UNIVERSIDAD CATÓLICA SANTO TORIBIO DE MOGROVEJO

CICLO 2009 – 0

ESCUELA PROFESIONAL DE DERECHO

LAS ARTES ESCENICAS

CUSTODIA LLONTOP JESSICA CHU SANTUR ENRIQUE ESPINOZA FLORES NATALIIA MARIN MORI JENIFFER CAROLINA MUNDACA FLORES YANINA SANCHEZ ECHEANDIA VANESSA

CASTRO SOTIL GODOFREDO HUMBERTO

CULTURA ARTISTCA

25 – 02 – 2009

CHICLAYO – PERU

INTRODUCCION:

El estudio de las artes escénicas permite una relectura de la historia del arte del siglo XX y sirve de puente para el estudio de la historia del cine y los medios audiovisuales. El interés fundamental de la asignatura es mostrar las posibilidades abiertas a los artistas visuales en los ámbitos del teatro, la danza y el arte de acción, y de qué modo las realizaciones escénicas del XX sirven de referencia a los artistas que actualmente trabajan en soportes digitales: vídeo y red. Será muy recomendable para aquellos estudiantes interesados en desarrollar proyectos artísticos relacionados con la escenografía, el arte corporal o la acción directa, así como para aquellos interesados en la creación audiovisual. El objetivo del trabajo es ofrecer herramientas conceptuales para la comprensión de la historia de la creación escénica contemporánea (desde finales del siglo XIX a la actualidad) así como abundante documentación sobre artistas, grupos y obras concretas.

SUMARIO: I.- Las artes escénicas: 1.1. La crisis del teatro naturalista: 1.2. La definición de arte escénico: 1.3.- Que son las Artes Escénicas: 1.4.- Los artistas y las Artes Escénicas: 1.5.- Surgimiento del teatro y las artes escénicas: 1.6.- El teatro griego en las artes escénicas. II.- El Ballet: 2.1.- El Ballet Clásico: 2.2.- La danza de la punta: 2.3.-El Idioma del Ballet 2.4.-Las cinco operaciones básicas: 2.5.- La barra y el centro. III.- La Ópera: 3.1.-Historia 3.2.-La Ópera Barroca 3.3.- La Ópera Clásica 3.4.- Ópera En El Siglo Xx: 3.5.- ¿Cuales Son Las Voces En La Ópera? 3.6.- ¿En Que Partes Se Divide La Ópera? 3.7.- Géneros De Ópera: 3.8.-La Ópera De Números Musicales: 3.9.-La Ópera De Flujo Musical Contínuo: IV. Danza: 4.1.- Definición 4.2.-Historia de la Danza: 4.2.1.- La Danza en la Antigüedad: 4.2.2.- La danza en la Edad Media: 4.2.3.-El Renacimiento y el nacimiento del Ballet: 4.2.4.-La Danza en el siglo XX: 4.3.-Tipos de Danza: 4.3.1.- Danza interprete 4.3.2.- Danza davidica o judio/mesianica: 4.3.3.- Coreográfica: 4.3.4.- Danza espontánea: 4.3.5.-Danza congregacional: 4.4.-Elementos Fundamentales de la Danza: 4.5.- Danzas del Perú: 4.5.1.-La Marinera: 4.5.2.-La Zamacueca: 4.2.3.-El Festejo: 4.2.4.-El Yaraví o Harawi: 4.2.5.-El Huayco: 4.2.6.-La Diablada: 4.2.7.-El Kcajelo o Ckara Botas: 4.2.8.-La Danza de las Tijeras:

4.2.9.- Carnaval: 4.3.0.- Huaylarsh: 4.3.1.-El Vals: V.- El cine: 5.1.-El Precine: 5.2.-El nacimiento del cine. La época muda:

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danza. la luz. ya sea teatro (drama). Los personajes se mueven como si no hubiera espectadores en la platea. delimitado. etc. aparte de notables diferencias producidas por los distintos conceptos que del espectáculo se han tenido a lo largo de la historia. . 1. necesita de su propio espacio. El director de teatro se convierte en el intérprete principal del texto. de representar una imitación lo más cercana posible a la realidad. música. intranformable y hostil al hombre. Este espacio. Nos referimos a aquellas zonas que van a albergar los dos elementos esenciales para que el espectáculo se produzca: los actores y el público. Las lenguas empleadas reproducen el habla cotidiana de los personajes. como si entre la platea y el escenario hubiera una cuarta pared. Cada uno de dichos elementos. para desarrollar con la mayor comodidad posible la actividad para la que está destinado. Llamamos sala de espectáculos a cualquier espacio arquitectónico construido especialmente para realizar en él cualquier tipo de espectáculo en vivo. y trabaja sobre éste. casi como si fuera una fotografía. mantiene inalterable una cierta disposición de ámbitos dependiendo de la utilización que de ellos se haga. y en el mundo del espectáculo en general.Las artes escénicas: Son el estudio y la práctica de toda forma de expresión capaz de inscribirse en el universo del Teatro. de acuerdo al idioma que se usa en ese estamento social. el sonido. La crisis del teatro naturalista: Realismo Occidental: Realismo se llama a la corriente estética que apareció entre 1830 y 1880. El naturalismo apareció después de 1880 y tiene la misma función que el realismo en el teatro. pero muestra una realidad que acepta lo determinista. donde la realidad es puramente observable. El realismo en el teatro tiene la voluntad de duplicar la realidad a través de la escena.. la dirección de actores. Los decorados copian a la naturaleza. etc. la escenografía.I.1. la Danza y la Música. La actuación apunta a la ilusión de realidad.

Este espacio. debía ser el de mejorar nuestras vidas. Sostenía que la voz de los personajes del drama nuevo poseen la misma voz que nosotros. rápida. Prohibió a sus actores que se dirigieran al público y elaboró él mismo el sistema que se volvió célebre. Llamamos edificio teatral o sala de espectáculos a aquel espacio arquitectónico construido especialmente para realizar en él cualquier tipo de espectáculo en vivo. las motivaciones psicológicas de los personajes. tanto en gestos como en actitudes y palabras. Naturalismo Y Crítica Social: A mediados del siglo XIX el interés por el detalle realista. aparte de notables diferencias producidas por los distintos conceptos que del teatro se han tenido a lo largo de la historia. con naturalidad y en un marco expresivo. mantiene inalterable una cierta disposición de ámbitos dependiendo de la utilización que de ellos se haga. Nos referimos a aquellas zonas que van a albergar los dos elementos esenciales para que el hecho teatral se produzca: los actores y el público. con sus giros y deformaciones habituales. reposar en la observación y en el estudio directo de la naturaleza. así como el espectáculo y la Organización Espacial.El Teatro Libre De Andrè Antoine (1858-1943). Los naturalistas sintieron que el objetivo del arte. concisa y visual. condujo al naturalismo en el teatro. música o similar. como los científicos. 1. Cada uno de dichos elementos. En 1887 creó el teatro libre. necesita de su propio . ya sea teatro (drama). como el de la ciencia. autodidacta francés.2. la preocupación por los problemas sociales. la Danza y la Música. danza. Este consistía en la acción simple. Los dramaturgos y actores. sus lenguajes es el nuestro de todos los días. El arte del actor en el nuevo teatro había de vivir con la verdad. director de escena. se pusieron a observar y a retratar el mundo real. La definición de arte escénico: Las artes escénicas son el estudio y la práctica de toda forma de expresión capaz de inscribirse en el universo del Teatro. buscando sus motivaciones en los caracteres y no en los enredos de la situación. de “trabajar de espaldas” (al público).

