido (compases 28 a 47) modulado a la tonalidad relativa de Re mayor. La pieza concluye con un largo y calmo diminuendo que parece emparentado con algunos finales lentos de Gustav Mahler. Melangia (Melancolía) delata al hábil armonista que habita en Morera. También al creador profunda e intensamente involucrado en su cultura. La obra transpira esa entrañable nostalgia, nebulosa, cálida y siempre noble, tan propia del folclore catalán. Como casi siempre en la música
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de Morera, la mayoría de las indicaciones y acotaciones figuran en su lengua vernácula. Dolç, poc a poc, a temps … son algunas de las palabras utilizadas para completar el tenue y dulce mensaje expresivo de sus 116 compases. Queixa i dansa (Queja y danza) es la única obra “movida” de las tres que representan a Morera en este disco compacto. La Queixa se presenta como una suerte de preludio o introducción a la danza. Se trata de un “Molto Andante e quasi Adagio” en tiempo de 2/4 cuya meticulosa escritura responde a su riqueza cromática. La profusión de reguladores e indicaciones expresivas (en esta ocasión en italiano) revela también al cuidadoso compositor. La danza irrumpe con rotunda claridad y se expande a lo largo de 196 animados y bien ritmados compases coronados en fortísimo (fff ) y radiante Re mayor. Tarraconense de Tortosa, Fe l ip   P e d r e l l está considerado, con razón, patriarca de la moderna música española. Fue el renovador e impulsor del panorama musical catalán y español (durante algunos años enseñó también en el Conservatorio de Madrid). Maestro, musicólogo, compo-

sitor y teórico, su influencia capital se vertió tanto a través de múltiples publicaciones y estudios musicológicos como de numerosos alumnos, entre los que figuran Isaac Albéniz, Manuel de Falla, Robert Gerhard, Enrique Granados, Lluís Millet o Amadeo Vives. Formado en Barcelona, Roma y París, su carrera se desarrolló fundamentalmente en la Ciudad Condal. Como compositor abordó todos los estilos musicales. Además de sus zarzuelas ilocalizadas y óperas (entre las que destacan Els Pirineus, estrenada en el Liceu de Barcelona en 1902, y La Celestina), compuso abundante música sinfónica, canciones, piezas para piano, música religiosa y de cámara. Los manuscritos de las dos obras de Pedrell presentes en esta grabación se conservan en la ejemplar Biblioteca de Calalunya. Ambos están hermanados por una curiosa relación: el de Courante aparece catalogado de puño y letra de Pedrell con un “Opus 99”. Sin embargo, este numero de catálogo figura tachado y en su lugar, escrito posteriormente por otra persona, se puede leer un “Opus 107”, que es precisamente el número asignado por Pedrell a Gallarda, compuesta en 1879.

Tanto Courante como Gallarda son recreaciones de viejas danzas populares, que Pedrell recrea con su característico oficio. La primera comienza con un expresivo canto en piano armonizado entre los violines y las violas. La tonalidad de mi menor modula en la sección central a Mi mayor. Finalmente, la reaparición de los compases iniciales cierra esta página cargada de evocaciones. Explica Pedrell en su Diccionario Técnico de la Música que la gallarda es una “antigua danza de origen francés en medida triple simple y en movimiento vivaz que solía escribirse con instrumentos sin canto”. En su propia Gallarda recrea estas características, que adoba con una escritura en la que los violines aparecen frecuentemente doblados en octavas, en un intento evidente de ampliar la añeja sonoridad original. En 1909, con motivo de la muerte de I s a a c   A lb é n i z , Felip Pedrell publicó un extenso artículo sobre su figura, en el que traza con afecto, conocimiento y minuciosidad una de las más ajustadas semblanzas que existen del creador de Iberia. “A mí me tocó”, escribe Pedrell, “ser su
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maestro durante varias temporadas, aunque no tuve jamás el mal gusto de llamarle mi discípulo, porque temperamentos como el suyo no son enseñables, se traen ellos todo lo que le toca ser, son solamente dirigibles, y esto con cierta mesura, a fin de no contener ni enturbiar jamás el hilito de agua cristalina de su intuición nativa”. “Ello hacía”, prosigue Pedrell, “que nuestras especulaciones sobre puntos de arte, más que lecciones fuesen conversaciones, menos que esto aún, simples charlas de amigos camaradas, más llenas de humorismos que de consejos [...] Como observase que la regla seca y fría no penetraba en su inteligencia, determiné no hablarle jamás de reglas, ni de acordes, ni de resoluciones y demás monsergas técnicas, sino de gusto y de gusto fino e ilustrado, apuntando a encaminar bien, recta e idealmente, aquella intuición musical tan excepcional que él poseía”. El impenitente viajero que siempre fue Albéniz recuerda en Rumores de la caleta a la mediterránea Málaga. Lo hace a través de esta malagueña fresca, salada y atractiva, asentada como uno de los símbolos más degustados y tocados de la obra albe20

niciana, tanto en su versión original para piano como en las diversas transcripciones que existen, incluida la de orquesta de cuerda que figura en este cedé. 165 compases construidos de acuerdo a una configuración tripartita en cuya lenta sección central irrumpe una estilizada y jonda copla, enmarcada por dos secciones idénticas, de carácter rítmico y melancólica naturaleza. Desde el primer momento de Asturias, con esa repetidísima y fugaz nota que define el ambiente climático de toda la pieza y que simula admirablemente el típico punteado guitarrístico, ritmo, vigor y fuertes acentos envuelven una línea melódica cuyo trazado es regularmente entrecortado por secos y arriesgados acordes sforzandi. Una reposada y enigmática sección central se presenta como un largo y dolido lamento de claras resonancias moriscas. Asturias se extingue discreta y casi imperceptiblemente en una rememorante coda. Dedicada precisamente a su íntimo Enric Morera, Córdoba es una de las páginas más inspiradas de Albéniz. La amplia y recogida -casi litúrgica- introducción es un modelo de sobriedad y expresividad.

