XX Liceo de cámara

temporada

2011/2012

opus ultimum

Con la colaboración del Ministerio de Cultura

temporada 2011-2012

Imagen de cubierta: Francisco de Goya. Perro Semihundido (1820-1823). Técnica mixta. Revestimiento mural. 131 x 79 cm. Museo del Prado. Madrid. © Archivo Oronoz.

XX Liceo de cÁmara

XX LICEO DE CÁMARA
TEMPORADA 2011-2012

Opus ultimum

AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA SALA DE CáMARA

ste año no es un compositor, ni una forma o género musical, ni siquiera una época, el hilo conductor que articula la programación de la vigésima edición del Liceo de Cámara. En esta ocasión se trata de un concepto temporal y, de resultas de ello, también estilístico, raras veces explorado en las programaciones. Opus ultimum hace referencia a las producciones artísticas (no solo necesariamente musicales) nacidas al final mismo de la trayectoria de sus autores. Se trata por ello, en principio, de obras nacidas en plena madurez, con un absoluto dominio de los recursos propios, si bien por regla general se derivan asimismo muchas otras connotaciones que hacen que estas obras, por distantes que estén en el tiempo y diversos que sean sus lenguajes, suelan compartir algunas características comunes. Este tipo de creaciones o Spätwerke, por utilizar su denominación alemana, pueden adoptar un tono de despedida, un leve, marcado o penetrante aire testamentario, más aún si, como sucede en muchos casos, nacieron al calor de la sospecha –o la certidumbre– de una muerte cercana. ¿Existe, como concepto significante, el “estilo tardío”? ¿Posee elementos identificativos propios que permitan discernir si una obra concreta es encuadrable o no en esa categoría? ¿Cabe hablar de estilo tardío en compositores que, como Franz Schubert o –un caso aún más extremo– Guillaume Lekeu, murieron recién iniciada la juventud? Nadie podría poner la mano en el fuego a la hora de responder, afirmativa o negativamente, cualquiera de estas preguntas. Karen Painter afirma, por ejemplo, que el “estilo tardío no existe en ningún sentido real”, pero a
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algunos de los cuales no llegarían a cristalizar hasta varias décadas después de la muerte del austríaco. ya que su autor confesó no tener ya fuerzas y sentirse demasiado viejo para seguir componiendo. 135 de Beethoven) y la Ofrenda musical. El caso paradigmático de Beethoven (cuyo Spätstil fue estudiado en un famoso ensayo por el filósofo Theodor W. hasta tal punto desligadas de consideraciones prácticas que. destilada. de Bach a Richard Strauss. Es el caso. Lo cierto es que el XX Liceo de Cámara mostrará a lo largo de sus dieciocho conciertos que la caracterización de “estilo tardío” aplicada a muchos compositores no es un capricho de los musicólogos. un pequeño rosario de confesiones íntimas de un hombre solo y en- 4 5 . que se erigieron desde su nacimiento mismo en su verdadero testamento musical. no solo su estilo de última época. por ejemplo. ya que fue el género al que dedicó sus últimos esfuerzos como creador. 103. del op. De su coetáneo Franz Schubert se han programado sus dos tríos con piano. los dieciocho conciertos del XX Liceo de Cámara intentan ofrecer una panorámica lo más completa posible de cómo los compositores. Instalados ya en el Romanticismo. 946. su visionario Cuarteto de cuerda en Sol mayor y su Quinteto de cuerda. al menos uno juvenil y otro de madurez.la vez es coeditora de un libro (Late Thoughts: Reflections on Artists and Composers at Work) que explora y reflexiona justamente sobre aquello cuya existencia viene a desmentir. el Réquiem en un arreglo para cuarteto de cuerda de su contemporáneo Peter Lichtenthal. 95 al op. sino también maneras. obras nacidas todas ellas en los últimos meses de su vida (en los que el genio schubertiano produjo un aluvión sin precedentes de obras maestras) y que muestran. lo que convierte a estos compases en el verdadero canto del cisne de uno de los compositores más feraces de la historia. la esencia de su pensamiento musical. que quedó inconcluso. podremos admirar páginas infrecuentes del ultimísimo Schumann (Märchenbilder. Brahms nos dejó en los últimos años de su vida una serie de composiciones con un inequívoco carácter de adiós (de la creación y de la propia vida) y en el XX Liceo de Cámara sonarán varias de ellas: el Quinteto con clarinete. El arte de la fuga (aquí contrapuesta al Cuarteto op. por ejemplo. Semejante división tripartita nos remite de inmediato a los inmortalizados por Wilhelm von Lenz en su clásico Beethoven et ses trois styles. los integrantes del Cuarteto Quiroga. las Sonatas para viola y piano o una selección de sus últimas colecciones de piezas pianísticas. al menos stricto sensu. 135. los Vier ernste Gesänge. sino que tiene sentido –y resulta enormemente instructivo– escuchar reunidos. De Wolfgang Amadeus Mozart sonará. Un hipotético estilo tardío parece presuponer de algún modo estilos anteriores diversos: por resumir. fruto de las especulaciones contrapuntísticas de sus últimos años. para un instrumento concreto. Con las limitaciones obligadas que impone la necesidad de circunscribirse al ámbito de la música de cámara. Gesänge der Frühe. adoptaron en sus últimos años un estilo notoriamente diferente de los anteriores cultivados por ellos mismos y que expresan. muchas de ellas reveladoras de su precaria salud mental. muchos de los últimos frutos nacidos de la creatividad de los más grandes artífices de la cultura occidental. la totalidad de El arte de la fuga o varios de los cánones de la Ofrenda musical ni siquiera están concebidos. como se hará durante esta temporada. de quien sonarán sus dos obras más emblemáticas en este sentido. la segunda Sonata para violín y piano). publicado en 1852. Adorno y que es el músico en quien el concepto parece encajar como anillo al dedo) podrán escucharse todos sus últimos cuartetos de cuerda. para abrir la temporada. remo- zado para la ocasión por quienes serán sus intérpretes. De Haydn podrá oírse uno de sus dos últimos cuartetos completados (el op. que constituye la razón de ser de este ciclo. asimismo. 77 nº 1) y el op. de Johann Sebastian Bach. su Fantasía para violín y piano o sus Tres Piezas para piano D. formas y lenguajes premonitorios de estilos futuros.

