XX Liceo de cámara

temporada

2011/2012

opus ultimum

Con la colaboración del Ministerio de Cultura

temporada 2011-2012

Imagen de cubierta: Francisco de Goya. Perro Semihundido (1820-1823). Técnica mixta. Revestimiento mural. 131 x 79 cm. Museo del Prado. Madrid. © Archivo Oronoz.

XX Liceo de cÁmara

XX LICEO DE CÁMARA
TEMPORADA 2011-2012

Opus ultimum

AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA SALA DE CáMARA

ste año no es un compositor, ni una forma o género musical, ni siquiera una época, el hilo conductor que articula la programación de la vigésima edición del Liceo de Cámara. En esta ocasión se trata de un concepto temporal y, de resultas de ello, también estilístico, raras veces explorado en las programaciones. Opus ultimum hace referencia a las producciones artísticas (no solo necesariamente musicales) nacidas al final mismo de la trayectoria de sus autores. Se trata por ello, en principio, de obras nacidas en plena madurez, con un absoluto dominio de los recursos propios, si bien por regla general se derivan asimismo muchas otras connotaciones que hacen que estas obras, por distantes que estén en el tiempo y diversos que sean sus lenguajes, suelan compartir algunas características comunes. Este tipo de creaciones o Spätwerke, por utilizar su denominación alemana, pueden adoptar un tono de despedida, un leve, marcado o penetrante aire testamentario, más aún si, como sucede en muchos casos, nacieron al calor de la sospecha –o la certidumbre– de una muerte cercana. ¿Existe, como concepto significante, el “estilo tardío”? ¿Posee elementos identificativos propios que permitan discernir si una obra concreta es encuadrable o no en esa categoría? ¿Cabe hablar de estilo tardío en compositores que, como Franz Schubert o –un caso aún más extremo– Guillaume Lekeu, murieron recién iniciada la juventud? Nadie podría poner la mano en el fuego a la hora de responder, afirmativa o negativamente, cualquiera de estas preguntas. Karen Painter afirma, por ejemplo, que el “estilo tardío no existe en ningún sentido real”, pero a
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95 al op. que se erigieron desde su nacimiento mismo en su verdadero testamento musical. De su coetáneo Franz Schubert se han programado sus dos tríos con piano. Semejante división tripartita nos remite de inmediato a los inmortalizados por Wilhelm von Lenz en su clásico Beethoven et ses trois styles. Instalados ya en el Romanticismo. remo- zado para la ocasión por quienes serán sus intérpretes. ya que fue el género al que dedicó sus últimos esfuerzos como creador. 135. no solo su estilo de última época. de Johann Sebastian Bach. formas y lenguajes premonitorios de estilos futuros. para un instrumento concreto. los Vier ernste Gesänge. por ejemplo. El arte de la fuga (aquí contrapuesta al Cuarteto op. podremos admirar páginas infrecuentes del ultimísimo Schumann (Märchenbilder. 135 de Beethoven) y la Ofrenda musical. de quien sonarán sus dos obras más emblemáticas en este sentido. 946.la vez es coeditora de un libro (Late Thoughts: Reflections on Artists and Composers at Work) que explora y reflexiona justamente sobre aquello cuya existencia viene a desmentir. ya que su autor confesó no tener ya fuerzas y sentirse demasiado viejo para seguir componiendo. del op. Un hipotético estilo tardío parece presuponer de algún modo estilos anteriores diversos: por resumir. como se hará durante esta temporada. su visionario Cuarteto de cuerda en Sol mayor y su Quinteto de cuerda. de Bach a Richard Strauss. 103. De Haydn podrá oírse uno de sus dos últimos cuartetos completados (el op. fruto de las especulaciones contrapuntísticas de sus últimos años. sino también maneras. De Wolfgang Amadeus Mozart sonará. la esencia de su pensamiento musical. el Réquiem en un arreglo para cuarteto de cuerda de su contemporáneo Peter Lichtenthal. que quedó inconcluso. obras nacidas todas ellas en los últimos meses de su vida (en los que el genio schubertiano produjo un aluvión sin precedentes de obras maestras) y que muestran. para abrir la temporada. lo que convierte a estos compases en el verdadero canto del cisne de uno de los compositores más feraces de la historia. los dieciocho conciertos del XX Liceo de Cámara intentan ofrecer una panorámica lo más completa posible de cómo los compositores. publicado en 1852. Brahms nos dejó en los últimos años de su vida una serie de composiciones con un inequívoco carácter de adiós (de la creación y de la propia vida) y en el XX Liceo de Cámara sonarán varias de ellas: el Quinteto con clarinete. muchos de los últimos frutos nacidos de la creatividad de los más grandes artífices de la cultura occidental. por ejemplo. muchas de ellas reveladoras de su precaria salud mental. destilada. hasta tal punto desligadas de consideraciones prácticas que. al menos uno juvenil y otro de madurez. Con las limitaciones obligadas que impone la necesidad de circunscribirse al ámbito de la música de cámara. las Sonatas para viola y piano o una selección de sus últimas colecciones de piezas pianísticas. algunos de los cuales no llegarían a cristalizar hasta varias décadas después de la muerte del austríaco. adoptaron en sus últimos años un estilo notoriamente diferente de los anteriores cultivados por ellos mismos y que expresan. El caso paradigmático de Beethoven (cuyo Spätstil fue estudiado en un famoso ensayo por el filósofo Theodor W. asimismo. la segunda Sonata para violín y piano). Es el caso. su Fantasía para violín y piano o sus Tres Piezas para piano D. que constituye la razón de ser de este ciclo. Adorno y que es el músico en quien el concepto parece encajar como anillo al dedo) podrán escucharse todos sus últimos cuartetos de cuerda. 77 nº 1) y el op. al menos stricto sensu. sino que tiene sentido –y resulta enormemente instructivo– escuchar reunidos. Gesänge der Frühe. los integrantes del Cuarteto Quiroga. un pequeño rosario de confesiones íntimas de un hombre solo y en- 4 5 . Lo cierto es que el XX Liceo de Cámara mostrará a lo largo de sus dieciocho conciertos que la caracterización de “estilo tardío” aplicada a muchos compositores no es un capricho de los musicólogos. la totalidad de El arte de la fuga o varios de los cánones de la Ofrenda musical ni siquiera están concebidos.

estábamos deseando volver a escuchar. Cédric Tiberghien (que tan excelente impresión causó en sus recitales con Alina Ibragimova en el XVIII Liceo de Cámara). el gran y experimentado pianista británico Roger Vignoles. el Cuarteto op.fermo. una de las voces más prometedoras de la actualidad. del Cuarteto nº 15. Liszt (cinco de sus piezas para piano de sus últimos años y la versión para cuarteto de cuerda de Am Grabe Richard Wagners) y Richard Strauss (la versión original para septeto de cuerda de Metamorfosis. como el Cuarteto nº 3 de Britten. Nos visitan por primera vez un cuarteto joven emergente del panorama español. Pieter Wispelwey. el Cuarteto Arcanto. de quien está conmemorándose en 2011 el segundo centenario de su nacimiento. como los hermanos Capuçon (que tocarán en esta ocasión por primera vez con su propio Cuarteto). Vuelven al Liceo de Cámara grupos habituales en los últimos años. Varias de sus extrañas y visionarias piezas para piano compuestas al final de su dilatada vida sonarán en dos conciertos. en el ambicioso programa monográfico dedicado al último Brahms. que quedó inconcluso tras su muerte y fue completado por su maestro Vincent d’Indy). Kirill Gerstein. sino también el final de toda una época. pero líder en esta ocasión de una pequeña formación barroca con instrumentos históricos). idéntico espíritu se trasluce en el Preludio de Capriccio de Richard Strauss. todas ellas escritas al borde mismo de la muerte. Hanna Weinmeister (en el que será también su primer recital como solista en el Liceo de Cámara) o Jan Söderblom (que presentará en España a su flamante trío). Especialmente reseñable. tres maneras diferentes de entonar una despedida de este mundo por parte del compositor soviético. la Sonata para violín y piano o la Sonata para viola y piano de Dmitri Shostakovich. asimismo. Es el caso. pero de una calidad indiscutible. pero que ofrecerá su primer recital como solista en el Liceo de Cámara). En él sonarán obras de Guillaume Lekeu (su extraordinario Cuarteto con piano. junto a otros que. Alois Posch. que será el encargado de inaugurar la temporada. Gérard Caussé. De este último se ha programado también su Sonata para violín y piano. Hacen también su debut la cantante holandesa Christianne Stotijn. de ese mundo del ayer: después de una música así. la Sonata para violín y piano y la Sonata para violonchelo y piano de Debussy. incluido su propio Quinteto con clarinete. solo cabe el silencio). 106 de Dvořák. de obra que refleja aquí no solo el fin de una vida. todas igualmente sombrías y desesperanzadas. aunque no tan veteranos. la partitura que encarna quizá como ninguna otra el concepto de opus ultimum. Aunque más breve. el Cuarteto nº 3 de Viktor Ullmann o los cuartetos de Gabriel Fauré y César Franck. por su ambición y por las propias obras que integran el programa. el Cuarteto Meta4 o el Cuarteto Hagen. que escucharemos en su versión original para sexteto de cuerda junto a otra música poco programada y muy representativa del a un tiempo melancólico y vitalista estilo de última época de su autor: el Souvenir de Florencia de Tchaikovsky. Indudable carácter testamentario tienen también otras músicas. Fauré (su Trío con piano. Daniel Sepec (también habitual como miembro del Cuarteto Arcanto. contemporáneo del ya citado cuarteto). Otro compositor que apuntó nuevos rumbos en sus últimas obras fue Franz Liszt. También regresan nombres familiares como los de Isabel Charisius (antigua violista del Cuarteto Alban Berg). su obra más conocida y un ejemplo señero de “estilo tardío”. como el Cuarteto Pavel Haas. la violinista alema- 6 7 . el Cuarteto de Tokio. el Cuarteto Ebène y el Cuarteto Belcea. Otro tanto puede decirse de las diversas composiciones de Max Reger programadas en dos de los conciertos. el Cuarteto Quiroga. no especialmente frecuentadas. Tabea Zimmermann (habitual como integrante del Cuarteto Arcanto. Antoine Tamestit (que deslumbró en el XIX Liceo de Cámara con su recital para viola sola). es el concierto de clausura de la temporada.

Solo cabe esperar que nuestro lema de este año. el respaldo incondicional e ininterrumpido que ha recibido desde 1992 por parte de la Fundación Caja Madrid y recordar. aún mantiene la cabeza enhiesta y parece empeñado en ascender la pendiente que se levanta –amenazante– ante él. y que podemos admirar en toda la grandeza de su pequeño formato en el Museo del Prado. y que continúa felizmente con nosotros. Antonio Moral. uno de los integrantes del excepcional septeto de cuerda que protagonizará el concierto de clausura del XX Liceo de Cámara. Luis Gago Programas 8 . El perro semihundido de Goya que nos acompaña en la cubierta. así como dejar constancia del excelente hacer de Inés Fernández Arias. el clarinetista Matthew Hunt (que interpretará los Quintetos de Brahms y Reger con el Cuarteto Meta4) o el joven y prometedor violonchelista francés Yan Levionnois. responsable de la coordinación del ciclo desde el comienzo mismo. justamente al conmemorar los veinte años de existencia del Liceo de Cámara. al que fuera su fundador y director artístico durante las primeras catorce ediciones. no acabe revistiéndose de tintes premonitorios y podamos seguir celebrando juntos muchas más efemérides de la que se ha consolidado como una de las series de conciertos de música de cámara más respetadas de Europa. el pianista ruso Alexander Melnikov (juntos forman una de las parejas de mayor éxito de la actualidad).na Isabelle Faust. ideado y desarrollado antes del brutal azote de la crisis. el que servirá de inmejorable tarjeta de felicitación por su vigésimo aniversario. también con gratitud. Es de justicia agradecer. Opus ultimum. y que tan buena música sin duda va a depararnos.

Adagio – attacca: Marcha fúnebre.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum I ABONO A PROGRAMA 1 Cuarteto Quiroga Aitor Hevia. Adagio – attacca: Serenata. K.30 horas 11 . Adagio – Adagio molto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 144 Elegía. 19. 20 de octubre de 2011. violín Cibrán Sierra. Adagio – attacca: Intermezzo. 626 (versión para cuarteto de cuerda de Peter Lichtenthal [1780-1853] revisada por el Cuarteto Quiroga) Introitus: Requiem Kyrie Dies irae Tuba mirum Rex tremendae Recordare Confutatis Lacrimosa Domine Jesu Christe Hostias Sanctus Benedictus Agnus Dei Lux aeterna II JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Wenn wir in höchsten Nothen sein. violín Dénes Ludmány. Adagio molto – attacca: Epílogo. viola Helena Poggio. BWV 668a DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Cuarteto nº 15 en Mi bemol menor. Adagio – attacca: Nocturno. violonchelo I WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Réquiem. op. SALA DE CÁMARA Jueves.

132 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 147 Moderato Allegretto Adagio Träume am Kamin. op. 143 (selección) I Larghetto II Con moto III Molto Adagio VII Molto sostenuto XI Andantino XII Larghetto FRANZ LISZT (1811-1886) Romance oubliée.30 horas 12 13 . op. piano I ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Märchenbilder. 131d nº 1 Molto sostenuto Vivace – Andantino – Vivace Andante sostenuto Molto vivace DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Sonata para viola y piano. S.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum II ABONO B PROGRAMA 2 Tabea Zimmermann. op. SALA DE CÁMARA Jueves. viola Kirill Gerstein. 19. 113 Nicht schnell Lebhaft Rasch Langsam. mit melancholischem Ausdruck II MAX REGER Suite para viola sola en Mi menor. 24 de noviembre de 2011. op. 131d nº 3 Moderato Vivace Adagio Allegro vivace MAX REGER (1873-1916) Sonata para viola sola en Sol menor. op.

violonchelo LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) I Cuarteto en Si bemol mayor. op. 898 Allegro moderato Andante un poco mosso Scherzo: Allegro – Trio Rondo: Allegro vivace II Trío en Mi bemol mayor.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum III ABONO A PROGRAMA 3 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum IV ABONO B PROGRAMA 4 Lukas Hagen.30 horas 15 . 130 / Gran Fuga op. ma non troppo e semplice – Allegretto – Presto – Adagio quasi un poco andante – Allegro AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. ma non troppo Alla danza tedesca: Allegro assai Cavatina: Adagio molto espressivo Overtura: Allegro – Meno mosso e moderato – Allegro Fuga: Allegro – Meno mosso e moderato – Allegro molto e con brio – Allegro Cuarteto Hagen Jan Söderblom. SALA DE CÁMARA Martes. 29 de noviembre de 2011. viola Clemens Hagen. 133 Adagio ma non troppo – Allegro Presto Andante con moto. 929 Allegro Andante con moto Scherzando: Allegro moderato – Trio Allegro moderato II Cuarteto en Do sostenido menor. SALA DE CÁMARA Jueves.30 horas 14 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violín Rainer Schmidt. piano FRANZ SCHUBERT (1797-1828) I Trío en Si bemol mayor. 131 Adagio ma non troppo e molto espressivo – Allegro molto vivace – Allegro moderato – Andante ma non troppo e molto cantabile – Più mosso – Andante moderato e lusinghiero – Adagio – Allegretto – Adagio. 15 de diciembre de 2011. 19. 19. violín Marko Ylönen. D. op. violín Veronika Hagen. D. violonchelo Arto Satukangas.

105 nº 2 Auf dem Kirchhofe. 105 nº 1 Immer leiser wird mein Schlummer. wie bitter bist du Wenn ich mit Menschen. op. 117 nº 2 Andante non troppo e con molto espressione Wie Melodien zieht es. op. 116 nº 4 Intermezzo.und mit Engelszungen redete Intermezzo op. 119 nº 1 Adagio Fantasía op. op.30 horas 16 17 . op. viola Roger Vignoles. op. Adagio Vier ernste Gesänge. 19. piano JOHANNES BRAHMS (1833-1897) I Sonata para viola y piano en Fa menor. 121 Denn es gehet dem Menschen Ich wandte mich und sahe an alle Tod. 10 de enero de 2012. 105 nº 4 Intermezzo op. largo e mesto Zwei Gesänge.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum V ABONO A PROGRAMA 5 Christianne Stotijn. 91 Gestillte Sehnsucht Geistliches Wiegenlied AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 120 nº 2 Allegro amabile – Tranquillo Allegro appassionato – Sostenuto Andante con moto – Allegro – Più tranquillo Intermezzo op. mezzosoprano Isabel Charisius. 118 nº 6 Andante. o Tod. op. op. SALA DE CÁMARA Martes. 120 nº 1 Allegretto appassionato – Sostenuto ed espressivo Andante un poco Adagio Allegretto grazioso Vivace II Sonata para viola y piano en Mi bemol mayor.

per Augmentationem et Diminutionem Contrapunctus VIII. 117 Tempo di ciaccona Fuga. Adagio Presto II FRANZ SCHUBERT Drei Klavierstücke. a 3 inversus Canon per Augmentationem in Contrario Motu Contrapunctus XIV (incompleto) Cuarteto Arcanto BÉLA BARTÓK (1881-1945) Sonata para violín solo. SALA DE CÁMARA Martes. a 3 rectus Contrapunctus XIII. a 4 inversus Canon alla Ottava Canon alla Decima in Contrapuncto alla Terza Canon alla Duodecima in Contrapuncto alla Quinta Contrapunctus XIII. violonchelo I JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) El arte de la fuga. 31 de enero de 2012. D. 19.30 horas 19 . SALA DE CÁMARA Miércoles. 135 Allegretto Vivace Lento assai. cantante e tranquillo – Più lento – Tempo I Der schwer gefaßte Entschluß. 134 Andante Allegretto Largo II LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en Fa mayor. violín Alexander Melnikov. 19. a 4 Canon per Augmentationem in Contrario Motu Contrapunctus XII. alla Duodecima Contrapunctus X.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VI ABONO B PROGRAMA 6 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VII ABONO A PROGRAMA 7 Isabelle Faust. a 3 Contrapunctus IX. a 4. piano I FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Fantasía para violín y piano en Do mayor. Sz. 946 Allegro assai Allegretto Allegro DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Sonata para violín y piano. non troppo vivo Melodia. op. a 4. a 4. in Stylo Francese Contrapunctus VII. viola Jean-Guihen Queyras. violín Daniel Sepec.30 horas 18 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. Grave ma non troppo tratto (“Muß es sein?”) – Allegro (“Es muß sein!”) AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. alla Decima Contrapunctus XI. 15 de febrero de 2012. Risoluto. a 4 rectus Contrapunctus XII. D. BWV 1080 Contrapunctus I Contrapunctus II Contrapunctus III Contrapunctus IV Contrapunctus V Contrapunctus VI. op. a 4. 934 Andante molto Allegretto Andantino Allegro vivace – Allegretto – Presto Antje Weithaas. violín Tabea Zimmermann.

216a II BENJAMIN BRITTEN (1913-1976) Suite para violonchelo solo nº 3. SALA DE CÁMARA Jueves.30 horas 21 . S. D. 956 Allegro ma non troppo Adagio Presto – Trio: Andante sostenuto Allegretto CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Sonata para violonchelo y piano Prologue Sérénade Finale AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violín Tabea Zimmermann. violoncelo Cédric Tiberghien. 16 de febrero de 2012. violín Daniel Sepec. piano I FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Sonata para arpeggione y piano en La menor. 887 Allegro molto moderato Andante un poco mosso Scherzo: Allegro vivace – Trio: Allegretto Allegro assai FRANZ LISZT (1813-1886) Valse oubliée nº 1. D. 215 Csárdás macabre. 19. 821 Allegro moderato Adagio – Allegretto Olivier Marron. 696 Bagatelle sans tonalité. SALA DE CÁMARA Jueves. op.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VIII ABONO B PROGRAMA 8 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum IX ABONO A PROGRAMA 9 Antje Weithaas. S. violonchelo Cuarteto Arcanto Pieter Wispelwey. 19. 23 de febrero de 2012. viola Jean-Guihen Queyras. 87 Introduzione (Lento) Marcia (Allegro) Canto (Con moto) Barcarolla (Lento) Dialogo (Allegretto) Fuga (Andante espressivo) Recitativo (Fantastico) Moto perpetuo (Presto) Passacaglia (Lento solenne) Mournful Song (Molto semplice) – Autumn (Vivace) – Street song (Pesante) – Grant repose together with the saints (Lento) II Quinteto en Do mayor. 224 Mephisto Walzer nº 4.30 horas 20 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. S. S. D. violonchelo FRANZ SCHUBERT (1797-1828) I Cuarteto nº 15 en Sol mayor.

op. Violino e Continuo (Largo – Allegro – Andante – Allegro) Canon perpetuus AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. op. clave y órgano I JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Cánones sobre las ocho notas del bajo del aria de las Variaciones Goldberg. Hob III:81 Allegro moderato Adagio Presto Presto Cuarteto de Tokio flauta travesera barroca BÉLA BARTÓK (1881-1945) Cuarteto nº 6. BWV 1087 Variaciones canónicas sobre la canción navideña Vom Himmel hoch da komm ich her. 114 Mesto – Più mosso.30 horas 22 II LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en La menor. Sz. 19. 19. in der Lydischen Tonart.30 horas 23 . pesante – Vivace Mesto – Marcia Mesto – Burletta Mesto CARL PHILIPP EMANUEL BACH (1714-1788) Fantasía para violín y clave en Fa sostenido menor. SALA DE CÁMARA Miércoles. violín barroco Christine Busch. violín Kazuhide Isomura. 28 de marzo de 2012. Molto Adagio – Neue Kraft fühlend. BWV 769 (instrumentación de Andreas Tarkmann) Martin Beaver. per Motum contrarium Caon a 2 per Augmentationem. 536 II JOHANN SEBASTIAN BACH Ofrenda musical. BWV 1079 Ricercar a 3 Canon perpetuus super Thema Regium Canon a 2 cancrizans Canon a 2 Violini in unisono Canon a 2. viola Clive Greensmith. contrario Motu Canon a 2 per Tonos Fuga canonica in Epidiapente Ricercar a 6 Canon a 2 Quaerendo invenietis Canon a 4 Quaerendo invenietis Sonata sopr’il Soggetto Reale a Traversa. 14 de marzo de 2012. violonchelo I JOSEPH HAYDN (1732-1809) Cuarteto en Sol mayor. violonchelo barroco Michael Schmidt-Casdorff. Andante – Molto adagio – Andante – Molto adagio (Mit innigster Empfindung) Alla marcia. 77 nº 1. assai vivace – Più allegro – Allegro appassionato – Presto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violín barroco Patrick Sepec. SALA DE CÁMARA Miércoles. Christine Schornsheim. violín Kikuei Ikeda.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum X ABONO A PROGRAMA 10 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XI ABONO B PROGRAMA 11 Daniel Sepec. H. 132 Assai sostenuto – Allegro Allegro ma non tanto Heiliger Dankgesang eines Genesenden an die Gottheit.

op.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XII ABONO A PROGRAMA 12 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XIII ABONO A PROGRAMA 13 Pierre Colombet. SALA DE CÁMARA Miércoles. 19. ma non troppo e molto cantabile – Andante con moto – Adagio molto espressivo – Tempo I Scherzando vivace – Presto – Tempo I Finale: Allegro con moto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 85 ARNOLD SCHOENBERG (1874-1951) Noche transfigurada. violín Gabriel Le Magadure. viola Antoine Lederlin. violonchelo I LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en Fa menor.30 horas 25 . violonchelo I RICHARD STRAUSS (1864-1949) Preludio de Capriccio. op. 4 Sehr langsam – Breiter – Schwer betont – Sehr breit und langsam – Sehr ruhig BENJAMIN BRITTEN (1913-1976) Cuarteto de cuerda nº 3.30 horas 24 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violonchelo Cuarteto Ebène Corina Belcea-Fisher. 11 de abril de 2012. 95 (“Quartett[o] serioso”) Allegro con brio Allegretto ma non troppo – Allegro assai vivace ma serioso – Più allegro Larghetto espressivo – Allegretto agitato – Allegro Cuarteto Belcea Antoine Tamestit. op. violín Axel Schacher. op. 70. violín Mathieu Herzog. violín Krzysztof Chorzelski. op. SALA DE CÁMARA Jueves. “Souvenir de Florencia” Allegro con spirito Adagio cantabile e con moto Allegretto moderato Allegro vivace II LUDWIG VAN BEETHOVEN Cuarteto en Mi bemol mayor. 26 de abril de 2012. viola Raphaël Merlin. 94 Duets Ostinato Solo Burlesque Recitative and Passacaglia (La Serenissima) II PIOTR ILYCH TCHAIKOVSKY (1840-1893) Sexteto en Re menor. 127 Maestoso – Allegro Adagio. op. viola Nicolas Altstaedt. 19.

19. 106 Allegro moderato Adagio ma non troppo Molto vivace Finale. “Cartas íntimas” Andante – Con moto – Allegro Adagio – Vivace – Andante – Presto – Allegro – Vivo – Adagio Moderato – Adagio – Allegro Allegro – Andante – Con moto – Adagio – Tempo I II CÉSAR FRANCK (1822-1890) Sonata para violín y piano en La mayor. 8 de mayo de 2012. violín Pavel Nikl. violín Eva Karová. viola Peter Jarůšek. 121 Ziemlich langsam .30 horas 27 .Lebhaft Sehr lebhaft Leise.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XIV ABONO B PROGRAMA 14 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XV ABONO A PROGRAMA 15 Cuarteto Pavel Haas Veronika Jarůsková. piano I ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Sonata para violín y piano en Re menor. nicht zu rasch Lebhaft Bewegt Im Anfange ruhiges. 23 de mayo de 2012. SALA DE CÁMARA Miércoles. op. op. 8 Allegretto moderato Allegro Recitativo-Fantasia. im Verlaufe bewegteres Tempo II LEOŠ JANÁČEK (1854-1928) Cuarteto nº 2. op. 19. Fantasque et léger Finale. 46 Allegro moderato e semplice Presto Largo Allegro vivace e ritmico CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Sonata para violín y piano Allegro vivo Intermède. 133 Im ruhigen Tempo Belebt. Andante sostenuto – Allegro con fuoco Hanna Weinmeister. violonchelo I ANTONÍN DVOŘÁK (1841-1904) Cuarteto nº 13 en Sol mayor. einfach Bewegt Gesänge der Frühe. Moderato – Molto lento Allegretto poco mosso VIKTOR ULLMANN (1898-1944) Cuarteto nº 3. SALA DE CÁMARA Martes.30 horas 26 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. op. M. Très animé AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violín Alexander Lonquich.

M. 146 Moderato ed amabile Vivace Largo Poco Allegretto II CÉSAR FRANCK (1822-1890) Cuarteto en Re mayor. op. viola Tomas Djupsjöbacka. quasi Marcia Finale. violín Minna Pensola. violín Atte Kilpeläinen.30 horas 29 . violín Minna Pensola. 115 Allegro Adagio Andantino – Presto non assai. violín Atte Kilpeläinen. 19. 9 Poco Lento – Allegro Scherzo: Vivace Larghetto Finale: Allegro molto II JOHANNES BRAHMS (1833-1897) Quinteto con clarinete en Si menor. ma con sentimento Con moto – Un poco meno mosso AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. op. 103. T. op.30 horas 28 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violonchelo Cuarteto Meta4 Antti Tikkanen. Hob III:83 (incompleto) Andante grazioso Menuet ma non troppo presto Cuarteto Meta4 Matthew Hunt. SALA DE CÁMARA Jueves. viola Tomas Djupsjöbacka. 31 de mayo de 2012. violonchelo I JOSEPH HAYDN (1732-1809) Cuarteto en Re menor. 121 Allegro moderato Andante Allegro MAX REGER (1875-1916) Quinteto con clarinete en La mayor. 131 Allegro Allegro moderato – Andante cantabile Allegro non più moderato. 19. I clarinete BEDŘICH SMETANA (1824-1884) Cuarteto nº 2 en Re menor. 29 de mayo de 2012.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVI ABONO B PROGRAMA 16 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVII ABONO A PROGRAMA 17 Antti Tikkanen. ma agitato e con fuoco – Molto moderato. SALA DE CÁMARA Martes. op. Presto GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Cuarteto en Mi menor.

viola Yan Levionnois. 203 Unstern! Sinistre. ma non troppo Andantino Allegro vivo (reconstrucción de la versión para septeto de cuerda de Rudolf Leopold) RICHARD STRAUSS (1864-1949) Metamorfosis AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. op. 199 Schlaflos! Frage und Antwort. SALA DE CÁMARA Martes. S. violonchelo Alois Posch. 19. 202 (versión para cuarteto de cuerda) (completado por Vincent d’Indy) Très animé. Dans un emportement douloureux Lent et passioné GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Trío con piano en Re menor. 201 Am Grabe Richard Wagners. Venezia. violín Béatrice Muthelet. 194 R.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVIII ABONO B PROGRAMA 18 Cuarteto Capuçon Renaud Capuçon. S.30 horas 30 31 . 12 de junio de 2012. violonchelo Gérard Caussé. S. 120 Allegro. viola Gautier Capuçon. S. W. violín Aki Saulière. S. 208 Mosonyis Grabgeleit. S. contrabajo Nicholas Angelich. piano I GUILLAUME LEKEU (1870-1894) Cuarteto con piano II FRANZ LISZT (1813-1886) Trübe Wolken. disastro.

Rodríguez .Crónicas musicales del estilo tardío Pablo-L.

en el primer caso uno siempre puede ser consciente de dónde se encuentra. Esas diferencias no pueden atribuirse simplemente a las disparidades entre ambos géneros. pero también la novedad del porvenir. mientras que en la segunda se subraya lo irrepetible. sabe lo que ha ocurrido desde el principio o puede anticipar lo que está por venir. El mismo autor aplica este razonamiento a la música al oponer la audición de un movimiento de sonata de Haydn o Mozart a una fuga de Bach. y surgió lo que el científico humanista Stephen J. Gould ha denominado la flecha temporal. Karol Berger explicó esa oposición entre círculo y flecha temporal comparando dos pinturas: Il ballo della vita umana al suono del Tempo (1639-1640) de Nicolas Poussin e Il mondo nuovo (1791) de Giandomenico Tiepolo. pues lo mismo sucede cuando comparamos un concierto de Mozart y otro de Bach: uno puede anticipar el final de un movimiento desde el principio en el caso de salzburgués. Padre e hijo Johann Sebastian Bach (1685-1750) plasmó esa visión circular del tiempo especialmente en sus composiciones más estrictamente contrapuntísticas.Crónicas musicales del estilo tardío Pablo-L. lo sucedido en la historia de la música en torno a 1750 va mucho más allá de la consabida transición desde una época llamada Barroco a otra denominada Clasicismo: supuso un cambio drástico en la concepción del tiempo que tuvo importantes consecuencias culturales. pero en el segundo caso no podemos predecir la extensión e incluso el propio Bach solía anunciar enfáticamente el final unos pocos compases antes para que no resultase inesperado. Rodríguez El círculo de Bach y la flecha de Mozart y Haydn. en la primera se representa la regularidad cíclica y predecible que gobierna la existencia humana. como los cánones que cultivó con especial énfasis al 35 . la concepción temporal era claramente circular y se regía por la recurrencia de meses y estaciones. Hasta mediados del siglo xviii. de lo irrepetible del presente y también de las contingencias del futuro. Sin embargo. en torno a 1750 comenzó a tenerse una mayor conciencia del pasado. pero en el compositor de Eisenach resulta imposible hasta que el ritornello final hace su aparición.

el Canon duplex übers Fundament a 5 se conocía por la copia que realizó el compositor el 15 de octubre de 1747 en el cuaderno de su amigo Johann Gottlieb Fulda. catalogado como BWV 1077. junto con el suyo propio. A = La. tibi haud ignotum: itaque Bonae Artis Cultorem Habeas verum amIcum Tuum (“Señor poseedor: no puedes dejar de saber que recordar a un fiel amigo significa ser feliz. cuya similitud con el fragmento inicial del bajo del aria de las Variaciones Goldberg quizá no sea una casualidad. signos de articulación. toma. Y. catalogados como BWV 1087 y hoy conservados en la Bibliothèque nationale de France. el viejo Kantor lipsiense utilizó con asiduidad procedimientos de soggetto cavato. conforman 36 . Por otro lado. en los dos acrósticos formados por varias de las palabras de la dedicatoria en latín: “Domine possessor Fidelis Amici Beatum Esse Recordari. C = 3 y H = 8). Parece ser que fue el propio rey flautista quien solicitó su visita por medio de su hijo Carl Philipp Emanuel. La capacidad de Bach como maestro de contrapunto trascendió la ciudad de Leipzig y llegó incluso hasta la corte prusiana de Frederick II (Federico el Grande). C = Do. a Eisenach (Isenaco en latín) y Turingia. no por casualidad los números 3 y 4 simbolizan el orden divino y el nombre de Dios. estudiante de teología y músico de Leipzig. en clara alusión a las stigmata o cinco llagas de Cristo en la cruz. de hecho. el último gran compositor de cánones. como tantos compositores desde finales del siglo xv. es decir. fechado el primero de marzo de 1749. como los hermanos Carl Heinrich y Johann Gottlieb Graun. con esa grandiosa coda donde escuchamos en stretta las cuatro melodías del coral que culmina con la firma musical del compositor (B = Si bemol. que trabajaba para él. creando temas circulares perpetuos en continua suspensión temporal. con la particularidad de que la última letra “R” significa repetatur (“repítase”). dos de ellos ya eran conocidos con anterioridad: los números 11 y 13. propiedad del clavecinista Paul Blumenroeder. aquí Bach introduce una inscripción alusiva a la pasión de Cristo representada musicalmente con cinco semitonos descendentes en la voz aguda. La I y la T hacen referencia. amigo de Bach y representante suyo en el bautismo de su discípulo Johann Christoph Altnickol. que le permitieron homenajear al destinatario o dar rienda suelta a su fascinación por las letras y los números. había una página autógrafa con varios cánones enigmáticos escritos sobre las primeras ocho notas del bajo del aria de las Variaciones Goldberg. o incluso testimonian la afición del compositor por la numerología: catorce es la suma del valor numérico de los caracteres que componen su apellido (de acuerdo con su posición en el alfabeto. del que Forkel hizo una breve y autorizada semblanza a partir de fuentes orales de los hijos de Bach. H = Si). Tras las correspondientes verificaciones llevadas a cabo en el Johann-Sebastian-Bach-Institut de Gotingaen. Bach dio esta obra a Balthasar Schmidt para imprimirla en notación enigmática. por entonces inspector de música del Ministerio de Cultura galo. B = 2. Por un lado. su nombre vuelve a aparecer. pudo confirmarse que se trataba de un ejemplar propiedad del compositor en el que no solo había añadido numerosas correcciones. En realidad. el Canon triplex a 6 fue catalogado originalmente como BWV 1076 y podemos verlo en la mano derecha del compositor en el famoso retrato que pintó Elias Gottlob Haussmann en 1746. un puente entre las Variaciones Goldberg de 1741 y la Ofrenda musical de 1747.final de su vida: fue. por tanto. Un ejemplo de ello lo encontramos en el canon sobre un basso ostinato BWV 1078. respectivamente. indicaciones de tempo o expresión a su monumental ciclo de variaciones (que sonaron el pasado año en el Liceo de Cámara en la transcripción para trío de cuerda de Dmitri Sitkovetsky). tuvo lugar el 7 de mayo de 1747 en el palacio municipal de Potsdam (destruido durante la Segunda Guerra Mundial) ante un nutrido grupo de músicos reunidos en torno al rey prusiano. Estos cánones autógrafos. donde se deletrea a través de la solmisación germana el apellido de Benjamin Gottlob Faber. El encuentro con el monarca. Se trata de cinco cánones a partir de la melodía del famoso canto navideño. sino que también había escrito en la hoja de guarda posterior del ejemplar catorce cánones bajo el título Verschiedene Canones über die ersten acht Fundamental-Noten vorheriger Arie (“Diversos cánones sobre las primeras ocho notas del bajo del aria precedente”) donde aplica procedimientos contrapuntísticos cada vez más complejos que parten de una simple exposición del sujeto y su retrogradación hasta un planteamiento a cuatro voces en aumentación y disminución. y una vez concluida la ocupación prusiana de Leipzig. Este Canon triplex fue presentado por Bach en junio de 1747 junto con las Variaciones canónicas sobre el coral navideño “Vom Himmel hoch da komm ich her” BWV 769 como prueba de su maestría en la ciencia musical para su ingreso en la lipsiense Sozietät der musikalischen Wissenschaften (“Sociedad de Ciencias Musicales”) de Lorenz Christoph Mitzler. cuyo bajo repite una y otra vez las notas Fa-La-Si bemol-Mi (F-A-B-E). pasaría ahora a situarse en tercer lugar con el fin de conformar una estructura cruciforme. A = 1. Franz y Johann Georg Benda o el mismísimo 37 Uno de los hallazgos más recientes y sorprendentes relacionados con la obra de Bach está relacionado con los cánones que cultivó al final de su vida. la localidad y la región natales del compositor. el organista y musicólogo francés Olivier Alain. aunque el compositor la revisaría en dos ocasiones tras su publicación con la intención de situar su clímax en el centro en vez de al final: el quinto canon. indicando en el título que era para órgano de dos teclados y pedalero. En enero de 1974. al cultivador del buen arte por tu verdadero amigo”). poco más de un año antes de su muerte. descubrió en Estrasburgo que dentro del ejemplar impreso de la cuarta parte del Clavier-Übung.