el circo. implícita o explícitamente. constituyen manifestaciones socioculturales y artísticas que se caracterizan tanto por los procesos comunicativos singulares que le son propios. destreza. timbres de voz. la obra necesita de la presencia del artista para llegar a ser percibida por los demás. La expresión teatral tiene su génesis y fundamento en la expresión dramática. cantos. admire o no. habilidades. característica singular y diferencial de las artes escénicas. la danza. su expresión artística. su gracia. quien expresará el sentimiento. desde las literarias hasta las plásticas. vibre.espacio. En algunas manifestaciones artísticas como en las artes escénicas. se entiende como una manifestación humana de carácter cultural y artístico.Qué son las Artes Escénicas: Las artes escénicas como el teatro. miradas. La expresión teatral. silencios. el valor de la obra desde el punto de vista estético. considerando que términos como actor y espectador se pueden aplicar a una gama variada de sujetos. diálogos. expresión corporal.. para que el público reciba. aquel tipo de conducta en la que los seres humanos. y así.3. de recursos e instrumentos expresivos típicos del drama. pausas. 1. gestos. hacen uso del juego de roles en sus procesos de expresión y comunicación. agilidad. como elemento diferencial del hecho escénico. presenta múltiples formas. se manifiesta en una danza popular. . Es él mismo con sus movimientos. sin circunscribirlos necesariamente al espacio de una sala de teatro. por ejemplo. se emocione. como la performance. como por el hecho de que se materializan en la escena a través de la síntesis e integración de otras expresiones artísticas. La teatralidad. para desarrollar con la mayor comodidad posible la actividad para la que está destinado. sin olvidar otras manifestaciones de carácter tradicional que todavía hoy se celebran en multitud de comunidades como. delimitado y privado. donde se hace uso. en una comedia de capa y espada o en las propuestas más novedosas de presentación escénica. monólogos. en la que se produce un acto comunicativo entre un actor y un espectador. en su comportamiento cotidiano. las fiestas populares. técnica. la ópera y otras de creación más reciente.

y guardarán en sus mejores memorias el haber estado presenciando tal o cual obra que alguna vez estuvo en escena. pero a la vez. una gran responsabilidad. mientras haya luces función. mientras haya mientras alguien asista a la aliento. superación diaria en relación a sí mismo. Es entrega por parte de los artistas y regocijo del público por lo que han recibido de ellos. no abandonará las ha convertido en su propia artes escénicas. comunicación original. conocimiento técnico. y que por eso. y por supuesto una empresa productora que publicite las artes escénicas. y una coordinación de los diversos aspectos para disponer y preparar la representación de la misma.Recae sobre el artista un gran compromiso.Los artistas y las Artes Escénicas: Cuando todo se conjuga y el éxito acompaña a las artes escénicas. esfuerzo. en ese espacio tan singular. sonido. encendidas. maquilladores. en ese instante mágico todos se conmueven y se unen a través del arte escénico. vida. técnicos de vestuario. además de los artistas. estará pronto para otro desafío. sacrificios. ensayos de las artes escénicas. porque se . exhiba y distribuya la obra. Y el artista seguirá. 1. auténtica con el público y en fidelidad con la obra. concentración. asistentes. directores. técnicos en iluminación. por lo que han sentido en su interior.. argumentistas. El reconocimiento del público les llega a través de expresiones de asombro. decoradores.4. es imprescindible una gran vocación de comunicación. y allí. y el aplauso que invade como un torrente el escenario. músicos. en su más íntima fibra. El éxito luego de arduas jornadas de trabajo personal y en equipo. admiración. técnicos. seguramente ya no serán los mismos. Se hace necesario un importante número de personas que trabajen en equipo y ciertas condiciones para alcanzar el mismo objetivo: poner la obra en escena. los artistas y el equipo de trabajo que los ha respaldado durante todo el proceso sienten tocar el cielo con las manos. directores artísticos. y el dinero necesario para financiar el proyecto. productores.

entre los siglos VI y V aC. a los que se incorporó la música y la danza. donde se celebraban los ritos en honor a Dionisos.6. para dialogar con el coro (chorentae). música. mesa o carro colocado en el centro de la orchestra. 1.El teatro griego en las artes escénicas: En los comienzos de las artes escénicas. constituyendo el origen de las artes escénicas en las que se rendía culto a los dioses y se demostraban los principios espirituales de la comunidad. escenografía.. que es la representación de historias frente a un auditorio.1. discurso. son manifestaciones dramáticas que los magos de las tribus representaban en la prehistoria. Una de las principales ramas de las artes escénicas es el teatro. También se considera al género literario que contempla la representación escrita de las obras teatrales.5.. empleando una combinación de técnicas. y se construyen gradas de madera para el público.Surgimiento del teatro y las artes escénicas: Las más remotas formas de las artes escénicas son la música y la danza. etc. Cada ciudad griega tenía su teatro. El teatro occidental surge en Atenas. . Con el tiempo aumenta el número de actores. los cuales evolucionaron en el teatro. El teatro nace como evolución de rituales mágicos relacionados con la caza. el teatro tenía un único actor. en un foso de forma cóncava (que protegía del viento frío y del calor del sol). con el fin de ahuyentar a los espíritus malignos. gestualidad. que se instalaba con una mesa junto al altar de Dionisos.

El decorado en escena. estatuas y columnas. Al final de las gradas había una columnata. es introducido por Agatardo. y tenía tres puertas. estaba el altar de Dionisos. que era una plataforma con ruedas. sátira). En el centro de la orchestra. Se empleaba además maquinaria escénica. y la sátira en ocurría en espacios exteriores agrestes. en forma de semicírculo. la central destinada a los dioses y héroes. orchestra y scena (barraca). calles. La escena estaba rodeada por tres muros. Había una cuerdo en representar la tragedia en templos y palacios. plazas y mesones. constituyéndose el modelo de teatro griego. en torno al cual danzaba el coro. comedia. que tenían pintados motivos relativos a los géneros teatrales en cada cara (tragedia. uno de frente y los otros a los lados. que se hacía avanzar desde la . El muro del centro estaba adornado con frisos. con: auditorio. y por detrás de ella más asientos. la enkyklema. con planos de Anaxágoras y Demócratas. Tipos de teatro en pendiente rocosa El auditorio estaba distribuido en localidades apoyadas en la pendiente rocosa de la Acrópolis.Debido a un accidente ocurrido en las gradas. y las otras para los personajes secundarios. la comedia se desarrollaba en interiores. se construye el teatro de Dionisos con gradería de piedra. con prismas giratorios (periaktes) colocados tras las puertas del fondo.

. de función desconocida. para evocar la noche y desaparecía al terminar la escena.puerta del fondo. estaban los exostras. Con el enkyklema. una especie de tribuna donde aparecían las divinidades. Y también el teologeión.

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Neoclásico. . Luis XIV fundo la Academia Real de la Danza. para exhibir sus pasos y saltos. Pero el más destacado por el respeto a las 5 posiciones básicas es el Clásico.ballet. zapatos. los bailarines no duraban mucho tiempo en puntillas.. donde se unen las danzas y el canto en un tema común. Se trata de una tradición europea que ha partir de la segunda guerra mundial logro renacer en todo el mundo. para maestros. En 1661. EL BALLET DE LA REINA. Fue Marie Anne Camargo quien acortó las faldas y empezó a usar zapatillas sin tacón. solían danzarse en salas amplias. 2. producto de los números de danzas que se realizaban en las fiestas de la corte. acompañados por música y que desarrollan una historia o algún tipo de concepto abstracto. En Viena se dio a conocer la pantomima.El Ballet Clásico: Se origino a finales del siglo XV. pero como aun no existían las zapatillas en punta.1. Alcanzo su máximo esplendor en 1643-1715. que consiste en la ejecución de movimientos planeados. María Sallé desechó el corsé y se colocó túnicas griegas para bailar Pigmalión. Moderno y Español. la opera. Los bailarines del siglo XVIII se veían entorpecidos por los trajes. El ballet cortesano italiano se desarrollo en Francia. Su rival. pelucas y miriñaques para ellas.El Ballet: El ballet es un tipo de arte escénica. Se tienen diversos tipos de ballet. En los inicios del ballet solo los hombres podían participar y en ocasiones representaban disfrazados los papeles femeninos. Clásico. fue el que determino el carácter de los futuros ballets cortesanos. Fue John Weaver quien eliminó las palabras e intentó transmitir sentido dramático por medio de la danza y el gesto. Las bailarinas aparecen en el año 1681 con el ballet: El triunfo del amor..II. Aparece una nueva forma teatral. La danza se convirtió pronto en una disciplina profesional. En 1679 empezó a desarrollarse la danza en puntas.