Se diría que el compositor se torna aquí gongorino, casi señorial. El carácter evocador y descriptivo es subrayado por la poética leyenda que incluye Albéniz sobre los calmos pentagramas iniciales de este diminuto y nocturnal poema sinfónico original para piano. Luminosa, resplandeciente y popularísima, Sevilla supone uno de los primeros grandes momentos de la creación albeniciana. Bajo el jubiloso ritmo de las sevillanas, Albéniz construye un retrato, pintoresco y alegre, festivo y fascinado, de la Andalucía radiante y coloreada que tanto le atraía. Una sugestión, transparente y directa, de ese folclore andaluz que, de una u otra forma, casi siempre estuvo presente en su obra. El ritmo de sevillanas se implanta de manera rotunda y es sólo alterado por la elegíaca sección central, que da rienda suelta a una sentida y vibrante copla popular andaluza de carácter decididamente jondo. © Justo Romero

Los artistas
Notas biográficas

Orquesta de cuerdas española C o nc e rto M á l a g a fundada en 1996 dedicada al estudio e interpretación del repertorio para cuerdas desde el Barroco hasta nuestros días, otorgándole un lugar preferente a la música española. Centra su temporada de conciertos en el “Ciclo Las Cuatro Estaciones (CIVE)” y es orquesta residente del “Forum Internacional de Alto Perfeccionamiento Musical del Sur de Europa (FIAPMSE)” y del Condado Irlandés de Donegal. Ha realizado giras por la Costa Adriática, Países Bajos, Irlanda, Reino Unido y Alemania. Concerto Málaga colabora artísticamente con renombrados solistas como la pianista María Luisa Cantos, el violonchelista Mihai Dancila, el guitarrista flamenco Juan Martín, la violinista Mariana Sirbu o el célebre guitarrista Pepe Romero. Desde 2003 es su Director Titular y Artístico Massimo Paris, director, compositor, renombrado solista y músico de cámara de carrera internacional.
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F or m a n l a or qu e s t a José Manuel Gil (líder), Elisa Prieto, Javier Navascués, Marina Picazo, Alejandro Manzano, Orsolya SzabóYélamo, violines; Hiromi Udo, Carlos Picazo, Sergio Fernández, violas; Víctor Yélamo, Peter Sebestyén, violonchelos; Sophia Scheifler, contrabajo y Juan Pablo Gamarro, clave. M a s s i mo  P a r i s , nacido en Roma, es un artísta poliédrico: solista de viola y viola d’amore, compositor, director de orquesta y pedagogo. Su actividad concertística lo ha llevado a los principales centros musicales del mundo: Carnegie Hall y Lincoln Center de New York, Teatro alla Scala de Milan, Filarmonica de Berlin, Opera de París, Corcertgebouw de Amsterdam, Musikverein de Viena, Sidney Opera House, Suntory Hall de Tokyo, etc. Ha sido parte de Virtuosi di Roma con R. Fasano y desde 1978 es viola solista de I Musici. En 1994 fundó el Cuarteto Stradivari. Ha colaborado con artistas como Carmirelli, Campanella, Canino, Carmignola, Gazzelloni, Giuranna, Graf, Holliger, Isserlis, Nicolet, Orozco, Pergamenschikow, Pressler, Petracchi, Romero, Zacharias, Trio di Milano y con miembros del Trio Beaux Arts y cuartetos: Academica, Artis,

Guarnieri, Emerson, Orlando y Orpheus. Participa en los festivales de Malboro Montreux, Edimburgo, Schleswig-Holstein, Santa Fe-Nuevo Mexico, Mostly Mozart New York, Orlando, Spoleto. Autor de música de cámara y sinfónica, ha compuesto las cadencias para el CD de conciertos de Rolla y 18 cadencias para “L’Arte del violino” de Locatelli, encargo de Philips. Es catedrático de viola y música de cámara en la Musik Hochschule de ColoniaAachen, y desde 2008 Profesor Titular de la cátedra de alto perfecionamento (postgrado) de viola en la prestigiosa Accademia de S. Cecilia de Roma. Director Títular y Artistico desde 2003 de Concerto Málaga y del FIAMPSE (Nigüelas, Sierra Nevada), ha grabado para eminentes radiotelevisiones y para Columbia, Denon, Decca, Philips, Sony, Arcadia, Claves, y tres CD a benefico de UNICEF.

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Tonmeister / Producer: Alfredo Lasheras Hakobian Editing: Marie Melchor, Alfredo Lasheras Hakobian Recording Location: Manuel de Falla Hall, Málaga, Spain Date: August 17–20, 2009 Photography: Paul McGuckin, Ireland Graphic Design: Thorsten Stapel, Münster English Translation: Matthew Harris, Ibiza

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