XX Liceo de cámara

temporada

2011/2012

opus ultimum

Con la colaboración del Ministerio de Cultura

temporada 2011-2012

Imagen de cubierta: Francisco de Goya. Perro Semihundido (1820-1823). Técnica mixta. Revestimiento mural. 131 x 79 cm. Museo del Prado. Madrid. © Archivo Oronoz.

XX Liceo de cÁmara

XX LICEO DE CÁMARA
TEMPORADA 2011-2012

Opus ultimum

AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA SALA DE CáMARA

ste año no es un compositor, ni una forma o género musical, ni siquiera una época, el hilo conductor que articula la programación de la vigésima edición del Liceo de Cámara. En esta ocasión se trata de un concepto temporal y, de resultas de ello, también estilístico, raras veces explorado en las programaciones. Opus ultimum hace referencia a las producciones artísticas (no solo necesariamente musicales) nacidas al final mismo de la trayectoria de sus autores. Se trata por ello, en principio, de obras nacidas en plena madurez, con un absoluto dominio de los recursos propios, si bien por regla general se derivan asimismo muchas otras connotaciones que hacen que estas obras, por distantes que estén en el tiempo y diversos que sean sus lenguajes, suelan compartir algunas características comunes. Este tipo de creaciones o Spätwerke, por utilizar su denominación alemana, pueden adoptar un tono de despedida, un leve, marcado o penetrante aire testamentario, más aún si, como sucede en muchos casos, nacieron al calor de la sospecha –o la certidumbre– de una muerte cercana. ¿Existe, como concepto significante, el “estilo tardío”? ¿Posee elementos identificativos propios que permitan discernir si una obra concreta es encuadrable o no en esa categoría? ¿Cabe hablar de estilo tardío en compositores que, como Franz Schubert o –un caso aún más extremo– Guillaume Lekeu, murieron recién iniciada la juventud? Nadie podría poner la mano en el fuego a la hora de responder, afirmativa o negativamente, cualquiera de estas preguntas. Karen Painter afirma, por ejemplo, que el “estilo tardío no existe en ningún sentido real”, pero a
3

E

3

fruto de las especulaciones contrapuntísticas de sus últimos años. adoptaron en sus últimos años un estilo notoriamente diferente de los anteriores cultivados por ellos mismos y que expresan. su Fantasía para violín y piano o sus Tres Piezas para piano D. Semejante división tripartita nos remite de inmediato a los inmortalizados por Wilhelm von Lenz en su clásico Beethoven et ses trois styles. los integrantes del Cuarteto Quiroga. del op. muchos de los últimos frutos nacidos de la creatividad de los más grandes artífices de la cultura occidental. la esencia de su pensamiento musical. Con las limitaciones obligadas que impone la necesidad de circunscribirse al ámbito de la música de cámara. hasta tal punto desligadas de consideraciones prácticas que. Lo cierto es que el XX Liceo de Cámara mostrará a lo largo de sus dieciocho conciertos que la caracterización de “estilo tardío” aplicada a muchos compositores no es un capricho de los musicólogos. que constituye la razón de ser de este ciclo. lo que convierte a estos compases en el verdadero canto del cisne de uno de los compositores más feraces de la historia. muchas de ellas reveladoras de su precaria salud mental. El arte de la fuga (aquí contrapuesta al Cuarteto op. algunos de los cuales no llegarían a cristalizar hasta varias décadas después de la muerte del austríaco. Instalados ya en el Romanticismo. podremos admirar páginas infrecuentes del ultimísimo Schumann (Märchenbilder. publicado en 1852. 77 nº 1) y el op. de quien sonarán sus dos obras más emblemáticas en este sentido. los Vier ernste Gesänge. formas y lenguajes premonitorios de estilos futuros. asimismo. de Bach a Richard Strauss. remo- zado para la ocasión por quienes serán sus intérpretes. por ejemplo. las Sonatas para viola y piano o una selección de sus últimas colecciones de piezas pianísticas. De su coetáneo Franz Schubert se han programado sus dos tríos con piano. para abrir la temporada. que se erigieron desde su nacimiento mismo en su verdadero testamento musical. El caso paradigmático de Beethoven (cuyo Spätstil fue estudiado en un famoso ensayo por el filósofo Theodor W.la vez es coeditora de un libro (Late Thoughts: Reflections on Artists and Composers at Work) que explora y reflexiona justamente sobre aquello cuya existencia viene a desmentir. Gesänge der Frühe. destilada. Es el caso. de Johann Sebastian Bach. su visionario Cuarteto de cuerda en Sol mayor y su Quinteto de cuerda. al menos uno juvenil y otro de madurez. 95 al op. que quedó inconcluso. obras nacidas todas ellas en los últimos meses de su vida (en los que el genio schubertiano produjo un aluvión sin precedentes de obras maestras) y que muestran. el Réquiem en un arreglo para cuarteto de cuerda de su contemporáneo Peter Lichtenthal. como se hará durante esta temporada. para un instrumento concreto. 135 de Beethoven) y la Ofrenda musical. 946. Un hipotético estilo tardío parece presuponer de algún modo estilos anteriores diversos: por resumir. sino también maneras. por ejemplo. la segunda Sonata para violín y piano). ya que fue el género al que dedicó sus últimos esfuerzos como creador. sino que tiene sentido –y resulta enormemente instructivo– escuchar reunidos. no solo su estilo de última época. Adorno y que es el músico en quien el concepto parece encajar como anillo al dedo) podrán escucharse todos sus últimos cuartetos de cuerda. 135. al menos stricto sensu. ya que su autor confesó no tener ya fuerzas y sentirse demasiado viejo para seguir componiendo. los dieciocho conciertos del XX Liceo de Cámara intentan ofrecer una panorámica lo más completa posible de cómo los compositores. De Wolfgang Amadeus Mozart sonará. la totalidad de El arte de la fuga o varios de los cánones de la Ofrenda musical ni siquiera están concebidos. De Haydn podrá oírse uno de sus dos últimos cuartetos completados (el op. un pequeño rosario de confesiones íntimas de un hombre solo y en- 4 5 . Brahms nos dejó en los últimos años de su vida una serie de composiciones con un inequívoco carácter de adiós (de la creación y de la propia vida) y en el XX Liceo de Cámara sonarán varias de ellas: el Quinteto con clarinete. 103.

la partitura que encarna quizá como ninguna otra el concepto de opus ultimum. asimismo. Varias de sus extrañas y visionarias piezas para piano compuestas al final de su dilatada vida sonarán en dos conciertos. Alois Posch. el Cuarteto Arcanto. sino también el final de toda una época. solo cabe el silencio). su obra más conocida y un ejemplo señero de “estilo tardío”. no especialmente frecuentadas. es el concierto de clausura de la temporada. pero de una calidad indiscutible. Antoine Tamestit (que deslumbró en el XIX Liceo de Cámara con su recital para viola sola). el Cuarteto de Tokio. Tabea Zimmermann (habitual como integrante del Cuarteto Arcanto. Hacen también su debut la cantante holandesa Christianne Stotijn. Aunque más breve. la Sonata para violín y piano o la Sonata para viola y piano de Dmitri Shostakovich. como el Cuarteto nº 3 de Britten. de quien está conmemorándose en 2011 el segundo centenario de su nacimiento. el gran y experimentado pianista británico Roger Vignoles. En él sonarán obras de Guillaume Lekeu (su extraordinario Cuarteto con piano. del Cuarteto nº 15. incluido su propio Quinteto con clarinete. Liszt (cinco de sus piezas para piano de sus últimos años y la versión para cuarteto de cuerda de Am Grabe Richard Wagners) y Richard Strauss (la versión original para septeto de cuerda de Metamorfosis. como el Cuarteto Pavel Haas. Vuelven al Liceo de Cámara grupos habituales en los últimos años. Especialmente reseñable. todas ellas escritas al borde mismo de la muerte. De este último se ha programado también su Sonata para violín y piano. pero líder en esta ocasión de una pequeña formación barroca con instrumentos históricos). Hanna Weinmeister (en el que será también su primer recital como solista en el Liceo de Cámara) o Jan Söderblom (que presentará en España a su flamante trío). que quedó inconcluso tras su muerte y fue completado por su maestro Vincent d’Indy). todas igualmente sombrías y desesperanzadas. Gérard Caussé. 106 de Dvořák. Pieter Wispelwey. por su ambición y por las propias obras que integran el programa. aunque no tan veteranos.fermo. junto a otros que. Kirill Gerstein. estábamos deseando volver a escuchar. una de las voces más prometedoras de la actualidad. que escucharemos en su versión original para sexteto de cuerda junto a otra música poco programada y muy representativa del a un tiempo melancólico y vitalista estilo de última época de su autor: el Souvenir de Florencia de Tchaikovsky. Cédric Tiberghien (que tan excelente impresión causó en sus recitales con Alina Ibragimova en el XVIII Liceo de Cámara). Otro compositor que apuntó nuevos rumbos en sus últimas obras fue Franz Liszt. el Cuarteto Quiroga. tres maneras diferentes de entonar una despedida de este mundo por parte del compositor soviético. la Sonata para violín y piano y la Sonata para violonchelo y piano de Debussy. Indudable carácter testamentario tienen también otras músicas. de obra que refleja aquí no solo el fin de una vida. Otro tanto puede decirse de las diversas composiciones de Max Reger programadas en dos de los conciertos. que será el encargado de inaugurar la temporada. la violinista alema- 6 7 . Fauré (su Trío con piano. en el ambicioso programa monográfico dedicado al último Brahms. contemporáneo del ya citado cuarteto). Es el caso. Daniel Sepec (también habitual como miembro del Cuarteto Arcanto. como los hermanos Capuçon (que tocarán en esta ocasión por primera vez con su propio Cuarteto). el Cuarteto op. el Cuarteto Meta4 o el Cuarteto Hagen. También regresan nombres familiares como los de Isabel Charisius (antigua violista del Cuarteto Alban Berg). el Cuarteto nº 3 de Viktor Ullmann o los cuartetos de Gabriel Fauré y César Franck. Nos visitan por primera vez un cuarteto joven emergente del panorama español. el Cuarteto Ebène y el Cuarteto Belcea. de ese mundo del ayer: después de una música así. pero que ofrecerá su primer recital como solista en el Liceo de Cámara). idéntico espíritu se trasluce en el Preludio de Capriccio de Richard Strauss.

y que continúa felizmente con nosotros. el respaldo incondicional e ininterrumpido que ha recibido desde 1992 por parte de la Fundación Caja Madrid y recordar. Antonio Moral. y que tan buena música sin duda va a depararnos. responsable de la coordinación del ciclo desde el comienzo mismo. Es de justicia agradecer. Luis Gago Programas 8 . justamente al conmemorar los veinte años de existencia del Liceo de Cámara. al que fuera su fundador y director artístico durante las primeras catorce ediciones. no acabe revistiéndose de tintes premonitorios y podamos seguir celebrando juntos muchas más efemérides de la que se ha consolidado como una de las series de conciertos de música de cámara más respetadas de Europa. ideado y desarrollado antes del brutal azote de la crisis. aún mantiene la cabeza enhiesta y parece empeñado en ascender la pendiente que se levanta –amenazante– ante él. el clarinetista Matthew Hunt (que interpretará los Quintetos de Brahms y Reger con el Cuarteto Meta4) o el joven y prometedor violonchelista francés Yan Levionnois. y que podemos admirar en toda la grandeza de su pequeño formato en el Museo del Prado. El perro semihundido de Goya que nos acompaña en la cubierta. Solo cabe esperar que nuestro lema de este año. también con gratitud. Opus ultimum. el que servirá de inmejorable tarjeta de felicitación por su vigésimo aniversario.na Isabelle Faust. uno de los integrantes del excepcional septeto de cuerda que protagonizará el concierto de clausura del XX Liceo de Cámara. el pianista ruso Alexander Melnikov (juntos forman una de las parejas de mayor éxito de la actualidad). así como dejar constancia del excelente hacer de Inés Fernández Arias.

Adagio – attacca: Nocturno. Adagio – attacca: Intermezzo. violín Cibrán Sierra.30 horas 11 . 19. Adagio molto – attacca: Epílogo. Adagio – attacca: Marcha fúnebre. Adagio – attacca: Serenata. viola Helena Poggio. K. SALA DE CÁMARA Jueves. 144 Elegía. Adagio – Adagio molto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 20 de octubre de 2011. 626 (versión para cuarteto de cuerda de Peter Lichtenthal [1780-1853] revisada por el Cuarteto Quiroga) Introitus: Requiem Kyrie Dies irae Tuba mirum Rex tremendae Recordare Confutatis Lacrimosa Domine Jesu Christe Hostias Sanctus Benedictus Agnus Dei Lux aeterna II JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Wenn wir in höchsten Nothen sein. BWV 668a DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Cuarteto nº 15 en Mi bemol menor. op. violín Dénes Ludmány.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum I ABONO A PROGRAMA 1 Cuarteto Quiroga Aitor Hevia. violonchelo I WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Réquiem.

24 de noviembre de 2011. op. 132 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 143 (selección) I Larghetto II Con moto III Molto Adagio VII Molto sostenuto XI Andantino XII Larghetto FRANZ LISZT (1811-1886) Romance oubliée. 19. SALA DE CÁMARA Jueves. op. viola Kirill Gerstein. op. piano I ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Märchenbilder. 113 Nicht schnell Lebhaft Rasch Langsam. op.30 horas 12 13 .XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum II ABONO B PROGRAMA 2 Tabea Zimmermann. op. 131d nº 1 Molto sostenuto Vivace – Andantino – Vivace Andante sostenuto Molto vivace DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Sonata para viola y piano. 147 Moderato Allegretto Adagio Träume am Kamin. 131d nº 3 Moderato Vivace Adagio Allegro vivace MAX REGER (1873-1916) Sonata para viola sola en Sol menor. S. mit melancholischem Ausdruck II MAX REGER Suite para viola sola en Mi menor.

violín Rainer Schmidt. 19. ma non troppo Alla danza tedesca: Allegro assai Cavatina: Adagio molto espressivo Overtura: Allegro – Meno mosso e moderato – Allegro Fuga: Allegro – Meno mosso e moderato – Allegro molto e con brio – Allegro Cuarteto Hagen Jan Söderblom. violonchelo Arto Satukangas. SALA DE CÁMARA Martes. 131 Adagio ma non troppo e molto espressivo – Allegro molto vivace – Allegro moderato – Andante ma non troppo e molto cantabile – Più mosso – Andante moderato e lusinghiero – Adagio – Allegretto – Adagio. D.30 horas 14 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. op. op. violín Veronika Hagen. 130 / Gran Fuga op. viola Clemens Hagen.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum III ABONO A PROGRAMA 3 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum IV ABONO B PROGRAMA 4 Lukas Hagen. SALA DE CÁMARA Jueves. violín Marko Ylönen. ma non troppo e semplice – Allegretto – Presto – Adagio quasi un poco andante – Allegro AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 898 Allegro moderato Andante un poco mosso Scherzo: Allegro – Trio Rondo: Allegro vivace II Trío en Mi bemol mayor. 15 de diciembre de 2011. 29 de noviembre de 2011. piano FRANZ SCHUBERT (1797-1828) I Trío en Si bemol mayor. 19. violonchelo LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) I Cuarteto en Si bemol mayor.30 horas 15 . D. 133 Adagio ma non troppo – Allegro Presto Andante con moto. 929 Allegro Andante con moto Scherzando: Allegro moderato – Trio Allegro moderato II Cuarteto en Do sostenido menor.

XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum V ABONO A PROGRAMA 5 Christianne Stotijn. 117 nº 2 Andante non troppo e con molto espressione Wie Melodien zieht es. 91 Gestillte Sehnsucht Geistliches Wiegenlied AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. op. Adagio Vier ernste Gesänge. piano JOHANNES BRAHMS (1833-1897) I Sonata para viola y piano en Fa menor. 105 nº 1 Immer leiser wird mein Schlummer. largo e mesto Zwei Gesänge. op. 105 nº 2 Auf dem Kirchhofe. viola Roger Vignoles. 120 nº 2 Allegro amabile – Tranquillo Allegro appassionato – Sostenuto Andante con moto – Allegro – Più tranquillo Intermezzo op. op. 105 nº 4 Intermezzo op. op. op. mezzosoprano Isabel Charisius. 121 Denn es gehet dem Menschen Ich wandte mich und sahe an alle Tod. 118 nº 6 Andante. 10 de enero de 2012. op. 116 nº 4 Intermezzo.und mit Engelszungen redete Intermezzo op. 120 nº 1 Allegretto appassionato – Sostenuto ed espressivo Andante un poco Adagio Allegretto grazioso Vivace II Sonata para viola y piano en Mi bemol mayor. o Tod.30 horas 16 17 . SALA DE CÁMARA Martes. 119 nº 1 Adagio Fantasía op. wie bitter bist du Wenn ich mit Menschen. 19. op.

Adagio Presto II FRANZ SCHUBERT Drei Klavierstücke. 19. Grave ma non troppo tratto (“Muß es sein?”) – Allegro (“Es muß sein!”) AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA.30 horas 19 . Risoluto. non troppo vivo Melodia. violín Alexander Melnikov. 117 Tempo di ciaccona Fuga. 134 Andante Allegretto Largo II LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en Fa mayor. piano I FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Fantasía para violín y piano en Do mayor. 946 Allegro assai Allegretto Allegro DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Sonata para violín y piano. BWV 1080 Contrapunctus I Contrapunctus II Contrapunctus III Contrapunctus IV Contrapunctus V Contrapunctus VI. op. op. 19. viola Jean-Guihen Queyras. 31 de enero de 2012. violonchelo I JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) El arte de la fuga. Sz. a 4. a 3 Contrapunctus IX. SALA DE CÁMARA Miércoles. a 4. SALA DE CÁMARA Martes. alla Duodecima Contrapunctus X. D. a 3 inversus Canon per Augmentationem in Contrario Motu Contrapunctus XIV (incompleto) Cuarteto Arcanto BÉLA BARTÓK (1881-1945) Sonata para violín solo. violín Daniel Sepec. violín Tabea Zimmermann. a 4 Canon per Augmentationem in Contrario Motu Contrapunctus XII. D. a 3 rectus Contrapunctus XIII. a 4. cantante e tranquillo – Più lento – Tempo I Der schwer gefaßte Entschluß. per Augmentationem et Diminutionem Contrapunctus VIII. a 4. 135 Allegretto Vivace Lento assai. 15 de febrero de 2012. a 4 rectus Contrapunctus XII. 934 Andante molto Allegretto Andantino Allegro vivace – Allegretto – Presto Antje Weithaas. alla Decima Contrapunctus XI. a 4 inversus Canon alla Ottava Canon alla Decima in Contrapuncto alla Terza Canon alla Duodecima in Contrapuncto alla Quinta Contrapunctus XIII.30 horas 18 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. in Stylo Francese Contrapunctus VII.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VI ABONO B PROGRAMA 6 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VII ABONO A PROGRAMA 7 Isabelle Faust.

SALA DE CÁMARA Jueves. 224 Mephisto Walzer nº 4. violín Daniel Sepec. 19. D. SALA DE CÁMARA Jueves. 87 Introduzione (Lento) Marcia (Allegro) Canto (Con moto) Barcarolla (Lento) Dialogo (Allegretto) Fuga (Andante espressivo) Recitativo (Fantastico) Moto perpetuo (Presto) Passacaglia (Lento solenne) Mournful Song (Molto semplice) – Autumn (Vivace) – Street song (Pesante) – Grant repose together with the saints (Lento) II Quinteto en Do mayor.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VIII ABONO B PROGRAMA 8 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum IX ABONO A PROGRAMA 9 Antje Weithaas. violonchelo FRANZ SCHUBERT (1797-1828) I Cuarteto nº 15 en Sol mayor. 696 Bagatelle sans tonalité. S. D. piano I FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Sonata para arpeggione y piano en La menor. 16 de febrero de 2012. op. S. 821 Allegro moderato Adagio – Allegretto Olivier Marron. violín Tabea Zimmermann. viola Jean-Guihen Queyras. 23 de febrero de 2012. 887 Allegro molto moderato Andante un poco mosso Scherzo: Allegro vivace – Trio: Allegretto Allegro assai FRANZ LISZT (1813-1886) Valse oubliée nº 1. S. D. 956 Allegro ma non troppo Adagio Presto – Trio: Andante sostenuto Allegretto CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Sonata para violonchelo y piano Prologue Sérénade Finale AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violoncelo Cédric Tiberghien. 216a II BENJAMIN BRITTEN (1913-1976) Suite para violonchelo solo nº 3. S.30 horas 21 . 215 Csárdás macabre.30 horas 20 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violonchelo Cuarteto Arcanto Pieter Wispelwey. 19.

536 II JOHANN SEBASTIAN BACH Ofrenda musical. 19. per Motum contrarium Caon a 2 per Augmentationem. violonchelo barroco Michael Schmidt-Casdorff. SALA DE CÁMARA Miércoles. 19. Christine Schornsheim. op. violín Kazuhide Isomura. SALA DE CÁMARA Miércoles. violín barroco Patrick Sepec. BWV 1087 Variaciones canónicas sobre la canción navideña Vom Himmel hoch da komm ich her. op. in der Lydischen Tonart. pesante – Vivace Mesto – Marcia Mesto – Burletta Mesto CARL PHILIPP EMANUEL BACH (1714-1788) Fantasía para violín y clave en Fa sostenido menor. 14 de marzo de 2012. clave y órgano I JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Cánones sobre las ocho notas del bajo del aria de las Variaciones Goldberg. Andante – Molto adagio – Andante – Molto adagio (Mit innigster Empfindung) Alla marcia. 114 Mesto – Più mosso. 28 de marzo de 2012. H. Sz. BWV 1079 Ricercar a 3 Canon perpetuus super Thema Regium Canon a 2 cancrizans Canon a 2 Violini in unisono Canon a 2. contrario Motu Canon a 2 per Tonos Fuga canonica in Epidiapente Ricercar a 6 Canon a 2 Quaerendo invenietis Canon a 4 Quaerendo invenietis Sonata sopr’il Soggetto Reale a Traversa. violín barroco Christine Busch.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum X ABONO A PROGRAMA 10 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XI ABONO B PROGRAMA 11 Daniel Sepec. Hob III:81 Allegro moderato Adagio Presto Presto Cuarteto de Tokio flauta travesera barroca BÉLA BARTÓK (1881-1945) Cuarteto nº 6. BWV 769 (instrumentación de Andreas Tarkmann) Martin Beaver. violín Kikuei Ikeda. 132 Assai sostenuto – Allegro Allegro ma non tanto Heiliger Dankgesang eines Genesenden an die Gottheit. 77 nº 1. Molto Adagio – Neue Kraft fühlend. Violino e Continuo (Largo – Allegro – Andante – Allegro) Canon perpetuus AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violonchelo I JOSEPH HAYDN (1732-1809) Cuarteto en Sol mayor. assai vivace – Più allegro – Allegro appassionato – Presto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA.30 horas 22 II LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en La menor.30 horas 23 . viola Clive Greensmith.

94 Duets Ostinato Solo Burlesque Recitative and Passacaglia (La Serenissima) II PIOTR ILYCH TCHAIKOVSKY (1840-1893) Sexteto en Re menor. “Souvenir de Florencia” Allegro con spirito Adagio cantabile e con moto Allegretto moderato Allegro vivace II LUDWIG VAN BEETHOVEN Cuarteto en Mi bemol mayor. 26 de abril de 2012. op. 85 ARNOLD SCHOENBERG (1874-1951) Noche transfigurada. SALA DE CÁMARA Miércoles. 70. viola Raphaël Merlin. 127 Maestoso – Allegro Adagio. violín Axel Schacher. violín Mathieu Herzog. 4 Sehr langsam – Breiter – Schwer betont – Sehr breit und langsam – Sehr ruhig BENJAMIN BRITTEN (1913-1976) Cuarteto de cuerda nº 3.30 horas 25 . op. 95 (“Quartett[o] serioso”) Allegro con brio Allegretto ma non troppo – Allegro assai vivace ma serioso – Più allegro Larghetto espressivo – Allegretto agitato – Allegro Cuarteto Belcea Antoine Tamestit. violonchelo I RICHARD STRAUSS (1864-1949) Preludio de Capriccio. 11 de abril de 2012. ma non troppo e molto cantabile – Andante con moto – Adagio molto espressivo – Tempo I Scherzando vivace – Presto – Tempo I Finale: Allegro con moto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violonchelo Cuarteto Ebène Corina Belcea-Fisher.30 horas 24 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violín Krzysztof Chorzelski. op. violín Gabriel Le Magadure. 19. violonchelo I LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en Fa menor. op. op. viola Antoine Lederlin. viola Nicolas Altstaedt.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XII ABONO A PROGRAMA 12 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XIII ABONO A PROGRAMA 13 Pierre Colombet. SALA DE CÁMARA Jueves. 19. op.

Lebhaft Sehr lebhaft Leise. SALA DE CÁMARA Miércoles. 8 de mayo de 2012. op. 23 de mayo de 2012.30 horas 26 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 19.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XIV ABONO B PROGRAMA 14 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XV ABONO A PROGRAMA 15 Cuarteto Pavel Haas Veronika Jarůsková. 121 Ziemlich langsam . SALA DE CÁMARA Martes. nicht zu rasch Lebhaft Bewegt Im Anfange ruhiges. op. op. violín Pavel Nikl. “Cartas íntimas” Andante – Con moto – Allegro Adagio – Vivace – Andante – Presto – Allegro – Vivo – Adagio Moderato – Adagio – Allegro Allegro – Andante – Con moto – Adagio – Tempo I II CÉSAR FRANCK (1822-1890) Sonata para violín y piano en La mayor. 8 Allegretto moderato Allegro Recitativo-Fantasia. Moderato – Molto lento Allegretto poco mosso VIKTOR ULLMANN (1898-1944) Cuarteto nº 3. viola Peter Jarůšek. Andante sostenuto – Allegro con fuoco Hanna Weinmeister. 106 Allegro moderato Adagio ma non troppo Molto vivace Finale. M. 19. op. 133 Im ruhigen Tempo Belebt. einfach Bewegt Gesänge der Frühe. piano I ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Sonata para violín y piano en Re menor. Très animé AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violonchelo I ANTONÍN DVOŘÁK (1841-1904) Cuarteto nº 13 en Sol mayor. Fantasque et léger Finale. violín Alexander Lonquich.30 horas 27 . 46 Allegro moderato e semplice Presto Largo Allegro vivace e ritmico CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Sonata para violín y piano Allegro vivo Intermède. im Verlaufe bewegteres Tempo II LEOŠ JANÁČEK (1854-1928) Cuarteto nº 2. violín Eva Karová.

9 Poco Lento – Allegro Scherzo: Vivace Larghetto Finale: Allegro molto II JOHANNES BRAHMS (1833-1897) Quinteto con clarinete en Si menor. T. quasi Marcia Finale. 19. violín Minna Pensola. op. ma con sentimento Con moto – Un poco meno mosso AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 115 Allegro Adagio Andantino – Presto non assai. 121 Allegro moderato Andante Allegro MAX REGER (1875-1916) Quinteto con clarinete en La mayor. I clarinete BEDŘICH SMETANA (1824-1884) Cuarteto nº 2 en Re menor. SALA DE CÁMARA Martes. violonchelo Cuarteto Meta4 Antti Tikkanen. 103. SALA DE CÁMARA Jueves.30 horas 29 . violín Minna Pensola. Presto GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Cuarteto en Mi menor. 29 de mayo de 2012. M. 31 de mayo de 2012.30 horas 28 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. op. 146 Moderato ed amabile Vivace Largo Poco Allegretto II CÉSAR FRANCK (1822-1890) Cuarteto en Re mayor. ma agitato e con fuoco – Molto moderato.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVI ABONO B PROGRAMA 16 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVII ABONO A PROGRAMA 17 Antti Tikkanen. viola Tomas Djupsjöbacka. viola Tomas Djupsjöbacka. violín Atte Kilpeläinen. Hob III:83 (incompleto) Andante grazioso Menuet ma non troppo presto Cuarteto Meta4 Matthew Hunt. op. violonchelo I JOSEPH HAYDN (1732-1809) Cuarteto en Re menor. violín Atte Kilpeläinen. 19. 131 Allegro Allegro moderato – Andante cantabile Allegro non più moderato. op.

19. disastro. ma non troppo Andantino Allegro vivo (reconstrucción de la versión para septeto de cuerda de Rudolf Leopold) RICHARD STRAUSS (1864-1949) Metamorfosis AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. SALA DE CÁMARA Martes. W. 12 de junio de 2012. piano I GUILLAUME LEKEU (1870-1894) Cuarteto con piano II FRANZ LISZT (1813-1886) Trübe Wolken. violín Aki Saulière. 194 R. 201 Am Grabe Richard Wagners. S. op. S. S. 202 (versión para cuarteto de cuerda) (completado por Vincent d’Indy) Très animé. violín Béatrice Muthelet. 120 Allegro. S. 208 Mosonyis Grabgeleit. viola Gautier Capuçon. S.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVIII ABONO B PROGRAMA 18 Cuarteto Capuçon Renaud Capuçon. 199 Schlaflos! Frage und Antwort.30 horas 30 31 . violonchelo Alois Posch. contrabajo Nicholas Angelich. violonchelo Gérard Caussé. Dans un emportement douloureux Lent et passioné GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Trío con piano en Re menor. S. viola Yan Levionnois. 203 Unstern! Sinistre. Venezia.

Rodríguez .Crónicas musicales del estilo tardío Pablo-L.

El mismo autor aplica este razonamiento a la música al oponer la audición de un movimiento de sonata de Haydn o Mozart a una fuga de Bach. sabe lo que ha ocurrido desde el principio o puede anticipar lo que está por venir. Karol Berger explicó esa oposición entre círculo y flecha temporal comparando dos pinturas: Il ballo della vita umana al suono del Tempo (1639-1640) de Nicolas Poussin e Il mondo nuovo (1791) de Giandomenico Tiepolo. Hasta mediados del siglo xviii. en torno a 1750 comenzó a tenerse una mayor conciencia del pasado. Sin embargo. Padre e hijo Johann Sebastian Bach (1685-1750) plasmó esa visión circular del tiempo especialmente en sus composiciones más estrictamente contrapuntísticas. mientras que en la segunda se subraya lo irrepetible. y surgió lo que el científico humanista Stephen J. Gould ha denominado la flecha temporal. pero también la novedad del porvenir. Esas diferencias no pueden atribuirse simplemente a las disparidades entre ambos géneros. en el primer caso uno siempre puede ser consciente de dónde se encuentra. como los cánones que cultivó con especial énfasis al 35 . en la primera se representa la regularidad cíclica y predecible que gobierna la existencia humana. pero en el compositor de Eisenach resulta imposible hasta que el ritornello final hace su aparición. la concepción temporal era claramente circular y se regía por la recurrencia de meses y estaciones. lo sucedido en la historia de la música en torno a 1750 va mucho más allá de la consabida transición desde una época llamada Barroco a otra denominada Clasicismo: supuso un cambio drástico en la concepción del tiempo que tuvo importantes consecuencias culturales. Rodríguez El círculo de Bach y la flecha de Mozart y Haydn. pero en el segundo caso no podemos predecir la extensión e incluso el propio Bach solía anunciar enfáticamente el final unos pocos compases antes para que no resultase inesperado. de lo irrepetible del presente y también de las contingencias del futuro. pues lo mismo sucede cuando comparamos un concierto de Mozart y otro de Bach: uno puede anticipar el final de un movimiento desde el principio en el caso de salzburgués.Crónicas musicales del estilo tardío Pablo-L.

Por otro lado. cuyo bajo repite una y otra vez las notas Fa-La-Si bemol-Mi (F-A-B-E). Estos cánones autógrafos. respectivamente. su nombre vuelve a aparecer. Un ejemplo de ello lo encontramos en el canon sobre un basso ostinato BWV 1078. un puente entre las Variaciones Goldberg de 1741 y la Ofrenda musical de 1747. Parece ser que fue el propio rey flautista quien solicitó su visita por medio de su hijo Carl Philipp Emanuel. En enero de 1974. signos de articulación. tibi haud ignotum: itaque Bonae Artis Cultorem Habeas verum amIcum Tuum (“Señor poseedor: no puedes dejar de saber que recordar a un fiel amigo significa ser feliz. Se trata de cinco cánones a partir de la melodía del famoso canto navideño. el viejo Kantor lipsiense utilizó con asiduidad procedimientos de soggetto cavato. el último gran compositor de cánones. indicaciones de tempo o expresión a su monumental ciclo de variaciones (que sonaron el pasado año en el Liceo de Cámara en la transcripción para trío de cuerda de Dmitri Sitkovetsky). cuya similitud con el fragmento inicial del bajo del aria de las Variaciones Goldberg quizá no sea una casualidad. Y. por entonces inspector de música del Ministerio de Cultura galo. estudiante de teología y músico de Leipzig. al cultivador del buen arte por tu verdadero amigo”). fechado el primero de marzo de 1749. el organista y musicólogo francés Olivier Alain. pasaría ahora a situarse en tercer lugar con el fin de conformar una estructura cruciforme. del que Forkel hizo una breve y autorizada semblanza a partir de fuentes orales de los hijos de Bach. donde se deletrea a través de la solmisación germana el apellido de Benjamin Gottlob Faber. La I y la T hacen referencia. A = La. que trabajaba para él. B = 2. creando temas circulares perpetuos en continua suspensión temporal. o incluso testimonian la afición del compositor por la numerología: catorce es la suma del valor numérico de los caracteres que componen su apellido (de acuerdo con su posición en el alfabeto. como los hermanos Carl Heinrich y Johann Gottlieb Graun. a Eisenach (Isenaco en latín) y Turingia. poco más de un año antes de su muerte. Bach dio esta obra a Balthasar Schmidt para imprimirla en notación enigmática. en clara alusión a las stigmata o cinco llagas de Cristo en la cruz. que le permitieron homenajear al destinatario o dar rienda suelta a su fascinación por las letras y los números. C = Do. El encuentro con el monarca. había una página autógrafa con varios cánones enigmáticos escritos sobre las primeras ocho notas del bajo del aria de las Variaciones Goldberg. pudo confirmarse que se trataba de un ejemplar propiedad del compositor en el que no solo había añadido numerosas correcciones. dos de ellos ya eran conocidos con anterioridad: los números 11 y 13. no por casualidad los números 3 y 4 simbolizan el orden divino y el nombre de Dios. tuvo lugar el 7 de mayo de 1747 en el palacio municipal de Potsdam (destruido durante la Segunda Guerra Mundial) ante un nutrido grupo de músicos reunidos en torno al rey prusiano. con esa grandiosa coda donde escuchamos en stretta las cuatro melodías del coral que culmina con la firma musical del compositor (B = Si bemol. Por un lado.final de su vida: fue. indicando en el título que era para órgano de dos teclados y pedalero. Franz y Johann Georg Benda o el mismísimo 37 Uno de los hallazgos más recientes y sorprendentes relacionados con la obra de Bach está relacionado con los cánones que cultivó al final de su vida. el Canon triplex a 6 fue catalogado originalmente como BWV 1076 y podemos verlo en la mano derecha del compositor en el famoso retrato que pintó Elias Gottlob Haussmann en 1746. Este Canon triplex fue presentado por Bach en junio de 1747 junto con las Variaciones canónicas sobre el coral navideño “Vom Himmel hoch da komm ich her” BWV 769 como prueba de su maestría en la ciencia musical para su ingreso en la lipsiense Sozietät der musikalischen Wissenschaften (“Sociedad de Ciencias Musicales”) de Lorenz Christoph Mitzler. toma. de hecho. Tras las correspondientes verificaciones llevadas a cabo en el Johann-Sebastian-Bach-Institut de Gotingaen. aunque el compositor la revisaría en dos ocasiones tras su publicación con la intención de situar su clímax en el centro en vez de al final: el quinto canon. C = 3 y H = 8). amigo de Bach y representante suyo en el bautismo de su discípulo Johann Christoph Altnickol. propiedad del clavecinista Paul Blumenroeder. en los dos acrósticos formados por varias de las palabras de la dedicatoria en latín: “Domine possessor Fidelis Amici Beatum Esse Recordari. En realidad. el Canon duplex übers Fundament a 5 se conocía por la copia que realizó el compositor el 15 de octubre de 1747 en el cuaderno de su amigo Johann Gottlieb Fulda. catalogados como BWV 1087 y hoy conservados en la Bibliothèque nationale de France. catalogado como BWV 1077. A = 1. con la particularidad de que la última letra “R” significa repetatur (“repítase”). aquí Bach introduce una inscripción alusiva a la pasión de Cristo representada musicalmente con cinco semitonos descendentes en la voz aguda. es decir. descubrió en Estrasburgo que dentro del ejemplar impreso de la cuarta parte del Clavier-Übung. junto con el suyo propio. H = Si). La capacidad de Bach como maestro de contrapunto trascendió la ciudad de Leipzig y llegó incluso hasta la corte prusiana de Frederick II (Federico el Grande). por tanto. sino que también había escrito en la hoja de guarda posterior del ejemplar catorce cánones bajo el título Verschiedene Canones über die ersten acht Fundamental-Noten vorheriger Arie (“Diversos cánones sobre las primeras ocho notas del bajo del aria precedente”) donde aplica procedimientos contrapuntísticos cada vez más complejos que parten de una simple exposición del sujeto y su retrogradación hasta un planteamiento a cuatro voces en aumentación y disminución. y una vez concluida la ocupación prusiana de Leipzig. conforman 36 . como tantos compositores desde finales del siglo xv. la localidad y la región natales del compositor.

y se encumbre la fama del rey como el ascenso de esta modulación”). El viejo Bach pretendió mostrar al monarca todas las posibilidades de su tema. El 30 de septiembre la gaceta de varias ciudades alemanas recogía tanto la noticia de la inminente comercialización de la obra como el esquema de su estructura: “El desarrollo consiste en 1) Dos fugas. y quizá ningún conflicto padre-hijo tuvo tantas repercusiones culturales. algo patente al escuchar el Andante de la Sonata para flauta. una con tres. había llegado a desarrollar teorías casi esotéricas con el espiritual propósito de la glorificación divina. era un misántropo bisexual con un matrimonio de conveniencia política sin hijos. mientras que la música de Bach era símbolo de lo antiguo y trasnochado. Bach sentía que representaba la ancestral tradición del contrapunto que. que había acompañado a su padre en su viaje a Berlín. representaba una mentalidad más orientada hacia el porvenir relacionada con el tiempo flecha. el hijo mayor del compositor. Magdeburgo y Potsdam. como ha recordado James R. Bach se puso a trabajar en ello tras su regreso a Leipzig y lo que en principio no iba más allá de una mera transcripción de la fuga que había improvisado para el monarca prusiano terminó por convertirse en una extensa composición formada por varias partes que tituló Ofrenda musical (catalogada por Wolfgang Schmieder como BWV 1079) y que dedicó obviamente a Frederick II. no era para Bach más que algo vacío y artificial. 3) varios cánones. Fráncfort. por medio del canon y la fuga. aumentado y modulado: “Notulis crescentibus crescat Fortuna Regis / Ascendenteque Modulatione ascendat Gloria Regis” (“Que la felicidad del rey crezca como estas notas aumentadas. Los rasgos de la música de Carl Philipp inicialmente relacionados con la modernidad fueron considerados a partir de entonces como superficiales. cuyo estilo había sido rechazado por los jóvenes compositores y también por sus propios hijos.Johann Joachim Quantz. el contrapunto era un vestigio de una estética anticuada y consideraba tonterías religiosas los corales de Bach. violín y continuo. En cierto modo. llegaría al extremo de vender las planchas de impresión de El arte de la fuga de su padre como chatarra para ganar algo de dinero. también asistió Wilhelm Friedemann. * * * La historia de la relación de Bach con su segundo hijo. en cambio. lo que implicaba un rechazo directo del estilo encarnado por su padre. el viejo Kantor también aprovecharía su viaje para visitar otros órganos de Potsdam o. al igual que su patrón Frederick II. que Bach realizó aunque a partir de otro tema similar. Bach representaba al viejo padre del Barroco y Frederick el hijo de una temprana Ilustración. incluso en la copia enviada al monarca podían leerse dos significativas dedicatorias en latín al margen de los cánones a dos y cuatro voces. la publicación de la primera edición de las obras completas del viejo Bach a lo largo de la segunda mitad del siglo terminó por enterrar la figura artística del hijo. Sin embargo. un caduco calvinista que abogaba por la tolerancia religiosa de gustos afrancesados y que presumía de no haber leído nunca un libro en alemán. aunque en esta ocasión tocando el órgano de la iglesia del Espíritu Santo. pero también en el lenguaje musical moderno del Empfindsamkeit. 2) una sonata para flauta travesera. cambió sustancialmente a lo largo del siglo xix. el rey Frederick nunca expresó su agradecimiento a Bach y el compositor tuvo que pagar de su bolsillo los doscientos ejemplares de la edición que regaló a varios amigos o vendió a algunos interesados. Frederick representaba todo lo que era nuevo y elegante. el rey volvió a escuchar a Bach. Frederick II. Si al principio se le tenía por un fiel continuador de sus enseñanzas. Una vez en palacio. Está claro que Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788). ahondando en las técnicas contrapuntísticas más estrictas. Federico el Grande y Bach se encontraron en el jalón que separa la cultura antigua de la moderna y lo que surgió de ese encuentro fue algo más que la mera expresión musical de aquel momento histórico. la otra con seis voces obbligato. lo que volvió a maravillar a todos los presentes. el nuevo teatro real de ópera Unter den Linden. una de las fuentes tradicionalmente más citadas a la hora de documentar 39 . en Berlín. e incluso su imagen personal se tiñó del grisáceo de la avaricia y la tacañería. entre los cuales figura una fuga canonica”. el rey pidió a Bach que probase los fortepianos Silbermann y éste le solicitó un tema para improvisar una fuga que dejó a todos admirados. Incluso la mera comparación de ambos personajes arroja un cúmulo de diferencias más que significativas: Bach era un devoto patriarca luterano que había tenido veinte hijos y que utilizaba principalmente el alemán en su vida cotidiana. el así llamado “estilo galante”. Gaines en su libro Evening in 38 the Palace of Reason. Para Frederick. Al día siguiente. a pesar de haberse apartado del estilo paterno en favor de la modernidad. violín y continuo. Carl Philipp Emanuel. el rey quiso ir más allá y solicitó otra fuga pero a seis voces obligadas. Bach tampoco se resistió al juego de buscar un lema para sintetizar las pretensiones de su composición y así la palabra “ricercar” adquiere nuevo significado a través de un acróstico: Regis Iussu Cantio Et Reliqua Canonica Arte Resoluta (“A petición del rey. Leipzig. donde trascendió además la promesa que hizo al rey de escribir su tema como fuga y hacer con él un grabado en cobre. que podemos verificar en la fuga a seis. Su visita había tenido eco en los periódicos de Berlín. Obviamente. Según la biografía publicada en 1868 por Carl Hermann Bitter. Hamburgo. por el contrario. con su refinamiento melódico y gracia sonora. al tiempo que enaltecía el natural deleite de la canción o la ornamentación armónica de una sencilla línea melódica. el canto y lo demás se resuelve según el arte del canon”). Y es que. Musicalmente.