2. Francés.los ballets rusos anticiparon el inicio del ballet moderno. pero no llegó a ser ampliamente utilizada por los bailarines hasta 1830. • • • Y como métodos derivados: • Inglés: Royal (Royal Academy of dance). El lago de los cisnes y Cascanueces. • La técnica de esta danza tiene una dificultad importante. Lo habitual. añadiendo además un entrenamiento en flexibilidad. cuando la bailarina . a mediados del siglo XX maestros rusos de la escuela Vaganova). ya que requiere una concentración para dominar todo el cuerpo. también llamada danza sobre las puntas o trabajo de puntas. coordinación y ritmo musical. El ballet tiene diferentes métodos de aprendizaje siendo cuatro los principales. aunque no obligatorio. Danes: August Bournonville (1805-1879). Es ideal una formación paralela en solfeo. 2. de la profesora de ballet Agrippina Vaganova (1879-1951). mas dos derivados. es quien inaugura el ballet romántico. La danza de puntas se desarrolló en los comienzos del siglo XIX. con sus obras: La bella durmiente (1890).La danza de la punta: El empeño por eliminar la gravedad culminó con la invención de la danza de la punta del pie. para interiorizar y automatizar movimientos y pasos técnicos. es que se aprenda con una edad temprana. Italiano: Enrico Cecchetti. • Ruso: método Vaganova. aunque tampoco imprescindible.. que es dominado especialmente por las mujeres. En Rusia logra destacar el coreógrafo Marius Petipa.El ballet la sílfides. Basado en el método Vaganova Americano: Basado en la tradición del Ballet ruso (inicialmente Fokine y Balanchine.

a pesar de que puedan ser perfectamente aceptables en otras formas de danza. En muchas escuelas. Hoy en día se acostumbra a usar protectores de silicona en la punta. Al comenzar. puede desarrollarse y mejorarse mediante el entrenamiento. ya sea en movimiento o en reposo. Una buena línea es en cierto modo producto del físico con que nace el bailarín. se comienza el entrenamiento con las puntas de ballet. son zapatillas con puntas de cartón o yeso para sostenerse de punta. En el ballet. las piernas. Aun así hay profesionales que tan solo se ponen esparadrapo para no sangrar. aunque los hombres pueden emplearlo en algunas ocasiones. muy blanda y fácilmente adaptable. se suele comenzar con las puntas alrededor de los nueve o diez años. Sin embargo. idealmente. determinadas conexiones entre los brazos. podría parecer que los miembros del bailarín se extienden hasta el infinito. antiguamente se usaba solamente protectores de tela. El término línea en ballet se refiere a la configuración del cuerpo del bailarín. la condición física y la fuerza del bailarín ya lo requieren. debe dejar marcado el cuerpo para poder corregir y ver los movimientos de cuerpo. El trabajo de puntas es patrimonio casi exclusivo de las mujeres. Se trata de una zapatilla especial creada para la estilización del cuerpo femenino a la hora de bailar en un escenario. Su coste suele ser alto. Para el calentamiento se utiliza una zapatilla de tela (o piel) con suela partida o completa. la cabeza y el torso se consideran particularmente armoniosos. donde las niñas empiezan apenas a los cuatro años. brazos y piernas. Cuando la experiencia. mientras que otras no. ya que les gusta mas sentir la punta. sobre todo. A veces se habla del ballet en términos de movimiento hacia arriba y hacia afuera. El vestuario debe ser cómodo y. pero. El uso de las puntas de ballet se suele hacer si se posee la capacidad y la fuerza necesaria en las piernas.italo-sueca Maria Taglioni demostró sus posibilidades de expresión poética. Las puntas de ballet. los . además. en academias reconocidas como la del Royal Ballet de Londres. Se opta por amplios movimientos del conjunto de los miembros en lugar de movimientos cortos y aislados de partes individuales del cuerpo. la práctica con ellas suele ser dolorosa. Es muy peligroso que alguien sin la capacidad se suba a ellas ya que podría causar lesiones extremadamente graves y que como consecuencia no pueda bailar nunca más en su vida.

la extensión de las piernas y la ejecución de los saltos. que se conservan desde el inicio de la técnica en el siglo XVII. también se utiliza en la danza de otros lugares.pequeños aprendices comienzan a partir de los once años y se empiezan a utilizar puntas alrededor de los quince. puede llegar a entenderse con coreógrafos o maestros de otros países porque en el salón de clases el lenguaje es uno solo. Puesto que todos los movimientos de los miembros del bailarín proceden del eje vertical del cuerpo. A estos movimientos se les conoce como port de bras. independientemente de su nacionalidad. 2. Al cabo de un tiempo practicando. Cualquier bailarín.-El Idioma del Ballet El idioma internacional del ballet es el francés. El ballet posee mucha variedad de pasos. la danza clásica de la India La técnica del ballet acentúa la verticalidad.-Las cinco operaciones básicas: Las 5 posiciones de las piernas estipulan que los pies y las caderas van giradas hacia afuera. El ballet tiene 5 posiciones básicas. lo que en francés se conoce como "endehors". y al comienzo solamente durante pocos minutos ya que es un ejercicio que se debe hacer diariamente y con esfuerzo. un concepto que es ampliamente desarrollado en los pasos de elevación. como los saltos. serán capaces de subirse en las puntas sin complicaciones. incluyendo los que exigen . La verticalidad implica resistencia a la gravedad. de allí que todas las posiciones y pasos sean en este idioma. Así como existen posiciones para los pies. 2. Esta posición girada no es exclusiva del ballet.3. todas las partes del mismo deben estar correctamente centradas y alineadas para permitir la mayor estabilidad y comodidad del movimiento. como ocurre en la Bharatanatya. también existen 5 posiciones básicas para los brazos los cuales se mantienen generalmente curvados. ya que se considera que esta postura facilita el equilibrio. Según investigaciones. se dice que dichas posiciones fueron establecidas por el maestro Pierre Beuchamps en Francia. La base de la técnica del ballet es la rotación externa de piernas y pies: cada pierna gira hacia afuera desde la articulación de la cadera de manera que los pies formen un ángulo de 180° sobre el suelo. El entrenamiento es lento.4.

.a los bailarines. o cambiar la posición de las piernas. pueden ser ejecutados por virtuosos de ambos sexos. en realidad. se pasa a los trabajos de salto y giros. pero. Los ejercicios del centro suelen comenzar con ejercicios lentos y alargados. Tradicionalmente se ha considerado que los pasos de elevación más exigentes eran competencia especial de los bailarines masculinos. Toda clase comienza con los ejercicios con la barra que sirven para desentumecer y preparar el cuerpo para ejercicios más difíciles que se realizan en el centro del salón de clases. girar. Estos ejercicios son conocidos como adagios.5. mientras están en el aire. Seguidamente. 2. La única forma que tienen para perfeccionarla es a través de supervisión de un maestro en la llamada Clase de Ballet en donde deben realizar los básicos. batir las piernas o los pies al mismo tiempo. sin apoyo de las barras.La barra y el centro: La gran mayoría de los bailarines tratan de ejecutar en el escenario sus coreografías y movimientos con el mayor grado de perfección técnica posible. que ayudan al bailarín a darle fluidez y equilibrio. .

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El honor de ser la primera ópera que aún se presenta regularmente le corresponde a L'Orfeo de Claudio Monteverdi. Pese a que rápidamente se difundió por todas partes. siendo la música apenas un elemento incidental añadido. y una práctica. La palabra siempre tiene una mayor importancia y.-Historia: La palabra opera significa "obra" en italiano (es el plural de opus..III. Una obra posterior de Peri. es la primera ópera que ha sobrevivido. el embrión que fue la ópera primitiva arrastró una existencia precaria durante los primeros treinta años de su vida. y posiblemente el texto entero de todos los roles.La Ópera: 3. En el siglo XVI los músicos fueron preocupándose cada vez más por encontrar un lenguaje musical capaz de expresar de forma adecuada y conmovedora los . compuesta para la corte de Mantua en 1607. que significa "obra" o "labor") sugiriendo que combina las artes del canto coral y solista. de 1600. los experimentos de drama y música del siglo XVI. declamación. parte del más amplio revivir de las características de la antigüedad. tal como la entendemos hoy. Dafne se halla perdida. Fue escrita alrededor de 1597. En los primeros tiempos y hasta el siglo XVII la ópera era considerada en primer lugar y fundamentalmente una forma literaria.1. la pretensión de resucitar el ya largamente olvidado arte dramático de la antigua Grecia. la ópera entonces fue concebida como una manera de "restaurar" esta situación. Euridice. Dafne fue un intento de revivir la tragedia griega clásica. los compositores perseguían una declamación clara y correcta y además la expresión musical de las ideas contenidas en la poesía. actuación y danza en un espectáculo escénico. del Latín. sobre todas las cosas. Los miembros de la Camerata consideraban que las partes corales de las tragedias griegas fueron originalmente cantadas. Significantemente. propio del Renacimiento. Componíase este doble ancestro de una teoría. conocidos como la "Camerata de' Bardi". Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera. Hoy día damos por descontado que la ópera es una forma musical. bajo la gran inspiración de un círculo elitista de literatos humanistas florentinos. Cuando examinamos las óperas primitivas es fácil ver cómo se impuso esta idea.