El 30 de septiembre la gaceta de varias ciudades alemanas recogía tanto la noticia de la inminente comercialización de la obra como el esquema de su estructura: “El desarrollo consiste en 1) Dos fugas. violín y continuo. y se encumbre la fama del rey como el ascenso de esta modulación”). aumentado y modulado: “Notulis crescentibus crescat Fortuna Regis / Ascendenteque Modulatione ascendat Gloria Regis” (“Que la felicidad del rey crezca como estas notas aumentadas. Bach representaba al viejo padre del Barroco y Frederick el hijo de una temprana Ilustración. mientras que la música de Bach era símbolo de lo antiguo y trasnochado. que podemos verificar en la fuga a seis. Fráncfort. también asistió Wilhelm Friedemann. En cierto modo. pero también en el lenguaje musical moderno del Empfindsamkeit. que Bach realizó aunque a partir de otro tema similar. era un misántropo bisexual con un matrimonio de conveniencia política sin hijos. ahondando en las técnicas contrapuntísticas más estrictas. como ha recordado James R. Al día siguiente. el rey pidió a Bach que probase los fortepianos Silbermann y éste le solicitó un tema para improvisar una fuga que dejó a todos admirados. Su visita había tenido eco en los periódicos de Berlín. el viejo Kantor también aprovecharía su viaje para visitar otros órganos de Potsdam o. Bach sentía que representaba la ancestral tradición del contrapunto que. con su refinamiento melódico y gracia sonora. El viejo Bach pretendió mostrar al monarca todas las posibilidades de su tema. incluso en la copia enviada al monarca podían leerse dos significativas dedicatorias en latín al margen de los cánones a dos y cuatro voces. representaba una mentalidad más orientada hacia el porvenir relacionada con el tiempo flecha. el nuevo teatro real de ópera Unter den Linden. Bach tampoco se resistió al juego de buscar un lema para sintetizar las pretensiones de su composición y así la palabra “ricercar” adquiere nuevo significado a través de un acróstico: Regis Iussu Cantio Et Reliqua Canonica Arte Resoluta (“A petición del rey. en Berlín. Leipzig. el contrapunto era un vestigio de una estética anticuada y consideraba tonterías religiosas los corales de Bach. el así llamado “estilo galante”. Una vez en palacio. al igual que su patrón Frederick II. 2) una sonata para flauta travesera. lo que implicaba un rechazo directo del estilo encarnado por su padre. por el contrario. el rey Frederick nunca expresó su agradecimiento a Bach y el compositor tuvo que pagar de su bolsillo los doscientos ejemplares de la edición que regaló a varios amigos o vendió a algunos interesados. una de las fuentes tradicionalmente más citadas a la hora de documentar 39 . que había acompañado a su padre en su viaje a Berlín. Sin embargo. Para Frederick. donde trascendió además la promesa que hizo al rey de escribir su tema como fuga y hacer con él un grabado en cobre. Bach se puso a trabajar en ello tras su regreso a Leipzig y lo que en principio no iba más allá de una mera transcripción de la fuga que había improvisado para el monarca prusiano terminó por convertirse en una extensa composición formada por varias partes que tituló Ofrenda musical (catalogada por Wolfgang Schmieder como BWV 1079) y que dedicó obviamente a Frederick II. Frederick II. el rey volvió a escuchar a Bach. cambió sustancialmente a lo largo del siglo xix. el canto y lo demás se resuelve según el arte del canon”). cuyo estilo había sido rechazado por los jóvenes compositores y también por sus propios hijos. Gaines en su libro Evening in 38 the Palace of Reason. llegaría al extremo de vender las planchas de impresión de El arte de la fuga de su padre como chatarra para ganar algo de dinero. algo patente al escuchar el Andante de la Sonata para flauta. la otra con seis voces obbligato. y quizá ningún conflicto padre-hijo tuvo tantas repercusiones culturales. había llegado a desarrollar teorías casi esotéricas con el espiritual propósito de la glorificación divina.Johann Joachim Quantz. * * * La historia de la relación de Bach con su segundo hijo. Si al principio se le tenía por un fiel continuador de sus enseñanzas. violín y continuo. Frederick representaba todo lo que era nuevo y elegante. lo que volvió a maravillar a todos los presentes. e incluso su imagen personal se tiñó del grisáceo de la avaricia y la tacañería. no era para Bach más que algo vacío y artificial. Está claro que Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788). Carl Philipp Emanuel. Y es que. Los rasgos de la música de Carl Philipp inicialmente relacionados con la modernidad fueron considerados a partir de entonces como superficiales. Magdeburgo y Potsdam. 3) varios cánones. la publicación de la primera edición de las obras completas del viejo Bach a lo largo de la segunda mitad del siglo terminó por enterrar la figura artística del hijo. Musicalmente. a pesar de haberse apartado del estilo paterno en favor de la modernidad. aunque en esta ocasión tocando el órgano de la iglesia del Espíritu Santo. Según la biografía publicada en 1868 por Carl Hermann Bitter. Obviamente. Federico el Grande y Bach se encontraron en el jalón que separa la cultura antigua de la moderna y lo que surgió de ese encuentro fue algo más que la mera expresión musical de aquel momento histórico. un caduco calvinista que abogaba por la tolerancia religiosa de gustos afrancesados y que presumía de no haber leído nunca un libro en alemán. al tiempo que enaltecía el natural deleite de la canción o la ornamentación armónica de una sencilla línea melódica. entre los cuales figura una fuga canonica”. por medio del canon y la fuga. una con tres. Hamburgo. el hijo mayor del compositor. el rey quiso ir más allá y solicitó otra fuga pero a seis voces obligadas. Incluso la mera comparación de ambos personajes arroja un cúmulo de diferencias más que significativas: Bach era un devoto patriarca luterano que había tenido veinte hijos y que utilizaba principalmente el alemán en su vida cotidiana. en cambio.

En una carta dirigida a Forkel en 1775 explicaba al que fuera primer biógrafo del viejo Bach la forma en que enseñaba a sus alumnos. si alguno no la tenía. No hay duda de que la intervención del segundo hijo de Bach fue decisiva para que la obra fuese publicada. estamos ante una obra inconclusa que plantea todavía hoy muchas incógnitas sin resolver. si de algo son prueba. que le exigían una obra por año. Y es que a su muerte. C = Do. 66). se implicase personalmente en la primera edición de El arte de la fuga. habló de forma irreverente de los cánones. entre estas últimas destaca el Contrapunctus IV como una de las más novedosas. le recomendaba que no se dedicara a la composición”. que el difunto dictó de memoria. que podrá escucharse como conclusión del concierto dedicado a El arte de la fuga. donde la principal cualidad que exigía era la imaginación: “En cuanto a la inventiva. e incluso hay que reconocer que siempre alabó su método didáctico. aunque ya en el siglo xix Gustav Nottebohm demostró cómo. triples. en la práctica. En realidad. Por esa razón. En realidad. en 1748 había presentado la Ofrenda musical. La primera. hoy se considera bastante controvertida la presencia al final de dos piezas que en realidad no formaban parte de la obra: el Contrapunctum XIV o “Fuga a 3 soggetti” y el conocido como “Coral del lecho de muerte” o revisión del preludio coral Wenn wir in höchsten Nothen sein BWV 668. fugas permutadas y cánones. que vería la luz en 1751. A = La. no conocemos con precisión el título que iba a darle. Por ello no debe resultar extraño que Carl Philipp. sino que además el compositor la titula “Fuga a 3 soggetti”. Por ejemplo. afirmó que eran áridas y despreciables piezas de pedantería en las que ningún compositor como tal debería sacrificar su tiempo. 272 (Wq. sino incluso una obra expresamente compuesta para la ocasión y titulada Abschied von meinem Silbermannischen Claviere. para él. algo que Christoph Wolff ha relacionado con lo realizado por Bach en el Et incarnatus del Credo de su Misa en Si menor. es la famosa fuga cuádruple inconclusa donde Bach introduce su nombre como sujeto (B = Si bemol. De hecho. Como ya vimos. La principal controversia en relación con esta fuga se debe a que no utiliza el tema de El arte de la fuga. Por otra parte. el compositor simplemente revisó y mejoró varias de las fugas o añadió alguna nueva. él exigía esta habilidad desde el principio y. Para la publicación. cuando ya estaba ciego. el 28 de julio de 1750. la obra incluye fugas simples. * * * En 1781. la última aportación al respecto de Gregory Butler argumenta que quizá esta fuga formase parte de otra colección posterior a El arte de la fuga que Bach estaba empezando a diseñar. y un año después pensaba entregar impresa la colección que estaba preparando cuando falleció y que. al dotar de gran flexibilidad armónica al sujeto. el manuscrito que conservamos de esta obra no solo está escrito en partitura de teclado. la combinación de los tres temas de la obra encajaba a la perfección con el tema principal de la colección. en vez de sobre cuatro pentagramas. pero también que su afán por incluir todo el material que tenía a mano alteró buena parte del plan original del compositor. es una nueva versión que realizó Bach del preludio coral Wenn wir in höchsten Nothen sein y que Carl Philipp añadió al final de la edición de El arte de la fuga a modo de epílogo sentimental con la siguiente justificación: “Se ha querido resarcir a los amigos de la musa con la publicación del coral sacro a cuatro voces añadido al final. en el que concluía incluso que es probable que la fuga estuviera completada y hayamos perdido la versión finalizada. en su primer año como miembro había publicado las Variaciones canónicas BWV 769. el que hoy tiene de Die Kunst der Fuge (“El arte de la fuga”) fue escrito por su discípulo y ahijado Altnickol en el manuscrito de la obra tras la muerte del compositor. Carl Philipp Emmanuel Bach vendió su querido clavicordio Silbermann a su amigo y discípulo. en la que aparece el nombre de BACH en el contrasujeto. que puede hacer alusión a su pertenencia a otra colección. el autor falleció”. aunque todo parece indicar que la mayor parte de la misma data de 1742. había tenido que retrasar hasta 1750. Carl Philipp nunca renegó directamente de su padre. junto con varios de los estudiantes de su progenitor. como el resto de El arte de la fuga. Tampoco está claro cuándo escribió Bach esta colección.ese rechazo es la crónica que publicó Charles Burney en 1773 de su conversación con él: “Cuando volvimos a tratar de la música culta. En adelante ha habido muchas teorías que culminaron inicialmente en el magno estudio de Christoph Wolff. dobles. fugas espejo. es bien sabido que Carl Philipp añadió en ese lugar en el manuscrito la siguiente indicación: “NB Mientras trabajaba en esta fuga. el barón Dietrich Ewald von Grotthus. en el envío no solo incluyó una carta. a uno de sus amigos”. La otra composición. que escucharemos por separado. Bach había dejado preparada la mayor parte de una nueva edición de cánones y fugas en cumplimiento de lo estipulado por los estatutos de la Sozietät de Mitzler. aunque en el manuscrito de Bach tan solo había catorce composiciones 40 (un número nuevamente muy representativo): doce fugas y dos cánones. conformando un espectacular tratado sobre el tema y ello fue quizá lo que atrajo a Carl Philipp a la hora de hacerse cargo de su edición. en la parte trasera del manuscrito de la misma puede leerse la indicación “und einen anderen Grund Plan” (“y otro plan básico”). H = Si) poco antes de que se interrumpa bruscamente. contrafugas. Las razones de Carl Philipp para 41 . in einem Rondo (“Despedida de mi clavicordio Silbermann. por problemas de salud. en vez de “Contrapunctus”. es de falta de genio de todos aquellos que se dedican a tan miserables estudios e involuntarias creaciones”. Carl Philipp diseñó una publicación de veinticuatro piezas. en forma de rondó”) H. En todo caso.

Bach”). antaño un bajo en el teatro de Mannheim. P. una fantasía y dos rondós: “Sus sonidos fueron palabras. esta versión catalogada como H. hechos que hemos experimentado y han dejado mella en nosotros”. Schack. que asegura en el obituario del compositor publicado en la Allgemeine musikalische Zeitung que la víspera de su muerte. fue el bajo. como el de su amigo. E. Otros testimonios. No obstante. precisamente. Sea como fuere. y Gerl. como ya había hecho antes. se caracteriza por una profusión de escalas rápidas. y él mismo (eran las dos del mediodía) cantó la parte de contralto. el flautista Friedrich Ludwig Dülon recuerda en su autobiografía su visita en 1783 a casa de Carl Philipp para hacer una audición y la impresión que le produjo escucharle tras la comida tocar en su fortepiano una sonata.desprenderse de su más querido instrumento.. deseó morir en su música”. P. su interpretación espíritu y vida. arpegios quebrados. que su última noche Mozart estuvo más ocupado en las particularidades del reparto de Die Zauberflöte. cuya concepción estilística aparece resumida dos años más tarde dentro de la definición de “cadencia” de la fundamental Klavierschule de Daniel Gottlob Türk: “La cadencia debe parecerse en todo lo posible a una fantasía creada a partir de una profusión de sentimientos y no a una pieza elaborada”. 80) no es un arreglo sensu stricto. en las posibilidades expresivas de otros instrumentos como el Tangentenflügel o el fortepiano. sostienen. asumió la de tenor. 43 . Y es que. que había adquirido en 1746 y de cuya estima dejó constancia no solo en su correspondencia sino incluso en su tratado Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen (“Ensayo sobre el verdadero arte de tocar los instrumentos de tecla”). el compositor seguía trabajando en el Requiem postrado irremediablemente en cama: “[Mozart] tenía la partitura cerca de la cama. no parecen relacionadas con su estado de conservación. Concretamente. una especie de dialecto alemán del estilo galante que fue desarrollado por Carl Philipp especialmente en el repertorio para clavicordio posterior a 1750 y treinta años más tarde en el fortepiano. Concretamente. y tampoco es difícil relacionar su construcción con la del recitativo accompagnato operístico. cuñado de Mozart. pero sí falleció componiendo una misa de difuntos. Uno a veces sueña unos minutos con los sentimientos más apasionados. Esta descripción encaja a la perfección con el Empfindsamkeit o estilo sentimental. las fantasías de Carl Philipp se relacionaron ya en su tiempo con la capacidad expresiva de un monólogo teatral. con esos imprevisibles cambios de afecto por medio de alteraciones en el pulso y la armonía. 300 (Wq. sin embargo. el compositor escribió la famosa anotación “C. Poco tiempo después de su sepelio comenzaron a difundirse por los mentideros de Viena informaciones falsas sobre las circunstancias de su fallecimiento que han perdurado hasta nuestros días a través de dramaturgos. como es bien sabido). pero sin coherencia y de forma subconsciente. cantó la línea de soprano. en una sugestiva ficción autobiográfica. y que no en otro clavicordio sino en el que tú tienes podrá ser tocado bien”. el tenor Benedikt Schank (creador del papel de Tamino). Hofer. Cantaron los primeros compases de Lacrimosa cuando Mozart rompió a llorar amargamente. la temprana muerte de Mozart sigue siendo aún hoy objeto continuo de conjeturas y especulaciones. cada pasión humana fue sometida a su ejecución y ante su exaltado genio [. concretamente. el amigo de la familia. los avances técnicos en los fortepianos que conoció tras su llegada a Hamburgo le animaron a componer cada vez con más asiduidad para este instrumento. sensible. y once horas después. partió de esta vida”. sobresaltos y silencios que conformaban un lenguaje extremo encaminado a la expresión directa. Adioses clásicos: Mozart y Haydn Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) no murió en su música. tal como pensó el propio Bach que. conservado en la Staatsbibliothek berlinesa. pero también subjetiva y opuesta a lo racional. 42 La versión de la Freye Fantasie de Carl Philipp Emanuel Bach que escucharemos en este ciclo no es la habitual (u original) para teclado solo. E. a la una de la mañana en punto (del 5 de diciembre de 1791. 536 (Wq. sino la versión que realizó de la misma también en 1787 con un acompañamiento para violín. Bachs Empfindungen” (“Sentimientos de C. Todo parece indicar que Carl Philipp pensaba en su evolución como compositor y. compositores y cineastas. como la carta de 1840 del compositor Ignaz Xaver Ritter von Seyfried.] el oyente debe temblar de felicidad”. sino más bien una segunda redacción de la misma obra. en el autógrafo de esta versión con violín. a pesar de las alabanzas que siempre dedicó al clavicordio. el compositor incluso alude a la calidad del mismo en la referida carta que acompañaba a la composición: “[Esta obra] es prueba de que uno puede componer [en él] afligidos rondeaux. a lo que añade al pie: “Quizá no resulte inapropiado comparar la cadencia con un sueño. de las emociones y que tiene en las fantasías y los rondós sus formas más habituales. tal como podemos comprobar si comparamos ambos finales.. su expresión encantamiento. Tanto el final como la referida inscripción han sido relacionados por Richard Kramer con la noción de agotamiento y cansancio que exhibe Carl Philipp en su obra durante sus últimos años de vida: “La música se sumerge y parece desaparecer en el sorprendente zumbido de las cuerdas graves del clavicordio. la famosa Freye Fantasie H. natural. además del aura de un sueño. Realmente. al menos eso se desprende de algunos testimonios. 67) de 1787 es un ejemplo muy significativo del Empfindsamkeit tardío de Carl Philipp. que seguía representándose con éxito tras su estreno dos meses atrás. dejando la partitura a un lado.

Constanze se convenció del beneficio que podía reportarle finalizar la obra y solo dos semanas después le entregó el manuscrito a Joseph Leopold Eybler. asistente más que discípulo de su marido (de hecho. que en un ardid antiitaliano convirtieron al envidioso Antonio Salieri en responsable por envenenamiento de la muerte de Mozart. sus criados suponían lo que sucedía pero lo aceptaban. quien acudió de incógnito a casa de Mozart a mediados de julio en representación de un “amante de la 44 música”. adaptada a su vez para el cine por Milos Forman en 1984. de hecho. Mozart siguió dedicado a otros compromisos. la viuda de Mozart optó entonces por entregar el manuscrito a Franz Xaver Süssmayr. quien. tal como indica Franz Xaver Niementschek en su primera biografía publicada en 1808 a partir de un testimonio de su esposa Constanze. Curiosamente. En este sentido. Tras esta primera audición. Los meses siguientes. sino también todos los intríngulis de su finalización tras la muerte del compositor. Mozart murió convencido de que había sido envenenado. e incluso pidió más tiempo para trabajar en el Requiem. Benedictus y Agnus Dei. Süssmayr era alumno de Salieri). El 10 de diciembre de 1791 se realizó en la iglesia de San Miguel de Viena una primera audición de parte de esta obra en memoria del compositor. y que afectaron tan profundamente al viejo compositor de corte que terminó sus días en 1825 completamente demente. Cuando Mozart murió tan solo había completado el Introito “Requiem Aeternam”. compositor y autor del libreto de Die Zauberflöte) donde tan solo pudo escucharse el Introito y el Kyrie. fue un evento organizado por Emanuel Schikaneder (empresario teatral. después de completar la instrumentación de la secuencia hasta el Confutatis y añadir dos compases en el Lacrimosa. del resto había escrito un boceto bastante preciso desde el Kyrie hasta el Hostias. Tras consultar a otros compositores. y la culminó con una reelaboración del Introito y Kyrie para la Communio “Lux Aeterna”. el conde era un músico aficionado y solía organizar conciertos en su castillo en Stuppach. había sido en su juventud criado del conde Franz von Walsegg y conoció de primera mano no solo todo lo relacionado con el encargo de la obra a Mozart. pagó por adelantado parte del trabajo y se interesó desde ese momento en repetidas ocasiones por la marcha del encargo. La historia de la composición del Requiem K. no obstante. la última investigación sobre el tema. A. cuya instrumentación había sido terminada para la ocasión por Franz Jakob Freistädtler. completó la obra componiendo el Sanctus. Mozart (“Verdadera y detallada historia del Réquiem de W. tal como recuerda Herzog: “Éramos todos jóvenes amigos y considerábamos que le dábamos a nuestro señor un inocente placer”. Süssmayr terminó la obra en febrero de 1792 y realizó tres copias de la misma con una caligrafía musical muy similar a la del propio Mozart: se quedó con una y entregó las otras dos a Constanze junto con el manuscrito autógrafo original. Herzog. 622 de Mozart dio un giro decisivo en 1964 cuando Otto Erich Deutsch dio a conocer el memorándum titulado Wahre und ausführliche Geschichte der Requiem von W. en febrero de 1791 le animó a honrar su memoria con el encargo de una misa de réquiem para su aniversario a Mozart.Especialmente conocidos son los malvados rumores que circularon por Viena a comienzos del siglo xix. La otra copia se la entregó al 45 . aunque se trataba de composiciones habitualmente encargadas a compositores profesionales como Franz Anton Hoffmeister. A. posteriormente convertida en ópera homónima por Nicolai Rimski-Korsakov y punto de partida de la obra teatral Amadeus (1979) de Peter Schaffer. en que siguió trabajando en la obra postrado en cama. Este “mensajero gris”. Anna von Walsegg. de las que el conde tenía la exclusividad. no parece que comenzase su composición antes del estreno de Die Zauberflöte el 30 de septiembre. que en ese año era maestro en la escuela de Wiener Neustadt. actor. muy apreciado por él (llamaría Franz Xaver a su segundo hijo) y dedicado principalmente a la composición de ópera alemana (en 1794 sería nombrado Kapellmeister en el restablecido National-Singspiel Kärntnertortheater de la corte vienesa). sin embargo. que incluía las partes solistas y el coro junto al bajo o algunas leves anotaciones instrumentales. Su salud se quebró especialmente a partir del 20 de noviembre. e incluso es posible verificar cómo en las semanas siguientes estuvo dedicado a otras composiciones como su Concierto para clarinete K. publicada hace dos años. El conde utilizó para el encargo a su abogado Johann Sortschan. Mozart”) que había escrito Anton Herzog en 1839 y cuya publicación había sido entonces prohibida. John Emsley ha aclarado recientemente que el envenenamiento pudo estar relacionado con el polvo de antimonio que le recetó su doctor para combatir la depresión que padecía. La muerte de la esposa del conde. cantante. La viuda de Mozart vendió a comienzos de marzo una de las copias al rey prusiano Friedrich Wilhelm II por una suma considerable y seguramente hizo otros negocios con la obra. esos rumores se convirtieron pronto en motivo de una opereta de Albert Lortzing titulada Szenen aus Mozarts Leben (1832) o de una tragedia ligera escrita por Alexander Pushkin titulada Mozart y Salieri (1831). 623. 622 o la Pequeña Cantata Masónica “Laut verkünde unsre Freude” K. Al parecer. concluye que el compositor falleció a consecuencia de la complicación de una simple infección por estreptococo. un miembro del estrecho círculo de colegas de Mozart. y que incluye un estudio epidemiológico en perspectiva de las muertes acaecidas en Viena entre noviembre de 1791 y enero de 1792. Süssmayr revisó las orquestaciones de Freistädtler y Eybler. como Mozart lo definió. renunció a seguir adelante. como los estrenos de La clemenza di Tito en Praga y Die Zauberflöte en Viena. donde se interpretaban obras copiadas por su mano que hacía pasar por propias.

A la luz de los estudios realizados en la últimas décadas por varios especialistas. han llevado a varios musicólogos a tratar de aportar en las últimas décadas una versión del Requiem más fiel a las intenciones del compositor. en este ciclo escucharemos una adaptación prêt-à-porter similar. ante las demandas de explicaciones por parte de algunos amigos por haber hecho pasar por suya una obra de Mozart. el conde Walsegg inventó una rocambolesca historia: al parecer. Robbins Landon. pensemos en los arreglos camerísticos de Salomon de algunas sinfonías de Haydn o incluso el que preparó Beethoven para trío con piano de su Sinfonía nº 2. al igual que hiciera poco tiempo atrás en el famoso Ave verum corpus. el Requiem completado recibió su primera audición pública organizada por el barón van Swieten a beneficio de Constanze en la Jahn-Saal de Viena. la inclusión de procedimientos dramáticos o la presencia de la Volkstümlichkeit. dotando a cada sección de un afecto diferenciado que culmina con el Lacrimosa. Pocos meses más tarde. ya que se había difundido que Mozart era su autor. como demuestra en su intervención en el Hossana. de hecho. A. En febrero del año siguiente volvió a utilizar “su” Requiem para los servicios del segundo aniversario del fallecimiento de su esposa celebrados en la iglesia de Maria Schutz. No obstante. En un reciente estudio sobre la retórica y semiótica de Mozart en relación con la Ilustración. y algo menos los retoques previos de Freystädtler y Eybler. pero para cuarteto de cuerda. está claro que los añadidos de Süssmayr. Este arreglo para cuarteto de cuerda del Requiem fue realizado a comienzos del siglo xix por Peter Lichtenthal (1780-1853). los tres intentos más destacados de com47 El Requiem es la obra más controvertida de Mozart debido a la combinación de su condición de obra tardía. pero también mantuvo una amistad con su primer hijo. que apareció en 1816 bajo el título Cenni biografici intorno al celebre maestro W. tomando este último en consideración la labor de Eybler. resultan problemáticos al no respetar la estética impuesta por Mozart en la música religiosa de sus 46 . Stephen Rumph definía su estilo eclesiástico como “una abigarrada mezcla de erudición. según los bocetos encontrados en 1960 por Wolfgang Plath. pero siguió adelante con su propósito de hacer pasar por propia la obra: hizo una copia de su mano que tituló “Requiem composto dal Conde Walsegg” y realizó su propio estreno en el Neukloster de Wiener Neustadt el 14 de diciembre de 1793. En los años setenta del siglo pasado se intentó ajustar la instrumentación de la obra a un estilo más mozartiano. sigue las pretensiones ilustradas del emperador Joseph II al componer una emotiva aria coral inspirada en la voz del pueblo que no renuncia a efectos dramáticos. en enero de 1793. Herzog informa de que el conde Walsegg sí que volvió a utilizar el Requiem de Mozart. Por lo que hemos conservado escrito por Mozart podemos deducir que estamos no solo ante la obra sacra más excepcional de su catálogo. como ese final de la Secuencia. entre sus principales fuentes contó con el apoyo de la viuda del compositor. claramente comprometida con el reformismo ilustrado del emperador Joseph II. en la Secuencia muestra todas sus habilidades como compositor teatral. Precisamente. años finales. El Kyrie vuelve a ahondar en el stile antico al plantear una doble fuga sobre el tema del coro “And with His stripes we are healed” de Messiah de Handel (recordemos que Mozart había realizado una reorquestación de esa obra en 1789 por encargo del barón van Swieten). que le llevó a conferir en esta obra un papel protagonista al coro y una importancia mucho menor a la instrumentación. Las alteraciones de Süssmayr.conde Walsegg. Mozart. ópera y Volkstümlichkeit” y esa definición resulta ideal para comprender el estilo del Requiem: me refiero a esa unión de lo erudito del stile antico. Por otro lado. otras claras influencias en el Introito son el tema del coro “The Ways of Zion Do Mourn” del anthem homónimo de Haendel (HWV 264) o el inicio del Réquiem en Do menor de Michael Haydn. y que Süssmayr sustituyó por una simple cadencia plagal con tercera de picardía. donde. del elemento popular relacionado con los himnos cantados por la congregación de fieles. aunque alrededor de 1800 se hizo con el autógrafo original del Introito y el Kyrie. como ascensos cromáticos en crescendo que simbolizan el Juicio Final. Lógicamente. El conde Walsseg interpretó este estreno como una traición a lo acordado en el contrato. ni tampoco dominaba la composición de fugas. obra maestra y obra incompleta. que conforma una práctica muy habitual en ambientes privados de la época. el conde Walsegg no podría volver a utilizar la obra. cerca de Semmering. es decir. que pensó inicialmente que se trataba del manuscrito de Mozart completado por Süssmayr. un médico residente en Milán desde 1810 y músico aficionado que compuso varios ballets estrenados en La Scala o publicó diferentes estudios musicales como el Dizionario e bibliografia della Musica o la primera biografía de Mozart en italiano. como hicieron Franz Beyer o Howard C. el aura operística o el referido elemento popular. había sido alumno de Mozart (algo completamente falso) y le fue enviando partes de un réquiem para su aprobación que fueron erróneamente atribuidas a Mozart tras su muerte. sino también ante el mejor ejemplo de equilibrio entre el contrapuntístico stile antico. En realidad. si bien en una adaptación realizada por él mismo para quinteto de cuerda en 1794. e incluso también aparece el stile antico en el Amen final que inicialmente planeó incluir Mozart como conclusión. La obra se inicia en el Introito con paso lento con un solemne motivo sincopado que termina conformando una fuga. ni Süssmayr entendió la importancia que tenía para Mozart la Volkstümlichkeit. Después de este servicio. junto a lacrimógenos contrastes sotto voce acompañados por el plañir de violines. Carl Thomas.

fecha en que desistió definitivamente de finalizarlo. como el énfasis puesto en el diálogo entre los cuatro instrumentos. completados tan solo los dos movimientos centrales. con ese aire marcial. Seguramente le habría gustado. aunque. Druce y Levin coinciden en la idea de que el Requiem es. Michael Spitzer ha planteado el oratorio La Creación (1796-1798) como una especie de comentario filosófico personal a esa ópera de Mozart o incluso ha apuntado dos homenajes fácilmente reconocibles: el Adagio cantabile de la Sinfonía nº 98 (1792) de Haydn como pastiche del movimiento lento de la Sinfonía nº 41 “Júpiter” de Mozart o el fragmento del aria de Simón. A comienzos de 1802. 76 y ahonda en una síntesis global que abarca la chispa popular y la riqueza tonal. el tema principal del Presto final es un kolo. El segundo movimiento se queda a medio camino entre la forma sonata y el tema con variaciones. El tercer movimiento es claramente un scherzo en el que volvemos a encontrar ecos populares del pastoralismo típico del Haydn tardío. cuando él ya se encontraba en esos primeros años del siglo xix en el crudo invierno de su vejez. algunos especialistas como Harold C. donde. dejando. es decir.pletar la obra han sido realizados en torno a 1991. 49 . ante todo. El tema inicial del Cuarteto en Sol mayor. quizá por esa razón. por Duncan Druce. De hecho. Joseph Haydn (1732-1809) nunca compuso una misa de difuntos. pues Lobkowitz había encargado un ciclo similar al compositor de Bonn que terminaría por convertirse en su op. en ellos Haydn renuncia a las excentricidades sinfónicas del op. Precisamente. 103 se la otorgó ese mismo año la edición parisina de André) junto a una tarjeta de visita enviada por el compositor con su habitual sentido del humor y en la que cita el comienzo de la parte de soprano del cuarteto vocal Der Greis. Estos dos movimientos. Haydn siguió componiendo un Andante grazioso para ese tercer cuarteto hasta 1803. El más radical de todos es Maunder. a pesar de que es posible que parte de sus añadidos partieran de esbozos del propio Mozart que fueron destruidos. año del bicentenario de la muerte del compositor. verdadero “canto del cisne” haydniano como lo denominó su amigo y primer biógrafo. que seguramente deriva de alguna danza popular. no obstante. Son siempre referencias muy sutiles. cuando el 15 de junio de 1809. serían publicados en 1806 por Breitkopf & Hartel (la denominación de op. estos tres últimos musicólogos toman en consideración los bocetos encontrados por Plath. Georg August Griesinger. Por ejemplo. al no poder completarlo. en el Invierno de Las estaciones (1799-1801). tal como había manifestado personalmente a su padre en 1785. Levin. XXVc:5: “Hin ist alle meine Kraft. y en él se desarrollan al margen de connotaciones populares aspectos del primero. tras repetir el verso “Erschöpfet deines Sommers Kraft” (“Agotadas las fuerzas de tu verano”). aunque se ha conservado un borrador del bajo del movimiento inicial. Hob. op. que permiten completar el Lacrimosa con un Amen fugado. alt und schwach bin ich” (“He perdido toda mi fuerza. dos semanas después de su muerte. Parece que el tremendo esfuerzo que supuso para Haydn la composición del oratorio Las estaciones fue lo que le impidió culminar en 1799 el encargo del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz para componer seis cuartetos. permitió que Artaria sacase a la venta en septiembre de ese año tan solo los dos primeros cuartetos como op. o se ahonda en colores tonales más diferenciados. ya recuerda el ritmo bókazó del folclore popular húngaro. quien rechaza en gran medida la labor de Süssmayr. se celebró un solemne servicio fúnebre dedicado a él en la Schottenkirche de Viena se interpretó el Réquiem de Mozart. 18. * * * En su larga trayectoria musical. más recientemente. Mark Anson-Cartwright encontró ya en 2000 ecos de la arietta de Cherubino “Voi che sapete” de Le nozze di Figaro en el esquema tonal del desarrollo del primer movimiento del Cuarteto op. 77. 77 nº 1 (Hob. por tanto. a continuación todo el segundo cuarteto y después los tres movimientos restantes del primero. pero también el donaire social o la ternura lírica. Maunder y Robert D. una obra coral y en la que la instrumentación del Introito (la única que completó Mozart) muestra cómo el compositor quería que la orquesta realizase tan solo un moderado acompañamiento de las voces. Ro48 bbins Landon sostienen que. Haydn renunció a terminar el ciclo para evitar una comparación con su discípulo Beethoven. el hombre anciano. pero que manifiestan la tristeza de quien vio morir en el cálido verano de su juventud al mejor compositor que había conocido en persona. especialmente llamativo resulta aquí el trío. pues en sus obras posteriores a 1791 es posible encontrar varios homenajes al compositor salzburgués. que simboliza el sonido de las espuelas de los caballos. No hay duda de que los llamados “Cuartetos Lobkowitz” construyen una culminación ideal a cinco décadas dedicadas a la composición para dieciséis cuerdas. en realidad. estoy viejo y débil”). III:81). 64 nº 3 (1790) del músico de Rohrau. Haydn inició el minueto de un tercer cuarteto con intención de publicar al menos los tres primeros. La composición de los dos primeros cuartetos del ciclo fue realizada conjuntamente: los estudios de László Somfai sobre el autógrafo de ambos cuartetos que se conserva en la Biblioteca Nacional Széchényi de Budapest permiten concluir que Haydn compuso en 1799 el primer movimiento del que abre el ciclo. Richard F. Haydn concibe el segundo tema como una reinterpretación del primero o el breve motivo melódico que aparece a continuación deriva igualmente de una parte del tema inicial. cita las apoyaturas descendentes en ostinato del movimiento lento de la Sinfonía nº 40 de Mozart.

Los últimos seis cuartetos de cuerda constituyen el observatorio ideal de este exilio beethoveniano: “En ellos encuentro cristalizado del modo más puro el estilo tardío”. sino más bien relacionada con la obstinación. los seis últimos cuartetos y las diecisiete bagatelas para piano. pero también de Carl Philipp Emanuel Bach. En el caso concreto de Beethoven. De todas formas. y que caracteriza la historia de la cultura posterior a 1750. sino que introdujo la distinción entre lo temprano y lo tardío. Philosophie der Musik. comienza denostando las dos características habitualmente relacionadas con el estilo tardío en Beethoven: la riqueza polifónica y 51 La esencia del Spätstil: Ludwig van Beethoven El interés por el fluir temporal desde el pasado hacia el futuro. áspero y desequilibrado. no por casualidad. Adorno en 1937 al referirse al estilo tardío o Spätstil de Ludwig van Beethoven (1770-1827). el ensayo de Said. Barone). Este exilio autoimpuesto –esta catástrofe– se manifiesta en la música tardía de Beethoven por medio un planteamiento episódico. las obras finales de Beethoven. es decir. las dificultades y ambigüedades. sino que se benefició además de la sólida tradición de estudios literarios en relación con este tema. El texto de esa conferencia. tal y como hemos visto en la última composición comentada de Haydn. 130-133 y 135. en la actualidad tan solo existen monografías sobre el tema en relación con Beethoven (Maynard Solomon y Michael Spitzer). no solo resultó pionero en el ámbito de la musicología. Mozart o Haydn. y que contrasta con el trío central convertido casi en un nostálgico himno en Re mayor. Edward Said explica con claridad en su ensayo póstumo sobre el estilo tardío las razones por las que Adorno estaba tan interesado en las obras tardías 50 . es el Menuetto ma non troppo presto en Re menor. No obstante. por lo inestable. un discurso fragmentario. de un modo por completo paradójico. Do sostenido menor o Mi mayor. Said sigue la estela de Adorno junto al clásico estudio de Rose Subotnik sobre este y se interesa principalmente por una orientación más problemática del concepto. el conglomerado de las cinco últimas sonatas pianísticas. Hawkins o Forkel. cuya imagen tardía es la de un artista furioso y trastornado. que Rosemary Hughes ha retratado poéticamente en su librito de la BBC sobre los cuartetos de Haydn como “la última chispa de una llama ahora cautiva en un cuerpo exánime”. Todavía más sorprendente. no solo favoreció el nacimiento de la historicidad. abandona la comunicación con la sociedad a la que pertenece en favor de la contradicción y el distanciamiento. tras llegar a ser dueño absoluto del medio. expresaban un espíritu de reconciliación o alcanzaban una milagrosa transfiguración. Sorprendentemente. Por tanto. es esencialmente monotemático. en las que Haydn transita por tonalidades como Sol bemol mayor. afirmaría Adorno en 1966 dentro de una conferencia radiofónica sobre el estilo tardío de Beethoven centrada precisamente en el comentario analítico y filosófico de los Cuartetos opp. conforman un acontecimiento histórico en nuestra cultura moderna en el que el artista. la Missa Solemnis. es decir. constituyen la esencia del aspecto innovador de la música moderna de nuestra era”. que hemos visto en las obras tardías de Mozart y Haydn. la editorial Artaria los publicaría en 1807 como op. Wagner (Anthony E. que se pone de manifiesto en las pioneras historias de la música de Burney. la Novena sinfonía. el fruto maduro puede volverse inestable. Sin embargo. Ambos movimientos siguen la misma estela de síntesis. 127. amargo. por lo tardío no tanto como armonía y resolución de una vida de esfuerzo estético. publicadas por Forkel. dividida por ausencias o silencios. 103 están claramente relacionados con los “Cuartetos Lobkowitz”. rugoso. pero también de apertura al futuro y. Schumann (Laura Tunbridge). así. El punto de partida del mismo es el hecho de que la obra de un gran artista y su pensamiento adquieren un nuevo lenguaje al acercarse al final de su vida y ese nuevo lenguaje es lo que se conoce como estilo tardío. con ideas que se yuxtaponen sin transiciones. las catástrofes son las obras tardías”. 77 nº 3. Los dos movimientos del op. el pensador de la Escuela de Fráncfort introduce un matiz calamitoso en la obra tardía al considerarla más alejada del arte y más próxima a la historia: “En historia del arte. que varios años después fue incluido dentro de su libro póstumo Beethoven. tal como planteó Theodor W. Niementschek y Griesinger entre 1802 y 1809.una danza de rueda de origen croata que Haydn pudo conocer en su juventud. En adelante se generalizaría la noción de que los compositores reflejaban en sus obras tardías una especial madurez estética. pone el ejemplo de Ibsen. de Beethoven: “El motivo por el cual el estilo tardío de Beethoven caló tan hondamente en los escritos de Adorno es que. inmovilizadas y socialmente resistentes. Brahms (Margaret Notley). aunque llaman poderosamente la atención las dos partes de la sección central. los estudios sobre el estilo tardío no han formado parte de la agenda del musicólogo hasta fechas muy recientes. que se publicó en 2007 a partir de las anotaciones dejadas por el autor antes de su muerte en 2003. aunque está construido en forma sonata. Schubert (Susan Youens). o incluso también en las primeras biografías de Bach. Puccini (Andrew Davis) o Debussy (Marianne Wheeldon) y la mayoría de ellas han aparecido en los últimos cuatro años. que se inicia con un violento despliegue canónico de tintes cromáticos cuya tensión se libera en un tremendo compás de silencio. Said defiende la idea adorniana de que las obras tardías de Beethoven. el Andante grazioso en Si bemol mayor con una forma habitual ABA se inicia con un tema encantador que pronto es conducido hacia escenarios cromáticos o contrapuntísticos.

como sucede con el Vivace del op. 127. estudios podemos encontrar similares divisiones a partir de referencias cronológicas. 132. y la intensidad expresiva. como la reacción de un hombre envejecido y sordo. Ya en 1818. la yuxtaposición de ideas sin apenas transiciones que podemos encontrar en el Presto del op. 131. tercero y quinto son severos. los testimonios sobre la recepción de los últimos cuartetos muestran claramente las enormes dificultades del público más especializado para seguir las propuestas de Beethoven.] Estos dos fragmentos fueron frenéticamente aplaudidos y repetidos como bis. Así. Para Adorno. permitieron establecer criterios de periodización más precisos relacionados con sus datos biográficos o con la evolución de su proceso creativo. No obstante. escribió lo siguiente: “Los movimientos primero. solo el segundo y el quinto son ricos en alegría y finura. o la capacidad de compresión del contenido que manifiesta esa “fórmula mágica” con que se inicia el Presto del op. como una escritura china”. 130 en su versión original con la Grosse Fuge op. aunque en la actuali53 Las primeras divisiones de la obra de Beethoven en varios períodos creativos o estilísticos son tan antiguas como el propio compositor. 131). precisamente esa tendencia suele relacionarse con las Sonatas para piano opp. Sin embargo. como el opus 100 que marca el inicio del período tardío en la biografía de Anton Schindler (1840). Esa disociación. medio y tardío) y en sucesivos 52 . o los números de opus. pocos autores se ponen de acuerdo sobre las obras que representan los hitos en su desarrollo creativo y. 132. Para algunos autores fue el doloroso fracaso de su relación con la “amada inmortal” en 1813 lo que marcó el inicio de su período tardío. que llegará mucho más adelante. esta opción sitúa la gigantesca Missa Solemnis op. 130. junto a los pioneros estudios de Gustav Nottebohm sobre los borradores del compositor (1865). Desde luego. donde la jerarquía aparece diluida y encontramos la separación de acentos rítmicos de los armónicos que manifiesta la Cavatina del op. Adorno aporta también varias características novedosas centradas en los Cuartetos opp. cobró una gran importancia estilística lo acontecido tras su traslado a Viena en 1792.. que era un gran amante de la música orquestal y disponía de un magnífico conjunto instrumental en su palacio. cuando su deterioro físico y mental motivó un mayor aislamiento social que se traduce musicalmente en obras más serias y espirituales. 130. tal como apunta el pensador de la Escuela de Fráncfort. 98. es decir. 90 y 101. Y es que. esa idea fascinante de rupturas y discurso musicalmente agujereado que muestra el segundo tema del movimiento inicial del op. el espíritu del final fugado pareció incomprensible. como el de Michael Spitzer. tras asistir el 21 de marzo de 1826 al estreno del Cuarteto op. el estatismo tonal. como el año 1800 para separar el período temprano del medio en la monografía de Wilhelm von Lenz (1852-1853). Thayer (18661879). Sin embargo. La monumental biografía en tres tomos de Alexander W. [. 102 o el ciclo de Lieder titulado An die ferne Geliebte (“A la amada lejana”). Sin duda. el crítico de la Allgemeine Musikalische Zeitung. Esta renuncia es lo que otorga a esta música la referida seriedad que tantas veces se ha relacionado con la muerte y –efectivamente– hay tintes macabros en algunos movimientos de estos cuartetos. por ejemplo. que propuso ya en 1857 una periodización más restrictiva pero no menos interesante al asignar únicamente los tres últimos años de vida del compositor a su período tardío. aunque nunca al tonal. sino como una novedosa renuncia a lo afirmativo y al hedonismo musical que caracterizaría a la música del siglo xx. otros autores sitúan el inicio del tercer período creativo de Beethoven en 1818. op. acerca de las que funcionan de bisagra entre el período medio y tardío. las posibilidades de dividir la obra de Beethoven en varios períodos creativos son infinitas y resultan de gran utilidad tanto para el estudioso como para el melómano. 106.. y ello afecta al principio formal clasicista de esta música. especialmente. 123 como punto de partida del períiodo tardío y coloca a la Sonata para piano op. coincidiendo biográficamente con el inicio de los cuadernos de conversación. El estilo tardío en Beethoven no debe verse. hay algún autor. junto a la Sonata para violonchelo y piano op. “Hammerklavier” como culminación del período medio. que el compositor llevaba consigo para poder comunicarse ante el irremediable empeoramiento de su sordera. Por ejemplo. 133 como final. el imponente movimiento final del Cuarteto op. los años que siguieron al estreno en 1824 de su Novena Sinfonía y que se centran precisamente en la composición de los Cuartetos opp. estatismo. lo importante es la seriedad de la que parte el compositor y la espiritualidad que alcanza tras renunciar a todo lo accesorio hasta el punto de llegar a la disociación y la desintegración del discurso musical. un escritor francés anónimo hablaba de tres períodos en la obra del compositor alemán (temprano. compresión y separación de lo popular y lo erudito es lo que diferencia claramente al Beethoven tardío de Haydn o Mozart. 131 y 132 que han sido profundamente desarrolladas por otros estudios posteriores. como Alexandre Oulibicheff.contrapuntística. oscuros y místicos y al mismo tiempo extraños y caprichosos. 130-133 y 135 que escucharemos en este ciclo. la búsqueda de nuevos caminos a partir de 1802 se relacionó con la superación de la depresión que le produjo la noticia de su progresiva sordera y su crecimiento como sinfonista en la primera década del nuevo siglo se puso en relación con el mecenazgo del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz. pues hay movimientos en los últimos cuartetos que pertenecen estéticamente al periodo intermedio (por ejemplo. 130. De todas formas.