Indudable carácter testamentario tienen también otras músicas. como los hermanos Capuçon (que tocarán en esta ocasión por primera vez con su propio Cuarteto). De este último se ha programado también su Sonata para violín y piano. la violinista alema- 6 7 . Fauré (su Trío con piano. la Sonata para violín y piano y la Sonata para violonchelo y piano de Debussy. en el ambicioso programa monográfico dedicado al último Brahms. estábamos deseando volver a escuchar. del Cuarteto nº 15. de obra que refleja aquí no solo el fin de una vida. contemporáneo del ya citado cuarteto). por su ambición y por las propias obras que integran el programa. todas ellas escritas al borde mismo de la muerte. Otro tanto puede decirse de las diversas composiciones de Max Reger programadas en dos de los conciertos. incluido su propio Quinteto con clarinete. Cédric Tiberghien (que tan excelente impresión causó en sus recitales con Alina Ibragimova en el XVIII Liceo de Cámara). de ese mundo del ayer: después de una música así. como el Cuarteto nº 3 de Britten. sino también el final de toda una época. el Cuarteto Meta4 o el Cuarteto Hagen. pero que ofrecerá su primer recital como solista en el Liceo de Cámara). Antoine Tamestit (que deslumbró en el XIX Liceo de Cámara con su recital para viola sola). el gran y experimentado pianista británico Roger Vignoles. Gérard Caussé. Varias de sus extrañas y visionarias piezas para piano compuestas al final de su dilatada vida sonarán en dos conciertos. que quedó inconcluso tras su muerte y fue completado por su maestro Vincent d’Indy). Especialmente reseñable. solo cabe el silencio). de quien está conmemorándose en 2011 el segundo centenario de su nacimiento. la Sonata para violín y piano o la Sonata para viola y piano de Dmitri Shostakovich. 106 de Dvořák. Liszt (cinco de sus piezas para piano de sus últimos años y la versión para cuarteto de cuerda de Am Grabe Richard Wagners) y Richard Strauss (la versión original para septeto de cuerda de Metamorfosis. En él sonarán obras de Guillaume Lekeu (su extraordinario Cuarteto con piano. aunque no tan veteranos. Vuelven al Liceo de Cámara grupos habituales en los últimos años. Kirill Gerstein. Hanna Weinmeister (en el que será también su primer recital como solista en el Liceo de Cámara) o Jan Söderblom (que presentará en España a su flamante trío). Daniel Sepec (también habitual como miembro del Cuarteto Arcanto. Aunque más breve. el Cuarteto de Tokio. el Cuarteto op. Otro compositor que apuntó nuevos rumbos en sus últimas obras fue Franz Liszt. que será el encargado de inaugurar la temporada. pero líder en esta ocasión de una pequeña formación barroca con instrumentos históricos). su obra más conocida y un ejemplo señero de “estilo tardío”. la partitura que encarna quizá como ninguna otra el concepto de opus ultimum. También regresan nombres familiares como los de Isabel Charisius (antigua violista del Cuarteto Alban Berg). asimismo. es el concierto de clausura de la temporada. junto a otros que. no especialmente frecuentadas. tres maneras diferentes de entonar una despedida de este mundo por parte del compositor soviético. una de las voces más prometedoras de la actualidad. todas igualmente sombrías y desesperanzadas. Tabea Zimmermann (habitual como integrante del Cuarteto Arcanto. que escucharemos en su versión original para sexteto de cuerda junto a otra música poco programada y muy representativa del a un tiempo melancólico y vitalista estilo de última época de su autor: el Souvenir de Florencia de Tchaikovsky. pero de una calidad indiscutible. Nos visitan por primera vez un cuarteto joven emergente del panorama español. el Cuarteto nº 3 de Viktor Ullmann o los cuartetos de Gabriel Fauré y César Franck. el Cuarteto Ebène y el Cuarteto Belcea. como el Cuarteto Pavel Haas.fermo. Pieter Wispelwey. Es el caso. el Cuarteto Arcanto. idéntico espíritu se trasluce en el Preludio de Capriccio de Richard Strauss. Alois Posch. el Cuarteto Quiroga. Hacen también su debut la cantante holandesa Christianne Stotijn.