Por otra parte. De hecho. En todo caso. in einem Rondo (“Despedida de mi clavicordio Silbermann. Tampoco está claro cuándo escribió Bach esta colección. contrafugas. que el difunto dictó de memoria. 66). En realidad. Carl Philipp Emmanuel Bach vendió su querido clavicordio Silbermann a su amigo y discípulo. en la parte trasera del manuscrito de la misma puede leerse la indicación “und einen anderen Grund Plan” (“y otro plan básico”). la última aportación al respecto de Gregory Butler argumenta que quizá esta fuga formase parte de otra colección posterior a El arte de la fuga que Bach estaba empezando a diseñar. e incluso hay que reconocer que siempre alabó su método didáctico. por problemas de salud. y un año después pensaba entregar impresa la colección que estaba preparando cuando falleció y que. En una carta dirigida a Forkel en 1775 explicaba al que fuera primer biógrafo del viejo Bach la forma en que enseñaba a sus alumnos. el compositor simplemente revisó y mejoró varias de las fugas o añadió alguna nueva. aunque ya en el siglo xix Gustav Nottebohm demostró cómo. Y es que a su muerte. como el resto de El arte de la fuga. triples. sino incluso una obra expresamente compuesta para la ocasión y titulada Abschied von meinem Silbermannischen Claviere. afirmó que eran áridas y despreciables piezas de pedantería en las que ningún compositor como tal debería sacrificar su tiempo. sino que además el compositor la titula “Fuga a 3 soggetti”. conformando un espectacular tratado sobre el tema y ello fue quizá lo que atrajo a Carl Philipp a la hora de hacerse cargo de su edición. para él. el que hoy tiene de Die Kunst der Fuge (“El arte de la fuga”) fue escrito por su discípulo y ahijado Altnickol en el manuscrito de la obra tras la muerte del compositor. Carl Philipp diseñó una publicación de veinticuatro piezas. Por esa razón. a uno de sus amigos”. que le exigían una obra por año. si alguno no la tenía. en 1748 había presentado la Ofrenda musical. H = Si) poco antes de que se interrumpa bruscamente. la combinación de los tres temas de la obra encajaba a la perfección con el tema principal de la colección. es la famosa fuga cuádruple inconclusa donde Bach introduce su nombre como sujeto (B = Si bemol. algo que Christoph Wolff ha relacionado con lo realizado por Bach en el Et incarnatus del Credo de su Misa en Si menor. es de falta de genio de todos aquellos que se dedican a tan miserables estudios e involuntarias creaciones”. La principal controversia en relación con esta fuga se debe a que no utiliza el tema de El arte de la fuga. hoy se considera bastante controvertida la presencia al final de dos piezas que en realidad no formaban parte de la obra: el Contrapunctum XIV o “Fuga a 3 soggetti” y el conocido como “Coral del lecho de muerte” o revisión del preludio coral Wenn wir in höchsten Nothen sein BWV 668. donde la principal cualidad que exigía era la imaginación: “En cuanto a la inventiva. Carl Philipp nunca renegó directamente de su padre. que escucharemos por separado. * * * En 1781. que puede hacer alusión a su pertenencia a otra colección. en la práctica. se implicase personalmente en la primera edición de El arte de la fuga.ese rechazo es la crónica que publicó Charles Burney en 1773 de su conversación con él: “Cuando volvimos a tratar de la música culta. es bien sabido que Carl Philipp añadió en ese lugar en el manuscrito la siguiente indicación: “NB Mientras trabajaba en esta fuga. en forma de rondó”) H. Por ello no debe resultar extraño que Carl Philipp. Como ya vimos. fugas espejo. en vez de sobre cuatro pentagramas. estamos ante una obra inconclusa que plantea todavía hoy muchas incógnitas sin resolver. Por ejemplo. al dotar de gran flexibilidad armónica al sujeto. No hay duda de que la intervención del segundo hijo de Bach fue decisiva para que la obra fuese publicada. 272 (Wq. A = La. En adelante ha habido muchas teorías que culminaron inicialmente en el magno estudio de Christoph Wolff. pero también que su afán por incluir todo el material que tenía a mano alteró buena parte del plan original del compositor. junto con varios de los estudiantes de su progenitor. C = Do. él exigía esta habilidad desde el principio y. habló de forma irreverente de los cánones. En realidad. que podrá escucharse como conclusión del concierto dedicado a El arte de la fuga. aunque todo parece indicar que la mayor parte de la misma data de 1742. si de algo son prueba. en su primer año como miembro había publicado las Variaciones canónicas BWV 769. La otra composición. que vería la luz en 1751. dobles. aunque en el manuscrito de Bach tan solo había catorce composiciones 40 (un número nuevamente muy representativo): doce fugas y dos cánones. fugas permutadas y cánones. cuando ya estaba ciego. en vez de “Contrapunctus”. en la que aparece el nombre de BACH en el contrasujeto. el manuscrito que conservamos de esta obra no solo está escrito en partitura de teclado. La primera. el autor falleció”. le recomendaba que no se dedicara a la composición”. es una nueva versión que realizó Bach del preludio coral Wenn wir in höchsten Nothen sein y que Carl Philipp añadió al final de la edición de El arte de la fuga a modo de epílogo sentimental con la siguiente justificación: “Se ha querido resarcir a los amigos de la musa con la publicación del coral sacro a cuatro voces añadido al final. entre estas últimas destaca el Contrapunctus IV como una de las más novedosas. Las razones de Carl Philipp para 41 . Bach había dejado preparada la mayor parte de una nueva edición de cánones y fugas en cumplimiento de lo estipulado por los estatutos de la Sozietät de Mitzler. el barón Dietrich Ewald von Grotthus. había tenido que retrasar hasta 1750. no conocemos con precisión el título que iba a darle. el 28 de julio de 1750. en el que concluía incluso que es probable que la fuga estuviera completada y hayamos perdido la versión finalizada. en el envío no solo incluyó una carta. Para la publicación. la obra incluye fugas simples.

dejando la partitura a un lado. pero sin coherencia y de forma subconsciente. que su última noche Mozart estuvo más ocupado en las particularidades del reparto de Die Zauberflöte. la temprana muerte de Mozart sigue siendo aún hoy objeto continuo de conjeturas y especulaciones. P. su interpretación espíritu y vida. al menos eso se desprende de algunos testimonios. arpegios quebrados. Concretamente. sino más bien una segunda redacción de la misma obra. cantó la línea de soprano. Sea como fuere. como es bien sabido). hechos que hemos experimentado y han dejado mella en nosotros”. Otros testimonios. en las posibilidades expresivas de otros instrumentos como el Tangentenflügel o el fortepiano. de las emociones y que tiene en las fantasías y los rondós sus formas más habituales. en una sugestiva ficción autobiográfica.] el oyente debe temblar de felicidad”. sobresaltos y silencios que conformaban un lenguaje extremo encaminado a la expresión directa. las fantasías de Carl Philipp se relacionaron ya en su tiempo con la capacidad expresiva de un monólogo teatral. Uno a veces sueña unos minutos con los sentimientos más apasionados. Bach”). Schack. sin embargo. que había adquirido en 1746 y de cuya estima dejó constancia no solo en su correspondencia sino incluso en su tratado Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen (“Ensayo sobre el verdadero arte de tocar los instrumentos de tecla”). como ya había hecho antes. el compositor seguía trabajando en el Requiem postrado irremediablemente en cama: “[Mozart] tenía la partitura cerca de la cama. E. pero también subjetiva y opuesta a lo racional. y que no en otro clavicordio sino en el que tú tienes podrá ser tocado bien”. a la una de la mañana en punto (del 5 de diciembre de 1791. a lo que añade al pie: “Quizá no resulte inapropiado comparar la cadencia con un sueño. que asegura en el obituario del compositor publicado en la Allgemeine musikalische Zeitung que la víspera de su muerte. y él mismo (eran las dos del mediodía) cantó la parte de contralto. el compositor escribió la famosa anotación “C. antaño un bajo en el teatro de Mannheim. como la carta de 1840 del compositor Ignaz Xaver Ritter von Seyfried. una fantasía y dos rondós: “Sus sonidos fueron palabras. como el de su amigo. a pesar de las alabanzas que siempre dedicó al clavicordio. Cantaron los primeros compases de Lacrimosa cuando Mozart rompió a llorar amargamente. la famosa Freye Fantasie H. Concretamente. los avances técnicos en los fortepianos que conoció tras su llegada a Hamburgo le animaron a componer cada vez con más asiduidad para este instrumento. Esta descripción encaja a la perfección con el Empfindsamkeit o estilo sentimental. conservado en la Staatsbibliothek berlinesa. No obstante. Hofer.. se caracteriza por una profusión de escalas rápidas. concretamente. natural. Todo parece indicar que Carl Philipp pensaba en su evolución como compositor y. no parecen relacionadas con su estado de conservación. Bachs Empfindungen” (“Sentimientos de C. el amigo de la familia. y Gerl. cuñado de Mozart. tal como podemos comprobar si comparamos ambos finales. 42 La versión de la Freye Fantasie de Carl Philipp Emanuel Bach que escucharemos en este ciclo no es la habitual (u original) para teclado solo. tal como pensó el propio Bach que. además del aura de un sueño. sino la versión que realizó de la misma también en 1787 con un acompañamiento para violín. deseó morir en su música”. Realmente. Poco tiempo después de su sepelio comenzaron a difundirse por los mentideros de Viena informaciones falsas sobre las circunstancias de su fallecimiento que han perdurado hasta nuestros días a través de dramaturgos. el compositor incluso alude a la calidad del mismo en la referida carta que acompañaba a la composición: “[Esta obra] es prueba de que uno puede componer [en él] afligidos rondeaux. partió de esta vida”. el tenor Benedikt Schank (creador del papel de Tamino). que seguía representándose con éxito tras su estreno dos meses atrás.desprenderse de su más querido instrumento. Y es que. una especie de dialecto alemán del estilo galante que fue desarrollado por Carl Philipp especialmente en el repertorio para clavicordio posterior a 1750 y treinta años más tarde en el fortepiano. esta versión catalogada como H. sostienen. compositores y cineastas. en el autógrafo de esta versión con violín. precisamente. con esos imprevisibles cambios de afecto por medio de alteraciones en el pulso y la armonía.. 43 . E. 300 (Wq. P. el flautista Friedrich Ludwig Dülon recuerda en su autobiografía su visita en 1783 a casa de Carl Philipp para hacer una audición y la impresión que le produjo escucharle tras la comida tocar en su fortepiano una sonata. y tampoco es difícil relacionar su construcción con la del recitativo accompagnato operístico. asumió la de tenor. fue el bajo. Tanto el final como la referida inscripción han sido relacionados por Richard Kramer con la noción de agotamiento y cansancio que exhibe Carl Philipp en su obra durante sus últimos años de vida: “La música se sumerge y parece desaparecer en el sorprendente zumbido de las cuerdas graves del clavicordio. su expresión encantamiento. 536 (Wq. 80) no es un arreglo sensu stricto. cuya concepción estilística aparece resumida dos años más tarde dentro de la definición de “cadencia” de la fundamental Klavierschule de Daniel Gottlob Türk: “La cadencia debe parecerse en todo lo posible a una fantasía creada a partir de una profusión de sentimientos y no a una pieza elaborada”. 67) de 1787 es un ejemplo muy significativo del Empfindsamkeit tardío de Carl Philipp. pero sí falleció componiendo una misa de difuntos. sensible. Adioses clásicos: Mozart y Haydn Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) no murió en su música. cada pasión humana fue sometida a su ejecución y ante su exaltado genio [. y once horas después.

e incluso pidió más tiempo para trabajar en el Requiem. El conde utilizó para el encargo a su abogado Johann Sortschan. como Mozart lo definió. que incluía las partes solistas y el coro junto al bajo o algunas leves anotaciones instrumentales. En este sentido. el conde era un músico aficionado y solía organizar conciertos en su castillo en Stuppach. Mozart siguió dedicado a otros compromisos. de las que el conde tenía la exclusividad. Al parecer. Los meses siguientes. quien. como los estrenos de La clemenza di Tito en Praga y Die Zauberflöte en Viena. tal como recuerda Herzog: “Éramos todos jóvenes amigos y considerábamos que le dábamos a nuestro señor un inocente placer”. e incluso es posible verificar cómo en las semanas siguientes estuvo dedicado a otras composiciones como su Concierto para clarinete K. Süssmayr revisó las orquestaciones de Freistädtler y Eybler. había sido en su juventud criado del conde Franz von Walsegg y conoció de primera mano no solo todo lo relacionado con el encargo de la obra a Mozart. después de completar la instrumentación de la secuencia hasta el Confutatis y añadir dos compases en el Lacrimosa. no obstante. de hecho. Mozart (“Verdadera y detallada historia del Réquiem de W. posteriormente convertida en ópera homónima por Nicolai Rimski-Korsakov y punto de partida de la obra teatral Amadeus (1979) de Peter Schaffer. renunció a seguir adelante. La historia de la composición del Requiem K. y que afectaron tan profundamente al viejo compositor de corte que terminó sus días en 1825 completamente demente. que en un ardid antiitaliano convirtieron al envidioso Antonio Salieri en responsable por envenenamiento de la muerte de Mozart. 622 o la Pequeña Cantata Masónica “Laut verkünde unsre Freude” K. que en ese año era maestro en la escuela de Wiener Neustadt. 622 de Mozart dio un giro decisivo en 1964 cuando Otto Erich Deutsch dio a conocer el memorándum titulado Wahre und ausführliche Geschichte der Requiem von W. en febrero de 1791 le animó a honrar su memoria con el encargo de una misa de réquiem para su aniversario a Mozart. A. aunque se trataba de composiciones habitualmente encargadas a compositores profesionales como Franz Anton Hoffmeister. del resto había escrito un boceto bastante preciso desde el Kyrie hasta el Hostias. Tras consultar a otros compositores. La muerte de la esposa del conde.Especialmente conocidos son los malvados rumores que circularon por Viena a comienzos del siglo xix. concluye que el compositor falleció a consecuencia de la complicación de una simple infección por estreptococo. pagó por adelantado parte del trabajo y se interesó desde ese momento en repetidas ocasiones por la marcha del encargo. Tras esta primera audición. donde se interpretaban obras copiadas por su mano que hacía pasar por propias. y que incluye un estudio epidemiológico en perspectiva de las muertes acaecidas en Viena entre noviembre de 1791 y enero de 1792. no parece que comenzase su composición antes del estreno de Die Zauberflöte el 30 de septiembre. un miembro del estrecho círculo de colegas de Mozart. Este “mensajero gris”. completó la obra componiendo el Sanctus. Mozart”) que había escrito Anton Herzog en 1839 y cuya publicación había sido entonces prohibida. quien acudió de incógnito a casa de Mozart a mediados de julio en representación de un “amante de la 44 música”. Constanze se convenció del beneficio que podía reportarle finalizar la obra y solo dos semanas después le entregó el manuscrito a Joseph Leopold Eybler. John Emsley ha aclarado recientemente que el envenenamiento pudo estar relacionado con el polvo de antimonio que le recetó su doctor para combatir la depresión que padecía. Cuando Mozart murió tan solo había completado el Introito “Requiem Aeternam”. Anna von Walsegg. sus criados suponían lo que sucedía pero lo aceptaban. Süssmayr terminó la obra en febrero de 1792 y realizó tres copias de la misma con una caligrafía musical muy similar a la del propio Mozart: se quedó con una y entregó las otras dos a Constanze junto con el manuscrito autógrafo original. en que siguió trabajando en la obra postrado en cama. actor. la última investigación sobre el tema. Mozart murió convencido de que había sido envenenado. Curiosamente. 623. El 10 de diciembre de 1791 se realizó en la iglesia de San Miguel de Viena una primera audición de parte de esta obra en memoria del compositor. Su salud se quebró especialmente a partir del 20 de noviembre. tal como indica Franz Xaver Niementschek en su primera biografía publicada en 1808 a partir de un testimonio de su esposa Constanze. asistente más que discípulo de su marido (de hecho. cantante. esos rumores se convirtieron pronto en motivo de una opereta de Albert Lortzing titulada Szenen aus Mozarts Leben (1832) o de una tragedia ligera escrita por Alexander Pushkin titulada Mozart y Salieri (1831). sino también todos los intríngulis de su finalización tras la muerte del compositor. A. sin embargo. Süssmayr era alumno de Salieri). y la culminó con una reelaboración del Introito y Kyrie para la Communio “Lux Aeterna”. Herzog. adaptada a su vez para el cine por Milos Forman en 1984. compositor y autor del libreto de Die Zauberflöte) donde tan solo pudo escucharse el Introito y el Kyrie. cuya instrumentación había sido terminada para la ocasión por Franz Jakob Freistädtler. La viuda de Mozart vendió a comienzos de marzo una de las copias al rey prusiano Friedrich Wilhelm II por una suma considerable y seguramente hizo otros negocios con la obra. la viuda de Mozart optó entonces por entregar el manuscrito a Franz Xaver Süssmayr. Benedictus y Agnus Dei. La otra copia se la entregó al 45 . publicada hace dos años. muy apreciado por él (llamaría Franz Xaver a su segundo hijo) y dedicado principalmente a la composición de ópera alemana (en 1794 sería nombrado Kapellmeister en el restablecido National-Singspiel Kärntnertortheater de la corte vienesa). fue un evento organizado por Emanuel Schikaneder (empresario teatral.

pensemos en los arreglos camerísticos de Salomon de algunas sinfonías de Haydn o incluso el que preparó Beethoven para trío con piano de su Sinfonía nº 2. A. han llevado a varios musicólogos a tratar de aportar en las últimas décadas una versión del Requiem más fiel a las intenciones del compositor. A la luz de los estudios realizados en la últimas décadas por varios especialistas. el conde Walsegg inventó una rocambolesca historia: al parecer. es decir. el conde Walsegg no podría volver a utilizar la obra. pero también mantuvo una amistad con su primer hijo. ante las demandas de explicaciones por parte de algunos amigos por haber hecho pasar por suya una obra de Mozart. como hicieron Franz Beyer o Howard C. Precisamente. Stephen Rumph definía su estilo eclesiástico como “una abigarrada mezcla de erudición. Pocos meses más tarde. un médico residente en Milán desde 1810 y músico aficionado que compuso varios ballets estrenados en La Scala o publicó diferentes estudios musicales como el Dizionario e bibliografia della Musica o la primera biografía de Mozart en italiano. al igual que hiciera poco tiempo atrás en el famoso Ave verum corpus. ya que se había difundido que Mozart era su autor. El conde Walsseg interpretó este estreno como una traición a lo acordado en el contrato. los tres intentos más destacados de com47 El Requiem es la obra más controvertida de Mozart debido a la combinación de su condición de obra tardía. el Requiem completado recibió su primera audición pública organizada por el barón van Swieten a beneficio de Constanze en la Jahn-Saal de Viena. sigue las pretensiones ilustradas del emperador Joseph II al componer una emotiva aria coral inspirada en la voz del pueblo que no renuncia a efectos dramáticos. en enero de 1793. que conforma una práctica muy habitual en ambientes privados de la época. resultan problemáticos al no respetar la estética impuesta por Mozart en la música religiosa de sus 46 . Por otro lado. otras claras influencias en el Introito son el tema del coro “The Ways of Zion Do Mourn” del anthem homónimo de Haendel (HWV 264) o el inicio del Réquiem en Do menor de Michael Haydn. de hecho. obra maestra y obra incompleta. Robbins Landon. Este arreglo para cuarteto de cuerda del Requiem fue realizado a comienzos del siglo xix por Peter Lichtenthal (1780-1853). El Kyrie vuelve a ahondar en el stile antico al plantear una doble fuga sobre el tema del coro “And with His stripes we are healed” de Messiah de Handel (recordemos que Mozart había realizado una reorquestación de esa obra en 1789 por encargo del barón van Swieten). En un reciente estudio sobre la retórica y semiótica de Mozart en relación con la Ilustración. Herzog informa de que el conde Walsegg sí que volvió a utilizar el Requiem de Mozart. ópera y Volkstümlichkeit” y esa definición resulta ideal para comprender el estilo del Requiem: me refiero a esa unión de lo erudito del stile antico. del elemento popular relacionado con los himnos cantados por la congregación de fieles. y algo menos los retoques previos de Freystädtler y Eybler. Lógicamente. e incluso también aparece el stile antico en el Amen final que inicialmente planeó incluir Mozart como conclusión. en este ciclo escucharemos una adaptación prêt-à-porter similar. como ese final de la Secuencia. el aura operística o el referido elemento popular. y que Süssmayr sustituyó por una simple cadencia plagal con tercera de picardía. claramente comprometida con el reformismo ilustrado del emperador Joseph II. Por lo que hemos conservado escrito por Mozart podemos deducir que estamos no solo ante la obra sacra más excepcional de su catálogo.conde Walsegg. como ascensos cromáticos en crescendo que simbolizan el Juicio Final. Después de este servicio. dotando a cada sección de un afecto diferenciado que culmina con el Lacrimosa. si bien en una adaptación realizada por él mismo para quinteto de cuerda en 1794. la inclusión de procedimientos dramáticos o la presencia de la Volkstümlichkeit. había sido alumno de Mozart (algo completamente falso) y le fue enviando partes de un réquiem para su aprobación que fueron erróneamente atribuidas a Mozart tras su muerte. En realidad. Mozart. Las alteraciones de Süssmayr. En febrero del año siguiente volvió a utilizar “su” Requiem para los servicios del segundo aniversario del fallecimiento de su esposa celebrados en la iglesia de Maria Schutz. tomando este último en consideración la labor de Eybler. pero para cuarteto de cuerda. como demuestra en su intervención en el Hossana. pero siguió adelante con su propósito de hacer pasar por propia la obra: hizo una copia de su mano que tituló “Requiem composto dal Conde Walsegg” y realizó su propio estreno en el Neukloster de Wiener Neustadt el 14 de diciembre de 1793. aunque alrededor de 1800 se hizo con el autógrafo original del Introito y el Kyrie. sino también ante el mejor ejemplo de equilibrio entre el contrapuntístico stile antico. que le llevó a conferir en esta obra un papel protagonista al coro y una importancia mucho menor a la instrumentación. La obra se inicia en el Introito con paso lento con un solemne motivo sincopado que termina conformando una fuga. junto a lacrimógenos contrastes sotto voce acompañados por el plañir de violines. Carl Thomas. que pensó inicialmente que se trataba del manuscrito de Mozart completado por Süssmayr. En los años setenta del siglo pasado se intentó ajustar la instrumentación de la obra a un estilo más mozartiano. que apareció en 1816 bajo el título Cenni biografici intorno al celebre maestro W. entre sus principales fuentes contó con el apoyo de la viuda del compositor. en la Secuencia muestra todas sus habilidades como compositor teatral. cerca de Semmering. No obstante. años finales. según los bocetos encontrados en 1960 por Wolfgang Plath. donde. está claro que los añadidos de Süssmayr. ni tampoco dominaba la composición de fugas. ni Süssmayr entendió la importancia que tenía para Mozart la Volkstümlichkeit.

una obra coral y en la que la instrumentación del Introito (la única que completó Mozart) muestra cómo el compositor quería que la orquesta realizase tan solo un moderado acompañamiento de las voces. 103 se la otorgó ese mismo año la edición parisina de André) junto a una tarjeta de visita enviada por el compositor con su habitual sentido del humor y en la que cita el comienzo de la parte de soprano del cuarteto vocal Der Greis. Haydn concibe el segundo tema como una reinterpretación del primero o el breve motivo melódico que aparece a continuación deriva igualmente de una parte del tema inicial. Richard F. Druce y Levin coinciden en la idea de que el Requiem es. 49 . estoy viejo y débil”). en realidad. a continuación todo el segundo cuarteto y después los tres movimientos restantes del primero. en ellos Haydn renuncia a las excentricidades sinfónicas del op. No hay duda de que los llamados “Cuartetos Lobkowitz” construyen una culminación ideal a cinco décadas dedicadas a la composición para dieciséis cuerdas. El tercer movimiento es claramente un scherzo en el que volvemos a encontrar ecos populares del pastoralismo típico del Haydn tardío. El más radical de todos es Maunder. al no poder completarlo. Maunder y Robert D. fecha en que desistió definitivamente de finalizarlo. pues en sus obras posteriores a 1791 es posible encontrar varios homenajes al compositor salzburgués. 64 nº 3 (1790) del músico de Rohrau. El tema inicial del Cuarteto en Sol mayor. * * * En su larga trayectoria musical. que permiten completar el Lacrimosa con un Amen fugado. XXVc:5: “Hin ist alle meine Kraft. con ese aire marcial. 18. III:81). dejando. Parece que el tremendo esfuerzo que supuso para Haydn la composición del oratorio Las estaciones fue lo que le impidió culminar en 1799 el encargo del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz para componer seis cuartetos. por Duncan Druce. 76 y ahonda en una síntesis global que abarca la chispa popular y la riqueza tonal. Haydn renunció a terminar el ciclo para evitar una comparación con su discípulo Beethoven. que simboliza el sonido de las espuelas de los caballos. 77 nº 1 (Hob. dos semanas después de su muerte. especialmente llamativo resulta aquí el trío. El segundo movimiento se queda a medio camino entre la forma sonata y el tema con variaciones. no obstante. Levin. quien rechaza en gran medida la labor de Süssmayr. serían publicados en 1806 por Breitkopf & Hartel (la denominación de op. más recientemente. Ro48 bbins Landon sostienen que. a pesar de que es posible que parte de sus añadidos partieran de esbozos del propio Mozart que fueron destruidos. alt und schwach bin ich” (“He perdido toda mi fuerza. y en él se desarrollan al margen de connotaciones populares aspectos del primero. Joseph Haydn (1732-1809) nunca compuso una misa de difuntos. algunos especialistas como Harold C. que seguramente deriva de alguna danza popular. La composición de los dos primeros cuartetos del ciclo fue realizada conjuntamente: los estudios de László Somfai sobre el autógrafo de ambos cuartetos que se conserva en la Biblioteca Nacional Széchényi de Budapest permiten concluir que Haydn compuso en 1799 el primer movimiento del que abre el ciclo. cuando él ya se encontraba en esos primeros años del siglo xix en el crudo invierno de su vejez.pletar la obra han sido realizados en torno a 1991. op. Haydn inició el minueto de un tercer cuarteto con intención de publicar al menos los tres primeros. ya recuerda el ritmo bókazó del folclore popular húngaro. ante todo. Son siempre referencias muy sutiles. es decir. el hombre anciano. en el Invierno de Las estaciones (1799-1801). el tema principal del Presto final es un kolo. pero también el donaire social o la ternura lírica. se celebró un solemne servicio fúnebre dedicado a él en la Schottenkirche de Viena se interpretó el Réquiem de Mozart. Haydn siguió componiendo un Andante grazioso para ese tercer cuarteto hasta 1803. Precisamente. aunque se ha conservado un borrador del bajo del movimiento inicial. Estos dos movimientos. tal como había manifestado personalmente a su padre en 1785. completados tan solo los dos movimientos centrales. pero que manifiestan la tristeza de quien vio morir en el cálido verano de su juventud al mejor compositor que había conocido en persona. o se ahonda en colores tonales más diferenciados. permitió que Artaria sacase a la venta en septiembre de ese año tan solo los dos primeros cuartetos como op. Seguramente le habría gustado. Hob. Georg August Griesinger. por tanto. Mark Anson-Cartwright encontró ya en 2000 ecos de la arietta de Cherubino “Voi che sapete” de Le nozze di Figaro en el esquema tonal del desarrollo del primer movimiento del Cuarteto op. Michael Spitzer ha planteado el oratorio La Creación (1796-1798) como una especie de comentario filosófico personal a esa ópera de Mozart o incluso ha apuntado dos homenajes fácilmente reconocibles: el Adagio cantabile de la Sinfonía nº 98 (1792) de Haydn como pastiche del movimiento lento de la Sinfonía nº 41 “Júpiter” de Mozart o el fragmento del aria de Simón. 77. Por ejemplo. aunque. donde. año del bicentenario de la muerte del compositor. cita las apoyaturas descendentes en ostinato del movimiento lento de la Sinfonía nº 40 de Mozart. verdadero “canto del cisne” haydniano como lo denominó su amigo y primer biógrafo. tras repetir el verso “Erschöpfet deines Sommers Kraft” (“Agotadas las fuerzas de tu verano”). quizá por esa razón. cuando el 15 de junio de 1809. De hecho. A comienzos de 1802. como el énfasis puesto en el diálogo entre los cuatro instrumentos. pues Lobkowitz había encargado un ciclo similar al compositor de Bonn que terminaría por convertirse en su op. estos tres últimos musicólogos toman en consideración los bocetos encontrados por Plath.

El texto de esa conferencia. que Rosemary Hughes ha retratado poéticamente en su librito de la BBC sobre los cuartetos de Haydn como “la última chispa de una llama ahora cautiva en un cuerpo exánime”. tal como planteó Theodor W. y que caracteriza la historia de la cultura posterior a 1750. Do sostenido menor o Mi mayor. conforman un acontecimiento histórico en nuestra cultura moderna en el que el artista. pone el ejemplo de Ibsen. amargo. Mozart o Haydn. En adelante se generalizaría la noción de que los compositores reflejaban en sus obras tardías una especial madurez estética. sino que se benefició además de la sólida tradición de estudios literarios en relación con este tema. publicadas por Forkel. las catástrofes son las obras tardías”. Ambos movimientos siguen la misma estela de síntesis. la editorial Artaria los publicaría en 1807 como op. no por casualidad. no solo resultó pionero en el ámbito de la musicología. Por tanto. aunque llaman poderosamente la atención las dos partes de la sección central. por lo tardío no tanto como armonía y resolución de una vida de esfuerzo estético. Sin embargo. Todavía más sorprendente. el Andante grazioso en Si bemol mayor con una forma habitual ABA se inicia con un tema encantador que pronto es conducido hacia escenarios cromáticos o contrapuntísticos. áspero y desequilibrado. tal y como hemos visto en la última composición comentada de Haydn. tras llegar a ser dueño absoluto del medio. en las que Haydn transita por tonalidades como Sol bemol mayor. la Novena sinfonía. es decir. Schubert (Susan Youens). pero también de apertura al futuro y. por lo inestable. Adorno en 1937 al referirse al estilo tardío o Spätstil de Ludwig van Beethoven (1770-1827). comienza denostando las dos características habitualmente relacionadas con el estilo tardío en Beethoven: la riqueza polifónica y 51 La esencia del Spätstil: Ludwig van Beethoven El interés por el fluir temporal desde el pasado hacia el futuro. De todas formas. en la actualidad tan solo existen monografías sobre el tema en relación con Beethoven (Maynard Solomon y Michael Spitzer). de un modo por completo paradójico.una danza de rueda de origen croata que Haydn pudo conocer en su juventud. con ideas que se yuxtaponen sin transiciones. los estudios sobre el estilo tardío no han formado parte de la agenda del musicólogo hasta fechas muy recientes. que se pone de manifiesto en las pioneras historias de la música de Burney. las dificultades y ambigüedades. que hemos visto en las obras tardías de Mozart y Haydn. El punto de partida del mismo es el hecho de que la obra de un gran artista y su pensamiento adquieren un nuevo lenguaje al acercarse al final de su vida y ese nuevo lenguaje es lo que se conoce como estilo tardío. constituyen la esencia del aspecto innovador de la música moderna de nuestra era”. 130-133 y 135. 77 nº 3. Schumann (Laura Tunbridge). pero también de Carl Philipp Emanuel Bach. Said sigue la estela de Adorno junto al clásico estudio de Rose Subotnik sobre este y se interesa principalmente por una orientación más problemática del concepto. cuya imagen tardía es la de un artista furioso y trastornado. las obras finales de Beethoven. rugoso. y que contrasta con el trío central convertido casi en un nostálgico himno en Re mayor. de Beethoven: “El motivo por el cual el estilo tardío de Beethoven caló tan hondamente en los escritos de Adorno es que. Barone). así. el pensador de la Escuela de Fráncfort introduce un matiz calamitoso en la obra tardía al considerarla más alejada del arte y más próxima a la historia: “En historia del arte. Philosophie der Musik. Sorprendentemente. Niementschek y Griesinger entre 1802 y 1809. un discurso fragmentario. Hawkins o Forkel. inmovilizadas y socialmente resistentes. la Missa Solemnis. Edward Said explica con claridad en su ensayo póstumo sobre el estilo tardío las razones por las que Adorno estaba tan interesado en las obras tardías 50 . afirmaría Adorno en 1966 dentro de una conferencia radiofónica sobre el estilo tardío de Beethoven centrada precisamente en el comentario analítico y filosófico de los Cuartetos opp. es el Menuetto ma non troppo presto en Re menor. 103 están claramente relacionados con los “Cuartetos Lobkowitz”. no solo favoreció el nacimiento de la historicidad. que se publicó en 2007 a partir de las anotaciones dejadas por el autor antes de su muerte en 2003. es decir. el conglomerado de las cinco últimas sonatas pianísticas. Brahms (Margaret Notley). Los dos movimientos del op. Este exilio autoimpuesto –esta catástrofe– se manifiesta en la música tardía de Beethoven por medio un planteamiento episódico. abandona la comunicación con la sociedad a la que pertenece en favor de la contradicción y el distanciamiento. expresaban un espíritu de reconciliación o alcanzaban una milagrosa transfiguración. aunque está construido en forma sonata. es esencialmente monotemático. que varios años después fue incluido dentro de su libro póstumo Beethoven. Said defiende la idea adorniana de que las obras tardías de Beethoven. Puccini (Andrew Davis) o Debussy (Marianne Wheeldon) y la mayoría de ellas han aparecido en los últimos cuatro años. que se inicia con un violento despliegue canónico de tintes cromáticos cuya tensión se libera en un tremendo compás de silencio. sino que introdujo la distinción entre lo temprano y lo tardío. sino más bien relacionada con la obstinación. 127. o incluso también en las primeras biografías de Bach. Wagner (Anthony E. Los últimos seis cuartetos de cuerda constituyen el observatorio ideal de este exilio beethoveniano: “En ellos encuentro cristalizado del modo más puro el estilo tardío”. el fruto maduro puede volverse inestable. los seis últimos cuartetos y las diecisiete bagatelas para piano. No obstante. En el caso concreto de Beethoven. dividida por ausencias o silencios. el ensayo de Said.

hay algún autor. junto a la Sonata para violonchelo y piano op. Ya en 1818. Thayer (18661879). donde la jerarquía aparece diluida y encontramos la separación de acentos rítmicos de los armónicos que manifiesta la Cavatina del op. y ello afecta al principio formal clasicista de esta música. Esa disociación. como una escritura china”. como el de Michael Spitzer. 102 o el ciclo de Lieder titulado An die ferne Geliebte (“A la amada lejana”). como el año 1800 para separar el período temprano del medio en la monografía de Wilhelm von Lenz (1852-1853). Sin duda. permitieron establecer criterios de periodización más precisos relacionados con sus datos biográficos o con la evolución de su proceso creativo. como el opus 100 que marca el inicio del período tardío en la biografía de Anton Schindler (1840). 130. lo importante es la seriedad de la que parte el compositor y la espiritualidad que alcanza tras renunciar a todo lo accesorio hasta el punto de llegar a la disociación y la desintegración del discurso musical. esa idea fascinante de rupturas y discurso musicalmente agujereado que muestra el segundo tema del movimiento inicial del op. Adorno aporta también varias características novedosas centradas en los Cuartetos opp. cuando su deterioro físico y mental motivó un mayor aislamiento social que se traduce musicalmente en obras más serias y espirituales. la búsqueda de nuevos caminos a partir de 1802 se relacionó con la superación de la depresión que le produjo la noticia de su progresiva sordera y su crecimiento como sinfonista en la primera década del nuevo siglo se puso en relación con el mecenazgo del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz. [. 131). Esta renuncia es lo que otorga a esta música la referida seriedad que tantas veces se ha relacionado con la muerte y –efectivamente– hay tintes macabros en algunos movimientos de estos cuartetos. 131. tercero y quinto son severos. pues hay movimientos en los últimos cuartetos que pertenecen estéticamente al periodo intermedio (por ejemplo. op.. “Hammerklavier” como culminación del período medio. 98. como Alexandre Oulibicheff. el espíritu del final fugado pareció incomprensible. La monumental biografía en tres tomos de Alexander W. que propuso ya en 1857 una periodización más restrictiva pero no menos interesante al asignar únicamente los tres últimos años de vida del compositor a su período tardío. precisamente esa tendencia suele relacionarse con las Sonatas para piano opp. aunque en la actuali53 Las primeras divisiones de la obra de Beethoven en varios períodos creativos o estilísticos son tan antiguas como el propio compositor. otros autores sitúan el inicio del tercer período creativo de Beethoven en 1818. o la capacidad de compresión del contenido que manifiesta esa “fórmula mágica” con que se inicia el Presto del op. tras asistir el 21 de marzo de 1826 al estreno del Cuarteto op.. No obstante. por ejemplo. que el compositor llevaba consigo para poder comunicarse ante el irremediable empeoramiento de su sordera. tal como apunta el pensador de la Escuela de Fráncfort.contrapuntística. Y es que. coincidiendo biográficamente con el inicio de los cuadernos de conversación. estatismo. Así.] Estos dos fragmentos fueron frenéticamente aplaudidos y repetidos como bis. pocos autores se ponen de acuerdo sobre las obras que representan los hitos en su desarrollo creativo y. que llegará mucho más adelante. 130. El estilo tardío en Beethoven no debe verse. el imponente movimiento final del Cuarteto op. Desde luego. las posibilidades de dividir la obra de Beethoven en varios períodos creativos son infinitas y resultan de gran utilidad tanto para el estudioso como para el melómano. especialmente. De todas formas. que era un gran amante de la música orquestal y disponía de un magnífico conjunto instrumental en su palacio. o los números de opus. Para Adorno. medio y tardío) y en sucesivos 52 . como la reacción de un hombre envejecido y sordo. estudios podemos encontrar similares divisiones a partir de referencias cronológicas. un escritor francés anónimo hablaba de tres períodos en la obra del compositor alemán (temprano. el estatismo tonal. Sin embargo. es decir. compresión y separación de lo popular y lo erudito es lo que diferencia claramente al Beethoven tardío de Haydn o Mozart. 130 en su versión original con la Grosse Fuge op. los años que siguieron al estreno en 1824 de su Novena Sinfonía y que se centran precisamente en la composición de los Cuartetos opp. 131 y 132 que han sido profundamente desarrolladas por otros estudios posteriores. esta opción sitúa la gigantesca Missa Solemnis op. Por ejemplo. 130. aunque nunca al tonal. 90 y 101. la yuxtaposición de ideas sin apenas transiciones que podemos encontrar en el Presto del op. y la intensidad expresiva. 106. acerca de las que funcionan de bisagra entre el período medio y tardío. solo el segundo y el quinto son ricos en alegría y finura. 132. 132. 133 como final. cobró una gran importancia estilística lo acontecido tras su traslado a Viena en 1792. los testimonios sobre la recepción de los últimos cuartetos muestran claramente las enormes dificultades del público más especializado para seguir las propuestas de Beethoven. 130-133 y 135 que escucharemos en este ciclo. el crítico de la Allgemeine Musikalische Zeitung. junto a los pioneros estudios de Gustav Nottebohm sobre los borradores del compositor (1865). Para algunos autores fue el doloroso fracaso de su relación con la “amada inmortal” en 1813 lo que marcó el inicio de su período tardío. oscuros y místicos y al mismo tiempo extraños y caprichosos. como sucede con el Vivace del op. sino como una novedosa renuncia a lo afirmativo y al hedonismo musical que caracterizaría a la música del siglo xx. 127. Sin embargo. 123 como punto de partida del períiodo tardío y coloca a la Sonata para piano op. escribió lo siguiente: “Los movimientos primero.