Haydn es una figura estimable e incluso genial pero un tanto marginal.. contra la ingenuidad musical que apenas tenía nada que ver con el sentido de los textos. Había escenas corales pero pocas de conjunto. Su nostalgia por el perdido arte musical de la antigüedad condujo a una reacción contra la polifonía amanerada. prácticamente a todos los héroes mitológicos les alcanzó un libreto de versos pomposos y luego la música.2. A Haydn no le habría importado que sus obras escénicas quedaran relegadas durante tanto tiempo. 3.textos a los que acompañaban.3. en reacción contra el drama musical wagneriano. Las trece partituras que nos han llegado han sido siempre material periférico hasta su redescubrimiento a mediados de nuestro siglo. tenemos a representantes de ella como: o HAYDN: máximo exponente de la Viena clásica. 3. Los recitativos y las arias determinaban el curso de la ópera.La Ópera Barroca: La ópera barroca fue un espectáculo diseñado para atraer tanto a la vista como al oido. La acción en si misma era desarrollada por un predominante recitativo "secco" -así llamado porque sólo era acompañado por el clave y los instrumentos bajos. pomposa y vacía. Se difundió por toda Europa pero su trayectoria triunfal fue seguida por dos siglos de abandono. tiempo durante el cual fue denigrada por pasada de moda sin la menor esperanza.en tanto que las más emotivas arias expresaban los sentimientos de los personajes individuales. falta de dramatismo. pues él mismo las consideraba críticamente composiciones que "he proyectado para el lugar". En el desarrollo de la ópera. sobre el escenario y particularmente en discos. sacó provecho de ello.el teatro del Príncipe . El auge de la musicología a fines del siglo XIX trajo consigo la exhumación de una obra tras otra y pasado el recodo del siglo la escuela neobarroca.La Ópera Clásica: En esta época de la ópera. La ópera barroca se organizaba de acuerdo con un esquema. La opera seria (el ancestro de la "grand opéra" del siglo XIX) derivaba sus elementos de la historia y la leyenda clásicas. frente al contrapunto escolástico. sin embargo..

Esta tensión va desapareciendo gradualmente.. convirtiendolas en panoramas de la naturaleza humana. si bien con una tendencia clara hacia la concisión. en los festivales y en los estudios.Ópera En El Siglo XX: La conciencia nacional se desarrolló durante el siglo XIX. La reforma de la ópera exigía tres elementos: un compositor con la simplicidad como ideal. dejando aparte los recursos estilísticos revolucionarios. culturas e historias. Las gentes se sentían cada vez más orgullosas de sus propias lenguas. los efectos sorprendentes y el entusiasmo rítmico. Sus óperas desbordan de música suntuosa y melódica. expurgada de arias de coloratura y da capo. pero tienden a ser prolijas e incluso los libretos carecen de un impacto dramático particular. Entre sus obras escénicas se cuentan La clemenza di Tito. Así la intención de Gluck fue. La gente buscó la independencia incluso en el teatro musical. el teatro musical de nuestros días se está poniendo al alcance de una audiencia que tiene un interés constante por las últimas manifestaciones. L'ivrogne corrigé y La recontre imprévu. . alternando los estilos francés e italiano. Durante algún tiempo pareció haber un abismo infranqueable entre el teatro musical moderno y el público conservador que va a la ópera. estuvieran al servicio del drama y del texto. francesa y alemana. un pequeño cortesano en una remota provincia. En los teatros de ópera. o GLUCK: compuso óperas serias y cómicas. sin "inventar" jamás algo nuevo. El nacionalismo romántico se rebeló contra la supremacía de la ópera italiana.4. o MOZART: Mozart utilizó las formas consolidadas de la música dramática y les confirió profundidad. 3. Se adueñó primeramente de los vehículos establecidos y les dio un contenido de inimaginable riqueza. hacer que la música. Gluck supo ver los signos de los tiempos y la tendencia hacia los claros perfiles del arte clásico. que consistía en una pequeña compañía italiana. Las situaciones escénicas están anegadas en música pero no están cristalizadas en la música.Esterházy en Hungría. Gracias a sus viajes y a su agudeza. un escritor capaz de redactar textos concisos y un promotor teatral dispuesto a correr el riesgo de la novedad.y "condicionadas a nuestras fuerzas".

6. Entre el canto puede haber trozos recitados. Las voces femeninas son: soprano (la mas aguda). Al igual que las obras de teatro. Las presentaciones son ofrecidas típicamente en teatros de ópera. 3. escenografía y vestuario y algunas veces incorpora danza. entre tenor y bajo) y bajo (la mas grave).7. No obstante puede establecerse. una soprano. el tema de la obra y la intención de los poetas y compositores correspondientes. barítono (media.. La historia de la ópera ha encontrado clarificaciones y soluciones una y otra vez a lo largo del tiempo. El protagonista masculino suele ser un tenor y la femenina.¿Cuales Son Las Voces En La Ópera? Cantar ópera es difícil y exige años de aprendizaje.5. la audiencia de la ópera tradicional se ha visto incrementada de manera sensible. La ópera incorpora muchos de los elementos del teatro hablado. mezzosoprano (media) y contralto (media baja). 3.Asimismo.Varios géneros de teatro .¿En Que Partes Se Divide La Ópera? La ópera empieza con una obertura (pieza de música instrumental). pasando por la ópera de números musicales y diferentes formas mixtas hasta la ópera de flujo melódico constante y la ópera literaria. un desarrollo que va desde un inicio muy poco sistematizado. Las voces masculinas son: tenor (media). una ópera suele estar dividida en actos. acompañados por una orquesta o una agrupación musical menor. como la actuación. Las arias (palabra italiana para aire) son las composiciones que canta una sola voz. Quizás nos hallamos en un estado de confusa diversidad estilística.Géneros De Ópera: Los diferentes géneros de ópera existentes son resultado de diferentes tipos de libretos y resoluciones musicales diversas dadas a las proposiciones libretísticas según la época. 3.. Una cosa es cierta: el teatro musical no está acabado. ¿Cuál es el futuro de la ópera? No hay una respuesta satisfactoria o convincente.. de modo muy general.

en rigor. a partir del idioma original del libreto en diversos subgéneros. la Opereta vienesa. en no pocas ocasiones. la poesía (por medio del libreto). en su lugar. los compositores dejaron de cultivar la estricta secuencia de diálogos. artes plásticas. sin que tales les sean privativas y. la ópera se caracteriza por ser una concatenación de números musicales diferentes. Históricamente. provocando que las fronteras entre tales géneros no sean claras. Los elementos musicales del tipo de ópera de números musicales se clasifican según sean partes orquestales o cantadas. como en varios otros géneros del teatro musical. se une • • • • la música (orquesta. como son la zarzuela española. Las obras donde los números musicales están divididos entre sí por diálogos recitados sin acompañamiento de ninguna especie se han clasificado. inicialmente en la ópera italiana. Todos estos subgéneros son. la Ópera-comique francesa y el Musical inglés y estadounidense. completos en sí y unidos entre sí por recitativos. 3. decoración. solistas.. las artes escénicas. subclasificaciones regionales de la ópera de números musicales. el ballet y la danza las artes escenográficas (pintura. el primero en surgir fue la zarzuela en España y casi 150 años después surgieron el Singspiel alemán. el Singspiel alemán. En la ópera. el cual empleó Verdi para estructurar . 3.9. coro y director). en especial la actuación. recitativos y números musicales cerrados.La Ópera De Flujo Musical Continuo: Durante el siglo XIX. arquitectura) • • la iluminación y otros efectos escénicos el maquillaje y los vestuarios.8. Cada una de estas variantes del teatro musical tiene sus características propias. el principio de la "escena y aria". Hacia 1825 se dejó de utilizar el recitativo secco utilizándose. la opereta vienesa y el musical inglés y estadounidense.musical están estrechamente relacionados con la ópera. la Ópera-Comique francesa.-La Ópera De Números Musicales: Desde el Barroco hasta el Romanticismo.

como eran usuales en la ópera italiana. a evitar repeticiones en el texto. En tal. Tal flujo musical constante conlleva. se propone un para utilizar un flujo musical contínuo y se prescinde de números musicales.los actos de sus óperas. los cuales fragmentaban la estructura de los actos. como se ha dicho. Richard Wagner desarrolló a mediados del siglo XIX una forma con la cual prescindió completamente del uso de números musicales y en la cual el libreto y la música se conjugan en una unidad sinfónica. . también.