Luis Gago Programas 8 . así como dejar constancia del excelente hacer de Inés Fernández Arias. no acabe revistiéndose de tintes premonitorios y podamos seguir celebrando juntos muchas más efemérides de la que se ha consolidado como una de las series de conciertos de música de cámara más respetadas de Europa. el respaldo incondicional e ininterrumpido que ha recibido desde 1992 por parte de la Fundación Caja Madrid y recordar. El perro semihundido de Goya que nos acompaña en la cubierta. también con gratitud. justamente al conmemorar los veinte años de existencia del Liceo de Cámara. el que servirá de inmejorable tarjeta de felicitación por su vigésimo aniversario. Antonio Moral. Es de justicia agradecer. Opus ultimum. ideado y desarrollado antes del brutal azote de la crisis. el clarinetista Matthew Hunt (que interpretará los Quintetos de Brahms y Reger con el Cuarteto Meta4) o el joven y prometedor violonchelista francés Yan Levionnois. uno de los integrantes del excepcional septeto de cuerda que protagonizará el concierto de clausura del XX Liceo de Cámara. responsable de la coordinación del ciclo desde el comienzo mismo. y que tan buena música sin duda va a depararnos. y que continúa felizmente con nosotros. y que podemos admirar en toda la grandeza de su pequeño formato en el Museo del Prado. aún mantiene la cabeza enhiesta y parece empeñado en ascender la pendiente que se levanta –amenazante– ante él. el pianista ruso Alexander Melnikov (juntos forman una de las parejas de mayor éxito de la actualidad).na Isabelle Faust. Solo cabe esperar que nuestro lema de este año. al que fuera su fundador y director artístico durante las primeras catorce ediciones.

Adagio – Adagio molto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 144 Elegía. Adagio – attacca: Nocturno. 20 de octubre de 2011. op. Adagio molto – attacca: Epílogo. 19. Adagio – attacca: Serenata. violín Dénes Ludmány. violín Cibrán Sierra. K.30 horas 11 . viola Helena Poggio. SALA DE CÁMARA Jueves. 626 (versión para cuarteto de cuerda de Peter Lichtenthal [1780-1853] revisada por el Cuarteto Quiroga) Introitus: Requiem Kyrie Dies irae Tuba mirum Rex tremendae Recordare Confutatis Lacrimosa Domine Jesu Christe Hostias Sanctus Benedictus Agnus Dei Lux aeterna II JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Wenn wir in höchsten Nothen sein. Adagio – attacca: Marcha fúnebre.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum I ABONO A PROGRAMA 1 Cuarteto Quiroga Aitor Hevia. violonchelo I WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Réquiem. BWV 668a DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Cuarteto nº 15 en Mi bemol menor. Adagio – attacca: Intermezzo.

op. SALA DE CÁMARA Jueves. 143 (selección) I Larghetto II Con moto III Molto Adagio VII Molto sostenuto XI Andantino XII Larghetto FRANZ LISZT (1811-1886) Romance oubliée. piano I ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Märchenbilder. S. op. 132 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 19. 24 de noviembre de 2011.30 horas 12 13 . 113 Nicht schnell Lebhaft Rasch Langsam. viola Kirill Gerstein. op. op.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum II ABONO B PROGRAMA 2 Tabea Zimmermann. 131d nº 3 Moderato Vivace Adagio Allegro vivace MAX REGER (1873-1916) Sonata para viola sola en Sol menor. 147 Moderato Allegretto Adagio Träume am Kamin. op. 131d nº 1 Molto sostenuto Vivace – Andantino – Vivace Andante sostenuto Molto vivace DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Sonata para viola y piano. mit melancholischem Ausdruck II MAX REGER Suite para viola sola en Mi menor.