tantôt recherchée” (“Gran fuga unas veces libre. Por su parte. Para él escribiría los Cuartetos opp. una periodización de la obra de Beethoven resulta más o menos útil si nos detenemos a examinar un género musical concreto. aunque el primero de ellos no lo terminaría hasta febrero de 1825 debido a la finalización de la Novena Sinfonía y la Missa Solemnis. también conocido como Grosse Fuge o “Gran Fuga”. 135 con un movimiento titulado “Der schwer gefasste Entschluss” (“La decisión difícil de tomar”). cinco meses más tarde recibiría un encargo de tres cuartetos de cuerda del príncipe ruso Nikolas Galitzin. Mi mayor y Sol sostenido menor. “Las arpas” (1809) y op. al tiempo que otros se enfrascan en complejas subperiodizaciones que distinguen dos periodos tempranos separados entre Bonn y Viena. había previsto la inclusión de un movimiento denominado “La gaieté” después del Adagio y un movimiento lento adicional que precedía al Finale. es en realidad el último movimiento de la primera versión del op. La interpretación que suele dársele hoy a este movimiento ha dejado a un lado el trivial episodio relacionado con el pago de unos derechos al compositor para centrarse en la carta que escribió Beethoven al editor Moritz Schlesinger y en la que afirma lo siguiente: “Ya ve que soy un hombre infeliz. aunque el último de ellos.dad siga defendiéndose la división en tres períodos. ya puede suponer lo que significa el ‘debe ser’”. Esta obra ejemplifica con claridad la intención del compositor de unificar y condensar el fluir de una obra de principio a fin. un admirador de Beethoven y violonchelista aficionado que residía en San Petersburgo. 130 dispone igualmente de un Andante tras el segundo movimiento o hace preceder el Finale de una Cavatina de nuevo en clara alusión a la vocalidad operística. aunque el esquema previsto para el op. por tanto. hay autores que prefieren distinguir tan solo dos fases. los tres “Rasumovsky” (1806) y los seis últimos opp. en este sentido. esto es. 131. el fugato del movimiento lento podemos encontrarlo en el primer movimiento del op. 130 que Beethoven relegó tras la primera audición de la obra en marzo de 1826. Tras el Quartetto Serioso. Estamos. 133. dos fases intermedias afectadas por el referido intimismo o dos períodos finales jalonados por la Novena. otras rigurosa”). el cuarteto se inicia con la exposición de una fuga en Do sostenido menor cuya resolución temática (y dramática) no llega hasta el último movimiento. constituye una ideal transición al estilo tardío. siguiendo el consejo del editor vienés Matthias Artaria. como la sensación de compresión que tiene ese mismo movimiento en el op. 127. el op. 127 es posible saber que Beethoven había planificado una obra en seis movimientos. 132 y 130. en este movimiento dispone dos frases melódicas repetidas. el op. “¡Debe ser!”). Al final fue publicada por separado en mayo de 1827 con el título en francés de “Grande Fugue tantôt libre. Ya se ha indicado que el Finale del op. 132. Por el borrador conservado del op. En todo caso. 18 (1800). “Serioso” (18101811) formarían parte de la etapa intermedia. tal como hace en el op. porque estaba pensando en hacer algo mucho mayor. Los Cuartetos op. en este caso. un Beethoven heredero del pasado y otro modelador del futuro (algo que ya defendió el propio Liszt). “Es muss sein!” (“¿Debe ser?”. pero también dispone de un extenso Adagio adicional tras el segundo movimiento titulado “Heiliger Dankgesang” (“Canto sacro de acción de gracias”) que se convierte en el punto de inflexión del cuarteto. 74. 127. sino también un ejemplo de la seriedad y espiritualidad que impregnan estos cuartetos y una música en que Beethoven utiliza el modo lidio tratando de evocar a su manera el pasado. sino porque se lo había prometido y necesito dinero. 131 en siete secciones sin solución de continuidad a partir de un complejo esquema tonal que parte de Do sostenido menor y regresa a esa tonalidad. Si menor. en realidad. tal como sucede con el recitativo que precede al Finale del op. pues las diferencias entre los seis Cuartetos op. Beethoven divide el op. 131. 135. optó por una estructura más convencional en cuatro movimientos. Beethoven no volvería a interesarse por esta formación hasta junio de 1822. 127 lo encontramos en los cuartetos siguientes. 132 viene precedido 54 de un breve recitativo. donde se utiliza una convencional pero muy efectiva forma sonata. se trata no solo de un agradecimiento a Dios por haberse recuperado de una grave enfermedad. Beethoven retrasó más de cinco años su publicación y cuando la permitió no dudó en informar en una carta fechada el 7 de octubre de 1816 a Sir Georg Smart lo siguiente: “Este cuarteto se ha escrito para un reducido círculo de connoisseurs y nunca debe ser interpretado en público”. tras pasar por Re mayor. Beethoven había anotado 55 . no solo este cuarteto era difícil de escribir. 95. o incluso de preceder el movimiento final con una breve introducción de textura vocal y aire operístico. 130-133 y 135 (1824-1826) claramente delimitan las tres fases de la producción beethoveniana. la división en tres períodos resulta ideal a la hora de explicar la evolución de los cuartetos de cuerda. y esto es lo que me ha salido con mucha dificultad. Ya en el movimiento inicial podemos reconocer características apuntadas en los cuartetos posteriores. también la idea de acotar la tesitura en la transición de un movimiento a otro. ante un resumen casi místico de la vida y el pensamiento de Beethoven que culmina en el op. en el que el compositor suscribe cada uno de los dos motivos principales del Grave y el Allegro a una pregunta con su respuesta: “Muss es sein?”. Al final. Por último. mientras que convierte la tercera en un momento muy especial (introduce la indicación “Beklemmt” –“angustiado”–) en el que el violín intenta cantar pero su voz se quiebra una y otra vez. La mayor. que escucharemos en este ciclo.

Y es que el compositor vienés ya no se asocia con el mito romántico del jovencito descuidado que murió prematuramente. De nuevo lo encontramos en la problemática biografía de Schindler y es un testimonio personal donde reconoce que mostró a Beethoven en su lecho de muerte los manuscritos de algunos Lieder de Schubert y éste exclamo impresionado: “Verdaderamente en Schubert está la chispa de la divinidad”. 57 Un aluvión de despedidas Franz Schubert (1797-1828) apenas trató personalmente a Beethoven. Sea como fuere. El estudio concluía con la hipótesis de que Schubert era homosexual y uno de los principales testimonios para esa afirmación. Karl Nohl recoge esta anécdota y da testimonio de la gran impresión que produjo esa obra en Schubert: “¿Qué podemos escribir después de esto?” Son muchos los testimonios de admiración y homenaje hacia Beethoven en la biografía y la obra de Schubert. Las investigaciones publicadas en las últimas décadas sobre la vida privada de Schubert han reinterpretado su estilo tardío al profundizar en su personalidad. pidiera a su hermano Ferdinand poder escuchar el Cuarteto op. procedía del diario del dramaturgo Eduard von Bauernfeld. se vio obligado a cancelar varias invitaciones sociales. 131 de Beethoven. Y es que. que es doble y se desarrolla tanto conjuntamente como por separado hasta la coda. hoy no se duda acerca de la promiscuidad de Schubert. una enfermedad por entonces mortal y cuyos pacientes no solían superar los diez años posteriores a su diagnóstico. pero se dice que él se mantiene oculto”. Y es que la admiración que sintió Schubert por Beethoven fue perenne. Rita Steblin desmontó ya en 1993 muchos de los argumentos de Solomon y aclaró el episodio relacionado con los pavos reales de Cellini. la primera noticia sobre su enfermedad la encontramos en una carta que escribe al director de orquesta Franz von Mosel en febrero de 1823: “Por favor. 10 (D. uno de los más famosos y creativos artistas homosexuales de todos los tiempos y que. Schubert había contraído la sífilis al frecuentar varios prostíbulos. era habitual que un enfermo de sífilis apenas saliera de casa en las primeras fases de la enfermedad.ese mismo título –pero en italiano– en su manuscrito: “Grande Fuga. sino más bien con un hedonista atormentado por sus pasiones venéreas y sumido en una profunda depresión motivada por una enfermedad que le llevaría a morir a los treinta y un años. 624) en compañía del editor Anton Diabelli y los apuros que pasó el joven compositor vienés al detectar Beethoven un pequeño problema en la obra. Un famoso estudio de Maynard Solomon inició en 1989 toda una discusión en torno a la sexualidad de Schubert. por lo que Schubert. Ello sumió al compositor en una progresiva depresión que le llevó incluso a cultivar esporádicamente la poesía. cinco días antes de morir y ya postrado en cama. sobrino de Beethoven. tanto libera quanto rigorosa”. aunque se piensa en una posible orientación bisexual pues. culminando espectacularmente y a ritmo de tarantella. pero por razones de salud no puedo salir de casa”. pueden reconocerse condensados en esta obra tanto la forma sonata como la fuga. este trabajo fue tan aceptado como denostado por numerosos estudiosos. a pesar de su vinculación con un círculo muy exclusivo de amigos masculinos. pues Beethoven combina aquí el rigor de una fuga con una elaboración musical completamente libre. la variación y hasta la suite de danzas: se inicia con una Ouverture. o un interior poético unido a un exterior hedonista. de hecho. Un documento algo más fiable es la anotación que hizo Karl. hemos conservado un poema suyo titulado “Mein Gebet” (“Mi plegaria”) fechado en mayo de 1823. Obviamente. se trataba de un trabajo psicoanalítico a partir de numerosos testimonios en torno a la época del compositor que revelaban una doble naturaleza en Schubert: una mezcla de la gaieté vienesa y una profunda melancolía. curiosamente. que precisamente daba título al estudio. a finales de 1822. pero tan solo se conoce uno a la inversa. op. sobrevivió a la sífilis. le sigue la Fuga. que por entonces comenzaba a ser conocido en Viena. Al parecer. tamente relacionada con su enfermedad. también han podido documentarse affaires amorosos con Therese Grob y con la princesa Carolina Esterházy. No obstante. en uno de los cuadernos de conversación durante una visita a su tío en el verano de 1823: “Ellos elogian a Schubert. perdóneme si me veo obligado a molestarle tan pronto con otra carta. quien en agosto de 1826 anotaba lo siguiente: “Schubert está fuera de sí (lo que necesita son ‘jóvenes pavos reales’ como Benvenuto Cellini)”. Ferdinand consiguió que el violinista Karl Holz reuniera a miembros del Cuarteto Schuppanzigh para realizar una audición privada de la obra el 14 de noviembre de 1828. que aglutina prácticamente todo lo escuchado. pero la razón por la que Schubert se ocultaba por entonces estaba direc56 . por ejemplo. una referencia que Solomon interpretó en relación con lo que sabemos hoy acerca de Cellini. Esa anotación alude claramente al universo de contrastes y antagonismos continuados al que nos enfrentamos en una audición de esta compleja partitura. donde Beethoven yuxtapone las principales secciones de la posterior fuga en orden inverso. a pesar de vivir en Viena la práctica totalidad de su corta vida. es imposible reconstruir la conversación entre Beethoven y su sobrino sobre el compositor vienés. como lo demuestra el hecho de que. En la poco fiable biografía beethoveniana de Anton Schindler encontramos documentada una visita de Schubert a Beethoven en 1822 para entregarle un ejemplar de las Variaciones sobre una canción francesa para piano a cuatro manos. al explicar que Bauernfeld tan solo pudo conocer las memorias de Cellini traducidas por Goethe y allí los jóvenes pavos reales se citan como parte de una dieta saludable para superar su enfermedad.

D. Vogl poca voz. no solo es uno de los más interesantes. Pocos días más tarde. le produjeron lesiones en boca y garganta. digo. Un mes más tarde inició un tratamiento centrado en una dieta equilibrada. una soprano casada con un noble húngaro. se refugió en el castillo de Eisenstadt junto a varios amigos y colegas hasta altas horas de la madrugada. y estaban tan concentrados en su interpretación. con tal amplitud de miras”. y que en su profunda desesperación hace las cosas cada vez peor en vez de ir mejorando. imagine a un hombre. al igual que en el Andante con moto que le sigue. No puede descartarse que Schubert visitase a Beethoven en su lecho de muerte. Schubert tenía poca técnica.. pues no está documentado que colaborase con Johann Georg Stauffer. escrito en la tonalidad de Re menor y catalogado como D. Imagine a un hombre que no recobrará nunca su salud. La obra se publicó en 1871 con 58 . portando una antorcha. de estas obras anotaría en un cuaderno lo siguiente: “Lo que he escrito es el resultado de mi comprensión de la música y las desgracias”. transcripción de la parte de arpeggione para violín y violonchelo (con este último instrumento la escucharemos en este ciclo) y consta de tres bellos movimientos: un Allegro moderato con forma clásica de sonata. puesto que su salud había empeorado rápidamente con la aparición de los síntomas del segundo estadio de la enfermedad. que le obligaron a llevar la cabeza rapada. dolor de huesos y unas molestias en el brazo izquierdo que le impedían tocar el piano. el Cuarteto Schuppanzigh realizó un estreno privado de su Cuarteto “La muerte y la doncella”. 59 En este estado depresivo acometió Schubert la composición de su cuarteto más famoso: el conocido con el sobrenombre de “Der Tod und das Madchen” (“La muerte y la doncella”). participaron por entonces en la primera audición de los últimos cuartetos de Beethoven).. El arpeggione era un especie de guitarra con arco inventado en Viena en 1814. tal como lo demuestra una carta que escribe a su amigo Josef Kupelwieser: “Me veo como la criatura más infeliz y desgraciada del mundo. a quien el entusiasmo (al menos de la estimulante variedad) por las cosas bellas le está desapareciendo. y es el Allegro assai el movimiento más schubertiano. y allí coincidió con Johann Nepomuk Hummel y un joven discípulo suyo de dieciséis años. conocemos los detalles de aquella velada: “Un Lied siguió a otro. 118 sobre un texto del Faust de Goethe]. En enero de 1824. parecer ser que a Schubert le atrajeron las posibilidades tímbricas del instrumento. 821. un movimiento lento que funciona de transición concebido como un Lied y un Finale basado en un motivo popular y en el que se muestran las posibilidades técnicas y tímbricas del nuevo instrumento siguiendo una forma de rondó. D. lo que animó a Schubert a introducir varios cambios para el estreno oficial. el inventor del arpeggione. Al término del mismo. sino también uno de los más contradictorios y fascinantes.El estilo tardío de Schubert. 887. lo que sí está claro es que asistió a su funeral. cuyas principales esperanzas han desaparecido. y donde el uso de bruscos cambios de dinámica aporta una energía adicional. ya que combina el sentido lúdico de la vida con la tragedia de una enfermedad que terminaría antes o después con su vida. junto al anterior D. El Scherzo adquiere un aire mendelssohniano. con veintisiete años recién cumplidos. y según testimonio del compositor Franz Lacher. como ya vimos. pues cada vez que me voy a la cama espero no volverme a levantar. 802. 804 o las Variaciones para flauta y piano sobre “Trocken Blumen” D. aunque de existencia efímera. que es un encantador Ländler. el 29 de marzo de 1827. llegaron a decirle a Schubert que se dedicase a los Lieder. 810. variados y creativos. En marzo. todo ello unido al consumo masivo de té y la toma de baños frecuentes. al mismo tiempo. al que la felicidad del amor y la amistad ya no tienen nada que ofrecerle sino a lo sumo dolor. Pero Schubert no cejó en su empeño y en junio de ese año escribió otro cuarteto (el último). Se inicia con una introducción que explora las posibilidades de los juegos modales menormayor y en el Allegro molto moderato propiamente dicho destaca la labor del violonchelo. pero juntos exhibían mucha vitalidad y sentimiento. Schubert fue invitado a cenar con Katharina Lászny. sino que los miembros del Cuarteto Schuppanzigh (que. que consistía en alternar el consumo de chuletas de cerdo con la panada (algo similar a nuestra sopa de ajo). al que llegó con poco más de veinticinco años. precisamente a través de las memorias de este joven estudiante. Bien podría cantar esto ahora todos los días. En enero de 1826. que ninguna de las magníficas composiciones que escuchamos habría sido posible interpretarlas con tanta claridad y. se encontraba recluido en casa de su amigo Joseph Huber. disponiendo un gran contraste en el Trío. nunca conseguiré hallar la paz’ [cita el inicio de su Lied Gretchen am Spinnrade D. y yo pregunto: ¿no soy un ser miserable e infeliz? ‘Desapareció mi sosiego y el corazón me pesa. A las penurias personales de Schubert se unían una y otra vez las profesionales derivadas de los problemas que tenía para estrenar y publicar sus obras. mucho más extenso y ambicioso que el anterior: el Cuarteto en Sol mayor. llamado Ferdinand Hiller. tras el mismo no solo no consiguió editor para publicarlo. Después escribiría algunas obras para piano a cuatro manos y culminaría ese año componiendo en septiembre la Sonata para arpeggione y piano en La menor. donde la frivolidad y esos toques de opera buffa se combinan con momentos intensos y dramáticos. y cada mañana solo recuerdo el sufrimiento del día anterior”. Schubert estaba completamente deprimido.

Andantino molto. 100 resulta mucho mejor cohesionado y se desenvuelve con mayor fluidez a pesar de tener mayores dimensiones.De aquel encuentro surgió la admiración de Schubert hacia Hummel y también la dedicatoria de sus tres últimas sonatas pianísticas. en el mes de abril). le sigue un saltarín y virtuosístico Allegretto con evidentes connotaciones húngaras. Schumann escribió lo siguiente: “Un simple vistazo al Trío (op. La primera. El Scherzo vuelve a tener chispa y encanto. El Andante está basado en una canción sueca de Isaac Berg y adquiere un tono similar a los Lieder coetáneos del Winterreise. aunque para cuando Artaria fue a publicarlas en 1839. terminada en septiembre de 1828. y algo similar hace en el segundo movimiento. además de por la luminosidad y frescura que le atribuye Schumann. Por ejemplo. en este caso la prensa vienesa fue muy dura con Schubert al juzgar que se había equivocado al “sobrepasar con mucho el tiempo que un vienés está dispuesto a dedicar a los placeres del espíritu”. del Trío para violín. una vez más. En diciembre de ese mismo año. el virtuoso checo del violín Josef Slavik y el pianista Carl Maria von Bocklet. que supuso su 60 regreso a esa formación camerística tras diez años de abandono. op. 100 (D. pretende sorprendernos al variarlo cada vez que aparece repetido. Desgraciadamente. 99 (D. 898). En realidad. Schubert realiza dos intentos falsos de reexposición en Sol bemol mayor y Re bemol mayor. que fue seguramente una primera versión descartada del movimiento lento de la obra. en el primer movimiento. aunque por el estudio del papel utilizado en el Nocturno D. 946 deberían formar. Hummel ya había fallecido. op. Para esta composición. En realidad. Allegro moderato. 956 no solo es la culminación del catálogo camerístico de Schubert. Schubert diferencia estilísticamente todo lo posible en la exposición cada uno de los dos temas y nos sorprende con un guiño cíclico al esbozar el tema del Andante justo antes de la reexposición. op. 934). 897. es posible concluir que fue escrito en el otoño de 1827 y prácticamente a la vez que el Trío para violín. se trata en realidad de una edición póstuma fechada en 1850. 929). lo que hizo que hasta el crítico abandonara la sala antes de finalizar la obra. Fue el preferido de Schubert y lo incluyó en el concierto que se celebró con su música en Viena el 26 de diciembre de 1827. por su haydniano afán por sorprender al oyente y entrar en interacción con él. el compositor vienés eligió duplicar el 61 . a la que pertenecen sus siete últimas sonatas (y de forma especial las tres últimas que culminó tan solo unas semanas antes de su muerte) o sus dos famosas colecciones de impromptus. no se ha conservado el manuscrito de este primer Trío op. sino otras muchas. y donde se subraya mucho la distancia estilística entre el dinámico estribillo y el evocador episodio Andante. 306) y en él. por lo que cambió la dedicatoria y eligió vomo destinatario a Robert Schumann en vista de la alta estima en que tenía estas composiciones de Schubert. Schubert escribió estas tres piezas pianísticas en mayo de 1828 y no serían publicadas hasta cuarenta años más tarde por mediación de Brahms y con títulos apócrifos llenos de imaginación literaria. el Quinteto en Do mayor. El chispeante Scherzo vuelve a disponer de un meloso vals como Trío. 70 (D. D. Allegro assai. Sin embargo. por lo que no disponemos de la fecha exacta de la composición. las Drei Klavierstücke D. violonchelo y piano en Si bemol mayor. como si no atinase con la tonalidad correcta. que se encuentra fechado en noviembre de ese año. organizado en una estructura liederista ABA y abierto con una bella cantilena en la cuerda. esta obra había sido escrita para sus amigos. Schubert había conseguido publicar en esos años su Rondó brillante para violín y piano. 20/D. Y no solo estas obras. Tampoco descuidó Schubert su obra para piano solo en su etapa final. y todo lo que nos rodea se vuelve fresco y brillante de nuevo”. 915 una tercera colección de impromptus. hasta el punto de que puede situarse a la misma altura de los últimos cuartetos beethovenianos. op. El Allegro inicial fluye con gran soltura al disponer de tres temas y una sección de desarrollo muy inquieta tonalmente. la tercera sección es un extenso tema con variaciones sobre el Lied Sei mir gegrüsst (op. 895). y ambos se complementan con un enérgico Trío. y la obra termina con una reexposición modificada y desarrollada al incorporarle dos nuevos pasajes: una nueva variación y una espectacular coda. La última pieza. Aparte de sus Tríos. 99. un Allegro en Do mayor. junto con el Allegretto D. puesto que modula en una docena de ocasiones. en este caso con dos episodios que ahondan en los desesperados y melancólicos paisajes de su coetáneo ciclo de Lieder Winterreise. 741) de gran lucimiento para ambos instrumentos. El primero de los dos Tríos destaca. 99) de Schubert y los problemas de nuestra existencia humana desaparecen. Aunque esta Fantasía se publicó. violonchelo y piano en Mi bemol mayor. El Trío op. está estructurado en una simple forma ternaria y posee una clara identidad sonora para cada sección basada en la oposición de variedad y reiteración rítmica. Consta de cuatro secciones que se tocan sin pausa: un Andante molto que se inicia con el tremolando en pianissimo del teclado y facilita el despliegue lírico del instrumento de cuerda. La segunda pieza. es un rondó que funciona casi como un tríptico. quienes la estrenaron en enero de 1827 (Artaria la publicaría poco después. un Allegretto. 159 (D. vuelve a ser un rondó de perfiles muy contrastados. al haber suprimido en el manuscrito el segundo episodio. sino que se considera la cima de toda su obra. En el Finale. mientras que el Allegro vivace final es una mezcla de rondó y forma sonata cuyo tema principal está inspirado en el Lied Skolie (D. Andante un poco mosso. Por último. Schubert volvió a escribir otra obra para ellos: la Fantasía para violín y piano en Do mayor.

Su estructura se sitúa a medio camino entre el rondó y la forma sonata. y lo repitió al tempo correcto. Schubert tampoco consiguió interesar a ningún editor para publicar esta obra. le confesó con una mirada fantasmal que las “mesas” lo sabían todo y comenzó a practicar con la ayuda de su 62 . Entonces dije. donde pudo escucharse el famoso ritmo del arranque de la Quinta Sinfonía de Beethoven. que es acompañada por figuras repetidas en el primer violín o pizzicati en el segundo violonchelo. como el Concierto para violonchelo. Schubert prefirió escuchar uno de los últimos cuartetos de Beethoven antes que su propia música. no obstante. ello quizá se deba a la influencia de Boccherini o bien al interés que había desarrollado por este instrumento en sus obras de cámara tardías. Su esposa Clara estaba encantada de ver a su depresivo marido tan animado. pues organizaba sesiones de espiritismo a todas horas y con todo tipo de personas. De hecho. En el enérgico Scherzo opta por una textura más orquestal. el contraste con la atormentada sección central del movimiento. Hiller. en esa ciudad renana culminaría en tres años nada menos que una cincuentena de composiciones. tal y como queda reflejado en su último cuarteto o en los dos tríos con piano. Schumann se había convertido. se llega transitando parajes escarpados y el dinamismo se recupera con el tercer tema a ritmo de marcha.. aun en el trance final de su vida. El desarrollo se centra en estos dos últimos temas y la reexposición resulta bastante libre. o su estilo tardío propiamente dicho. y en las que abordó prácticamente todos los géneros que había cultivado hasta el momento. que han relacionado la ambigüedad e irregularidad de algunas de sus últimas composiciones con su estado mental. la música de cámara o el oratorio. que tocan los violonchelos a dúo con enorme encanto y tranquilidad. y tampoco sería estrenada hasta tres años antes. todo ello ha terminado afectando profundamente a la consideración del estilo tardío de Schumann y ha habido varios estudiosos. acaba erigiéndose en un movimiento más de la obra. El primero. el Adagio combina lirismo y melancolía. al mismo tiempo. John Daverio ha defendido que el estilo tardío de Schumann no rompe por completo con la trayectoria estética del compositor y Laura Tunbridge ha abierto un nuevo camino hacia el estilo tardío del compositor de Zwickau dejando al margen este tipo de prejuicios relacionados con su enfermedad mental. cuando le pregunté por el número en que estaba pensando. dijo correctamente el tres.. En realidad. que coincide con su traslado en 1850 desde Dresde a Düsseldorf. e incluso había llegado a prometerle a la mesa que le compraría un mantel más lujoso. año de su boda con Clara Wieck. Entre todos los testimonios que existen sobre su interés por el espiritismo destacan los de Wilhelm Joseph von Wasielewski y Ferdinand Hiller. querida mesa’. Por su parte. por extensión e independencia estilística. muchas de ellas consideradas obras cruciales de su catálogo. Y es que.violonchelo en vez de la viola como habían hecho en el pasado Mozart y Beethoven. Nos quedamos maravillados”. segunda hija en un mesa. el Lied. Dresde y Leipzig en la conmemoración del centenario de Goethe. Concretamente. en Fa menor. como hemos visto con anterioridad) estaba más abierto a las ciencias ocultas y llegaría a invocar con Schumann al espíritu de Beethoven para mantener con él una curiosa discusión acerca del tempo precisamente del inicio de su Quinta Sinfonía: “Al final empezó [. pero destaca su impresionante suspensión temporal. que era director de orquesta y compositor (y había sido discípulo de Hummel. en el principal compositor de Alemania. en 1852 y 1853 se celebraron ciclos de conciertos con música de Schumann 63 Nuevos caminos: Schumann y Brahms Robert Schumann (1810-1856) se pasó los meses previos a su colapso mental de finales de febrero de 1854 obsesionado con la doctrina espiritista que había nacido en Francia pocos años atrás. que no vería la luz hasta 1853. los jalones de la carrera artística de Schumann no ofrecen mayores dificultades: su reorientación desde la música pianística al Lied en 1840. El Allegro ma non troppo inicial se abre con un interesante experimento de textura y color al exponer el misterioso tema inicial como cuarteto de cuerda convencional y después prescindiendo del primer violín. el concierto. ‘Pero el tempo es más rápido. tras la reciente muerte de Mendelssohn. Por su parte. su “nueva manera” de componer declarada en 1845. Al segundo tema. para culminar en una deslumbrante coda. es ciertamente impresionante. amigo de Schumann y con el tiempo también su biógrafo. concertino de la orquesta de Düsseldorf. o la revisión de su Cuarta Sinfonía. este tipo de obsesiones daban una imagen de Schumann de cierta inestabilidad psíquica y tanto ella como Wasielewski pensaron que este tipo de obsesiones fueron las primeras manifestaciones de su demencia. cuenta que en mayo de 1853 visitó al compositor y lo encontró leyendo compulsivamente un libro sobre “mesas parlantes”. como el ciclo poético para piano.] pero demasiado lento en un principio. Y en el Allegretto final renace el Schubert más optimista y populachero con un primer tema inspirado en aires húngaros y otro más melódico que evoca la música de los cafés vieneses. En la actualidad. como Peter Ostwald. aunque no renuncia al pastoralismo con aires cinegéticos. Y ello le valió que su música para la escena final del Faust sonase en 1849 simultáneamente en Weimar. que se consigue por medio de una estática melodía en la parte central del conjunto. Sin embargo. la sinfonía. la principal novedad aquí es el Trío que. “Renana”. la Tercera Sinfonía. Luego. incluso llegaría a escribir un ensayo sobre el tema que no se ha conservado.

le dictó un tema sobre el que escribió unas variaciones (Thema mit Variationen für das Pianoforte. eran un todo un éxito comercial. terminada a comienzos de octubre de 1853. En el Finale la tensión no decae en ningún momento y Schumann trenza una forma sonata con desarrollo canónico que para Eduard Hanslick tiene un cierto toque picante. que incluye una enigmática cita a Diotima. En 1850. quien. que terminaría por convertirse en su Tercera Sonata: me refiero a los movimientos segundo y último de la curiosa Sonata F-A-E. un encantador tema con variaciones sobre el coral luterano Gelobet seist du. por último. El primer movimiento tiene una evidente influencia como punto de partida de la Sonata “Kreutzer” de Beethoven. que sería revisada en 1853 y estrenada en público por Joseph Joachim. 133 (“Cantos del alba”). con una extensa canción de cuna cantada prácticamente a la par entre la viola y el piano. si bien tampoco puede descartarse que simplemente pensase en la Diotima de Friedrich Hölderlin. casi como si fuera un eco del movimiento anterior. Sin embargo. la Sonata para violín y piano nº 2. op. Schumann llegaría a escribir una obra más para violín y piano. El scherzo que sigue resulta ser un curioso precedente del estilo brahmsiano. pero también puede que fuera la poetisa Bettina von Arnim.tanto en Leipzig como en el Festival del Bajo Rin. Anton Rubinstein o Julius Stockhausen). sendos episodios de gran fluidez. concretamente. Joseph Joachim. A mediados de octubre de ese año inició también la que sería su última obra para piano. De hecho. 113 hay que buscarlo en la fascinación de Schumann por los cuentos de hadas. es posible que con ella se refiera a Clara como su ideal de belleza. publicaría varias monografías sobre el tema) y ello animó al compositor a utilizar la viola para representar la ensoñación de la épica romántica. WoO 24) y que culminó en su intento de suicidio. los músicos del momento tenían obras suyas en repertorio (aparte de Clara. 65 El origen de las Märchenbilder para viola y piano. op. que se inició con alucinaciones auditivas y obsesivas relacionadas con el coral Ein feste Burg o su insistente contacto con el espíritu de compositores muertos como Schubert. Conviene aclarar igualmente que Schumann sufrió crisis maniacodepresivas asociadas a un trastorno bipolar durante buena parte de su vida y las razones de que se intensificaran en Düsseldorf hay que relacionarlas con su exceso de trabajo. Wasielewski. y la obra se cierra. pero también por la viola. 121 sería admirablemente redactada por Schumann en menos de una semana. Todo ello contribuyó a un rápido declive. que comenzó alabando a Brahms y terminó en el bando progresista de Liszt y Wagner) o su caracterización en numerosos ensayos especializados como un compositor amanerado que se había quedado anticuado. aunque también muestra una progresiva carencia de poder espiritual y una menor plenitud de ideas. Gesänge der Frühe. le añadió ese mismo mes dos movimientos más para completarla como su Sonata para violín y piano nº 3. a lo largo de los años cincuenta se publicó su biografía o vieron la luz monografías sobre algunas de sus composiciones. la traición de algunos amigos (como el crítico Richard Pohl. La obra fue compuesta en marzo de 1851 y consta de cuatro partes con formas bien definidas y secciones bien contrastadas: se abre con un movimiento moderado con una estructura ABA en la que se oponen con evocadora armonía las tonalidades de Re menor y Fa mayor. que le hizo una visita en esas fechas. cuya evocación convive con un homenaje muy personal a Bach. La obra. Jenny Lind. en fin. le sigue un breve rondó lleno de vivacidad cuyo solemne tema principal con ritmos punteados se contrapone a 64 . sus ediciones de música doméstica (o Hausmusik). el tercero es un moto perpetuo con un desenfadado intermedio. invitó al violinista Wilhelm Joseph von Wasielewski a que se uniera a su orquesta como concertino y ello lo convirtió enseguida en un habitual de la casa de los Schumann. pero también con sus complejas relaciones con las autoridades de Düsseldorf. aunque no renuncia al encanto poético de Schumann. la filósofa que aparece en El banquete de Platón y que conceptualiza el amor platónico. arrojándose al Rin en medio de la algarabía del Carnaval. escrita en colaboración con su alumno Albert Dietrich y Johannes Brahms para homenajear a su amigo el violinista Joseph Joachim utilizando las iniciales de su lema personal como motivo musical: Frei Aber Einsam (“Libre pero solitario”). las biografías prefieren ahondar en su demencia antes que subrayar el reconocimiento que llegó a cosechar en esos años previos a su internamiento en el sanatorio de Endenich. terminó siendo dedicada a Ferdinand David y publicada cuando Schumann se encontraba ya internado en Endenich. el paso de este movimiento al siguiente. A esta curiosa obra. como el Album für die Jugend. Entre septiembre y noviembre escribió dos sonatas que fueron estrenadas privadamente por el violinista con Clara al piano. el último con un planteamiento canónico. cuya presencia le fue prohibida durante su internamiento en Endenich. que había sido su propio discípulo en Leipzig a principios de los años cuarenta. WoO 27. a la hora de tratar el estilo tardío en Schumann. en los años sesenta y setenta. se inicia con el acompañamiento en pizzicati del violín. Jesu Christ. según parece. op. La relación de Schumann con Wasielewski también animó al compositor a escribir sonatas para violín y piano. cuya publicación quedó relegada hasta 1956. la conversión de la Neue Zeitschrift für Musik que él mismo había fundado en un manifiesto wagneriano y antischumanniano. me refiero a Ferdinand Hiller. era un experto conocedor de la historia y particularidades de los instrumentos de cuerda (más tarde. y al poco de llegar a Düsseldorf. aunque aquí Schumann supera a su primera sonata al integrar con más habilidad los dos instrumentos por medio de un fluido empleo del contrapunto.

sin embargo. resulta algo más convulsa. “¡Mire. dentro de una serie de artículos de Adolf Schubring publicados en la Neue Zeitschrift für Musik que formaron parte de una sección llamada “Schumaniana”.la amada idealizada a la que dedicó varios poemas. acerca del declive y la decadencia de la música. musicales y filosóficas en sus últimas composiciones. pero quizás aquello que más importe sea si la ola muere en el mar o en una ciénaga”. Schubring sería capaz de distinguir hasta tres etapas distintas en su producción. preguntó Brahms. algo debió de suceder en torno a 1884 o 1885. por extensión. precisamente ese cambio de mentalidad coincide con el momento en que muchos historiadores comenzaron a ver los últimos cuartetos de Beethoven como el clímax de su obra y. sino también una espiritualidad desconocida en su catálogo de canciones. De hecho. lo tardío dejó de ser considerado históricamente como un síntoma de decadencia para convertirse en algo positivo. deseos. como era habitual. titulado Gestillte Sehnsucht (“Anhelo aplacado”). organizando las colecciones que van desde el op. entre el estreno y publicación de su Tercera Sinfonía y la composición de la Cuarta. es decir. cuando el compositor contaba veintinueve años. apuntando hacia el río que pasaba por allí con la otra mano. de toda una época. * * * En su clásica biografía de Johannes Brahms (1833-1897). y. cuya densidad va aumentando paulatinamente. mire!” “¿Qué es lo que quiere que mire?”. incluso. Brahms residió en Mürzzuschlag. pasando por la evocación de Brahms en la segunda y la cuarta o la monotonía rítmica de la tercera. pues la mayoría de las observaciones derivan del mismo tronco. La obra consta de cinco piezas que parten de la sencillez de un himno matutino de la primera hasta la solemnidad coral de la quinta. 91: dos Lieder muy especiales en los que Brahms añade una parte de viola obligada a la formación de contralto y piano que no solo aporta un colorido especial. 93 al 96 o terminando la composición de los Zwei Gesänge (“Dos cantos”) op. “¿No lo ve usted? ¡Ahí va la última ola!”. presenta una forma casi simétrica en la que la viola introduce y cierra la obra. especialmente cuando su etapa final coincidió con la de toda una época que iba a ser arrollada por los nuevos vientos del modernismo. Notley concluye que el estilo tardío es una categoría significativa que va mucho más allá de la artificialidad o las divergencias que plantea cualquier construcción en torno a la obra de Brahms. sobre un texto de Friedrich Rückert. Y es que. superando con su inspiración divina las limitaciones de su averiada conciencia. No obstante. Pero recuerdo que fue Brahms. op. El compositor hamburgués representa la desilusión de finales del siglo xix y también la noción adorniana de “envejecimiento” musical. donde dedicó parte del tiempo a poner al día su catálogo de Lieder. 18). Después de concluir estas piezas en el sanatorio de Endenich. exclamó. pero Mahler de repente le cogió del brazo y. quien tuvo la última palabra: “Eso está muy bien. Geistliches Wiegenlied (“Canción de cuna sacra”) es un cantarcillo a la virgen de Lope de Vega recopilado y traducido al alemán por Emanuel von Geibel dentro de su Spanisches Liederbuch que Brahms convier67 . apoya la línea vocal o la enriquece con figuraciones barrocas y cuya sección central. cuando los críticos coetáneos comenzaron a percibir un nuevo estilo en su obra que resultaba más asequible. Schumann continuaría con el acompañamiento pianístico de los Caprichos de Paganini. que sabemos que no cesará. tanto su biógrafo Karl Geiringer como el propio Adorno coinciden en que el aire otoñal o la constricción expresiva a menudo atribuidas a sus últimas composiciones en numerosos estudios afectan a muchas más composiciones que las cronológicamente ubicadas en su estilo tardío. doctor. Es un buen símbolo del eterno movimiento en la vida y el arte. mientras que los especialistas actuales han visto ese mismo estilo como tremendamente elaborado. que modula a Re menor “Ihr Wünsche. durante un encuentro con el joven Gustav Mahler en Bad Ischl: “Brahms comenzó discutiendo. en Estiria. die ihr stets euch reget” (“Vosotros. No resulta fácil delimitar el estilo tardío en Brahms. Richard Sprecht recoge lo sucedido en el verano de 1896. es decir. La división de la obra de Brahms en varios períodos se inició en una fecha tan temprana como 1862. El primer canto. El segundo. ¿Acaso el colapso del cuerpo conlleva la decadencia del espíritu? nada fácil marcar el inicio de su etapa final e. hasta Margaret Notley ha llegado a plantearse si Brahms tuvo realmente un estilo tardío. en la que se trataba de los compositores considerados seguidores o miembros de la “escuela” del compositor de Zwickau. donde pudo verlo improvisar compulsivamente al piano. de la percepción compartida de diferencias estéticas. WoO 25 y también escribiría cinco Romanzen para violonchelo y piano cuyo manuscrito Clara destruyó al considerar que no le hacían justicia. Con tan solo dieciocho obras publicadas (el estudio llega hasta el Sexteto nº 1. no resulta 66 Durante las vacaciones de 1884. os removéis”). a lo largo de la segunda mitad del siglo xix. en concreto. el último de la vida del compositor hamburgués. Resultan conmovedoras las dos últimas imágenes que tenemos de Schumann: la litografía de Henri Fantin-Latour titulada Le dernier thème de Robert Schumann y la descripción que hace Wasiliewski de su última visita a Schumann en el sanatorio.