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.. La historia de la danza refleja los cambios en la forma en que el pueblo conoce el mundo. con una antigüedad de mas de 10. el Creador es un bailarín. 4.000 años. Siva Nataraj hace bailar el mundo a través de los ciclos del nacimiento. muestran dibujos de figuras danzantes asociadas con ilustraciones rituales y escenas de caza.1.IV. Personas de diversas culturas bailan de forma distinta por razones variadas y los diferentes tipos de danzas revelan mucho sobre su forma de vivir. como en el ballet y la danza folclórica europea. en círculos o en un ritmo concreto y dentro de un contexto especial. Incluso una acción tan normal como el caminar se realiza en la danza de una forma establecida.-Historia de la Danza: La danza ha formado parte de la Historia de la Humanidad desde el principio de los tiempos. Esto nos da una idea de la importancia de la danza en la primitiva sociedad humana. La danza es la transformación de funciones normales y expresiones comunes en movimientos fuera de lo habitual para propósitos extraordinarios. En los primeros tiempos de la Iglesia en Europa. desde el movimiento de las nubes a los cambios de estación. La danza puede incluir un vocabulario preestablecido de movimientos. entre los hindúes. la muerte y la reencarnación. Esta breve historia de la danza se centra en el mundo occidental.. o pueden utilizarse gestos simbólicos o mimo. acompañados generalmente con música y que sirve como forma de comunicación o expresión. Muchos pueblos alrededor del mundo ven la vida como una danza. Las pinturas rupestres encontradas en España y Francia.Danza: 4. Los seres humanos se expresan a través del movimiento. el culto incluia la danza mientras que en otras épocas la danza fué proscrita en el mundo occidental. En la India.2. como en las numerosas formas de danza asiática.Definición: La Danza podría definirse como una serie de movimientos corporales rítmicos que siguen un patrón. relaciona sus cuerpos y experiencias con los ciclos de la vida.

los legados escritos. música y mitos que eran representados por actores y bailarines entrenados. Hasta el 200 a. Estas danzas.c. Alrededor de Dionisio. Sin embargo. El filósofo Platón. De todos modos. Nos permiten conocer el mundo de la danza en las antiguas civilizaciones egipcia. eventualmente. las danzas ceremoniales fueron instituidas por los faraones. Entre los romanos. a través de estilizados gestos y movimientos y se convirtió en un lenguaje no verbal en la multicultural Roma. ) surgió una forma de danza conocida actualmente como pantomima ó mímica en la que la comunicación se establece sin palabras..4. a partir del 150 a. La cristianización del Imperio Romano introdujo una nueva era en la que el cuerpo. En la Grecia antigua.c. grupos de mujeres llamadas ménades iban denoche a las montañas donde.La Danza en la Antigüedad: Desde el Egipto de los Faraones hasta Dionisio.. Estas danzas incluían.2. celebraban sus orgías con danzas extásicas. griega y romana. festivales y celebraciones. la influencia de la danza egipcia fué propiciada por los filósofos que habían viajado a Egipto para ampliar sus conocimientos. la danza formó parte de las procesiones romanas. . la fuerza del movimiento no se detuvo y bajo el mandato del emperador Augusto ( 63 a. 14 d. bajo los efectos del vino. En el antiguo Egipto. la sexualidad y la danza resultaron unidas y fueron objeto de controversia y conflictos. Los rituales de la danza de los Dioses y Diosas del Panteón Griego han sido reconocidos como los orígenes del teatro contemporáneo occidental. la aceptación de la danza por parte de los poderes públicos fué decayendo. el dios griego del vino y la embriaguez (conocido también como Baco ).1. los bajorelieves. mosaicos. fué un importante teórico y valedor de la danza griega.c.c. todas las escuelas romanas de baile cerraron sus puertas porque la nobleza romana consideró que la danza era una actividad sospechosa e incluso peligrosa. que culminaban en en ceremonias representando la muerte y la reencarnación del dios Osiris se fueron haciendo cada vez mas complejas hasta el punto de que solo podian ser ejecutadas por profesionales altamente cualificados. A finales de siglo V antes de Cristo estas danzas comenzaron a formar parte de la escena social y poítica de la antigua Grecia.. catalizador de estas influencias.

En . combinando la música.La danza en la Edad Media: La actitud de la Iglesia Cristiana hacia la danza. A principios del siglo IX Carlomagno prohibió la danza.4. En la corte de Catalina de Medici (1519-1589). Las danzas de celebracion estacional fueron a menudo incorporadas a las fiestas cristianas que coincidian con antiguos ritos de fin del invierno y celebración de la fertilidad con la llegada de la primavera. La danza continuó como parte de los ritos religiosos de los pueblos europeos aunque camuflados con nuevos nombres y nuevos propósitos. Galos en los cultos cristianos. pero el bando no fué respetado. propiciada por la prohibición de la iglesia y la aparición de la Peste Negra.2. Celtas. a partir del S IV y durante toda la Edad Media fué ambivalente. antiguos Padres de la Iglesia intentaron incorporar las danzas propias de las tribus del norte.-El Renacimiento y el nacimiento del Ballet: El advenimiento del Renacimiento trajo una nueva actitud hacia el cuerpo. nacieron las primeras formas de Ballet de la mano del genial maestro Baltasar de Beauyeulx. la esposa italaiana de Enrique II.2. Esta danza se extendió desde Alemania a Italia en los siglos XIV y XV y ha sido descrita como una danza a base de saltos en la que se grita y convulsiona con furia para arrojar la enfermedad del cuerpo. Por un lado encontramos el rechazo de la danza como catalizadora de la permisividad sexual.. el sonido y la danza. Por otro lado. Anglosajones.3. Nacida como danza secreta y extásica durante los siglos XI y XII la danza de la muerte comenzó como respuesta a la Peste Negra que mató a mas de 50 millones de personas en 200 años. Al mismo tiempo la danza se convirtió en objeto de estudios serios y un grupo de intelectuales autodenominados la Pléyade trabajaron para recuperar el teatro de los antiguos griegos. 4. las artes y la danza. lascivia y éxtasis por líderes de la Iglesia como S. Las cortes de Italia y Francia se convirtieron en el centro de nuevos desarrollos en la danza gracias a los mecenazgos a los maestros de la danza y a los músicos que crearon grandes danzas a escala social que permitieron la proliferación de las celebraciones y festividades. Agustín (354-430) cuya influencia continuó durante toda la Edad Media.2. Durante esta época surgió una danza secreta llamada la danza de la muerte.

. los poderes políticos de Europa colonizaron Africa. artistas visuales y diseñadores. En el siglo XIX. Stravinsky.2. En los siglos siguientes el ballet se convirtió en una disciplina artística reglada y fué adaptándose a los cambios políticos y estéticos de cada época. Al mismo tiempo. Como reacción a los estilizados movimientos del ballet y al progresivo emancipamiento de la mujer surgió una nueva forma de bailar que potenciaba la libre expresión.-La Danza en el siglo XX: Después de la I Guerra Mundial. Swan Lake (1895). las artes en general hacen un serio cuestionamiento de valores y buscan nuevas formas de reflejar la expresión individual y un camino de la vida más dinámico. Una de las pioneras de este movimiento fué Isadora Duncan. una danza idealizada que cuenta la historia de una leyenda mítica combinando textos hablados. Luis XIV de Francia autorizó el establecimiento de la primera Real Academia de Danza. Claude Debussy. montaje y vestuario elaborado y una estilizada danza de grupo. A medida que la danza fué ganando terreno. Asia y Polinesia donde prohibieron y persiguieron las danzas y los tambores por considerarlos bastos y sexuales. Las danzas sociales de pareja como el Minuet y el Vals comenzaron a emerger como espectáculos dinámicos de mayor libertad y expresión.. En esta empresa colaboraron gentes como: Ana Pavlov. la era del ballet romántico refleja el culto de la bailarina y la lucha entre el mundo terrenal y el mundo espiritual que trascende la tierra. Paralelamente a la revolución del Ballet surgieron las primeras manifestaciones de las danzas modernas. Baltasar dirigió el primer ballet de corte. Esta incomprensión de la danza en otras culturas parece cambiar al final de la Primera Guerra Mundial y las danzas de origen africano y caribeño crean nuevas formas de danza en Europa y en América. 4. y Cascanueces (1892).4. En Rusia surge un renacimiento del ballet propiciado por los más brillantes coreógrafos.1581. compositores. fué rompiendo todas las reglas. Pablo Picasso. En 1661. Desde los años 20 hasta nuestros dias nuevas libertades en el movimiento del cuerpo fueron los detonantes del cambio de las actitudes hacia el cuerpo. ejemplarizado en obras tales como Giselle (1841). La .