898 Allegro moderato Andante un poco mosso Scherzo: Allegro – Trio Rondo: Allegro vivace II Trío en Mi bemol mayor. SALA DE CÁMARA Jueves. op. violín Rainer Schmidt. viola Clemens Hagen. 133 Adagio ma non troppo – Allegro Presto Andante con moto.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum III ABONO A PROGRAMA 3 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum IV ABONO B PROGRAMA 4 Lukas Hagen. violín Marko Ylönen. ma non troppo e semplice – Allegretto – Presto – Adagio quasi un poco andante – Allegro AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA.30 horas 14 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. op. 15 de diciembre de 2011. violonchelo Arto Satukangas. D. D. 929 Allegro Andante con moto Scherzando: Allegro moderato – Trio Allegro moderato II Cuarteto en Do sostenido menor.30 horas 15 . piano FRANZ SCHUBERT (1797-1828) I Trío en Si bemol mayor. 29 de noviembre de 2011. 19. ma non troppo Alla danza tedesca: Allegro assai Cavatina: Adagio molto espressivo Overtura: Allegro – Meno mosso e moderato – Allegro Fuga: Allegro – Meno mosso e moderato – Allegro molto e con brio – Allegro Cuarteto Hagen Jan Söderblom. violonchelo LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) I Cuarteto en Si bemol mayor. 131 Adagio ma non troppo e molto espressivo – Allegro molto vivace – Allegro moderato – Andante ma non troppo e molto cantabile – Più mosso – Andante moderato e lusinghiero – Adagio – Allegretto – Adagio. 130 / Gran Fuga op. violín Veronika Hagen. 19. SALA DE CÁMARA Martes.

op. o Tod. op. 105 nº 1 Immer leiser wird mein Schlummer. mezzosoprano Isabel Charisius. op. op. largo e mesto Zwei Gesänge. 120 nº 2 Allegro amabile – Tranquillo Allegro appassionato – Sostenuto Andante con moto – Allegro – Più tranquillo Intermezzo op. 19. 91 Gestillte Sehnsucht Geistliches Wiegenlied AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 119 nº 1 Adagio Fantasía op. 117 nº 2 Andante non troppo e con molto espressione Wie Melodien zieht es. piano JOHANNES BRAHMS (1833-1897) I Sonata para viola y piano en Fa menor.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum V ABONO A PROGRAMA 5 Christianne Stotijn. 105 nº 2 Auf dem Kirchhofe. op. 118 nº 6 Andante. 105 nº 4 Intermezzo op. SALA DE CÁMARA Martes.und mit Engelszungen redete Intermezzo op.30 horas 16 17 . 121 Denn es gehet dem Menschen Ich wandte mich und sahe an alle Tod. Adagio Vier ernste Gesänge. op. op. viola Roger Vignoles. wie bitter bist du Wenn ich mit Menschen. 116 nº 4 Intermezzo. 120 nº 1 Allegretto appassionato – Sostenuto ed espressivo Andante un poco Adagio Allegretto grazioso Vivace II Sonata para viola y piano en Mi bemol mayor. 10 de enero de 2012.

violín Daniel Sepec. op. a 3 inversus Canon per Augmentationem in Contrario Motu Contrapunctus XIV (incompleto) Cuarteto Arcanto BÉLA BARTÓK (1881-1945) Sonata para violín solo. a 3 rectus Contrapunctus XIII. 934 Andante molto Allegretto Andantino Allegro vivace – Allegretto – Presto Antje Weithaas. 15 de febrero de 2012. SALA DE CÁMARA Martes. D. viola Jean-Guihen Queyras. 117 Tempo di ciaccona Fuga. a 4. a 4 rectus Contrapunctus XII. a 4. a 4 inversus Canon alla Ottava Canon alla Decima in Contrapuncto alla Terza Canon alla Duodecima in Contrapuncto alla Quinta Contrapunctus XIII. a 4. op.30 horas 19 . a 4 Canon per Augmentationem in Contrario Motu Contrapunctus XII. Grave ma non troppo tratto (“Muß es sein?”) – Allegro (“Es muß sein!”) AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VI ABONO B PROGRAMA 6 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VII ABONO A PROGRAMA 7 Isabelle Faust. alla Duodecima Contrapunctus X. D. 946 Allegro assai Allegretto Allegro DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Sonata para violín y piano. 19. 31 de enero de 2012. Sz. in Stylo Francese Contrapunctus VII.30 horas 18 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. cantante e tranquillo – Più lento – Tempo I Der schwer gefaßte Entschluß. per Augmentationem et Diminutionem Contrapunctus VIII. non troppo vivo Melodia. violonchelo I JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) El arte de la fuga. violín Tabea Zimmermann. 134 Andante Allegretto Largo II LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en Fa mayor. 19. Adagio Presto II FRANZ SCHUBERT Drei Klavierstücke. BWV 1080 Contrapunctus I Contrapunctus II Contrapunctus III Contrapunctus IV Contrapunctus V Contrapunctus VI. Risoluto. a 3 Contrapunctus IX. piano I FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Fantasía para violín y piano en Do mayor. SALA DE CÁMARA Miércoles. violín Alexander Melnikov. 135 Allegretto Vivace Lento assai. alla Decima Contrapunctus XI. a 4.