pues las diferencias entre los seis Cuartetos op. mientras que convierte la tercera en un momento muy especial (introduce la indicación “Beklemmt” –“angustiado”–) en el que el violín intenta cantar pero su voz se quiebra una y otra vez. el cuarteto se inicia con la exposición de una fuga en Do sostenido menor cuya resolución temática (y dramática) no llega hasta el último movimiento. esto es. optó por una estructura más convencional en cuatro movimientos. tantôt recherchée” (“Gran fuga unas veces libre. 95. Al final. hay autores que prefieren distinguir tan solo dos fases. Los Cuartetos op. ante un resumen casi místico de la vida y el pensamiento de Beethoven que culmina en el op. en este sentido. en este caso. el fugato del movimiento lento podemos encontrarlo en el primer movimiento del op. también conocido como Grosse Fuge o “Gran Fuga”. Estamos. 132. 127.dad siga defendiéndose la división en tres períodos. había previsto la inclusión de un movimiento denominado “La gaieté” después del Adagio y un movimiento lento adicional que precedía al Finale. por tanto. La interpretación que suele dársele hoy a este movimiento ha dejado a un lado el trivial episodio relacionado con el pago de unos derechos al compositor para centrarse en la carta que escribió Beethoven al editor Moritz Schlesinger y en la que afirma lo siguiente: “Ya ve que soy un hombre infeliz. 127 lo encontramos en los cuartetos siguientes. pero también dispone de un extenso Adagio adicional tras el segundo movimiento titulado “Heiliger Dankgesang” (“Canto sacro de acción de gracias”) que se convierte en el punto de inflexión del cuarteto. los tres “Rasumovsky” (1806) y los seis últimos opp. 18 (1800). aunque el primero de ellos no lo terminaría hasta febrero de 1825 debido a la finalización de la Novena Sinfonía y la Missa Solemnis. como la sensación de compresión que tiene ese mismo movimiento en el op. 130 que Beethoven relegó tras la primera audición de la obra en marzo de 1826. 127 es posible saber que Beethoven había planificado una obra en seis movimientos. dos fases intermedias afectadas por el referido intimismo o dos períodos finales jalonados por la Novena. aunque el esquema previsto para el op. 74. “¡Debe ser!”). 131 en siete secciones sin solución de continuidad a partir de un complejo esquema tonal que parte de Do sostenido menor y regresa a esa tonalidad. en realidad. Ya en el movimiento inicial podemos reconocer características apuntadas en los cuartetos posteriores. 132 y 130. ya puede suponer lo que significa el ‘debe ser’”. tal como hace en el op. sino porque se lo había prometido y necesito dinero. se trata no solo de un agradecimiento a Dios por haberse recuperado de una grave enfermedad. o incluso de preceder el movimiento final con una breve introducción de textura vocal y aire operístico. La mayor. donde se utiliza una convencional pero muy efectiva forma sonata. “Serioso” (18101811) formarían parte de la etapa intermedia. 130-133 y 135 (1824-1826) claramente delimitan las tres fases de la producción beethoveniana. Beethoven retrasó más de cinco años su publicación y cuando la permitió no dudó en informar en una carta fechada el 7 de octubre de 1816 a Sir Georg Smart lo siguiente: “Este cuarteto se ha escrito para un reducido círculo de connoisseurs y nunca debe ser interpretado en público”. el op. Mi mayor y Sol sostenido menor. 133. tras pasar por Re mayor. siguiendo el consejo del editor vienés Matthias Artaria. Para él escribiría los Cuartetos opp. 135 con un movimiento titulado “Der schwer gefasste Entschluss” (“La decisión difícil de tomar”). 131. Por su parte. aunque el último de ellos. sino también un ejemplo de la seriedad y espiritualidad que impregnan estos cuartetos y una música en que Beethoven utiliza el modo lidio tratando de evocar a su manera el pasado. Al final fue publicada por separado en mayo de 1827 con el título en francés de “Grande Fugue tantôt libre. no solo este cuarteto era difícil de escribir. otras rigurosa”). cinco meses más tarde recibiría un encargo de tres cuartetos de cuerda del príncipe ruso Nikolas Galitzin. Beethoven había anotado 55 . 132 viene precedido 54 de un breve recitativo. Ya se ha indicado que el Finale del op. la división en tres períodos resulta ideal a la hora de explicar la evolución de los cuartetos de cuerda. en el que el compositor suscribe cada uno de los dos motivos principales del Grave y el Allegro a una pregunta con su respuesta: “Muss es sein?”. es en realidad el último movimiento de la primera versión del op. porque estaba pensando en hacer algo mucho mayor. Si menor. 135. un Beethoven heredero del pasado y otro modelador del futuro (algo que ya defendió el propio Liszt). una periodización de la obra de Beethoven resulta más o menos útil si nos detenemos a examinar un género musical concreto. Tras el Quartetto Serioso. Beethoven no volvería a interesarse por esta formación hasta junio de 1822. En todo caso. 127. también la idea de acotar la tesitura en la transición de un movimiento a otro. Beethoven divide el op. “Las arpas” (1809) y op. tal como sucede con el recitativo que precede al Finale del op. Por último. en este movimiento dispone dos frases melódicas repetidas. constituye una ideal transición al estilo tardío. “Es muss sein!” (“¿Debe ser?”. el op. 131. que escucharemos en este ciclo. Esta obra ejemplifica con claridad la intención del compositor de unificar y condensar el fluir de una obra de principio a fin. al tiempo que otros se enfrascan en complejas subperiodizaciones que distinguen dos periodos tempranos separados entre Bonn y Viena. Por el borrador conservado del op. un admirador de Beethoven y violonchelista aficionado que residía en San Petersburgo. y esto es lo que me ha salido con mucha dificultad. 130 dispone igualmente de un Andante tras el segundo movimiento o hace preceder el Finale de una Cavatina de nuevo en clara alusión a la vocalidad operística.

Sea como fuere. 624) en compañía del editor Anton Diabelli y los apuros que pasó el joven compositor vienés al detectar Beethoven un pequeño problema en la obra. por lo que Schubert. quien en agosto de 1826 anotaba lo siguiente: “Schubert está fuera de sí (lo que necesita son ‘jóvenes pavos reales’ como Benvenuto Cellini)”. Esa anotación alude claramente al universo de contrastes y antagonismos continuados al que nos enfrentamos en una audición de esta compleja partitura. por ejemplo. sobrevivió a la sífilis. le sigue la Fuga. era habitual que un enfermo de sífilis apenas saliera de casa en las primeras fases de la enfermedad. a pesar de vivir en Viena la práctica totalidad de su corta vida. tamente relacionada con su enfermedad. Al parecer. que por entonces comenzaba a ser conocido en Viena. al explicar que Bauernfeld tan solo pudo conocer las memorias de Cellini traducidas por Goethe y allí los jóvenes pavos reales se citan como parte de una dieta saludable para superar su enfermedad. sobrino de Beethoven. 10 (D. también han podido documentarse affaires amorosos con Therese Grob y con la princesa Carolina Esterházy. este trabajo fue tan aceptado como denostado por numerosos estudiosos. tanto libera quanto rigorosa”. a finales de 1822. Y es que el compositor vienés ya no se asocia con el mito romántico del jovencito descuidado que murió prematuramente. Rita Steblin desmontó ya en 1993 muchos de los argumentos de Solomon y aclaró el episodio relacionado con los pavos reales de Cellini. culminando espectacularmente y a ritmo de tarantella. uno de los más famosos y creativos artistas homosexuales de todos los tiempos y que. pues Beethoven combina aquí el rigor de una fuga con una elaboración musical completamente libre. es imposible reconstruir la conversación entre Beethoven y su sobrino sobre el compositor vienés. En la poco fiable biografía beethoveniana de Anton Schindler encontramos documentada una visita de Schubert a Beethoven en 1822 para entregarle un ejemplar de las Variaciones sobre una canción francesa para piano a cuatro manos. donde Beethoven yuxtapone las principales secciones de la posterior fuga en orden inverso. se trataba de un trabajo psicoanalítico a partir de numerosos testimonios en torno a la época del compositor que revelaban una doble naturaleza en Schubert: una mezcla de la gaieté vienesa y una profunda melancolía. aunque se piensa en una posible orientación bisexual pues. que aglutina prácticamente todo lo escuchado. pero la razón por la que Schubert se ocultaba por entonces estaba direc56 . Las investigaciones publicadas en las últimas décadas sobre la vida privada de Schubert han reinterpretado su estilo tardío al profundizar en su personalidad. 57 Un aluvión de despedidas Franz Schubert (1797-1828) apenas trató personalmente a Beethoven. Un documento algo más fiable es la anotación que hizo Karl. se vio obligado a cancelar varias invitaciones sociales. cinco días antes de morir y ya postrado en cama. pueden reconocerse condensados en esta obra tanto la forma sonata como la fuga. a pesar de su vinculación con un círculo muy exclusivo de amigos masculinos. procedía del diario del dramaturgo Eduard von Bauernfeld. perdóneme si me veo obligado a molestarle tan pronto con otra carta. curiosamente. de hecho. El estudio concluía con la hipótesis de que Schubert era homosexual y uno de los principales testimonios para esa afirmación. pero se dice que él se mantiene oculto”. Y es que. Schubert había contraído la sífilis al frecuentar varios prostíbulos. Y es que la admiración que sintió Schubert por Beethoven fue perenne. sino más bien con un hedonista atormentado por sus pasiones venéreas y sumido en una profunda depresión motivada por una enfermedad que le llevaría a morir a los treinta y un años. op. la primera noticia sobre su enfermedad la encontramos en una carta que escribe al director de orquesta Franz von Mosel en febrero de 1823: “Por favor. una enfermedad por entonces mortal y cuyos pacientes no solían superar los diez años posteriores a su diagnóstico. hemos conservado un poema suyo titulado “Mein Gebet” (“Mi plegaria”) fechado en mayo de 1823. hoy no se duda acerca de la promiscuidad de Schubert. 131 de Beethoven. que precisamente daba título al estudio. Ferdinand consiguió que el violinista Karl Holz reuniera a miembros del Cuarteto Schuppanzigh para realizar una audición privada de la obra el 14 de noviembre de 1828. De nuevo lo encontramos en la problemática biografía de Schindler y es un testimonio personal donde reconoce que mostró a Beethoven en su lecho de muerte los manuscritos de algunos Lieder de Schubert y éste exclamo impresionado: “Verdaderamente en Schubert está la chispa de la divinidad”. la variación y hasta la suite de danzas: se inicia con una Ouverture. que es doble y se desarrolla tanto conjuntamente como por separado hasta la coda. en uno de los cuadernos de conversación durante una visita a su tío en el verano de 1823: “Ellos elogian a Schubert. pero tan solo se conoce uno a la inversa. Karl Nohl recoge esta anécdota y da testimonio de la gran impresión que produjo esa obra en Schubert: “¿Qué podemos escribir después de esto?” Son muchos los testimonios de admiración y homenaje hacia Beethoven en la biografía y la obra de Schubert. No obstante. Ello sumió al compositor en una progresiva depresión que le llevó incluso a cultivar esporádicamente la poesía. pero por razones de salud no puedo salir de casa”. Un famoso estudio de Maynard Solomon inició en 1989 toda una discusión en torno a la sexualidad de Schubert. Obviamente. como lo demuestra el hecho de que.ese mismo título –pero en italiano– en su manuscrito: “Grande Fuga. una referencia que Solomon interpretó en relación con lo que sabemos hoy acerca de Cellini. o un interior poético unido a un exterior hedonista. pidiera a su hermano Ferdinand poder escuchar el Cuarteto op.

y que en su profunda desesperación hace las cosas cada vez peor en vez de ir mejorando. y según testimonio del compositor Franz Lacher. Vogl poca voz. El Scherzo adquiere un aire mendelssohniano. 821. Schubert estaba completamente deprimido. todo ello unido al consumo masivo de té y la toma de baños frecuentes. A las penurias personales de Schubert se unían una y otra vez las profesionales derivadas de los problemas que tenía para estrenar y publicar sus obras. al que la felicidad del amor y la amistad ya no tienen nada que ofrecerle sino a lo sumo dolor. el 29 de marzo de 1827. aunque de existencia efímera. y es el Allegro assai el movimiento más schubertiano. y donde el uso de bruscos cambios de dinámica aporta una energía adicional. y estaban tan concentrados en su interpretación. se refugió en el castillo de Eisenstadt junto a varios amigos y colegas hasta altas horas de la madrugada. al igual que en el Andante con moto que le sigue. no solo es uno de los más interesantes. La obra se publicó en 1871 con 58 . Al término del mismo. precisamente a través de las memorias de este joven estudiante. Un mes más tarde inició un tratamiento centrado en una dieta equilibrada. pues cada vez que me voy a la cama espero no volverme a levantar. al que llegó con poco más de veinticinco años. transcripción de la parte de arpeggione para violín y violonchelo (con este último instrumento la escucharemos en este ciclo) y consta de tres bellos movimientos: un Allegro moderato con forma clásica de sonata. variados y creativos. Schubert fue invitado a cenar con Katharina Lászny. llegaron a decirle a Schubert que se dedicase a los Lieder. Bien podría cantar esto ahora todos los días. digo. que le obligaron a llevar la cabeza rapada. 802. el inventor del arpeggione. sino que los miembros del Cuarteto Schuppanzigh (que. lo que animó a Schubert a introducir varios cambios para el estreno oficial. a quien el entusiasmo (al menos de la estimulante variedad) por las cosas bellas le está desapareciendo. D. 118 sobre un texto del Faust de Goethe]. que es un encantador Ländler. En marzo. tal como lo demuestra una carta que escribe a su amigo Josef Kupelwieser: “Me veo como la criatura más infeliz y desgraciada del mundo. No puede descartarse que Schubert visitase a Beethoven en su lecho de muerte. pues no está documentado que colaborase con Johann Georg Stauffer. Pero Schubert no cejó en su empeño y en junio de ese año escribió otro cuarteto (el último). lo que sí está claro es que asistió a su funeral. como ya vimos. al mismo tiempo. sino también uno de los más contradictorios y fascinantes.. llamado Ferdinand Hiller. mucho más extenso y ambicioso que el anterior: el Cuarteto en Sol mayor. 804 o las Variaciones para flauta y piano sobre “Trocken Blumen” D. 887. que ninguna de las magníficas composiciones que escuchamos habría sido posible interpretarlas con tanta claridad y. dolor de huesos y unas molestias en el brazo izquierdo que le impedían tocar el piano. Se inicia con una introducción que explora las posibilidades de los juegos modales menormayor y en el Allegro molto moderato propiamente dicho destaca la labor del violonchelo. con veintisiete años recién cumplidos. cuyas principales esperanzas han desaparecido. de estas obras anotaría en un cuaderno lo siguiente: “Lo que he escrito es el resultado de mi comprensión de la música y las desgracias”. participaron por entonces en la primera audición de los últimos cuartetos de Beethoven). Schubert tenía poca técnica.El estilo tardío de Schubert. una soprano casada con un noble húngaro. nunca conseguiré hallar la paz’ [cita el inicio de su Lied Gretchen am Spinnrade D. El arpeggione era un especie de guitarra con arco inventado en Viena en 1814. 59 En este estado depresivo acometió Schubert la composición de su cuarteto más famoso: el conocido con el sobrenombre de “Der Tod und das Madchen” (“La muerte y la doncella”). ya que combina el sentido lúdico de la vida con la tragedia de una enfermedad que terminaría antes o después con su vida. En enero de 1824. disponiendo un gran contraste en el Trío. En enero de 1826. y allí coincidió con Johann Nepomuk Hummel y un joven discípulo suyo de dieciséis años. imagine a un hombre. pero juntos exhibían mucha vitalidad y sentimiento. y yo pregunto: ¿no soy un ser miserable e infeliz? ‘Desapareció mi sosiego y el corazón me pesa. 810. conocemos los detalles de aquella velada: “Un Lied siguió a otro. un movimiento lento que funciona de transición concebido como un Lied y un Finale basado en un motivo popular y en el que se muestran las posibilidades técnicas y tímbricas del nuevo instrumento siguiendo una forma de rondó. junto al anterior D. puesto que su salud había empeorado rápidamente con la aparición de los síntomas del segundo estadio de la enfermedad. portando una antorcha. Pocos días más tarde. que consistía en alternar el consumo de chuletas de cerdo con la panada (algo similar a nuestra sopa de ajo). donde la frivolidad y esos toques de opera buffa se combinan con momentos intensos y dramáticos. tras el mismo no solo no consiguió editor para publicarlo. con tal amplitud de miras”. parecer ser que a Schubert le atrajeron las posibilidades tímbricas del instrumento. D. el Cuarteto Schuppanzigh realizó un estreno privado de su Cuarteto “La muerte y la doncella”. Después escribiría algunas obras para piano a cuatro manos y culminaría ese año componiendo en septiembre la Sonata para arpeggione y piano en La menor. se encontraba recluido en casa de su amigo Joseph Huber.. le produjeron lesiones en boca y garganta. Imagine a un hombre que no recobrará nunca su salud. escrito en la tonalidad de Re menor y catalogado como D. y cada mañana solo recuerdo el sufrimiento del día anterior”.

el Quinteto en Do mayor. por lo que cambió la dedicatoria y eligió vomo destinatario a Robert Schumann en vista de la alta estima en que tenía estas composiciones de Schubert. op. Consta de cuatro secciones que se tocan sin pausa: un Andante molto que se inicia con el tremolando en pianissimo del teclado y facilita el despliegue lírico del instrumento de cuerda. aunque por el estudio del papel utilizado en el Nocturno D. Schubert escribió estas tres piezas pianísticas en mayo de 1828 y no serían publicadas hasta cuarenta años más tarde por mediación de Brahms y con títulos apócrifos llenos de imaginación literaria. Schubert volvió a escribir otra obra para ellos: la Fantasía para violín y piano en Do mayor. 946 deberían formar. 306) y en él. 929). Aunque esta Fantasía se publicó. Para esta composición. D. 99. una vez más. La primera. op. sino otras muchas. 100 resulta mucho mejor cohesionado y se desenvuelve con mayor fluidez a pesar de tener mayores dimensiones. violonchelo y piano en Mi bemol mayor. 956 no solo es la culminación del catálogo camerístico de Schubert. El Scherzo vuelve a tener chispa y encanto. 159 (D. op.De aquel encuentro surgió la admiración de Schubert hacia Hummel y también la dedicatoria de sus tres últimas sonatas pianísticas. 741) de gran lucimiento para ambos instrumentos. y la obra termina con una reexposición modificada y desarrollada al incorporarle dos nuevos pasajes: una nueva variación y una espectacular coda. mientras que el Allegro vivace final es una mezcla de rondó y forma sonata cuyo tema principal está inspirado en el Lied Skolie (D. Andantino molto. es posible concluir que fue escrito en el otoño de 1827 y prácticamente a la vez que el Trío para violín. en el primer movimiento. Hummel ya había fallecido. junto con el Allegretto D. y donde se subraya mucho la distancia estilística entre el dinámico estribillo y el evocador episodio Andante. Schubert diferencia estilísticamente todo lo posible en la exposición cada uno de los dos temas y nos sorprende con un guiño cíclico al esbozar el tema del Andante justo antes de la reexposición. 895). En realidad. El chispeante Scherzo vuelve a disponer de un meloso vals como Trío. Aparte de sus Tríos. terminada en septiembre de 1828. 20/D. Desgraciadamente. vuelve a ser un rondó de perfiles muy contrastados. hasta el punto de que puede situarse a la misma altura de los últimos cuartetos beethovenianos. Sin embargo. op. 100 (D. Schubert realiza dos intentos falsos de reexposición en Sol bemol mayor y Re bemol mayor. en el mes de abril). aunque para cuando Artaria fue a publicarlas en 1839. La segunda pieza. al haber suprimido en el manuscrito el segundo episodio. 934). El primero de los dos Tríos destaca. Schubert había conseguido publicar en esos años su Rondó brillante para violín y piano. no se ha conservado el manuscrito de este primer Trío op. Tampoco descuidó Schubert su obra para piano solo en su etapa final. un Allegro en Do mayor. y todo lo que nos rodea se vuelve fresco y brillante de nuevo”. 99) de Schubert y los problemas de nuestra existencia humana desaparecen. puesto que modula en una docena de ocasiones. Schumann escribió lo siguiente: “Un simple vistazo al Trío (op. Allegro assai. en este caso la prensa vienesa fue muy dura con Schubert al juzgar que se había equivocado al “sobrepasar con mucho el tiempo que un vienés está dispuesto a dedicar a los placeres del espíritu”. Por último. En realidad. por lo que no disponemos de la fecha exacta de la composición. le sigue un saltarín y virtuosístico Allegretto con evidentes connotaciones húngaras. y algo similar hace en el segundo movimiento. del Trío para violín. En diciembre de ese mismo año. 99 (D. 915 una tercera colección de impromptus. 898). Andante un poco mosso. organizado en una estructura liederista ABA y abierto con una bella cantilena en la cuerda. 70 (D. como si no atinase con la tonalidad correcta. Allegro moderato. además de por la luminosidad y frescura que le atribuye Schumann. El Andante está basado en una canción sueca de Isaac Berg y adquiere un tono similar a los Lieder coetáneos del Winterreise. quienes la estrenaron en enero de 1827 (Artaria la publicaría poco después. Por ejemplo. esta obra había sido escrita para sus amigos. La última pieza. el virtuoso checo del violín Josef Slavik y el pianista Carl Maria von Bocklet. Fue el preferido de Schubert y lo incluyó en el concierto que se celebró con su música en Viena el 26 de diciembre de 1827. un Allegretto. Y no solo estas obras. que supuso su 60 regreso a esa formación camerística tras diez años de abandono. las Drei Klavierstücke D. En el Finale. la tercera sección es un extenso tema con variaciones sobre el Lied Sei mir gegrüsst (op. es un rondó que funciona casi como un tríptico. El Trío op. el compositor vienés eligió duplicar el 61 . que fue seguramente una primera versión descartada del movimiento lento de la obra. y ambos se complementan con un enérgico Trío. a la que pertenecen sus siete últimas sonatas (y de forma especial las tres últimas que culminó tan solo unas semanas antes de su muerte) o sus dos famosas colecciones de impromptus. por su haydniano afán por sorprender al oyente y entrar en interacción con él. pretende sorprendernos al variarlo cada vez que aparece repetido. que se encuentra fechado en noviembre de ese año. 897. violonchelo y piano en Si bemol mayor. sino que se considera la cima de toda su obra. está estructurado en una simple forma ternaria y posee una clara identidad sonora para cada sección basada en la oposición de variedad y reiteración rítmica. se trata en realidad de una edición póstuma fechada en 1850. en este caso con dos episodios que ahondan en los desesperados y melancólicos paisajes de su coetáneo ciclo de Lieder Winterreise. lo que hizo que hasta el crítico abandonara la sala antes de finalizar la obra. El Allegro inicial fluye con gran soltura al disponer de tres temas y una sección de desarrollo muy inquieta tonalmente.

muchas de ellas consideradas obras cruciales de su catálogo. por extensión e independencia estilística. cuando le pregunté por el número en que estaba pensando. segunda hija en un mesa.. que se consigue por medio de una estática melodía en la parte central del conjunto. la sinfonía. Su esposa Clara estaba encantada de ver a su depresivo marido tan animado. en 1852 y 1853 se celebraron ciclos de conciertos con música de Schumann 63 Nuevos caminos: Schumann y Brahms Robert Schumann (1810-1856) se pasó los meses previos a su colapso mental de finales de febrero de 1854 obsesionado con la doctrina espiritista que había nacido en Francia pocos años atrás. tal y como queda reflejado en su último cuarteto o en los dos tríos con piano. “Renana”. El Allegro ma non troppo inicial se abre con un interesante experimento de textura y color al exponer el misterioso tema inicial como cuarteto de cuerda convencional y después prescindiendo del primer violín. Entonces dije. no obstante. Sin embargo. que han relacionado la ambigüedad e irregularidad de algunas de sus últimas composiciones con su estado mental. tras la reciente muerte de Mendelssohn. pero destaca su impresionante suspensión temporal. como el Concierto para violonchelo. Luego. Entre todos los testimonios que existen sobre su interés por el espiritismo destacan los de Wilhelm Joseph von Wasielewski y Ferdinand Hiller. el contraste con la atormentada sección central del movimiento. el Lied. año de su boda con Clara Wieck. ello quizá se deba a la influencia de Boccherini o bien al interés que había desarrollado por este instrumento en sus obras de cámara tardías.violonchelo en vez de la viola como habían hecho en el pasado Mozart y Beethoven.. su “nueva manera” de componer declarada en 1845. donde pudo escucharse el famoso ritmo del arranque de la Quinta Sinfonía de Beethoven. la música de cámara o el oratorio. dijo correctamente el tres. acaba erigiéndose en un movimiento más de la obra. John Daverio ha defendido que el estilo tardío de Schumann no rompe por completo con la trayectoria estética del compositor y Laura Tunbridge ha abierto un nuevo camino hacia el estilo tardío del compositor de Zwickau dejando al margen este tipo de prejuicios relacionados con su enfermedad mental. Schubert tampoco consiguió interesar a ningún editor para publicar esta obra. El desarrollo se centra en estos dos últimos temas y la reexposición resulta bastante libre. aun en el trance final de su vida. como Peter Ostwald. cuenta que en mayo de 1853 visitó al compositor y lo encontró leyendo compulsivamente un libro sobre “mesas parlantes”. Y es que. que es acompañada por figuras repetidas en el primer violín o pizzicati en el segundo violonchelo. y en las que abordó prácticamente todos los géneros que había cultivado hasta el momento. Schumann se había convertido. el concierto. en el principal compositor de Alemania. Nos quedamos maravillados”. en esa ciudad renana culminaría en tres años nada menos que una cincuentena de composiciones. Hiller. o la revisión de su Cuarta Sinfonía. querida mesa’. que coincide con su traslado en 1850 desde Dresde a Düsseldorf. el Adagio combina lirismo y melancolía. la Tercera Sinfonía. concertino de la orquesta de Düsseldorf. en Fa menor. al mismo tiempo. que tocan los violonchelos a dúo con enorme encanto y tranquilidad.] pero demasiado lento en un principio. En el enérgico Scherzo opta por una textura más orquestal. De hecho. como el ciclo poético para piano. y lo repitió al tempo correcto. ‘Pero el tempo es más rápido. se llega transitando parajes escarpados y el dinamismo se recupera con el tercer tema a ritmo de marcha. Su estructura se sitúa a medio camino entre el rondó y la forma sonata. El primero. que no vería la luz hasta 1853. En la actualidad. y tampoco sería estrenada hasta tres años antes. Al segundo tema. todo ello ha terminado afectando profundamente a la consideración del estilo tardío de Schumann y ha habido varios estudiosos. Por su parte. para culminar en una deslumbrante coda. los jalones de la carrera artística de Schumann no ofrecen mayores dificultades: su reorientación desde la música pianística al Lied en 1840. este tipo de obsesiones daban una imagen de Schumann de cierta inestabilidad psíquica y tanto ella como Wasielewski pensaron que este tipo de obsesiones fueron las primeras manifestaciones de su demencia. aunque no renuncia al pastoralismo con aires cinegéticos. Schubert prefirió escuchar uno de los últimos cuartetos de Beethoven antes que su propia música. que era director de orquesta y compositor (y había sido discípulo de Hummel. o su estilo tardío propiamente dicho. Por su parte. En realidad. Y ello le valió que su música para la escena final del Faust sonase en 1849 simultáneamente en Weimar. Dresde y Leipzig en la conmemoración del centenario de Goethe. la principal novedad aquí es el Trío que. es ciertamente impresionante. pues organizaba sesiones de espiritismo a todas horas y con todo tipo de personas. incluso llegaría a escribir un ensayo sobre el tema que no se ha conservado. como hemos visto con anterioridad) estaba más abierto a las ciencias ocultas y llegaría a invocar con Schumann al espíritu de Beethoven para mantener con él una curiosa discusión acerca del tempo precisamente del inicio de su Quinta Sinfonía: “Al final empezó [. e incluso había llegado a prometerle a la mesa que le compraría un mantel más lujoso. Y en el Allegretto final renace el Schubert más optimista y populachero con un primer tema inspirado en aires húngaros y otro más melódico que evoca la música de los cafés vieneses. Concretamente. amigo de Schumann y con el tiempo también su biógrafo. le confesó con una mirada fantasmal que las “mesas” lo sabían todo y comenzó a practicar con la ayuda de su 62 .

Conviene aclarar igualmente que Schumann sufrió crisis maniacodepresivas asociadas a un trastorno bipolar durante buena parte de su vida y las razones de que se intensificaran en Düsseldorf hay que relacionarlas con su exceso de trabajo. Sin embargo. que le hizo una visita en esas fechas. un encantador tema con variaciones sobre el coral luterano Gelobet seist du. la filósofa que aparece en El banquete de Platón y que conceptualiza el amor platónico. Jesu Christ. op. La obra. le dictó un tema sobre el que escribió unas variaciones (Thema mit Variationen für das Pianoforte. el paso de este movimiento al siguiente. la traición de algunos amigos (como el crítico Richard Pohl. 65 El origen de las Märchenbilder para viola y piano. arrojándose al Rin en medio de la algarabía del Carnaval. se inicia con el acompañamiento en pizzicati del violín. pero también con sus complejas relaciones con las autoridades de Düsseldorf. publicaría varias monografías sobre el tema) y ello animó al compositor a utilizar la viola para representar la ensoñación de la épica romántica. En 1850. que terminaría por convertirse en su Tercera Sonata: me refiero a los movimientos segundo y último de la curiosa Sonata F-A-E. sus ediciones de música doméstica (o Hausmusik). WoO 24) y que culminó en su intento de suicidio. cuya publicación quedó relegada hasta 1956. la Sonata para violín y piano nº 2. pero también puede que fuera la poetisa Bettina von Arnim. aunque también muestra una progresiva carencia de poder espiritual y una menor plenitud de ideas. invitó al violinista Wilhelm Joseph von Wasielewski a que se uniera a su orquesta como concertino y ello lo convirtió enseguida en un habitual de la casa de los Schumann. Schumann llegaría a escribir una obra más para violín y piano. los músicos del momento tenían obras suyas en repertorio (aparte de Clara. aunque aquí Schumann supera a su primera sonata al integrar con más habilidad los dos instrumentos por medio de un fluido empleo del contrapunto. a la hora de tratar el estilo tardío en Schumann. que comenzó alabando a Brahms y terminó en el bando progresista de Liszt y Wagner) o su caracterización en numerosos ensayos especializados como un compositor amanerado que se había quedado anticuado. WoO 27. Entre septiembre y noviembre escribió dos sonatas que fueron estrenadas privadamente por el violinista con Clara al piano. como el Album für die Jugend. le sigue un breve rondó lleno de vivacidad cuyo solemne tema principal con ritmos punteados se contrapone a 64 . me refiero a Ferdinand Hiller. Anton Rubinstein o Julius Stockhausen). A mediados de octubre de ese año inició también la que sería su última obra para piano. que sería revisada en 1853 y estrenada en público por Joseph Joachim. cuya presencia le fue prohibida durante su internamiento en Endenich. sendos episodios de gran fluidez. según parece. la conversión de la Neue Zeitschrift für Musik que él mismo había fundado en un manifiesto wagneriano y antischumanniano. pero también por la viola. cuya evocación convive con un homenaje muy personal a Bach. Wasielewski. las biografías prefieren ahondar en su demencia antes que subrayar el reconocimiento que llegó a cosechar en esos años previos a su internamiento en el sanatorio de Endenich. y al poco de llegar a Düsseldorf. era un experto conocedor de la historia y particularidades de los instrumentos de cuerda (más tarde. por último. terminó siendo dedicada a Ferdinand David y publicada cuando Schumann se encontraba ya internado en Endenich. eran un todo un éxito comercial. a lo largo de los años cincuenta se publicó su biografía o vieron la luz monografías sobre algunas de sus composiciones. Todo ello contribuyó a un rápido declive. y la obra se cierra.tanto en Leipzig como en el Festival del Bajo Rin. que había sido su propio discípulo en Leipzig a principios de los años cuarenta. La obra fue compuesta en marzo de 1851 y consta de cuatro partes con formas bien definidas y secciones bien contrastadas: se abre con un movimiento moderado con una estructura ABA en la que se oponen con evocadora armonía las tonalidades de Re menor y Fa mayor. 133 (“Cantos del alba”). el tercero es un moto perpetuo con un desenfadado intermedio. le añadió ese mismo mes dos movimientos más para completarla como su Sonata para violín y piano nº 3. que incluye una enigmática cita a Diotima. que se inició con alucinaciones auditivas y obsesivas relacionadas con el coral Ein feste Burg o su insistente contacto con el espíritu de compositores muertos como Schubert. Joseph Joachim. quien. El scherzo que sigue resulta ser un curioso precedente del estilo brahmsiano. En el Finale la tensión no decae en ningún momento y Schumann trenza una forma sonata con desarrollo canónico que para Eduard Hanslick tiene un cierto toque picante. op. 113 hay que buscarlo en la fascinación de Schumann por los cuentos de hadas. aunque no renuncia al encanto poético de Schumann. op. Jenny Lind. en fin. El primer movimiento tiene una evidente influencia como punto de partida de la Sonata “Kreutzer” de Beethoven. Gesänge der Frühe. escrita en colaboración con su alumno Albert Dietrich y Johannes Brahms para homenajear a su amigo el violinista Joseph Joachim utilizando las iniciales de su lema personal como motivo musical: Frei Aber Einsam (“Libre pero solitario”). terminada a comienzos de octubre de 1853. con una extensa canción de cuna cantada prácticamente a la par entre la viola y el piano. La relación de Schumann con Wasielewski también animó al compositor a escribir sonatas para violín y piano. De hecho. concretamente. si bien tampoco puede descartarse que simplemente pensase en la Diotima de Friedrich Hölderlin. A esta curiosa obra. el último con un planteamiento canónico. 121 sería admirablemente redactada por Schumann en menos de una semana. es posible que con ella se refiera a Clara como su ideal de belleza. casi como si fuera un eco del movimiento anterior. en los años sesenta y setenta.

preguntó Brahms. es decir. apuntando hacia el río que pasaba por allí con la otra mano. 18). acerca del declive y la decadencia de la música. No resulta fácil delimitar el estilo tardío en Brahms. organizando las colecciones que van desde el op. Es un buen símbolo del eterno movimiento en la vida y el arte. incluso. El compositor hamburgués representa la desilusión de finales del siglo xix y también la noción adorniana de “envejecimiento” musical. como era habitual. op. Schubring sería capaz de distinguir hasta tres etapas distintas en su producción. durante un encuentro con el joven Gustav Mahler en Bad Ischl: “Brahms comenzó discutiendo. WoO 25 y también escribiría cinco Romanzen para violonchelo y piano cuyo manuscrito Clara destruyó al considerar que no le hacían justicia. sobre un texto de Friedrich Rückert. resulta algo más convulsa. 91: dos Lieder muy especiales en los que Brahms añade una parte de viola obligada a la formación de contralto y piano que no solo aporta un colorido especial. que sabemos que no cesará. en Estiria. entre el estreno y publicación de su Tercera Sinfonía y la composición de la Cuarta. apoya la línea vocal o la enriquece con figuraciones barrocas y cuya sección central. de la percepción compartida de diferencias estéticas. dentro de una serie de artículos de Adolf Schubring publicados en la Neue Zeitschrift für Musik que formaron parte de una sección llamada “Schumaniana”. Geistliches Wiegenlied (“Canción de cuna sacra”) es un cantarcillo a la virgen de Lope de Vega recopilado y traducido al alemán por Emanuel von Geibel dentro de su Spanisches Liederbuch que Brahms convier67 . superando con su inspiración divina las limitaciones de su averiada conciencia. Pero recuerdo que fue Brahms. precisamente ese cambio de mentalidad coincide con el momento en que muchos historiadores comenzaron a ver los últimos cuartetos de Beethoven como el clímax de su obra y. os removéis”). donde dedicó parte del tiempo a poner al día su catálogo de Lieder. doctor. “¿No lo ve usted? ¡Ahí va la última ola!”. titulado Gestillte Sehnsucht (“Anhelo aplacado”). sin embargo.la amada idealizada a la que dedicó varios poemas. pasando por la evocación de Brahms en la segunda y la cuarta o la monotonía rítmica de la tercera. de toda una época. die ihr stets euch reget” (“Vosotros. La obra consta de cinco piezas que parten de la sencillez de un himno matutino de la primera hasta la solemnidad coral de la quinta. algo debió de suceder en torno a 1884 o 1885. en la que se trataba de los compositores considerados seguidores o miembros de la “escuela” del compositor de Zwickau. pues la mayoría de las observaciones derivan del mismo tronco. Con tan solo dieciocho obras publicadas (el estudio llega hasta el Sexteto nº 1. lo tardío dejó de ser considerado históricamente como un síntoma de decadencia para convertirse en algo positivo. por extensión. y. el último de la vida del compositor hamburgués. pero quizás aquello que más importe sea si la ola muere en el mar o en una ciénaga”. tanto su biógrafo Karl Geiringer como el propio Adorno coinciden en que el aire otoñal o la constricción expresiva a menudo atribuidas a sus últimas composiciones en numerosos estudios afectan a muchas más composiciones que las cronológicamente ubicadas en su estilo tardío. 93 al 96 o terminando la composición de los Zwei Gesänge (“Dos cantos”) op. cuando los críticos coetáneos comenzaron a percibir un nuevo estilo en su obra que resultaba más asequible. cuya densidad va aumentando paulatinamente. El segundo. No obstante. sino también una espiritualidad desconocida en su catálogo de canciones. donde pudo verlo improvisar compulsivamente al piano. presenta una forma casi simétrica en la que la viola introduce y cierra la obra. en concreto. De hecho. mientras que los especialistas actuales han visto ese mismo estilo como tremendamente elaborado. Y es que. es decir. “¡Mire. exclamó. pero Mahler de repente le cogió del brazo y. hasta Margaret Notley ha llegado a plantearse si Brahms tuvo realmente un estilo tardío. cuando el compositor contaba veintinueve años. a lo largo de la segunda mitad del siglo xix. * * * En su clásica biografía de Johannes Brahms (1833-1897). Notley concluye que el estilo tardío es una categoría significativa que va mucho más allá de la artificialidad o las divergencias que plantea cualquier construcción en torno a la obra de Brahms. Brahms residió en Mürzzuschlag. ¿Acaso el colapso del cuerpo conlleva la decadencia del espíritu? nada fácil marcar el inicio de su etapa final e. Richard Sprecht recoge lo sucedido en el verano de 1896. no resulta 66 Durante las vacaciones de 1884. especialmente cuando su etapa final coincidió con la de toda una época que iba a ser arrollada por los nuevos vientos del modernismo. La división de la obra de Brahms en varios períodos se inició en una fecha tan temprana como 1862. Schumann continuaría con el acompañamiento pianístico de los Caprichos de Paganini. deseos. Después de concluir estas piezas en el sanatorio de Endenich. El primer canto. musicales y filosóficas en sus últimas composiciones. mire!” “¿Qué es lo que quiere que mire?”. Resultan conmovedoras las dos últimas imágenes que tenemos de Schumann: la litografía de Henri Fantin-Latour titulada Le dernier thème de Robert Schumann y la descripción que hace Wasiliewski de su última visita a Schumann en el sanatorio. que modula a Re menor “Ihr Wünsche. quien tuvo la última palabra: “Eso está muy bien.