De hace siempre en círculos y tomados de las manos porque de tal forma representa como es llamada también esta danza. solo tiene que conocerse pasos. cualquier tipo de danza puede ser espontánea. A partir de la década de los 50 tomaron el relevo otras danzas mas individualistas como el rock and roll.3. luego apareció el disco dancing.3. lo que el espíritu santo esta diciendo a través de la música o letra de un himno.2.. la danza de unidad.Danza interprete: Es un tipo de danza que se expresa a partir de movimientos corporales..3.1. La Danza... el breakdancing. 4. con mayúsculas.Danza espontánea: Es conocida como danza libre.4. Se puede hacer individual. 4. . sigue formando parte de nuestras vidas al igual que lo hizo en la de nuestros antepasados.. Es algo vivo que evoluciona con los tiempos pero es consustancial con la naturaleza humana. rutinas y movimientos.3. 4.3.. africanas y caribeñas inspiraron la proliferación de las salas de baile y de las danzas como la rumba.-Tipos de Danza: 4.. sin previo ensayo al montarla.Danza davidica o judio/mesianica: Es una danza universal proveniente del folklore israelí y que data de tiempos antiguos. la samba. el twist y el llamado free-style. de 2 o en grupo. El renacer del Harlem propició la aparicón de otras danzas como el lindy-hop ó el jitterbug.música con influencias latinas. el tango ó el cha cha. 4..Coreográfica: Es un tipo de danza que demanda tiempo y practica y ayuda a adquirir disciplina de danza.3.

4. y hasta parte de su historia.-Danza congregacional: Es una danza realizada por la iglesia. Así nos llegan desde tiempos inmemoriales sus artes. impulsado por una energía propia. Y un movimiento muy especial ya que requiere los de cinco se elementos fundamentales. y es importante destacar que tal vez sea la más simbólica de las artes ya que. La danza no es ajena a este fenómeno. pedidos y agradecimientos. y de su mano. es movimiento. diseñando una forma.5. emociones. y es posiblemente de las primeras artes a través de la cuál se comunica. El uso predominante de uno u otro de los elementos del movimiento no es siempre parejo. La danza pues. tristezas. en otras el uso del . En algunas danzas predomina el ritmo. durante un tiempo de mayor o menor duración. y de esta manera manifestado alegrías. deseos. al prescindir básicamente de la palabra. sus costumbres. 4. unidos en un solo cuerpo y espíritu.-Elementos Fundamentales de la Danza: El hombre se ha expresado a través de las artes desde su aparición en la Tierra.3. su vida toda. con un ritmo determinado.4. se acentúa la necesidad de una buena transmisión gestual. cuales interrealcionan para transmitir un mensaje artístico: • • • • • Ritmo Expresión corporal Movimiento Espacio Color De esta manera llegamos entonces a poder definir la danza como el desplazamiento efectuado en el espacio por una o todas las partes del cuerpo del bailarín.

Cáceres.. por ejemplo en la localidad de Yanaoca (Cuzco) los campesinos recuerdan la gesta de Túpac Amaru con danzas y vestimenta especial. En los "Avelinos" se recuerda a Andrés A.  En la selva música y danza que imita a la naturaleza. sino que se imprime una intención determinada se complementa con el que llamaremos Adicionales No Danzantes.espacio. especialmente en la sierra. En gran parte de danzas serranas y . Cuando la danza no se manifiesta como el puro bailar. Éstos son cuatro: Mímica. o como el equilibrio estético que es el ballet clásico. lo cierto es que están incorporadas al folklore.5.Danzas del Perú: Si bien hay muchas danzas en los países americanos.  En muchos lugares del Perú. También es importante destacar que de acuerdo al carácter de ella se acentuará el uso de uno u otro elemento. en los "negritos" se recuerda la esclavitud de los negros. etc. sus huaynos y mullizas. ya que algunas modalidades de danza forman parte de una cultura ancestral. Canto y Palabra. No todas las disciplinas están regladas y se imparten en escuelas de baile o academias de danza. aunque se sigan estudiando sus orígenes y aportes. los "Tundikes" la libertad de los negros y la figura de Ramón Castilla. marineras y tonderos. que se transmite de padres a hijos. se han perennizado en bailes y danzas algunos personajes históricos y sucesos trascendentales que han impresionado al hombre. con sus danzas y canciones p ropias:  En la costa.  En la sierra. Gesto simbólico. 4. cuyo origen es tema de discusión. ciñéndose a un programa según la especialidad. por encontrarse dudas sobre si son autóctonas. o tienen raíces africanas o hispánicas. El folklore del Perú es rico y variado.

triste y melancólica y sus cantos son lamentos por abandonos amorosos o ausencias de seres queridos.-El Festejo: Ésta es una danza de las más representativas y populares. los personajes son incas.2.2.1. Es el triste del norte. 4. Lleva acompañamiento musical de guitarras y percusión tradicional. El nombre de la zamacueca. 4. y sostiene que la Marinera tiene su origen en la Zamacueca o Mozamala. Es una melodía lenta.4.-La Marinera: El investigador peruano Castro Nué ha investigado el tema acerca del origen de ciertas danzas. Se baila en parejas pero sin contacto entre los bailarines. pallas. laboral. 4. No se baila. que indicaba 'descanso'. es movida y pícara. tristeza y dolor. tomó esas características en los comienzos del siglo XX. De origen afroperuano. 4. con solista y coro. collas recordando el imperio incaico.2.5. El Yaraví es el son que transmite melancolía. Sus orígenes se remontan a un género poético incaico.coreografías.3.5. con ciertas connotaciones sexuales.-La Zamacueca: Es ésta una danza popular de la zona andina. cívico y funerario. es sólo canto. la forma actual de bailarla. Su origen es popular africano. . Y "cueca" tenía el significado de 'tumba' o 'lugar de reposo'.-El Yaraví o Harawi: Es el género más antiguo que sobrevive en el Perú. con pausas. deriva de la unión de "zama" (que en tiempos prehispánicos tenía un significado religioso.

Se supone que su origen se remonta a la época de la rebelión de Tupac Amaru.2. 4. Se baila en parejas pero con poco contacto físico. En la danza se personifica a diablos. 4. viejos o chinas diabladas. Es alegre.2.4. poncho de vicuña o alpaca. 4. Los bailarines o "danzak" son dos contrincantes.5. Sus orígenes se remontan a los tiempos prehispánicos. Su acompañamiento musical varía según la región y el estrato socio-cultural. y le hace requiebros. que domina a su pareja. aunque se ha modificado por influencias posteriores. botas y espuelas roncadoras. bufanda. y al compás de la música. en el que parece vergonzoso ser derrotado. chullo con orejeras. murciélagos. en un duelo. tambor. y los bailarines llevan sombrero de alas anchas. en Ayacucho.-El Kcajelo o Ckara Botas: Esta danza es una de las más representativas del folklore puneño.-La Danza de las Tijeras: Esta danza se bailaba en las zonas de las sierras.2. bombo.7. . propio de la región.-El Huayco: Este baile es el más difundido y popular en los Andes peruanos. Apurimac. Huancavelica. esqueletos. en que los yanaconas y los comuneros. y está presente en toda realización festiva. imitaban a las botas finas de los españoles. y acompaña estas con movimientos de sus manos y las tijeras. El danzak realiza todo tipo de acrobacias. puñal en la pantorrilla.8. bautizados Ckara Botas.2.6. Son acompañados por dos músicos.-La Diablada: La diablada o Sicuris se baila al son del Huayno. platillo y triángulo. con música de sicus o zampoñas. en que el danzarín representa a un jinete bravío. con el látigo en la mano. y varía según la región. uno ejecuta el violín y otro el arpa.