821 Allegro moderato Adagio – Allegretto Olivier Marron. op. S.30 horas 21 . 887 Allegro molto moderato Andante un poco mosso Scherzo: Allegro vivace – Trio: Allegretto Allegro assai FRANZ LISZT (1813-1886) Valse oubliée nº 1.30 horas 20 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. S. piano I FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Sonata para arpeggione y piano en La menor. D. violonchelo FRANZ SCHUBERT (1797-1828) I Cuarteto nº 15 en Sol mayor. 224 Mephisto Walzer nº 4. 87 Introduzione (Lento) Marcia (Allegro) Canto (Con moto) Barcarolla (Lento) Dialogo (Allegretto) Fuga (Andante espressivo) Recitativo (Fantastico) Moto perpetuo (Presto) Passacaglia (Lento solenne) Mournful Song (Molto semplice) – Autumn (Vivace) – Street song (Pesante) – Grant repose together with the saints (Lento) II Quinteto en Do mayor. violín Daniel Sepec.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VIII ABONO B PROGRAMA 8 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum IX ABONO A PROGRAMA 9 Antje Weithaas. 216a II BENJAMIN BRITTEN (1913-1976) Suite para violonchelo solo nº 3. 23 de febrero de 2012. violoncelo Cédric Tiberghien. violonchelo Cuarteto Arcanto Pieter Wispelwey. SALA DE CÁMARA Jueves. D. S. viola Jean-Guihen Queyras. violín Tabea Zimmermann. 19. D. 215 Csárdás macabre. 19. 956 Allegro ma non troppo Adagio Presto – Trio: Andante sostenuto Allegretto CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Sonata para violonchelo y piano Prologue Sérénade Finale AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. S. SALA DE CÁMARA Jueves. 696 Bagatelle sans tonalité. 16 de febrero de 2012.

Andante – Molto adagio – Andante – Molto adagio (Mit innigster Empfindung) Alla marcia. 77 nº 1. 536 II JOHANN SEBASTIAN BACH Ofrenda musical. violonchelo I JOSEPH HAYDN (1732-1809) Cuarteto en Sol mayor.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum X ABONO A PROGRAMA 10 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XI ABONO B PROGRAMA 11 Daniel Sepec. per Motum contrarium Caon a 2 per Augmentationem. viola Clive Greensmith. violín Kazuhide Isomura. 14 de marzo de 2012. clave y órgano I JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Cánones sobre las ocho notas del bajo del aria de las Variaciones Goldberg. in der Lydischen Tonart. op. 19. Sz. 114 Mesto – Più mosso. Christine Schornsheim. violonchelo barroco Michael Schmidt-Casdorff. H. 28 de marzo de 2012. BWV 1079 Ricercar a 3 Canon perpetuus super Thema Regium Canon a 2 cancrizans Canon a 2 Violini in unisono Canon a 2. BWV 769 (instrumentación de Andreas Tarkmann) Martin Beaver.30 horas 22 II LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en La menor. 132 Assai sostenuto – Allegro Allegro ma non tanto Heiliger Dankgesang eines Genesenden an die Gottheit. Violino e Continuo (Largo – Allegro – Andante – Allegro) Canon perpetuus AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. pesante – Vivace Mesto – Marcia Mesto – Burletta Mesto CARL PHILIPP EMANUEL BACH (1714-1788) Fantasía para violín y clave en Fa sostenido menor. contrario Motu Canon a 2 per Tonos Fuga canonica in Epidiapente Ricercar a 6 Canon a 2 Quaerendo invenietis Canon a 4 Quaerendo invenietis Sonata sopr’il Soggetto Reale a Traversa. op. Hob III:81 Allegro moderato Adagio Presto Presto Cuarteto de Tokio flauta travesera barroca BÉLA BARTÓK (1881-1945) Cuarteto nº 6. assai vivace – Più allegro – Allegro appassionato – Presto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA.30 horas 23 . violín barroco Christine Busch. 19. Molto Adagio – Neue Kraft fühlend. BWV 1087 Variaciones canónicas sobre la canción navideña Vom Himmel hoch da komm ich her. violín barroco Patrick Sepec. SALA DE CÁMARA Miércoles. SALA DE CÁMARA Miércoles. violín Kikuei Ikeda.