la música de cámara o los Lieder. en el segundo. están dedicados a la memoria del padre del escultor Max Klinger. en 1892. que inicia especialmente a partir de 1891. sobre un poema de Klaus Groth. El timbre a medio camino entre la dulzura y la melancolía resultaba ideal para representar su estado de ánimo. Por su parte. La muerte irrumpe desnuda y misteriosa en el inicio del Intermezzo op. Ich wandte mich und sahe an alle (“Me giré y vi a todos”). 111. sobre un texto de Hermann Lingg. Sin embargo. que Brahms pasó en Hofstetten. El cuarto. hay que enmarcar estas piezas dentro de su proyecto personal de poner orden a su obra. tiene una factura aparentemente sencilla. opone la amargura y la resignación por medio de una milagrosa transición a Mi mayor sobre el verso “O Tod. constituyen un diario íntimo en el que Brahms representa.te en una bella canción de cuna en la que hace uso de la mecedora melodía del coral Joseph. la esperanza y la resignación. termina en una coda lenta que parece improvisada. Auf dem Kirchhofe (“En el camposanto”). El Intermezzo op. Las veinte piezas pianísticas que comprenden las cuatro colecciones que van desde el op. A comienzos de 1891. pero termina encontrando la paz al final. muerte. que contrasta con una sección central heroica e intensa. noble y elegante caracteriza el Intermezzo op. Por otro lado. evoca con gran intensidad la muerte. El canto elegíaco fluido. 114. a los que ya había puesto música con anterioridad. se trata de un ciclo en el que el compositor hamburgués se concentra más en el contenido melancólico y su evocación que en poemas de autores conocidos. tras una breve reexposición. O Tod. Precisamente ese camino desde la tragedia a la resignación también lo encontraremos en el último ciclo de Lieder de Brahms. 116 nº 4 marca el grado de novedad de estas piezas finiseculares que suenan a veces como improvisaciones oníricas cuyo halo poético se aproxima a Debussy. pero destaca por su riqueza y concentración melódica. junto a las sinfonías Tercera y Cuarta. resulta mucho más trágico e intenso. Brahms decidió que era el momento de terminar de poner orden en su obra y retirarse para siempre. wie bitter bist du (“¡Oh. Wie Melodien zieht es mir (“Es como si las melodías”). 121. 118 nº 6 con un tema elaborado a partir del Dies Irae gregoriano. representa el Vanitas vanitatum del Eclesiastés con una estructura da capo y acompañamiento de piano de aire organístico en cuya armonía trata de evocar el fabordón por medio de terceras y sextas.und mit Engelszungen redete (“Si yo hablase con lenguas de hombres y de ángeles”) en Mi bemol mayor representa el triunfo de la idea del consuelo cristiano. Desde 1853 no volvería nunca más a escribir una sonata y cuando. por lo que pidió al clarinetista que le mostrase todas las posibilidades de su instrumento. Son todas ellas composiciones desconcertantes por su aparente 69 . con el Trío para clarinete. que utiliza un poema de Detlev von Liliencron. qué bien haces al necesitado!”). los Lieder op. escuchó en marzo mientras descansaba unos días en Meiningen al solista de clarinete de la orquesta de la corte. 116 al op. después de tomar esa decisión. como reacción sentimental al breve affaire que mantuvo con la joven cantante Hermine Spies. Immer leiser wird mein Schlummer (“Mi sueño es cada vez más apacible”). le dijo a uno de los presentes. cuya bella melodía surge al principio de una escritura basada en arpegios entrelazados. la huida de la naturaleza y el amor de los hombres”. 117 nº 2. 119 nº 1 como una pieza “dulcemente triste” que evoca el color de una perla opalescente. 68 En Brahms sorprende que. el 7 de mayo 1896: “Fíjate el regalo tan bello que me he hecho”. resulta una obra casi hipnótica por el uso que hace de la disonancia y cuya estética se aproxima a los albores del expresionismo. qué amarga eres!”). De hecho. aunque para la mayoría estos cantos serios constituyen en realidad su testamento espiritual. evoca el contenido del poema con una melodía vaporosa y refinadísima. En los dos primeros. 105 surgieron en el verano de 1886. siendo como fue un concertista de piano durante la mayor parte de su vida. Bien es verdad que los conciertos para ese instrumento. Denn es gehet dem Menschen wie dem Vieh (“Porque al hombre le pasa como al animal”). Brahms evoca el lado trágico de la muerte: en el primero. la composición de cuatro obras camerísticas tardías con ese instrumento como protagonista. en palabras de Georg Knepler. que dos años atrás había homenajeado al compositor. junto al Lago de Thun. y después de haber terminado su Quinteto de cuerda nº 2 op. Richard Mühlfeld. En el segundo. 119 fueron escritas por Brahms durante los meses veraniegos de 1892 y 1893 en Bad Ischl y constituyen claramente su testamento pianístico. lo que le animó a iniciar ese mismo verano en Bad Ischl. le sigue una segunda sección acórdica en modo mayor y. el sufrimiento y las miserias humanas. violonchelo y piano op. prácticamente su “canto del cisne”: los Vier ernste Gesänge (“Cuatro cantos serios”) op. wie wohl tust du dem Dürftigen” (“¡Oh. En el tercer canto. regresó a la composición para piano llevaba desde 1879 sin añadir una sola obra a su catálogo pianístico. Wenn ich mit Menschen. modulando a Do mayor y citando un coral de la Pasión según san Juan de Bach. muerte. Se trata de una serie de cuatro Lieder sobre textos de la Biblia traducida por Lutero que Brahms dio a conocer a sus allegados en su última fiesta de cumpleaños. Clara Schumann definió el Intermezzo op. El primero. lieber Joseph mein. habían ocupado toda su labor artística. dedicase tan pocas composiciones a su instrumento. “un estado de ánimo que mezcla el dolor y la serenidad. vuelve a presentar una forma simétrica con el episodio central también en modo menor y con la repetición de la introducción con la viola a modo de coda. En cuanto al cuarto.

que encontramos a lo largo de toda la obra. con un Trío central más estático. La Sonata en Mi bemol mayor. pero con un mayor número de ideas secundarias. pero que se elabora con gran refinamiento a la hora de repartir el protagonismo en cada variación o crear efectos tonales de “claroscuro”. aunque tiene forma de scherzo. pero donde se oculta una exquisita y fecunda elaboración temática y construcción formal. Y le sigue el Finale. op. que corre pareja al reconocimiento público. cuyos temas principales derivan uno del otro. El corazón apesadumbrado: Franz Liszt Además de figurar en el Libro Guinness de los Récords. es lo que el crítico vienés Richard Hirschfeld denominó en su reseña tras el exitoso estreno vienés de esta obra el “claroscuro de la tonalidad [. 115. 120 nº 2 parte del mismo planteamiento de evocación. Y es que. pero en la entrada de la viola y el violonchelo en el tercer compás comprobamos que estamos en realidad en Si menor.. tras exponer en orden los tema escuchados en la exposición. no hay más que examinar los primeros compases de la introducción: se inicia la obra en Re mayor con los dos violines. algo especialmente evidente en el desarrollo. 120 nº 1 el primer movimiento presenta seis temas bastante emparentados entre sí. Estas dos sonatas las escucharemos en este ciclo en la versión alternativa para viola que publicó Fritz Simrock en 1895 dentro de la primera edición de ambas composiciones. quizás en ello resida la contradicción arriba comentada entre los críticos coetáneos de Brahms y los estudiosos actuales a la hora de retratar las características del estilo tardío del compositor hamburgués. y hasta el final de su vida. el estilo tardío surge en la obra de Liszt cuando abandona su posición de Kapellmeister en Weimar en agosto de 1861 y. que relacionan lo tardío con un período menos preocupado por las relaciones personales.. que es un jovial 70 rondó con algunas libertades y con episodios bien diferenciados. Al Allegretto inicial en forma sonata. le sigue un Adagio en Si mayor en forma ABA que se inicia con un maduro y asentado canto de amor liderado por el clarinete cuya sencillez en los extremos contrasta con el melancólico canto zíngaro de la sección central. en una carta dirigida a Camille Saint-Saëns fechada el 19 de julio de 1869 afirma lo siguiente: “En la actualidad 71 . concluye con una apertura a otras posibilidades melódicas o con una vuelta al principio. que Brahms redactaría ese mismo verano de 1891. pero con numerosas licencias. con el tema inicial de los tres que conforman la forma sonata. incluye numerosas reflexiones interesantes escritas por el propio pianista de origen australiano en las carpetillas de los discos. op. Y la obra concluye su estructura tripartita con un Andante con moto que conjuga un sencillo tema con una serie de variaciones desarrolladas. Desde ese momento. Brahms aboga por un planteamiento más austero en cuanto al desarrollo temático. para terminar con una reexposición donde la obra toma aliento y. el enciclopédico proyecto fonográfico dedicado a toda la obra pianística de Franz Liszt (1811-1886) realizado en el sello Hyperion por Leslie Howard entre 1986 y 1998. esconden una cuidadísima factura llena de innumerables detalles que ciertamente abren nuevos horizontes. o dispone un equilibrio ideal en las proporciones al prever la misma extensión para cada una de las secciones. En realidad. su obra adquiere un enorme grado de introspección y una gran despreocupación acerca del destino de la misma. el espíritu atribulado de Brahms por la muerte de varios amigos volvería a interesarse por el clarinete en las que serían sus últimas obras camerísticas: las dos Sonatas para clarinete y piano op. Este efecto. un poco Adagio está compuesto en forma ABA y también hace gala de una libertad melódica que pretende evocar lo onírico. 120. sencillez e intimismo que se refleja ya en los primeros compases de la obra. Brahms lograría en ambas profundizar todavía más en esa aparente sencillez que evita cualquier demostración de virtuosismo o exceso de expresividad en favor de la evocación poética y el intimismo. se percibe una mayor elaboración y contraste. y que recientemente fue publicado en un cofre de noventa y nueve cedés. El tercer movimiento. si bien la poética aparición del clarinete en el compás quince confirma nuevamente el tono de Re. que plantea una serie de variaciones sobre un tema en apariencia sencillo que prácticamente camina por grados conjuntos. Howard explica el estilo tardío de Liszt a partir de los estudios del psiquiatra inglés Anthony Storr. donde se antepone a lo melódico. que tiene estructura de scherzo. se trataría de un tercer período que alcanza todo artista tras una primera fase de preparación y una segunda de maestría e individualidad. un Andantino y un Presto. seguidos de un desarrollo simplificado y en el que prácticamente tan solo se utiliza el tema de la introducción. pero siempre dentro de un fluir continuo. El Andante. En relación con el Quinteto para clarinete y cuerda en Si menor. en esa tercera fase la comunicación con el público se vería reemplazada por la meditación en soledad. El tercer movimiento tiene dos secciones.] que mantiene al oyente en suspense”. cuando llega a Roma en octubre de ese año para dedicarse a cultivar su fe religiosa. Tal fue así que muy pocas de sus obras tardías fueron interpretadas en concierto o publicadas durante su vida. efectivamente. de forma especial. en la Sonata en Fa menor. funciona como una especie de intermezzo cuyo carácter movido conduce al Finale. Durante el verano de 1894. Por ejemplo. En el Allegro appassionato.sencillez que. más proclive a la soledad y a centrarse en las obsesiones íntimas. en realidad. op.

S. Scriabin o incluso a Schoenberg o Bartók. La más temprana de las piezas que escucharemos data de 1870 y es Mosonyis Grabgeleit (“Procesión fúnebre de Mosonyi”) S. En él contrapone una brillante escritura en octavas en las secciones extremas a una central. Al año siguiente. y donde combina una melodía nacional húngara con la experimentación tímbrica del piano desde el toque más percutivo al efecto más evocador. De 1880 es la Romance oubliée S. y en la que Liszt se adentra hasta los límites de la tonalidad sin llegar a ser atonal. pero sin perder su aura de nostalgia. como el tercero de los Années de pèlerinage. Schlaflos! Frage und Antwort (“¡Insomnio! Pregunta y respuesta”). como el uso de armonías avanzadas o la directa ruptura de la tonalidad. y tiene que manifestarse de vez en cuando sonando en forma de notas”). En este último período creativo. en este caso el vals aparece tras una misteriosa introducción en staccato y va intensificándose hasta estallar en una sección marcada como appassionato fortissimo y luego comienza a diluirse (resulta muy significativa la indicación que anota Liszt en esta obra: “Tóquese de forma elegíaca y no tanto como un vals”). la suite El árbol de Navidad o los Retratos históricos húngaros. S. S. De 1883 datan también dos obras inspiradas por la muerte de su yerno Richard Wagner: R. 202. quizás en sustitución de ésta. Más revelador aún. pero devolviéndole el cumplido al citar al final de esta pieza el tema de las campanas de la misma ópera (la escucharemos en la versión para cuarteto de cuerda. que anticipan efectos asignados más habitualmente a Debussy. En marzo de 1885. Poco después escribió una obra mucho más futurista. Las obras para piano solo más interesantes de este período. enigmática y hasta hipnótica que admiraron Debussy o Stravinsky. su obra coral será a pequeña escala y sin acompañamiento orquestal. las canciones se vuelven más sombrías y las texturas que utiliza se tornan sobrias y hasta constreñidas. la libertad formal. W. una pieza concisa. la elusión de cadencias confortables. 72 En 1881 también escribió dos piezas difíciles de clasificar. sie muss hie und da in Noten ertönend aufbrechen” (“Como usted sabe. ya sea durante mi vida o después”. 696 siguiendo la habitual forma ternaria. 199. además de las danzas.no me preocupo de mis composiciones más allá de la escritura de las mismas. disastro. 527. Liszt reduce drásticamente su música sinfónica o le da una orientación religiosa y. como los Vals Mefisto y las Rapsodias. – Venezia S. 216a. S. y Unstern! Sinistre. que escucharemos en su versión para viola y piano. son las obras religiosas y las pertenecientes a grandes colecciones. 224. que permite también la utilización de un arpa ad libitum). Supongo que si tienen algún valor será reconocido en algún momento. 208 con la que retrata el lado más diabólico del infortunio y que se inicia de forma muy sencilla pero efectiva con un empleo sorprendente del tritono y de los intervalos aumentados. aunque en 1885 la revisaría para incorporarla a sus Retratos históricos húngaros. consiste en la transformación de un tema cromático hasta que encuentra una tonalidad en la que poder descansar. limitada a una simple línea melódica en la mano derecha que evoca el tema del primer vals de Mefisto. que Wagner utilizó en el preludio de su ópera Parsifal. el preludio de la cantata Die Glocken des Strassburger Münster (“Las campanas de la catedral de Estrasburgo”). llevo una profunda pesadumbre en el corazón. que se conoce como Bagatelle ohne Tonart (“Bagatela sin tonalidad”). se trata de dos miniaturas que reflejan quizá su lado más oscuro y que al mismo tiempo exhiben su música más futurista: la impresionista Trübe Wolken o Nuages gris (“Nubes grises”). sobre todo de cara a la pequeña muestra del opus ultimum de Liszt que escucharemos en este Liceo de Cámara. que denomina Espressivo. 203 fue inspirado en 1883 por un poema de Antonia Rab que no conservamos. lo inicia la viola sola con la indicación de Andante malinconico y la obra evoluciona hacia una mayor intensidad. o que le cuesta encontrarlas. y que algunos especialistas han relacionado con el futuro Webern. 201. la desnudez sonora o hasta el desvanecimiento en el silencio. 73 . una reacción a la noticia de la inesperada muerte de Wagner en la que se mezclan el dolor con la grandeur. 194. y Am Grabe Richard Wagners (“En la tumba de Richard Wagner”) S. es lo que escribió el compositor en 1883 a su biógrafa Lina Ramann: “Wie Sie wissen. Liszt escribió su Vierte Mephisto-Walzer (“Cuarto Vals de Mefisto”) S. se trata de un lamento al estilo húngaro dedicado a su admirado compositor Mihály Mosonyi en un tono tremendamente sombrío. trage ich tiefe Trauer im Herzen. cuyo título es un homenaje a la Danse macabre de su amigo Camille Saint-Saëns. fechado en 1881 con la intención de escribir una danza que olvida sus características. tras culminar el oratorio Christus en 1872. La palabra “oubliée” volvemos a encontrarla en el primer Valse oubliée S. sin pensar lo más mínimo acerca de su difusión. Liszt escribió las Csárdás macabre S. incluso en las obras más vinculadas al concierto público. 215 de los cuatro que compuso Liszt. En ellas encontraremos ideas que van más allá de los confines del Romanticismo. se inicia con el tema de Excelsior!. el compositor ahonda en el cromatismo y en la oposición modal mayor y menor hasta hacernos perder el horizonte tonal que se acrecienta al dejar un final abierto. que compuso unos meses más tarde en conmemoración del que habría sido su septuagésimo cumpleaños. aunque Liszt la publicó también para dúo de piano y violín o violonchelo (en realidad fue la respuesta que dio el compositor a un editor que quería reeditar una antigua Romance).

incluso entre los músicos de genio. Este cuarteto. a Josef Srb: “En esta obra he querido representar en música el discurrir de mi vida”. para Bedřich Smetana (1824-1884). sino que incluso afirmó que le había abierto nuevos caminos. el joven compositor vienés estudió a fondo también el primer cuarteto de compositor checo y la huella de ambos es posible detectarla en su sexteto Verklärte Nacht. como sucede con su popular Cuarteto nº 1 en Mi menor. tras estudiar profundamente los cuartetos de Beethoven. la última obra camerística de Franck. para que tenga alguna importancia. el 19 de febrero de 1877. algo hasta ese momento reservado al repertorio sinfónico. el tercero. incluso los mejores de Mozart los escribió entre 1789 y 1790. meses antes de su fortuita muerte atropellado por un coche 75 . y continúa: “No hay ningún ejemplo. pero también le reportó alguno de sus éxitos públicos más relevantes. y el resultado fue un ejemplo único en la tradición de la música de cámara al utilizar un programa. compositor y promotor Jan Ludevít Procházka. para terminar. T. el programa está basado en un poema de Richard Dehmel en el que se relata la conversación entre un hombre enamorado y su mujer cuando esta le confiesa que está esperando un hijo de otro hombre. en la cuarta se produce un inesperado cambio a Re mayor cuando el amor del hombre le permite superar el trance y escuchamos el tema principal transfigurado. aunque esté más cerca de una fantasía en torno a tres temas: angustiado y violento el primero. sino también un argumento fácilmente identificable para el público. afirma Vincent d’Indy en la biografía de su maestro César Franck (1822-1890) publicada en 1909. entre otros. 74 Los aspectos novedosos de este cuarteto tuvieron una importante recepción entre los jóvenes compositores del momento. Mozart no podía saber al abordar sus Cuartetos “Prusianos” que tan solo le quedaba un año de vida. Smetana invirtió en la obra los años 1882 y 1883. debe ser una obra de madurez”. que aportó no solo una estructura muy personal a cada movimiento. en el paradigma del estilo tardío de cualquier compositor. las alucinaciones o los mareos del compositor checo tan solo le permitían componer pequeños segmentos de música y ello quizá determinó que la obra tuviera un estilo más cortante. 4. pues mientras los últimos cuartetos del primero se convirtieron en la segunda mitad del siglo xix. 131 que surgió de nuevo por el interés de Procházka por promocionar la música del compositor checo. iniciada en la primavera de 1889. de un buen cuarteto fechado durante su juventud. “Z mého života” (“De mi vida”). en la que se incluye el angustiado tema principal y su tormentoso desarrollo. T. violonchelo y piano en Sol menor. D’Indy trata de introducir con su comentario el Cuarteto en Re mayor. denso y concentrado. a la que se unía su sordera. Schubert. como sucedió con el Trío para violín. donde se combina con una sombra de amargura una polka rústica y una encantadora dumka. Sin embargo. La obra concluye con una coda que adopta la forma de un himno a la naturaleza y a la redención del amor en la que se respiran aires wagnerianos. Mendelssohn y Brahms. le sigue un breve desarrollo y únicamente la reexposición del segundo tema.Precursores y epígonos. sigue la confesión de la mujer. Se inicia con un Allegro de aparente estructura clásica de sonata. aforístico. Schoenberg se centra en representar musicalmente la evolución de los sentimientos antes que en narrar simplemente la historia y divide la obra en cuatro secciones y una coda. En realidad. que no puede ocultar la huella de los últimos cuartetos de Beethoven. al valerse no solo de la dramática tonalidad de Re menor sino también del empleo de un programa que determina un discurrir musical determinado. en su caso. 116 de 1878 fue el resultado de un encargo del pianista. estuvo motivada por una tragedia como la muerte de su hija Bedřiška a la tierna edad de cuatro años. Tal como confesó el compositor por carta. T. y esa edad. cuando el compositor tenía treinta y tres años. De hecho. En la primera se sitúa a la pareja en una fría arboleda a la luz de la luna. Cuando uno espera un movimiento lento. era ya muy avanzada”. Y. consta de cuatro movimientos. 64 (1855). En alguna ocasión. quien no solo estudió con gran interés esta obra de Smetana. plasmada en la tonalidad de Mi bemol menor. No obstante. escrito en 1899. se impone otro movimiento rápido que se inicia de forma alocada con el trémolo de los cuatro instrumentos. que acababa de fundar en Praga una institución permanente de música de cámara para cuyo concierto inaugural. al que sigue un fugato interrumpido una y otra vez por los referidos trémolos. plácido y tranquilo el segundo. en otros casos. la tercera sección representa la reacción del hombre y su tristeza. * * * “El cuarteto de cuerda. centro y periferia La música de cámara. en lugar del scherzo. que coincidieron con un empeoramiento progresivo de su enfermedad depresiva y mental. lo que hizo que pocos años después fuera relacionada con las tendencias musicalmente más modernas. el insomnio. tal y como ya se ha señalado. y que culminó en enero de 1890. un ejemplo fue Arnold Schoenberg (1874-1951). quiso programar un cuarteto de Smetana. A continuación un Allegro moderato. op. perteneció siempre a su esfera más íntima. Esta cita dice claramente mucho más del prestigio póstumo de Beethoven que de Mozart. la obra fundamental del estilo tardío de Smetana es su Cuarteto nº 2 en Re menor. un Presto algo desequilibrado pero con aromas de polka y en el que Smetana utiliza como tema principal el aria de Rarach de su ópera Čertova stěna (El muro del diablo). y una mezcla de ambos.

Intentaría con esta nueva composición crear una forma nueva y personal de música de cámara. que antepone en ella el lirismo a cualquier consideración formal y construye a partir del tema cíclico un onírico recitativo entre los dos instrumentos. M. D’Indy en su referida monografía de 1909 califica esta obra de Franck como “el modelo más refinado de uso cíclico de temas en una sonata”. La Sonata para violín y piano en Sol mayor. iba a cumplir sesenta y ocho años. M. el Très animé. y que es lo primero escrito por Franck de esta obra. dejando incompleto su Cuarteto para cuerda y piano en Si menor. Precisamente. que era una de las invitadas a la ceremonia. se refiere a la técnica que Franck desarrolló a partir de 76 Liszt y que consistía en el uso de un mismo tema. pocos días más tarde. el novio optó por estrenar su regalo y tocó la sonata a primera vista junto con la pianista Marie-Léontine Bordes-Pène. Ysaÿe encargaría otra obra similar a uno de los mejores alumnos del belga y que. Ambos la estrenarían en público en diciembre de ese año en el Musée Moderne de Peinture de Bruselas como colofón a un maratoniano concierto que se había iniciado a las tres de la tarde. Recitativo fantasia. el poème lyrique con que había ganado el segundo Premio de Roma belga en 1891. curiosamente. Allegro. constituye una de las creaciones más personales del compositor belga. inspirada en “Dios” (la forma en que solía nombrar a Beethoven). había proseguido sus estudios con Vincent d’Indy: Guillaume Lekeu (1870-1894). El tercer movimiento. Por su parte. en 1886. pero transformado. y el compositor los combina con nuevas ideas en una brillante forma sonata. que Lekeu escribió con tan solo veintidós años. ante la prohibición que había de utilizar luz artificial en el lugar. incluye en realidad dos movimientos en uno. escuchamos por vez primera el motivo cíclico expuesto por el violín. el compositor no renuncia a incluir un motivo cíclico que reaparecerá al final de la obra y que escuchamos al principio expuesto por el primer violín en fortissimo sobre la indicación molto largamente e sostenuto. su principal obra camerística sigue siendo la Sonata para violín y piano en La mayor. cuyo segundo movimiento sería completado por su maestro D’Indy. el origen de la obra parece ser que estuvo en una sonata que planeó escribir en 1858 para Cosima. tras su muerte. Desgraciadamente. Durante el verano de ese año pudo concluir el primer movimiento. no por casualidad había confesado que su credo musical se resumía en la expresión: “Me mato por poner en mi música toda el alma”. al inicio escuchamos el intenso motivo principal expuesto por el piano sobre un siniestro tapiz de la cuerda y al que más adelante opone otro más 77 . 8 que escribió tres años antes. según testimonio de Vincent d’Indy. que estuvo presente. dos años más tarde falleció de resultas de unas fiebres tifoideas. en diferentes movimientos. los tres últimos movimientos de la obra fueron estrenados de memoria y completamente a oscuras por Ysaÿe y Bordes-Pène. “donde miles de sentimientos chocan. indicado como Allegretto poco mosso y uno de los más populares de Franck. Aunque el éxito de esta obra fue el más importante que tuvo Franck en toda su vida. Seis años después de la Sonata de César Franck. como regalo de boda para el violinista Eugène Ysaÿe. la hija de su amigo Franz Liszt. al inicio del primer movimiento. Al igual que vimos en el cuarteto. Ben moderato. El Larghetto que sigue. en la que perseguía lograr una cohesión absoluta entre todos los movimientos a la par que una total unidad de conjunto sin que ningún instrumento fuese protagonista o estuviera subordinado. Scherzo. En el segundo movimiento. que aparece marcado como Allegro ben moderato y funciona como introducción. el movimiento final. donde gritos de sufrimiento siguen a largas llamadas de felicidad”. el 26 de septiembre de 1886. cuando llegó el momento de tocar la obra de Franck ya se había hecho prácticamente de noche y. aunque en orden inverso. que fue estrenado privadamente con la intervención de los dos violinistas a quienes está dedicada la obra. Lekeu inició la composición de su Cuarteto con piano en enero de 1893. encontramos una forma sonata con el desarrollo muy simplificado y cuyo apasionado segundo tema deriva del motivo cíclico. Ysaÿe se había quedado fascinado con la personalidad musical de Lekeu tras escuchar Andròmede. cada uno con sus propios temas. Poco lento – Allegro. El estreno se celebró el 19 de abril de ese año en los conciertos de la Société Nationale en la Salle Pleyel y fue un éxito impresionante: el compositor tuvo que comparecer en escena ante un público entregado y a la salida confesaría a sus allegados: “¡Parece que el público empieza a comprenderme!” El Cuarteto en Re mayor. Dans un emportement douloureux constituye el marco sentimental de la obra. La misma mañana del enlace del violinista belga con Louise Bourdeau de Coutrai. nada más terminar su Sonata para violín. Al inicio del Finale vuelven a sonar los temas principales de todos los movimientos precedentes. se inicia con un tema tierno y melódico que conforma el estribillo de un rondó de melancólicos episodios. Según dejó Lekeu por escrito.de caballos cuando. En el segundo movimiento. Eugène Ysaÿe y Matthieu Crickboom. es un rondó cuyo tema principal deriva del motivo cíclico que se expone en forma canónica. se opone un ambiente misterioso y mendelssohniano en forma de moto perpetuo constantemente interrumpido frente a un Trio más tranquilo y apasionado que reaparece nuevamente en la coda. El primero. es su obra maestra y en ella combina un equilibrio muy personal entre el material musical y la temperatura expresiva y espiritual. 9 de Franck presenta una estructura en cuatro movimientos. recién casado por entonces con el director de orquesta Hans von Bülow.

y aun orquestales. que plantea un increíble reto al oyente y en la que podemos reconocer algunos ecos de lo que sería poco tiempo después su Sinfonía “Patética”. El segundo movimiento. Incluso Claude Debussy. por el contrario. un músico nada proclive en halagos a colegas compositores. Se inicia con un Allegro con spirito que arranca sin introducción y con ímpetu con una forma sonata y tres temas engarzados como si de una impetuosa coreografía se tratase. pero lo cierto es que esta ruptura desató en el compositor ruso una furia creativa que situó sus últimas composiciones en una esfera diferente. En 1887 había hecho una promesa a la Sociedad de Música de Cámara de San Petersburgo de componer una obra en agradecimiento por su nombramiento como miembro honorífico. D’Indy consideró siempre a Lekeu como un genio y no dudó en terminar su obra póstuma (intervendría también en el último movimiento de su temprana Sonata para violonchelo de 1888). en realidad. El tema principal es una ardiente y lírica plegaria de ecos populares que incluye una bella alternancia de modo mayor y menor. la filántropa Nadezhna von Meck escribió su última carta a Piotr Ilych Tchaikovsky (1840-1893) y en ella ponía fin a su mecenazgo por supuestos problemas económicos. y tras un viaje a Florencia y la culminación de la ópera Picovaya Dame (La dama de picas) cuando Tchaikovsky encontró el momento. el segundo tema se parece más a una canción con fragancias checas. se trata de un ejemplo de la música más radical y desoladora jamás escrita por Tchaikovsky. y en el que Tchaikovsky cultiva esa ecuación musical idealmente rusa de nostalgia y vivacidad rítmica. según confesó a su hermano Modest. introducido por un breve y vaporoso Andante sostenuto que parece improvisado y tiene claras reminiscencias del estilizado furiant checo. que fue concluido por D’Indy. especialmente. para tomarse un respiro y escribir esta obra apasionada. Un ejemplo de esto último lo encontramos en el inicio del Allegro moderato. un rápido aleteo y un descenso en tresillos. “Souvenir de Florencia” fue la última composición de Tchaikovsky que escribió bajo el mecenazgo de Nadezhna von Meck y también su última partitura de música de cámara. Dvořák añade una intensidad e incandescencia casi orquestal. 79 .lírico. que redacta entre el 11 de noviembre y el 9 de diciembre de 1895. por la ópera. 105 (B. concretamente en junio. si realmente estaba teniendo problemas económicos o si fue como consecuencia de la tuberculosis que ella había contraído. pero lo terminará después del op. en el que Lekeu pretende “mostrar al amor como fuente de dolor”. el nº 14 en La bemol Mayor. Al mismo tiempo. que conforma una brillante forma sonata en la que el compositor inserta en la reexposición una fuga a seis voces de la que. cuyo primer tema resulta de la peculiar combinación de dos saltos. que recuerdan al último Beethoven. con ese aire encantador de canción popular checa. para luego seguir el resto de la forma sonata con alguna licencia personal. Nunca ha estado claro si esa ruptura estuvo motivada por el escándalo social relacionado con la noticia de que Tchaikovsky era homosexual. La obra termina con un Finale con forma de rondó. en el desarrollo. tras el estreno de la obra cambió de idea y atribuyó ese final al declive de su poder creativo. tiene el carácter de un nocturno. En octubre de 1890. 78. La primera obra que escribe a su regreso es el Cuarteto nº 13 en Sol mayor. aunque paradójicamente se trata de un movimiento que emana tranquilidad y resulta emotivamente sobrio. El Adagio ma non troppo es uno de los momentos más bellos de la obra camerística del compositor checo. y a consecuencia de la cual moriría unos meses más tarde que Tchaikovsky. que inició precisamente en los días en que recibió esa trágica misiva de su benefactora. Le sigue el Andante cantabile e con moto con forma ABA y bellamente cantado por violín y violonchelo con acompañamiento de pizzicati. se interesa por la música programática y. Los dos movimientos finales tienen ma78 El arranque del estilo tardío en Antonín Dvořák (1841-1904) suele asociarse con el regreso a Praga en abril de 1895 tras su estancia americana. que funciona como un intermedio. Un ejemplo de ese furor es la balada sinfónica Voyevoda op. y el Allegro vivace final. A pesar de sus convicciones contra la inmadura juventud. yor influencia folclórica rusa: el Allegro moderato. op. sin embargo. un regreso a los aromas checos y un avance hacia planteamientos musicales más concentrados. luminosa y encantadora en cuatro movimientos. Lent et passioné. Ese juego se traslada a todo el movimiento con una densidad de escritura nuevamente orquestal que culmina en un clímax indicado como Grandioso y donde los cuatro músicos interpretan el tema en sonoros acordes. 106 (B. pero no fue hasta 1890. se trata de una etapa en la que contempla los elementos checos con una renovada mirada. 106 ya de vuelta en Praga (de ahí esa curiosa paradoja en el número de opus). 193). 192). escribió sobre este joven malogrado lo siguiente: “Este Lekeu es el único músico que conozco que realmente ha sido inspirado por Beethoven”. El tercer movimiento es un scherzo de brutales acentos rítmicos con dos tríos que suponen un contraste melódico. estaba muy satisfecho. especialmente el segundo de ellos. El Cuarteto en Sol mayor marca un alejamiento de los elementos musicales de su estilo americano hacia unos contornos más clásicos. op. 70. si fue por presiones familiares. había empezado en Nueva York el que sería su último cuarteto. El Sexteto en Re menor op.

Debussy fue diagnosticado de cáncer y la enfermedad avanzó los años siguientes hasta que. concretamente. y que mantiene las proporciones de un allegro de sonata. sus Sonatas para diversos instrumentos (1915-1917) o sus Estudios para piano (1915) muestran un espíritu de reconciliación y una voluntad de aportar algo a una tradición que le precede. un tema con variaciones que es un claro homenaje a su admirado Johannes Brahms. En cierto modo. combinando lo neoclásico con lo decadente y otoñal. 80 Musicien(s) français No resulta fácil definir el estilo tardío de Claude Debussy (1862-1918). y el estilo posrromántico de herencia brahmsiana y cromatismo postristanesco que le hizo acercarse al expresionismo de Schoenberg. de esos modernos en dificultades con los tiempos modernos. un año antes de su muerte. fagot y piano. La obra se inicia con un Prologue. que no se dejan simplemente seducir por lo moderno. que se mantienen siempre alerta. al igual que sucede con la mayor parte de los compositores del siglo xx. su reencuentro y puesta al día del clasicismo mozartiano. en las que el compositor bávaro diseña un esquema de sonata neobarroca en cuatro movimientos lento-rápido-lento-rápido que llena de una música sencilla e intemporal. en este caso. Sigue una Sérénade que quizás evoque al desventurado Arlequín dándole un serenata a la indiferente Colombina. muestra cómo las obras escritas por el compositor francés en torno a los años de la Gran Guerra coinciden con las dos definiciones que hemos visto de estilo tardío. cuando su música adquiere un aire más equilibrado y menos pretencioso. Inicialmente pensó titularla “Pierrot enfadado con la luna”. Debussy insistió en publicar cada obra bajo el título conjunto de Six Sonates pour divers instruments (“Seis sonatas para diversos instrumentos”) y firmarlas con su nombre seguido de la muy significativa apostilla musicien français. 143. áspero y desequilibrado de su lenguaje tardío lo encontramos en su ballet Jeux (1912-1913) junto a esa voluntad deliberada de ir contra las convenciones musicales establecidas. Mozart o Brahms. A la segunda corriente de inspiración neoclásica pertenecen las doce pequeñas piezas para piano tituladas Träume am Kamin (Sueños junto a la chimenea). requirió una operación y comenzó un tratamiento con radiación. sin embargo. Por otro lado. lo rugoso. En alguna biografía de Reger se ha retratado a este compositor con la famosa sentencia de Walt Whitman: “I am vast. que el compositor denominó precisamente “estilo de Jena”: la corriente neobarroca que se manifiesta en su predilección por el estilo fugado y en la que retomó con nuevas miras la obra de Bach. la parte de violonchelo está llena de efectos como pizzicati con portamentos o armónicos que evocan el sonido de la guitarra o la flauta. El Quinteto para clarinete y cuerda en La mayor. En la obra de Reger confluyen tres corrientes que se intensifican en su etapa tardía. I contain multitudes” (“Soy inmenso. op. Reger parte de los antecedentes en este tipo de formación escritos por Mozart y Brahms. lo que muestra el protagonismo que tiene en la obra. aunque con su estructura completamente alterada. Como ejemplo de la primera corriente. En mí habitan multitudes”). para iniciar un proyecto con el editor Jacques Durand que consistía en componer seis sonatas para diversos instrumentos como homenaje a los maestros franceses del siglo xviii: “Nada puede excusarnos de haber olvidado la tradición inscrita en la obra de Rameau. y la última iba a combinar todos los instrumentos utilizados en las cinco anteriores. al que sigue un tiempo lento y. las dos compuestas en modo menor. La estructura sigue el esquema habitual de las obras camerísticas de Reger. para trompeta. clarinete. situando el scherzo tras el primer movimiento. que Debussy escribió casi como un arrebato entre finales de julio y principios de agosto de 1915. y que no desdeñan ninguna posibilidad estética. lo que muestra su fascinación o quizás identificación con este personaje de la commedia dell’arte que en su versión francesa era un mimo triste y cuya máscara escondía a un ser lleno de anhelo y deseos insatisfechos. Debussy avisa en la partitura al pianista que no debe luchar contra el violonchelo. sino que constituye además su última composición terminada en marzo de 1916. en su reciente monografía sobre el tema. sino acompañarlo. trompa y clave. tan solo dos meses antes de su repentina muerte. sin aparentes contrastes y donde también halla cabida algún destello impresionista. pero añadiendo un lenguaje nuevamente sencillo. este compositor bávaro es la personificación del antimoderno. las tres que no pudo concluir iban a ser para oboe. Marianne Wheeldom. Aunque tan solo pudo completar las tres primeras sonatas del proyecto. En 1909. El Finale se inicia sin pausa 81 . 131d que Reger escribió en 1915. Debussy retomaría la composición. Por un lado. La primera de la colección fue la Sonata para violonchelo y piano. En cierto modo. que datan igualmente de 1915. que combina nobleza y melancolía. y en las que el compositor combina la sencillez clásica con ecos de expresividad cromática. op.si bien añade a modo de contraste reminiscencias de la introducción y de temas ya escuchados en los movimientos precedentes. tras más de un año sin escribir prácticamente nada. en diciembre de 1915. Ese mismo año de dolor y sufrimiento. No puede sostenerse hoy sin más que Max Reger (1873-1916) fuera un epígono tardío de Bach. 146 no solo es un buen ejemplo de la referida tercera corriente. escucharemos en este ciclo dos de las tres Suites para viola op. su obra fue capaz de combinar relecturas de estos tres compositores que no desentonan con una época que caminaba de forma decidida hacia el modernismo. y especialmente después de su retirada en 1913 a la ciudad turingia de Jena. llena de hallazgos geniales casi únicos”.

aunque enseguida vuelve a enfundarse el disfraz y todo vuelve a la normalidad. Fauré odiaba el verismo y se ofendió mucho cuando le preguntaron por ello tras el estreno. Andante. si hay que marcar un año de comienzo del estilo tardío en Fauré. pero Fauré mantuvo su habitual orden de empezar por el movimiento lento durante el verano de 1923. 120 por el conjunto formado por Alfred Cortot. La obra se inicia con un Allegro moderato que vuelve a tener dos desarrollos y una coda. siempre lo había evitado con el fin de eludir comparaciones con los cuartetos de Beethoven o Brahms. está construido sobre dos temas muy melódicos entre los que apenas hay contrastes. y que le ocuparía los meses de septiembre y octubre de 1915. El compositor francés no pudo retomar el proyecto hasta finales de 1916. El Intermède (Fantasque et léger) es un movimiento muy irónico. violonchelo y piano en Re menor. incluso con procedimientos canónicos. Siguieron homenajes en La Sorbona en presencia de las principales autoridades y éxitos importantes gracias a sus óperas Pénélope y Prométhée o al Réquiem. En su caso. ¿hasta dónde llegará?” Esta pregunta se hicieron varios amigos de Gabriel Fauré (1845-1924) en junio de 1923 tras la exitosa interpretación de su Trío para violín. también escribió su único cuarteto al final de su vida. violonchelo y piano op. op. 121 fue la última composición de Fauré y también el último género camerístico importante que le faltaba por cultivar. 120 consta de tres movimientos. Debussy abordó inmediatamente la siguiente obra del proyecto. 117. La composición fue lenta debido a su estado de salud. que termina dialogando de forma más intensa con los dos instrumentos de cuerda. problemas respiratorios y hasta algo de sordera. el Quinteto con piano nº 2. 121. el finale de esta sonata dispone de una curiosa deformación al participar en el juego con un tema simple que se vuelve una y otra vez sobre sí mismo. el tercer movimiento tardó casi un año en escribirlo e incluso dejó algún esbozo para un cuarto movimiento. con la original combinación instrumental de flauta. después vendría su recaída de diciembre. a sus setenta y cinco años. ese año se retiró del Conservatoire 82 . pues es introducido por una sección cuyo tema principal parece ser una cita del famoso ““Vesti la giubba” de la ópera Pagliacci de Leoncavallo. que contaba setenta y ocho años y tenía numerosos achaques como esclerosis. Se inicia con un Allegro vivo que. El Cuarteto de cuerda en Mi menor. seguía en plena forma a nivel creativo. op. op. la operación y la radioterapia. seguido del inicial (en el que reutilizó material temático de su juvenil Concierto para violín op. pensó en trabajar en una serie de obras que coronasen su catálogo: la Sonata para violonchelo y piano nº 2. a menudo son el producto de una mente oscura y malhumorada. El segundo movimiento. El compositor de Pamiers. en 1920 incluso tendría el honor de recibir la Gran Cruz de la Legión de Honor. Así. op. El movimiento añade y elabora dos temas más. no puede decirse que el estilo tardío determinase una reconciliación o una ruptura: simplemente siguió adelante en una asombrosa progresión creativa. La composición de su Sonata para violín y piano abarcó los meses de febrero y marzo de 1917. En realidad. 115. se diferencian principalmente por la extensión y son manejados con gran invención en los dos desarrollos. como vimos. a medio camino entre el ostinato rítmico y la edulcorada melancolía. la sección central le confiere el protagonismo al piano. Tras empezar a tener importantes achaques se recluyó y. escribió entre 1922 y 1924 dos obras maestras con las que culminó su catálogo: el Trío con piano op. tras exponer sus dos temas. como una serpiente que se muerde la cola”. arpa y viola. 120 y el Cuarteto de cuerda op. 14). Se inicia con un Allegro ma non tropo en forma sonata con dos desarrollos. pero al final regresa victoriosa esa supuesta cita de Leoncavallo que se escucha todavía con mucha más claridad. y el estreno se celebró en mayo de ese año en la Salle Gaveau de París en la que sería la última aparición pública del compositor. que habría de situarse entre el primero y el segundo. El Andantino que sigue presenta una forma ABA y hace gala de una gran inspiración lírica y emotiva. siguiendo el encargo del editor Jacques Durand. pero ya convertido en una persona muy enferma y mermada. y.alguna y mantiene el ambiente jovial con ecos de Parfums de la nuit de Iberia. algo bastante excepcional en un músico. los dos temas de la exposición son muy melódicos. El Finale tiene una estructura muy 83 * * * “Si vive hasta los cien años. Tras la Sonata para violonchelo y piano. tan solo en la parte central del movimiento hay un pasaje con la indicación “Con morbidezza” en el que se representa la angustia y la soledad. El Finale es un scherzo que resulta bastante contradictorio. el ciclo de canciones L’horizon chimérique y el Nocturno nº 13. La obra termina con un Finale (Très animé) en forma de rondó cuyo tema principal gira sobre sí mismo y fue explicado por el compositor a su amigo Robert Godet con esta palabras: “Ten cuidado a partir de ahora con las obras que parecen habitar los cielos. está formalmente a medio camino entre el Lied y el rondó. presenta un sensual y misterioso pasaje central que evoca un ambiente vaporoso a través de efectos en el instrumento de cuerda y cierta suspensión temporal. resulta un movimiento de perfil inquietante y diálogo sobrenatural. Jacques Thibaud y Pablo Casals. El Trío para violín. pero quizás optó por escribirlo siguiendo el ejemplo de César Franck que. es posible que fuera en 1920.