el rendimiento de las cosechas y la producción de la zona. violín. para darles un buen sonido. etc.2. 4. según sus propias creencias. Sus orígenes en el Perú.1. Se relaciona con las cosechas y las tareas agrícolas. El danzak tiene gran aprecio por las tijeras. o levantar una barreta pesada con los dientes. se usaban guitarras acústicas para el acompañamiento musical. de la zona costera.Para lograr vencer en esta danza-competencia. Siempre se toman precauciones contra las hechicerías. y con variedad de comparsas. en Cajamarca y la Amazonia. Es vistoso. Sus orígenes son europeos y llegaron aquí en la época de la Colonia. cuando el vals vienés se fue imponiendo en las ciudades. Es acompañada por instrumentos como el saxofón. con acrobacias y zapateo. . 4. En el vals tradicional peruano.Carnaval: El Carnaval se ejecuta en todo el Perú. o con espinas en los talones. que dura a veces más de doce horas.Huaylarsh: Esta danza es la más vivaz y alegre de la Sierra Central...9. pues las recibió de manos de los Uquis o espíritus de los cerros. que lo acompañan hasta su muerte. las forjas de las tijeras son sometidas a una serie de ceremonias. Se baila por parejas semiabrazadas. se establecen a fines del siglo XIX. en que se realiza la Fiesta de la Virgen de la Candelaria. Tiene movimientos muy vivaces. con lo que festejan la riqueza agrícola. son capaces de traspasarse la nariz con aguja de arriero. con dinamismo y picardía.3. clarinete o arpa. el más difundido es el vals criollo.3.-El Vals: Si bien hay diversidad de formas según la zona. 4. muy alegre y colorido.0. A la vez. pero el más famoso es el de Puno. Actualmente perdura en las zonas rurales. Se baila en grupos de parejas que se turnan para ejecutar diversos movimientos y pasos.

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en el que su interés histórico documental está secundado por un excelente producto cinematográfico. De los siguientes años se cuenta con el documental "Au Pays des basques" de Maurice de Champreux (1930. Tras su visionado en las salas comerciales fue usual que el público asistente prorrumpiera en aplausos. Durante las dos primeras décadas del franquismo (años 40 y 50) las condiciones políticas hicieron que el cine vasco fuese inexistente. con el rodaje de la película "Ama Lur" (1968). pese a las dificultades puestas por la administración española. El cine: De los años veinte datan las primeras películas del cine vasco entre las que sobresalen los largometrajes de ficción "Edurne. Avanzada la década de los 70 el cine vasco produjo una serie de cintas de orientación política o sobre distintos aspectos de Euskal Herria. etc. adaptación de la novela Mirentxu de Pierre Lhande. En los años 60 se da un gran paso. El film trataba de presentar las principales facetas históricas. lo que significó todo un acontecimiento en pleno franquismo. artísticas. culturales. recogieron en técnica documental aspectos del folklore y costumbres de la época. de Euskal Herria. "Euskal Santutegi Sakona" de . Las imágenes de la Guerra Civil quedaron plasmadas en los noticiarios elaborados por el Gobierno Vasco y el documental "Guernika" de Nemesio Sobrevilla.V. en el que se ensalza los valores de un País Vasco rural y tradicional ante la creciente industrialización. realizadas por el vasco-filipino Manuel María de Intxausti con el respaldo de Eusko Ikaskuntza-Sociedad de Estudios Vascos. la primera cinta de la historia en la que se pudo escuchar el euskera). Sus impulsores fueron Fernando Larruquert y Nestor Basterretxea que la produjeron con aportaciones populares. deportivas. el cortometraje "Sinfonía Vasca" rodado por el alemán Trotz Tichahuer y eleborada con una orientación política la película "Euzkadi" de Teodoro Ernandorena (1933) que reflejaba la visión que del País Vasco tenía el nacionalismo. Las cintas "Eusko Ikusgayak" (1923-28). Son los años de "Estado de excepción" de Iñaki Nuñez (1976). modista de Bilbao" de Telesforo Gil de Espinar (1924) y "El mayorazgo de Basterretxe" de Victor y Mauro Azkona (1928). sociales.

si bien el cine en esta lengua no logra despegar y obtener un mínimo éxito. Concha de Plata en el Festival de Donostia-San Sebastián). En la década de los 90 hay que subrayar la parición de una nueva generación de cineastas. etc. "La ardilla roja" (1993). subvencionado en parte por el Gobierno Vasco. Cubierta la etapa anterior. Una muestra de esta nueva trayectoria es la del cineasta Montxo Armendáriz quien tras rodar los cortometrajes "Ikusmena" (1980) e "Ikuska 12". "Akelarre" de Pedro Olea (1983). primera película de dibujos animados) y "Balearenak" (1991). Tierra (1996) y "Los amantes del círculo polar" (1998) de Julio Médem.Anton Mericaetxebarria (1976). "Vacas" (1992). "Irrintzi" de Mirentxu Loyarte (1978). Algunas películas son dobladas al euskera. "27 horas" (1986. haciendo películas para el público infantil. "Ez" (1977) y "El proceso de Burgos" (1979) ambas de Imanol Uribe. tuvieron su importancia la serie de cortometrajes "Ikuska" (1977-1985) coordinados por Antton Ezeiza. el cine vasco se consolidó pasando a un cine elaborado con mayores miras. Otras películas de los 80 fueron "La fuga de Segovia" (1981) y "La muerte de Mikel" (1983) de Imanol Uribe. Los años 80 son también los del denominado cine autonómico. "Todo por la pasta" (1992) y "Como ser infeliz y disfrutarlo" (1994) de Enrique Urbizu y "Acción Mutante" (1993) y "El día de la bestia" de Alex de la Iglesia. la mayoría de directores ha realizado su trabajo fuera. "Errepoteroak" de Iñaki Aizpuru (1984). En cuanto al cine infantil destacan las realizaciones "Ekialdeko izarra" (1978. Ante la falta de una industria vasca de cine. fuese premiada en le festival de Berlín y nominada para los Oscar de Hollywood. efectuando coproducciones. El escritor y guionista Koldo Izagirre ha permanecido en el País Vasco habiendo dirigido la película "Off-eko maitasuna" (1992). abordando temáticas de ficción. Consiguió posteriormente que la película "Secretos del corazón" (1997). realizó las películas "Tasio" (1984. "Las cartas de Alou" (1987. Entre las . Concha de oro a la mejor película en el Festival de Donostia-San Sebastián) e "Historias del Kronen" (1990). Makila de oro en el Festival de Miarritze-Biarritz). "Hamaseigarren aidanez" de Anjel Lertxundi (1985). "Ander y Yull" de Ana Diez (1988) y "Ke arteko egunak" de Antton Ezeiza (1989). Asimismo. Muestra de ello son las películas "Alas de mariposa" (1991) y "La madre muerta" (1993) de Juanma Bajo Ulloa. "La conquista de Albania" de Alfonso Ungría (1983).

juntamente con la proyección de . los primeros espectáculos en público con proyección de imágenes animadas. se proyectaban largas bandas de más de 500 transparencias de dibujos a partir de un aparato cilíndrico que.1. toda una serie de inventores construyen aparatos -mitad genios. Durante siglos. 5. Se trata del Taumatropo. mitad juguetes-.coproducciones sobresale el film vasco-cubano "Maité" de Carlos Zabala y Eneko Olasagasti. Incluso uno de ellos. Utilizada ya en el siglo XVI. el Teatro óptico. llegó a utilizar una especie de fusil fotográfico capaz de captar las diferentes fases de un movimiento. un siglo después. que buscan producir la ilusión del movimiento. Sobre todo cuando hacían servir ingeniosos dispositivos mecánicos destinados a manipular o hacer girar cristales circulares. Es el caso de las representaciones con sombras. Los bisontes con seis patas que los prehistóricos pintaban en las cavernas demuestran este hecho. diversas civilizaciones o personas han buscado procedimientos para reproducir la realidad. que ha tenido su continuación en una serie rodada por Euskal Telebista. Un invento capital aparece en el siglo XIX: la fotografía. Con el fin de producir una acción continua.-El Precine: El ser humano siempre se ha preocupado por captar y representar el movimiento.a de objetos en movimiento. que hacían mover las imágenes. los feriantes viajaban con sus linternas dejando boquiabiertos a los espectadores. el Zootropo y el Praxinoscopio. es lo que más se acerca a lo que será el cine. el Fenaquistoscopio. Pero algunos fotógrafos no se conformaron con las imágenes fijas y ensayaron con la. De la misma manera que. Marey. A largo del siglo. la linterna mágica sería la precursora de las sesiones de cine. construido por Emile Reynaud. Por vez primera. La precursora de la fotografía. Con el fin de hacerlas llegar a todos los lugares. Una variante de este último. era posible impresionar y guardar una imagen del mundo que nos envuelve. la "cambra obscura" permitía la proyección de imágenes externas dentro de una cámara oscura. en proyectar imágenes sobre una superficie plana. como en el caso de Muybridge.