viola Antoine Lederlin. viola Raphaël Merlin. op. 4 Sehr langsam – Breiter – Schwer betont – Sehr breit und langsam – Sehr ruhig BENJAMIN BRITTEN (1913-1976) Cuarteto de cuerda nº 3. SALA DE CÁMARA Miércoles. 95 (“Quartett[o] serioso”) Allegro con brio Allegretto ma non troppo – Allegro assai vivace ma serioso – Più allegro Larghetto espressivo – Allegretto agitato – Allegro Cuarteto Belcea Antoine Tamestit. viola Nicolas Altstaedt. 70. op. 11 de abril de 2012. op.30 horas 25 . ma non troppo e molto cantabile – Andante con moto – Adagio molto espressivo – Tempo I Scherzando vivace – Presto – Tempo I Finale: Allegro con moto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 127 Maestoso – Allegro Adagio. 85 ARNOLD SCHOENBERG (1874-1951) Noche transfigurada. 26 de abril de 2012. violonchelo I LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en Fa menor.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XII ABONO A PROGRAMA 12 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XIII ABONO A PROGRAMA 13 Pierre Colombet. violín Axel Schacher. violonchelo Cuarteto Ebène Corina Belcea-Fisher. 19. violín Gabriel Le Magadure. 94 Duets Ostinato Solo Burlesque Recitative and Passacaglia (La Serenissima) II PIOTR ILYCH TCHAIKOVSKY (1840-1893) Sexteto en Re menor.30 horas 24 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. SALA DE CÁMARA Jueves. “Souvenir de Florencia” Allegro con spirito Adagio cantabile e con moto Allegretto moderato Allegro vivace II LUDWIG VAN BEETHOVEN Cuarteto en Mi bemol mayor. op. violonchelo I RICHARD STRAUSS (1864-1949) Preludio de Capriccio. op. 19. op. violín Krzysztof Chorzelski. violín Mathieu Herzog.

30 horas 27 . 106 Allegro moderato Adagio ma non troppo Molto vivace Finale. Très animé AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 121 Ziemlich langsam . 133 Im ruhigen Tempo Belebt. op. 46 Allegro moderato e semplice Presto Largo Allegro vivace e ritmico CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Sonata para violín y piano Allegro vivo Intermède.Lebhaft Sehr lebhaft Leise. 19. violín Pavel Nikl. violonchelo I ANTONÍN DVOŘÁK (1841-1904) Cuarteto nº 13 en Sol mayor.30 horas 26 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. piano I ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Sonata para violín y piano en Re menor. “Cartas íntimas” Andante – Con moto – Allegro Adagio – Vivace – Andante – Presto – Allegro – Vivo – Adagio Moderato – Adagio – Allegro Allegro – Andante – Con moto – Adagio – Tempo I II CÉSAR FRANCK (1822-1890) Sonata para violín y piano en La mayor. Andante sostenuto – Allegro con fuoco Hanna Weinmeister. nicht zu rasch Lebhaft Bewegt Im Anfange ruhiges. violín Eva Karová. SALA DE CÁMARA Martes. violín Alexander Lonquich. op. Fantasque et léger Finale. 8 Allegretto moderato Allegro Recitativo-Fantasia. Moderato – Molto lento Allegretto poco mosso VIKTOR ULLMANN (1898-1944) Cuarteto nº 3. op. 8 de mayo de 2012. op.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XIV ABONO B PROGRAMA 14 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XV ABONO A PROGRAMA 15 Cuarteto Pavel Haas Veronika Jarůsková. viola Peter Jarůšek. M. 23 de mayo de 2012. einfach Bewegt Gesänge der Frühe. 19. SALA DE CÁMARA Miércoles. im Verlaufe bewegteres Tempo II LEOŠ JANÁČEK (1854-1928) Cuarteto nº 2.

op. ma con sentimento Con moto – Un poco meno mosso AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. I clarinete BEDŘICH SMETANA (1824-1884) Cuarteto nº 2 en Re menor. Presto GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Cuarteto en Mi menor. op. T. 19. 31 de mayo de 2012. violín Atte Kilpeläinen. 115 Allegro Adagio Andantino – Presto non assai. viola Tomas Djupsjöbacka. 131 Allegro Allegro moderato – Andante cantabile Allegro non più moderato. 19. 29 de mayo de 2012. viola Tomas Djupsjöbacka. violín Atte Kilpeläinen. 9 Poco Lento – Allegro Scherzo: Vivace Larghetto Finale: Allegro molto II JOHANNES BRAHMS (1833-1897) Quinteto con clarinete en Si menor. ma agitato e con fuoco – Molto moderato. 121 Allegro moderato Andante Allegro MAX REGER (1875-1916) Quinteto con clarinete en La mayor. op.30 horas 29 . violonchelo I JOSEPH HAYDN (1732-1809) Cuarteto en Re menor. 103. violín Minna Pensola. SALA DE CÁMARA Martes. SALA DE CÁMARA Jueves.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVI ABONO B PROGRAMA 16 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVII ABONO A PROGRAMA 17 Antti Tikkanen. Hob III:83 (incompleto) Andante grazioso Menuet ma non troppo presto Cuarteto Meta4 Matthew Hunt. op. violonchelo Cuarteto Meta4 Antti Tikkanen. violín Minna Pensola. M.30 horas 28 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 146 Moderato ed amabile Vivace Largo Poco Allegretto II CÉSAR FRANCK (1822-1890) Cuarteto en Re mayor. quasi Marcia Finale.