Molto tranquillo. la composición más relacionada con esta historia de amor entre el sexagenario Janáček y la veintañera Stösslová es el Cuarteto nº 2. y está construido con gran virtuosismo a partir de dos temas expuestos por la viola que retratan el estallido del amor en medio de los vapores del balneario. en la que se introducen cuartos de tono en los violines y todavía es mayor el contraste con el ritornello. aunque en algunas ocasiones adquiere mayor protagonismo. El propio compositor explicaría por carta a su amante los planes de esta nueva obra con total detalle: “He comenzado a componer algo hermoso que contendrá nuestra vida. corrió y se detuvo de nuevo. y con ello cambiaría también la dedicatoria: de la inicialmente prevista al Cuarteto Húngaro se pasaría al Cuarteto Kolisch. mientras seguía un tratamiento contra la 85 . los diferentes estados de ánimo del compositor cuando se declaró a su amante. inquietantes y grotescos. como Harry Halbreich. yo me quedé parado y después corrí hacia ella”. Una vez escuchada esta idea. pero durante su exilio estadounidense sí que llegaría a aceptar el encargo de un joven violinista llamado Yehudi Menuhin y de él acabaría surgiendo la Sonata para violín solo (Sz. Fauré no vivió para asistir al estreno de esta obra. JW VII/13. En la Marcia expone el ritornello el violonchelo con trémolo de violines y sigue un movimiento que opone la ironía de la marcha a una especie de amanerado pregón. que concluyó en marzo de 1944. el tema principal del Vivace parece derivar en un principio de la idea temática del ritornello. como. Sin embargo. también influyó en la composición de El diario de un desaparecido (1920). Por ejemplo. El Adagio que sigue está en la tonalidad de Si bemol menor. El tercer movimiento. la muerte de su madre y su posterior exilio en Estados Unidos. la Misa Glagolítica (1926) y la Sinfonietta (1926). la música queda como suspendida y camina lentamente hacia un irremediable abismo donde una última cita del ritornello sirve de despedida. que fue el que la estrenó. que en algunas progresiones y crescendi refleja una tensión casi alucinatoria y culmina en una coda tan irresistible como desconcertante. Le sigue la socarrona y descarada Burletta. en el cuarto movimiento.clara de forma sonata. en la escritura del conjunto muestra su interés por conseguir efectos tímbricos sorprendentes para expresar sus sentimientos. por ejemplo. el ritornello se impone y ello paraliza la obra. Sin embargo. Janáček optaría por titular su nuevo cuarteto “Cartas íntimas” para evitar el escándalo y optaría por reemplazar la viola d’amore por una viola convencional. la zorrita en La zorrita astuta (1924) o Emilia Marty en El caso Makrópulos (1925). la inició en agosto de 1939. ella sería la inspiradora de los papeles principales de tres de sus óperas: Katia en Katia Kabanová (1921). Se trata de la última obra importante del compositor húngaro. ella se quedó en silencio. “Cartas íntimas”. cada movimiento sigue su propio camino. El estreno se retrasaría hasta 1941. ¡Cómo me regocijo con ello! Allí estaré solo contigo. mientras veraneaba en Saanen en casa de Paul Sacher y la concluyó en noviembre. Bartók ya no escribiría más cuartetos. No obstante. el compositor recuerda la anécdota: “Pareció que la tierra se abrió de golpe cuando se lo dije. la tonalidad asociada con Katia Kabanová en la ópera homónima. de 1928. aunque el material temático se acerque más al de un rondó o incluso un scherzo. sombría y melancólica. 117). La obra se inicia con un Andante donde se evoca de forma rapsódica la impresión que produjo al compositor la primera vez que vio a su amante en el balneario de Luhačovice utilizando la viola como narradora. En una carta. 114) fue la última partitura que terminó en suelo húngaro. Un instrumento tan solo será el narrador durante toda la obra: la viola d’amore. lo consideran más avanzado que los cuartetos de Debussy o Ravel. Este cuarteto rezuma desesperación de principio a fin y esa desesperación se materializa en el uso de una misma idea temática. aunque en realidad proviene del final del “più mosso pensante” intermedio y evoluciona hacia una forma sonata inspirada en aires folclóricos que mezcla sones nerviosos. Nadie más que nosotros”. por ello suele considerarse que este cuarteto constituye su testamento musical y algunos estudiosos. El Finale arranca con una danza rústica que es interrumpida por citas de los movimientos anteriores o de la ópera Katia Kabanová hasta que llega ese impresionante final con trémolos alocados y disonantes que representan esa impactante imagen del compositor en éxtasis con su corazón arrancado. ensangrentado y palpitante sobre su cabeza. tocada por la viola o el violonchelo a modo de ritornello al principio de cada uno de los cuatro movimientos de la obra y que se indica como “Mesto” (“melancólico”). cuando el compositor ya se había trasladado a Nueva York. Moderato. que se celebró el 12 de junio de 1925 en el Conservatorio de París. con la que mantuvo una relación amorosa extramatrimonial desde 1917 hasta su muerte. se inicia con una mecedora melodía de aire eslavo que se vuelve cada vez más nerviosa o evoluciona hacia 84 Las dos últimas composiciones camerísticas de Béla Bartók (18811945) estuvieron marcadas por el inicio de la Segunda Guerra Mundial. el inicio muestra la agitación por medio de los trinos de la viola y sus intervenciones sul ponticello o en ostinato describen los ambientes brumosos y formales del balneario moravo. de repente. presenta un insistente lenguaje ostinato unas veces desnudo y otras intenso. Vientos del este (y del oeste) El estilo tardío de Leoš Janáček (1854-1928) estuvo marcado por una mujer. Kamila Stösslová. el uso del efecto sul ponticello con sordina. Concretamente el Cuarteto de cuerda nº 6 (Sz. Lo he llamado ‘Cartas de amor’. Al final de la composición.

]. Sin embargo. Ullmann consiguió salvar algunas imprimiéndolas por su cuenta y confiándoselas a un amigo. que sobrevivió a Theresienstadt. 19 nº 4 del compositor vienés (el pasado año pudo escucharse en el Liceo de Cámara la versión cuartetística de esta pieza interpretación del Cuarteto Arditti). De la tremenda complejidad contrapuntística pasamos en los dos movimientos siguientes al estilo folclórico del compositor húngaro: una Melodia de escritura más sencilla y estructura ternaria. que puede utilizar si no le parece interesante tocar los cuartos de tono.. tal como suele ser habitual en la actualidad. la violinista Isabelle Faust utilizará la versión con los cuartos de tono en el movimiento final. El 8 de septiembre de 1942. se corresponde en realidad con una forma sonata con dos temas que oponen la polifonía a la línea melódica. no son elementos ‘estructurales’ y. Se trata de una obra en un movimiento continuo que se subdivide en cuatro partes como reflejo de los cuatro movimientos tradicionales del cuarteto de cuerda. y un Presto construido como movimiento perpetuo con tres secciones adicionales.. El segundo movimiento es una Fuga de impresionante virtuosismo y cuyo sujeto vuelve a ser un claro homenaje a Bach. Aunque muchas de sus composiciones fueron destruidas durante la ocupación alemana de Praga. ayudado también por el efecto vaporoso que añade el uso de la sordina y los armónicos. No obstante. que Ullmann escribió en 1943. lo mejor sería que pudiera tocar ambas versiones. se inicia con una contemplativa reminiscencia del Finale de la Sinfonía “Pastoral” de 87 * * * El estilo tardío del compositor checo Viktor Ullmann (1898-1944) estuvo determinado por su reclusión en 1942 en el campo de concentración nazi de Theresienstadt (hoy Terezín). algo que el compositor explicó en una carta fechada en abril de 1944: “Los cuartos de tono del cuarto movimiento son simplemente un efecto tímbrico. lo que le permitió seguir componiendo e incluso también escribir críticas o hacer música junto a otros reclusos. Resulta interesante conocer algunos detalles de la obra a través de las cartas que envío Bartók al joven Menuhin. fue recluido junto a su esposa en el campo de concentración de Theresienstadt. aunque no en el sentido neoclásico. Menuhin optó por la versión sin ese efecto tímbrico. Entre las obras que Ullmann escribió y estrenó en Theresienstadt destaca una versión dramatizada de las baladas de Villon. La llegada de los nazis al poder en 1933 obligó al joven compositor checo a volver a Praga y los años siguientes los pasó como músico freelance.leucemia en Asheville y que sería estrenada en Nueva York en noviembre de ese año. pues desde luego no nos hemos sentado junto a las aguas de Babilonia para llorar. donde pronto se convirtió en una de sus principales figuras musicales. op. como los cantantes Walter Windholz y Hedda Grab-Kernmayr. enseñando. tal como he hecho en las alternativas de la última página. pueden ser eliminados. la pianista Edith Steiner-Kraus o el director de orquesta Rafael Schächter: “He escrito un buen montón de nueva música en Theresienstadt [. 46. La obra está construida en cuatro movimientos perfectamente equilibrados. Ullmann había coqueteado en sus inicios con la Segunda Escuela de Viena e incluso había formado parte en 1918 del seminario de composición de Arnold Schoenberg. aunque en la edición crítica de esta Sonata se incluyeron ambas versiones y. su interés por el expresionismo vienés quedó patente por entonces en sus Variaciones y doble fuga sobre una pieza para piano de Schoenberg (1925) basadas en el op. que por entonces dirigía Alexander von Zemlinsky. Todo lo que quiero subrayar es que Theresienstadt ha ayudado más que obstaculizado en mi trabajo musical. la segunda de la cuales hace expresa referencia al primer movimiento con la intención de concluir la obra de forma cíclica. Allegro moderato e semplice. dirigiendo el Studio für Neue Musik. Ullmann fue trasladado junto a su esposa a Auschwitz en uno de los llamados “transportes de liquidación” y ambos fueron gaseados el 16 de octubre de 1944. haciendo críticas en el periódico Der Auftakt o también programas de radio. una cuestión muy particular es la negativa de Menuhin a tocar cuartos de tono en el Presto final de la Sonata. Precisamente. varias canciones sobre poemas de Conrad Ferdinand Meyer o su Sonata para piano nº 6. La primera parte. En ellas podemos verificar su permanente preocupación acerca de la realización de algunos pasajes que el compositor juzgaba quizá demasiado difíciles y ante los que siempre se mostró abierto a atender las sugerencias del violinista. y entonces decidir si vale la pena utilizar los cuartos de tono”. esto es. pues a los dos primeros más estrictos le siguen otros dos más livianos. Se inicia con un Tempo di ciaccona que trata de tender un puente hacia las variaciones bachianas. El azar hizo que los manuscritos de las composiciones de Ullmann fueran conservados gracias al filósofo Emil Utitz. por tanto. donde se representa la nostalgia del compositor. Alemán de Praga. en esos años asistió a los cursos de Alois Hába sobre la composición en cuartos de tono o consiguió en dos ocasiones el Premio Emil Hertzka tanto por la orquestación de sus Variaciones sobre un tema de Schoenberg como por su ópera Der Sturz des Antichrist (La caída del Anticristo). y nuestro deseo de cultura se ha visto alimentado por nuestro deseo de vida”. Entre todos ellos destaca su Cuarteto de cuerda nº 3. una segunda versión de esta obra que el pianista Franz Langer estrenó en el festival de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea de Ginebra fue la que despertó la atención internacional sobre Ullmann. pero al año siguiente tuvo que abandonarlo para trabajar en el Nuevo Teatro 86 .

página idealmente mágica y de radiante musicalidad cuya estructura ternaria está presidida por una especie de declaración de amor puro e indolente. violas y violonchelos con un contrabajo. es decir. 89 . Ese mismo año de 1943 había preparado una edición para sexteto del preludio de Capriccio. Y es que hasta la propia Alice Strauss nunca sospechó las atrocidades que se practicaron en aquellos lugares en que perdió hasta veintiséis miembros de su familia. ese tema se transforma al final en una cita de la Marcia funebre de la Heroica de Beethoven. como cuando en marzo se quedó atrapado por una enfermedad de su esposa Pauline en Múnich durante unos días de intensos bombardeos. Para el viejo Richard. donde conviven varios temas en un contexto de cierta indeterminación tonal. que apareció en 1990 en Suiza y hoy se conserva en la Bayerische Staatsbibliothek. se inicia con un tema áspero y breve que pasa por todos los instrumentos y desemboca en la contemplativa reminiscencia beethoveniana del principio. el cuarteto concluye en modo mayor con una breve cita de la contemplativa reminiscencia beethoveniana convertida ahora en un rayo de esperanza. y como queda patente en esa obra. fue en 1943. que plasmó en primer lugar en el Cuarteto de cuerda nº 12 en Re bemol mayor. fue su coqueteo con el dodecafonismo. * * * En realidad. y haciendo un alto en el camino desde Viena a Dresde. sobre la que Strauss escribe en la partitura un sentido “In Memoriam”. op. 133. la composición que mejor refleja el estado de abatimiento de Strauss durante la guerra es Metamorphosen (Metamorfosis). Shostakovich escribió para él una sonata después de haberle obsequiado el año anterior por error con su Concierto para violín nº 2. 129. que lo había dejado consternado. que es una especie de scherzo. la escribiría ya en Garmisch algunos meses más tarde y casi como una forma de evadirse de la noticia de la destrucción de la Ópera de Múnich. el dodecafonismo en manos de Shostakovich fue simplemente un recurso emocional que le permitió explotar las tensiones resultantes del uso de “series” cromáticas frente a tonalidades perfectamente afirmadas. que incluye una sección central repentinamente agitada. Esta versión de Leopold incluye todas las variaciones que sufrió la partitura de Strauss en su adaptación para veintitrés instrumentos de cuerda y fue estrenada en junio de 1994 por miembros de la Filarmónica de Viena en la que fuera la residencia privada del compositor en Garmisch. op. ya en las anotaciones de su diario que siguieron a la invasión de Polonia en 1939 puede leerse entre líneas el vaticinio de la total destrucción de su querido país. que la tocará también en Madrid. De hecho. 88 Amistades tardías (tras el Telón de Acero) A finales de los años sesenta. Esta parte enlaza directamente con el Largo que se inicia con un desolador solo de viola al que van uniéndose lentamente los demás instrumentos. El Allegro vivace e ritmico que cierra la obra se inicia con un estilo contrapuntístico muy efectivo y colorista al disponer de trémolos y pizzicati. Ese mismo año. y que termina diluida en el mar de belleza y transparencia del tema principal. se acercó a la puerta y afirmó: “Mi nombre es Richard Strauss y quiero ver a Frau Neumann”. y entre los que destaca una insistente repetición de la nota Sol en las violas seguida por un descenso con ritmo punteado. en los momentos más duros de 1943. escrito en 1968. Uno de esos siete músicos era el contrabajista Alois Posch. el anciano compositor pensaba que era un simple campo de trabajo para judíos antes de ser reasentados en cualquier otra parte y por esa razón se acercó allí para visitar a Paula Neumann. la Sonatina para instrumentos de viento nº 2. y también más criticados especialmente fuera de la Unión Soviética. esa etapa final de su vida estuvo marcada por el dolor y el desánimo ante una guerra que consideraba una locura. Richard Strauss (1864-1949) visitó en una ocasión el campo de concentración de Theresienstadt. Conviene aclarar que escucharemos Metamorphosen dentro de este ciclo en una realización para septeto de cuerda de Rudolf Leopold.Beethoven. febril y sinuosa. aunque quizás esta obra vaya mucho más allá y constituya un doloroso adiós a toda una época que había quedado completamente arrasada y transformada. y que demuestra cómo Strauss había concebido inicialmente esta obra para una formación de septeto formado por parejas de violines. escribió su encantadora Sonatina para instrumentos de viento nº 1 como una forma de volver a los géneros cultivados en su juventud. Strauss escribió esta obra entre marzo y abril de 1945 en Garmisch. en las semanas previas a la rendición de Berlín que marcó el final de la Segunda Guerra Mundial. la última ópera suya estrenada en ese teatro en octubre de 1942. Nada más llegar allí. y cómo después cambió de idea tras recibir un encargo de Paul Sacher de una composición para su Collegium Musicum. curiosamente. Al parecer. El Presto. subtitulada “El alegre taller”. los guardias de la SS lo tomaron por un chiflado y no le hicieron el menor caso. Strauss encontró en la composición un refugio ante la sinrazón que le rodeaba. la abuela de su nuera Alice. De todas formas. Esta realización no es un simple arreglo y está basada en un manuscrito del compositor. Dimitri Shostakovich (1906-1975) inició algunos sorprendentes experimentos musicales que determinaron en parte su estilo tardío. Uno de los más peculiares. precisamente. un estudio para veintitrés instrumentos solistas de cuerda que fue inspirado por la referida noticia de la destrucción de la Ópera de Baviera. en el que el gran violinista David Oistrakh celebraba su sexagésimo cumpleaños. y la concibió como un adagio bruckneriano de vastas proporciones.

de gira por la Unión Soviética en esas fechas. complicado con una mielitis y problemas cardíacos. Britten realizó un concierto privado en el apartamento de Rostropovich en el que él mismo tocó al piano su Suite nº 3 para violonchelo solo. op. Moderato. La obra termina con un Largo que es una monumental passacaglia sobre el tema inicial del Concierto para violín. al igual que el Cuarteto nº 15. esta vez en fusas. La obra se inicia con una Elegía de estática armonía y suaves dinámicas que se convierte en una fuga intemporal. enlaza con un estático Intermedio en el que el primer violín realiza una cadenza que es acompañada por notas tenidas del violonchelo. El Andante se inicia con la exposición e inversión en el piano de una serie completa de doce sonidos a la que el violín contrapone una melodía diatónica. y donde el compositor dirigió algunas de sus obras a la Orquesta Sinfónica de Londres. Allegretto. “A la memoria de una ángel”. 134. lo que muestra cómo Shostakovich asocia el dodecafonismo con un tipo particular de tema cromático. op. de Berg. pero. El segundo movimiento. El último movimiento lo dedica Shostakovich “a la memoria de un gran compositor. Sigue un Allegretto que es en realidad un scherzo en el que el compositor utiliza un rústico pasaje de su ópera inacabada Los jugadores y al que opone una sección central sinuosa y machacona. acrecentada en 1974 después de haberle diagnosticado un cáncer de pulmón. en el que plantea diversas reflexiones sobre la muerte a través de seis movimientos lentos que se tocan sin pausas. 87 de Britten se estructura en nueve movimientos sin pausas. el último de su catálogo. morendo. el estilo tardío de Shostakovich también está marcado por su obsesión con la muerte. que el compositor indica. es uno de los más abstractos de toda la obra de Shostakovich y representa una dramática conversación entre dos instrumentos donde parece que nadie escucha a su interlocutor. trata de las obsesiones y pensamientos de un hombre gravemente enfermo: se trata de una obra verdaderamente sublime y serena que 90 se asoma al abismo de la muerte con resignación más que con miedo y desesperación. el movimiento alcanza el clímax tras una cadenza de la viola para declinar lentamente hasta el final. Britten viajó con el manuscrito de su última composición: la Suite nº 3 en Do menor para violonchelo solo. que había escrito el año anterior para el mismo Oistrakh. Shostakovich sigue su personal incursión en el dodecafonismo. ¿hubo algún intercambio creativo entre ellos? Resulta muy interesante conocer el enorme interés que tenían uno y otro en estar al corriente de las obras que estaban componiendo y. en este movimiento encontramos también la primera autocita: un pasaje con aroma popular procedente de su Concierto para violín nº 2. en abril de 1971. El Nocturno posterior presenta un ambiente ondulante e inestable y la Marcha fúnebre a continuación expone un tema rítmico al que responden intervenciones solistas de cada instrumento. es una especie de scherzo cuyo tema principal se asemeja a la Malagueña de su Sinfonía nº 14. tras un pasaje de la viola sin acompañamiento del piano. sabemos que en su última visita a la Unión Soviética. 144. Mstislav Rostropovich. Aparte de los experimentos peculiares como el dodecafonismo. concretamente. donde el compositor elabora un sorprendente catálogo de variaciones que conducen a una coda final en la que se recuperan los temas del primer movimiento para concluir misteriosamente con el violín haciendo un trémolo sul ponticello. que precisamente había terminado de componer un mes antes en Aldeburgh. esa cadenza se convierte en un misterioso ritornello que alterna con un tema desnudo en el violonchelo o la viola y termina en un coro fantasmal acompañado por cuartas y quintas. a la vez que plantea una obra en tres movimientos (lento-rápido-lento) en la que se cita a sí mismo o introduce un curioso homenaje a Alban Berg. que pasa a manos del violonchelo. significativamente. mientras el compositor ruso programó un ensayo de su Cuarteto nº 13 en su piso. estuvo relacionado con el Festival “Días de Música Británica” que tuvo lugar en Leningrado y Moscú. op. Tal como indica Elizabeth Wilson en su biografía de Shostakovich. * * * Benjamin Britten (1913-1976) y Dimitri Shostakovich mantuvieron desde 1963 una estrecha amistad que se materializó en viajes del compositor inglés a Moscú y también con visitas del ruso a Aldeburgh. siempre en compañía de Peter Pears. El primer movimiento. Ese viaje de Britten a Moscú. avanzado el movimiento. integrados por la técnica de la variación y unificados por una inspiración común en temas populares rusos extraídos de tres arreglos de Tchaikovsky y del kontakion o himno funerario 91 . Sigue una Serenata que se inicia con crispados crescendi en los violines y continúa con un tono sardónico. El último movimiento se inicia nuevamente con una cadenza del violín. el viaje también sirvió para que ambos compositores conocieran sus últimas creaciones y. en especial.Con la Sonata para violín y piano op. ambos instrumentos se unen en el tema principal que deriva de la Sonata “Claro de luna” del compositor de Bonn. la viola se queda sola y expone un monólogo. La Suite nº 3 en Do menor. pero que deriva en un tono sardónico y alocado y que acaba produciendo una violenta confrontación entre los dos instrumentos. La Sonata para viola y piano op. Terminada en julio de 1975. 87. Shostakovich sabía que no le quedaba mucho tiempo y escribió ese mismo año el Cuarteto nº 15 en Mi bemol mayor. Ambos se dedicaron composiciones y tuvieron amigos en común. 147 es el testamento musical de Shostakovich. Beethoven” y. fue la última obra que concluyó un mes antes de su muerte y.

el compositor ruso le indicó que la versión que conocía del kontakion difería en alguna nota de las utilizadas por Britten y ello afectó mucho al compositor inglés. esa particular economía de medios instrumentales. creando un ambiente de efímera belleza que en la coda se trastoca con el violonchelo sosteniendo un desconcertante Re natural. que se estructura en torno a una cantilena del primer violín acompañada por los otros tres instrumentos por medio de pizzicati. aquejado ya entonces de los primeros síntomas de una cardiopatía que terminaría con su vida pocos años después. a su vez. que podría alterar el tema. aunque Britten evitó estrenar la obra hasta confirmar que. y se opone al ambiente más calmado y dialogante del trío. dentro de una generalizada ambigüedad tonal. a lo que Shostakovich le replicó con comprensión: “Sí. Y. El compositor ruso se quedó fascinado con la nueva obra del inglés y se pasó horas examinando los borradores de la partitura con esas complejas interrelaciones motívicas. tal como afirma Said. El primer movimiento. 92 La prueba de que Said tenía razón la encontramos tanto en la biografía de Britten como en la penúltima obra de su catálogo: el Cuarteto de cuerda nº 3. a los que el compositor da un título simple pero sugerente. sí. Las razones que vinculan esta ópera con el estilo tardío de Britten han sido convincentemente analizadas por Edward Said en su referida monografía póstuma sobre el tema. Un Lento inicia la obra a modo de obertura basada en el referido kontakion. en este movimiento también encontramos una cita de su juvenil Alla marcia (1933) que muestra el sentido de síntesis que se esconde detrás de esta partitura. es una scherzo cuyo tema inicial es cortante y brusco. haciendo del cuarteto un apéndice o un comentario de la ópera. y que cuesta atribuir a un cuarteto de cuerda. las exóticas influencias tímbricas o el uso que hacía de diferentes tipos de monólogo acompañados o con piano. 93 . aunque Donald Mitchell ha demostrado sobradamente que Britten no había previsto que Death in Venice fuera su última ópera. sardónico y ecos “shostakovichianos” (quizá un homenaje a su amigo fallecido tan solo unos meses atrás) al que sigue un trío juguetón y pendenciero.. pero también como lugar donde es posible la convivencia de elementos discordantes como la gloria y la degradación que la convierten en un escenario ideal para el estilo tardío. El cuarto movimiento. 94 que concluyó en noviembre de 1975. con el hombre que no puede eludir ni consumar su deseo y quizá. Gustav von Aschenbach.. El Cuarteto nº 3 de Britten se divide en cinco movimientos. Solo. había dos versiones del referido kontakion. pero sin reexposición. o incluye la barcarola orquestal que toca aquí el violonchelo. En este final es posible que Britten se identificase con Aschenbach. enlaza con un Moto perpetuo. introducido por el violonchelo y el primer violín. El segundo movimiento. que está precisamente asociada con su protagonista. Durante su última visita a Inglaterra. El cuarteto termina con un Recitativo y Passacaglia que se subtitula. se desesperó. Britten se levantó rápidamente para evitar el aplauso y no paró de disculparse por haber tocado tan deprisa. Shostakovich se disculpó y le quitó importancia a este detalle. como acaba de apuntarse. es decir. pero no ya sus variaciones: “Voy a tener que reescribir la obra por completo”. en realidad.ortodoxo “Con los Santos haz descansar”. Duets. al final. las posibilidades tímbricas que tiene el improbable dúo dentro de un cuarteto entre el segundo violín y la viola. glissandi. Ben. el último movimiento del mismo lo titulo “La Serenissima” y lo convirtió en un impresionante homenaje sentimental a esa ciudad con varias citas de su ópera Death in Venice o el uso de la tonalidad de Mi mayor. Burlesque. una brillante Fuga que desemboca en un Recitativo que. A continuación llegamos a una Barcarola con guiños a Bach (no olvidemos que esta Suite fue inspirada por la interpretación de Rostropovich de una suite de Bach). El tercer movimiento. A continuación. lo que le llevó a revisar la partitura en 1974 y ofrecer las dos opciones en la subsiguiente edición de 1976. Una vez terminada su interpretación al piano. aquí resida la esencia misma de su obra tardía. El compositor inglés amaba Venecia por encima de cualquier otra ciudad y durante la composición de este cuarteto hizo su último viaje a la ciudad de los canales y fue allí precisamente donde terminó este cuarteto. op. y distingue un primer tema de extraña sensación contemplativa de otro mucho más robusto y enérgico. le sigue una Marcia con dos temas populares y después un Canto basado en la tercera. la Passacaglia se basa asimismo en el kontakion como imponente conclusión de la obra. Y es que. nosotros los compositores tendemos a tocar siempre nuestra música demasiado rápido. Britten concluyó la partitura de la que sería su última ópera en 1973. es una de las mayores joyas tímbricas de toda la literatura cuartetística. el movimiento está planteado en forma sonata. Shostakovich pasó algunos días del verano de 1972 en Aldeburgh y visitó a Britten en su casa mientras trabajaba en la ópera Death in Venice (Muerte en Venecia). Ostinato. De hecho. que coincide con la llegada a Venecia del protagonista. levemente acompañados por el primer violín y el violonchelo. representa.”. resulta imposible no considerarla un ejemplo de su estilo tardío. es otro scherzo de tono brusco. Sigue el tema de la passacaglia en Mi mayor. “La Serenissima” y que se inicia precisamente con el tema del coro cantando “Serenissima” en la obertura de la ópera. arpegios y trinos. al mostrar el uso y significado que atribuye el compositor a Venecia en esta ópera tanto como alegoría para transmitir una sensación de recapitulación y regreso dentro de una larga trayectoria artística. siguen un Dialogo arpegiado.

Intérpretes Biografías .

Radio France.Cuarteto Quiroga El Cuarteto Quiroga nació alentado por el violinista. Jeremy Menuhin. el Gonfallone en Roma o el Teatro Solís en Montevideo. Javier Perianes. junto con Pablo de Sarasate y Pau Casals. Les Invalides en París. también presente en esta edición del Liceo de Cámara). Claire Desert. la Kaisersaal en Fráncfort. el dramaturgo alemán Peter Ries o el actor español Jose Luis Gómez. Ha tocado en numerosas salas de Europa y América. con el apoyo de la Fundación Herberto Gut de Prosegur. Formado desde sus inicios en la Escuela Superior de Música Reina Sofía y en el Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid con Rainer Schmidt (miembro del Cuarteto Hagen. ha sido galardonado en los concursos internacionales de Burdeos. Ardeo y Meta4. Paolo Borciani. y mantiene en la actualidad una estrecha relación con el violista Hatto Beyerle. pedagogo y cuartetista francés Charles-André Linale y su nombre rinde homenaje a la figura del violinista gallego Manuel Quiroga. que ha sido. el Auditorio Nacional de Madrid. uno de los más grandes instrumentistas de cuerda de la historia musical española. György Kurtág. la Philharmonie de Berlín. Eberhard Feltz o Ferenc Rados. la Westdeutscher Rundfunk. Radio Sueca o el canal de televisión Mezzo. Desde su creación. la Primavera de Heidelberg. perfecciona posteriormente sus estudios en la Musikhochschule de Basilea con Walter Levin y el propio Rainer Schmidt. el Palau de la Música Catalana. Ginebra y París. la Sudwestrundfunk. David Kadouch. Ha recibido asimismo el Premio El ojo crítico de Radio Nacional de España en 2007 y la Medalla de Oro del Primer Palau de Barcelona. el Festival de Davos. Son invitados habitualmente a impartir cursos y clases magistrales 97 . Ha realizado asimismo numerosas grabaciones para Radio Clásica. como el Wigmore Hall de Londres. Entre los artistas con que colabora habitualmente cabe destacar a Vladimir Mendelssohn. el Auditori de Barcelona. el coreógrafo japonés Hideto Heshiki. Quintessence en Aquisgrán. Nybrokajen en Estocolmo. Johannes Meisl. Alain Meunier. Erich Höbarth. Son profesores y cuarteto residente en el Curso Internacional de Música de Llanes desde 2005 y en la actualidad el Cuarteto tiene su residencia en la Fundación Museo Cerralbo de Madrid. la Fundación Juan March. los Cuartetos Doric. Günter Pichler. la Concertgebouw Doelen en Róterdam. Chen Halevy. Ha trabajado también regularmente con músicos como András Keller. Valentin Erben.

para el sello Cobra. La última etapa de su formación se desarrolló en Madrid. que estrenó junto con Antoine Tamestit). con Ferenc Rados. George Lentz (Monh). piano Nacido en 1979 en Voronezh (Rusia). Anteriormente su discografía contaba con nu- Kirill Gerstein. Ha recibido numerosos premios. viola Estudió con Ulrich Koch en la Musikhochschule de Friburgo y con Sándor Végh en el Mozarteum de Salzburgo. Desde el curso 2008-2009 sus cuatro miembros ocupan la cátedra de Música de Cámara/Cuarteto de Cuerda del Conservatorio Superior de Música de Aragón. Tabea Zimmermann es una camerista muy prestigiosa y ha trabajado con colegas de la talla de Pierre-Laurent Aimard. 98 99 . En estos años asistió también al programa veraniego de la Universidad de Boston en Tanglewood. El Cuarteto Quiroga actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. construido por Nicola Amati en 1682.en conservatorios superiores y universidades por toda la geografía española (Madrid. Ha actuado con el Cuarteto Alban Berg en la XII edición del Liceo de Cámara y con el Cuarteto Arcanto. entre los que destacan el Hessischer Kulturpreis. del que fue. Siguió estudiando en la Manhattan School of Music de Nueva York. La interpretación de la música contemporánea es una prioridad en sus actividades artísticas y ha estrenado obras como la Sonata para viola sola de Ligeti. Entre sus grabaciones con orquesta más recientes destacan una grabación en vivo de Harold en Italia de Berlioz con la Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por Colin Davis y la Suite para viola y orquesta de Bloch con la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín dirigia por Steven Sloane. Valladolid. con catorce años. Frank Michael Beyer (Notte di Pasqua). Ars Musici publicó una grabación realizada en directo en un concierto ofrecido en la Beethovenhaus con la viola del propio compositor. así como los Conciertos para viola de Sally Beamish. Su grabación de obras para viola sola de Bach y Reger para el sello myrios classics ha recibido numerosos premios y se ha visto seguido de una grabación con el pianista Kirill Gerstein que contiene sonatas de Johannes Brahms. además de colaborar como profesores de la JONDE (Joven Orquesta Nacional de España). del que forma parte desde su fundación. en Polonia) a los once años. Heinz Holliger (Recicanto) o Bruno Mantovani (Doble Concierto. la ciudad natal del compositor. Su primer disco. ha sido publicado este año y contiene obras de Haydn. acompañada al piano por Hartmut Höll. Ha grabado el repertorio de viola más importante con enorme éxito. lo que le hizo concentrarse en la música clásica. en las ediciones XV a XIX. Webern y Giovanni Solima. Tabea Zimmermann. Oviedo. Budapest y París. Málaga. en la actualidad da clases en la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlín. inició su formación musical en una escuela para niños con un especial talento musical.). y en Budapest. Henri Vieuxtemps y Rebecca Clarke. el Premio Internacional de la Accademia Musicale Chigiana de Siena y el Premio Paul Hindemith de Hanau. Ganó su primer concurso (el Concurso Internacional Bach de Gorzuw. con Dmitri Bashkirov. Wolfgang Rihm (Über die Linie IV). Tabea Zimmermann está casada con el director Steven Sloane y tiene tres hijos. Como solista actúa regularmente con las orquestas más importantes. En las últimas temporadas ha tocado con la Orquesta de Filadelfia (Dutoit). desde la Filarmónica de Berlín (con la que ha tocado este mismo año el Concierto de Béla Bartók) y la Sinfónica de Londres hasta la Filarmónica de Israel y la Orquesta de París. Kirill Gerstein obtuvo el primer premio en el Concurso de Piano Arthur Rubinstein de Tel Aviv en 2001 y desde entonces ha tocado en los principales centros musicales internacionales. a ella dedicada. Será artista residente en el Festival del Bodensee en mayo de 2012. donde tuvo como profesor a Solomon Mikowsky y donde se graduó a los veinte años. Santiago. merosas referencias para sellos como EMI. Christian Tetzlaff y el Cuarteto Alban Berg. Autodidacta como pianista de jazz. el alumno más joven de la historia del centro. Hartmut Höll. Entre 1982 y 1984 ganó los concursos de Ginebra. el Rheingau Musikpreis. en la que ocupa una cátedra desde 2002. Teldec y Deutsche Grammophon. perfeccionó sus estudios en el Berklee College of Music de Boston. Universidad Internacional de Andalucía. Tras enseñar en Saarbrücken y Fráncfort. Cibrán Sierra y los demás miembros del Cuarteto Quiroga desean expresar su gratitud a los herederos de Paola Modiano por su cesión del violín “Rosé”. etc.