El Intermezzo op. “un estado de ánimo que mezcla el dolor y la serenidad. y después de haber terminado su Quinteto de cuerda nº 2 op. wie bitter bist du (“¡Oh. Ich wandte mich und sahe an alle (“Me giré y vi a todos”). Por su parte. El cuarto. tiene una factura aparentemente sencilla. Auf dem Kirchhofe (“En el camposanto”). pero destaca por su riqueza y concentración melódica. noble y elegante caracteriza el Intermezzo op. 121. la composición de cuatro obras camerísticas tardías con ese instrumento como protagonista. Clara Schumann definió el Intermezzo op. en el segundo. le dijo a uno de los presentes.und mit Engelszungen redete (“Si yo hablase con lenguas de hombres y de ángeles”) en Mi bemol mayor representa el triunfo de la idea del consuelo cristiano. resulta una obra casi hipnótica por el uso que hace de la disonancia y cuya estética se aproxima a los albores del expresionismo. Wenn ich mit Menschen. 116 nº 4 marca el grado de novedad de estas piezas finiseculares que suenan a veces como improvisaciones oníricas cuyo halo poético se aproxima a Debussy. Precisamente ese camino desde la tragedia a la resignación también lo encontraremos en el último ciclo de Lieder de Brahms. prácticamente su “canto del cisne”: los Vier ernste Gesänge (“Cuatro cantos serios”) op. pero termina encontrando la paz al final. que Brahms pasó en Hofstetten. O Tod. 119 fueron escritas por Brahms durante los meses veraniegos de 1892 y 1893 en Bad Ischl y constituyen claramente su testamento pianístico. Son todas ellas composiciones desconcertantes por su aparente 69 . constituyen un diario íntimo en el que Brahms representa. Immer leiser wird mein Schlummer (“Mi sueño es cada vez más apacible”). El primero. como reacción sentimental al breve affaire que mantuvo con la joven cantante Hermine Spies. regresó a la composición para piano llevaba desde 1879 sin añadir una sola obra a su catálogo pianístico. Desde 1853 no volvería nunca más a escribir una sonata y cuando. muerte. la huida de la naturaleza y el amor de los hombres”. siendo como fue un concertista de piano durante la mayor parte de su vida. 116 al op. que utiliza un poema de Detlev von Liliencron. violonchelo y piano op. 68 En Brahms sorprende que. 105 surgieron en el verano de 1886. Sin embargo. después de tomar esa decisión. se trata de un ciclo en el que el compositor hamburgués se concentra más en el contenido melancólico y su evocación que en poemas de autores conocidos. De hecho. muerte.te en una bella canción de cuna en la que hace uso de la mecedora melodía del coral Joseph. habían ocupado toda su labor artística. 114. El canto elegíaco fluido. junto a las sinfonías Tercera y Cuarta. vuelve a presentar una forma simétrica con el episodio central también en modo menor y con la repetición de la introducción con la viola a modo de coda. evoca con gran intensidad la muerte. con el Trío para clarinete. La muerte irrumpe desnuda y misteriosa en el inicio del Intermezzo op. A comienzos de 1891. Bien es verdad que los conciertos para ese instrumento. Brahms decidió que era el momento de terminar de poner orden en su obra y retirarse para siempre. lo que le animó a iniciar ese mismo verano en Bad Ischl. el 7 de mayo 1896: “Fíjate el regalo tan bello que me he hecho”. escuchó en marzo mientras descansaba unos días en Meiningen al solista de clarinete de la orquesta de la corte. hay que enmarcar estas piezas dentro de su proyecto personal de poner orden a su obra. 111. le sigue una segunda sección acórdica en modo mayor y. En el tercer canto. qué bien haces al necesitado!”). 119 nº 1 como una pieza “dulcemente triste” que evoca el color de una perla opalescente. sobre un texto de Hermann Lingg. Wie Melodien zieht es mir (“Es como si las melodías”). evoca el contenido del poema con una melodía vaporosa y refinadísima. lieber Joseph mein. sobre un poema de Klaus Groth. que contrasta con una sección central heroica e intensa. dedicase tan pocas composiciones a su instrumento. la música de cámara o los Lieder. en 1892. la esperanza y la resignación. En los dos primeros. En cuanto al cuarto. modulando a Do mayor y citando un coral de la Pasión según san Juan de Bach. 117 nº 2. a los que ya había puesto música con anterioridad. que inicia especialmente a partir de 1891. que dos años atrás había homenajeado al compositor. Por otro lado. por lo que pidió al clarinetista que le mostrase todas las posibilidades de su instrumento. qué amarga eres!”). Richard Mühlfeld. 118 nº 6 con un tema elaborado a partir del Dies Irae gregoriano. en palabras de Georg Knepler. representa el Vanitas vanitatum del Eclesiastés con una estructura da capo y acompañamiento de piano de aire organístico en cuya armonía trata de evocar el fabordón por medio de terceras y sextas. los Lieder op. Se trata de una serie de cuatro Lieder sobre textos de la Biblia traducida por Lutero que Brahms dio a conocer a sus allegados en su última fiesta de cumpleaños. junto al Lago de Thun. termina en una coda lenta que parece improvisada. Denn es gehet dem Menschen wie dem Vieh (“Porque al hombre le pasa como al animal”). opone la amargura y la resignación por medio de una milagrosa transición a Mi mayor sobre el verso “O Tod. cuya bella melodía surge al principio de una escritura basada en arpegios entrelazados. Brahms evoca el lado trágico de la muerte: en el primero. resulta mucho más trágico e intenso. Las veinte piezas pianísticas que comprenden las cuatro colecciones que van desde el op. En el segundo. El timbre a medio camino entre la dulzura y la melancolía resultaba ideal para representar su estado de ánimo. aunque para la mayoría estos cantos serios constituyen en realidad su testamento espiritual. wie wohl tust du dem Dürftigen” (“¡Oh. tras una breve reexposición. el sufrimiento y las miserias humanas. están dedicados a la memoria del padre del escultor Max Klinger.

En realidad. El Andante. El tercer movimiento. se trataría de un tercer período que alcanza todo artista tras una primera fase de preparación y una segunda de maestría e individualidad. algo especialmente evidente en el desarrollo. seguidos de un desarrollo simplificado y en el que prácticamente tan solo se utiliza el tema de la introducción. efectivamente. no hay más que examinar los primeros compases de la introducción: se inicia la obra en Re mayor con los dos violines. cuando llega a Roma en octubre de ese año para dedicarse a cultivar su fe religiosa. su obra adquiere un enorme grado de introspección y una gran despreocupación acerca del destino de la misma. Y la obra concluye su estructura tripartita con un Andante con moto que conjuga un sencillo tema con una serie de variaciones desarrolladas. le sigue un Adagio en Si mayor en forma ABA que se inicia con un maduro y asentado canto de amor liderado por el clarinete cuya sencillez en los extremos contrasta con el melancólico canto zíngaro de la sección central. En el Allegro appassionato. que tiene estructura de scherzo. que plantea una serie de variaciones sobre un tema en apariencia sencillo que prácticamente camina por grados conjuntos. Durante el verano de 1894. pero que se elabora con gran refinamiento a la hora de repartir el protagonismo en cada variación o crear efectos tonales de “claroscuro”. El corazón apesadumbrado: Franz Liszt Además de figurar en el Libro Guinness de los Récords. en la Sonata en Fa menor. de forma especial. es lo que el crítico vienés Richard Hirschfeld denominó en su reseña tras el exitoso estreno vienés de esta obra el “claroscuro de la tonalidad [. El tercer movimiento tiene dos secciones. op. en una carta dirigida a Camille Saint-Saëns fechada el 19 de julio de 1869 afirma lo siguiente: “En la actualidad 71 . con el tema inicial de los tres que conforman la forma sonata. pero siempre dentro de un fluir continuo. el espíritu atribulado de Brahms por la muerte de varios amigos volvería a interesarse por el clarinete en las que serían sus últimas obras camerísticas: las dos Sonatas para clarinete y piano op. un Andantino y un Presto. 115. aunque tiene forma de scherzo. op. y hasta el final de su vida. Brahms lograría en ambas profundizar todavía más en esa aparente sencillez que evita cualquier demostración de virtuosismo o exceso de expresividad en favor de la evocación poética y el intimismo. o dispone un equilibrio ideal en las proporciones al prever la misma extensión para cada una de las secciones. en esa tercera fase la comunicación con el público se vería reemplazada por la meditación en soledad. un poco Adagio está compuesto en forma ABA y también hace gala de una libertad melódica que pretende evocar lo onírico. y que recientemente fue publicado en un cofre de noventa y nueve cedés. que encontramos a lo largo de toda la obra.. donde se antepone a lo melódico. esconden una cuidadísima factura llena de innumerables detalles que ciertamente abren nuevos horizontes.sencillez que. que corre pareja al reconocimiento público. más proclive a la soledad y a centrarse en las obsesiones íntimas. Tal fue así que muy pocas de sus obras tardías fueron interpretadas en concierto o publicadas durante su vida. se percibe una mayor elaboración y contraste. que es un jovial 70 rondó con algunas libertades y con episodios bien diferenciados. sencillez e intimismo que se refleja ya en los primeros compases de la obra. quizás en ello resida la contradicción arriba comentada entre los críticos coetáneos de Brahms y los estudiosos actuales a la hora de retratar las características del estilo tardío del compositor hamburgués. en realidad. que relacionan lo tardío con un período menos preocupado por las relaciones personales. el enciclopédico proyecto fonográfico dedicado a toda la obra pianística de Franz Liszt (1811-1886) realizado en el sello Hyperion por Leslie Howard entre 1986 y 1998. 120. incluye numerosas reflexiones interesantes escritas por el propio pianista de origen australiano en las carpetillas de los discos. concluye con una apertura a otras posibilidades melódicas o con una vuelta al principio.. 120 nº 2 parte del mismo planteamiento de evocación. pero con un mayor número de ideas secundarias. Y es que. Al Allegretto inicial en forma sonata. cuyos temas principales derivan uno del otro. Por ejemplo. con un Trío central más estático. si bien la poética aparición del clarinete en el compás quince confirma nuevamente el tono de Re. En relación con el Quinteto para clarinete y cuerda en Si menor. La Sonata en Mi bemol mayor. Y le sigue el Finale. funciona como una especie de intermezzo cuyo carácter movido conduce al Finale. pero en la entrada de la viola y el violonchelo en el tercer compás comprobamos que estamos en realidad en Si menor. Brahms aboga por un planteamiento más austero en cuanto al desarrollo temático. pero donde se oculta una exquisita y fecunda elaboración temática y construcción formal. Estas dos sonatas las escucharemos en este ciclo en la versión alternativa para viola que publicó Fritz Simrock en 1895 dentro de la primera edición de ambas composiciones. para terminar con una reexposición donde la obra toma aliento y. Howard explica el estilo tardío de Liszt a partir de los estudios del psiquiatra inglés Anthony Storr. Este efecto. que Brahms redactaría ese mismo verano de 1891.] que mantiene al oyente en suspense”. tras exponer en orden los tema escuchados en la exposición. el estilo tardío surge en la obra de Liszt cuando abandona su posición de Kapellmeister en Weimar en agosto de 1861 y. op. 120 nº 1 el primer movimiento presenta seis temas bastante emparentados entre sí. pero con numerosas licencias. Desde ese momento.

o que le cuesta encontrarlas. En él contrapone una brillante escritura en octavas en las secciones extremas a una central. que escucharemos en su versión para viola y piano. 527. S. las canciones se vuelven más sombrías y las texturas que utiliza se tornan sobrias y hasta constreñidas. S. ya sea durante mi vida o después”. se trata de un lamento al estilo húngaro dedicado a su admirado compositor Mihály Mosonyi en un tono tremendamente sombrío. Liszt escribió su Vierte Mephisto-Walzer (“Cuarto Vals de Mefisto”) S. disastro. tras culminar el oratorio Christus en 1872. En ellas encontraremos ideas que van más allá de los confines del Romanticismo. una pieza concisa. cuyo título es un homenaje a la Danse macabre de su amigo Camille Saint-Saëns. y Unstern! Sinistre. Las obras para piano solo más interesantes de este período. y Am Grabe Richard Wagners (“En la tumba de Richard Wagner”) S. como los Vals Mefisto y las Rapsodias. Poco después escribió una obra mucho más futurista. 199. 73 . la elusión de cadencias confortables. – Venezia S. lo inicia la viola sola con la indicación de Andante malinconico y la obra evoluciona hacia una mayor intensidad. que compuso unos meses más tarde en conmemoración del que habría sido su septuagésimo cumpleaños. son las obras religiosas y las pertenecientes a grandes colecciones. pero sin perder su aura de nostalgia. consiste en la transformación de un tema cromático hasta que encuentra una tonalidad en la que poder descansar. De 1880 es la Romance oubliée S. 215 de los cuatro que compuso Liszt. el compositor ahonda en el cromatismo y en la oposición modal mayor y menor hasta hacernos perder el horizonte tonal que se acrecienta al dejar un final abierto. el preludio de la cantata Die Glocken des Strassburger Münster (“Las campanas de la catedral de Estrasburgo”). la desnudez sonora o hasta el desvanecimiento en el silencio. llevo una profunda pesadumbre en el corazón. S. pero devolviéndole el cumplido al citar al final de esta pieza el tema de las campanas de la misma ópera (la escucharemos en la versión para cuarteto de cuerda. sobre todo de cara a la pequeña muestra del opus ultimum de Liszt que escucharemos en este Liceo de Cámara.no me preocupo de mis composiciones más allá de la escritura de las mismas. se inicia con el tema de Excelsior!. y que algunos especialistas han relacionado con el futuro Webern. trage ich tiefe Trauer im Herzen. sie muss hie und da in Noten ertönend aufbrechen” (“Como usted sabe. es lo que escribió el compositor en 1883 a su biógrafa Lina Ramann: “Wie Sie wissen. una reacción a la noticia de la inesperada muerte de Wagner en la que se mezclan el dolor con la grandeur. aunque Liszt la publicó también para dúo de piano y violín o violonchelo (en realidad fue la respuesta que dio el compositor a un editor que quería reeditar una antigua Romance). 202. como el uso de armonías avanzadas o la directa ruptura de la tonalidad. En este último período creativo. Scriabin o incluso a Schoenberg o Bartók. incluso en las obras más vinculadas al concierto público. Al año siguiente. Más revelador aún. sin pensar lo más mínimo acerca de su difusión. como el tercero de los Années de pèlerinage. 216a. 194. aunque en 1885 la revisaría para incorporarla a sus Retratos históricos húngaros. que Wagner utilizó en el preludio de su ópera Parsifal. quizás en sustitución de ésta. que permite también la utilización de un arpa ad libitum). W. limitada a una simple línea melódica en la mano derecha que evoca el tema del primer vals de Mefisto. Supongo que si tienen algún valor será reconocido en algún momento. que denomina Espressivo. enigmática y hasta hipnótica que admiraron Debussy o Stravinsky. además de las danzas. se trata de dos miniaturas que reflejan quizá su lado más oscuro y que al mismo tiempo exhiben su música más futurista: la impresionista Trübe Wolken o Nuages gris (“Nubes grises”). La más temprana de las piezas que escucharemos data de 1870 y es Mosonyis Grabgeleit (“Procesión fúnebre de Mosonyi”) S. fechado en 1881 con la intención de escribir una danza que olvida sus características. 696 siguiendo la habitual forma ternaria. De 1883 datan también dos obras inspiradas por la muerte de su yerno Richard Wagner: R. 201. que se conoce como Bagatelle ohne Tonart (“Bagatela sin tonalidad”). y tiene que manifestarse de vez en cuando sonando en forma de notas”). en este caso el vals aparece tras una misteriosa introducción en staccato y va intensificándose hasta estallar en una sección marcada como appassionato fortissimo y luego comienza a diluirse (resulta muy significativa la indicación que anota Liszt en esta obra: “Tóquese de forma elegíaca y no tanto como un vals”). En marzo de 1885. la suite El árbol de Navidad o los Retratos históricos húngaros. que anticipan efectos asignados más habitualmente a Debussy. 203 fue inspirado en 1883 por un poema de Antonia Rab que no conservamos. 72 En 1881 también escribió dos piezas difíciles de clasificar. y en la que Liszt se adentra hasta los límites de la tonalidad sin llegar a ser atonal. La palabra “oubliée” volvemos a encontrarla en el primer Valse oubliée S. 224. su obra coral será a pequeña escala y sin acompañamiento orquestal. la libertad formal. Liszt escribió las Csárdás macabre S. S. 208 con la que retrata el lado más diabólico del infortunio y que se inicia de forma muy sencilla pero efectiva con un empleo sorprendente del tritono y de los intervalos aumentados. Liszt reduce drásticamente su música sinfónica o le da una orientación religiosa y. Schlaflos! Frage und Antwort (“¡Insomnio! Pregunta y respuesta”). y donde combina una melodía nacional húngara con la experimentación tímbrica del piano desde el toque más percutivo al efecto más evocador.

la última obra camerística de Franck. Schoenberg se centra en representar musicalmente la evolución de los sentimientos antes que en narrar simplemente la historia y divide la obra en cuatro secciones y una coda. 116 de 1878 fue el resultado de un encargo del pianista. las alucinaciones o los mareos del compositor checo tan solo le permitían componer pequeños segmentos de música y ello quizá determinó que la obra tuviera un estilo más cortante. un Presto algo desequilibrado pero con aromas de polka y en el que Smetana utiliza como tema principal el aria de Rarach de su ópera Čertova stěna (El muro del diablo). para que tenga alguna importancia. como sucede con su popular Cuarteto nº 1 en Mi menor. Mozart no podía saber al abordar sus Cuartetos “Prusianos” que tan solo le quedaba un año de vida. 64 (1855). quien no solo estudió con gran interés esta obra de Smetana. tras estudiar profundamente los cuartetos de Beethoven. “Z mého života” (“De mi vida”). Cuando uno espera un movimiento lento. compositor y promotor Jan Ludevít Procházka. sino que incluso afirmó que le había abierto nuevos caminos. T. en la cuarta se produce un inesperado cambio a Re mayor cuando el amor del hombre le permite superar el trance y escuchamos el tema principal transfigurado. iniciada en la primavera de 1889. denso y concentrado. se impone otro movimiento rápido que se inicia de forma alocada con el trémolo de los cuatro instrumentos. pero también le reportó alguno de sus éxitos públicos más relevantes. el 19 de febrero de 1877. debe ser una obra de madurez”. el tercero. le sigue un breve desarrollo y únicamente la reexposición del segundo tema. Schubert. De hecho. que coincidieron con un empeoramiento progresivo de su enfermedad depresiva y mental. Y. que aportó no solo una estructura muy personal a cada movimiento. a la que se unía su sordera. T. D’Indy trata de introducir con su comentario el Cuarteto en Re mayor. al valerse no solo de la dramática tonalidad de Re menor sino también del empleo de un programa que determina un discurrir musical determinado. para Bedřich Smetana (1824-1884). que acababa de fundar en Praga una institución permanente de música de cámara para cuyo concierto inaugural. violonchelo y piano en Sol menor. consta de cuatro movimientos. centro y periferia La música de cámara. en el paradigma del estilo tardío de cualquier compositor. Mendelssohn y Brahms. en su caso. y una mezcla de ambos. sino también un argumento fácilmente identificable para el público. op. y esa edad. en lugar del scherzo. Sin embargo. un ejemplo fue Arnold Schoenberg (1874-1951). de un buen cuarteto fechado durante su juventud. pues mientras los últimos cuartetos del primero se convirtieron en la segunda mitad del siglo xix. incluso los mejores de Mozart los escribió entre 1789 y 1790. cuando el compositor tenía treinta y tres años.Precursores y epígonos. al que sigue un fugato interrumpido una y otra vez por los referidos trémolos. el programa está basado en un poema de Richard Dehmel en el que se relata la conversación entre un hombre enamorado y su mujer cuando esta le confiesa que está esperando un hijo de otro hombre. era ya muy avanzada”. aforístico. en otros casos. sigue la confesión de la mujer. En la primera se sitúa a la pareja en una fría arboleda a la luz de la luna. No obstante. estuvo motivada por una tragedia como la muerte de su hija Bedřiška a la tierna edad de cuatro años. como sucedió con el Trío para violín. Tal como confesó el compositor por carta. algo hasta ese momento reservado al repertorio sinfónico. a Josef Srb: “En esta obra he querido representar en música el discurrir de mi vida”. perteneció siempre a su esfera más íntima. * * * “El cuarteto de cuerda. Esta cita dice claramente mucho más del prestigio póstumo de Beethoven que de Mozart. A continuación un Allegro moderato. En alguna ocasión. plasmada en la tonalidad de Mi bemol menor. para terminar. y el resultado fue un ejemplo único en la tradición de la música de cámara al utilizar un programa. meses antes de su fortuita muerte atropellado por un coche 75 . Se inicia con un Allegro de aparente estructura clásica de sonata. lo que hizo que pocos años después fuera relacionada con las tendencias musicalmente más modernas. que no puede ocultar la huella de los últimos cuartetos de Beethoven. 4. tal y como ya se ha señalado. incluso entre los músicos de genio. Este cuarteto. 131 que surgió de nuevo por el interés de Procházka por promocionar la música del compositor checo. el insomnio. escrito en 1899. quiso programar un cuarteto de Smetana. La obra concluye con una coda que adopta la forma de un himno a la naturaleza y a la redención del amor en la que se respiran aires wagnerianos. 74 Los aspectos novedosos de este cuarteto tuvieron una importante recepción entre los jóvenes compositores del momento. aunque esté más cerca de una fantasía en torno a tres temas: angustiado y violento el primero. plácido y tranquilo el segundo. entre otros. en la que se incluye el angustiado tema principal y su tormentoso desarrollo. afirma Vincent d’Indy en la biografía de su maestro César Franck (1822-1890) publicada en 1909. y continúa: “No hay ningún ejemplo. y que culminó en enero de 1890. el joven compositor vienés estudió a fondo también el primer cuarteto de compositor checo y la huella de ambos es posible detectarla en su sexteto Verklärte Nacht. la obra fundamental del estilo tardío de Smetana es su Cuarteto nº 2 en Re menor. la tercera sección representa la reacción del hombre y su tristeza. En realidad. T. donde se combina con una sombra de amargura una polka rústica y una encantadora dumka. Smetana invirtió en la obra los años 1882 y 1883.

dos años más tarde falleció de resultas de unas fiebres tifoideas. los tres últimos movimientos de la obra fueron estrenados de memoria y completamente a oscuras por Ysaÿe y Bordes-Pène. su principal obra camerística sigue siendo la Sonata para violín y piano en La mayor. Durante el verano de ese año pudo concluir el primer movimiento. Precisamente. la hija de su amigo Franz Liszt. indicado como Allegretto poco mosso y uno de los más populares de Franck. se opone un ambiente misterioso y mendelssohniano en forma de moto perpetuo constantemente interrumpido frente a un Trio más tranquilo y apasionado que reaparece nuevamente en la coda. incluye en realidad dos movimientos en uno. que aparece marcado como Allegro ben moderato y funciona como introducción. curiosamente. como regalo de boda para el violinista Eugène Ysaÿe. 9 de Franck presenta una estructura en cuatro movimientos. según testimonio de Vincent d’Indy. Poco lento – Allegro. es un rondó cuyo tema principal deriva del motivo cíclico que se expone en forma canónica. M. Intentaría con esta nueva composición crear una forma nueva y personal de música de cámara. El estreno se celebró el 19 de abril de ese año en los conciertos de la Société Nationale en la Salle Pleyel y fue un éxito impresionante: el compositor tuvo que comparecer en escena ante un público entregado y a la salida confesaría a sus allegados: “¡Parece que el público empieza a comprenderme!” El Cuarteto en Re mayor. Al inicio del Finale vuelven a sonar los temas principales de todos los movimientos precedentes. inspirada en “Dios” (la forma en que solía nombrar a Beethoven). Allegro. Según dejó Lekeu por escrito. el movimiento final. El primero. el Très animé. Ysaÿe se había quedado fascinado con la personalidad musical de Lekeu tras escuchar Andròmede. no por casualidad había confesado que su credo musical se resumía en la expresión: “Me mato por poner en mi música toda el alma”. Aunque el éxito de esta obra fue el más importante que tuvo Franck en toda su vida. en 1886. El tercer movimiento. cada uno con sus propios temas. había proseguido sus estudios con Vincent d’Indy: Guillaume Lekeu (1870-1894). El Larghetto que sigue. Dans un emportement douloureux constituye el marco sentimental de la obra. pocos días más tarde. ante la prohibición que había de utilizar luz artificial en el lugar. donde gritos de sufrimiento siguen a largas llamadas de felicidad”. Desgraciadamente. que era una de las invitadas a la ceremonia. que estuvo presente. que antepone en ella el lirismo a cualquier consideración formal y construye a partir del tema cíclico un onírico recitativo entre los dos instrumentos. Por su parte. 8 que escribió tres años antes. Ben moderato. nada más terminar su Sonata para violín. el compositor no renuncia a incluir un motivo cíclico que reaparecerá al final de la obra y que escuchamos al principio expuesto por el primer violín en fortissimo sobre la indicación molto largamente e sostenuto. el origen de la obra parece ser que estuvo en una sonata que planeó escribir en 1858 para Cosima. Recitativo fantasia. Lekeu inició la composición de su Cuarteto con piano en enero de 1893. Ambos la estrenarían en público en diciembre de ese año en el Musée Moderne de Peinture de Bruselas como colofón a un maratoniano concierto que se había iniciado a las tres de la tarde. aunque en orden inverso. Scherzo. M. recién casado por entonces con el director de orquesta Hans von Bülow. D’Indy en su referida monografía de 1909 califica esta obra de Franck como “el modelo más refinado de uso cíclico de temas en una sonata”. el novio optó por estrenar su regalo y tocó la sonata a primera vista junto con la pianista Marie-Léontine Bordes-Pène. Ysaÿe encargaría otra obra similar a uno de los mejores alumnos del belga y que. encontramos una forma sonata con el desarrollo muy simplificado y cuyo apasionado segundo tema deriva del motivo cíclico. cuando llegó el momento de tocar la obra de Franck ya se había hecho prácticamente de noche y. en la que perseguía lograr una cohesión absoluta entre todos los movimientos a la par que una total unidad de conjunto sin que ningún instrumento fuese protagonista o estuviera subordinado. que Lekeu escribió con tan solo veintidós años. al inicio del primer movimiento. Eugène Ysaÿe y Matthieu Crickboom. iba a cumplir sesenta y ocho años. es su obra maestra y en ella combina un equilibrio muy personal entre el material musical y la temperatura expresiva y espiritual. En el segundo movimiento. el 26 de septiembre de 1886. en diferentes movimientos. al inicio escuchamos el intenso motivo principal expuesto por el piano sobre un siniestro tapiz de la cuerda y al que más adelante opone otro más 77 . el poème lyrique con que había ganado el segundo Premio de Roma belga en 1891. se inicia con un tema tierno y melódico que conforma el estribillo de un rondó de melancólicos episodios. Al igual que vimos en el cuarteto. pero transformado. La misma mañana del enlace del violinista belga con Louise Bourdeau de Coutrai. que fue estrenado privadamente con la intervención de los dos violinistas a quienes está dedicada la obra. La Sonata para violín y piano en Sol mayor.de caballos cuando. “donde miles de sentimientos chocan. y que es lo primero escrito por Franck de esta obra. se refiere a la técnica que Franck desarrolló a partir de 76 Liszt y que consistía en el uso de un mismo tema. dejando incompleto su Cuarteto para cuerda y piano en Si menor. En el segundo movimiento. cuyo segundo movimiento sería completado por su maestro D’Indy. tras su muerte. constituye una de las creaciones más personales del compositor belga. escuchamos por vez primera el motivo cíclico expuesto por el violín. y el compositor los combina con nuevas ideas en una brillante forma sonata. Seis años después de la Sonata de César Franck.

Un ejemplo de esto último lo encontramos en el inicio del Allegro moderato. La primera obra que escribe a su regreso es el Cuarteto nº 13 en Sol mayor. pero lo terminará después del op. op. “Souvenir de Florencia” fue la última composición de Tchaikovsky que escribió bajo el mecenazgo de Nadezhna von Meck y también su última partitura de música de cámara. en el desarrollo. Ese juego se traslada a todo el movimiento con una densidad de escritura nuevamente orquestal que culmina en un clímax indicado como Grandioso y donde los cuatro músicos interpretan el tema en sonoros acordes. el segundo tema se parece más a una canción con fragancias checas. Dvořák añade una intensidad e incandescencia casi orquestal. Nunca ha estado claro si esa ruptura estuvo motivada por el escándalo social relacionado con la noticia de que Tchaikovsky era homosexual. sin embargo. Al mismo tiempo. y aun orquestales. introducido por un breve y vaporoso Andante sostenuto que parece improvisado y tiene claras reminiscencias del estilizado furiant checo. y en el que Tchaikovsky cultiva esa ecuación musical idealmente rusa de nostalgia y vivacidad rítmica. 78. había empezado en Nueva York el que sería su último cuarteto. El tercer movimiento es un scherzo de brutales acentos rítmicos con dos tríos que suponen un contraste melódico. que conforma una brillante forma sonata en la que el compositor inserta en la reexposición una fuga a seis voces de la que. para tomarse un respiro y escribir esta obra apasionada. se trata de un ejemplo de la música más radical y desoladora jamás escrita por Tchaikovsky. pero no fue hasta 1890. por el contrario. Lent et passioné. luminosa y encantadora en cuatro movimientos. la filántropa Nadezhna von Meck escribió su última carta a Piotr Ilych Tchaikovsky (1840-1893) y en ella ponía fin a su mecenazgo por supuestos problemas económicos. Se inicia con un Allegro con spirito que arranca sin introducción y con ímpetu con una forma sonata y tres temas engarzados como si de una impetuosa coreografía se tratase. cuyo primer tema resulta de la peculiar combinación de dos saltos. y a consecuencia de la cual moriría unos meses más tarde que Tchaikovsky. 192). y el Allegro vivace final. se interesa por la música programática y. que plantea un increíble reto al oyente y en la que podemos reconocer algunos ecos de lo que sería poco tiempo después su Sinfonía “Patética”. que redacta entre el 11 de noviembre y el 9 de diciembre de 1895. 79 . 106 ya de vuelta en Praga (de ahí esa curiosa paradoja en el número de opus). y tras un viaje a Florencia y la culminación de la ópera Picovaya Dame (La dama de picas) cuando Tchaikovsky encontró el momento. El tema principal es una ardiente y lírica plegaria de ecos populares que incluye una bella alternancia de modo mayor y menor. especialmente el segundo de ellos. El Adagio ma non troppo es uno de los momentos más bellos de la obra camerística del compositor checo. el nº 14 en La bemol Mayor. con ese aire encantador de canción popular checa. 105 (B. si realmente estaba teniendo problemas económicos o si fue como consecuencia de la tuberculosis que ella había contraído. un músico nada proclive en halagos a colegas compositores. si fue por presiones familiares. escribió sobre este joven malogrado lo siguiente: “Este Lekeu es el único músico que conozco que realmente ha sido inspirado por Beethoven”. que fue concluido por D’Indy. para luego seguir el resto de la forma sonata con alguna licencia personal. En 1887 había hecho una promesa a la Sociedad de Música de Cámara de San Petersburgo de componer una obra en agradecimiento por su nombramiento como miembro honorífico. un rápido aleteo y un descenso en tresillos. Incluso Claude Debussy. La obra termina con un Finale con forma de rondó. El segundo movimiento. 106 (B. Un ejemplo de ese furor es la balada sinfónica Voyevoda op. D’Indy consideró siempre a Lekeu como un genio y no dudó en terminar su obra póstuma (intervendría también en el último movimiento de su temprana Sonata para violonchelo de 1888). El Sexteto en Re menor op. que funciona como un intermedio. aunque paradójicamente se trata de un movimiento que emana tranquilidad y resulta emotivamente sobrio. En octubre de 1890. 193). se trata de una etapa en la que contempla los elementos checos con una renovada mirada. en el que Lekeu pretende “mostrar al amor como fuente de dolor”. yor influencia folclórica rusa: el Allegro moderato. El Cuarteto en Sol mayor marca un alejamiento de los elementos musicales de su estilo americano hacia unos contornos más clásicos. según confesó a su hermano Modest. 70. A pesar de sus convicciones contra la inmadura juventud. que inició precisamente en los días en que recibió esa trágica misiva de su benefactora.lírico. pero lo cierto es que esta ruptura desató en el compositor ruso una furia creativa que situó sus últimas composiciones en una esfera diferente. Le sigue el Andante cantabile e con moto con forma ABA y bellamente cantado por violín y violonchelo con acompañamiento de pizzicati. op. tiene el carácter de un nocturno. concretamente en junio. Los dos movimientos finales tienen ma78 El arranque del estilo tardío en Antonín Dvořák (1841-1904) suele asociarse con el regreso a Praga en abril de 1895 tras su estancia americana. estaba muy satisfecho. especialmente. un regreso a los aromas checos y un avance hacia planteamientos musicales más concentrados. tras el estreno de la obra cambió de idea y atribuyó ese final al declive de su poder creativo. en realidad. por la ópera. que recuerdan al último Beethoven.

para trompeta.si bien añade a modo de contraste reminiscencias de la introducción y de temas ya escuchados en los movimientos precedentes. que datan igualmente de 1915. y en las que el compositor combina la sencillez clásica con ecos de expresividad cromática. Inicialmente pensó titularla “Pierrot enfadado con la luna”. requirió una operación y comenzó un tratamiento con radiación. concretamente. 146 no solo es un buen ejemplo de la referida tercera corriente. La estructura sigue el esquema habitual de las obras camerísticas de Reger. al igual que sucede con la mayor parte de los compositores del siglo xx. Sigue una Sérénade que quizás evoque al desventurado Arlequín dándole un serenata a la indiferente Colombina. sin embargo. un año antes de su muerte. 131d que Reger escribió en 1915. En mí habitan multitudes”). sin aparentes contrastes y donde también halla cabida algún destello impresionista. que Debussy escribió casi como un arrebato entre finales de julio y principios de agosto de 1915. op. Por un lado. este compositor bávaro es la personificación del antimoderno. lo rugoso. situando el scherzo tras el primer movimiento. y el estilo posrromántico de herencia brahmsiana y cromatismo postristanesco que le hizo acercarse al expresionismo de Schoenberg. En 1909. Ese mismo año de dolor y sufrimiento. que el compositor denominó precisamente “estilo de Jena”: la corriente neobarroca que se manifiesta en su predilección por el estilo fugado y en la que retomó con nuevas miras la obra de Bach. aunque con su estructura completamente alterada. Por otro lado. En alguna biografía de Reger se ha retratado a este compositor con la famosa sentencia de Walt Whitman: “I am vast. de esos modernos en dificultades con los tiempos modernos. A la segunda corriente de inspiración neoclásica pertenecen las doce pequeñas piezas para piano tituladas Träume am Kamin (Sueños junto a la chimenea). en este caso. y que no desdeñan ninguna posibilidad estética. La obra se inicia con un Prologue. En cierto modo. que no se dejan simplemente seducir por lo moderno. un tema con variaciones que es un claro homenaje a su admirado Johannes Brahms. sus Sonatas para diversos instrumentos (1915-1917) o sus Estudios para piano (1915) muestran un espíritu de reconciliación y una voluntad de aportar algo a una tradición que le precede. y que mantiene las proporciones de un allegro de sonata. op. en su reciente monografía sobre el tema. fagot y piano. tan solo dos meses antes de su repentina muerte. 80 Musicien(s) français No resulta fácil definir el estilo tardío de Claude Debussy (1862-1918). Mozart o Brahms. las tres que no pudo concluir iban a ser para oboe. 143. muestra cómo las obras escritas por el compositor francés en torno a los años de la Gran Guerra coinciden con las dos definiciones que hemos visto de estilo tardío. combinando lo neoclásico con lo decadente y otoñal. lo que muestra el protagonismo que tiene en la obra. El Finale se inicia sin pausa 81 . En cierto modo. Debussy retomaría la composición. al que sigue un tiempo lento y. Como ejemplo de la primera corriente. llena de hallazgos geniales casi únicos”. clarinete. lo que muestra su fascinación o quizás identificación con este personaje de la commedia dell’arte que en su versión francesa era un mimo triste y cuya máscara escondía a un ser lleno de anhelo y deseos insatisfechos. sino acompañarlo. Debussy insistió en publicar cada obra bajo el título conjunto de Six Sonates pour divers instruments (“Seis sonatas para diversos instrumentos”) y firmarlas con su nombre seguido de la muy significativa apostilla musicien français. I contain multitudes” (“Soy inmenso. en las que el compositor bávaro diseña un esquema de sonata neobarroca en cuatro movimientos lento-rápido-lento-rápido que llena de una música sencilla e intemporal. Aunque tan solo pudo completar las tres primeras sonatas del proyecto. y especialmente después de su retirada en 1913 a la ciudad turingia de Jena. su obra fue capaz de combinar relecturas de estos tres compositores que no desentonan con una época que caminaba de forma decidida hacia el modernismo. El Quinteto para clarinete y cuerda en La mayor. La primera de la colección fue la Sonata para violonchelo y piano. para iniciar un proyecto con el editor Jacques Durand que consistía en componer seis sonatas para diversos instrumentos como homenaje a los maestros franceses del siglo xviii: “Nada puede excusarnos de haber olvidado la tradición inscrita en la obra de Rameau. que se mantienen siempre alerta. áspero y desequilibrado de su lenguaje tardío lo encontramos en su ballet Jeux (1912-1913) junto a esa voluntad deliberada de ir contra las convenciones musicales establecidas. las dos compuestas en modo menor. la parte de violonchelo está llena de efectos como pizzicati con portamentos o armónicos que evocan el sonido de la guitarra o la flauta. En la obra de Reger confluyen tres corrientes que se intensifican en su etapa tardía. su reencuentro y puesta al día del clasicismo mozartiano. escucharemos en este ciclo dos de las tres Suites para viola op. cuando su música adquiere un aire más equilibrado y menos pretencioso. trompa y clave. Debussy fue diagnosticado de cáncer y la enfermedad avanzó los años siguientes hasta que. Debussy avisa en la partitura al pianista que no debe luchar contra el violonchelo. que combina nobleza y melancolía. Reger parte de los antecedentes en este tipo de formación escritos por Mozart y Brahms. en diciembre de 1915. pero añadiendo un lenguaje nuevamente sencillo. y la última iba a combinar todos los instrumentos utilizados en las cinco anteriores. tras más de un año sin escribir prácticamente nada. Marianne Wheeldom. No puede sostenerse hoy sin más que Max Reger (1873-1916) fuera un epígono tardío de Bach. sino que constituye además su última composición terminada en marzo de 1916.