Y fue en los EE. que salvó el cine de acabar como un invento más entre tantos de aquella época. El aparato con el cual lo consiguieron lo llamaron Cinematógrafo. Había nacido la cinematografía. sobre la vida laboral o familiar.UU. Méliès es el primer inventor de ficciones. se considera que el cine nació oficialmente el 28 de diciembre de 1895. específicamente. el efecto de una locomotora que parecía salir de la pantalla fue enorme. proporcionaba la proyección de los primeros dibujos animados. pues. donde. a nadie.. la fantasía podía volar a través de la luz. Por fin.. "La llegada de un tren a la estación de Ciotat". Las películas que siempre veían eran hechas sobre momentos cotidianos. los hermanos Lumière mostraron. sus films a los espectadores del Salon Indien de París. se solucionó el problema. como el tiempo llegó a demostrar.una imagen de fondo desde una linterna. 5. Pero el éxito inicial se fue apagando por el cansancio del público. cajas que contenían una serie de bobinas que permitían ver una película. Fue el resultado de una serie de inventos de diferentes personas. Ya tenemos. en 1890. ¡Cuan equivocado estuvo. "Viaje a la Luna" (1902) y "Viaje a través de lo imposible" (1904) se encuentran entre las mejores muestras del inventor de los trucajes. al mostrarlos en las imágenes que se representan en una pantalla. los tres elementos que constituirán el cinema: la persistencia de la visión. de la mano del gran inventor Edison y de Dickson. Otros eran la sobreimpresión de una imagen sobre otra. en sesión pública. En muchas salas de diversión se instalaron los llamados Kinetoscopios de Edison. Es más. Y fue la magia y la imaginación de otro hombre... Pero faltaban dos más de fundamentales: la película perforada y el mecanismo de avance intermitente que la mueve. la invención del cine no puede ser atribuida.! Sin embargo. de la ciencia-ficción.-El nacimiento del cine. Y es que el famoso inventor se negó a proyectarla sobre una pantalla porque creía que la gente no se interesaría por el cine. Uno de los más habituales era hacer desaparecer cosas o hacerlas aparecer de nuevo. individualmente. Aquel día. las dobles exposiciones o el uso de maquetas. .2. La época muda: Con todo. la fotografía y la proyección. Georges Méliès. Méliès hizo realidad los sueños de las personas. En uno de sus primeros films.

Segundo de Chomón sigue los pasos de Méliès en su film "El hotel eléctrico" (1905). Como las películas eran mudas. Williamson y Collins. El cine se extiende por el mundo. En Francia el proyecto se conocía como Films d'Art. Ha pasado de ser un invento para divertir a ser una máquina de hacer dinero.y utiliza el montaje simultáneo. que contrata al director Louis Feuillade.Ince. que se interesan por los temas de persecuciones y bélicos donde proporcionan nuevos recursos técnicos fundamentales para la gramática cinematográfica. Y. Charles Pathé marca en Francia el inicio de la industrialización del cine. Las barracas de los inicios del cine se convirtieron en salas elegantes y espaciosas donde comenzaban a acudir las clases bien estantes y no sólo las populares. Género continuado después por T. que inspiró a Chaplin. En Catalunya. En la casa Pathé debutó uno de los primeros grandes cómicos. se comenzaron a realizar películas más cultas para este público burgués.A principios del siglo XX. un pianista daba el toque musical al espectáculo. Los films producidos por él alcanzaron un buen nivel de calidad gracias a la dirección de Ferdinand de Zecca. A Pathé le aparece un rival igualmente francés.H.UU. el cine ya es una industria. unos rótulos en medio de las escenas iban explicando la acción o los diálogos. a quien se debe "La Passió" (1902) o "El asesinato del duque de Guisa" (1904). a veces. Pero serán los EE. Edwin Porter inaugura el cine del Oeste. formada por los fotógrafos Smith. donde los trucajes son de los mejores de la época. títulos basados en obras literarias donde actuaban actores famosos del teatro. . Max Linder. Siguiendo las huellas galas. Tal como Edison en los EEUU. Léon Gaumont. el cinematográfico: aprenden a relacionar las imágenes entendiendo que guardan una relación de continuidad. quien saque más provecho del invento. en Inglaterra aparece la llamada Escuela de Brighton. Fructuós Gelabert se convierte en el padre de la cinematografía catalana y española (1897). con la cinta "Asalto y robo de un tren". Con el fin de llenar de films estas salas estables. Y la base de este nuevo lenguaje es el montaje. Los espectadores comienzan a aprender un nuevo lenguaje. que se especializa en el género de terror. En 1903.

Aquí levantarán las grandes productoras que harán la historia del cine norteamericano. Grandes escenarios y muchos extras encarnando a romanos o a cartagineses garantían una producción colosal para la época. que supera las barreras sociales y idiomáticas -en un país de inmigración formado por multitud de lenguas y etnias-. Italia es uno de los avanzados en la concepción del cine como espectáculo.Viendo que se convierte en un gran espectáculo popular. . Y las películas de grandes reconstrucciones históricas serán el mejor medio para hacerse con el público. confiscación de aparatos y momentos de violencia. donde fundan Hollywood. después de una época de procesos. dirigido por Giovanni Pastrone en 1913. Entre los diversos países donde el cine ya es una realidad. los cuales. Una concepción del cine que influirá en los cineastas norteamericanos. El título más destacado fue "Cabiria". Edison envía a sus abogados contra los explotadores de aparatos cinematográficos. el factor negocio entra en acción. Ello afectó negativamente a los productores independientes. a California. clausuras de salas. Se trata de la guerra de las patentes (1897-1906) que. para huir del inventor-negociante. Con el fin de monopolizar el mercado cinematográfico y acabar con sus competidores. marchan al otro lado del país. da la victoria a Edison.

casi siempre hechos para este fin. El ballet plasma su arte en sus movimientos coreográficos.CONCLUSIONES: • Las artes escénicas constituyen manifestaciones socioculturales y artísticas que se caracterizan tanto por los procesos comunicativos singulares que le son propios. puede reflejar conflicto entre personajes vivos. sombra. de esta manera se ha ido consolidando cada ves más en cuanto a gusto de la gente. forma y textura. usando la perspectiva. Se suele representar en los teatros de grandes dimensiones. y como la fotografía. como la música. convirtiéndose así en un espectáculo escénico. presenta una versión bidimensional de lo que parece ser una realidad tridimensional. representa el movimiento de figuras en el espacio y es frecuentemente secundado por música. como la pintura. son manifestaciones dramáticas que los magos de las tribus representaban en la prehistoria. Esta síntesis ha generado dos teorías conflictivas sobre el cine y su desarrollo histórico. que manipula intencionalmente tanto el tiempo como el espacio. • El cine. puede contar historias. Como la novela. . como la danza. color. la profundidad y la sombra. se mueve en el tiempo de acuerdo a principios de ritmo y tono. El ballet es una danza tradicional europea. ya que ahora se puede apreciar el interés por esta. es una de las pocas artes que es tanto espacial como temporal. La ópera es una obra de teatro cuyo texto (libreto) se canta total o parcialmente acompañado de una orquesta. compone el espacio con luz. la escenografía suele ser espectacular. • La ópera ha ido cambiando de acuerdo a las distintas épocas por las que ha pasado. • • • • Las artes escénicas son la música y la danza. en un sector considerable de la población • El Cine se considera como la más joven de las formas artísticas y ha heredado mucho de las artes más antiguas y tradicionales. como el drama.

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