la Royal Liverpool Philharmonic (Petrenko). Y de Nueva York. así como por la Orquesta de Cámara St. Al año siguiente. IX y XI-XV del Liceo de Cámara. así como en la formación de trío con piano con el violinista Kolja Blacher y el violonchelista Clemens Hagen.la Sinfónica de San Francisco (Dudamel). ambos prestados amablemente por el Banco Nacional Austriaco. En la temporada 2011-2012 hará su debut con la Orquesta Filarmónica de Nueva York y la Sinfónica de Seattle. Su encuentro con Nikolaus Harnoncourt les permitió ampliar su visión de la música. además de volver a tocar con las Orquestas Sinfónicas de Houston y Baltimore (Graf). determinaron la forma de caracterizar temas. la Sinfónica de Dallas (Varga). Tiene previsto ofrecer recitales en salas como la 92nd St. Ha actuado en el XVII Liceo de Cámara formando trío con los citados Kolja Blacher y Clemens Hagen. como también lo hizo su relación artística y amistosa con Gidon Kremer. Angelika. Krystian Zimerman. El Cuarteto Hagen ha actuado en las ediciones V. han grabado un amplísimo repertorio que abarca de Bach a Kurtág. Artistas exclusivos durante décadas de Deutsche Grammophon. el Wigmore Hall o la Universidad de California en Berkeley. En el ámbito camerístico. educados en el ambiente musical de su padre violinista. los cuatro hermanos Hagen (Lukas. En Lockenhaus. en las Musikhochshulen de Basilea y Hannover. Hatto Beyerle. así como en la Universidad de Cincinnati. esenciales para su desarrollo técnico y artístico. Han colaborado. Su actividad pedagógica se concentra en la Musikhochschule de Stuttgart. la Filarmónica de Múnich y la Filarmonica della Scala (Bychkov). También han mantenido una estrecha relación con el compositor húngaro György Kurtág. la Orquesta Sinfónica de la SWR (Gielen). donde empezó a dar clases en 2007. Su carrera internacional comenzó en ese período. Heinrich Schiff. donde pudo comprobarse su crecimiento artístico. así como en el Festival de Música de Aspen y en los Proms de Londres. Jörg Widmann o Gérard Caussé. la Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa (Nezet-Seguin) y la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca (Mälkki). 100 101 . Su discografía ha recibido los premios más importantes y en 2011 han celebrado el trigésimo aniversario de su fundación con la publicación de dos discos en el sello myrios classics. Pronto actuaron en el Festival de Salzburgo. el conjunto permanece en contacto con sus maestros y mantiene sus firmes convicciones sobre el cómo y el porqué de su fraseo. Houston y Atlanta. Aquí radicaría la razón del éxito de este cuarteto: mantener su nivel artístico y de conjunto a pesar de los cambios personales y de sus componentes. colabora habitualmente con Steven Isserlis. Oleg Maisenberg. Cuarteto Hagen Ya en su formación original austriaca. entre otras. Su primera grabación a solo para el sello myrios classics se publicó en 2010 y contiene obras de Schumann. Heinrich Schiff y Walter Levin tuvieron una gran influencia en su formación. VII. movimientos y obras con gran entusiasmo. Veronika y Clemens). Su compromiso con la música contemporánea les ha llevado a tocar obras de compositores como Ligeti y Lutosławski. seguido de su debut en el Wigmore Hall de Londres. En 2010 recibió dos importantes distinciones: el Gilmore Artist Award (ha sido el sexto músico en recibir este premio excepcional) y la Avery Fisher Career Grant. En 1983 ganaron los concursos de Evian. Paul Gulda. el conjunto ganó el Primer Premio del Concurso de Cuartetos de cuerda de Portsmouth. 1724) y Veronika Hagen una viola de Giovanni Paolo Maggini de Brescia. en concierto y en disco. Paul. vinculado repetidamente al Cuarteto Hagen en sus proyectos camerísticos en el Festival de Música de Cámara de Lockenhaus. También ha vuelto a ser invitado por las orquestas de San Francisco. el Cuarteto Hagen obtuvo en 1981 el Premio del Jurado. en las Mozartwochen y en la serie de conciertos de Salzburgo. Consiguieron que sus interpretaciones imprimieran un toque personal distinto a las variantes ya establecidas en la actuación de los cuartetos. Hoy. Bordeaux y Banff (Canadá). Mitsuko Uchida. la Orquesta Gürzenich de Colonia (Krivine) y la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich (Alsop). así como el Premio del Público. Ha participado asimismo en proyectos camerísticos en el Festival de Salzburgo junto a András Schiff. como maestros y también como compañeros. Detroit. Lukas Hagen toca un violín de Antonio Stradivarius (Cremona. a pesar de sus extensas giras. Los miembros del Cuarteto Hagen consideran sus estudios realizados en el Mozarteum de Salzburgo. con artistas de la talla de Maurizio Pollini. Liszt y Oliver Knussen. con sus consejos y su estímulo. András Schiff.

camerista y director invitado en Finlandia y en el resto de los países nórdicos. China y Sudáfrica. También ha tocado en condición de violinista invitado con la Camerata Académica de Salzburgo y con la Orquesta de Cámara Noruega. Ha actuado como director con las Orquestas Filarmónicas de Helsinki. Jan Söderblom estudió dirección de orquesta con Jorma Panula y Leif Segerstam en la Academia Sibelius. Fue director artístico de la Orquesta de Lappeenranta de 2000 a 2007. Estados Unidos. Las primeras visitas al foso de la Ópera Nacional Finlandesa en 2005 dieron paso de inmediato a nuevas invitaciones para producciones de ballet en 2006 y 2007. empezó a estudiar violín muy pronto e inició su carrera como solista y músico de cámara en los años ochenta. realizó grabaciones para radio y televisión. y grabó discos con música de Sibelius. Osmo Vänskä. John Storgårds. Japón. Toca asiduamente con las principales orquestas finlandesas y ha actuado también con agrupaciones como la Camerata de Salzburgo. En la primavera de 1996 ganó el Concurso de la Asociación de Artistas de Nueva York. Olli Mustonen y Hannu Lintu. Como miembro del cuarteto. Okko Kamu. la Orquesta de Cámara Avanti!. Juha Kangas. además de con la Orquesta Filarmónica de Japón. Australia. y ha tocado también con la Orquesta Vivo y la Philharmonia de San Petersburgo.Jan Söderblom. así como en otros países europeos. además de Japón. Ha tocado como solista con la mayor parte de las orquestas finlandesas. la Orquesta de Cámara Cuerdas de Belgrado. la Orquesta Sinfónica de RTVE y la Orquesta de Cámara Escocesa. por Japón con la Orquesta de Cámara de Helsinki Occidental y por Grecia con la Orquesta Sinfónica de la Academia Sibelius. graduándose en 2001. También ha estado al frente de Musica Fiskars. por ejemplo. Moshe Atzmon. en 1990 obtuvo el segundo premio en el Concurso de Violonchelo de Turku y un premio en el Concurso Tchaikovsky de Moscú. Turku y Tampere y con la Sinfonia Lahti. Ralf Gothóni. Janáček y Dvořák. más tarde expandió sus horizontes dedicándose también a la dirección orquestal. 102 103 . la Orquesta de Cámara de Sudáfrica. También ha tocado con la Orquesta de Cámara de Sudáfrica y con la Orquesta de Cámara Cuerdas de Belgrado. Ha actuado como solista. Ha ofecido recitales como solista y como músico de cámara en Finlandia y en numerosos países europeos. el Musikkollegium Winterthur. dirigiendo representaciones de la ópera de Janáček El caso Makropoulos y estrenando. además de con la Tapiola Sinfonietta. Sakari Oramo. los Virtuosi di Kuhmo. la Orquesta de Cámara Inglesa. James de Priest. además de actuar en numerosas ocasiones en las grandes salas de concierto europeas. Marko Ylönen. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Suecia y la Orquesta Sinfónica de Helsingborg. un período durante el cual el grupo cosechó éxitos en el concurso Concertino Praga y en el Concurso de Cuartetos de Cuerda de Londres. Ha tocado como concertino con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Suecia. Olli Mustonen y Kari Kriikku. Barbara Hendricks. Jan Söderblom toca un violín de Nicolo Gagliano de 1726 y actuó por primera vez en el XVII Liceo de Cámara. Heinrich Schiff. la ópera de Thomas Jennefelt Sport och fritid (Deporte y ocio. colaboró con artistas como Bella Davidovich. así como el director artístico del Festival de Música de Joroinen hasta 2008. Jukka-Pekka Saraste. Ben Wallfish. con Erkki Rautio y Heikki Rautasalo en la Academia Sibelius y con Heinrich Schiff en Basilea. En temporadas recientes ha dirigido regularmente en la Ópera Real de Estocolmo. estrenada en 2007. Jan Söderblom tocó el violín con el New Helsinki Quartet de 1982 a 2001. El Cuarteto estrenó diversas obras. Entre los directores con que ha trabajado se encuentran Leif Segerstam. Grieg. la Tapiola Sinfonietta. Fue nominado como Joven Artista del Año de los Festivales de Finlandia en 1991. sustituyendo a un indispuesto Gerhard Schulz. interpretando obras de Schumann y Ligeti. 2005) y la ópera de Daniel Börtz Svall (2006). Alexander Vedernikov. Finalista del Concurso de Violonchelo de Turku a los quince años. y en 2002 recibió el Chivas Baton Award internacional. Ha realizado giras por Alemania con la Orquesta de Cámara Ostrobonia. violín Nacido en 1970 en una familia musical. violonchelo Estudió violonchelo con Csaba Szilvay en el Instituto de Música de Helsinki. Susanna Mälkki. y para la producción de la ópera de Fredrik Pacius Kung Karks jakt. la Orquesta de Cámara de Praga y la Orquesta de Cámara de Holanda. Australia y Nueva Zelanda.

actuando en la Sala Weill del Carnegie Hall de Nueva York. como el Concierto para violonchelo de Jouni Kaipainen en 2003 junto a la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia. BIS y Finlandia. En otoño de 2010 realizó una extensa gira por Alemania. para el sello Ondine) y el Concierto para violonchelo y orquesta de Joonas Kokkonen (Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia dirigida por Sakari Oramo. En 1994 debutó en Estados Unidos. Ha estrenado varias obras de compositores finlandeses. Dmitri Bashkirov y Nikita Magaloff. conciertos tanto en Finlandia como en el extranjero. además de asistir a los cursos de verano impartidos por György Sebök. Ha tocado como solista con las mejores orquestas finlandesas. Marko Ylönen toca un violonchelo de Matteo Goffriller y actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Leif Segerstam. Entre estos últimos destaca su debut en París en 1987. Entre 1983 y 1992 recibió clases particulares de este último en Ginebra y Vevey. Desde entonces. Además de interpretar el principal repertorio clásico. Consiguió su diploma de piano en 1981 con las máximas calificaciones. Marko Ylönen toca con frecuencia música contemporánea. Owain Arwel Hughes y Frank Shipway. Ylönen ha actuado con un gran número de conjuntos internacionales y se ha presentado en diversos festivales. Las últimas grabaciones son de Sibelius (con la Orquesta Sinfónica de Lahti dirigida por Osmo Vänskä. También ha tocado en la mayoría de países europeos y en China. ganó el prestigioso Concurso de Piano Maj Lind. En 1979. Toca por primera vez en el Liceo de Cámara. entre otros. Okko Kamu. Ha grabado obras para piano de Alexander Glazunov. grabado posteriormente por el sello Ondine. Entre 1981 y 1983 completó su formación con Vladimir Nilsen en el Conservatorio Estatal de San Petersburgo. Petri Sakari. En 2008 realizó giras como solista junto al violonchelista Marko Ylönen en Finlandia y Alemania. Ese mismo año pasó a ser miembro de la familia de artistas de Steinway. ha ofrecido numerosos 104 105 . con quienes ha grabado obras de Rachmaninov y Chopin (Alba Records). organizado por la Fundación Herbert von Karajan. incluyendo conciertos en la Sala Casals de Tokio. e incluye tanto música contemporánea como repertorio tradicional. Corea e Israel. Osmo Vänskä. para el sello Ondine).Como camerista. primero con Liisa von Zweygberg-Jalkanen y desde 1978 con Tapani Valsta. Sakari Oramo. Antoni Ros-Marbà. en abril tocó el Concierto nº 5 de Saint-Saëns con la Tapiola Sinfonietta y recientemente ha interpretado el Concierto nº 1 de Chopin con la Orquesta de la Ciudad de Vaasa. Mily Balakirev y Maurice Ravel para el sello Warner Music/Finlandia Records. la Orquesta Filarmónica de Helsinki y la Orquesta Sinfónica de Lahti bajo la batuta de directores como Jukka-Pekka Saraste. piano Comenzó sus estudios en la Academia Sibelius en 1973. en el sello BIS). En 2003 participó en el Concierto del 150º aniversario de la firma Steinway celebrado en Helsinki. Entre 1991 y 1992 actuó en las más importantes salas de conciertos de Japón. La discografía de Marko Ylönen está publicada en su mayoría en los sellos Ondine. En febrero de 2010 actuó con la Orquesta Ciudad de Lohja. Asimismo imparte clases y conferencias en diversos cursos de verano por toda Finlandia. grabó un disco dedicado a Liszt y tocó junto a la Orquesta Kokkola el Concierto en La menor de Grieg. con sólo diecisiete años. Arto Satukangas. En 2009 actuó con los violonchelistas Janne Aalto y Marko Ylönen. Jan Krenz. La Radio de Finlandia lo nombró Solista del Año en 1996. Juha Kangas. como la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia. en Ferrara junto a la violinista Tianwa Yang y ofreció un concierto en la Sala Weill del Carnegie Hall de Nueva York. Fue director artístico invitado del Festival de Música de Korsholm en 2008 y 2010. Actuó en el Festival de Música de Korsholm y en el Festival de Música de Cámara de Kuhmo. un puesto que ya había ostentado en 2003. el Concierto para violonchelo y orquesta de Peteris Vasks (Tampere Filharmonia dirigida por John Storgårds. Es profesor de Música de Cámara en la Universidad de Música de Karlsruhe desde 1992. Desde el otoño de 2009 Marko Ylönen es profesor de Música de Cámara en la Academia Sibelius de Helsinki.

Charles Dutoit. Tabea Zimmermann. además de con el Cuarteto Belcea y el Cuarteto Ysaÿe. Su debut en la Philharmonie de Berlín fue con la interpretación de Das Buch der hängenden Gärten de Arnold Schoenberg con la pianista Mitsuko Uchida. Vladimir Jurowski. Gustavo Dudamel. Ha cantado también con directores de la talla de Claudio Abbado.Christianne Stotijn. Ottavia en L’incoronazione di Poppea en la Ópera de Holanda. la Sinfónica de Londres. la Orchestra of the Age of Enlightenment. y Lieder de Mahler y canciones de Tchaikowsky acompañada por Julius Drake (este último disco fue premiado por la BBC Music Magazine como mejor grabación vocal de 2010). la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington. la Orquesta Nacional Danesa y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Como solista ha actuado con la Orquesta Filarmónica de Mú- 106 107 . mezzosoprano Nacida en la localidad holandesa de Delft. Ha sido primera viola de la Orquesta de Cámara de Viena. junto a Elisabeth Leonskaja. Ha tocado. el Teatro Campoamor de Oviedo y el Teatro Arriaga de Bilbao. Radovan Vlatković. entre otros. el Théâtre des Champs-Élysées y el Théâtre du Châtelet en París. Marc Minkowski. A lo largo de su carrera ha obtenido varios premios importantes. En su carrera operística destacan los papeles de Pauline en La dama de picas en la Ópera de París. Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke. Christian Zacharias. que la dirigió en la Tercera Sinfonía de Mahler en la inauguración de la pasada edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada en el Palacio de Carlos V. Isabel Charisius. Jörg Widmann y Simon Rattle. de Frank Martin. la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. Andrew Davis. También fue elegida por la BBC dentro de su programa de New Generation Artists en 2007. la Sinfónica de Dallas. la Real Orquesta del Concertgebouw. Andris Nelsons o Zubin Mehta. que ha sido su principal profesor y fuente de inspiración. ha ofrecido recitales en muchas de las salas de concierto más importantes del mundo con los pianistas Joseph Breinl y Julius Drake. el Kennedy Center de Washington y el Spivey Hall en Atlanta. El gran director de orquesta holandés Bernard Haitink ha tenido una influencia decisiva en su carrera. con quienes mantiene una larga y fructífera colaboración. Cornelia en Giulio Cesare en el Teatro de la Monnaie de Bruselas y la Ópera de Holanda o el personaje protagonista de Tamerlano en la Royal Opera House. viola Formó parte del Cuarteto Alban Berg desde 2005 hasta su disolución en 2008. el Mozarteum de Salzburgo. Emilio Sagi. Apasionada intérprete de Lieder. el Palais des Beaux Arts de Bruselas. la Filarmónica de Róterdam. la Novena Sinfonía de Beethoven en el Festival de Lucerna. Para el sello MDG ha grabado también una obra muy querida para ella. Ha actuado en concierto con orquestas tan importantes como la Filarmónica de Berlín. sustituyendo tras su muerte a Thomas Kakuska. el Carnegie Hall de Nueva York. la Pasión según san Mateo con la Sinfónica de Boston y Das Lied von der Erde de Mahler con la Orquesta Sinfónica de Londres. Ha cantado ya en repetidas ocasiones en el Wigmore Hall de Londres. A continuación estudió canto con Udo Reinemann en el Conservatorio de ámsterdam y perfeccionó su formación como cantante con Jard van Nes. Covent Garden. Yannick Nézet-Séguin. Heinrich Schiff. la Orquesta de París. Ha colaborado con directores de escena como Graham Vick. Noelle Barker y Janet Baker. Haitink la invitó a cantar la Segunda Sinfonía de Mahler en los Proms de la BBC. Berg y Wolf acompañada por Joseph Breinl. de nuevo los Rückert-Lieder con la Orquesta Sinfónica de Chicago. René Jacobs. las dos salas del Concertgebouw de ámsterdam. Maurizio Pollini. que recibió un premio Echo en 2008. Sus grabaciones más recientes se encuentran publicadas en el sello Onyx e incluyen Lieder de Schubert. Kurt Masur. la Konzerthaus y la Musikverein de Viena. recibió su diploma como violinista en 2000. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena y la Orquesta Filarmónica de Múnich. Desde 1994 se dedica principalmente a la música de cámara. Ivan Fischer. Daniele Gatti. la beca de la Fundación Borletti-Buitoni en 2005 y el Premio de la Música Holandés en 2008. Alexander Lonquich. la Orquesta del Festival de Budapest. Pierre Audi y Karl-Ernst y Ursel Hermann. como el de Estrella Emergente Echo en 2005/2006. Tras el éxito de sus interpretaciones de los Rückert-Lieder de Mahler con la Orquesta Nacional de Francia y la Real Orquesta del Concertgebouw. la Orquesta Nacional de Francia.

Boston. y con Miah Persson en la Tonhalle de Zúrich. en la Universität der Künste de Berlín. así como en el Britten-Pears Young Artists’ Programme en Snape. Ha diseñado varias series en el Queen Elizabeth Hall de Londres. Toca el instrumento construido por Lorenzo Storioni en 1780 que tocó también en su día Thomas Kakuska. en la Dutch String Quartet Academy de ámsterdam y en el Royal Northern College of Music de Manchester. Christopher Maltman y Alastair Miles. Sus actividades como pedagogo le han llevado a impartir clases magistrales en ámsterdam. Es frecuentemente invitado para confeccionar y dirigir programas y festivales en torno a la canción. el Wigmore Hall y la Konzerthaus de Viena. ha impartido clases magistrales de viola y de música de cámara en la Britten-Pears School de Aldeburgh. “El paisaje hecho canción” (un homenaje a Schubert) y “Escenas de Schumann”. Bloomington. La pasada temporada ofreció recitales con Measha Brueggergosman y Elizabeth Watts en el Concertgebouw de ámsterdam. la Ópera de Fráncfort. con Christine Brewer. En la temporada 2009-2010 presentó una serie de recitales con Lieder de Strauss en el Wigmore Hall. Thomas Allen. Thomas Bauer y Sandrine Piau) y del Festival de Tetbury en Inglaterra. Además.nich en el Festival de Lucerna y en la Philharmonie de Múnich. Barbara Bonney. A lo largo de su carrera ha colaborado con cantantes tan importantes como Elisabeth Söderström. Sarah Walker y Florian Boesch. Su reciente grabación de Winter Words y Holy sonnets of John Donne. Mark Padmore. Lorraine Hunt Lieberson. el Carnegie Hall y la Frick Collection de Nueva York. Before Life and After de Britten con Mark Padmore en Harmonia Mundi recibió el Diapason d’Or y el Prix Caecilia en 2009. Ha interpretado la mayor parte del repertorio para viola solista. Susan Graham. la Konzerthaus y la Musikverein de Viena. donde ha actuado en numerosas ocasiones en el Ciclo de Lied que organiza la Fundación Caja Madrid. Kiri Te Kanawa. Andrew Kennedy. Ha actuado como miembro del Cuarteto Alban Berg en las ediciones XIV a XVI del Liceo de Cámara. con Christine Brewer. Copenhague. en el Festival de Schleswig-Holstein. Felicity Lott. como “El joven Brahms”. Anna Grevelius. la Beethovenfest de Bonn y el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Es catedrático de Acompañamiento en el Royal College of Music de Londres y es miembro honoris causa del Magdalene College de Cambridge. el Musée d’Orsay y el Théâtre des Champs-Élysées de París. pero en la actualidad centra su actividad pedagógica en la Musikhochschule de Lucerna. Christine Brewer. Bernarda Fink. Thomas Hampson. 108 109 . Hubo de cancelar por enfermedad el recital que iba a ofrecer en la edición XVII junto al pianista español Javier Perianes. Kathleen Battle. Toca regularmente por todo el mundo en salas como el Wigmore Hall. y Schwanengesang de Schubert con Robert Holl en Hyperion. Tocó asimismo Roger Vignoles. Baltimore. John Mark Ainsley. aún en curso. Anne Schwanewilms. Brigitte Fassbaender. dirigida por James Levine. el Concertgebouw de ámsterdam. Recientemente ha realizado también amplias giras por Japón con Mihoko Fujimura y por Norteamérica con Measha Brueggergosman y Kate Royal. la Philharmonie de Colonia. Actualmente es el director artístico de Sommer Lied Weinberg en la Alta Austria. Joan Rodgers. Estocolmo. Al igual que sus compañeros del Cuarteto Alban Berg. entró en la Royal Opera House como pianista repetidor y posteriormente completó su formación con Paul Hamburger. la Schubertiade de Schwarzenberg. Florian Boesch y Renata Pokupic en el Wigmore Hall. Philip Smith. del Ciclo de Lied de Santiago de Compostela (donde ha tocado el pasado mes de septiembre junto a Mark Padmore. Su amplísima discografía incluye numerosas grabaciones que han recibido múltiples premios. Montreal y Toronto. Tras estudiar música en Cambridge. Imparte asimismo clases regularmente en la Universidad de Indiana. y en la pasada edición actuó junto al Cuarteto Arditti y Valentin Erben. piano Su inspiración para emprender una carrera como pianista acompañante fue la manera de tocar de Gerald Moore. De 1998 a 2002 fue director artístico del Festival de Invierno de Nagaoka en Japón. Christine Rice. la edición Strauss para Hyperion. Isabel Charisius es profesora de música de cámara en la Universidad de Colonia. y como integrante de un octeto de grandes solistas internacionales liderado por la violinista Hanna Weinmeister. con quien interpretará Winterreise de Franz Schubert el próximo mes de junio en Cádiz. el Teatro alla Scala de Milán. Nueva York. desde Lieder alemanes y mélodies francesas hasta repertorio español y canciones de cabaret: Schumann y Brahms con Bernarda Fink en Harmonia Mundi. Bruselas. en el Encuentro Música y Academia de Santander.

Otro elemento complementario en su desarrollo fue su contacto con la interpretación históricamente informada. En 1993 obtuvo el primer premio en el Concurso Paganini y posteriormente se trasladó a Francia. el Concierto para violín y el Sexteto de cuerda op. Ofreció recitales con John Mark Ainsley en la ópera de Fráncfort y el Wigmore Hall. Oxford Lieder y Cheltenham. En la presente temporada tendrá a su cargo su propia serie de recitales de canciones en el Wigmore Hall. especialmente la música de Fauré y Debussy. los apartó de su repertorio durante varios años. prestado por el L-Bank de Baden-Württemberg. Sus últimas grabaciones para Harmonia Mundi contienen las Sonatas y partitas para violín solo de Bach (que obtuvo el Diapason d’Or). Mariss Jansons o Ji ř í Bělohlávek y con orquestas como la Filarmónica de Berlín. sino utilizada como un reto y un incentivo para reevaluar la sustancia de cada nota con objeto de comprender su propósito y su significado. Para Faust. alentada por Christoph Poppen (durante años primer violín del Cuarteto Cherubini). las orquestas de la BBC y la Orquesta de Cámara Mahler. se planteó emprender una carrera como solista. Realiza habitualmente programas para la BBC y este mismo año presentó un recorrido discográfico por la ópera Tristan und Isolde de Wagner dentro de la serie Building a Library. Daniel Harding. Morton Feldman. la Filarmónica de Múnich. Charles Dutoit. Toca y graba habitualmente (para el sello Harmonia Mundi) con el pianista Alexander Melnikov. Heinz Holliger. En 2009 estrenó obras dedicadas a ella por los compositores Thomas Larcher y Michael Jarrell. como el Concierto para violín de André Jolivet o el Concierto nº 2 de Martinů. el Concierto para violín de Dvořák. En 2003 realizó su primera grabación de una gran obra romántica con orquesta. que fue su profesor y que tuvo una influencia decisiva en ella en aquellos años. lo que supuso su inmersión en la práctica interpretativa histórica. la Orquesta Sinfónica de Boston. Luigi Nono y Giacinto Scelsi. Tras ganar en 1987. la importancia del diálogo musical requiere establecer un lenguaje común entre los intérpretes. entre otros. entre ellos Olivier Messiaen. Esta disposición a abrirse a diferentes leguajes musicales la ha convertido también en una intérprete muy demandada de música contemporánea. no entendida de manera dogmática. Tras haberlo tocado a los quince años bajo la dirección de Yehudi Menuhin. tocando el Concierto nº 1 de Rachmaninov a los doce años.en la Mozartfest de Bath y en los festivales de Tetbury. 36 de Brahms. Szymanowski y Janáček) y siguió ampliando su repertorio. permitiéndole tocar un Concierto de Mozart de manera igualmente convincente con un grupo historicista como Concerto Köln y con una gran orquesta sinfónica moderna. donde creció su amor por el repertorio francés. Es una ardiente defensora de la música de György Ligeti. aunque nunca se calificaría a sí mismo de niño prodigio. y fue nominada a un Grammy. En aquellos años tuvo para él una importancia capital su relación con Sviatoslav Richter. A pesar de haberse formado en la escuela rusa y de haber admirado a los grandes románticos rusos. En los últimos años ha colaborado habitualmente con directores como Claudio Abbado. en el que la escucha es tan importante como expresar tu propia personalidad. Roger Vignoles actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. con quince años. Isabelle Faust. Alexander Melnikov. mostró su talento para la música desde muy temprana edad. y con Alek Shrader en el Spivey Hall de Atlanta. Allí alcanzó fama internacional con su primera grabación (que contenía sonatas de Bartók. En la actualidad disfruta tocando el fortepiano y admira a Andreas Staier como colega. la obra ha seguido siendo un puntal de su repertorio. Isabelle Faust toca el Stradivarius de 1704 conocido como “La bella durmiente”. Su grabación de la integral de las Sonatas de Beethoven recibió los premios Echo y Gramophone. así como de obras olvidadas. piano Nacido en Moscú en 1973. Isabelle Faust actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Sus primeras experiencias camerísticas la convencieron de que la interpretación es un proceso en el que se da y se recibe por igual. el Concurso Leopold Mozart. Werner Egk y Jörg Widmann. En 2007 grabó el Concierto de Beethoven. Fue necesario un 110 111 . la Orquesta de París. violín Empezó a estudiar música muy pronto y a los once años fundó ya un cuarteto de cuerda. Ha estrenado obras de un gran número de compositores. que le enseñó cómo combinar fuerza y sutileza.

donde tocaron el Cuarteto nº 2 de Britten.encuentro con Mijail Pletnev para volver a recuperar el interés por esta música. Daniel Sepec. En octubre del pasado año el grupo ofreció sus primeros conciertos en Estados Unidos. harán su debut en el Prinzregentheater de Múnich. con enorme éxito. Además de su amor por la música y de la amistad existente entre sus miembros. la Philharmonie de Colonia. donde ofrecieron diversos conciertos en el Wigmore Hall. Ha actuado en salas como la Concertgebouw de ámsterdam. Su última grabación para el sello francés contiene obras de Ravel. la Orquesta de Filadelfia (dirigida por Charles Dutoit). la Kunstfest Weimar. Alexander Rudin. Trabaja especialmente en el campo de la música de cámara con músicos como Christian y Tanja Tetzlaff. En 2009 fue nombrada Directora Artística de la Camerata de Berna. la Sinfónica de la NHK y la Filarmónica de la BBC. Silke Avenhaus. En 2006 realizó su primera gira por Japón y la pasada temporada hizo su presentación en el Festival Tivoli de Copenhague. en Stuttgart en 2004. en la Festspielhaus de Baden-Baden y en la Cité de la Musique de París. Antje Weithaas. en 1988 el Concurso Bach en Leipzig y en 1991 el Concurso Internacional de Hannover. Pieter Wispelwey y Jean-Guihen Queyras. Tabea Zimmermann y Jean-Guihen Queyras fundaron el Cuarteto Arcanto. entre otras. la Alte Oper de Fráncfort. comenzó a tocar a los cuatro años y estudió posteriormente en la Hochschule für Musik Hanns Eisler en Berlín con Werner Scholz. donde había completado su formación. el Festival de Ludwigsburg. Antje Weithaas empezó a dar clases en la Hochschule für Musik Hanns Eisler. formado por cuatro renombrados instrumentistas que hasta el momento habían sido más conocidos como solistas. En abril de este año debutaron en la Fundación Gulbenkian de Lisboa y en el Palau de la Música de Barcelona. Su interés por la música de cámara le lleva a compatibilizar sus conciertos como solista con los recitales con músicos de la talla de Natalia Gutman. Su primera grabación para Harmonia Mundi contenía los Cuartetos núms. Clemens Hagen. el Suntory Hall de Tokio. la Real Orquesta del Concertgebouw. Antje Weithaas. Beethoven y Schumann. En noviembre de 2010 grabó la integral de los Preludios y fugas op. Debussy y Dutilleux. rís. el Théâtre du Châtelet de Pa- 112 113 . Sharon Kam o Lars Vogt. tras lo cual realizó grabaciones muy admiradas de música de Rachmaninov y Scriabin para Harmonia Mundi. así como los clásicos modernos de Shostakovich. incluido el de mejor grabación de ese año. En enero de 2012 volverán a Japón y. así como varias actuaciones como artistas residentes en Londres. Su grabación de la integral de las Sonatas para violín y piano de Beethoven obtuvo en 2010 los premios Echo y Gramophone y fue nominada a un Grammy. que ha recibido numerosos premios en varios países. el Concertgebouw de ámsterdam. violín. donde hicieron su presentación en el Carnegie Hall de Nueva York. la Konzerthaus de Viena y Megaron en Atenas. 5 y 6 de Bartók y posteriormente apareció un segundo registro con el Cuarteto op. 51 nº 1 y el Quinteto con piano de Brahms. Alexander Melnikov actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. sus componentes comparten el deseo de dedicarse al placer y a la exigencia que supone el trabajo cuartetístico. Yuri Bashmet. y en junio ofrecieron varios conciertos en el Festival de Aldeburgh. Actualmente es una de las más cotizadas solistas y cameristas de su generación. Ligeti o Gubaidulina y obras infrecuentes como los Conciertos para violín de Korngold. Prokofiev. el Cuarteto hizo su presentación en la Beethoven-Haus de Bonn. la Alte Oper de Fráncfort y el Théâtre du Châtelet de París. además de volver a tocar en el Wigmore Hall y el Concertgebouw de ámsterdam. Ofreció un recital para dos violines junto a Christian Tetzlaff en la XV edición del Liceo de Cámara. Cuarteto Arcanto Tras muchos años de hacer música de cámara juntos en diferentes formaciones. el Rheingau Musik Festival. en el Vredenburg de Utrecht. Tras enseñar en la Universität der Künste de Berlín. En la pasada temporada realizaron una gira por Japón. El amplio espectro de su repertorio incluye los grandes Conciertos de Mozart. El debut del Cuarteto Arcanto tuvo lugar. la Filarmónica de Tokio. la Tonhalle de Zúrich y la Philharmonie de Berlín. un sello al que llegó gracias a su vinculación con la violinista Isabelle Faust. En 1987 ganó el Concurso Kreisler de Graz. En sus actuaciones en las siguientes temporadas. la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. el Festival de Música de Cámara de Risør que dirige Leif Ove Andsnes. incluyendo desde 2002 la de cuarteto de cuerda. tocando con orquestas como la Orquesta Nacional Rusa. este último con la pianista Silke Avenhaus. la Filarmónica de Róterdam (dirigida por Valery Gergiev). el Wigmore Hall de Londres. 87 de Shostakovich. el Real Conservatorio de Bruselas. Hartmann y Schoeck. Antje Weithaas toca un violín del luthier alemán Peter Greiner.

un proyecto que ha tocado en salas como la Konzerthaus de Berlín. Kari Kriikku. Veress. Kurtág y Kodály. Roger Norrington. violonchelo. Beat Furrer. Ivan Fischer. Leipzig y San Petersburgo. Gilbert Amy. John Neschling y András Ligeti. Alexandre Tharaud. Muhai Tang.Daniel Sepec. Günther Herbig. Tabea Zimmermann. Jean-Claude Casadesus. Mochizuki. En el ámbito de la música de cámara toca habitualmente con los pianistas Alexander Melnikov y Alexandre Tharaud y con la violinista Isabelle Faust. Ed Gardner. la Tonhalle de Zúrich. la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. Frans Brüggen. Antje Weithaas. tras lo cual fue invitado a tocar en Fráncfort. Amy. estudió en Lyon. Viena y ámsterdam. Friburgo y en la Juilliard School de Nueva York. En el Concurso Domnick de Stuttgart recibió el Premio Especial por su interpretación de la música contemporánea. El Cuarteto Arcanto ha actuado en las ediciones XV a XIX del Liceo de Cámara. Ofreció un recital para violonchelo solo en el XIX Liceo de Cámara. Juliette Hurel. 114 115 . la Sinfónica de Tokio. Desde noviembre de 2005 toca un violonchelo construido por Gioffredo Cappa en 1696. Ha sido profesor en la Musikhochschule de Trossingen y en la actualidad es catedrático en la Musikhochschule de Stuttgart. violonchelo Se formó con Jean Deplace en Lyon y Jean-Guihen Queyras en Stuttgart. con Conciertos de Haydn y Monn con la Orquesta Barroca de Friburgo. lo que le ha permitido trabajar de cerca con los compositores Pierre Boulez. Hans Graf. György Kurtág. violín Véase su biografía en la página 120. Es también uno de los directores artísticos de los Rencontres Musicales de Haute-Provence que se celebran todos los años en Forcalquier. David Stern. George Benjamin. Daniel Rowland o los Cuartetos Arcanto y Vogler. el Suntory Hall de Tokio y el Carnegie Hall de Nueva York. Olivier Knussen. En la temporada 2011-2012 será artista residente del Ensemble Resonanz de Hamburgo. que ha publicado también otros con obras para violonchelo solo de Britten. Olivier Vivarès. prestado por el Mécénat Musical Société Générale. En su discografía destaca la publicación en 2008 de las Suites para violonchelo solo de Bach para el sello Harmonia Mundi. con los que tocará diversos programas en Hamburgo. con conciertos para violonchelo del siglo xxi y el Concierto para violonchelo de Dvořák con la Philharmonia de Praga dirigida por Ji ř í Bĕlohlávek. el Wigmore Hall de Londres. la Musikhalle de Hamburgo y la Cité de la Musique en París. la Orquesta Hallé de Manchester. Finghin Collins. la Orquesta de la Suisse Romande. la Filarmónica de Radio Francia y la Orquesta de París con directores como Heinz Holliger. Philippe Herreweghe. Ha sido violonchelo solista del Ensemble InterContemporain de París. con el que grabó el Concierto para violonchelo de György Ligeti para Deutsche Grammophon bajo la dirección de Pierre Boulez. Olivier Marron. Su interés por la música contemporánea le ha llevado a colaborar con el Ensemble Contrechamps de Ginebra. ente otros. Colonia. de Debussy y Poulenc. París. Ha tocado música de cámara con Jean-Guihen Queyras. Ha tocado en salas como la Philharmonie de Berlín. Marek Janowski. el Palais des Beaux-Arts de Bruselas. Heinz Holliger. Emmanuel Nunes. Colabora también con músicos como Pierre-Laurent Aimard. con la Sonata “Arpeggione” de Schubert (ambos con el pianista Alexandre Tharaud). Leonard Slatkin. También ha encargado a seis compositores (Kurtág. Lars Vogt. Nodaïra y Fedele) que escribieran un “eco” para cada una de las Suites de Bach. Magnus Lindberg y Helmut Lachenmann. En 2004 ganó el primer premio del Concurso Internacional Johann Sebastian Bach en Leipzig. Bruno Mantovani y Phillipe Schoeller. Emmanuel Pahud y Jean-Yves Thibaudet. Harvey. Jean-Guihen Queyras. Gerd Albrecht. También toca con los especialistas de zarb Kevan y Bijan Chemirani. Como cotizado músico de cámara y solista ha tocado en salas tan prestigiosas como el Concertgebouw de ámsterdam. entre otros. el festival de Aldeburgh y la Bachfest de Leipig. Stefan Wirth. Jean-Guihen Queyras ha actuado con orquestas del prestigio de la Sinfónica de la RAI de Turín. En su repertorio figuran un gran número de piezas contemporáneas y ha ofrecido los estrenos mundiales de los Conciertos para violonchelo de Ivan Fedele. la Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. Denis Russell Davies. viola Véase su biografía en la página 98. el Wigmore Hall de Londres. En mayo de 2007 fue artista residente en el Concertgebouw de ámsterdam y el año siguiente hizo su presentación en los Proms de Londres y tocó la Sinfonía para violonchelo y orquesta de Britten en el Festival de Aldeburgh. Ji ř í Bělohlávek.

la Sinfonía concertante de Prokofiev (con la Filarmónica de Róterdam y Vassily Sinaisky) y la Sinfonía para violonchelo y orquesta de Britten (con la Sinfónica de Flandes y Seikyo Kim). la Sala Topan de Tokio. En la siguiente edición tocó las tres Suites para violonchelo solo de Britten. la Sinfónica 116 117 . Sus grabaciones más recientes son el Concierto para violonchelo de William Walton (con la Sinfónica de Sydney y Jeffrey Tate). Pieter Wispelwey. Kent Nagano. colaborando con directores como Ivan Fischer. la Sinfónica de Dallas. la Orquesta Yomiuri Nippon. la Sala Megaron de Atenas. reuniendo durante una semana a los mejores violonchelistas del mundo en una serie de conciertos. Yannick Nézet-Séguin. Su amplísima discografía se encuentra recogida principalmente en los sellos Onyx y Channel Classics. Marc Minkowski. Polonia (Wratislavia Cantans) y giras por Italia. Sus recitales le han llevado a tocar de forma habitual en el Wigmore Hall de Londres. Entre 2009 y 2011 fue el director artístico del Festival de Violonchelo de Beauvais (Fancia). Paul. Philippe Herreweghe. el Théâtre du Châtelet en París. Wigmore Hall de Londres. la Filarmónica de Londres. Ton Koopman. A lo largo de su carrera ha tocado con muchas de las mejores orquestas del mundo. Alemania y Norteamérica. Vladimir Jurowski. la Società del Quartetto de Milán. incluyendo numerosas obras compuestas específicamente para él. Entre sus recitales destacan los proyectos con el fortepianista Kristian Bezuidenhout (Konzerthaus de Viena. recitales y música de cámara. Neville Marriner. con quien acaba de publicar también en el sello Onyx las Sonatas para violonchelo de Mendelssohn y una selección de Valses de Chopin arreglados para violonchelo y piano. con Paul Katz en Estados Unidos y con William Pleeth en Gran Bretaña. el Wigmore Hall y St. como la Sinfónica de Boston. el Concertgebouw de ámsterdam. la Filarmónica de Tokio. la Sinfónica de la BBC. la Filarmónica de Lieja y una gira con la Orquesta Sinfónica de Flandes. la Sinfónica de Sydney. el Centro Nacional de Artes Interpretativas de Pekín. Esa-Pekka Salonen. Luke’s en Londres. en Seúl y en festivales en ámsterdam (Prinsengracht). Vassily Sinaisky.Toca un instrumento construido por Jean-Baptiste Vuillaume en París en 1852 que le ha cedido generosamente el Fonds Instrumental Français. Concertgebouw de Brujas). Actuó en el XVII Liceo de Cámara interpretando los dos Sextetos de cuerda de Brahms con el Cuarteto Arcanto de Sapporo. la Orchestra of the Age of Enlightenment. el Walt Disney Hall de Los ángeles y el Lincoln Center de Nueva York. todas ellas realizadas en directo. Pieter Wispelwey toca un violonchelo construido por Giovanni Battista Guadagnini en 1760. concedido al músico joven más prometedor del país. el pianista Cédric Tiberghien (Wigmore Hall de Londres). la Orquesta Hallé. además de actuaciones con la Filarmónica de Japón. Libor Pešek o Roger Norrington. Entre sus futuros proyectos se encuentra la interpretación de conciertos dedicados a Rostropovich con orquestas sinfónicas australianas. el Teatro Colón de Buenos Aires. recitales a solo en el Museo del Louvre de París. la Utzon Room de Sydney. Actuó en el X Liceo de Cámara tocando la integral de las Suites para violonchelo de Bach. Desde enero de 2009 hasta marzo de 2001 ha dado clases en la Staatliche Hochschule für Musik de Stuttgart como ayudante de Jean-Guihen Queyras. Louis Langrée. la Sinfónica de São Paulo. Jeffrey Tate. También ha grabado piezas para violonchelo de Schubert (algunas de ellas en su propia transcripción para su instrumento) con instrumentos históricos junto a Paolo Giacometti. la Konzerthaus de Dortmund. la Celebrity Series de Boston. la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. la Orquesta de Cámara St. la Academy of Ancient Music. la Konzerthaus de Berlín. la Sinfónica de la NHK. Paavo Berglund. Bozar en Bruselas. la Orquesta de Cámara Escocesa. Su versatilidad le permite tocar igualmente el violonchelo barroco y el violonchelo moderno en un repertorio que abarca de Johann Sebastian Bach a Elliott Carter. se formó con Dicky Boeke y Anner Bylsma en ámsterdam. violonchelo Nacido en Haarlem (Holanda). Herbert Blomstedt. En 1992 se convirtió en el primer violonchelista en obtener el Premio de la Música Holandés. la Sinfónica de la Radio Danesa. la Orquesta del Festival de Budapest o la Camerata de Salzburgo.