El Cuarteto de cuerda en Mi menor. que contaba setenta y ocho años y tenía numerosos achaques como esclerosis. Tras la Sonata para violonchelo y piano. ¿hasta dónde llegará?” Esta pregunta se hicieron varios amigos de Gabriel Fauré (1845-1924) en junio de 1923 tras la exitosa interpretación de su Trío para violín. Siguieron homenajes en La Sorbona en presencia de las principales autoridades y éxitos importantes gracias a sus óperas Pénélope y Prométhée o al Réquiem. op. Así. tan solo en la parte central del movimiento hay un pasaje con la indicación “Con morbidezza” en el que se representa la angustia y la soledad. violonchelo y piano en Re menor. el tercer movimiento tardó casi un año en escribirlo e incluso dejó algún esbozo para un cuarto movimiento. la sección central le confiere el protagonismo al piano. La composición de su Sonata para violín y piano abarcó los meses de febrero y marzo de 1917. después vendría su recaída de diciembre. 115. El Intermède (Fantasque et léger) es un movimiento muy irónico. pensó en trabajar en una serie de obras que coronasen su catálogo: la Sonata para violonchelo y piano nº 2. Debussy abordó inmediatamente la siguiente obra del proyecto. también escribió su único cuarteto al final de su vida. incluso con procedimientos canónicos. el finale de esta sonata dispone de una curiosa deformación al participar en el juego con un tema simple que se vuelve una y otra vez sobre sí mismo. El Trío para violín. El compositor de Pamiers. seguido del inicial (en el que reutilizó material temático de su juvenil Concierto para violín op. y que le ocuparía los meses de septiembre y octubre de 1915. Fauré odiaba el verismo y se ofendió mucho cuando le preguntaron por ello tras el estreno. con la original combinación instrumental de flauta. seguía en plena forma a nivel creativo. no puede decirse que el estilo tardío determinase una reconciliación o una ruptura: simplemente siguió adelante en una asombrosa progresión creativa. escribió entre 1922 y 1924 dos obras maestras con las que culminó su catálogo: el Trío con piano op. que termina dialogando de forma más intensa con los dos instrumentos de cuerda. como una serpiente que se muerde la cola”. 14). aunque enseguida vuelve a enfundarse el disfraz y todo vuelve a la normalidad. arpa y viola. El segundo movimiento. el Quinteto con piano nº 2. resulta un movimiento de perfil inquietante y diálogo sobrenatural. Jacques Thibaud y Pablo Casals. tras exponer sus dos temas. La obra termina con un Finale (Très animé) en forma de rondó cuyo tema principal gira sobre sí mismo y fue explicado por el compositor a su amigo Robert Godet con esta palabras: “Ten cuidado a partir de ahora con las obras que parecen habitar los cielos. la operación y la radioterapia.alguna y mantiene el ambiente jovial con ecos de Parfums de la nuit de Iberia. presenta un sensual y misterioso pasaje central que evoca un ambiente vaporoso a través de efectos en el instrumento de cuerda y cierta suspensión temporal. a sus setenta y cinco años. en 1920 incluso tendría el honor de recibir la Gran Cruz de la Legión de Honor. El compositor francés no pudo retomar el proyecto hasta finales de 1916. op. se diferencian principalmente por la extensión y son manejados con gran invención en los dos desarrollos. pero ya convertido en una persona muy enferma y mermada. op. 120 y el Cuarteto de cuerda op. pero Fauré mantuvo su habitual orden de empezar por el movimiento lento durante el verano de 1923. Tras empezar a tener importantes achaques se recluyó y. a medio camino entre el ostinato rítmico y la edulcorada melancolía. En su caso. está formalmente a medio camino entre el Lied y el rondó. y. La composición fue lenta debido a su estado de salud. los dos temas de la exposición son muy melódicos. pero quizás optó por escribirlo siguiendo el ejemplo de César Franck que. Se inicia con un Allegro ma non tropo en forma sonata con dos desarrollos. 120 por el conjunto formado por Alfred Cortot. siguiendo el encargo del editor Jacques Durand. El Andantino que sigue presenta una forma ABA y hace gala de una gran inspiración lírica y emotiva. es posible que fuera en 1920. el ciclo de canciones L’horizon chimérique y el Nocturno nº 13. a menudo son el producto de una mente oscura y malhumorada. 120 consta de tres movimientos. 117. ese año se retiró del Conservatoire 82 . En realidad. 121. violonchelo y piano op. op. que habría de situarse entre el primero y el segundo. algo bastante excepcional en un músico. siempre lo había evitado con el fin de eludir comparaciones con los cuartetos de Beethoven o Brahms. Andante. y el estreno se celebró en mayo de ese año en la Salle Gaveau de París en la que sería la última aparición pública del compositor. pero al final regresa victoriosa esa supuesta cita de Leoncavallo que se escucha todavía con mucha más claridad. problemas respiratorios y hasta algo de sordera. Se inicia con un Allegro vivo que. El Finale es un scherzo que resulta bastante contradictorio. como vimos. pues es introducido por una sección cuyo tema principal parece ser una cita del famoso ““Vesti la giubba” de la ópera Pagliacci de Leoncavallo. El Finale tiene una estructura muy 83 * * * “Si vive hasta los cien años. El movimiento añade y elabora dos temas más. La obra se inicia con un Allegro moderato que vuelve a tener dos desarrollos y una coda. 121 fue la última composición de Fauré y también el último género camerístico importante que le faltaba por cultivar. si hay que marcar un año de comienzo del estilo tardío en Fauré. está construido sobre dos temas muy melódicos entre los que apenas hay contrastes.

presenta un insistente lenguaje ostinato unas veces desnudo y otras intenso. como. Lo he llamado ‘Cartas de amor’. Kamila Stösslová. Se trata de la última obra importante del compositor húngaro. aunque el material temático se acerque más al de un rondó o incluso un scherzo. Moderato. lo consideran más avanzado que los cuartetos de Debussy o Ravel. los diferentes estados de ánimo del compositor cuando se declaró a su amante. Este cuarteto rezuma desesperación de principio a fin y esa desesperación se materializa en el uso de una misma idea temática. de repente. en el cuarto movimiento. por ejemplo. mientras veraneaba en Saanen en casa de Paul Sacher y la concluyó en noviembre. el inicio muestra la agitación por medio de los trinos de la viola y sus intervenciones sul ponticello o en ostinato describen los ambientes brumosos y formales del balneario moravo. con la que mantuvo una relación amorosa extramatrimonial desde 1917 hasta su muerte. aunque en algunas ocasiones adquiere mayor protagonismo. ensangrentado y palpitante sobre su cabeza. el ritornello se impone y ello paraliza la obra. Vientos del este (y del oeste) El estilo tardío de Leoš Janáček (1854-1928) estuvo marcado por una mujer. en la escritura del conjunto muestra su interés por conseguir efectos tímbricos sorprendentes para expresar sus sentimientos. El estreno se retrasaría hasta 1941. que se celebró el 12 de junio de 1925 en el Conservatorio de París. aunque en realidad proviene del final del “più mosso pensante” intermedio y evoluciona hacia una forma sonata inspirada en aires folclóricos que mezcla sones nerviosos. Bartók ya no escribiría más cuartetos. la tonalidad asociada con Katia Kabanová en la ópera homónima. Fauré no vivió para asistir al estreno de esta obra. y está construido con gran virtuosismo a partir de dos temas expuestos por la viola que retratan el estallido del amor en medio de los vapores del balneario. como Harry Halbreich. Molto tranquillo. El Finale arranca con una danza rústica que es interrumpida por citas de los movimientos anteriores o de la ópera Katia Kabanová hasta que llega ese impresionante final con trémolos alocados y disonantes que representan esa impactante imagen del compositor en éxtasis con su corazón arrancado. mientras seguía un tratamiento contra la 85 . ella sería la inspiradora de los papeles principales de tres de sus óperas: Katia en Katia Kabanová (1921). Sin embargo. la Misa Glagolítica (1926) y la Sinfonietta (1926). JW VII/13. “Cartas íntimas”. por ello suele considerarse que este cuarteto constituye su testamento musical y algunos estudiosos. Le sigue la socarrona y descarada Burletta.clara de forma sonata. Nadie más que nosotros”. Una vez escuchada esta idea. pero durante su exilio estadounidense sí que llegaría a aceptar el encargo de un joven violinista llamado Yehudi Menuhin y de él acabaría surgiendo la Sonata para violín solo (Sz. de 1928. 117). yo me quedé parado y después corrí hacia ella”. En una carta. cuando el compositor ya se había trasladado a Nueva York. el tema principal del Vivace parece derivar en un principio de la idea temática del ritornello. Un instrumento tan solo será el narrador durante toda la obra: la viola d’amore. inquietantes y grotescos. Concretamente el Cuarteto de cuerda nº 6 (Sz. en la que se introducen cuartos de tono en los violines y todavía es mayor el contraste con el ritornello. tocada por la viola o el violonchelo a modo de ritornello al principio de cada uno de los cuatro movimientos de la obra y que se indica como “Mesto” (“melancólico”). la muerte de su madre y su posterior exilio en Estados Unidos. cada movimiento sigue su propio camino. el uso del efecto sul ponticello con sordina. corrió y se detuvo de nuevo. La obra se inicia con un Andante donde se evoca de forma rapsódica la impresión que produjo al compositor la primera vez que vio a su amante en el balneario de Luhačovice utilizando la viola como narradora. Al final de la composición. que concluyó en marzo de 1944. la composición más relacionada con esta historia de amor entre el sexagenario Janáček y la veintañera Stösslová es el Cuarteto nº 2. El tercer movimiento. el compositor recuerda la anécdota: “Pareció que la tierra se abrió de golpe cuando se lo dije. 114) fue la última partitura que terminó en suelo húngaro. No obstante. la zorrita en La zorrita astuta (1924) o Emilia Marty en El caso Makrópulos (1925). Sin embargo. El Adagio que sigue está en la tonalidad de Si bemol menor. El propio compositor explicaría por carta a su amante los planes de esta nueva obra con total detalle: “He comenzado a componer algo hermoso que contendrá nuestra vida. también influyó en la composición de El diario de un desaparecido (1920). y con ello cambiaría también la dedicatoria: de la inicialmente prevista al Cuarteto Húngaro se pasaría al Cuarteto Kolisch. que fue el que la estrenó. que en algunas progresiones y crescendi refleja una tensión casi alucinatoria y culmina en una coda tan irresistible como desconcertante. se inicia con una mecedora melodía de aire eslavo que se vuelve cada vez más nerviosa o evoluciona hacia 84 Las dos últimas composiciones camerísticas de Béla Bartók (18811945) estuvieron marcadas por el inicio de la Segunda Guerra Mundial. sombría y melancólica. Por ejemplo. la música queda como suspendida y camina lentamente hacia un irremediable abismo donde una última cita del ritornello sirve de despedida. Janáček optaría por titular su nuevo cuarteto “Cartas íntimas” para evitar el escándalo y optaría por reemplazar la viola d’amore por una viola convencional. En la Marcia expone el ritornello el violonchelo con trémolo de violines y sigue un movimiento que opone la ironía de la marcha a una especie de amanerado pregón. ¡Cómo me regocijo con ello! Allí estaré solo contigo. la inició en agosto de 1939. ella se quedó en silencio.

donde se representa la nostalgia del compositor. La llegada de los nazis al poder en 1933 obligó al joven compositor checo a volver a Praga y los años siguientes los pasó como músico freelance. esto es. pero al año siguiente tuvo que abandonarlo para trabajar en el Nuevo Teatro 86 . Aunque muchas de sus composiciones fueron destruidas durante la ocupación alemana de Praga. por tanto. Allegro moderato e semplice. una segunda versión de esta obra que el pianista Franz Langer estrenó en el festival de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea de Ginebra fue la que despertó la atención internacional sobre Ullmann. Entre las obras que Ullmann escribió y estrenó en Theresienstadt destaca una versión dramatizada de las baladas de Villon. y un Presto construido como movimiento perpetuo con tres secciones adicionales. donde pronto se convirtió en una de sus principales figuras musicales. En ellas podemos verificar su permanente preocupación acerca de la realización de algunos pasajes que el compositor juzgaba quizá demasiado difíciles y ante los que siempre se mostró abierto a atender las sugerencias del violinista. pues desde luego no nos hemos sentado junto a las aguas de Babilonia para llorar. El segundo movimiento es una Fuga de impresionante virtuosismo y cuyo sujeto vuelve a ser un claro homenaje a Bach. El azar hizo que los manuscritos de las composiciones de Ullmann fueran conservados gracias al filósofo Emil Utitz. algo que el compositor explicó en una carta fechada en abril de 1944: “Los cuartos de tono del cuarto movimiento son simplemente un efecto tímbrico. Ullmann había coqueteado en sus inicios con la Segunda Escuela de Viena e incluso había formado parte en 1918 del seminario de composición de Arnold Schoenberg.]. la violinista Isabelle Faust utilizará la versión con los cuartos de tono en el movimiento final. De la tremenda complejidad contrapuntística pasamos en los dos movimientos siguientes al estilo folclórico del compositor húngaro: una Melodia de escritura más sencilla y estructura ternaria. que puede utilizar si no le parece interesante tocar los cuartos de tono. se corresponde en realidad con una forma sonata con dos temas que oponen la polifonía a la línea melódica. su interés por el expresionismo vienés quedó patente por entonces en sus Variaciones y doble fuga sobre una pieza para piano de Schoenberg (1925) basadas en el op. 19 nº 4 del compositor vienés (el pasado año pudo escucharse en el Liceo de Cámara la versión cuartetística de esta pieza interpretación del Cuarteto Arditti). Resulta interesante conocer algunos detalles de la obra a través de las cartas que envío Bartók al joven Menuhin. que Ullmann escribió en 1943. haciendo críticas en el periódico Der Auftakt o también programas de radio. que por entonces dirigía Alexander von Zemlinsky. y nuestro deseo de cultura se ha visto alimentado por nuestro deseo de vida”. aunque no en el sentido neoclásico. Ullmann fue trasladado junto a su esposa a Auschwitz en uno de los llamados “transportes de liquidación” y ambos fueron gaseados el 16 de octubre de 1944. La primera parte. No obstante. Entre todos ellos destaca su Cuarteto de cuerda nº 3. pues a los dos primeros más estrictos le siguen otros dos más livianos. la segunda de la cuales hace expresa referencia al primer movimiento con la intención de concluir la obra de forma cíclica. Se inicia con un Tempo di ciaccona que trata de tender un puente hacia las variaciones bachianas. Menuhin optó por la versión sin ese efecto tímbrico. en esos años asistió a los cursos de Alois Hába sobre la composición en cuartos de tono o consiguió en dos ocasiones el Premio Emil Hertzka tanto por la orquestación de sus Variaciones sobre un tema de Schoenberg como por su ópera Der Sturz des Antichrist (La caída del Anticristo). pueden ser eliminados. enseñando. varias canciones sobre poemas de Conrad Ferdinand Meyer o su Sonata para piano nº 6. Ullmann consiguió salvar algunas imprimiéndolas por su cuenta y confiándoselas a un amigo. y entonces decidir si vale la pena utilizar los cuartos de tono”. Alemán de Praga. una cuestión muy particular es la negativa de Menuhin a tocar cuartos de tono en el Presto final de la Sonata. como los cantantes Walter Windholz y Hedda Grab-Kernmayr. op. El 8 de septiembre de 1942. se inicia con una contemplativa reminiscencia del Finale de la Sinfonía “Pastoral” de 87 * * * El estilo tardío del compositor checo Viktor Ullmann (1898-1944) estuvo determinado por su reclusión en 1942 en el campo de concentración nazi de Theresienstadt (hoy Terezín).leucemia en Asheville y que sería estrenada en Nueva York en noviembre de ese año. la pianista Edith Steiner-Kraus o el director de orquesta Rafael Schächter: “He escrito un buen montón de nueva música en Theresienstadt [. 46. Se trata de una obra en un movimiento continuo que se subdivide en cuatro partes como reflejo de los cuatro movimientos tradicionales del cuarteto de cuerda. dirigiendo el Studio für Neue Musik. ayudado también por el efecto vaporoso que añade el uso de la sordina y los armónicos. Todo lo que quiero subrayar es que Theresienstadt ha ayudado más que obstaculizado en mi trabajo musical. Precisamente.. fue recluido junto a su esposa en el campo de concentración de Theresienstadt. que sobrevivió a Theresienstadt. Sin embargo. no son elementos ‘estructurales’ y. tal como suele ser habitual en la actualidad. La obra está construida en cuatro movimientos perfectamente equilibrados. tal como he hecho en las alternativas de la última página. aunque en la edición crítica de esta Sonata se incluyeron ambas versiones y. lo que le permitió seguir componiendo e incluso también escribir críticas o hacer música junto a otros reclusos.. lo mejor sería que pudiera tocar ambas versiones.

se acercó a la puerta y afirmó: “Mi nombre es Richard Strauss y quiero ver a Frau Neumann”. que apareció en 1990 en Suiza y hoy se conserva en la Bayerische Staatsbibliothek. y que demuestra cómo Strauss había concebido inicialmente esta obra para una formación de septeto formado por parejas de violines. y que termina diluida en el mar de belleza y transparencia del tema principal. en las semanas previas a la rendición de Berlín que marcó el final de la Segunda Guerra Mundial. El Allegro vivace e ritmico que cierra la obra se inicia con un estilo contrapuntístico muy efectivo y colorista al disponer de trémolos y pizzicati. Esta versión de Leopold incluye todas las variaciones que sufrió la partitura de Strauss en su adaptación para veintitrés instrumentos de cuerda y fue estrenada en junio de 1994 por miembros de la Filarmónica de Viena en la que fuera la residencia privada del compositor en Garmisch. fue en 1943. febril y sinuosa.Beethoven. los guardias de la SS lo tomaron por un chiflado y no le hicieron el menor caso. ese tema se transforma al final en una cita de la Marcia funebre de la Heroica de Beethoven. De todas formas. que es una especie de scherzo. página idealmente mágica y de radiante musicalidad cuya estructura ternaria está presidida por una especie de declaración de amor puro e indolente. violas y violonchelos con un contrabajo. aunque quizás esta obra vaya mucho más allá y constituya un doloroso adiós a toda una época que había quedado completamente arrasada y transformada. Conviene aclarar que escucharemos Metamorphosen dentro de este ciclo en una realización para septeto de cuerda de Rudolf Leopold. precisamente. escrito en 1968. 133. Dimitri Shostakovich (1906-1975) inició algunos sorprendentes experimentos musicales que determinaron en parte su estilo tardío. la abuela de su nuera Alice. subtitulada “El alegre taller”. donde conviven varios temas en un contexto de cierta indeterminación tonal. que la tocará también en Madrid. el anciano compositor pensaba que era un simple campo de trabajo para judíos antes de ser reasentados en cualquier otra parte y por esa razón se acercó allí para visitar a Paula Neumann. Shostakovich escribió para él una sonata después de haberle obsequiado el año anterior por error con su Concierto para violín nº 2. es decir. El Presto. Richard Strauss (1864-1949) visitó en una ocasión el campo de concentración de Theresienstadt. que lo había dejado consternado. el cuarteto concluye en modo mayor con una breve cita de la contemplativa reminiscencia beethoveniana convertida ahora en un rayo de esperanza. y entre los que destaca una insistente repetición de la nota Sol en las violas seguida por un descenso con ritmo punteado. Nada más llegar allí. que incluye una sección central repentinamente agitada. fue su coqueteo con el dodecafonismo. Uno de esos siete músicos era el contrabajista Alois Posch. escribió su encantadora Sonatina para instrumentos de viento nº 1 como una forma de volver a los géneros cultivados en su juventud. esa etapa final de su vida estuvo marcada por el dolor y el desánimo ante una guerra que consideraba una locura. op. la escribiría ya en Garmisch algunos meses más tarde y casi como una forma de evadirse de la noticia de la destrucción de la Ópera de Múnich. ya en las anotaciones de su diario que siguieron a la invasión de Polonia en 1939 puede leerse entre líneas el vaticinio de la total destrucción de su querido país. la última ópera suya estrenada en ese teatro en octubre de 1942. Strauss encontró en la composición un refugio ante la sinrazón que le rodeaba. un estudio para veintitrés instrumentos solistas de cuerda que fue inspirado por la referida noticia de la destrucción de la Ópera de Baviera. Y es que hasta la propia Alice Strauss nunca sospechó las atrocidades que se practicaron en aquellos lugares en que perdió hasta veintiséis miembros de su familia. Strauss escribió esta obra entre marzo y abril de 1945 en Garmisch. 89 . en los momentos más duros de 1943. * * * En realidad. Al parecer. la composición que mejor refleja el estado de abatimiento de Strauss durante la guerra es Metamorphosen (Metamorfosis). en el que el gran violinista David Oistrakh celebraba su sexagésimo cumpleaños. curiosamente. y la concibió como un adagio bruckneriano de vastas proporciones. Uno de los más peculiares. el dodecafonismo en manos de Shostakovich fue simplemente un recurso emocional que le permitió explotar las tensiones resultantes del uso de “series” cromáticas frente a tonalidades perfectamente afirmadas. se inicia con un tema áspero y breve que pasa por todos los instrumentos y desemboca en la contemplativa reminiscencia beethoveniana del principio. 88 Amistades tardías (tras el Telón de Acero) A finales de los años sesenta. 129. De hecho. y haciendo un alto en el camino desde Viena a Dresde. Ese mismo año. sobre la que Strauss escribe en la partitura un sentido “In Memoriam”. op. la Sonatina para instrumentos de viento nº 2. como cuando en marzo se quedó atrapado por una enfermedad de su esposa Pauline en Múnich durante unos días de intensos bombardeos. Ese mismo año de 1943 había preparado una edición para sexteto del preludio de Capriccio. Para el viejo Richard. y cómo después cambió de idea tras recibir un encargo de Paul Sacher de una composición para su Collegium Musicum. que plasmó en primer lugar en el Cuarteto de cuerda nº 12 en Re bemol mayor. Esta realización no es un simple arreglo y está basada en un manuscrito del compositor. Esta parte enlaza directamente con el Largo que se inicia con un desolador solo de viola al que van uniéndose lentamente los demás instrumentos. y también más criticados especialmente fuera de la Unión Soviética. y como queda patente en esa obra.

avanzado el movimiento. lo que muestra cómo Shostakovich asocia el dodecafonismo con un tipo particular de tema cromático.Con la Sonata para violín y piano op. Shostakovich sigue su personal incursión en el dodecafonismo. pero que deriva en un tono sardónico y alocado y que acaba produciendo una violenta confrontación entre los dos instrumentos. enlaza con un estático Intermedio en el que el primer violín realiza una cadenza que es acompañada por notas tenidas del violonchelo. el estilo tardío de Shostakovich también está marcado por su obsesión con la muerte. a la vez que plantea una obra en tres movimientos (lento-rápido-lento) en la que se cita a sí mismo o introduce un curioso homenaje a Alban Berg. sabemos que en su última visita a la Unión Soviética. Sigue una Serenata que se inicia con crispados crescendi en los violines y continúa con un tono sardónico. que pasa a manos del violonchelo. donde el compositor elabora un sorprendente catálogo de variaciones que conducen a una coda final en la que se recuperan los temas del primer movimiento para concluir misteriosamente con el violín haciendo un trémolo sul ponticello. y donde el compositor dirigió algunas de sus obras a la Orquesta Sinfónica de Londres. que el compositor indica. El último movimiento lo dedica Shostakovich “a la memoria de un gran compositor. El segundo movimiento. Beethoven” y. en especial. Ambos se dedicaron composiciones y tuvieron amigos en común. La Suite nº 3 en Do menor. de Berg. al igual que el Cuarteto nº 15. 87. en el que plantea diversas reflexiones sobre la muerte a través de seis movimientos lentos que se tocan sin pausas. Britten viajó con el manuscrito de su última composición: la Suite nº 3 en Do menor para violonchelo solo. integrados por la técnica de la variación y unificados por una inspiración común en temas populares rusos extraídos de tres arreglos de Tchaikovsky y del kontakion o himno funerario 91 . estuvo relacionado con el Festival “Días de Música Británica” que tuvo lugar en Leningrado y Moscú. 147 es el testamento musical de Shostakovich. Ese viaje de Britten a Moscú. 144. El primer movimiento. El Andante se inicia con la exposición e inversión en el piano de una serie completa de doce sonidos a la que el violín contrapone una melodía diatónica. * * * Benjamin Britten (1913-1976) y Dimitri Shostakovich mantuvieron desde 1963 una estrecha amistad que se materializó en viajes del compositor inglés a Moscú y también con visitas del ruso a Aldeburgh. en este movimiento encontramos también la primera autocita: un pasaje con aroma popular procedente de su Concierto para violín nº 2. concretamente. acrecentada en 1974 después de haberle diagnosticado un cáncer de pulmón. el movimiento alcanza el clímax tras una cadenza de la viola para declinar lentamente hasta el final. complicado con una mielitis y problemas cardíacos. en abril de 1971. ¿hubo algún intercambio creativo entre ellos? Resulta muy interesante conocer el enorme interés que tenían uno y otro en estar al corriente de las obras que estaban componiendo y. 134. “A la memoria de una ángel”. significativamente. Terminada en julio de 1975. esa cadenza se convierte en un misterioso ritornello que alterna con un tema desnudo en el violonchelo o la viola y termina en un coro fantasmal acompañado por cuartas y quintas. el último de su catálogo. Shostakovich sabía que no le quedaba mucho tiempo y escribió ese mismo año el Cuarteto nº 15 en Mi bemol mayor. 87 de Britten se estructura en nueve movimientos sin pausas. es uno de los más abstractos de toda la obra de Shostakovich y representa una dramática conversación entre dos instrumentos donde parece que nadie escucha a su interlocutor. op. Allegretto. El Nocturno posterior presenta un ambiente ondulante e inestable y la Marcha fúnebre a continuación expone un tema rítmico al que responden intervenciones solistas de cada instrumento. Aparte de los experimentos peculiares como el dodecafonismo. que precisamente había terminado de componer un mes antes en Aldeburgh. fue la última obra que concluyó un mes antes de su muerte y. op. esta vez en fusas. de gira por la Unión Soviética en esas fechas. op. Britten realizó un concierto privado en el apartamento de Rostropovich en el que él mismo tocó al piano su Suite nº 3 para violonchelo solo. La Sonata para viola y piano op. que había escrito el año anterior para el mismo Oistrakh. La obra termina con un Largo que es una monumental passacaglia sobre el tema inicial del Concierto para violín. Sigue un Allegretto que es en realidad un scherzo en el que el compositor utiliza un rústico pasaje de su ópera inacabada Los jugadores y al que opone una sección central sinuosa y machacona. trata de las obsesiones y pensamientos de un hombre gravemente enfermo: se trata de una obra verdaderamente sublime y serena que 90 se asoma al abismo de la muerte con resignación más que con miedo y desesperación. morendo. Tal como indica Elizabeth Wilson en su biografía de Shostakovich. la viola se queda sola y expone un monólogo. pero. mientras el compositor ruso programó un ensayo de su Cuarteto nº 13 en su piso. Moderato. Mstislav Rostropovich. La obra se inicia con una Elegía de estática armonía y suaves dinámicas que se convierte en una fuga intemporal. El último movimiento se inicia nuevamente con una cadenza del violín. siempre en compañía de Peter Pears. ambos instrumentos se unen en el tema principal que deriva de la Sonata “Claro de luna” del compositor de Bonn. el viaje también sirvió para que ambos compositores conocieran sus últimas creaciones y. tras un pasaje de la viola sin acompañamiento del piano. es una especie de scherzo cuyo tema principal se asemeja a la Malagueña de su Sinfonía nº 14.

arpegios y trinos. Britten se levantó rápidamente para evitar el aplauso y no paró de disculparse por haber tocado tan deprisa. que podría alterar el tema. es una de las mayores joyas tímbricas de toda la literatura cuartetística. esa particular economía de medios instrumentales. Y es que. El compositor ruso se quedó fascinado con la nueva obra del inglés y se pasó horas examinando los borradores de la partitura con esas complejas interrelaciones motívicas. De hecho. pero no ya sus variaciones: “Voy a tener que reescribir la obra por completo”. Ben. a lo que Shostakovich le replicó con comprensión: “Sí. Ostinato. al final.ortodoxo “Con los Santos haz descansar”. aunque Britten evitó estrenar la obra hasta confirmar que. Britten concluyó la partitura de la que sería su última ópera en 1973. en este movimiento también encontramos una cita de su juvenil Alla marcia (1933) que muestra el sentido de síntesis que se esconde detrás de esta partitura. 92 La prueba de que Said tenía razón la encontramos tanto en la biografía de Britten como en la penúltima obra de su catálogo: el Cuarteto de cuerda nº 3.”. El primer movimiento. siguen un Dialogo arpegiado. había dos versiones del referido kontakion. introducido por el violonchelo y el primer violín. le sigue una Marcia con dos temas populares y después un Canto basado en la tercera. “La Serenissima” y que se inicia precisamente con el tema del coro cantando “Serenissima” en la obertura de la ópera. como acaba de apuntarse. nosotros los compositores tendemos a tocar siempre nuestra música demasiado rápido. Las razones que vinculan esta ópera con el estilo tardío de Britten han sido convincentemente analizadas por Edward Said en su referida monografía póstuma sobre el tema. y que cuesta atribuir a un cuarteto de cuerda.. y distingue un primer tema de extraña sensación contemplativa de otro mucho más robusto y enérgico. es decir. El segundo movimiento. El tercer movimiento. dentro de una generalizada ambigüedad tonal. es una scherzo cuyo tema inicial es cortante y brusco. sí. que se estructura en torno a una cantilena del primer violín acompañada por los otros tres instrumentos por medio de pizzicati. a los que el compositor da un título simple pero sugerente. y se opone al ambiente más calmado y dialogante del trío.. glissandi. sardónico y ecos “shostakovichianos” (quizá un homenaje a su amigo fallecido tan solo unos meses atrás) al que sigue un trío juguetón y pendenciero. es otro scherzo de tono brusco. que está precisamente asociada con su protagonista. la Passacaglia se basa asimismo en el kontakion como imponente conclusión de la obra. el último movimiento del mismo lo titulo “La Serenissima” y lo convirtió en un impresionante homenaje sentimental a esa ciudad con varias citas de su ópera Death in Venice o el uso de la tonalidad de Mi mayor. El compositor inglés amaba Venecia por encima de cualquier otra ciudad y durante la composición de este cuarteto hizo su último viaje a la ciudad de los canales y fue allí precisamente donde terminó este cuarteto. las exóticas influencias tímbricas o el uso que hacía de diferentes tipos de monólogo acompañados o con piano. creando un ambiente de efímera belleza que en la coda se trastoca con el violonchelo sosteniendo un desconcertante Re natural. Duets. El cuarto movimiento. Y. se desesperó. aquejado ya entonces de los primeros síntomas de una cardiopatía que terminaría con su vida pocos años después. lo que le llevó a revisar la partitura en 1974 y ofrecer las dos opciones en la subsiguiente edición de 1976. Durante su última visita a Inglaterra. Sigue el tema de la passacaglia en Mi mayor. a su vez. o incluye la barcarola orquestal que toca aquí el violonchelo. op. pero sin reexposición. El Cuarteto nº 3 de Britten se divide en cinco movimientos. enlaza con un Moto perpetuo. al mostrar el uso y significado que atribuye el compositor a Venecia en esta ópera tanto como alegoría para transmitir una sensación de recapitulación y regreso dentro de una larga trayectoria artística. las posibilidades tímbricas que tiene el improbable dúo dentro de un cuarteto entre el segundo violín y la viola. 93 . Shostakovich se disculpó y le quitó importancia a este detalle. Shostakovich pasó algunos días del verano de 1972 en Aldeburgh y visitó a Britten en su casa mientras trabajaba en la ópera Death in Venice (Muerte en Venecia). En este final es posible que Britten se identificase con Aschenbach. el movimiento está planteado en forma sonata. que coincide con la llegada a Venecia del protagonista. pero también como lugar donde es posible la convivencia de elementos discordantes como la gloria y la degradación que la convierten en un escenario ideal para el estilo tardío. haciendo del cuarteto un apéndice o un comentario de la ópera. 94 que concluyó en noviembre de 1975. A continuación llegamos a una Barcarola con guiños a Bach (no olvidemos que esta Suite fue inspirada por la interpretación de Rostropovich de una suite de Bach). Gustav von Aschenbach. Burlesque. aquí resida la esencia misma de su obra tardía. A continuación. levemente acompañados por el primer violín y el violonchelo. Un Lento inicia la obra a modo de obertura basada en el referido kontakion. tal como afirma Said. en realidad. aunque Donald Mitchell ha demostrado sobradamente que Britten no había previsto que Death in Venice fuera su última ópera. una brillante Fuga que desemboca en un Recitativo que. resulta imposible no considerarla un ejemplo de su estilo tardío. Una vez terminada su interpretación al piano. El cuarteto termina con un Recitativo y Passacaglia que se subtitula. representa. Solo. el compositor ruso le indicó que la versión que conocía del kontakion difería en alguna nota de las utilizadas por Britten y ello afectó mucho al compositor inglés. con el hombre que no puede eludir ni consumar su deseo y quizá.

Intérpretes Biografías .

la Westdeutscher Rundfunk. la Kaisersaal en Fráncfort. pedagogo y cuartetista francés Charles-André Linale y su nombre rinde homenaje a la figura del violinista gallego Manuel Quiroga. Claire Desert. Günter Pichler. el Gonfallone en Roma o el Teatro Solís en Montevideo. uno de los más grandes instrumentistas de cuerda de la historia musical española. György Kurtág. la Fundación Juan March. con el apoyo de la Fundación Herberto Gut de Prosegur. Chen Halevy. Formado desde sus inicios en la Escuela Superior de Música Reina Sofía y en el Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid con Rainer Schmidt (miembro del Cuarteto Hagen. Radio Sueca o el canal de televisión Mezzo. la Sudwestrundfunk. el dramaturgo alemán Peter Ries o el actor español Jose Luis Gómez. Son invitados habitualmente a impartir cursos y clases magistrales 97 . el Auditori de Barcelona. Radio France. Quintessence en Aquisgrán. el Auditorio Nacional de Madrid. Ginebra y París. perfecciona posteriormente sus estudios en la Musikhochschule de Basilea con Walter Levin y el propio Rainer Schmidt. Son profesores y cuarteto residente en el Curso Internacional de Música de Llanes desde 2005 y en la actualidad el Cuarteto tiene su residencia en la Fundación Museo Cerralbo de Madrid. Jeremy Menuhin. junto con Pablo de Sarasate y Pau Casals. Erich Höbarth. el coreógrafo japonés Hideto Heshiki. ha sido galardonado en los concursos internacionales de Burdeos. Nybrokajen en Estocolmo. Ha realizado asimismo numerosas grabaciones para Radio Clásica. también presente en esta edición del Liceo de Cámara). Javier Perianes. Desde su creación. Alain Meunier. David Kadouch. Eberhard Feltz o Ferenc Rados. los Cuartetos Doric. Paolo Borciani. que ha sido. la Primavera de Heidelberg. el Festival de Davos. y mantiene en la actualidad una estrecha relación con el violista Hatto Beyerle. Johannes Meisl. Valentin Erben. Les Invalides en París. la Concertgebouw Doelen en Róterdam. Ardeo y Meta4. el Palau de la Música Catalana. Entre los artistas con que colabora habitualmente cabe destacar a Vladimir Mendelssohn.Cuarteto Quiroga El Cuarteto Quiroga nació alentado por el violinista. la Philharmonie de Berlín. como el Wigmore Hall de Londres. Ha trabajado también regularmente con músicos como András Keller. Ha recibido asimismo el Premio El ojo crítico de Radio Nacional de España en 2007 y la Medalla de Oro del Primer Palau de Barcelona. Ha tocado en numerosas salas de Europa y América.

Será artista residente en el Festival del Bodensee en mayo de 2012. entre los que destacan el Hessischer Kulturpreis. Ha grabado el repertorio de viola más importante con enorme éxito. del que fue. Su primer disco.). lo que le hizo concentrarse en la música clásica. Valladolid. Frank Michael Beyer (Notte di Pasqua). George Lentz (Monh). con catorce años. perfeccionó sus estudios en el Berklee College of Music de Boston. y en Budapest. Hartmut Höll. merosas referencias para sellos como EMI. piano Nacido en 1979 en Voronezh (Rusia). Ha recibido numerosos premios. en la que ocupa una cátedra desde 2002. que estrenó junto con Antoine Tamestit). Tabea Zimmermann está casada con el director Steven Sloane y tiene tres hijos. Desde el curso 2008-2009 sus cuatro miembros ocupan la cátedra de Música de Cámara/Cuarteto de Cuerda del Conservatorio Superior de Música de Aragón. Kirill Gerstein obtuvo el primer premio en el Concurso de Piano Arthur Rubinstein de Tel Aviv en 2001 y desde entonces ha tocado en los principales centros musicales internacionales. Santiago. el Rheingau Musikpreis. Entre sus grabaciones con orquesta más recientes destacan una grabación en vivo de Harold en Italia de Berlioz con la Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por Colin Davis y la Suite para viola y orquesta de Bloch con la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín dirigia por Steven Sloane. Entre 1982 y 1984 ganó los concursos de Ginebra. El Cuarteto Quiroga actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. para el sello Cobra. Siguió estudiando en la Manhattan School of Music de Nueva York. etc. Ars Musici publicó una grabación realizada en directo en un concierto ofrecido en la Beethovenhaus con la viola del propio compositor. en la actualidad da clases en la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlín. Henri Vieuxtemps y Rebecca Clarke. Autodidacta como pianista de jazz. En las últimas temporadas ha tocado con la Orquesta de Filadelfia (Dutoit). Tabea Zimmermann. el Premio Internacional de la Accademia Musicale Chigiana de Siena y el Premio Paul Hindemith de Hanau. del que forma parte desde su fundación. construido por Nicola Amati en 1682. 98 99 . inició su formación musical en una escuela para niños con un especial talento musical. a ella dedicada. la ciudad natal del compositor. en Polonia) a los once años. Su grabación de obras para viola sola de Bach y Reger para el sello myrios classics ha recibido numerosos premios y se ha visto seguido de una grabación con el pianista Kirill Gerstein que contiene sonatas de Johannes Brahms. viola Estudió con Ulrich Koch en la Musikhochschule de Friburgo y con Sándor Végh en el Mozarteum de Salzburgo. Anteriormente su discografía contaba con nu- Kirill Gerstein. La interpretación de la música contemporánea es una prioridad en sus actividades artísticas y ha estrenado obras como la Sonata para viola sola de Ligeti. el alumno más joven de la historia del centro. Como solista actúa regularmente con las orquestas más importantes. Málaga. donde tuvo como profesor a Solomon Mikowsky y donde se graduó a los veinte años. acompañada al piano por Hartmut Höll. Cibrán Sierra y los demás miembros del Cuarteto Quiroga desean expresar su gratitud a los herederos de Paola Modiano por su cesión del violín “Rosé”. Webern y Giovanni Solima. Oviedo. Ganó su primer concurso (el Concurso Internacional Bach de Gorzuw. Heinz Holliger (Recicanto) o Bruno Mantovani (Doble Concierto. en las ediciones XV a XIX. ha sido publicado este año y contiene obras de Haydn. además de colaborar como profesores de la JONDE (Joven Orquesta Nacional de España). Ha actuado con el Cuarteto Alban Berg en la XII edición del Liceo de Cámara y con el Cuarteto Arcanto. Tras enseñar en Saarbrücken y Fráncfort. así como los Conciertos para viola de Sally Beamish. Universidad Internacional de Andalucía. Wolfgang Rihm (Über die Linie IV). con Ferenc Rados. Budapest y París. con Dmitri Bashkirov. Teldec y Deutsche Grammophon. Christian Tetzlaff y el Cuarteto Alban Berg. En estos años asistió también al programa veraniego de la Universidad de Boston en Tanglewood.en conservatorios superiores y universidades por toda la geografía española (Madrid. La última etapa de su formación se desarrolló en Madrid. desde la Filarmónica de Berlín (con la que ha tocado este mismo año el Concierto de Béla Bartók) y la Sinfónica de Londres hasta la Filarmónica de Israel y la Orquesta de París. Tabea Zimmermann es una camerista muy prestigiosa y ha trabajado con colegas de la talla de Pierre-Laurent Aimard.

el conjunto permanece en contacto con sus maestros y mantiene sus firmes convicciones sobre el cómo y el porqué de su fraseo. 1724) y Veronika Hagen una viola de Giovanni Paolo Maggini de Brescia. En el ámbito camerístico. así como en la formación de trío con piano con el violinista Kolja Blacher y el violonchelista Clemens Hagen. Veronika y Clemens). con sus consejos y su estímulo. Tiene previsto ofrecer recitales en salas como la 92nd St. Han colaborado. la Orquesta Sinfónica de la SWR (Gielen). así como por la Orquesta de Cámara St. Krystian Zimerman. En la temporada 2011-2012 hará su debut con la Orquesta Filarmónica de Nueva York y la Sinfónica de Seattle. donde empezó a dar clases en 2007. como también lo hizo su relación artística y amistosa con Gidon Kremer. Al año siguiente. en concierto y en disco. Heinrich Schiff y Walter Levin tuvieron una gran influencia en su formación. Jörg Widmann o Gérard Caussé. IX y XI-XV del Liceo de Cámara. así como el Premio del Público. Paul. el Cuarteto Hagen obtuvo en 1981 el Premio del Jurado. 100 101 . Su actividad pedagógica se concentra en la Musikhochschule de Stuttgart. Y de Nueva York. esenciales para su desarrollo técnico y artístico. András Schiff. En 1983 ganaron los concursos de Evian. ambos prestados amablemente por el Banco Nacional Austriaco. Oleg Maisenberg. vinculado repetidamente al Cuarteto Hagen en sus proyectos camerísticos en el Festival de Música de Cámara de Lockenhaus. Cuarteto Hagen Ya en su formación original austriaca. Su carrera internacional comenzó en ese período. Lukas Hagen toca un violín de Antonio Stradivarius (Cremona. la Royal Liverpool Philharmonic (Petrenko). Detroit. además de volver a tocar con las Orquestas Sinfónicas de Houston y Baltimore (Graf). Liszt y Oliver Knussen. Hatto Beyerle.la Sinfónica de San Francisco (Dudamel). Mitsuko Uchida. Aquí radicaría la razón del éxito de este cuarteto: mantener su nivel artístico y de conjunto a pesar de los cambios personales y de sus componentes. Su encuentro con Nikolaus Harnoncourt les permitió ampliar su visión de la música. Los miembros del Cuarteto Hagen consideran sus estudios realizados en el Mozarteum de Salzburgo. Heinrich Schiff. VII. entre otras. Ha actuado en el XVII Liceo de Cámara formando trío con los citados Kolja Blacher y Clemens Hagen. con artistas de la talla de Maurizio Pollini. Bordeaux y Banff (Canadá). la Filarmónica de Múnich y la Filarmonica della Scala (Bychkov). determinaron la forma de caracterizar temas. En 2010 recibió dos importantes distinciones: el Gilmore Artist Award (ha sido el sexto músico en recibir este premio excepcional) y la Avery Fisher Career Grant. Hoy. la Orquesta Gürzenich de Colonia (Krivine) y la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich (Alsop). En Lockenhaus. en las Mozartwochen y en la serie de conciertos de Salzburgo. los cuatro hermanos Hagen (Lukas. Su primera grabación a solo para el sello myrios classics se publicó en 2010 y contiene obras de Schumann. donde pudo comprobarse su crecimiento artístico. Artistas exclusivos durante décadas de Deutsche Grammophon. como maestros y también como compañeros. El Cuarteto Hagen ha actuado en las ediciones V. Houston y Atlanta. han grabado un amplísimo repertorio que abarca de Bach a Kurtág. la Sinfónica de Dallas (Varga). Pronto actuaron en el Festival de Salzburgo. movimientos y obras con gran entusiasmo. Paul Gulda. También ha vuelto a ser invitado por las orquestas de San Francisco. Su compromiso con la música contemporánea les ha llevado a tocar obras de compositores como Ligeti y Lutosławski. Ha participado asimismo en proyectos camerísticos en el Festival de Salzburgo junto a András Schiff. la Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa (Nezet-Seguin) y la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca (Mälkki). Angelika. educados en el ambiente musical de su padre violinista. el Wigmore Hall o la Universidad de California en Berkeley. colabora habitualmente con Steven Isserlis. así como en la Universidad de Cincinnati. así como en el Festival de Música de Aspen y en los Proms de Londres. Consiguieron que sus interpretaciones imprimieran un toque personal distinto a las variantes ya establecidas en la actuación de los cuartetos. a pesar de sus extensas giras. También han mantenido una estrecha relación con el compositor húngaro György Kurtág. el conjunto ganó el Primer Premio del Concurso de Cuartetos de cuerda de Portsmouth. Su discografía ha recibido los premios más importantes y en 2011 han celebrado el trigésimo aniversario de su fundación con la publicación de dos discos en el sello myrios classics. en las Musikhochshulen de Basilea y Hannover. seguido de su debut en el Wigmore Hall de Londres.