19. violín Aki Saulière. op. violonchelo Gérard Caussé. 201 Am Grabe Richard Wagners. violonchelo Alois Posch. contrabajo Nicholas Angelich. ma non troppo Andantino Allegro vivo (reconstrucción de la versión para septeto de cuerda de Rudolf Leopold) RICHARD STRAUSS (1864-1949) Metamorfosis AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. disastro. Venezia. violín Béatrice Muthelet. S. S. 199 Schlaflos! Frage und Antwort. S. viola Gautier Capuçon.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVIII ABONO B PROGRAMA 18 Cuarteto Capuçon Renaud Capuçon. 194 R. 120 Allegro. S. 12 de junio de 2012. S. viola Yan Levionnois. W. 208 Mosonyis Grabgeleit. piano I GUILLAUME LEKEU (1870-1894) Cuarteto con piano II FRANZ LISZT (1813-1886) Trübe Wolken. 202 (versión para cuarteto de cuerda) (completado por Vincent d’Indy) Très animé. SALA DE CÁMARA Martes. Dans un emportement douloureux Lent et passioné GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Trío con piano en Re menor. S.30 horas 30 31 . 203 Unstern! Sinistre.

Rodríguez .Crónicas musicales del estilo tardío Pablo-L.

Sin embargo. Karol Berger explicó esa oposición entre círculo y flecha temporal comparando dos pinturas: Il ballo della vita umana al suono del Tempo (1639-1640) de Nicolas Poussin e Il mondo nuovo (1791) de Giandomenico Tiepolo. sabe lo que ha ocurrido desde el principio o puede anticipar lo que está por venir. Padre e hijo Johann Sebastian Bach (1685-1750) plasmó esa visión circular del tiempo especialmente en sus composiciones más estrictamente contrapuntísticas. El mismo autor aplica este razonamiento a la música al oponer la audición de un movimiento de sonata de Haydn o Mozart a una fuga de Bach. Hasta mediados del siglo xviii. y surgió lo que el científico humanista Stephen J.Crónicas musicales del estilo tardío Pablo-L. Esas diferencias no pueden atribuirse simplemente a las disparidades entre ambos géneros. pero también la novedad del porvenir. como los cánones que cultivó con especial énfasis al 35 . en el primer caso uno siempre puede ser consciente de dónde se encuentra. en la primera se representa la regularidad cíclica y predecible que gobierna la existencia humana. pero en el compositor de Eisenach resulta imposible hasta que el ritornello final hace su aparición. de lo irrepetible del presente y también de las contingencias del futuro. pero en el segundo caso no podemos predecir la extensión e incluso el propio Bach solía anunciar enfáticamente el final unos pocos compases antes para que no resultase inesperado. en torno a 1750 comenzó a tenerse una mayor conciencia del pasado. lo sucedido en la historia de la música en torno a 1750 va mucho más allá de la consabida transición desde una época llamada Barroco a otra denominada Clasicismo: supuso un cambio drástico en la concepción del tiempo que tuvo importantes consecuencias culturales. Gould ha denominado la flecha temporal. Rodríguez El círculo de Bach y la flecha de Mozart y Haydn. pues lo mismo sucede cuando comparamos un concierto de Mozart y otro de Bach: uno puede anticipar el final de un movimiento desde el principio en el caso de salzburgués. mientras que en la segunda se subraya lo irrepetible. la concepción temporal era claramente circular y se regía por la recurrencia de meses y estaciones.