Ji ř i Bělohlávek. También va a tocar próximamente con la Sinfónica de Seattle. y los violinistas Amanda Favier (Sonatas de Janáček y Strauss en Lyrinx) y Vadim Tchijik (obras de Fauré y Ravel). Ha colaborado con directores como Simone Young. la Salle Pleyel y el Théâtre des Champs Élysées en París. publicada a comienzos de 2009 por el sello Hyperion. un disco con diez Danzas Húngaras. las Klavierstücke op. la Orquesta Sinfónica de la NHK. publicada por Harmonia Mundi. En recital tiene previsto aparecer las siguientes tres temporadas en el Wigmore Hall de Londres. lo que le ha granjeado de inmediato una invitación para tocar en la presente temporada dos conciertos con la Sinfónica de Boston en Boston y en el Carnegie Hall de Nueva York. la Gelders Orkest. el Cuarteto Psophos. Kurt Masur. Cédric Tiberghien tocó dos conciertos con Sonatas para violín y piano de Beethoven junto a Alina Ibragimova en el XVIII Liceo de Cámara. Stuttgart Staatsorchester. Luego resultó vencedor en diversos concursos internacionales (Bremen. y en Francia la Filarmónica de Radio Francia. Cédric Tiberghien ha aparecido con un gran número de orquestas internacionales. la integral de los Conciertos de Beethoven con la Orchestre National d’Île de France y una gira con las orquestas más destacadas de Australia y Nueva Zelanda. la Philharmonie y la Konzerthaus de Berlín y en diversos festivales de verano por toda Europa. la Ópera de Sydney y las salas Bunka Kaikan y Asahi de Tokio. incluidas la Sinfónica de la BBC. Louis Langrée. Sonatas de Britten. la Filarmónica de Tokio. tocando la Sinfonía Turangalîla de Messiaen con la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington dirigida por Christoph Eschenbach. entre muchos otros. con sólo diecisiete años. Tel Aviv. Recientemente ha hecho su debut con orquesta en Estados Unidos.Cédric Tiberghien. Beethoven (Variaciones). Antes hicieron su debut discográfico con la grabación de las obras completas para violín y piano de Szymanowski. Su discografía a solo. Dublín. el Queen Elizabeth Hall y el Barbican Centre en Londres. Alina Ibragimova. la Sinfónica de São Paulo. la Orquesta de París y la Orquesta Nacional de Francia. Ginebra. además de dos de los Conciertos para teclado de Bach. 39 de Brahms. así como en Bozar y el Théâtre de la Monnaie de Bruselas. Bertrand Chamayou. como el Kennedy Centre en Washington. incluye un disco concertante (el Concierto nº 1 de Brahms con la Sinfónica de la BBC y Ji ř i B ělohlávek) y cinco discos de recitales: Debussy. la Orquesta Hallé. Ivan Fischer. el Royal Albert Hall. además de otros cinco galardones especiales. Nicholas Angelich. piano Cédric Tiberghien estudió en el Conservatorio de París con Frédéric Aguessy y Gérard Frémy y recibió el Premier Prix en 1992. así como un disco con las Mazurcas de Chopin. las Baladas de Brahms y. Bacri y Debussy en Fuga Libera) y Valérie Aimard (repertorio francés en Lyrinx). la New Japan Philharmonic. Milán) y obtuvo el primer premio en el prestigioso Concurso Long-Thibaud en París en 1998. más recientemente. Christoph Eschenbach. Chopin. incluidos el Premio del Público y el Premio de la Orquesta. Marie Devellereau y Gweneth-Ann Jeffers. el Quinteto Moraguès. Con más de sesenta conciertos para piano y orquesta en su repertorio. Ha ofrecido recitales por todo el mundo en las salas más importantes. la Filarmónica de Hamburgo. Yutaka Sado y Jerzy Semkow. Marie Hallynck. Ha realizado también grabaciones con las violonchelistas Marie Hallynck (Sonatas de Schumann y Grieg en Harmonia Mundi. el Concertgebouw de ámsterdam. Esto impulsó su carrera internacional. 118 119 . Cédric Tiberghien es también un apasionado camerista: en la temporada 2009-2010 interpretó el ciclo completo de las Sonatas para violín y piano de Beethoven con su compañera de dúo. publicado en 2010. en el Jersey Arts Centre y durante una residencia en el Festival de Aldeburgh. Valérie Aimard. 76 y los Valses op. Alain Planès. en el Wigmore Hall de Londres. Myung-Whun Chung. la Orquesta del Festival de Budapest. la Orchestre de la Suisse Romande. La integral se ha publicado también en disco con gran éxito en el sello Wigmore Live. la Sala Bechstein en Berlín. el Wigmore Hall. el Mozarteum de Salzburgo. la Sinfónica de Sydney. con siete giras por Japón y apariciones en toda Europa. la Sinfónica Nacional de Irlanda. Pierre Amoyal. la Sinfónica de Tokio. En 2011 se ha publicado su grabación de las Variaciones sinfónicas y Les Djinns de César Franck para el sello Cyprès. Antoine Tamestit. el Cuarteto Ysaÿe. con más de un centenar y medio de compromisos en todo el mundo. En 2011 ha sido el pianista invitado del Musikkollegium Winterthur para un proyecto Bach en el que interpretó el Libro II completo del Clave bien temperado. Leif Segerstam. que acaba de lanzar al mercado su integral de las obras para violín y piano de Ravel junto con la Sonata de Guillaume Lekeu. Bach (Partitas). Colabora también en música de cámara con artistas como Sophie Karthäuser.

Daniel Sepec ha mostrado un interés creciente por el violín barroco. con la Wiener Akademie y Martin Haselböck y con la Orchestre des Champs-Élysées dirigida por Philippe Herreweghe. un conjunto de instrumentos originales. junto con Kathrin Tröger. compatibilizando siempre la interpretación del violín barroco y del violín moderno. Christine Busch toca por primera vez en el Liceo de Cámara. entre ellos uno con obras de Beethoven en el que utilizaba el violín que había pertenecido al compositor alemán y que se encuentra en la Beethoven-Haus de Bonn.Daniel Sepec. Con el Ensemble Explorations ha grabado para Harmonia Mundi Quintetos de cuerda de Boccherini y obras de cámara de Dvořák con instrumentos de época. Claudia Hofert y Gesine Queyras el Cuarteto Salagon. MDG y CPO con grupos como la Akademie für Alte Musik de Berlín. la Orquesta de Cámara de Europa y la Orquesta Barroca de Friburgo. actuando también de manera regular como solista con directores como Daniel Harding. Como concertino invitado ha actuado con la Orquesta de Cámara de Europa. la Camerata de Berna y la Camerata Académica de Salzburgo. la Camerata del siglo xviii. Su última grabación con Andreas Staier para Harmonia Mundi contiene las dos Sonatas de Robert Schumann y la Chacona de Bach con el acompañamiento pianístico añadido por Schumann. un cuarteto con instrumentos históricos. así como con Gerhard Schulz en Viena. Forma parte habitualmente de grupos como la Orquesta Barroca de Friburgo. Daniel Sepec ha tocado como miembro del Cuarteto Arcanto en las ediciones XV a XIX del Liceo de Cámara. Ha realizado grabaciones para los sellos Harmonia Mundi. con Boris Kuschmir en Viena y con Nora Chastain en Winterthur. Posteriormente las ha llevado al disco para el sello Coviello Classics con Hille Perl (viola da gamba). que incluía obras de Joseph Martin Krause. Ese mismo año formó un trío con el flautista Eugen Bertel y el guitarrista Alexander Swete. violín barroco Estudió con Dieter Vorholz en Fráncfort. Como músico de cámara participa regularmente desde 1995 en la Schubertiade de Hohenems. Desde 1993 ha sido concertino de la Deutsche Kammerphilharmonie de Bremen. cuyo repertorio se sitúa entre Haydn y Mendelssohn. Christine Busch. Poco después publicó su primera grabación con el Cuarteto Salagon. Patrick Sepec. Posteriormente asistió a las clases de violonchelo barroco de Christophe Coin en la Schola Cantorum Basiliensis y desde entonces se ha concentrado en la interpretación con instrumentos históricos. En 2004 fundó. violín barroco Nacida en Stuttgart. la Akademie für Alte 120 121 . En la XVII edición tocó en solitario la Passagalia de Biber con violín barroco. Con él ha publicado un disco con obras de Beethoven y Hummel. violonchelo barroco Nacido en 1969 en Fráncfort. Como solista ha tocado con la Academy of Ancient Music dirigida por Christopher Hogwood. Actúa como concertino regularmente en el Ensemble Balthasar-Neumann. estudió de 1990 a 1997 con Thomas Demenga y Reinhard Latzko en la Musikhochschule de Basilea. También ofrece conciertos y ha grabado diversos discos con Andreas Staier. Ha tocado las Sonatas del Rosario de Biber con violín barroco en la Konzerthaus de Viena y en la Semana de Música Antigua de Innsbruck. Thomas Hengelbrock y Kay Johanssen y ha sido invitada como directora por la Camerata de Berna y la Kammerakademie Potsdam. bajo la dirección de Thomas Hengelbrock. en los últimos años. A finales de 2003 apareció en el sello Carus su grabación de las Sonatas para violín y clave de Bach (con Kay Johannsen). A partir de 1997 dio clases en la Hochschule der Künste de Berlín y tres años después fue nombrada profesora de la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst en Stuttgart. se crió en Mössingen/Tubinga y estudió con Wolfgang Marschner y Rainer Kussmaul en Friburgo. Ha tocado regularmente con el Concentus Musicus de Viena. principalmente con el Ensemble Explorations que dirige el violonchelista belga Roel Dieltiens. Lee Santana (laúd) y Michael Behringer (órgano). y asistió a clases magistrales con Sándor Végh y el Cuarteto Alban Berg. En 2003 formó un trío con piano con el violonchelista Jean-Guihen Queyras y el fortepianista Andreas Staier para tocar el repertorio clásico vienés. Desde septiembre de 2010 da clases de violín en la Hochschule für Musik de Basilea. Atraído por la riqueza de expresividades de la música barroca. Frans Brüggen y Trevor Pinnock. Thomas Hengelbrock. Ha sido también concertino en agrupaciones dirigidas por Philippe Herreweghe. Salzburger Hofmusik y.

Hermann Max y Christoph Poppen. Más tarde dio clases también de fortepiano y fue responsable de la creación del departamento de Música Antigua. Karlsruhe. Japón y Estados Unidos. André Jaunet y Robert Aitken. Desde 2009 toca como primer violonchelo con el conjunto austriaco moderntimes_1800. clave y órgano Tras completar sus estudios de piano en la Hochschule für Musik de Berlín. También es invitado frecuentemente por Alice y Nikolaus Harnoncourt para participar en numerosos proyectos con el Concentus Musicus de Viena. especializado en la interpretación de la música italiana y alemana del siglo xvii. la Hochschule für Musik und Theater de Múnich y en la Academia de Música Feliks Nowowiejski Bydgoszcz de Bromberg (Polonia). Gilbert Varga. Hellmuth Rilling. Nikolaus Harnoncourt. de la Orquesta del Siglo xviii (que dirige Frans Brüggen) y de Neuen Düsseldorfer Hofmusik. Es además miembro del grupo Les cornets noirs. Düsseldorf y Neuburg). con el que ha grabado para el sello Challenge Classics Conciertos para cuerda de Johann Gottlieb Graun. Ulla Bundies y Mary Utiger. realiza talleres de interpretación histórica de instrumentos de viento para orquesta moderna como la Philharmonische Staatsorchester de Halle. entre las que destacan las Variaciones Goldberg y obras poco frecuentes para teclado de Johann Sebastian Bach. estudió con Konrad Hünteler en la Musikhochschule de Detmold y su formación se enriqueció con los consejos de Frans Brüggen.Musik de Berlín. Da clases también regularmente en la Folkwang Hochschule de Essen. Más tarde completó su formación con Gustav Leonhardt. Desde octubre de 2002 es catedrática de clave en la Hochschule für Musik und Theater de Múnich. Eduardo López Banzo y Marcus Creed. Peter Schreier. Markus Creed. Patrick Sepec toca por primera vez en el Liceo de Cámara. Seiji Ozawa. Varsovia. que recibió el Diapason d’Or. Philippe Herreweghe. Christoph Huntgeburth. especializado en el repertorio contemporáneo. También ha colaborado con Ivor Bolton interpretando la parte de continuo en la Ópera Estatal de Baviera y en la Royal Opera House. La Stagione o Al Ayre Español. Ton Koopman y Johann Sonnleitner. Christine Schornsheim. flauta travesera barroca Nacido en Beckum. Desde 1985 se concentra en su labor como clavecinista y fortepianista. Claudio Abbado. dirigido por Ilia Korol y Julia Moretti. Michael Schmidt-Casdorff. Christine Schornsheim actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Conciertos para fortepiano de Mozart y obras para flauta de Beethoven con el flautista Christoph Huntgeburth. la Konzerthausorchester de Berlín y la Filarmónica de Stuttgart. Desde 2003 es miembro del grupo Münchener Cammer-Music. Entre 1988 y 1992 fue profesora de clave y bajo continuo en la Hochschule für Musik und Theater de Leipzig. Es flauta solista del Balthasar-Neumann Ensemble (que dirige Thomas Hengelbrock). lo que le ha llevado a colaborar con directores como Georg Solti. Jos van Immerseel. Anima Eterna. el Preis der Deutschen Schallplattenkritik y el Premio Echo. trabajó como pianista repetidora en el Hans-Otto-Theater de Potsdam y durante ese tiempo estudió clave y bajo continuo con Walter Heinz Bernstein en Leipzig. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Georg Christoph Biller. Covent Garden. Leopold Hager. Salzburgo. Conciertos para clave de Carl Philipp Emanuel. y su 122 123 . Como instrumentista moderno formó parte entre 2011 y 2008 del Ensemble Resonanz. Hizo su presentación como fortepianista en 1994 acompañando al tenor Peter Schreier y colabora especialmente con Andreas Staier (en la interpretación de conciertos para dos claves). Wilhelm Friedemann y Johann Christian Bach. Ha realizado numerosas grabaciones discográficas. el grupo ha colaborado con numerosos artistas y compositores. Cuarteto de Tokio El Cuarteto de Tokio ha cautivado a público y crítica desde su fundación hace más de cuarenta años. Además de impartir cursos de flauta travesera histórica y música de cámara (en ciudades como Basilea. Como solista ha actuado también por toda Europa y en Israel. Considerado como uno de los más prestigiosos conjuntos de cámara del mundo. colaborando con directores como René Jacobs. En 2005 apareció su grabación de las obras completas para teclado de Haydn en cinco instrumentos históricos.

En 2009. Emerson y Arcanto. En los últimos años han completado una integral de los Cuartetos de Beethoven para esta casa discográfica francesa. así llamados por haber sido adquiridos y utilizados por el virtuoso Niccolò Paganini durante el siglo xix. Leon Fleisher. Asia y Estados Unidos. además de mantener su compromiso con la enseñanza. además de tocar Quintetos de Mozart en varios países con los violistas Naoko Shimizu. que contiene obras de Joseph Haydn y que fue muy alabado por la crítica. Suele ofrecer más de cien conciertos al año por todo el mundo. así como un segundo dedicado a Béla Bartók. Desde entonces ha permanecido vinculado a dicha fundación. Su disco con el Quinteto con clarinete de Brahms con Joan Enric Lluna (Harmonia Mundi) ha recibido unas excelentes críticas. Europa y Asia. El sello Biddulph ha publicado los Cuartetos “Prusianos” de Mozart. la Philharmonie de Berlín y el Carnegie Hall de Nueva York. Durante la temporada 2007-2008 el grupo actuó en toda Europa. tocando en algunos de los auditorios más prestigiosos. como la Musikverein de Viena. le dedican gran parte de su tiempo durante el curso académico. La pasada temporada tocaron quintetos colaborando con músicos como David Watkin. También imparten regularmente clases magistrales en Norteamérica. el Cuarteto Ebène ha crecido hasta convertirse en uno de los cuartetos más destacados del panorama internacional. El grupo se dio a conocer en el prestigioso Concurso Internacional de la ARD en Múnich en su edición de 2004 al recibir cinco galardones especiales. El Cuarteto de Tokio utiliza el grupo de famosos instrumentos Stradivarius conocidos como el “Cuarteto Paganini”. se formó en París con el Cuarteto Ysaÿe y junto a maestros como Gábor Takács. Recientemente fueron seleccionados para tomar parte en el prestigioso esquema “New Generation Artists” de la BBC y han sido apoyados por la Fundación Borletti-Buitoni.discografía ha merecido las críticas más entusiastas. el Cuarteto de Tokio ha actuado sistemáticamente en el Liceo de Cámara y ha sido en varias ocasiones Cuarteto Residente del ciclo. junto a los Cuartetos Hagen. En 2010 ofreció dos conciertos que se enmarcaron dentro de una amplia gira mundial con motivo de la celebración del 40º aniversario de su fundación. En la temporada 2005-2006 estrenó tres nuevos encargos de los compositores Lera Auerbach. Eberhard Feltz y György Kurtág. así como al prestigioso Festival de Música de Cámara de Norfolk en el verano. El Cuarteto de Tokio es reconocido a nivel mundial por su amplio repertorio. En las ediciones XVI y XVII interpretó las opp. Han realizado más de treinta grabaciones para diferentes casas discográficas. En 2005 obtuvo el Premio Belmont de la Fundación Forberg-Schneider. que patrocinó su primer disco. Muy comprometidos con la enseñanza a jóvenes cuartetos de cuerda. Desde 1976 los miembros del Cuarteto de Tokio han colaborado con la Escuela de Música de Yale. Roberto Díaz y Michael Tree. El estreno mundial del Cuarteto de este último tuvo lugar en Melbourne y posteriormente en otras ciudades australianas. Desde la III edición. el Cuarteto Ebène participó en el ciclo dedicado a Haydn en el Wigmore Hall de Londres. CBS y Vox Cum Laude. Muchas de estas grabaciones han sido galardonadas con el Grand Prix du Disque de Montreux. Desde su condición de joven promesa. BMG/RCA. como Deutsche Grammophon. que abarca tanto obras clásicas como contemporáneas. Jeremy Denk y Emanuel Ax. En abril de 2010 estrenaron en el Liceo de Cámara el Cuarteto Breve del compositor Alberto Iglesias en uno de los dos conciertos ofrecidos con motivo del cuadragésimo aniversario de la creación del grupo. EMI. la misma obra que tocaron en el XVI Liceo de Cámara. “Primera Luz”. Mejor Grabación de Música de Cámara del Año por parte de las revistas Stereo Review y Gramophone y han recibido siete nominaciones al Grammy. Cuarteto Ebène Fundado en 1999. prestados al grupo por sus propietarios privados. que generosamente les ha proporcionado instrumentos antiguos italianos. Jennifer Higdon y Peter Sculthorpe. Estos instrumentos constituyen un préstamo de la Fundación Nipona de Música desde 1995. 50 y 76 completas de Joseph Haydn. de Lera Auerbach. El estreno de la obra de Higdon fue presentado por la Asociación de Amigos de la Música de Cámara de Arizona en marzo de 2006. y en su gira por nuestro país el Cuarteto ofreció en la primavera de 2006 el estreno mundial del Cuarteto nº 2. En ese mismo año comenzó su cola- 124 125 . Sabine Meyer (con la que tocaron en el Liceo de Cámara). sino también en ciudades que van de Australia a Estonia y de Escandinavia al Lejano Oriente. grabado en directo. el Concertgebouw de ámsterdam. no solamente en las grandes capitales.

entre otras. A estos premios se suman el Premio Echo de la prensa alemana.boración con el sello Virgin Classics. el Palais des Beaux-Arts en Bruselas. En el Festival de Feldkirch en 2002 estrenó Viola. Duante la temporada 2009-2010 fue artista residente en la Konzerthaus de Berlín. Paul Meyer. También toca en trío con Frank Peter Zimmermann y Christian Poltera. 2004). una improvisación sobre Spain de Chick Corea y regalar una propina en la que el grupo desvela los talentos vocales de un grupo a cappella. Stacey Kent y Natalie Dessay. Megaron en Atenas. En la presente temporada tiene previsto tocar con la Orquesta de París. el Carnegie Hall de Nueva York. aunque raramente presenta programas que combinen en un mismo concierto la música clásica y el jazz. Emmanuel Pahud. 126 127 . la Filarmónica de la BBC. en la Universidad de Yale con Jesse Levine y el Cuarteto de Tokio. En 2007 fue nombrado “Révélation Instrumentale de l’Année” de Victoires de la Musique. la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. la Cité de la Musique de París. El sello Ambroisie ha publicado su primera grabación a solo. Colabora habitualmente en recital con el pianista alemán Markus Hadulla. en las Audiciones Internacionales de YCA (Nueva York. ofrecer su propio arreglo de la banda sonora de la película Pulp Fiction. Luz Casal. en ese mismo año. con quien posteriormente grabaría la obra para el sello Nimbus. Destacado camerista. con obras de Bach y Ligeti. toca habitualmente con músicos como Gidon Kremer. Nicholas Angelich o Natalia Gutman. Graz y Viena. el Concierto para viola de Schnittke con la Filarmónica de Varsovia y Dmitri Kitaienko (Ambroisie) y el Quinteto “La trucha” de Schubert con Christian Tetzlaff. Boris Pergamenschikov. 2003) y en el Concurso Internacional de la ARD (Múnich. el jazz. 138 de Mozart. la Orquesta de la Gewandhaus. la Musikverein de Viena. En su última incursión discográfica han retomado el repertorio clásico con los Cuartetos K. Marie-Elisabeth Hecker. Un recital con obras de Schubert y Tríos de cuerda con Frank Peter Zimmermann y Christian Poltera constituyen sus últimos registros discográficos. la Festspielhaus en Baden-Baden. con la participación de estrellas invitadas como Fanny Ardant. Ha obtenido el primer premio en el Concurso Maurice Vieux (París. el “ffff” de Télérama y el “Choc” de Le Monde de la Musique. viola Nacido en 1979. y con Tabea Zimmermann en Berlín. Isabelle Faust. la Orquesta Nacional de Lyon. además de recibir el Förderpreis Deutschlandfunk en 2008 y. Renaud y Gautier Capuçon. el Concurso William Primrose (Chicago. 2000). La compositora Olga Neuwirth escribió para él un Concierto estrenado en Berlín. el Lincoln Center de Nueva York o las Follées Journées en Francia y Japón. Es uno de los ganadores del premio de la Fundación Borletti-Buitoni en 2006. la Orquesta de Lieja y la Orquesta de la WDR de Colonia estrenó también un Concierto para dos violas escrito por Bruno Mantovani para Tabea Zimmermann y para él mismo. Alois Posch y Martin Helmchen (Pentaton). No es fácil encontrar otro cuarteto que se mueva con tanta facilidad y entusiasmo entre los distintos estilos. la Konserthuset en Estocolmo. Haydn y Debussy para. En sus conciertos es habitual que interpreten primero. Sus proyectos más inmediatos son Harold en Italia de Berlioz con Antoine Tamestit. Su primer disco con obras de Ravel. que recibió un premio Echo. con quien ha tocado en el Concertgebouw de ámsterdam. Jean-Guihen Queyras. donde abordan también la interpretación de música pop y de una de las grandes especialidades del grupo. Posteriormente grabaron un disco con obras de Brahms junto a la pianista Akiko Yamamoto y el año pasado de publicó su disco Fiction. Janine Jansen. 2001). Viola de George Benjamin junto a Tabea Zimmermann. Su repertorio abarca del Barroco a la música contemporánea. Posteriormente ha grabado la Sinfonía concertante de Mozart con Renaud Capuçon y la Orquesta de Cámara Escocesa dirigida por Louis Langrée para el sello Virgin Classics. la Filarmónica de Varsovia y la Sinfónica de Berlín. ha tocado con las Orquestas de Cámara de Múnich y Viena. la Nueva Filarmónica de Japón y la Orquesta Filarmónica de Radio France y Myung-Whun Chung en una gira por Alemania. la Orquesta Filarmónica de Radio Francia. estudió con Jean Sulem en el Conservatorio de París. 421 y 465 y el Divertimento K. Debussy y Fauré obtuvo dos premios Gramophone en 2009 dentro de las categorías de “Mejor Grabación del Año” y “Mejor Grabación de Música de Cámara”. tras la pausa. la Filarmónica de Viena (con la que debutó en 2008 en el Festival de Lucerna bajo la dirección de Riccardo Muti). Mischa Maisky. Con la Orquesta Filarmónica de Radio France. en el que también recibió el Premio del Público y dos premios especiales. Como solista. el Wigmore Hall de Londres. Julian Rachlin. Tocó por primera vez en el concierto inaugural del XIX Liceo de Cámara. el Premio Joven Artista de Crédit Suisse. por ejemplo.

Perth. prestado por la Deutsche Stiftung Musikleben. la Tonhalle de Zúrich. fue uno de los últimos alumnos de Boris Pergamenschikow en Berlín. la Philharmonie de Colonia. Sus conciertos le han llevado a tocar en escenarios tan prestigiosos como el Centro de las Artes de Seúl. el Théâtre du Châtelet de París. Da clases en la Musikhochschule de Colonia y toca un instrumento excepcional construido por Antonio Stradivarius en 1672. Franghiz Ali-Sade. Lausanne. la Sala Verdi de Milán. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Aldeburgh. el Musikkollegium Winterthur y Mario Venzago. donde prosiguió sus estudios con Eberhard Feltz. Trondheim. la Fundación Gulbenkian de Lisboa. Alexander Lonquich. Ludwigsburg. Jörg Widmann. Patricia Kopatchinskaja. Toca un instrumento construido por Nicolas Lupot en París en 1821. Tabea Zimmermann. que le permitió hacer su debut con la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Gustavo Dudamel en el Festival de Lucerna. además de frecuentar los festivales de Luberon. Salzburgo. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart y Roger Norrington. En las últimas temporadas ha tocado con la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich y Neville Marriner. Yuri Bashmet. el Ensemble Scharoun de la Filarmónica de Berlín o la intérprete de bajan Elsbeth Moser. Carolin Widmann. el Mozarteum de Salzburgo y la Konzerthaus de Viena. Lera Auerbach. Pekka Kuusisto. la Philharmonie Austrohúngara Haydn y Adam Fischer. y fueron Cuarteto Residente en el Wigmore Hall entre 2001 y 2006. Siente una especial afinidad hacia la música contemporánea y ha trabajado con compositores como Gyorgy Kurtág. en 2009 obtuvo una beca de la Fundación Borletti Buitoni y el año siguiente recibió el prestigioso premio Crédit Suisse Young Artist Award. así como con la Sinfónica de Bamberg. Kirill Gerstein. Salzburgo. También es invitado regularmente a festivales internacionales como los de Lockenhaus. Cuarteto Belcea Fundado en el Royal College of Music en 1994. Son asimismo habituales en todos los grandes festivales del Reino Unido: Edimburgo. Kronberg o la Beethovenfest de Bonn. Schleswig-Holstein. Rheingau. Bath y Cheltenham. Mecklenburg y la Schubertiade de Schwarzenberg. la Tonhalle de Zúrich. la Orquesta de Cámara de Zúrich. el Palais des Beaux Arts de Bruselas. el Cuarteto Ebène. Actuó en el XVII Liceo de Cámara tocando los Quintetos y Sextetos de cuerda de Brahms junto con el Cuarteto Arcanto y en el XIX Liceo de Cámara con un recital para viola sola. Steven Isserlis y Anner Bylsma. Posteriormente grabó para el sello Claves obras concertantes de Schumann. Moritz Eggert. Estambul. como la Konzerthaus y la Musikverein de Viena.Marc Minkowski y los Tríos de cuerda de Beethoven. Sofia Gubaidulina. y los Conciertos de Haydn con la Potsdamer Kammerakademie dirigida por Michael Sanderling (de nuevo para Genuin). la Sala Hércules de Múnich. de nuevo con Zimmermann y Poltera. Nicolas Altstaedt. Barnabás Kelemen. las Orquestas Sinfónicas de Melbourne y Adelaida. el Concertgebouw de ámsterdam. Miklós Perényi. entre otras. Tchaikovsky y Friedrich Gulda. 128 129 . Jerusalén. la Philharmonie de Berlín. el Festival de las Artes de Hong Kong. Después de salir triunfador en diversos concursos internacionales. Alina Ibragimova. la Orquesta de Cámara de Stuttgart y Dennis Russell Davies. la Konserthuset de Estocolmo. la Konzerthaus de Berlín. En 2010 fue elegido como uno de los integrantes del programa New Generation Artists de la BBC. prestado por la Fundación Habisreutinger. el Carnegie Hall de Nueva York. Su primer disco lo publicó el sello Genuin en 2007. Heinrich Schiff. el Carnegie Hall y el Alice Tully Hall de Nueva York y el Teatro Herbst de San Francisco. la Orquesta Sinfónica de la Radio Danesa. ha tocado en las salas de concierto más importantes del mundo. violonchelo Nacido en 1982 en el seno de una familia de ascendencia francesa y alemana. la Tapiola Sinfonietta y la Orquesta Juvenil Simón Bolívar. Posteriormente ha recibido una fuerte influencia de músicos como Mstislav Rostropovich. el Théâtre du Châtelet de París. HK Gruber y Wilhelm Killmayer. Daniel Hope. En el ámbito de la música de cámara toca habitualmente con Gidon Kremer. Su última grabación contiene obras camerísticas de Robert Schumann y Wilhelm Killmayer.

Gran Bretaña. el Symphony Hall de Birmingham y el Carnegie Hall de Nueva York. Piotr Anderszewski y Valentin Erben. Además. Su concierto en el Wigmore Hall en julio de 2007 le granjeó la invitación de seguir tocando en la sala en años sucesivos. En otoño de Cuarteto Pavel Haas Desde que ganó el Concurso Paolo Borciani en Italia en la primavera de 2005. con ciclos de conciertos en el Reino Unido. Alemania. la Philharmonie de Colonia. En la presente temporada se han embarcado en la interpretación de los cuartetos de cuerda completos de Beethoven. que le ofreció una gira por Europa en la temporada 2007-2008 en salas como la Konzerthaus de Viena. Es Cuarteto Residente en la Guildhall School de Londres y desde la pasada temporada es también conjunto residente en la Konzerthaus de Viena. la Konzerthaus de Viena y la Konzerthaus de Dortmund. Su discografía con EMI incluye obras de Brahms. publicado por el sello Supraphon. Obtuvo el Premio Gramophone por el mejor debut discográfico en 2001. el Concertgebouw de ámsterdam y la Konzerthaus de Viena. contenía el Cuarteto nº 1 de Janáček y los Cuartetos núms. la Frick Collection de Nueva York. en el Wigmore Hall. los Proms de la BBC y la Konzerthaus de Berlín. Yovan Markovitch. a la Konzerthaus de Viena. además de realizar importantes giras por Estados Unidos y Australia. Italia y Gran Bretaña. Aunque basado en Praga. saïques. seguido de su debut en los Proms. la Philharmonie de Colonia. Junto con la pianista Mihaela Ursuleasa. Austria. La pasada temporada ofreció dos conciertos en el Festival de Edimburgo. lo que le supuso realizar diversas grabaciones para la emisora británica (entre ellas una con Cuartetos de Beethoven) y tocar en importantes salas del Reino Unido. complementaria de la anterior. Imogen Cooper. estrenarán el Quinteto con piano de Thomas Larcher en el Wigmore Hall. tocó en el Festival Dvořák de Praga. el Cuarteto Mo- 130 131 . En la temporada 2006-2007 ofrecieron ya numerosos conciertos por toda Europa en lugares como el Museo del Louvre en París. y han actuado con Ian Bostridge en el Zankel Hall de Nueva Cork y la Biblioteca del Congreso en Washington. Su primer CD. incluido el Quinteto en Do mayor con Valentin Erben. Isabelle van Keulen. La pasada temporada estrenaron el cuarteto de cuerda Twisted Blues with Twisted Ballad. el Cuarteto Pavel Haas participó en el programa New Generation Artists de la BBC. Japón. Suecia y Estados Unidos. que fue nominado a los Premios Gramophone. En 2006 el Cuarteto fue nombrado por la Philharmonie de Colonia como una de las “estrellas emergentes” de la Asociación de Salas de Concierto Europeas. además de realizar giras por Alemania. Fue elegido como uno de los mejores CDs de 2006 por The Daily Telegraph. También han interpretado La bonne chanson de Fauré con Anne Sofie von Otter en la Cité de la Musique de París. Schubert. el Palais des Beaux-Arts de Bruselas. Regresó. El Cuarteto Belcea actuó en el XIII Liceo de Cámara. donde volvieron a actuar el pasado verano con Valentin Erben interpretando el Quinteto en Do mayor de Schubert. de Leoš Janáček. Ha realizado también giras por Estados Unidos. asimismo. el Concertgebouw de ámsterdam. sus integrantes han pasado los últimos años viajando por toda Europa para estudiar con miembros del Quartetto Italiano. la Cité de la Musique de París. También han mantenido una estrecha relación con Milan Škampa (Cuarteto Smetana) en Praga y Walter Levin (Cuarteto LaSalle) en Basilea. Paul Lewis. el Cuarteto Borodin y el Cuarteto Amadeus. contiene el Cuarteto nº 2 de Haas y el Cuarteto nº 2. “Cartas íntimas”. Michael Collins. fue cuarteto residente en los Glasgow Royal Concert Halls y volvió a colaborar asiduamente con la BBC. el Mozarteum de Salzburgo.Colaboran con instrumentistas como Thomas Adès. de Mark Anthony Turnage. la Schubertiade de Hohenems. la Festspielhaus de BadenBaden. CD de la Semana por BBC Radio 3 y Mejor Disco de Música de Cámara por la BBC Music Magazine. Entre septiembre de 2007 y septiembre de 2009. Fauré. Su segunda grabación. 1 y 3 de Haas. Su última grabación recoge obras de Schubert. el Cuarteto Pavel Haas inició una fulgurante carrera internacional. el Palau de la Música de Barcelona. en el Wigmore Hall. la Konserthuset de Estocolmo. el Wigmore Hall de Londres y el Concertgebouw de ámsterdam. la Philharmonie de Berlín. Alemania y Australia. la Alte Oper de Fráncfort y la Philharmonie de Essen. llevaron a cabo su propio proyecto “Beethoven y Schubert: Últimos Años” con conciertos en Aldeburgh. En la temporada 2009-2010 debutó en el Festival de Lucerna. Il tramonto de Respighi con Angelika Kirchschlager en el Wigmore Hall de Londres. Mozart y las integrales cuartetísticas de Bartók y Britten. en la Schubertiade de Schwarzenberg. la Fundación Gulbenkian y la Philharmonie de Luxemburgo.

Hanna Weinmeister. Heinz Holliger. Entre 2000 y 2004 dio clases de violín en la Hochschule für Musik und Theater de Berna. Lockenhaus. Hanna Weinmeister ha actuado junto a Heinrich Schiff. estudió con Bruno Steinschaden en el Mozarteum de su ciudad natal. estudió con Astrid Schmidt-Neuhaus. Kurt Sanderling y Sándor Végh. Más tarde. Después amplió su formación con Gerhard Schulz en Viena y con Zakhar Bron en Lübeck. entre otros. la Sinfónica de Berlín. En 1989 ganó el concurso Stefanie-Hohl en Viena y en 1991 obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional Mozart que se celebra en Salzburgo. Benjamin Schmid. junto con el Cuarteto Sacconi. Edimburgo. También es miembro del Cuarteto Tetzlaff (en el que toca la viola) y del Trío Weinmeister (junto a sus hermanos Gertrud y Bruno). contiene cuartetos de última época de Antonín Dvořák y acaba de recibir el Premio Gramophone al mejor disco del año en el apartado de música de cámara. 132 133 . entre otros. Su último disco. Hans Graf. y ha tocado junto a la Orquesta Filarmónica de Múnich. Ha grabado el Concierto para violín de Krenek con el Musikkollegium Winterthur dirigido por Heinrich Schiff. En la pasada temporada destacan sus proyectos camerísticos con Alexander Lonquich en Italia. siempre para el sello Supraphon. Alexander Lonquich. la Orquesta de la Ópera de Zúrich. El Cuarteto Pavel Haas actuó en el XVI Liceo de Cámara y fue. Clemens Hagen. Alexander Lonquich. con ella misma al frente de un octeto de grandes solistas internacionales que tocó en varias capitales europeas. piano Nacido en Trier (Alemania). organizados por Renaud Capuçon. con quien mantiene una especial relación de admiración. Actuó por primera vez en el XVIII Liceo de Cámara en un sexteto de cuerda liderado por Leonidas Kavakos y volvió en la edición XIX. Radovan Vlatković y Alexei Lubimov. Philippe Herreweghe. Heinz Holliger. Dénes Várjon. Eliahu Inbal y Hans Graf. Como solista ha tocado el Concierto para violín de Sándor Veress bajo la dirección de Heinz Holliger en Basilea y Liubliana. Ha tocado como solista bajo la dirección de Claudio Abbado. Paul Badura-Skoda. Lucerna. Ha ganado el Primer Premio en el Concurso “Jugend Musiziert” para músicos jóvenes. Heinz Holliger. Schleswig-Holstein. que fue trágicamente deportado de Checoslovaquia en 1941 y murió en Auschwitz tres años más tarde. Emmanuel Krivine. Mark Minkowski. El Cuarteto toma su nombre del compositor checo Pavel Haas (1899-1944). el Cuarteto Joven de aquella edición. Andreji Jasinski y Ilonka Deckers e inició su carrera internacional ganando el Primer Premio en el Concurso Internacional de Piano “Antonio Casagrande” de Terni (Italia) a los dieciséis años. Desde entonces ha tocado en las salas de concierto de todo el mundo y ha sido invitado regularmente por festivales como el de Salzburgo. 1 y 2 y el Dúo para dos violines de Prokofiev. Gidon Kremer. El grupo cultiva con especial entusiasmo el repertorio checo. En 2009 tocó el Doble Concierto de Brahms con su hermano Bruno bajo la dirección de Heinrich Schiff en Constanza y Lübeck. Volvió a visitarnos en la XIX edición. la Orquesta Bruckner de Linz y las Sinfónicas de Calgary y San Luis. Yuri Bashmet.2009 se publicó un nuevo disco que contenía los Cuartetos núms. Kissinger Sommer. Toca el Stradivarius “Bennett” de 1692 cedido por la compañía de seguros Winterthur. Ton Koopman. Christian Zacharias. Desde 1988 es concertino de la Orquesta de la Ópera de Zúrich. y en 1995 obtuvo el primer premio en el Concurso Parkhouse en Londres. así como el Concierto de cámara de Alban Berg en la Kunstfest de Weimar. con Leonidas Kavakos en Holanda y su participación en la última edición de los Rencontres Musicales de Bel-Air. la Mozartwoche de Salzburgo. violín Nacida en Salzburgo en 1969. Cheltenham. así como con la Orquesta de Cámara Inglesa. entre otros. aunque sus interpretaciones de Mozart y Beethoven han sido también recibidas con grandes elogios. También interpretó el Concierto para violín op. Franz Welser-Möst. la Orquesta de la SWR de Stuttgart. Leonidas Kavakos. el Festival de Piano del Ruhr o la Beethovenfest de Bonn y Varsovia. Su legado incluye tres Cuartetos de cuerda. la Schubertiade de Schwarzenberg. 21 de Othmar Schoeck con la Orquesta de la Suiza Italiana dirigida por Heinz Holliger. En el ámbito de la música de cámara ha colaborado junto a Heinrich Schiff. ganó el concurso Jacques Thibaud en París en 1994.