Grieg. un período durante el cual el grupo cosechó éxitos en el concurso Concertino Praga y en el Concurso de Cuartetos de Cuerda de Londres. interpretando obras de Schumann y Ligeti. por Japón con la Orquesta de Cámara de Helsinki Occidental y por Grecia con la Orquesta Sinfónica de la Academia Sibelius. Sakari Oramo. por ejemplo. además de con la Tapiola Sinfonietta. Fue nominado como Joven Artista del Año de los Festivales de Finlandia en 1991. la Orquesta Sinfónica de RTVE y la Orquesta de Cámara Escocesa. Entre los directores con que ha trabajado se encuentran Leif Segerstam. realizó grabaciones para radio y televisión. Australia y Nueva Zelanda. Ha tocado como concertino con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Suecia. Osmo Vänskä. además de actuar en numerosas ocasiones en las grandes salas de concierto europeas. John Storgårds. Finalista del Concurso de Violonchelo de Turku a los quince años. Ha ofecido recitales como solista y como músico de cámara en Finlandia y en numerosos países europeos. Japón. y para la producción de la ópera de Fredrik Pacius Kung Karks jakt. Ha actuado como director con las Orquestas Filarmónicas de Helsinki. Estados Unidos. Susanna Mälkki. También ha estado al frente de Musica Fiskars. Australia. China y Sudáfrica. En temporadas recientes ha dirigido regularmente en la Ópera Real de Estocolmo. Jan Söderblom toca un violín de Nicolo Gagliano de 1726 y actuó por primera vez en el XVII Liceo de Cámara. Alexander Vedernikov. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Suecia y la Orquesta Sinfónica de Helsingborg. James de Priest. la Orquesta de Cámara Inglesa. Heinrich Schiff. Olli Mustonen y Kari Kriikku. así como en otros países europeos. la Orquesta de Cámara Avanti!. Okko Kamu. Jan Söderblom tocó el violín con el New Helsinki Quartet de 1982 a 2001. el Musikkollegium Winterthur. colaboró con artistas como Bella Davidovich. Las primeras visitas al foso de la Ópera Nacional Finlandesa en 2005 dieron paso de inmediato a nuevas invitaciones para producciones de ballet en 2006 y 2007. Turku y Tampere y con la Sinfonia Lahti. graduándose en 2001. También ha tocado con la Orquesta de Cámara de Sudáfrica y con la Orquesta de Cámara Cuerdas de Belgrado. Olli Mustonen y Hannu Lintu. en 1990 obtuvo el segundo premio en el Concurso de Violonchelo de Turku y un premio en el Concurso Tchaikovsky de Moscú. violonchelo Estudió violonchelo con Csaba Szilvay en el Instituto de Música de Helsinki. Jan Söderblom estudió dirección de orquesta con Jorma Panula y Leif Segerstam en la Academia Sibelius. Jukka-Pekka Saraste. Fue director artístico de la Orquesta de Lappeenranta de 2000 a 2007. También ha tocado en condición de violinista invitado con la Camerata Académica de Salzburgo y con la Orquesta de Cámara Noruega. así como el director artístico del Festival de Música de Joroinen hasta 2008. la Orquesta de Cámara de Praga y la Orquesta de Cámara de Holanda. sustituyendo a un indispuesto Gerhard Schulz. Ben Wallfish. Toca asiduamente con las principales orquestas finlandesas y ha actuado también con agrupaciones como la Camerata de Salzburgo. la ópera de Thomas Jennefelt Sport och fritid (Deporte y ocio. dirigiendo representaciones de la ópera de Janáček El caso Makropoulos y estrenando. Moshe Atzmon. Barbara Hendricks. Janáček y Dvořák. y en 2002 recibió el Chivas Baton Award internacional. Ha tocado como solista con la mayor parte de las orquestas finlandesas. estrenada en 2007. 2005) y la ópera de Daniel Börtz Svall (2006). Marko Ylönen. y grabó discos con música de Sibelius. Ha actuado como solista. más tarde expandió sus horizontes dedicándose también a la dirección orquestal. además de con la Orquesta Filarmónica de Japón. los Virtuosi di Kuhmo. Ha realizado giras por Alemania con la Orquesta de Cámara Ostrobonia. y ha tocado también con la Orquesta Vivo y la Philharmonia de San Petersburgo. la Orquesta de Cámara Cuerdas de Belgrado. Juha Kangas.Jan Söderblom. En la primavera de 1996 ganó el Concurso de la Asociación de Artistas de Nueva York. Ralf Gothóni. la Tapiola Sinfonietta. Como miembro del cuarteto. camerista y director invitado en Finlandia y en el resto de los países nórdicos. 102 103 . la Orquesta de Cámara de Sudáfrica. además de Japón. violín Nacido en 1970 en una familia musical. con Erkki Rautio y Heikki Rautasalo en la Academia Sibelius y con Heinrich Schiff en Basilea. empezó a estudiar violín muy pronto e inició su carrera como solista y músico de cámara en los años ochenta. El Cuarteto estrenó diversas obras.

ha ofrecido numerosos 104 105 . En 2009 actuó con los violonchelistas Janne Aalto y Marko Ylönen. con sólo diecisiete años. con quienes ha grabado obras de Rachmaninov y Chopin (Alba Records). organizado por la Fundación Herbert von Karajan. Sakari Oramo. piano Comenzó sus estudios en la Academia Sibelius en 1973. La discografía de Marko Ylönen está publicada en su mayoría en los sellos Ondine. Arto Satukangas. Desde entonces. Ha estrenado varias obras de compositores finlandeses. Corea e Israel. Juha Kangas. Antoni Ros-Marbà. Entre 1983 y 1992 recibió clases particulares de este último en Ginebra y Vevey. En 2008 realizó giras como solista junto al violonchelista Marko Ylönen en Finlandia y Alemania. en el sello BIS). Marko Ylönen toca un violonchelo de Matteo Goffriller y actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. ganó el prestigioso Concurso de Piano Maj Lind. el Concierto para violonchelo y orquesta de Peteris Vasks (Tampere Filharmonia dirigida por John Storgårds. la Orquesta Filarmónica de Helsinki y la Orquesta Sinfónica de Lahti bajo la batuta de directores como Jukka-Pekka Saraste. como la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia. Owain Arwel Hughes y Frank Shipway. Entre 1981 y 1983 completó su formación con Vladimir Nilsen en el Conservatorio Estatal de San Petersburgo. Entre 1991 y 1992 actuó en las más importantes salas de conciertos de Japón. Toca por primera vez en el Liceo de Cámara. un puesto que ya había ostentado en 2003. además de asistir a los cursos de verano impartidos por György Sebök. incluyendo conciertos en la Sala Casals de Tokio. Entre estos últimos destaca su debut en París en 1987. Mily Balakirev y Maurice Ravel para el sello Warner Music/Finlandia Records. Petri Sakari. grabado posteriormente por el sello Ondine. En 2003 participó en el Concierto del 150º aniversario de la firma Steinway celebrado en Helsinki. Fue director artístico invitado del Festival de Música de Korsholm en 2008 y 2010. Ese mismo año pasó a ser miembro de la familia de artistas de Steinway. Leif Segerstam. BIS y Finlandia. Asimismo imparte clases y conferencias en diversos cursos de verano por toda Finlandia. Dmitri Bashkirov y Nikita Magaloff. para el sello Ondine) y el Concierto para violonchelo y orquesta de Joonas Kokkonen (Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia dirigida por Sakari Oramo. Osmo Vänskä. Ha grabado obras para piano de Alexander Glazunov. En otoño de 2010 realizó una extensa gira por Alemania. para el sello Ondine). Ylönen ha actuado con un gran número de conjuntos internacionales y se ha presentado en diversos festivales. Okko Kamu. en abril tocó el Concierto nº 5 de Saint-Saëns con la Tapiola Sinfonietta y recientemente ha interpretado el Concierto nº 1 de Chopin con la Orquesta de la Ciudad de Vaasa. conciertos tanto en Finlandia como en el extranjero.Como camerista. grabó un disco dedicado a Liszt y tocó junto a la Orquesta Kokkola el Concierto en La menor de Grieg. Las últimas grabaciones son de Sibelius (con la Orquesta Sinfónica de Lahti dirigida por Osmo Vänskä. Además de interpretar el principal repertorio clásico. entre otros. primero con Liisa von Zweygberg-Jalkanen y desde 1978 con Tapani Valsta. En 1979. Desde el otoño de 2009 Marko Ylönen es profesor de Música de Cámara en la Academia Sibelius de Helsinki. como el Concierto para violonchelo de Jouni Kaipainen en 2003 junto a la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia. Consiguió su diploma de piano en 1981 con las máximas calificaciones. en Ferrara junto a la violinista Tianwa Yang y ofreció un concierto en la Sala Weill del Carnegie Hall de Nueva York. La Radio de Finlandia lo nombró Solista del Año en 1996. actuando en la Sala Weill del Carnegie Hall de Nueva York. e incluye tanto música contemporánea como repertorio tradicional. Ha tocado como solista con las mejores orquestas finlandesas. En 1994 debutó en Estados Unidos. Es profesor de Música de Cámara en la Universidad de Música de Karlsruhe desde 1992. Actuó en el Festival de Música de Korsholm y en el Festival de Música de Cámara de Kuhmo. También ha tocado en la mayoría de países europeos y en China. En febrero de 2010 actuó con la Orquesta Ciudad de Lohja. Marko Ylönen toca con frecuencia música contemporánea. Jan Krenz.

El gran director de orquesta holandés Bernard Haitink ha tenido una influencia decisiva en su carrera. También fue elegida por la BBC dentro de su programa de New Generation Artists en 2007. Para el sello MDG ha grabado también una obra muy querida para ella. Ha tocado. Andris Nelsons o Zubin Mehta. la Orchestra of the Age of Enlightenment. el Teatro Campoamor de Oviedo y el Teatro Arriaga de Bilbao. Ha cantado ya en repetidas ocasiones en el Wigmore Hall de Londres. Ha sido primera viola de la Orquesta de Cámara de Viena. Tabea Zimmermann. Apasionada intérprete de Lieder. Heinrich Schiff. la Novena Sinfonía de Beethoven en el Festival de Lucerna. Andrew Davis. la Pasión según san Mateo con la Sinfónica de Boston y Das Lied von der Erde de Mahler con la Orquesta Sinfónica de Londres. Isabel Charisius. las dos salas del Concertgebouw de ámsterdam. Ha cantado también con directores de la talla de Claudio Abbado. Emilio Sagi. Charles Dutoit. la Sinfónica de Londres. el Kennedy Center de Washington y el Spivey Hall en Atlanta. Como solista ha actuado con la Orquesta Filarmónica de Mú- 106 107 . Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke. recibió su diploma como violinista en 2000. la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. la Konzerthaus y la Musikverein de Viena. con quienes mantiene una larga y fructífera colaboración. Marc Minkowski. la Orquesta Nacional de Francia. A continuación estudió canto con Udo Reinemann en el Conservatorio de ámsterdam y perfeccionó su formación como cantante con Jard van Nes. ha ofrecido recitales en muchas de las salas de concierto más importantes del mundo con los pianistas Joseph Breinl y Julius Drake. entre otros. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena y la Orquesta Filarmónica de Múnich. el Carnegie Hall de Nueva York. Maurizio Pollini.Christianne Stotijn. René Jacobs. A lo largo de su carrera ha obtenido varios premios importantes. Alexander Lonquich. junto a Elisabeth Leonskaja. el Mozarteum de Salzburgo. Vladimir Jurowski. Gustavo Dudamel. la Filarmónica de Róterdam. sustituyendo tras su muerte a Thomas Kakuska. de nuevo los Rückert-Lieder con la Orquesta Sinfónica de Chicago. Desde 1994 se dedica principalmente a la música de cámara. que ha sido su principal profesor y fuente de inspiración. la Orquesta de París. Radovan Vlatković. Noelle Barker y Janet Baker. como el de Estrella Emergente Echo en 2005/2006. Berg y Wolf acompañada por Joseph Breinl. la Sinfónica de Dallas. Christian Zacharias. Ha actuado en concierto con orquestas tan importantes como la Filarmónica de Berlín. Covent Garden. el Palais des Beaux Arts de Bruselas. además de con el Cuarteto Belcea y el Cuarteto Ysaÿe. Tras el éxito de sus interpretaciones de los Rückert-Lieder de Mahler con la Orquesta Nacional de Francia y la Real Orquesta del Concertgebouw. el Théâtre des Champs-Élysées y el Théâtre du Châtelet en París. que recibió un premio Echo en 2008. Pierre Audi y Karl-Ernst y Ursel Hermann. Ottavia en L’incoronazione di Poppea en la Ópera de Holanda. la beca de la Fundación Borletti-Buitoni en 2005 y el Premio de la Música Holandés en 2008. Su debut en la Philharmonie de Berlín fue con la interpretación de Das Buch der hängenden Gärten de Arnold Schoenberg con la pianista Mitsuko Uchida. mezzosoprano Nacida en la localidad holandesa de Delft. Cornelia en Giulio Cesare en el Teatro de la Monnaie de Bruselas y la Ópera de Holanda o el personaje protagonista de Tamerlano en la Royal Opera House. Ivan Fischer. y Lieder de Mahler y canciones de Tchaikowsky acompañada por Julius Drake (este último disco fue premiado por la BBC Music Magazine como mejor grabación vocal de 2010). Ha colaborado con directores de escena como Graham Vick. que la dirigió en la Tercera Sinfonía de Mahler en la inauguración de la pasada edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada en el Palacio de Carlos V. la Real Orquesta del Concertgebouw. de Frank Martin. la Orquesta Nacional Danesa y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Jörg Widmann y Simon Rattle. la Orquesta del Festival de Budapest. Sus grabaciones más recientes se encuentran publicadas en el sello Onyx e incluyen Lieder de Schubert. Yannick Nézet-Séguin. Kurt Masur. viola Formó parte del Cuarteto Alban Berg desde 2005 hasta su disolución en 2008. En su carrera operística destacan los papeles de Pauline en La dama de picas en la Ópera de París. Daniele Gatti. Haitink la invitó a cantar la Segunda Sinfonía de Mahler en los Proms de la BBC. la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington.

De 1998 a 2002 fue director artístico del Festival de Invierno de Nagaoka en Japón. Boston. en el Festival de Schleswig-Holstein. como “El joven Brahms”. la edición Strauss para Hyperion. Al igual que sus compañeros del Cuarteto Alban Berg. dirigida por James Levine. En la temporada 2009-2010 presentó una serie de recitales con Lieder de Strauss en el Wigmore Hall. con quien interpretará Winterreise de Franz Schubert el próximo mes de junio en Cádiz. el Teatro alla Scala de Milán. la Beethovenfest de Bonn y el Teatro de la Zarzuela de Madrid. y con Miah Persson en la Tonhalle de Zúrich. del Ciclo de Lied de Santiago de Compostela (donde ha tocado el pasado mes de septiembre junto a Mark Padmore. Sus actividades como pedagogo le han llevado a impartir clases magistrales en ámsterdam. Tras estudiar música en Cambridge.nich en el Festival de Lucerna y en la Philharmonie de Múnich. Christopher Maltman y Alastair Miles. el Concertgebouw de ámsterdam. Es catedrático de Acompañamiento en el Royal College of Music de Londres y es miembro honoris causa del Magdalene College de Cambridge. Imparte asimismo clases regularmente en la Universidad de Indiana. Hubo de cancelar por enfermedad el recital que iba a ofrecer en la edición XVII junto al pianista español Javier Perianes. piano Su inspiración para emprender una carrera como pianista acompañante fue la manera de tocar de Gerald Moore. en la Dutch String Quartet Academy de ámsterdam y en el Royal Northern College of Music de Manchester. Sarah Walker y Florian Boesch. Lorraine Hunt Lieberson. Copenhague. Estocolmo. Thomas Bauer y Sandrine Piau) y del Festival de Tetbury en Inglaterra. A lo largo de su carrera ha colaborado con cantantes tan importantes como Elisabeth Söderström. ha impartido clases magistrales de viola y de música de cámara en la Britten-Pears School de Aldeburgh. aún en curso. Susan Graham. Brigitte Fassbaender. donde ha actuado en numerosas ocasiones en el Ciclo de Lied que organiza la Fundación Caja Madrid. Nueva York. La pasada temporada ofreció recitales con Measha Brueggergosman y Elizabeth Watts en el Concertgebouw de ámsterdam. Baltimore. Christine Rice. y Schwanengesang de Schubert con Robert Holl en Hyperion. el Carnegie Hall y la Frick Collection de Nueva York. Ha actuado como miembro del Cuarteto Alban Berg en las ediciones XIV a XVI del Liceo de Cámara. el Wigmore Hall y la Konzerthaus de Viena. “El paisaje hecho canción” (un homenaje a Schubert) y “Escenas de Schumann”. Thomas Allen. Tocó asimismo Roger Vignoles. Before Life and After de Britten con Mark Padmore en Harmonia Mundi recibió el Diapason d’Or y el Prix Caecilia en 2009. Toca regularmente por todo el mundo en salas como el Wigmore Hall. la Schubertiade de Schwarzenberg. la Philharmonie de Colonia. Mark Padmore. Su amplísima discografía incluye numerosas grabaciones que han recibido múltiples premios. y en la pasada edición actuó junto al Cuarteto Arditti y Valentin Erben. John Mark Ainsley. Anne Schwanewilms. en la Universität der Künste de Berlín. Bruselas. así como en el Britten-Pears Young Artists’ Programme en Snape. Barbara Bonney. Florian Boesch y Renata Pokupic en el Wigmore Hall. Christine Brewer. Ha interpretado la mayor parte del repertorio para viola solista. Ha diseñado varias series en el Queen Elizabeth Hall de Londres. Thomas Hampson. Recientemente ha realizado también amplias giras por Japón con Mihoko Fujimura y por Norteamérica con Measha Brueggergosman y Kate Royal. Kiri Te Kanawa. Montreal y Toronto. Andrew Kennedy. y como integrante de un octeto de grandes solistas internacionales liderado por la violinista Hanna Weinmeister. entró en la Royal Opera House como pianista repetidor y posteriormente completó su formación con Paul Hamburger. Kathleen Battle. Toca el instrumento construido por Lorenzo Storioni en 1780 que tocó también en su día Thomas Kakuska. 108 109 . Además. Joan Rodgers. la Konzerthaus y la Musikverein de Viena. en el Encuentro Música y Academia de Santander. el Musée d’Orsay y el Théâtre des Champs-Élysées de París. Bloomington. la Ópera de Fráncfort. Actualmente es el director artístico de Sommer Lied Weinberg en la Alta Austria. con Christine Brewer. pero en la actualidad centra su actividad pedagógica en la Musikhochschule de Lucerna. Bernarda Fink. desde Lieder alemanes y mélodies francesas hasta repertorio español y canciones de cabaret: Schumann y Brahms con Bernarda Fink en Harmonia Mundi. Anna Grevelius. Es frecuentemente invitado para confeccionar y dirigir programas y festivales en torno a la canción. Philip Smith. Isabel Charisius es profesora de música de cámara en la Universidad de Colonia. Su reciente grabación de Winter Words y Holy sonnets of John Donne. Felicity Lott. con Christine Brewer.

Isabelle Faust. Ha estrenado obras de un gran número de compositores. entre otros. la Orquesta Sinfónica de Boston. 36 de Brahms. aunque nunca se calificaría a sí mismo de niño prodigio. Charles Dutoit. Allí alcanzó fama internacional con su primera grabación (que contenía sonatas de Bartók. las orquestas de la BBC y la Orquesta de Cámara Mahler. el Concurso Leopold Mozart. En la actualidad disfruta tocando el fortepiano y admira a Andreas Staier como colega. lo que supuso su inmersión en la práctica interpretativa histórica. Ofreció recitales con John Mark Ainsley en la ópera de Fráncfort y el Wigmore Hall. Fue necesario un 110 111 . así como de obras olvidadas. el Concierto para violín y el Sexteto de cuerda op. En 1993 obtuvo el primer premio en el Concurso Paganini y posteriormente se trasladó a Francia. violín Empezó a estudiar música muy pronto y a los once años fundó ya un cuarteto de cuerda. Morton Feldman. En los últimos años ha colaborado habitualmente con directores como Claudio Abbado. Tras ganar en 1987. tocando el Concierto nº 1 de Rachmaninov a los doce años. y fue nominada a un Grammy. A pesar de haberse formado en la escuela rusa y de haber admirado a los grandes románticos rusos.en la Mozartfest de Bath y en los festivales de Tetbury. que le enseñó cómo combinar fuerza y sutileza. Mariss Jansons o Ji ř í Bělohlávek y con orquestas como la Filarmónica de Berlín. Toca y graba habitualmente (para el sello Harmonia Mundi) con el pianista Alexander Melnikov. entre ellos Olivier Messiaen. Isabelle Faust actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. como el Concierto para violín de André Jolivet o el Concierto nº 2 de Martinů. prestado por el L-Bank de Baden-Württemberg. Esta disposición a abrirse a diferentes leguajes musicales la ha convertido también en una intérprete muy demandada de música contemporánea. los apartó de su repertorio durante varios años. En aquellos años tuvo para él una importancia capital su relación con Sviatoslav Richter. Alexander Melnikov. sino utilizada como un reto y un incentivo para reevaluar la sustancia de cada nota con objeto de comprender su propósito y su significado. no entendida de manera dogmática. especialmente la música de Fauré y Debussy. En 2007 grabó el Concierto de Beethoven. alentada por Christoph Poppen (durante años primer violín del Cuarteto Cherubini). piano Nacido en Moscú en 1973. Sus primeras experiencias camerísticas la convencieron de que la interpretación es un proceso en el que se da y se recibe por igual. Isabelle Faust toca el Stradivarius de 1704 conocido como “La bella durmiente”. Es una ardiente defensora de la música de György Ligeti. En 2009 estrenó obras dedicadas a ella por los compositores Thomas Larcher y Michael Jarrell. mostró su talento para la música desde muy temprana edad. permitiéndole tocar un Concierto de Mozart de manera igualmente convincente con un grupo historicista como Concerto Köln y con una gran orquesta sinfónica moderna. Sus últimas grabaciones para Harmonia Mundi contienen las Sonatas y partitas para violín solo de Bach (que obtuvo el Diapason d’Or). la Filarmónica de Múnich. En la presente temporada tendrá a su cargo su propia serie de recitales de canciones en el Wigmore Hall. el Concierto para violín de Dvořák. donde creció su amor por el repertorio francés. Werner Egk y Jörg Widmann. En 2003 realizó su primera grabación de una gran obra romántica con orquesta. la obra ha seguido siendo un puntal de su repertorio. Para Faust. que fue su profesor y que tuvo una influencia decisiva en ella en aquellos años. Szymanowski y Janáček) y siguió ampliando su repertorio. la importancia del diálogo musical requiere establecer un lenguaje común entre los intérpretes. Oxford Lieder y Cheltenham. la Orquesta de París. Daniel Harding. se planteó emprender una carrera como solista. Luigi Nono y Giacinto Scelsi. Roger Vignoles actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Otro elemento complementario en su desarrollo fue su contacto con la interpretación históricamente informada. en el que la escucha es tan importante como expresar tu propia personalidad. con quince años. Tras haberlo tocado a los quince años bajo la dirección de Yehudi Menuhin. y con Alek Shrader en el Spivey Hall de Atlanta. Realiza habitualmente programas para la BBC y este mismo año presentó un recorrido discográfico por la ópera Tristan und Isolde de Wagner dentro de la serie Building a Library. Su grabación de la integral de las Sonatas de Beethoven recibió los premios Echo y Gramophone. Heinz Holliger.

El debut del Cuarteto Arcanto tuvo lugar. incluyendo desde 2002 la de cuarteto de cuerda. harán su debut en el Prinzregentheater de Múnich. la Konzerthaus de Viena y Megaron en Atenas. En 2009 fue nombrada Directora Artística de la Camerata de Berna. la Philharmonie de Colonia. rís. el Rheingau Musik Festival. donde hicieron su presentación en el Carnegie Hall de Nueva York. este último con la pianista Silke Avenhaus. donde había completado su formación. En la pasada temporada realizaron una gira por Japón. un sello al que llegó gracias a su vinculación con la violinista Isabelle Faust. Tabea Zimmermann y Jean-Guihen Queyras fundaron el Cuarteto Arcanto. Además de su amor por la música y de la amistad existente entre sus miembros. Daniel Sepec. la Filarmónica de Tokio. comenzó a tocar a los cuatro años y estudió posteriormente en la Hochschule für Musik Hanns Eisler en Berlín con Werner Scholz. tocando con orquestas como la Orquesta Nacional Rusa. el Festival de Ludwigsburg. Ligeti o Gubaidulina y obras infrecuentes como los Conciertos para violín de Korngold. En sus actuaciones en las siguientes temporadas. Ha actuado en salas como la Concertgebouw de ámsterdam. Su primera grabación para Harmonia Mundi contenía los Cuartetos núms. el Théâtre du Châtelet de Pa- 112 113 . Prokofiev. Yuri Bashmet. Tras enseñar en la Universität der Künste de Berlín. Antje Weithaas empezó a dar clases en la Hochschule für Musik Hanns Eisler. Sharon Kam o Lars Vogt. Antje Weithaas. violín. 87 de Shostakovich. Su interés por la música de cámara le lleva a compatibilizar sus conciertos como solista con los recitales con músicos de la talla de Natalia Gutman. Alexander Rudin. y en junio ofrecieron varios conciertos en el Festival de Aldeburgh. la Real Orquesta del Concertgebouw. la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. Trabaja especialmente en el campo de la música de cámara con músicos como Christian y Tanja Tetzlaff. El amplio espectro de su repertorio incluye los grandes Conciertos de Mozart. el Cuarteto hizo su presentación en la Beethoven-Haus de Bonn. Antje Weithaas toca un violín del luthier alemán Peter Greiner. que ha recibido numerosos premios en varios países. Alexander Melnikov actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. en 1988 el Concurso Bach en Leipzig y en 1991 el Concurso Internacional de Hannover. Su última grabación para el sello francés contiene obras de Ravel. Su grabación de la integral de las Sonatas para violín y piano de Beethoven obtuvo en 2010 los premios Echo y Gramophone y fue nominada a un Grammy. así como varias actuaciones como artistas residentes en Londres. Debussy y Dutilleux. En abril de este año debutaron en la Fundación Gulbenkian de Lisboa y en el Palau de la Música de Barcelona. En octubre del pasado año el grupo ofreció sus primeros conciertos en Estados Unidos. la Orquesta de Filadelfia (dirigida por Charles Dutoit). con enorme éxito. En enero de 2012 volverán a Japón y. incluido el de mejor grabación de ese año. así como los clásicos modernos de Shostakovich.encuentro con Mijail Pletnev para volver a recuperar el interés por esta música. la Kunstfest Weimar. la Tonhalle de Zúrich y la Philharmonie de Berlín. la Alte Oper de Fráncfort y el Théâtre du Châtelet de París. además de volver a tocar en el Wigmore Hall y el Concertgebouw de ámsterdam. Actualmente es una de las más cotizadas solistas y cameristas de su generación. la Filarmónica de Róterdam (dirigida por Valery Gergiev). Cuarteto Arcanto Tras muchos años de hacer música de cámara juntos en diferentes formaciones. Beethoven y Schumann. el Suntory Hall de Tokio. formado por cuatro renombrados instrumentistas que hasta el momento habían sido más conocidos como solistas. tras lo cual realizó grabaciones muy admiradas de música de Rachmaninov y Scriabin para Harmonia Mundi. En 1987 ganó el Concurso Kreisler de Graz. en el Vredenburg de Utrecht. el Festival de Música de Cámara de Risør que dirige Leif Ove Andsnes. Silke Avenhaus. el Wigmore Hall de Londres. el Concertgebouw de ámsterdam. entre otras. donde ofrecieron diversos conciertos en el Wigmore Hall. el Real Conservatorio de Bruselas. Clemens Hagen. en Stuttgart en 2004. En noviembre de 2010 grabó la integral de los Preludios y fugas op. En 2006 realizó su primera gira por Japón y la pasada temporada hizo su presentación en el Festival Tivoli de Copenhague. la Sinfónica de la NHK y la Filarmónica de la BBC. 51 nº 1 y el Quinteto con piano de Brahms. Hartmann y Schoeck. la Alte Oper de Fráncfort. en la Festspielhaus de Baden-Baden y en la Cité de la Musique de París. sus componentes comparten el deseo de dedicarse al placer y a la exigencia que supone el trabajo cuartetístico. 5 y 6 de Bartók y posteriormente apareció un segundo registro con el Cuarteto op. Antje Weithaas. Pieter Wispelwey y Jean-Guihen Queyras. Ofreció un recital para dos violines junto a Christian Tetzlaff en la XV edición del Liceo de Cámara. donde tocaron el Cuarteto nº 2 de Britten.

Viena y ámsterdam. Ivan Fischer. Jean-Claude Casadesus. György Kurtág. la Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. Philippe Herreweghe. violonchelo Se formó con Jean Deplace en Lyon y Jean-Guihen Queyras en Stuttgart. Frans Brüggen. Gilbert Amy. Ed Gardner. Jean-Guihen Queyras. En la temporada 2011-2012 será artista residente del Ensemble Resonanz de Hamburgo. Stefan Wirth. Leonard Slatkin. Tabea Zimmermann. Ha sido profesor en la Musikhochschule de Trossingen y en la actualidad es catedrático en la Musikhochschule de Stuttgart. de Debussy y Poulenc. la Musikhalle de Hamburgo y la Cité de la Musique en París. Harvey. Nodaïra y Fedele) que escribieran un “eco” para cada una de las Suites de Bach. Denis Russell Davies. el Wigmore Hall de Londres. Desde noviembre de 2005 toca un violonchelo construido por Gioffredo Cappa en 1696. En el Concurso Domnick de Stuttgart recibió el Premio Especial por su interpretación de la música contemporánea. la Tonhalle de Zúrich. con conciertos para violonchelo del siglo xxi y el Concierto para violonchelo de Dvořák con la Philharmonia de Praga dirigida por Ji ř í Bĕlohlávek. Es también uno de los directores artísticos de los Rencontres Musicales de Haute-Provence que se celebran todos los años en Forcalquier. Hans Graf. También toca con los especialistas de zarb Kevan y Bijan Chemirani. Ha tocado en salas como la Philharmonie de Berlín. Olivier Vivarès. Mochizuki. Ofreció un recital para violonchelo solo en el XIX Liceo de Cámara. Olivier Marron. Jean-Guihen Queyras ha actuado con orquestas del prestigio de la Sinfónica de la RAI de Turín. Beat Furrer. En mayo de 2007 fue artista residente en el Concertgebouw de ámsterdam y el año siguiente hizo su presentación en los Proms de Londres y tocó la Sinfonía para violonchelo y orquesta de Britten en el Festival de Aldeburgh. entre otros. la Filarmónica de Radio Francia y la Orquesta de París con directores como Heinz Holliger. el Suntory Hall de Tokio y el Carnegie Hall de Nueva York. viola Véase su biografía en la página 98.Daniel Sepec. El Cuarteto Arcanto ha actuado en las ediciones XV a XIX del Liceo de Cámara. En el ámbito de la música de cámara toca habitualmente con los pianistas Alexander Melnikov y Alexandre Tharaud y con la violinista Isabelle Faust. el festival de Aldeburgh y la Bachfest de Leipig. George Benjamin. que ha publicado también otros con obras para violonchelo solo de Britten. prestado por el Mécénat Musical Société Générale. violonchelo. En 2004 ganó el primer premio del Concurso Internacional Johann Sebastian Bach en Leipzig. Como cotizado músico de cámara y solista ha tocado en salas tan prestigiosas como el Concertgebouw de ámsterdam. Emmanuel Nunes. Ha tocado música de cámara con Jean-Guihen Queyras. Alexandre Tharaud. con el que grabó el Concierto para violonchelo de György Ligeti para Deutsche Grammophon bajo la dirección de Pierre Boulez. Kari Kriikku. Colabora también con músicos como Pierre-Laurent Aimard. ente otros. Antje Weithaas. con Conciertos de Haydn y Monn con la Orquesta Barroca de Friburgo. También ha encargado a seis compositores (Kurtág. la Sinfónica de Tokio. Leipzig y San Petersburgo. Friburgo y en la Juilliard School de Nueva York. Emmanuel Pahud y Jean-Yves Thibaudet. violín Véase su biografía en la página 120. París. John Neschling y András Ligeti. Daniel Rowland o los Cuartetos Arcanto y Vogler. la Orquesta Hallé de Manchester. lo que le ha permitido trabajar de cerca con los compositores Pierre Boulez. tras lo cual fue invitado a tocar en Fráncfort. el Wigmore Hall de Londres. Finghin Collins. la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. Gerd Albrecht. Roger Norrington. En su repertorio figuran un gran número de piezas contemporáneas y ha ofrecido los estrenos mundiales de los Conciertos para violonchelo de Ivan Fedele. con los que tocará diversos programas en Hamburgo. Magnus Lindberg y Helmut Lachenmann. Marek Janowski. con la Sonata “Arpeggione” de Schubert (ambos con el pianista Alexandre Tharaud). Ji ř í Bělohlávek. Lars Vogt. la Orquesta de la Suisse Romande. Heinz Holliger. estudió en Lyon. Kurtág y Kodály. Ha sido violonchelo solista del Ensemble InterContemporain de París. Amy. Olivier Knussen. un proyecto que ha tocado en salas como la Konzerthaus de Berlín. Juliette Hurel. Muhai Tang. el Palais des Beaux-Arts de Bruselas. Günther Herbig. En su discografía destaca la publicación en 2008 de las Suites para violonchelo solo de Bach para el sello Harmonia Mundi. Su interés por la música contemporánea le ha llevado a colaborar con el Ensemble Contrechamps de Ginebra. David Stern. Veress. Colonia. Bruno Mantovani y Phillipe Schoeller. 114 115 .

además de actuaciones con la Filarmónica de Japón. la Konzerthaus de Dortmund. Esa-Pekka Salonen. Entre 2009 y 2011 fue el director artístico del Festival de Violonchelo de Beauvais (Fancia). el Concertgebouw de ámsterdam. la Sinfonía concertante de Prokofiev (con la Filarmónica de Róterdam y Vassily Sinaisky) y la Sinfonía para violonchelo y orquesta de Britten (con la Sinfónica de Flandes y Seikyo Kim). También ha grabado piezas para violonchelo de Schubert (algunas de ellas en su propia transcripción para su instrumento) con instrumentos históricos junto a Paolo Giacometti. Sus grabaciones más recientes son el Concierto para violonchelo de William Walton (con la Sinfónica de Sydney y Jeffrey Tate). Libor Pešek o Roger Norrington. con Paul Katz en Estados Unidos y con William Pleeth en Gran Bretaña. como la Sinfónica de Boston. la Sala Megaron de Atenas. Ton Koopman. la Utzon Room de Sydney. la Celebrity Series de Boston. incluyendo numerosas obras compuestas específicamente para él. la Orquesta Yomiuri Nippon. Philippe Herreweghe. con quien acaba de publicar también en el sello Onyx las Sonatas para violonchelo de Mendelssohn y una selección de Valses de Chopin arreglados para violonchelo y piano. Vladimir Jurowski. la Academy of Ancient Music. Pieter Wispelwey. En 1992 se convirtió en el primer violonchelista en obtener el Premio de la Música Holandés. recitales y música de cámara. Paul. la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. Concertgebouw de Brujas). el Teatro Colón de Buenos Aires. Jeffrey Tate. todas ellas realizadas en directo. Polonia (Wratislavia Cantans) y giras por Italia. Actuó en el XVII Liceo de Cámara interpretando los dos Sextetos de cuerda de Brahms con el Cuarteto Arcanto de Sapporo. en Seúl y en festivales en ámsterdam (Prinsengracht). Actuó en el X Liceo de Cámara tocando la integral de las Suites para violonchelo de Bach. el Centro Nacional de Artes Interpretativas de Pekín. Marc Minkowski. Neville Marriner. Su versatilidad le permite tocar igualmente el violonchelo barroco y el violonchelo moderno en un repertorio que abarca de Johann Sebastian Bach a Elliott Carter. la Sala Topan de Tokio. Desde enero de 2009 hasta marzo de 2001 ha dado clases en la Staatliche Hochschule für Musik de Stuttgart como ayudante de Jean-Guihen Queyras. el Walt Disney Hall de Los ángeles y el Lincoln Center de Nueva York. la Orquesta de Cámara Escocesa.Toca un instrumento construido por Jean-Baptiste Vuillaume en París en 1852 que le ha cedido generosamente el Fonds Instrumental Français. reuniendo durante una semana a los mejores violonchelistas del mundo en una serie de conciertos. Sus recitales le han llevado a tocar de forma habitual en el Wigmore Hall de Londres. Louis Langrée. el pianista Cédric Tiberghien (Wigmore Hall de Londres). En la siguiente edición tocó las tres Suites para violonchelo solo de Britten. Herbert Blomstedt. Paavo Berglund. la Sinfónica de la Radio Danesa. Entre sus recitales destacan los proyectos con el fortepianista Kristian Bezuidenhout (Konzerthaus de Viena. A lo largo de su carrera ha tocado con muchas de las mejores orquestas del mundo. colaborando con directores como Ivan Fischer. el Théâtre du Châtelet en París. Su amplísima discografía se encuentra recogida principalmente en los sellos Onyx y Channel Classics. Yannick Nézet-Séguin. la Konzerthaus de Berlín. la Sinfónica 116 117 . Vassily Sinaisky. la Orquesta del Festival de Budapest o la Camerata de Salzburgo. Entre sus futuros proyectos se encuentra la interpretación de conciertos dedicados a Rostropovich con orquestas sinfónicas australianas. la Orquesta de Cámara St. recitales a solo en el Museo del Louvre de París. Alemania y Norteamérica. Bozar en Bruselas. la Società del Quartetto de Milán. Wigmore Hall de Londres. la Sinfónica de la BBC. la Filarmónica de Tokio. la Sinfónica de Dallas. Kent Nagano. Luke’s en Londres. Pieter Wispelwey toca un violonchelo construido por Giovanni Battista Guadagnini en 1760. la Orchestra of the Age of Enlightenment. la Filarmónica de Lieja y una gira con la Orquesta Sinfónica de Flandes. el Wigmore Hall y St. se formó con Dicky Boeke y Anner Bylsma en ámsterdam. la Filarmónica de Londres. la Sinfónica de São Paulo. violonchelo Nacido en Haarlem (Holanda). la Sinfónica de Sydney. la Sinfónica de la NHK. concedido al músico joven más prometedor del país. la Orquesta Hallé.