También recibieron el Premio Especial por la mejor interpretación de un cuarteto de Shostakovich. concebido para promover a los jóvenes y prometedores artistas finlandeses. donde recibieron enseñanzas de Johannes Meissl y Christoph Richter. 55 de Haydn para el sello alemán Hänssler Classic. 134 135 . la Orquesta Sinfonica de Düsseldorf. la Orquesta de Cámara Mahler. Isabelle van Keulen. El Cuarteto ha sido elegido para formar parte del programa “BBC New Generation Artists” durante el período 2008-2010. Leonidas Kavakos. y es el Director Artístico del Festival de Música de Oulunsalo. Ha actuado en varios festivales finlandeses. además de los compositores contemporáneos. Jörg Widmann. Melartin. el Premio Abbiati en Italia y el Premio Edison en Holanda. la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich. Kokkonen. En el año 2009 grabó los tres Cuartetos op. que ha tenido una influencia decisiva en su manera de tocar. Minna Pensola toca un violín de 1770. Christian Tetzlaff. También ofreció la integral de las Sonatas para violin y piano de Beethoven con Christian Teztlaff en el Festival de Tanglewood. En la pasada temporada destacan los conciertos ofrecidos en el Festival de Salzburgo tocando y dirigiendo a la Orquesta del Mozarteum. Saariaho. XVIII y XIX interpretando obras de Haydn. Heinrich Schiff.Compatibiliza sus actuaciones como solista y como director. Hong Kong y Japón. Como solista ha tocado con la Filarmónica de Viena. la Orquesta de Cámara de Basilea. por lo que ha realizado diversos conciertos y grabaciones para la emisora de radio británica. Están también muy involucrados en la interpretación de obras escandinavas como las de Sibelius y Grieg. viola fundador del Cuarteto Alban Berg. incluyendo a Sallinen. Turku y Helsinki. París (Théâtre de la Ville y Musée d’Orsay). la Orquesta Filarmónica Nacional Húngara o la Filarmónica Eslovena. En la presente temporada volverá al Festival de Salzburgo y tocará como solista con la Orquesta Sinfónica de Viena y la Orquesta Filarmónica de Viena. y dos programas monográficos dedicados al compositor polaco Karol Szymanowski. realizó una gira por Alemania con la Camerata Salzburg y ofreció diversos conciertos en Austria con la Orquesta de Cámara de Mantua. Puumala. la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. Milán (Sala Verdi). lo que le ha llevado a ponerse al frente de la Camerata de Salzburgo. Sus grabaciones de obras de Mozart y Schubert para el sello EMI han recibido premios como el Diapason d’Or en Francia. fue galardonado con el Primer Premio en el Concurso Internacional Joseph Haydn de Música de Cámara de Viena. Kaipainen. Bruselas (Palais des Beaux Arts). Tabea Zimmermann o los Cuartetos Auryn y Carmina. Ha intervenido también en las ediciones XVII. el Cuarteto Meta4 obtuvo el Primer Premio en el Concurso Internacional de Cuartetos de cuerda Shostakovich de Moscú. Ha grabado también para el sello ECM y su último disco contiene obras de Robert Schumann y Heinz Holliger. Su repertorio abarca desde Haydn hasta las obras de vanguardia. y Tomas Djupsjöbacka toca un violonchelo de 1780 construido por el lutier cremonés Lorenzo Storioni. Rasmussen. la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo. El grupo comenzó sus estudios en 2003 con Hatto Beyerle. Antti Tikkanen toca un violín Stradivarius de 1702 amablemente cedido por la Fundación Artística del Banco Pohjola. Berg y Ligeti. una grabación que fue elegida posteriormente Disco del Mes por la revista Classic FM. En 2004. a petición del Festival Mänttä Music de Finlandia. Estocolmo (Konserthuset) y Nueva York (Carnegie Hall). Brahms. un ámbito en el que ha colaborado con músicos como Renaud y Gautier Capuçon. la Orquesta de Cámara de Stuttgart o la Orquesta Sinfónica de la Radio de Fráncfort. Dedica buena parte de su tiempo a la interpretación de música de cámara. entre los que cabe mencionar los de Kuhmo. En abril de 2007. Steven Isserlis. Dortmund (Konzerthaus). amablemente cedido por el Banco de la Cooperativa Local de Sysmä. Cuarteto Meta4 El Cuarteto Meta4 se creó en 2001. Beethoven. En 2004 el grupo participó en la Orquesta de Cámara de Europa. El cuarteto también ha actuado en el Festival de Música de Cámara de Lockenhaus y en los festivales finlandeses de Kuhmo y Helsinki. algunas de ellas dedicadas al grupo. Han ofrecido conciertos en Viena (Sala Mozart). la Orquesta de Cámara de Múnich. Sabine Meyer. Londres (Wigmore Hall). El Cuarteto Meta4 actuó por primera vez como Cuarteto Joven en el XV Liceo de Cámara. de Anselmo Bellosio. concierto en el que estrenó la obra Bach is the name de Jorge Fernández Guerra. Veronika Hagen. la Royal Philharmonic Orchestra. Heinz Holliger. propietaria también de la viola Johannes Florenus Guidantus de 1737 que toca Atte Kilpeläinen. El Ministro de Cultura finlandés les ha entregado el Premio Finlandia. la Orquesta de Cámara de Mantua. En marzo de 2010 realizó una gira por China. la Orquesta Filarmónica Checa. Utrecht (Vredenburgh). ámsterdam (Concertgebouw). Alexander Lonquich actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Holmström y Heiniö.

la Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. Montecarlo y Toulouse. Grecia. la Orquesta Nacional de Francia. como los de Gstaad. Wolfgang Sawallisch. Finlandia. la Orquesta de la Suisse Romande y las orquestas de cámara de Lausana y Zúrich. Kurt Masur. como el Wigmore Hall de Londres y los festivales de Aldeburgh. Suecia. Jesús López Cobos. la Orquesta de Cámara de Europa. Arditti y Meta4. la Orquesta de Santa Cecilia de Roma. el Trío Kungsbacka e instrumentistas como Pekka Kuusisto. Ha colaborado con los Cuartetos Belcea. Daniel Harding. Bel-Air. Claudio Abbado. ha tocado como clarinetista invitado junto a la Orquesta de Cámara de Europa. la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino. las Orquestas Sinfónicas de Montreal. Lille. la Sinfónica de la NDR de Hamburgo. Lichfield. el Ensemble Orquestal de París. Daniel Barenboim. Participa habitualmente en el seminario internacional IMS Prussia Cove y formó parte del grupo que fue premiado en 2008 con el Premio de Música de Cámara de la Royal Philharmonic Society por un ciclo de conciertos ofrecidos durante el otoño de 2007. Rumanía. así como en Suiza. Pinchas Steinberg y Hugh Wolff. Alemania. Ha tocado como solista junto a orquestas como la Sinfónica de la Radio Bávara. St. En noviembre de 2002 debutó con la Filarmónica de Berlín y Bernard Haitink. así como en salas como la Musikverein de Viena. tocando bajo la dirección de maestros como Pierre Boulez. Charles Dutoit. clarinete Comenzó su educación musical como miembro del coro de la Catedral de Lichfield. la Orquesta de Cámara Mahler. Posteriormente estudió en la Guildhall School of Music y junto a Pascal Moraguès en París. Elias. Franz Welser-Möst y. Junto a la Orchestre de Paris y Christoph Eschenbach realizó una gira por China en noviembre de 2004 y otra por Alemania en febrero de 2005. Christoph Eschenbach. la Sinfónica de la Radio de Suecia. Emily Beynon.Matthew Hunt. la Real Orquesta Danesa. Thomas Adès y Konstantin Lifschitz. la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín. Renaud Capuçon. Deauville. Philippe Jordan. En 2011 fue nombrado Chevalier dans l’Ordre National du Mérite por el Gobierno francés. Cassis. y en julio de 2004 con la Orquesta Sinfónica de Boston y Christoph von Dohnányi. comenzó sus estudios en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París en las clases de Gérard Poulet y Veda Reynolds. donde han tocado en la serie de conciertos del CDMC. Périgord Noir o la Schubertiade de Schwarzenberg. Houston y Jerusalén. nació en Chambéry en 1976. la Filarmónica de Tokio. Semyon Bychkov. la Joven Orquesta Gustav Mahler. Posteriormente completó su formación con Thomas Brandis en Berlín y con Isaac Stern. Seiji Ozawa. por supuesto. Lyon. Christian Arming. Ivan Fischer. ha tocado en diversos festivales. Su actividad profesional se centra en el Ensemble 360 y en la Deutsche Kammerphilharmonie. en la que toca como clarinete solista. Charlottesville y Newhaven. la Real Orquesta del Concertgebouw y las principales orquestas británicas. la Sinfónica de la NHK. Lawrence Power. Myung-Whun Chung. España e India. John Nelson. la Orquesta Tchaikovsky de la Radio de Moscú. Michael Schønwandt. Vladimir Fedoseyev. Denis. ambos registros para el sello EMI. Ha grabado el Quinteto con clarinete de Brahms con Paul Meyer y El carnaval de los animales y el Septeto de Camille Saint-Saëns. En 2000 obtuvo el premio Victoires de la Musique al “Artista Revelación del año” y en 2005 al “Solista Instrumental del año”. Como músico de orquesta. Hans Graf. Francia. fue concertino de la Joven Orquesta Gustav Mahler durante tres veranos. violín. bajo la batuta de directores como Roberto Abbado. Emmanuel Krivine. la Filarmónica de Radio France. 136 137 . Armin Jordan. la Orquesta de París. Marc Minkowski. Cheltenham. la Sinfónica de Bamberg. Marc Albrecht. Jean-Claude Casadesus. Edimburgo. Ha participado en la grabación de numerosas bandas sonoras y ha grabado las partes de clarinete solista para las películas Love Actually y Orgullo y prejuicio. Matthew Hunt actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Italia. las orquestas de Burdeos. la Orquesta Filarmónica della Scala de Milán. El pasado verano debutó en los Proms de la BBC interpretando el Doble Concierto de Brahms y el Triple Concierto de Beethoven junto a su hermano Gautier y a Frank Braley y la Orquesta Filarmónica de Radio Francia dirigida por Myung-Whun Chung Cuarteto Capuçon Fundado en 2001 por los hermanos Capuçon. David Robertson. entre otros. Invitado por Claudio Abbado en 1997. Natalie Clein. Thomas Dausgaard. Japón. Leif Segerstam. Como solista y como músico de cámara ha tocado en festivales y salas de conciertos de todo el mundo. la Cité de la Musique y la Salle Pleyel de París o el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Gunther Herbig.

San Sebastián. el Concierto de Dutilleux junto a la Orquesta Filarmónica de Radio France y Myung-Whun Chung. Jerusalén. Aix-en-Provence. adquirido para él por la Banca della Svizzera Italiana. Augustin Dumay. Menton. Bel-Air. Saint-Denis. Lucerna. convirtiéndose en la única violista en la clase de Pinchas Zukerman en la Manhattan School of Music. Yefim Bronfman. Lockenhaus. a la que regresa durante dos meses al año junto a directores como Claudio Abbado. Nikolaus Harnoncourt y Frans Brüggen. el disco Inventions. Completó su formación musical estudiando con Yuko Mori y György Kurtág. como primer atril. Es invitado habitual de festivales como el Mostly Mozart de Londres. XVII. Miembro del Cuarteto Capuçon y de Musique Oblique.Renaud Capuçon suele interpretar música de cámara junto a solistas como Martha Argerich. Aki Saulière es asistente de Yuko Mori en el Chicago College of Music. Aix-en-Provence. de la que fue miembro hasta 1999. comenzó a estudiar violín a los siete años en el Conservatorio de Versalles y a los diecinueve años. el violonchelista Gautier Capuçon. Ha actuado en las ediciones XIV. Realizó también un curso de perfeccionamiento en el Mozarteum de Salzburgo y dos años en la Academia Karajan de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Saint-Saëns. Edimburgo. Katia y Marielle Labèque. música de cámara de Ravel junto a su hermano. tras pasar algún tiempo en Israel. Vadim Repin. con Louis Langrée y Antoine Tamestit. los Tríos de Brahms con Gautier Capuçon y Nicholas Angelich. Renaud Capuçon toca un violín Guarneri del Gesù de 1737. Sus últimas grabaciones para Virgin Classics son las Sonatas de Brahms junto a Nicholas Angelich. de Berlioz. Jean-Yves Thibaudet. Edimburgo. Ha actuado con agrupaciones como la Orquesta Filarmónica de Berlín. la Folle Journée de Nantes. donde estudió con el profesor Haim Taub. Verbier. Berliner Festspiele. o Tríos de Mendelssohn y Haydn y el Triple Concierto de Beethoven junto a Martha Argerich (EMI). Su última grabación contiene la obra de cámara completa de Gabriel Fauré. Truls Mørk y Paul Meyer. como Newport. Como artista exclusivo de Virgin Classics. ha participado en numerosos festivales. Estrasburgo y Tanglewood. el Doble Concierto y el Quinteto con clarinete de Brahms. Daniel Barenboim. la Orquesta Sinfónica de Londres y la Camerata de Salzburgo. Stavanger. Mikhail Pletnev. ha sido invitada con asiduidad por Renaud Capuçon a participar en festivales como los de Deauville. Milhaud y Ravel con la Deutsche Kammerphilharmonie bajo la batuta de Daniel Harding. los Tríos de Schubert con Gautier Capuçon y Frank Braley. y Frank Braley. Actualmente es la primera viola de la Orquesta de Cámara Mahler y. 1 y 3 y la Sinfonía concertante de Mozart junto a la Orquesta de Cámara de Escocia. Berlín. “Panette”. comenzó sus estudios musicales en Francia con Marie-Claude Theuveny y prosiguió su formación en la Guildhall School of Music and Drama de Londres con David Takeno. los Conciertos de Korngold y Beethoven junto a la Filarmónica de Róterdam dirigida por Yannick Nézet-Séguin. violín. Myung-Whun Chung. Ha sido durante quince años el director de los Rencontres Musicales de Bel-Air en su localidad natal de Chambéry. Elena Bashkirova. un disco a dúo con su hermano. Gérard Caussé y Nicholas Angelich. ha sido la primera violinista francesa en formar parte de la Orquesta de Cámara de Europa. Bel-Air y Tautavel. Hélène Grimaud. Schubertiade de 138 139 . Yuri Bashmet. Béatrice Muthelet. los Cuartetos para piano de Brahms con su hermano Gautier. Tras su regreso a Francia en 1998. La Roque d’Anthéron. Por otra parte. Brescia-Bergamo. los Conciertos núms. Stephen Kovacevich. la integral de las Sonatas para violín y piano de Beethoven con Frank Braley. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Lucerna. También es miembro fundadora de la Orquesta del Festival de Lucerna creada por Claudio Abbado. Denis. Sus discos han recibido numerosos premios. Recibió una beca para estudiar en Nueva York y se trasladó allí. Gérard Caussé y Jian Wang (Deutsche Grammophon). Verbier. a dúo junto a su hermano Gautier. ha sido invitada a tocar junto a orquestas como la Deutsche Kammerphilharmonie y la Gewandhaus de Leipzig. XVIII y XIX del Liceo de Cámara. ha grabado obras de Schubert. Heimbach. decidió dedicarse a la viola. el Quinteto “La Trucha” de Schubert y Conciertos de Mendelssohn y Schumann con la Orquesta de Cámara Mahler dirigida por Daniel Harding. l’Empéri. viola. Stresa. A los veintidós años regresó a Europa e ingresó en la Academia Karajan de la Orquesta Filarmónica de Berlín. que perteneció a Isaac Stern. Entre sus grabaciones se encuentran el Quinteto con piano de Schumann junto a Maria João Pires. Es fundadora del Kyoto Ensemble y del Nagaokakyo Chamber Ensemble. Aki Saulière. XVI. St. actúa regularmente en Japón en conciertos de música de cámara. Como intérprete de música de cámara.

Vadim Repin. Estrasburgo. Entusiasta de la música de cámara. Viktoria Mullova. Lucerna. La Roque d’Anthéron y Tokio. Joshua Bell. Lockenhaus. Kent Nagano. a dúo junto a su hermano Renaud. Londres. Jerusalén y Lieja. Menton. Berlín (invitado por Claudio Abbado). En 2005 participó en numerosos homenajes a Friedrich Gulda junto a Martha Argerich. Stephen Kovacevich. y un recital junto a la pianista venezolana Gabriela Montero. el Segundo Premio en el Concurso Internacional de Violonchelo de Christchurch (Nueva Zelanda) y el Primer Premio en el Concurso André Navarra de Toulouse. un recital de dúos con Renaud. Clemens Hagen y Alois Posch. Pierre Boulez. Prokofiev y Rachmaninov. Lille. y la Sinfonía de cámara de Schoenberg. Sus últimos discos son Inventions. Belgrado. así como el Trío de Shostakovich con Martha Argerich y Maxim Vengerov. En 1999 obtuvo el Primer Premio en la Academia de Música Maurice Ravel de San Juan de Luz. la Sinfónica de la Radio Bávara. también junto a Christian Tetzlaff y Alban Gerhardt. Ha actuado. Hélène Grimaud. con Christian Tetzlaff y Boris Pergamenchikov. el Quinteto “La Trucha” de Schubert. así como su grabación de la Sinfonía concertante de Prokofiev y las Variaciones Rococó de Tchaikovsky con la Orquesta del 140 141 . Delft y Pisa. Maxim Vengerov. la Sinfónica de Malmö. Ha participado en dos grabaciones de EMI: el Quinteto en Sol menor de Mozart. Yuri Bashmet. donde estudió violonchelo con Annie Cochet-Zakine y piano con Christophe Egiziano. Ingresó en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París. Dresde. Davos. Gérard Caussé. Verbier. París y Viena. en Europa. Lilya Zilberstein. actúa regularmente junto a Martha Argerich. la Filarmónica de Montecarlo. Steven Isserlis. Daniel Barenboim. con la Filarmónica de Berlín y Gustavo Dudamel y con la Orquesta Sinfónica de Londres y Valery Gergiev en la Konzerthaus de Viena.Schwarzenberg. Stresa. la Orquesta de Cámara de Europa y Myung-Whun Chung. el Doble Concierto y el Quinteto con clarinete de Brahms. entre muchas otras ciudades. Bruno Canino. Emmanuel Pahud. la Filarmónica de Radio France. como miembro de la Joven Orquesta de la Comunidad Europea y la Joven Orquesta Gustav Mahler. Isabelle van Keulen. Emmanuel Pahud. el Cuarteto Ysaÿe y su hermano Renaud. El pasado verano debutó en los Proms de la BBC interpretando el Doble Concierto de Brahms y el Triple Concierto de Beethoven junto a su hermano Renaud y a Frank Braley y la Orquesta Filarmónica de Radio Francia dirigida por MyungWhun Chung. Toulouse. Gérard Caussé. Estrasburgo. entre otros. Mikhail Pletnev. Mostly Mozart (Londres) y el Festival Martha Argerich de Lugano. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. ha grabado música de cámara de Ravel junto a su hermano Renaud y Frank Braley. Spoleto. Rheingau. la Sinfónica de Montreal y. Jean-Yves Thibaudet. el Ensemble Orquestal de París. Múnich. También ha grabado para EMI Tríos de Mendelssohn y Haydn junto a Martha Argerich y su hermano. Seiji Ozawa y Claudio Abbado. Como artista exclusivo de Virgin Classics. Gabriela Montero. San Sebastián (con la Orquesta Sinfónica de la WDR y Semyon Bychkov). junto a instrumentistas como Lars Vogt. Hélène Grimaud. Paul Gulda. Bruselas. Paul Meyer. las orquestas sinfónicas de la BBC de Escocia y de Gales. posteriormente completó su formación con Philippe Muller en París y Heinrich Schiff en Viena. Conciertos de Haydn con la Orquesta de Cámara Mahler dirigida por Daniel Harding. violonchelo. Ha ofrecido recitales en Berlín. Más recientemente ha salido al mercado un disco con el Concierto para violonchelo de Dvořák con la Orquesta de la Radio de Fráncfort y Paavo Järvi. Saint-Denis. Daniele Gatti. entre otros. Michel Dalberto. la Orquesta Tchaikovsky de la Radio de Moscú y Vladimir Fedoseyev. en los festivales de Divonne. Edimburgo. Escocia y Zúrich. En 1997-1998. Kolja Blacher. Sarah Chang. Pascal Rogé. La Roque d’Anthéron. Oleg Maisenberg. Ha actuado junto a las orquestas de Burdeos. Gautier Capuçon. interpretando su Concierto para violonchelo en Buenos Aires. Jerusalén. la Orquesta de Santa Cecilia de Roma. Frank Braley. la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín. obteniendo el Primer Premio de violonchelo. Myung-Whun Chung. tuvo la oportunidad de tocar junto a directores como Bernard Haitink. la Orquesta de París y Christoph Eschenbach y la Sinfónica de Houston. Nikolaj Znaider. Bruselas. la Filarmónica de Múnich y Paavo Järvi. Nicholas Angelich. la Sinfónica de Boston. En la presente temporada tiene previsto su debut con la Sinfónica de Chicago. con obras de Mendelssohn. Wolfram Christ. comenzó a estudiar violonchelo a los cinco años en su ciudad natal. Katia y Marielle Labèque. Hannover. nació en Chambéry en 1981. las Orquestas de Cámara de Viena. Paul Meyer. música de cámara de Saint-Saëns y los Tríos de Brahms con Renaud Capuçon y Nicholas Angelich.

Teatro Mariinsky dirigida por Valery Gergiev. Sus grabaciones han recibido numerosos premios. La adquisición del arco Dominique Peccatte que utiliza Gautier Capuçon ha sido posible gracias a una colaboración con el Grupo Colas, quien también ha coproducido, junto a Virgin Classics, su última grabación con Valery Gergiev. Desde 2007 es embajador del proyecto Zegna & Music, que fue creado en 1997 como una actividad filantrópica para promover la música y sus valores. En febrero de 2001 fue nombrado “Nuevo Talento del Año” por la revista francesa Victoires de la Musique. En 2004 recibió el Premio Echo de la Televisión Alemana y un premio de la Fundación Borletti-Buitoni. Gautier Capuçon toca un violonchelo de Matteo Goffriller de 1701, cedido por la Banca della Svizzera Italiana. Ha actuado en las ediciones XIV, XVI, XVII, XVIII y XIX del Liceo de Cámara.

Respondiendo a la invitación de Maria João Pires desde el seno de la Fundación Caja Duero, Caussé se ha encargado de crear y dirigir la Camerata de la Fundación Caja Duero, con sede en Salamanca, que está integrada por jóvenes músicos. Este trabajo busca realizar una aproximación experimental a todos los repertorios. Caussé actúa y graba habitualmente con músicos tan conocidos como Maxim Vengerov, Frank Peter Zimmermann, Renaud y Gautier Capuçon, Charles Dutoit, Kent Nagano, Gidon Kremer, Emmanuel Krivine, Nicholas Angelich, Frank Braley, Jean-Philippe Collard, Maria João Pires, Augustin Dumay, François-René Duchable, Paul Meyer, Michel Portal y Emmanuel Pahud. Su discografía se compone de más de treinta grabaciones en diversos sellos, que incluyen el Quinteto “La trucha” de Schubert para Virgin Classics, un recital con obras de Lévinas y Hindemith para el sello Aeon, obras de Bloch para viola y orquesta junto a la Orquesta de la Suisse Romande y la grabación del concierto Le cyprès blanc de Hugues Dufourt, estrenado por Gérard Caussé en 2004 en el Festival de Música de Estrasburgo junto a la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo (grabado para el sello Timpani). Gérard Caussé imparte clases de viola en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París y en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid. Es director del Festival de Música Florilegio y de la Orquesta de la Fundación Caja Duero en Salamanca. Gérard Caussé toca un excepcional instrumento construido por Gasparo da Salò en 1560. Actuó junto a Renaud y Gautier Capuçon en las ediciones XIV y XIX del Liceo de Cámara.

Gérard Caussé, viola
Alcanzó el reconocimiento internacional a mediados de los años setenta como miembro fundador y viola solista del Ensemble Intercontemporain. Ha actuado también como solista con la mayoría de las grandes orquestas internacionales en un amplio repertorio que abarca desde el Barroco hasta Bruch, Berlioz, Bartók, Stravinsky, Britten, Walton y Martinů, pasando por Mozart quien, según el propio Caussé, fue el primero en comprender el papel de árbitro de la viola. Dedicado igualmente a fomentar el repertorio de su instrumento, cuenta con más de veinte conciertos escritos expresamente para él, entre los que se encuentran los de Philippe Hersant, Michaël Levinas, Pascal Dusapin y Hugues Dufourt. Recientemente ha estrenado en Europa el Doble Concierto para viola y clarinete de Wolfgang Rihm junto a Michel Portal y la Orquesta Nacional de Francia. De 2002 a 2004 Gérard Caussé fue director artístico de la Orquesta de Cámara Nacional de Toulouse, junto a la que actuó como director y solista. Recientemente ha actuado con la Orquesta Nacional de Francia, Orquesta de la Suisse Romande, Orquesta Nacional de Lille y Jean-Claude Casadesus, la Orquesta Filarmónica de Montpellier y Yoel Levi, la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo y Emmanuel Krivine, la Orquesta Sinfónica de São Paulo y John Neschling y la Orquesta del Capitolio de Toulouse.

Yan Levionnois, violonchelo
Nacido en 1990, comenzó a tocar con su padre, violonchelo solista de la Orquesta Filarmónica de Radio Francia, para posteriormente estudiar con Xavier Richard y Marc Coppey. En 2006 ingresó en la clase de Philippe Muller en el Conservatorio Superior de Música de París, donde obtuvo un Primer Premio en 2009. Ha recibido también asesoramiento de Natalia Shakovskaia, Natalia Gutman, Gary Hoffman y Jean-Guihen Queyras.

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Ha obtenido el Gran Premio en el Concurso Internacional André Navarra en 2008, el Primer Premio en el Concurso Rostropovich de Londres en 2009, y el Segundo Premio y el premio a la mejor interpretación en el Concurso Internacional de Música Francesa “Note et Bien”. Ha interpretado como solista los Conciertos de Haydn, Schumann, Dvořák, Lalo, Elgar, Shostakovich, Tchaikovsky (Variaciones sobre un tema rococó) y SaintSaëns (Concierto nº 1) junto a agrupaciones como la Orquesta Nacional del Capitolio de Toulouse, la Orquesta de Burdeos, la Orquesta de Cámara de Praga, el conjunto Les Dissonances y con el grupo de violonchelos de la Orquesta de París, interpretando Messagesquisse de Pierre Boulez. Ha ofrecido recitales en el Wigmore Hall de Londres y ha participado en los festivales de Bel-Air, Auvers-sur-Oise, Cordes sur Ciel, Deauville, La Roque d’Anthéron, los Encuentros Musicales de Santander, el Festival Pablo Casals de Prades y las Folles Journées de Nantes. En música de cámara, ha compartido escenario con Augustin Dumay, Svetlin Roussev, Gérard Caussé, Frank Braley, David Guerrier, Zakhar Bron, Nelson Goerner, el Cuarteto Ebène, Renaud Capuçon y Nicholas Angelich. Esta temporada ha sido invitado por la Orquesta de Bretaña (con el Concierto de Haydn), la Orquesta de Toulouse (Dutilleux), la Sinfónica de Cape Town y la Orquesta Filarmónica de Londres, además de actuar en diferentes festivales. Ha sido seleccionado para participar en el programa Déclic de CulturesFrance, lo que le reportará actuaciones en América Central. Asimismo ha recibido una beca de la Banca della Svizzera Italiana de Lugano. Toca un violonchelo de Patrick Robin de 2005 y actúa por primera vez en el Liceo de Cámara.

Desde 1983 hasta 2008 fue solista de contrabajo de la Staatsoper de Viena y de la Orquesta Filarmónica de Viena. Después de trabajar durante cuatro años como profesor invitado en la Hochschule für Musik und darstellende Kunst del Mozarteum de Salzburgo, pasó a ocupar desde 1993 una cátedra de contrabajo en la Universität für Musik und darstellende Kunst de Viena. Es primer contrabajo de la Orquesta del Festival de Lucerna y de la Orchestra Mozart de Bolonia, ambas bajo la dirección de Claudio Abbado. Ha sido invitado a numerosos festivales internacionales y ha colaborado con los más importantes solistas y grupos de cámara europeos, incluido el Cuarteto Alban Berg o los hermanos Renaud y Gautier Capuçon, con los que ha realizado numerosas grabaciones discográficas. Toca un contrabajo vienés de Johann Joseph Stadlmann construido en 1779. En el XIX Liceo de Cámara tocó como miembro de un octeto integrado por grandes solistas internacionales y junto con el Ensemble Waldstein el Quinteto “La trucha” de Franz Schubert, la misma obra que tocó en el XII Liceo de Cámara junto con el Cuarteto Alban Berg y Elisabeth Leonskaja.

Nicholas Angelich, piano
Nacido en Estados Unidos en 1970, Nicholas Angelich comenzó a estudiar piano con su madre a los cinco años. Dos años después ofreció su primera actuación interpretando el Concierto K467 de Mozart. A los trece años ingresó en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París, donde estudió con Aldo Ciccolini, Yvonne Loriod y Michel Beroff, obteniendo el Primer Premio de piano y música de cámara. También trabajó con Marie-Françoise Bucquet. Nicholas Angelich continuó su formación asistiendo a las clases magistrales de Leon Fleisher, Dimitri Bashkirov y Maria João Pires. En 1989 ganó el Segundo Premio del Concurso Internacional de Piano Robert Casadesus de Cleveland y en 1994 el Primer Premio del Concurso Internacional de Piano Gina Bachauer. En 1996 fue invitado como músico residente de la Fundación Internacional de Piano de Cadenabbia (Italia). En 2002 recibió de Leon Fleischer el “Premio al Joven Talento” del Festival Internacional de Piano del Ruhr (Alemania), tras lo cual fue invitado a actuar allí en junio de 2003.

Alois Posch, contrabajo
Nacido en 1959 en Steiermark (Austria), empezó a estudiar a los diez años piano y violín. A los catorce años dio sus primeras clases de contrabajo y el año siguiente ya fue admitido en la Hochschule für Musik und darstellende Kunst de Graz, donde tuvo como profesor a Johannes Auersperg. Después de ganar diversos concursos se presentó a los dieciocho años a las audiciones de la Orquesta Filarmónica de Viena, tras las cuales entró a formar parte de la agrupación, concluyendo sus estudios el año siguiente.

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Ha actuado con la Orquesta Nacional de Francia y Marc Minkowski, la Orquesta Filarmónica de Radio France y Paavo Järvi, la Orquesta Nacional de Lyon y David Robertson, la Orquesta Nacional de Burdeos y Yutako Sado, la Orquesta Nacional de Lille y Matthias Bamert, la Orquesta Filarmónica de Montecarlo y Jesús López-Cobos y Kenneth Montgomery, la Orquesta de Lieja y la Orquesta Sinfónica de San Petersburgo con Alexandre Dimitriev, las orquestas de Estrasburgo y Montpellier con Jerzy Semkow, la Orquesta de Toulouse y Jaap van Zweden en ámsterdam y Yannick Nézet-Séguin en San Sebastián, la Orquesta de Cámara de Lausana y Christian Zacharias, la Orquesta de la SWR de Baden-Baden y Michael Gielen, la Orquesta de la Radio de Fráncfort y Hugh Wolf, además de ofrecer recitales en Hannover, Múnich, Ginebra, ámsterdam, Bruselas, Luxemburgo, Roma, Lisboa, Brescia, Tokio y París. En mayo de 2003 debutó con la Filarmónica de Nueva York y Kurt Masur en el Lincoln Center. Con este mismo director realizó una gira por Japón en abril de 2004 con la Orquesta Nacional de Francia. Fue invitado al Festival de Verbier en 2003 y 2005 y al Festival Martha Argerich en Lugano. Recientemente ha actuado con la Filarmónica de Londres y Kazuchi Ono y ha ofrecido recitales en Londres, ámsterdam, París, Lyon, Milán y Ginebra. Vladimir Jurowski lo invitó a abrir juntos la temporada 20072008 de la Orquesta Nacional de Rusia en Moscú. Posteriormente ha actuado en España (Las Palmas, Castellón y Oviedo) junto a la Orquesta Nacional de España y Josep Pons, en Viena con la Tonkünstler Orchester y Kristjan Järvi, con la Filarmónica de Róterdam y la Orquesta Metropolitana de Montreal dirigidos por Yannick Nézet-Séguin (con quien debutó en los Proms de Londres en 2009), la Sinfónica de Atlanta y Emmanuel Krivine, la Orquesta Gürzenich de Colonia, la Orquesta de la Radio de Stuttgart y Roger Norrington, y ha tocado música de cámara en Japón con Akiko Suwanai y en Norteamérica con Renaud y Gautier Capuçon. Nicholas Angelich está ofreciendo en recital todas las Sonatas de Beethoven y los Años de Peregrinaje de Liszt en varios países (La Roque d’Anthéron, Toulouse y Nantes en Francia; Festival de Piano del Ruhr y Bayer Leverkusen en Alemania; La Lanaudière en Canadá; Washington en Estados Unidos; Brescia en Italia y Bilbao en España). También está muy interesado en la música del siglo xx de compositores como Rachmaninov, Prokofiev, Shostakovitch, Bartók y Ravel, además de Messiaen, Stockhausen, Pierre Boulez, Eric Tanguy y Pierre Henry, quien le dedicó su Concierto para piano sin orquesta.

Entusiasta de la música de cámara, toca junto a compañeros como Renaud Capuçon, Maxim Vengerov, Akiko Suwanai, Dimitri Sitkovetsky, Joshua Bell, Gérard Caussé, Alexander Kniazev, Gautier Capuçon, Jian Wang, Paul Meyer y los Cuartetos Ysaÿe, Prazak y Ebène. Ha grabado para Harmonia Mundi un recital con obras de Rachmaninov; para Lynx un recital con obras de Ravel; para Mirare los Años de Peregrinaje de Liszt (que obtuvo el “Choc” de la revista Le Monde de la Musique y fue “disco recomendado” por Classica/Répertoire) y un recital de Beethoven (Sonatas op. 26, op. 53, op. 111). Su gran proyecto con obras de Brahms para Virgin Classics incluye los Tríos junto a Renaud y Gautier Capuçon (“Preis der deutschen Schallplattenkritik”), las Sonatas para violín y piano junto a Renaud Capuçon (“Diapason d’Or”, “Choc” de Le Monde de la Musique, “Editor’s Choice” de Gramophone y “Excepcional” de Scherzo) y dos recitales: Baladas, Rapsodias y las Variaciones Paganini (“Choc” de Le Monde de la Musique) y los opp. 116, 117, 118 y 119 (“Choc” de Le Monde de la Musique, BBC Music Choice, “Excepcional” de Scherzo). Ha grabado un recital Beethoven junto a Akiko Suwanai para Decca y los dos Conciertos para piano y orquesta de Brahms junto a Paavo Järvi y la Orquesta de la Radio de Fráncfort (para Virgin Classics). Su última grabación en solitario está dedicada a las Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach y participa también en la integral de las obras de cámara de Gabriel Fauré publicada por Virgin Classics. Actuó por primera vez en el XVII Liceo de Cámara tocando dos conciertos con Tríos con piano de Haydn y Brahms con los hermanos Capuçon.

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Bélgica. 149 . ha sido colaborador en las ediciones revisadas del New Grove Dictorionary of Music and Musicians (2001) y del Oxford Companion to Music (2002). Asimismo. Italia. Rodríguez Musicólogo y crítico musical. Ha publicado diferentes trabajos sobre historia de la música española de los siglos xvii al xix. interpretación musical y discología. Polonia. y es asiduo colaborador en los programas de mano del Auditorio Nacional. Además de su labor docente e investigadora. mantiene una importante actividad como crítico y divulgador musical. Francia. así como también en las revistas Audio Clásica y Scherzo. Irlanda.Pablo-L. Reino Unido. Teatro Real y Gran Teatre del Liceu. es doctor en Musicología por la Universidad de Zaragoza y profesor de la licenciatura de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de La Rioja. Suiza y Holanda. y ha participado en diferentes congresos de musicología tanto en España como en Portugal. y en el Boletín discográfico de Diverdi.

Índice Presentación Programas Crónicas musicales del estilo tardío por Pablo-L. Rodríguez Padre e hijo Adioses clásicos: Mozart y Haydn La esencia del Spätstil: Ludwig van Beethoven Un aluvión de despedidas Nuevos caminos: Schumann y Brahms El corazón apesadumbrado: Franz Liszt Precursores y epígonos. centro y periferia Musicien(s) français Vientos del este (y del oeste) Amistades tardías (tras el Telón de Acero) 3 9 33 35 43 50 56 62 71 74 81 84 89 95 Biografías de los intérpretes .

ª Mercedes Rojo Izquierdo D. José María de la Riva Amez D.ª Carmen Cafranga Cavestany D. Juan José Azcona Olóndriz D. Jorge Gómez Moreno D.ª Enedina álvarez Gayol D. Luis Blasco Bosqued D. José Antonio Moral Santín D.PATRONATO DE LA FUNDACIÓN CAJA MADRID Presidente D.es . Jesús Pedroche Nieto D. Pedro Bedia Pérez D. Marcos Guerrero D. Arturo Fernández álvarez D. dirección y coordinación Luis Gago..L.fundacioncajamadrid. Virgilio Zapatero Gómez Secretario D. maquetación Tresigraf S.ª Mercedes de la Merced Monge D. Guillermo R. José Ricardo Martínez Castro D. Ignacio Navasqües Cobián D. director artístico Inés Fernández Arias. coordinadora área Gráfica Roberto Turégano. impresión www. José Manuel Fernández Norniella D. Javier López Madrid D. Miguel Crespo Rodríguez XX LICEO DE CáMARA Fundación Caja Madrid. Rodrigo de Rato Figaredo Patronos D. Estanislao Rodríguez-Ponga y Salamanca D. Francisco Baquero Noriega D. Ricardo Romero de Tejada y Picatoste D.

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