En recital tiene previsto aparecer las siguientes tres temporadas en el Wigmore Hall de Londres. 118 119 . Alina Ibragimova. Yutaka Sado y Jerzy Semkow. En 2011 ha sido el pianista invitado del Musikkollegium Winterthur para un proyecto Bach en el que interpretó el Libro II completo del Clave bien temperado. Beethoven (Variaciones). Sonatas de Britten. el Mozarteum de Salzburgo. Ivan Fischer. Ha ofrecido recitales por todo el mundo en las salas más importantes. y en Francia la Filarmónica de Radio Francia. incluye un disco concertante (el Concierto nº 1 de Brahms con la Sinfónica de la BBC y Ji ř i B ělohlávek) y cinco discos de recitales: Debussy. Antoine Tamestit. Nicholas Angelich. la Orquesta del Festival de Budapest. incluidas la Sinfónica de la BBC. la Sinfónica Nacional de Irlanda. La integral se ha publicado también en disco con gran éxito en el sello Wigmore Live. 76 y los Valses op. la Filarmónica de Hamburgo. Valérie Aimard. lo que le ha granjeado de inmediato una invitación para tocar en la presente temporada dos conciertos con la Sinfónica de Boston en Boston y en el Carnegie Hall de Nueva York. con siete giras por Japón y apariciones en toda Europa. Cédric Tiberghien tocó dos conciertos con Sonatas para violín y piano de Beethoven junto a Alina Ibragimova en el XVIII Liceo de Cámara. Bertrand Chamayou. así como un disco con las Mazurcas de Chopin. la Gelders Orkest. la Ópera de Sydney y las salas Bunka Kaikan y Asahi de Tokio. además de otros cinco galardones especiales. Recientemente ha hecho su debut con orquesta en Estados Unidos. Cédric Tiberghien ha aparecido con un gran número de orquestas internacionales. como el Kennedy Centre en Washington. Marie Hallynck. con sólo diecisiete años. las Klavierstücke op. la Orchestre de la Suisse Romande. más recientemente. Su discografía a solo. Cédric Tiberghien es también un apasionado camerista: en la temporada 2009-2010 interpretó el ciclo completo de las Sonatas para violín y piano de Beethoven con su compañera de dúo. el Royal Albert Hall. un disco con diez Danzas Húngaras. las Baladas de Brahms y. la Sinfónica de Tokio. Colabora también en música de cámara con artistas como Sophie Karthäuser. la Orquesta de París y la Orquesta Nacional de Francia. además de dos de los Conciertos para teclado de Bach. el Concertgebouw de ámsterdam. piano Cédric Tiberghien estudió en el Conservatorio de París con Frédéric Aguessy y Gérard Frémy y recibió el Premier Prix en 1992. el Queen Elizabeth Hall y el Barbican Centre en Londres. Esto impulsó su carrera internacional. Myung-Whun Chung. Antes hicieron su debut discográfico con la grabación de las obras completas para violín y piano de Szymanowski. Bach (Partitas). en el Jersey Arts Centre y durante una residencia en el Festival de Aldeburgh. Tel Aviv. En 2011 se ha publicado su grabación de las Variaciones sinfónicas y Les Djinns de César Franck para el sello Cyprès. la Orquesta Hallé. Leif Segerstam. Stuttgart Staatsorchester. la Philharmonie y la Konzerthaus de Berlín y en diversos festivales de verano por toda Europa. incluidos el Premio del Público y el Premio de la Orquesta. el Quinteto Moraguès. Ha realizado también grabaciones con las violonchelistas Marie Hallynck (Sonatas de Schumann y Grieg en Harmonia Mundi. la New Japan Philharmonic. Marie Devellereau y Gweneth-Ann Jeffers. la Orquesta Sinfónica de la NHK. Ji ř i Bělohlávek. Ginebra. Bacri y Debussy en Fuga Libera) y Valérie Aimard (repertorio francés en Lyrinx). el Cuarteto Psophos. con más de un centenar y medio de compromisos en todo el mundo. que acaba de lanzar al mercado su integral de las obras para violín y piano de Ravel junto con la Sonata de Guillaume Lekeu. Kurt Masur. Dublín. 39 de Brahms.Cédric Tiberghien. y los violinistas Amanda Favier (Sonatas de Janáček y Strauss en Lyrinx) y Vadim Tchijik (obras de Fauré y Ravel). Milán) y obtuvo el primer premio en el prestigioso Concurso Long-Thibaud en París en 1998. la Sinfónica de São Paulo. la Salle Pleyel y el Théâtre des Champs Élysées en París. También va a tocar próximamente con la Sinfónica de Seattle. así como en Bozar y el Théâtre de la Monnaie de Bruselas. Louis Langrée. Ha colaborado con directores como Simone Young. tocando la Sinfonía Turangalîla de Messiaen con la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington dirigida por Christoph Eschenbach. publicada a comienzos de 2009 por el sello Hyperion. Con más de sesenta conciertos para piano y orquesta en su repertorio. entre muchos otros. publicado en 2010. Luego resultó vencedor en diversos concursos internacionales (Bremen. Chopin. el Wigmore Hall. publicada por Harmonia Mundi. la Sala Bechstein en Berlín. Christoph Eschenbach. la Filarmónica de Tokio. la integral de los Conciertos de Beethoven con la Orchestre National d’Île de France y una gira con las orquestas más destacadas de Australia y Nueva Zelanda. Pierre Amoyal. Alain Planès. en el Wigmore Hall de Londres. la Sinfónica de Sydney. el Cuarteto Ysaÿe.

violín barroco Nacida en Stuttgart. la Camerata de Berna y la Camerata Académica de Salzburgo. Poco después publicó su primera grabación con el Cuarteto Salagon. Ha tocado las Sonatas del Rosario de Biber con violín barroco en la Konzerthaus de Viena y en la Semana de Música Antigua de Innsbruck. bajo la dirección de Thomas Hengelbrock. Christine Busch. y asistió a clases magistrales con Sándor Végh y el Cuarteto Alban Berg. Patrick Sepec. Como concertino invitado ha actuado con la Orquesta de Cámara de Europa. Desde septiembre de 2010 da clases de violín en la Hochschule für Musik de Basilea. Ese mismo año formó un trío con el flautista Eugen Bertel y el guitarrista Alexander Swete. Ha realizado grabaciones para los sellos Harmonia Mundi. que incluía obras de Joseph Martin Krause. Salzburger Hofmusik y. Posteriormente las ha llevado al disco para el sello Coviello Classics con Hille Perl (viola da gamba). compatibilizando siempre la interpretación del violín barroco y del violín moderno. Su última grabación con Andreas Staier para Harmonia Mundi contiene las dos Sonatas de Robert Schumann y la Chacona de Bach con el acompañamiento pianístico añadido por Schumann. así como con Gerhard Schulz en Viena. Como solista ha tocado con la Academy of Ancient Music dirigida por Christopher Hogwood. Con el Ensemble Explorations ha grabado para Harmonia Mundi Quintetos de cuerda de Boccherini y obras de cámara de Dvořák con instrumentos de época. Daniel Sepec ha mostrado un interés creciente por el violín barroco. la Akademie für Alte 120 121 .Daniel Sepec. Posteriormente asistió a las clases de violonchelo barroco de Christophe Coin en la Schola Cantorum Basiliensis y desde entonces se ha concentrado en la interpretación con instrumentos históricos. principalmente con el Ensemble Explorations que dirige el violonchelista belga Roel Dieltiens. En 2004 fundó. MDG y CPO con grupos como la Akademie für Alte Musik de Berlín. violín barroco Estudió con Dieter Vorholz en Fráncfort. Actúa como concertino regularmente en el Ensemble Balthasar-Neumann. Atraído por la riqueza de expresividades de la música barroca. cuyo repertorio se sitúa entre Haydn y Mendelssohn. violonchelo barroco Nacido en 1969 en Fráncfort. junto con Kathrin Tröger. la Camerata del siglo xviii. Forma parte habitualmente de grupos como la Orquesta Barroca de Friburgo. En 2003 formó un trío con piano con el violonchelista Jean-Guihen Queyras y el fortepianista Andreas Staier para tocar el repertorio clásico vienés. Thomas Hengelbrock. Con él ha publicado un disco con obras de Beethoven y Hummel. Frans Brüggen y Trevor Pinnock. Ha sido también concertino en agrupaciones dirigidas por Philippe Herreweghe. Thomas Hengelbrock y Kay Johanssen y ha sido invitada como directora por la Camerata de Berna y la Kammerakademie Potsdam. un cuarteto con instrumentos históricos. con la Wiener Akademie y Martin Haselböck y con la Orchestre des Champs-Élysées dirigida por Philippe Herreweghe. Como músico de cámara participa regularmente desde 1995 en la Schubertiade de Hohenems. en los últimos años. En la XVII edición tocó en solitario la Passagalia de Biber con violín barroco. actuando también de manera regular como solista con directores como Daniel Harding. con Boris Kuschmir en Viena y con Nora Chastain en Winterthur. entre ellos uno con obras de Beethoven en el que utilizaba el violín que había pertenecido al compositor alemán y que se encuentra en la Beethoven-Haus de Bonn. A finales de 2003 apareció en el sello Carus su grabación de las Sonatas para violín y clave de Bach (con Kay Johannsen). Claudia Hofert y Gesine Queyras el Cuarteto Salagon. Ha tocado regularmente con el Concentus Musicus de Viena. un conjunto de instrumentos originales. estudió de 1990 a 1997 con Thomas Demenga y Reinhard Latzko en la Musikhochschule de Basilea. También ofrece conciertos y ha grabado diversos discos con Andreas Staier. Desde 1993 ha sido concertino de la Deutsche Kammerphilharmonie de Bremen. A partir de 1997 dio clases en la Hochschule der Künste de Berlín y tres años después fue nombrada profesora de la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst en Stuttgart. la Orquesta de Cámara de Europa y la Orquesta Barroca de Friburgo. Lee Santana (laúd) y Michael Behringer (órgano). se crió en Mössingen/Tubinga y estudió con Wolfgang Marschner y Rainer Kussmaul en Friburgo. Daniel Sepec ha tocado como miembro del Cuarteto Arcanto en las ediciones XV a XIX del Liceo de Cámara. Christine Busch toca por primera vez en el Liceo de Cámara.

Desde 2003 es miembro del grupo Münchener Cammer-Music. el grupo ha colaborado con numerosos artistas y compositores. Desde 2009 toca como primer violonchelo con el conjunto austriaco moderntimes_1800. colaborando con directores como René Jacobs. lo que le ha llevado a colaborar con directores como Georg Solti. la Konzerthausorchester de Berlín y la Filarmónica de Stuttgart. Como instrumentista moderno formó parte entre 2011 y 2008 del Ensemble Resonanz. Wilhelm Friedemann y Johann Christian Bach. Hellmuth Rilling. Covent Garden. Conciertos para clave de Carl Philipp Emanuel. Ulla Bundies y Mary Utiger. Peter Schreier. Nikolaus Harnoncourt. entre las que destacan las Variaciones Goldberg y obras poco frecuentes para teclado de Johann Sebastian Bach. Jos van Immerseel. trabajó como pianista repetidora en el Hans-Otto-Theater de Potsdam y durante ese tiempo estudió clave y bajo continuo con Walter Heinz Bernstein en Leipzig. Más tarde dio clases también de fortepiano y fue responsable de la creación del departamento de Música Antigua. Es además miembro del grupo Les cornets noirs. el Preis der Deutschen Schallplattenkritik y el Premio Echo. Japón y Estados Unidos. La Stagione o Al Ayre Español. Desde octubre de 2002 es catedrática de clave en la Hochschule für Musik und Theater de Múnich. de la Orquesta del Siglo xviii (que dirige Frans Brüggen) y de Neuen Düsseldorfer Hofmusik. Markus Creed. Es flauta solista del Balthasar-Neumann Ensemble (que dirige Thomas Hengelbrock). la Hochschule für Musik und Theater de Múnich y en la Academia de Música Feliks Nowowiejski Bydgoszcz de Bromberg (Polonia). Considerado como uno de los más prestigiosos conjuntos de cámara del mundo. También ha colaborado con Ivor Bolton interpretando la parte de continuo en la Ópera Estatal de Baviera y en la Royal Opera House. Ha realizado numerosas grabaciones discográficas. Como solista ha actuado también por toda Europa y en Israel. André Jaunet y Robert Aitken. Da clases también regularmente en la Folkwang Hochschule de Essen. Más tarde completó su formación con Gustav Leonhardt. Philippe Herreweghe. y su 122 123 . Michael Schmidt-Casdorff. Salzburgo. Eduardo López Banzo y Marcus Creed. Hizo su presentación como fortepianista en 1994 acompañando al tenor Peter Schreier y colabora especialmente con Andreas Staier (en la interpretación de conciertos para dos claves). Desde 1985 se concentra en su labor como clavecinista y fortepianista. Leopold Hager.Musik de Berlín. Karlsruhe. Conciertos para fortepiano de Mozart y obras para flauta de Beethoven con el flautista Christoph Huntgeburth. Georg Christoph Biller. Christine Schornsheim. estudió con Konrad Hünteler en la Musikhochschule de Detmold y su formación se enriqueció con los consejos de Frans Brüggen. Patrick Sepec toca por primera vez en el Liceo de Cámara. que recibió el Diapason d’Or. dirigido por Ilia Korol y Julia Moretti. Además de impartir cursos de flauta travesera histórica y música de cámara (en ciudades como Basilea. Düsseldorf y Neuburg). Varsovia. También es invitado frecuentemente por Alice y Nikolaus Harnoncourt para participar en numerosos proyectos con el Concentus Musicus de Viena. Cuarteto de Tokio El Cuarteto de Tokio ha cautivado a público y crítica desde su fundación hace más de cuarenta años. Christine Schornsheim actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. clave y órgano Tras completar sus estudios de piano en la Hochschule für Musik de Berlín. Entre 1988 y 1992 fue profesora de clave y bajo continuo en la Hochschule für Musik und Theater de Leipzig. especializado en el repertorio contemporáneo. realiza talleres de interpretación histórica de instrumentos de viento para orquesta moderna como la Philharmonische Staatsorchester de Halle. Seiji Ozawa. con el que ha grabado para el sello Challenge Classics Conciertos para cuerda de Johann Gottlieb Graun. Christoph Huntgeburth. Anima Eterna. En 2005 apareció su grabación de las obras completas para teclado de Haydn en cinco instrumentos históricos. flauta travesera barroca Nacido en Beckum. Ton Koopman y Johann Sonnleitner. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Claudio Abbado. especializado en la interpretación de la música italiana y alemana del siglo xvii. Gilbert Varga. Hermann Max y Christoph Poppen.

Muchas de estas grabaciones han sido galardonadas con el Grand Prix du Disque de Montreux. El estreno de la obra de Higdon fue presentado por la Asociación de Amigos de la Música de Cámara de Arizona en marzo de 2006. le dedican gran parte de su tiempo durante el curso académico. Asia y Estados Unidos. Emerson y Arcanto. La pasada temporada tocaron quintetos colaborando con músicos como David Watkin. el Cuarteto Ebène ha crecido hasta convertirse en uno de los cuartetos más destacados del panorama internacional. que contiene obras de Joseph Haydn y que fue muy alabado por la crítica. 50 y 76 completas de Joseph Haydn. En 2009. así como al prestigioso Festival de Música de Cámara de Norfolk en el verano. la misma obra que tocaron en el XVI Liceo de Cámara. además de mantener su compromiso con la enseñanza. Jeremy Denk y Emanuel Ax. así como un segundo dedicado a Béla Bartók. En las ediciones XVI y XVII interpretó las opp. En abril de 2010 estrenaron en el Liceo de Cámara el Cuarteto Breve del compositor Alberto Iglesias en uno de los dos conciertos ofrecidos con motivo del cuadragésimo aniversario de la creación del grupo. Jennifer Higdon y Peter Sculthorpe. En 2005 obtuvo el Premio Belmont de la Fundación Forberg-Schneider. que patrocinó su primer disco. El estreno mundial del Cuarteto de este último tuvo lugar en Melbourne y posteriormente en otras ciudades australianas. que abarca tanto obras clásicas como contemporáneas. BMG/RCA. que generosamente les ha proporcionado instrumentos antiguos italianos. se formó en París con el Cuarteto Ysaÿe y junto a maestros como Gábor Takács. Eberhard Feltz y György Kurtág. El grupo se dio a conocer en el prestigioso Concurso Internacional de la ARD en Múnich en su edición de 2004 al recibir cinco galardones especiales. “Primera Luz”. Leon Fleisher. En 2010 ofreció dos conciertos que se enmarcaron dentro de una amplia gira mundial con motivo de la celebración del 40º aniversario de su fundación. el Cuarteto Ebène participó en el ciclo dedicado a Haydn en el Wigmore Hall de Londres.discografía ha merecido las críticas más entusiastas. Desde la III edición. el Concertgebouw de ámsterdam. EMI. Recientemente fueron seleccionados para tomar parte en el prestigioso esquema “New Generation Artists” de la BBC y han sido apoyados por la Fundación Borletti-Buitoni. grabado en directo. También imparten regularmente clases magistrales en Norteamérica. Roberto Díaz y Michael Tree. y en su gira por nuestro país el Cuarteto ofreció en la primavera de 2006 el estreno mundial del Cuarteto nº 2. así llamados por haber sido adquiridos y utilizados por el virtuoso Niccolò Paganini durante el siglo xix. Desde 1976 los miembros del Cuarteto de Tokio han colaborado con la Escuela de Música de Yale. El Cuarteto de Tokio es reconocido a nivel mundial por su amplio repertorio. Estos instrumentos constituyen un préstamo de la Fundación Nipona de Música desde 1995. Mejor Grabación de Música de Cámara del Año por parte de las revistas Stereo Review y Gramophone y han recibido siete nominaciones al Grammy. Muy comprometidos con la enseñanza a jóvenes cuartetos de cuerda. el Cuarteto de Tokio ha actuado sistemáticamente en el Liceo de Cámara y ha sido en varias ocasiones Cuarteto Residente del ciclo. tocando en algunos de los auditorios más prestigiosos. El sello Biddulph ha publicado los Cuartetos “Prusianos” de Mozart. sino también en ciudades que van de Australia a Estonia y de Escandinavia al Lejano Oriente. de Lera Auerbach. Europa y Asia. Desde su condición de joven promesa. En la temporada 2005-2006 estrenó tres nuevos encargos de los compositores Lera Auerbach. Durante la temporada 2007-2008 el grupo actuó en toda Europa. la Philharmonie de Berlín y el Carnegie Hall de Nueva York. no solamente en las grandes capitales. Desde entonces ha permanecido vinculado a dicha fundación. Cuarteto Ebène Fundado en 1999. como la Musikverein de Viena. prestados al grupo por sus propietarios privados. En ese mismo año comenzó su cola- 124 125 . Su disco con el Quinteto con clarinete de Brahms con Joan Enric Lluna (Harmonia Mundi) ha recibido unas excelentes críticas. El Cuarteto de Tokio utiliza el grupo de famosos instrumentos Stradivarius conocidos como el “Cuarteto Paganini”. además de tocar Quintetos de Mozart en varios países con los violistas Naoko Shimizu. Suele ofrecer más de cien conciertos al año por todo el mundo. junto a los Cuartetos Hagen. En los últimos años han completado una integral de los Cuartetos de Beethoven para esta casa discográfica francesa. como Deutsche Grammophon. CBS y Vox Cum Laude. Han realizado más de treinta grabaciones para diferentes casas discográficas. Sabine Meyer (con la que tocaron en el Liceo de Cámara).

además de recibir el Förderpreis Deutschlandfunk en 2008 y. En su última incursión discográfica han retomado el repertorio clásico con los Cuartetos K. Emmanuel Pahud.boración con el sello Virgin Classics. la Konserthuset en Estocolmo. por ejemplo. con quien ha tocado en el Concertgebouw de ámsterdam. toca habitualmente con músicos como Gidon Kremer. con la participación de estrellas invitadas como Fanny Ardant. Renaud y Gautier Capuçon. 126 127 . la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. Ha obtenido el primer premio en el Concurso Maurice Vieux (París. el Palais des Beaux-Arts en Bruselas. Graz y Viena. 421 y 465 y el Divertimento K. En sus conciertos es habitual que interpreten primero. Duante la temporada 2009-2010 fue artista residente en la Konzerthaus de Berlín. entre otras. Julian Rachlin. Haydn y Debussy para. También toca en trío con Frank Peter Zimmermann y Christian Poltera. donde abordan también la interpretación de música pop y de una de las grandes especialidades del grupo. Nicholas Angelich o Natalia Gutman. el Lincoln Center de Nueva York o las Follées Journées en Francia y Japón. el Concierto para viola de Schnittke con la Filarmónica de Varsovia y Dmitri Kitaienko (Ambroisie) y el Quinteto “La trucha” de Schubert con Christian Tetzlaff. ofrecer su propio arreglo de la banda sonora de la película Pulp Fiction. Stacey Kent y Natalie Dessay. la Filarmónica de Viena (con la que debutó en 2008 en el Festival de Lucerna bajo la dirección de Riccardo Muti). que recibió un premio Echo. 2001). 2000). la Musikverein de Viena. la Filarmónica de la BBC. Con la Orquesta Filarmónica de Radio France. con quien posteriormente grabaría la obra para el sello Nimbus. Su repertorio abarca del Barroco a la música contemporánea. la Festspielhaus en Baden-Baden. Posteriormente ha grabado la Sinfonía concertante de Mozart con Renaud Capuçon y la Orquesta de Cámara Escocesa dirigida por Louis Langrée para el sello Virgin Classics. la Orquesta de la Gewandhaus. Sus proyectos más inmediatos son Harold en Italia de Berlioz con Antoine Tamestit. Debussy y Fauré obtuvo dos premios Gramophone en 2009 dentro de las categorías de “Mejor Grabación del Año” y “Mejor Grabación de Música de Cámara”. el jazz. Megaron en Atenas. Alois Posch y Martin Helmchen (Pentaton). Boris Pergamenschikov. Un recital con obras de Schubert y Tríos de cuerda con Frank Peter Zimmermann y Christian Poltera constituyen sus últimos registros discográficos. ha tocado con las Orquestas de Cámara de Múnich y Viena. No es fácil encontrar otro cuarteto que se mueva con tanta facilidad y entusiasmo entre los distintos estilos. la Orquesta Filarmónica de Radio Francia. En 2007 fue nombrado “Révélation Instrumentale de l’Année” de Victoires de la Musique. Paul Meyer. y con Tabea Zimmermann en Berlín. 138 de Mozart. en la Universidad de Yale con Jesse Levine y el Cuarteto de Tokio. el Carnegie Hall de Nueva York. La compositora Olga Neuwirth escribió para él un Concierto estrenado en Berlín. Destacado camerista. El sello Ambroisie ha publicado su primera grabación a solo. Es uno de los ganadores del premio de la Fundación Borletti-Buitoni en 2006. con obras de Bach y Ligeti. Tocó por primera vez en el concierto inaugural del XIX Liceo de Cámara. Janine Jansen. la Orquesta Nacional de Lyon. Su primer disco con obras de Ravel. Mischa Maisky. tras la pausa. En la presente temporada tiene previsto tocar con la Orquesta de París. En el Festival de Feldkirch en 2002 estrenó Viola. una improvisación sobre Spain de Chick Corea y regalar una propina en la que el grupo desvela los talentos vocales de un grupo a cappella. aunque raramente presenta programas que combinen en un mismo concierto la música clásica y el jazz. en las Audiciones Internacionales de YCA (Nueva York. Colabora habitualmente en recital con el pianista alemán Markus Hadulla. la Filarmónica de Varsovia y la Sinfónica de Berlín. Posteriormente grabaron un disco con obras de Brahms junto a la pianista Akiko Yamamoto y el año pasado de publicó su disco Fiction. viola Nacido en 1979. Viola de George Benjamin junto a Tabea Zimmermann. el Wigmore Hall de Londres. 2004). Jean-Guihen Queyras. Marie-Elisabeth Hecker. el Premio Joven Artista de Crédit Suisse. Luz Casal. Como solista. estudió con Jean Sulem en el Conservatorio de París. la Nueva Filarmónica de Japón y la Orquesta Filarmónica de Radio France y Myung-Whun Chung en una gira por Alemania. 2003) y en el Concurso Internacional de la ARD (Múnich. Isabelle Faust. el Concurso William Primrose (Chicago. la Orquesta de Lieja y la Orquesta de la WDR de Colonia estrenó también un Concierto para dos violas escrito por Bruno Mantovani para Tabea Zimmermann y para él mismo. la Cité de la Musique de París. A estos premios se suman el Premio Echo de la prensa alemana. en ese mismo año. en el que también recibió el Premio del Público y dos premios especiales. el “ffff” de Télérama y el “Choc” de Le Monde de la Musique.

Patricia Kopatchinskaja. el Théâtre du Châtelet de París. Sofia Gubaidulina. el Festival de las Artes de Hong Kong. Perth. Mecklenburg y la Schubertiade de Schwarzenberg. Barnabás Kelemen. Posteriormente ha recibido una fuerte influencia de músicos como Mstislav Rostropovich. y los Conciertos de Haydn con la Potsdamer Kammerakademie dirigida por Michael Sanderling (de nuevo para Genuin). la Philharmonie Austrohúngara Haydn y Adam Fischer. prestado por la Fundación Habisreutinger. Lausanne. Tabea Zimmermann. la Tonhalle de Zúrich. el Carnegie Hall y el Alice Tully Hall de Nueva York y el Teatro Herbst de San Francisco. la Tapiola Sinfonietta y la Orquesta Juvenil Simón Bolívar. el Ensemble Scharoun de la Filarmónica de Berlín o la intérprete de bajan Elsbeth Moser. en 2009 obtuvo una beca de la Fundación Borletti Buitoni y el año siguiente recibió el prestigioso premio Crédit Suisse Young Artist Award. También es invitado regularmente a festivales internacionales como los de Lockenhaus. Kirill Gerstein. Bath y Cheltenham. la Sala Verdi de Milán. el Mozarteum de Salzburgo y la Konzerthaus de Viena. Rheingau. y fueron Cuarteto Residente en el Wigmore Hall entre 2001 y 2006. la Sala Hércules de Múnich. la Konzerthaus de Berlín. la Orquesta de Cámara de Stuttgart y Dennis Russell Davies. Yuri Bashmet. ha tocado en las salas de concierto más importantes del mundo. 128 129 . Pekka Kuusisto. En las últimas temporadas ha tocado con la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich y Neville Marriner. el Palais des Beaux Arts de Bruselas. Cuarteto Belcea Fundado en el Royal College of Music en 1994. En el ámbito de la música de cámara toca habitualmente con Gidon Kremer. fue uno de los últimos alumnos de Boris Pergamenschikow en Berlín. Sus conciertos le han llevado a tocar en escenarios tan prestigiosos como el Centro de las Artes de Seúl. Steven Isserlis y Anner Bylsma. de nuevo con Zimmermann y Poltera. Franghiz Ali-Sade. Toca un instrumento construido por Nicolas Lupot en París en 1821. la Philharmonie de Colonia. como la Konzerthaus y la Musikverein de Viena. Posteriormente grabó para el sello Claves obras concertantes de Schumann. Estambul. Tchaikovsky y Friedrich Gulda. Ludwigsburg. Jörg Widmann. entre otras. Actuó en el XVII Liceo de Cámara tocando los Quintetos y Sextetos de cuerda de Brahms junto con el Cuarteto Arcanto y en el XIX Liceo de Cámara con un recital para viola sola. que le permitió hacer su debut con la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Gustavo Dudamel en el Festival de Lucerna. Miklós Perényi. el Musikkollegium Winterthur y Mario Venzago. el Théâtre du Châtelet de París. HK Gruber y Wilhelm Killmayer. las Orquestas Sinfónicas de Melbourne y Adelaida. Jerusalén. Aldeburgh. la Tonhalle de Zúrich. Alexander Lonquich. Lera Auerbach. Schleswig-Holstein. Su última grabación contiene obras camerísticas de Robert Schumann y Wilhelm Killmayer. además de frecuentar los festivales de Luberon. En 2010 fue elegido como uno de los integrantes del programa New Generation Artists de la BBC. Trondheim. la Philharmonie de Berlín. violonchelo Nacido en 1982 en el seno de una familia de ascendencia francesa y alemana. Nicolas Altstaedt. Después de salir triunfador en diversos concursos internacionales. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. la Orquesta de Cámara de Zúrich. Carolin Widmann. Kronberg o la Beethovenfest de Bonn. Alina Ibragimova. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart y Roger Norrington. Son asimismo habituales en todos los grandes festivales del Reino Unido: Edimburgo. Heinrich Schiff. Salzburgo.Marc Minkowski y los Tríos de cuerda de Beethoven. el Cuarteto Ebène. Siente una especial afinidad hacia la música contemporánea y ha trabajado con compositores como Gyorgy Kurtág. Daniel Hope. Salzburgo. Da clases en la Musikhochschule de Colonia y toca un instrumento excepcional construido por Antonio Stradivarius en 1672. la Konserthuset de Estocolmo. Su primer disco lo publicó el sello Genuin en 2007. prestado por la Deutsche Stiftung Musikleben. Moritz Eggert. la Orquesta Sinfónica de la Radio Danesa. el Carnegie Hall de Nueva York. donde prosiguió sus estudios con Eberhard Feltz. así como con la Sinfónica de Bamberg. el Concertgebouw de ámsterdam. la Fundación Gulbenkian de Lisboa.

en el Wigmore Hall. Junto con la pianista Mihaela Ursuleasa. el Cuarteto Pavel Haas participó en el programa New Generation Artists de la BBC. de Mark Anthony Turnage. el Wigmore Hall de Londres y el Concertgebouw de ámsterdam. el Concertgebouw de ámsterdam y la Konzerthaus de Viena. Imogen Cooper. Austria. En otoño de Cuarteto Pavel Haas Desde que ganó el Concurso Paolo Borciani en Italia en la primavera de 2005. la Konzerthaus de Viena y la Konzerthaus de Dortmund. Ha realizado también giras por Estados Unidos. Michael Collins. estrenarán el Quinteto con piano de Thomas Larcher en el Wigmore Hall. Su concierto en el Wigmore Hall en julio de 2007 le granjeó la invitación de seguir tocando en la sala en años sucesivos. Su primer CD. Schubert. CD de la Semana por BBC Radio 3 y Mejor Disco de Música de Cámara por la BBC Music Magazine. Es Cuarteto Residente en la Guildhall School de Londres y desde la pasada temporada es también conjunto residente en la Konzerthaus de Viena. la Konserthuset de Estocolmo. También han interpretado La bonne chanson de Fauré con Anne Sofie von Otter en la Cité de la Musique de París. donde volvieron a actuar el pasado verano con Valentin Erben interpretando el Quinteto en Do mayor de Schubert. además de realizar giras por Alemania. También han mantenido una estrecha relación con Milan Škampa (Cuarteto Smetana) en Praga y Walter Levin (Cuarteto LaSalle) en Basilea. Isabelle van Keulen. Regresó. sus integrantes han pasado los últimos años viajando por toda Europa para estudiar con miembros del Quartetto Italiano. la Schubertiade de Hohenems. Japón. seguido de su debut en los Proms. tocó en el Festival Dvořák de Praga. los Proms de la BBC y la Konzerthaus de Berlín. “Cartas íntimas”. contenía el Cuarteto nº 1 de Janáček y los Cuartetos núms. El Cuarteto Belcea actuó en el XIII Liceo de Cámara. Gran Bretaña. la Philharmonie de Berlín. Yovan Markovitch. publicado por el sello Supraphon. la Cité de la Musique de París. que le ofreció una gira por Europa en la temporada 2007-2008 en salas como la Konzerthaus de Viena. la Philharmonie de Colonia. fue cuarteto residente en los Glasgow Royal Concert Halls y volvió a colaborar asiduamente con la BBC. incluido el Quinteto en Do mayor con Valentin Erben. Suecia y Estados Unidos. Su segunda grabación. el Cuarteto Mo- 130 131 . Fauré. con ciclos de conciertos en el Reino Unido. y han actuado con Ian Bostridge en el Zankel Hall de Nueva Cork y la Biblioteca del Congreso en Washington. en el Wigmore Hall. complementaria de la anterior. En la temporada 2009-2010 debutó en el Festival de Lucerna. Su discografía con EMI incluye obras de Brahms. Fue elegido como uno de los mejores CDs de 2006 por The Daily Telegraph. asimismo. saïques. Paul Lewis. la Philharmonie de Colonia. Aunque basado en Praga. Mozart y las integrales cuartetísticas de Bartók y Britten. Alemania y Australia. en la Schubertiade de Schwarzenberg. Alemania. Además. contiene el Cuarteto nº 2 de Haas y el Cuarteto nº 2. la Festspielhaus de BadenBaden. de Leoš Janáček. Su última grabación recoge obras de Schubert. el Cuarteto Borodin y el Cuarteto Amadeus. Obtuvo el Premio Gramophone por el mejor debut discográfico en 2001. En la temporada 2006-2007 ofrecieron ya numerosos conciertos por toda Europa en lugares como el Museo del Louvre en París. la Frick Collection de Nueva York. Entre septiembre de 2007 y septiembre de 2009. 1 y 3 de Haas. lo que le supuso realizar diversas grabaciones para la emisora británica (entre ellas una con Cuartetos de Beethoven) y tocar en importantes salas del Reino Unido. que fue nominado a los Premios Gramophone.Colaboran con instrumentistas como Thomas Adès. la Alte Oper de Fráncfort y la Philharmonie de Essen. la Fundación Gulbenkian y la Philharmonie de Luxemburgo. Il tramonto de Respighi con Angelika Kirchschlager en el Wigmore Hall de Londres. el Mozarteum de Salzburgo. La pasada temporada ofreció dos conciertos en el Festival de Edimburgo. el Concertgebouw de ámsterdam. el Symphony Hall de Birmingham y el Carnegie Hall de Nueva York. En 2006 el Cuarteto fue nombrado por la Philharmonie de Colonia como una de las “estrellas emergentes” de la Asociación de Salas de Concierto Europeas. además de realizar importantes giras por Estados Unidos y Australia. llevaron a cabo su propio proyecto “Beethoven y Schubert: Últimos Años” con conciertos en Aldeburgh. el Palais des Beaux-Arts de Bruselas. el Cuarteto Pavel Haas inició una fulgurante carrera internacional. el Palau de la Música de Barcelona. Italia y Gran Bretaña. La pasada temporada estrenaron el cuarteto de cuerda Twisted Blues with Twisted Ballad. Piotr Anderszewski y Valentin Erben. a la Konzerthaus de Viena. En la presente temporada se han embarcado en la interpretación de los cuartetos de cuerda completos de Beethoven.

aunque sus interpretaciones de Mozart y Beethoven han sido también recibidas con grandes elogios. la Sinfónica de Berlín. la Orquesta de la SWR de Stuttgart. El Cuarteto Pavel Haas actuó en el XVI Liceo de Cámara y fue. así como con la Orquesta de Cámara Inglesa. con quien mantiene una especial relación de admiración. estudió con Astrid Schmidt-Neuhaus. Kissinger Sommer.2009 se publicó un nuevo disco que contenía los Cuartetos núms. Toca el Stradivarius “Bennett” de 1692 cedido por la compañía de seguros Winterthur. Lockenhaus. Cheltenham. Más tarde. 21 de Othmar Schoeck con la Orquesta de la Suiza Italiana dirigida por Heinz Holliger. Su último disco. Christian Zacharias. la Schubertiade de Schwarzenberg. Eliahu Inbal y Hans Graf. Hans Graf. Clemens Hagen. así como el Concierto de cámara de Alban Berg en la Kunstfest de Weimar. Mark Minkowski. Franz Welser-Möst. entre otros. violín Nacida en Salzburgo en 1969. También interpretó el Concierto para violín op. Dénes Várjon. entre otros. el Festival de Piano del Ruhr o la Beethovenfest de Bonn y Varsovia. También es miembro del Cuarteto Tetzlaff (en el que toca la viola) y del Trío Weinmeister (junto a sus hermanos Gertrud y Bruno). Andreji Jasinski y Ilonka Deckers e inició su carrera internacional ganando el Primer Premio en el Concurso Internacional de Piano “Antonio Casagrande” de Terni (Italia) a los dieciséis años. la Mozartwoche de Salzburgo. Edimburgo. con Leonidas Kavakos en Holanda y su participación en la última edición de los Rencontres Musicales de Bel-Air. Ha ganado el Primer Premio en el Concurso “Jugend Musiziert” para músicos jóvenes. 1 y 2 y el Dúo para dos violines de Prokofiev. Schleswig-Holstein. Lucerna. el Cuarteto Joven de aquella edición. organizados por Renaud Capuçon. junto con el Cuarteto Sacconi. Desde 1988 es concertino de la Orquesta de la Ópera de Zúrich. entre otros. Gidon Kremer. contiene cuartetos de última época de Antonín Dvořák y acaba de recibir el Premio Gramophone al mejor disco del año en el apartado de música de cámara. la Orquesta Bruckner de Linz y las Sinfónicas de Calgary y San Luis. ganó el concurso Jacques Thibaud en París en 1994. En la pasada temporada destacan sus proyectos camerísticos con Alexander Lonquich en Italia. Heinz Holliger. En el ámbito de la música de cámara ha colaborado junto a Heinrich Schiff. Ton Koopman. El grupo cultiva con especial entusiasmo el repertorio checo. que fue trágicamente deportado de Checoslovaquia en 1941 y murió en Auschwitz tres años más tarde. En 1989 ganó el concurso Stefanie-Hohl en Viena y en 1991 obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional Mozart que se celebra en Salzburgo. Ha grabado el Concierto para violín de Krenek con el Musikkollegium Winterthur dirigido por Heinrich Schiff. Benjamin Schmid. Philippe Herreweghe. con ella misma al frente de un octeto de grandes solistas internacionales que tocó en varias capitales europeas. Yuri Bashmet. piano Nacido en Trier (Alemania). Hanna Weinmeister ha actuado junto a Heinrich Schiff. Alexander Lonquich. siempre para el sello Supraphon. Volvió a visitarnos en la XIX edición. Su legado incluye tres Cuartetos de cuerda. El Cuarteto toma su nombre del compositor checo Pavel Haas (1899-1944). Como solista ha tocado el Concierto para violín de Sándor Veress bajo la dirección de Heinz Holliger en Basilea y Liubliana. Kurt Sanderling y Sándor Végh. 132 133 . Entre 2000 y 2004 dio clases de violín en la Hochschule für Musik und Theater de Berna. En 2009 tocó el Doble Concierto de Brahms con su hermano Bruno bajo la dirección de Heinrich Schiff en Constanza y Lübeck. Paul Badura-Skoda. Después amplió su formación con Gerhard Schulz en Viena y con Zakhar Bron en Lübeck. Ha tocado como solista bajo la dirección de Claudio Abbado. Heinz Holliger. Desde entonces ha tocado en las salas de concierto de todo el mundo y ha sido invitado regularmente por festivales como el de Salzburgo. y en 1995 obtuvo el primer premio en el Concurso Parkhouse en Londres. y ha tocado junto a la Orquesta Filarmónica de Múnich. Actuó por primera vez en el XVIII Liceo de Cámara en un sexteto de cuerda liderado por Leonidas Kavakos y volvió en la edición XIX. Alexander Lonquich. estudió con Bruno Steinschaden en el Mozarteum de su ciudad natal. la Orquesta de la Ópera de Zúrich. Radovan Vlatković y Alexei Lubimov. Emmanuel Krivine. Heinz Holliger. Hanna Weinmeister. Leonidas Kavakos.

la Orquesta Filarmónica Nacional Húngara o la Filarmónica Eslovena. Ha grabado también para el sello ECM y su último disco contiene obras de Robert Schumann y Heinz Holliger. Leonidas Kavakos. Veronika Hagen. la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo. Isabelle van Keulen. Han ofrecido conciertos en Viena (Sala Mozart). la Orquesta de Cámara de Mantua. Londres (Wigmore Hall). y Tomas Djupsjöbacka toca un violonchelo de 1780 construido por el lutier cremonés Lorenzo Storioni. Kaipainen. el Premio Abbiati en Italia y el Premio Edison en Holanda. En abril de 2007. El Ministro de Cultura finlandés les ha entregado el Premio Finlandia. y dos programas monográficos dedicados al compositor polaco Karol Szymanowski. la Orquesta de Cámara de Stuttgart o la Orquesta Sinfónica de la Radio de Fráncfort. Alexander Lonquich actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. El Cuarteto Meta4 actuó por primera vez como Cuarteto Joven en el XV Liceo de Cámara. Antti Tikkanen toca un violín Stradivarius de 1702 amablemente cedido por la Fundación Artística del Banco Pohjola. París (Théâtre de la Ville y Musée d’Orsay).Compatibiliza sus actuaciones como solista y como director. Ha intervenido también en las ediciones XVII. Dortmund (Konzerthaus). incluyendo a Sallinen. Saariaho. Sabine Meyer. y es el Director Artístico del Festival de Música de Oulunsalo. Melartin. 134 135 . También ofreció la integral de las Sonatas para violin y piano de Beethoven con Christian Teztlaff en el Festival de Tanglewood. Sus grabaciones de obras de Mozart y Schubert para el sello EMI han recibido premios como el Diapason d’Or en Francia. Tabea Zimmermann o los Cuartetos Auryn y Carmina. Holmström y Heiniö. algunas de ellas dedicadas al grupo. En el año 2009 grabó los tres Cuartetos op. un ámbito en el que ha colaborado con músicos como Renaud y Gautier Capuçon. 55 de Haydn para el sello alemán Hänssler Classic. la Royal Philharmonic Orchestra. El cuarteto también ha actuado en el Festival de Música de Cámara de Lockenhaus y en los festivales finlandeses de Kuhmo y Helsinki. Rasmussen. amablemente cedido por el Banco de la Cooperativa Local de Sysmä. concebido para promover a los jóvenes y prometedores artistas finlandeses. ámsterdam (Concertgebouw). Estocolmo (Konserthuset) y Nueva York (Carnegie Hall). la Orquesta Sinfonica de Düsseldorf. En la pasada temporada destacan los conciertos ofrecidos en el Festival de Salzburgo tocando y dirigiendo a la Orquesta del Mozarteum. Hong Kong y Japón. Dedica buena parte de su tiempo a la interpretación de música de cámara. fue galardonado con el Primer Premio en el Concurso Internacional Joseph Haydn de Música de Cámara de Viena. En la presente temporada volverá al Festival de Salzburgo y tocará como solista con la Orquesta Sinfónica de Viena y la Orquesta Filarmónica de Viena. Minna Pensola toca un violín de 1770. la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. la Orquesta de Cámara de Múnich. la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich. la Orquesta de Cámara de Basilea. El grupo comenzó sus estudios en 2003 con Hatto Beyerle. También recibieron el Premio Especial por la mejor interpretación de un cuarteto de Shostakovich. que ha tenido una influencia decisiva en su manera de tocar. una grabación que fue elegida posteriormente Disco del Mes por la revista Classic FM. XVIII y XIX interpretando obras de Haydn. a petición del Festival Mänttä Music de Finlandia. propietaria también de la viola Johannes Florenus Guidantus de 1737 que toca Atte Kilpeläinen. la Orquesta Filarmónica Checa. el Cuarteto Meta4 obtuvo el Primer Premio en el Concurso Internacional de Cuartetos de cuerda Shostakovich de Moscú. En 2004. Como solista ha tocado con la Filarmónica de Viena. la Orquesta de Cámara Mahler. donde recibieron enseñanzas de Johannes Meissl y Christoph Richter. viola fundador del Cuarteto Alban Berg. realizó una gira por Alemania con la Camerata Salzburg y ofreció diversos conciertos en Austria con la Orquesta de Cámara de Mantua. Christian Tetzlaff. Kokkonen. Heinz Holliger. Steven Isserlis. Ha actuado en varios festivales finlandeses. Turku y Helsinki. entre los que cabe mencionar los de Kuhmo. Cuarteto Meta4 El Cuarteto Meta4 se creó en 2001. Berg y Ligeti. Beethoven. por lo que ha realizado diversos conciertos y grabaciones para la emisora de radio británica. El Cuarteto ha sido elegido para formar parte del programa “BBC New Generation Artists” durante el período 2008-2010. de Anselmo Bellosio. concierto en el que estrenó la obra Bach is the name de Jorge Fernández Guerra. En 2004 el grupo participó en la Orquesta de Cámara de Europa. Jörg Widmann. Brahms. Están también muy involucrados en la interpretación de obras escandinavas como las de Sibelius y Grieg. además de los compositores contemporáneos. Su repertorio abarca desde Haydn hasta las obras de vanguardia. En marzo de 2010 realizó una gira por China. Milán (Sala Verdi). Bruselas (Palais des Beaux Arts). Puumala. Heinrich Schiff. Utrecht (Vredenburgh). lo que le ha llevado a ponerse al frente de la Camerata de Salzburgo.

la Real Orquesta Danesa. Junto a la Orchestre de Paris y Christoph Eschenbach realizó una gira por China en noviembre de 2004 y otra por Alemania en febrero de 2005. la Orquesta de París. la Orquesta de Cámara de Europa. la Joven Orquesta Gustav Mahler. Claudio Abbado. Italia. John Nelson. la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino. Cassis. así como en salas como la Musikverein de Viena. fue concertino de la Joven Orquesta Gustav Mahler durante tres veranos. España e India. Lyon. Charlottesville y Newhaven. Michael Schønwandt. la Sinfónica de la NDR de Hamburgo. Leif Segerstam. la Cité de la Musique y la Salle Pleyel de París o el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. donde han tocado en la serie de conciertos del CDMC. Emmanuel Krivine. ambos registros para el sello EMI. Seiji Ozawa. la Orquesta de Santa Cecilia de Roma. la Sinfónica de Bamberg. Suecia. Armin Jordan. En 2011 fue nombrado Chevalier dans l’Ordre National du Mérite por el Gobierno francés. Myung-Whun Chung. Lawrence Power. Vladimir Fedoseyev. así como en Suiza. El pasado verano debutó en los Proms de la BBC interpretando el Doble Concierto de Brahms y el Triple Concierto de Beethoven junto a su hermano Gautier y a Frank Braley y la Orquesta Filarmónica de Radio Francia dirigida por Myung-Whun Chung Cuarteto Capuçon Fundado en 2001 por los hermanos Capuçon. Como solista y como músico de cámara ha tocado en festivales y salas de conciertos de todo el mundo. 136 137 . ha tocado en diversos festivales. la Sinfónica de la NHK. Finlandia. Ha tocado como solista junto a orquestas como la Sinfónica de la Radio Bávara. Marc Albrecht. Ha participado en la grabación de numerosas bandas sonoras y ha grabado las partes de clarinete solista para las películas Love Actually y Orgullo y prejuicio. la Real Orquesta del Concertgebouw y las principales orquestas británicas. Charles Dutoit. Deauville. entre otros. Franz Welser-Möst y. Ivan Fischer. por supuesto. Christoph Eschenbach. las Orquestas Sinfónicas de Montreal. Houston y Jerusalén. Thomas Adès y Konstantin Lifschitz. Emily Beynon. bajo la batuta de directores como Roberto Abbado. comenzó sus estudios en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París en las clases de Gérard Poulet y Veda Reynolds. la Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. Grecia. Francia. Daniel Barenboim. Kurt Masur. y en julio de 2004 con la Orquesta Sinfónica de Boston y Christoph von Dohnányi. Japón. Daniel Harding. el Ensemble Orquestal de París. En 2000 obtuvo el premio Victoires de la Musique al “Artista Revelación del año” y en 2005 al “Solista Instrumental del año”. Denis. el Trío Kungsbacka e instrumentistas como Pekka Kuusisto. Posteriormente estudió en la Guildhall School of Music y junto a Pascal Moraguès en París. Gunther Herbig. ha tocado como clarinetista invitado junto a la Orquesta de Cámara de Europa. Elias. Cheltenham. la Orquesta Filarmónica della Scala de Milán. violín. Ha colaborado con los Cuartetos Belcea. Arditti y Meta4. Philippe Jordan. Wolfgang Sawallisch. Marc Minkowski. Thomas Dausgaard. nació en Chambéry en 1976. clarinete Comenzó su educación musical como miembro del coro de la Catedral de Lichfield.Matthew Hunt. la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín. Participa habitualmente en el seminario internacional IMS Prussia Cove y formó parte del grupo que fue premiado en 2008 con el Premio de Música de Cámara de la Royal Philharmonic Society por un ciclo de conciertos ofrecidos durante el otoño de 2007. Hans Graf. Lichfield. la Filarmónica de Tokio. Renaud Capuçon. la Orquesta de la Suisse Romande y las orquestas de cámara de Lausana y Zúrich. Invitado por Claudio Abbado en 1997. Pinchas Steinberg y Hugh Wolff. Bel-Air. Jesús López Cobos. Christian Arming. David Robertson. Alemania. Como músico de orquesta. la Orquesta de Cámara Mahler. como el Wigmore Hall de Londres y los festivales de Aldeburgh. Posteriormente completó su formación con Thomas Brandis en Berlín y con Isaac Stern. la Sinfónica de la Radio de Suecia. Natalie Clein. Montecarlo y Toulouse. la Orquesta Tchaikovsky de la Radio de Moscú. Ha grabado el Quinteto con clarinete de Brahms con Paul Meyer y El carnaval de los animales y el Septeto de Camille Saint-Saëns. tocando bajo la dirección de maestros como Pierre Boulez. Jean-Claude Casadesus. En noviembre de 2002 debutó con la Filarmónica de Berlín y Bernard Haitink. como los de Gstaad. Edimburgo. en la que toca como clarinete solista. Lille. Semyon Bychkov. Périgord Noir o la Schubertiade de Schwarzenberg. las orquestas de Burdeos. la Filarmónica de Radio France. la Orquesta Nacional de Francia. St. Rumanía. Su actividad profesional se centra en el Ensemble 360 y en la Deutsche Kammerphilharmonie. Matthew Hunt actúa por primera vez en el Liceo de Cámara.

Sus discos han recibido numerosos premios. Myung-Whun Chung. Completó su formación musical estudiando con Yuko Mori y György Kurtág. el Concierto de Dutilleux junto a la Orquesta Filarmónica de Radio France y Myung-Whun Chung. o Tríos de Mendelssohn y Haydn y el Triple Concierto de Beethoven junto a Martha Argerich (EMI). Recibió una beca para estudiar en Nueva York y se trasladó allí. los Tríos de Schubert con Gautier Capuçon y Frank Braley. con Louis Langrée y Antoine Tamestit. la integral de las Sonatas para violín y piano de Beethoven con Frank Braley. Es fundadora del Kyoto Ensemble y del Nagaokakyo Chamber Ensemble. Stresa. donde estudió con el profesor Haim Taub. como primer atril. Jean-Yves Thibaudet. Brescia-Bergamo. Renaud Capuçon toca un violín Guarneri del Gesù de 1737. Actualmente es la primera viola de la Orquesta de Cámara Mahler y. ha sido invitada con asiduidad por Renaud Capuçon a participar en festivales como los de Deauville. Ha actuado en las ediciones XIV. a la que regresa durante dos meses al año junto a directores como Claudio Abbado. “Panette”. el violonchelista Gautier Capuçon. Estrasburgo y Tanglewood. comenzó sus estudios musicales en Francia con Marie-Claude Theuveny y prosiguió su formación en la Guildhall School of Music and Drama de Londres con David Takeno. viola. los Tríos de Brahms con Gautier Capuçon y Nicholas Angelich. de Berlioz. ha sido invitada a tocar junto a orquestas como la Deutsche Kammerphilharmonie y la Gewandhaus de Leipzig. Yuri Bashmet. ha participado en numerosos festivales. Mikhail Pletnev. adquirido para él por la Banca della Svizzera Italiana. Como intérprete de música de cámara. los Conciertos de Korngold y Beethoven junto a la Filarmónica de Róterdam dirigida por Yannick Nézet-Séguin. violín. Nikolaus Harnoncourt y Frans Brüggen. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Verbier. Hélène Grimaud. Aki Saulière es asistente de Yuko Mori en el Chicago College of Music. XVII. Edimburgo. Menton. Ha actuado con agrupaciones como la Orquesta Filarmónica de Berlín. Sus últimas grabaciones para Virgin Classics son las Sonatas de Brahms junto a Nicholas Angelich. el Quinteto “La Trucha” de Schubert y Conciertos de Mendelssohn y Schumann con la Orquesta de Cámara Mahler dirigida por Daniel Harding. la Folle Journée de Nantes. Lockenhaus. XVIII y XIX del Liceo de Cámara. Saint-Saëns. Gérard Caussé y Nicholas Angelich. San Sebastián. Denis.Renaud Capuçon suele interpretar música de cámara junto a solistas como Martha Argerich. Stavanger. la Orquesta Sinfónica de Londres y la Camerata de Salzburgo. Elena Bashkirova. Realizó también un curso de perfeccionamiento en el Mozarteum de Salzburgo y dos años en la Academia Karajan de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Heimbach. Miembro del Cuarteto Capuçon y de Musique Oblique. comenzó a estudiar violín a los siete años en el Conservatorio de Versalles y a los diecinueve años. de la que fue miembro hasta 1999. Daniel Barenboim. Entre sus grabaciones se encuentran el Quinteto con piano de Schumann junto a Maria João Pires. Gérard Caussé y Jian Wang (Deutsche Grammophon). Es invitado habitual de festivales como el Mostly Mozart de Londres. tras pasar algún tiempo en Israel. Berliner Festspiele. Aix-en-Provence. Edimburgo. Saint-Denis. Béatrice Muthelet. Lucerna. Bel-Air y Tautavel. Jerusalén. También es miembro fundadora de la Orquesta del Festival de Lucerna creada por Claudio Abbado. Berlín. y Frank Braley. como Newport. XVI. Bel-Air. Por otra parte. Como artista exclusivo de Virgin Classics. convirtiéndose en la única violista en la clase de Pinchas Zukerman en la Manhattan School of Music. Aki Saulière. decidió dedicarse a la viola. a dúo junto a su hermano Gautier. Augustin Dumay. que perteneció a Isaac Stern. actúa regularmente en Japón en conciertos de música de cámara. l’Empéri. Milhaud y Ravel con la Deutsche Kammerphilharmonie bajo la batuta de Daniel Harding. música de cámara de Ravel junto a su hermano. A los veintidós años regresó a Europa e ingresó en la Academia Karajan de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Verbier. Aix-en-Provence. La Roque d’Anthéron. Ha sido durante quince años el director de los Rencontres Musicales de Bel-Air en su localidad natal de Chambéry. Katia y Marielle Labèque. Vadim Repin. Stephen Kovacevich. 1 y 3 y la Sinfonía concertante de Mozart junto a la Orquesta de Cámara de Escocia. un disco a dúo con su hermano. los Cuartetos para piano de Brahms con su hermano Gautier. ha sido la primera violinista francesa en formar parte de la Orquesta de Cámara de Europa. Tras su regreso a Francia en 1998. Lucerna. Yefim Bronfman. Schubertiade de 138 139 . St. Su última grabación contiene la obra de cámara completa de Gabriel Fauré. ha grabado obras de Schubert. el disco Inventions. el Doble Concierto y el Quinteto con clarinete de Brahms. los Conciertos núms. Truls Mørk y Paul Meyer.

Entusiasta de la música de cámara. Ha actuado. la Sinfónica de Boston. nació en Chambéry en 1981. Lucerna. Emmanuel Pahud. Spoleto. Jerusalén y Lieja. un recital de dúos con Renaud. Saint-Denis. Seiji Ozawa y Claudio Abbado. Más recientemente ha salido al mercado un disco con el Concierto para violonchelo de Dvořák con la Orquesta de la Radio de Fráncfort y Paavo Järvi. En 1997-1998. Lockenhaus. Stephen Kovacevich. Dresde. En 1999 obtuvo el Primer Premio en la Academia de Música Maurice Ravel de San Juan de Luz. En 2005 participó en numerosos homenajes a Friedrich Gulda junto a Martha Argerich. La Roque d’Anthéron. Sus últimos discos son Inventions. Belgrado. Conciertos de Haydn con la Orquesta de Cámara Mahler dirigida por Daniel Harding. Ha ofrecido recitales en Berlín. San Sebastián (con la Orquesta Sinfónica de la WDR y Semyon Bychkov). así como el Trío de Shostakovich con Martha Argerich y Maxim Vengerov. Ingresó en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París. Viktoria Mullova. Prokofiev y Rachmaninov. también junto a Christian Tetzlaff y Alban Gerhardt. Berlín (invitado por Claudio Abbado). la Filarmónica de Montecarlo. Múnich. Edimburgo. entre otros. Mikhail Pletnev. Stresa. Como artista exclusivo de Virgin Classics. actúa regularmente junto a Martha Argerich. Clemens Hagen y Alois Posch. Davos. entre otros. ha grabado música de cámara de Ravel junto a su hermano Renaud y Frank Braley. Nicholas Angelich. Jean-Yves Thibaudet. Wolfram Christ.Schwarzenberg. con obras de Mendelssohn. Bruselas. Gabriela Montero. Kent Nagano. Vadim Repin. y un recital junto a la pianista venezolana Gabriela Montero. las orquestas sinfónicas de la BBC de Escocia y de Gales. Paul Gulda. Nikolaj Znaider. posteriormente completó su formación con Philippe Muller en París y Heinrich Schiff en Viena. En la presente temporada tiene previsto su debut con la Sinfónica de Chicago. Ha actuado junto a las orquestas de Burdeos. Sarah Chang. donde estudió violonchelo con Annie Cochet-Zakine y piano con Christophe Egiziano. Katia y Marielle Labèque. la Filarmónica de Múnich y Paavo Järvi. La Roque d’Anthéron y Tokio. comenzó a estudiar violonchelo a los cinco años en su ciudad natal. Daniel Barenboim. la Orquesta de Cámara de Europa y Myung-Whun Chung. Ha participado en dos grabaciones de EMI: el Quinteto en Sol menor de Mozart. París y Viena. la Orquesta Tchaikovsky de la Radio de Moscú y Vladimir Fedoseyev. en Europa. Oleg Maisenberg. Joshua Bell. Kolja Blacher. el Cuarteto Ysaÿe y su hermano Renaud. Hélène Grimaud. Myung-Whun Chung. Escocia y Zúrich. Steven Isserlis. Bruselas. Lilya Zilberstein. música de cámara de Saint-Saëns y los Tríos de Brahms con Renaud Capuçon y Nicholas Angelich. Hélène Grimaud. entre muchas otras ciudades. Paul Meyer. la Sinfónica de Malmö. Hannover. Estrasburgo. y la Sinfonía de cámara de Schoenberg. Isabelle van Keulen. Pierre Boulez. Estrasburgo. la Orquesta de Santa Cecilia de Roma. con la Filarmónica de Berlín y Gustavo Dudamel y con la Orquesta Sinfónica de Londres y Valery Gergiev en la Konzerthaus de Viena. Verbier. Lille. Delft y Pisa. a dúo junto a su hermano Renaud. Gérard Caussé. Gautier Capuçon. Mostly Mozart (Londres) y el Festival Martha Argerich de Lugano. el Quinteto “La Trucha” de Schubert. Rheingau. la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín. tuvo la oportunidad de tocar junto a directores como Bernard Haitink. Emmanuel Pahud. el Segundo Premio en el Concurso Internacional de Violonchelo de Christchurch (Nueva Zelanda) y el Primer Premio en el Concurso André Navarra de Toulouse. Maxim Vengerov. el Doble Concierto y el Quinteto con clarinete de Brahms. El pasado verano debutó en los Proms de la BBC interpretando el Doble Concierto de Brahms y el Triple Concierto de Beethoven junto a su hermano Renaud y a Frank Braley y la Orquesta Filarmónica de Radio Francia dirigida por MyungWhun Chung. la Sinfónica de Montreal y. Jerusalén. Daniele Gatti. Frank Braley. Pascal Rogé. las Orquestas de Cámara de Viena. junto a instrumentistas como Lars Vogt. También ha grabado para EMI Tríos de Mendelssohn y Haydn junto a Martha Argerich y su hermano. Toulouse. Londres. violonchelo. en los festivales de Divonne. interpretando su Concierto para violonchelo en Buenos Aires. la Sinfónica de la Radio Bávara. Bruno Canino. como miembro de la Joven Orquesta de la Comunidad Europea y la Joven Orquesta Gustav Mahler. obteniendo el Primer Premio de violonchelo. Yuri Bashmet. con Christian Tetzlaff y Boris Pergamenchikov. la Orquesta de París y Christoph Eschenbach y la Sinfónica de Houston. Menton. el Ensemble Orquestal de París. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. la Filarmónica de Radio France. Gérard Caussé. así como su grabación de la Sinfonía concertante de Prokofiev y las Variaciones Rococó de Tchaikovsky con la Orquesta del 140 141 . Michel Dalberto. Paul Meyer.

Teatro Mariinsky dirigida por Valery Gergiev. Sus grabaciones han recibido numerosos premios. La adquisición del arco Dominique Peccatte que utiliza Gautier Capuçon ha sido posible gracias a una colaboración con el Grupo Colas, quien también ha coproducido, junto a Virgin Classics, su última grabación con Valery Gergiev. Desde 2007 es embajador del proyecto Zegna & Music, que fue creado en 1997 como una actividad filantrópica para promover la música y sus valores. En febrero de 2001 fue nombrado “Nuevo Talento del Año” por la revista francesa Victoires de la Musique. En 2004 recibió el Premio Echo de la Televisión Alemana y un premio de la Fundación Borletti-Buitoni. Gautier Capuçon toca un violonchelo de Matteo Goffriller de 1701, cedido por la Banca della Svizzera Italiana. Ha actuado en las ediciones XIV, XVI, XVII, XVIII y XIX del Liceo de Cámara.

Respondiendo a la invitación de Maria João Pires desde el seno de la Fundación Caja Duero, Caussé se ha encargado de crear y dirigir la Camerata de la Fundación Caja Duero, con sede en Salamanca, que está integrada por jóvenes músicos. Este trabajo busca realizar una aproximación experimental a todos los repertorios. Caussé actúa y graba habitualmente con músicos tan conocidos como Maxim Vengerov, Frank Peter Zimmermann, Renaud y Gautier Capuçon, Charles Dutoit, Kent Nagano, Gidon Kremer, Emmanuel Krivine, Nicholas Angelich, Frank Braley, Jean-Philippe Collard, Maria João Pires, Augustin Dumay, François-René Duchable, Paul Meyer, Michel Portal y Emmanuel Pahud. Su discografía se compone de más de treinta grabaciones en diversos sellos, que incluyen el Quinteto “La trucha” de Schubert para Virgin Classics, un recital con obras de Lévinas y Hindemith para el sello Aeon, obras de Bloch para viola y orquesta junto a la Orquesta de la Suisse Romande y la grabación del concierto Le cyprès blanc de Hugues Dufourt, estrenado por Gérard Caussé en 2004 en el Festival de Música de Estrasburgo junto a la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo (grabado para el sello Timpani). Gérard Caussé imparte clases de viola en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París y en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid. Es director del Festival de Música Florilegio y de la Orquesta de la Fundación Caja Duero en Salamanca. Gérard Caussé toca un excepcional instrumento construido por Gasparo da Salò en 1560. Actuó junto a Renaud y Gautier Capuçon en las ediciones XIV y XIX del Liceo de Cámara.

Gérard Caussé, viola
Alcanzó el reconocimiento internacional a mediados de los años setenta como miembro fundador y viola solista del Ensemble Intercontemporain. Ha actuado también como solista con la mayoría de las grandes orquestas internacionales en un amplio repertorio que abarca desde el Barroco hasta Bruch, Berlioz, Bartók, Stravinsky, Britten, Walton y Martinů, pasando por Mozart quien, según el propio Caussé, fue el primero en comprender el papel de árbitro de la viola. Dedicado igualmente a fomentar el repertorio de su instrumento, cuenta con más de veinte conciertos escritos expresamente para él, entre los que se encuentran los de Philippe Hersant, Michaël Levinas, Pascal Dusapin y Hugues Dufourt. Recientemente ha estrenado en Europa el Doble Concierto para viola y clarinete de Wolfgang Rihm junto a Michel Portal y la Orquesta Nacional de Francia. De 2002 a 2004 Gérard Caussé fue director artístico de la Orquesta de Cámara Nacional de Toulouse, junto a la que actuó como director y solista. Recientemente ha actuado con la Orquesta Nacional de Francia, Orquesta de la Suisse Romande, Orquesta Nacional de Lille y Jean-Claude Casadesus, la Orquesta Filarmónica de Montpellier y Yoel Levi, la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo y Emmanuel Krivine, la Orquesta Sinfónica de São Paulo y John Neschling y la Orquesta del Capitolio de Toulouse.

Yan Levionnois, violonchelo
Nacido en 1990, comenzó a tocar con su padre, violonchelo solista de la Orquesta Filarmónica de Radio Francia, para posteriormente estudiar con Xavier Richard y Marc Coppey. En 2006 ingresó en la clase de Philippe Muller en el Conservatorio Superior de Música de París, donde obtuvo un Primer Premio en 2009. Ha recibido también asesoramiento de Natalia Shakovskaia, Natalia Gutman, Gary Hoffman y Jean-Guihen Queyras.

142

143

Ha obtenido el Gran Premio en el Concurso Internacional André Navarra en 2008, el Primer Premio en el Concurso Rostropovich de Londres en 2009, y el Segundo Premio y el premio a la mejor interpretación en el Concurso Internacional de Música Francesa “Note et Bien”. Ha interpretado como solista los Conciertos de Haydn, Schumann, Dvořák, Lalo, Elgar, Shostakovich, Tchaikovsky (Variaciones sobre un tema rococó) y SaintSaëns (Concierto nº 1) junto a agrupaciones como la Orquesta Nacional del Capitolio de Toulouse, la Orquesta de Burdeos, la Orquesta de Cámara de Praga, el conjunto Les Dissonances y con el grupo de violonchelos de la Orquesta de París, interpretando Messagesquisse de Pierre Boulez. Ha ofrecido recitales en el Wigmore Hall de Londres y ha participado en los festivales de Bel-Air, Auvers-sur-Oise, Cordes sur Ciel, Deauville, La Roque d’Anthéron, los Encuentros Musicales de Santander, el Festival Pablo Casals de Prades y las Folles Journées de Nantes. En música de cámara, ha compartido escenario con Augustin Dumay, Svetlin Roussev, Gérard Caussé, Frank Braley, David Guerrier, Zakhar Bron, Nelson Goerner, el Cuarteto Ebène, Renaud Capuçon y Nicholas Angelich. Esta temporada ha sido invitado por la Orquesta de Bretaña (con el Concierto de Haydn), la Orquesta de Toulouse (Dutilleux), la Sinfónica de Cape Town y la Orquesta Filarmónica de Londres, además de actuar en diferentes festivales. Ha sido seleccionado para participar en el programa Déclic de CulturesFrance, lo que le reportará actuaciones en América Central. Asimismo ha recibido una beca de la Banca della Svizzera Italiana de Lugano. Toca un violonchelo de Patrick Robin de 2005 y actúa por primera vez en el Liceo de Cámara.

Desde 1983 hasta 2008 fue solista de contrabajo de la Staatsoper de Viena y de la Orquesta Filarmónica de Viena. Después de trabajar durante cuatro años como profesor invitado en la Hochschule für Musik und darstellende Kunst del Mozarteum de Salzburgo, pasó a ocupar desde 1993 una cátedra de contrabajo en la Universität für Musik und darstellende Kunst de Viena. Es primer contrabajo de la Orquesta del Festival de Lucerna y de la Orchestra Mozart de Bolonia, ambas bajo la dirección de Claudio Abbado. Ha sido invitado a numerosos festivales internacionales y ha colaborado con los más importantes solistas y grupos de cámara europeos, incluido el Cuarteto Alban Berg o los hermanos Renaud y Gautier Capuçon, con los que ha realizado numerosas grabaciones discográficas. Toca un contrabajo vienés de Johann Joseph Stadlmann construido en 1779. En el XIX Liceo de Cámara tocó como miembro de un octeto integrado por grandes solistas internacionales y junto con el Ensemble Waldstein el Quinteto “La trucha” de Franz Schubert, la misma obra que tocó en el XII Liceo de Cámara junto con el Cuarteto Alban Berg y Elisabeth Leonskaja.

Nicholas Angelich, piano
Nacido en Estados Unidos en 1970, Nicholas Angelich comenzó a estudiar piano con su madre a los cinco años. Dos años después ofreció su primera actuación interpretando el Concierto K467 de Mozart. A los trece años ingresó en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París, donde estudió con Aldo Ciccolini, Yvonne Loriod y Michel Beroff, obteniendo el Primer Premio de piano y música de cámara. También trabajó con Marie-Françoise Bucquet. Nicholas Angelich continuó su formación asistiendo a las clases magistrales de Leon Fleisher, Dimitri Bashkirov y Maria João Pires. En 1989 ganó el Segundo Premio del Concurso Internacional de Piano Robert Casadesus de Cleveland y en 1994 el Primer Premio del Concurso Internacional de Piano Gina Bachauer. En 1996 fue invitado como músico residente de la Fundación Internacional de Piano de Cadenabbia (Italia). En 2002 recibió de Leon Fleischer el “Premio al Joven Talento” del Festival Internacional de Piano del Ruhr (Alemania), tras lo cual fue invitado a actuar allí en junio de 2003.

Alois Posch, contrabajo
Nacido en 1959 en Steiermark (Austria), empezó a estudiar a los diez años piano y violín. A los catorce años dio sus primeras clases de contrabajo y el año siguiente ya fue admitido en la Hochschule für Musik und darstellende Kunst de Graz, donde tuvo como profesor a Johannes Auersperg. Después de ganar diversos concursos se presentó a los dieciocho años a las audiciones de la Orquesta Filarmónica de Viena, tras las cuales entró a formar parte de la agrupación, concluyendo sus estudios el año siguiente.

144

145

Ha actuado con la Orquesta Nacional de Francia y Marc Minkowski, la Orquesta Filarmónica de Radio France y Paavo Järvi, la Orquesta Nacional de Lyon y David Robertson, la Orquesta Nacional de Burdeos y Yutako Sado, la Orquesta Nacional de Lille y Matthias Bamert, la Orquesta Filarmónica de Montecarlo y Jesús López-Cobos y Kenneth Montgomery, la Orquesta de Lieja y la Orquesta Sinfónica de San Petersburgo con Alexandre Dimitriev, las orquestas de Estrasburgo y Montpellier con Jerzy Semkow, la Orquesta de Toulouse y Jaap van Zweden en ámsterdam y Yannick Nézet-Séguin en San Sebastián, la Orquesta de Cámara de Lausana y Christian Zacharias, la Orquesta de la SWR de Baden-Baden y Michael Gielen, la Orquesta de la Radio de Fráncfort y Hugh Wolf, además de ofrecer recitales en Hannover, Múnich, Ginebra, ámsterdam, Bruselas, Luxemburgo, Roma, Lisboa, Brescia, Tokio y París. En mayo de 2003 debutó con la Filarmónica de Nueva York y Kurt Masur en el Lincoln Center. Con este mismo director realizó una gira por Japón en abril de 2004 con la Orquesta Nacional de Francia. Fue invitado al Festival de Verbier en 2003 y 2005 y al Festival Martha Argerich en Lugano. Recientemente ha actuado con la Filarmónica de Londres y Kazuchi Ono y ha ofrecido recitales en Londres, ámsterdam, París, Lyon, Milán y Ginebra. Vladimir Jurowski lo invitó a abrir juntos la temporada 20072008 de la Orquesta Nacional de Rusia en Moscú. Posteriormente ha actuado en España (Las Palmas, Castellón y Oviedo) junto a la Orquesta Nacional de España y Josep Pons, en Viena con la Tonkünstler Orchester y Kristjan Järvi, con la Filarmónica de Róterdam y la Orquesta Metropolitana de Montreal dirigidos por Yannick Nézet-Séguin (con quien debutó en los Proms de Londres en 2009), la Sinfónica de Atlanta y Emmanuel Krivine, la Orquesta Gürzenich de Colonia, la Orquesta de la Radio de Stuttgart y Roger Norrington, y ha tocado música de cámara en Japón con Akiko Suwanai y en Norteamérica con Renaud y Gautier Capuçon. Nicholas Angelich está ofreciendo en recital todas las Sonatas de Beethoven y los Años de Peregrinaje de Liszt en varios países (La Roque d’Anthéron, Toulouse y Nantes en Francia; Festival de Piano del Ruhr y Bayer Leverkusen en Alemania; La Lanaudière en Canadá; Washington en Estados Unidos; Brescia en Italia y Bilbao en España). También está muy interesado en la música del siglo xx de compositores como Rachmaninov, Prokofiev, Shostakovitch, Bartók y Ravel, además de Messiaen, Stockhausen, Pierre Boulez, Eric Tanguy y Pierre Henry, quien le dedicó su Concierto para piano sin orquesta.

Entusiasta de la música de cámara, toca junto a compañeros como Renaud Capuçon, Maxim Vengerov, Akiko Suwanai, Dimitri Sitkovetsky, Joshua Bell, Gérard Caussé, Alexander Kniazev, Gautier Capuçon, Jian Wang, Paul Meyer y los Cuartetos Ysaÿe, Prazak y Ebène. Ha grabado para Harmonia Mundi un recital con obras de Rachmaninov; para Lynx un recital con obras de Ravel; para Mirare los Años de Peregrinaje de Liszt (que obtuvo el “Choc” de la revista Le Monde de la Musique y fue “disco recomendado” por Classica/Répertoire) y un recital de Beethoven (Sonatas op. 26, op. 53, op. 111). Su gran proyecto con obras de Brahms para Virgin Classics incluye los Tríos junto a Renaud y Gautier Capuçon (“Preis der deutschen Schallplattenkritik”), las Sonatas para violín y piano junto a Renaud Capuçon (“Diapason d’Or”, “Choc” de Le Monde de la Musique, “Editor’s Choice” de Gramophone y “Excepcional” de Scherzo) y dos recitales: Baladas, Rapsodias y las Variaciones Paganini (“Choc” de Le Monde de la Musique) y los opp. 116, 117, 118 y 119 (“Choc” de Le Monde de la Musique, BBC Music Choice, “Excepcional” de Scherzo). Ha grabado un recital Beethoven junto a Akiko Suwanai para Decca y los dos Conciertos para piano y orquesta de Brahms junto a Paavo Järvi y la Orquesta de la Radio de Fráncfort (para Virgin Classics). Su última grabación en solitario está dedicada a las Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach y participa también en la integral de las obras de cámara de Gabriel Fauré publicada por Virgin Classics. Actuó por primera vez en el XVII Liceo de Cámara tocando dos conciertos con Tríos con piano de Haydn y Brahms con los hermanos Capuçon.

146

147

Suiza y Holanda. Rodríguez Musicólogo y crítico musical. Reino Unido. Ha publicado diferentes trabajos sobre historia de la música española de los siglos xvii al xix. Francia. y en el Boletín discográfico de Diverdi. interpretación musical y discología. Además de su labor docente e investigadora. Teatro Real y Gran Teatre del Liceu. mantiene una importante actividad como crítico y divulgador musical. así como también en las revistas Audio Clásica y Scherzo. ha sido colaborador en las ediciones revisadas del New Grove Dictorionary of Music and Musicians (2001) y del Oxford Companion to Music (2002). Polonia. Italia. es doctor en Musicología por la Universidad de Zaragoza y profesor de la licenciatura de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de La Rioja. Irlanda. y ha participado en diferentes congresos de musicología tanto en España como en Portugal. 149 . y es asiduo colaborador en los programas de mano del Auditorio Nacional. Asimismo.Pablo-L. Bélgica.

centro y periferia Musicien(s) français Vientos del este (y del oeste) Amistades tardías (tras el Telón de Acero) 3 9 33 35 43 50 56 62 71 74 81 84 89 95 Biografías de los intérpretes .Índice Presentación Programas Crónicas musicales del estilo tardío por Pablo-L. Rodríguez Padre e hijo Adioses clásicos: Mozart y Haydn La esencia del Spätstil: Ludwig van Beethoven Un aluvión de despedidas Nuevos caminos: Schumann y Brahms El corazón apesadumbrado: Franz Liszt Precursores y epígonos.

es . Juan José Azcona Olóndriz D.ª Carmen Cafranga Cavestany D. dirección y coordinación Luis Gago. Ignacio Navasqües Cobián D. Pedro Bedia Pérez D. Francisco Baquero Noriega D. Marcos Guerrero D. Luis Blasco Bosqued D..ª Mercedes de la Merced Monge D. maquetación Tresigraf S. José Antonio Moral Santín D. Rodrigo de Rato Figaredo Patronos D. Estanislao Rodríguez-Ponga y Salamanca D. impresión www. José Manuel Fernández Norniella D. José María de la Riva Amez D.ª Enedina álvarez Gayol D. Javier López Madrid D. Jesús Pedroche Nieto D.fundacioncajamadrid. Jorge Gómez Moreno D.PATRONATO DE LA FUNDACIÓN CAJA MADRID Presidente D. coordinadora área Gráfica Roberto Turégano. José Ricardo Martínez Castro D.L. Guillermo R. Miguel Crespo Rodríguez XX LICEO DE CáMARA Fundación Caja Madrid. Virgilio Zapatero Gómez Secretario D. director artístico Inés Fernández Arias. Arturo Fernández álvarez D.ª Mercedes Rojo Izquierdo D. Ricardo Romero de Tejada y Picatoste D.

Sign up to vote on this title
UsefulNot useful