con la particularidad de que la última letra “R” significa repetatur (“repítase”). signos de articulación. al cultivador del buen arte por tu verdadero amigo”). H = Si). el organista y musicólogo francés Olivier Alain. el Canon triplex a 6 fue catalogado originalmente como BWV 1076 y podemos verlo en la mano derecha del compositor en el famoso retrato que pintó Elias Gottlob Haussmann en 1746. pudo confirmarse que se trataba de un ejemplar propiedad del compositor en el que no solo había añadido numerosas correcciones. cuyo bajo repite una y otra vez las notas Fa-La-Si bemol-Mi (F-A-B-E). Franz y Johann Georg Benda o el mismísimo 37 Uno de los hallazgos más recientes y sorprendentes relacionados con la obra de Bach está relacionado con los cánones que cultivó al final de su vida. dos de ellos ya eran conocidos con anterioridad: los números 11 y 13. Se trata de cinco cánones a partir de la melodía del famoso canto navideño. catalogado como BWV 1077. En realidad.final de su vida: fue. no por casualidad los números 3 y 4 simbolizan el orden divino y el nombre de Dios. y una vez concluida la ocupación prusiana de Leipzig. La I y la T hacen referencia. o incluso testimonian la afición del compositor por la numerología: catorce es la suma del valor numérico de los caracteres que componen su apellido (de acuerdo con su posición en el alfabeto. B = 2. C = 3 y H = 8). El encuentro con el monarca. catalogados como BWV 1087 y hoy conservados en la Bibliothèque nationale de France. por entonces inspector de música del Ministerio de Cultura galo. aquí Bach introduce una inscripción alusiva a la pasión de Cristo representada musicalmente con cinco semitonos descendentes en la voz aguda. como tantos compositores desde finales del siglo xv. tuvo lugar el 7 de mayo de 1747 en el palacio municipal de Potsdam (destruido durante la Segunda Guerra Mundial) ante un nutrido grupo de músicos reunidos en torno al rey prusiano. conforman 36 . a Eisenach (Isenaco en latín) y Turingia. descubrió en Estrasburgo que dentro del ejemplar impreso de la cuarta parte del Clavier-Übung. el Canon duplex übers Fundament a 5 se conocía por la copia que realizó el compositor el 15 de octubre de 1747 en el cuaderno de su amigo Johann Gottlieb Fulda. la localidad y la región natales del compositor. había una página autógrafa con varios cánones enigmáticos escritos sobre las primeras ocho notas del bajo del aria de las Variaciones Goldberg. poco más de un año antes de su muerte. del que Forkel hizo una breve y autorizada semblanza a partir de fuentes orales de los hijos de Bach. cuya similitud con el fragmento inicial del bajo del aria de las Variaciones Goldberg quizá no sea una casualidad. junto con el suyo propio. en clara alusión a las stigmata o cinco llagas de Cristo en la cruz. Por un lado. estudiante de teología y músico de Leipzig. aunque el compositor la revisaría en dos ocasiones tras su publicación con la intención de situar su clímax en el centro en vez de al final: el quinto canon. que trabajaba para él. el viejo Kantor lipsiense utilizó con asiduidad procedimientos de soggetto cavato. Por otro lado. es decir. creando temas circulares perpetuos en continua suspensión temporal. un puente entre las Variaciones Goldberg de 1741 y la Ofrenda musical de 1747. fechado el primero de marzo de 1749. donde se deletrea a través de la solmisación germana el apellido de Benjamin Gottlob Faber. La capacidad de Bach como maestro de contrapunto trascendió la ciudad de Leipzig y llegó incluso hasta la corte prusiana de Frederick II (Federico el Grande). de hecho. el último gran compositor de cánones. indicaciones de tempo o expresión a su monumental ciclo de variaciones (que sonaron el pasado año en el Liceo de Cámara en la transcripción para trío de cuerda de Dmitri Sitkovetsky). Bach dio esta obra a Balthasar Schmidt para imprimirla en notación enigmática. pasaría ahora a situarse en tercer lugar con el fin de conformar una estructura cruciforme. toma. Estos cánones autógrafos. Y. sino que también había escrito en la hoja de guarda posterior del ejemplar catorce cánones bajo el título Verschiedene Canones über die ersten acht Fundamental-Noten vorheriger Arie (“Diversos cánones sobre las primeras ocho notas del bajo del aria precedente”) donde aplica procedimientos contrapuntísticos cada vez más complejos que parten de una simple exposición del sujeto y su retrogradación hasta un planteamiento a cuatro voces en aumentación y disminución. en los dos acrósticos formados por varias de las palabras de la dedicatoria en latín: “Domine possessor Fidelis Amici Beatum Esse Recordari. respectivamente. C = Do. amigo de Bach y representante suyo en el bautismo de su discípulo Johann Christoph Altnickol. Este Canon triplex fue presentado por Bach en junio de 1747 junto con las Variaciones canónicas sobre el coral navideño “Vom Himmel hoch da komm ich her” BWV 769 como prueba de su maestría en la ciencia musical para su ingreso en la lipsiense Sozietät der musikalischen Wissenschaften (“Sociedad de Ciencias Musicales”) de Lorenz Christoph Mitzler. que le permitieron homenajear al destinatario o dar rienda suelta a su fascinación por las letras y los números. por tanto. Tras las correspondientes verificaciones llevadas a cabo en el Johann-Sebastian-Bach-Institut de Gotingaen. propiedad del clavecinista Paul Blumenroeder. En enero de 1974. con esa grandiosa coda donde escuchamos en stretta las cuatro melodías del coral que culmina con la firma musical del compositor (B = Si bemol. A = 1. su nombre vuelve a aparecer. como los hermanos Carl Heinrich y Johann Gottlieb Graun. indicando en el título que era para órgano de dos teclados y pedalero. Parece ser que fue el propio rey flautista quien solicitó su visita por medio de su hijo Carl Philipp Emanuel. A = La. Un ejemplo de ello lo encontramos en el canon sobre un basso ostinato BWV 1078. tibi haud ignotum: itaque Bonae Artis Cultorem Habeas verum amIcum Tuum (“Señor poseedor: no puedes dejar de saber que recordar a un fiel amigo significa ser feliz.

como ha recordado James R. un caduco calvinista que abogaba por la tolerancia religiosa de gustos afrancesados y que presumía de no haber leído nunca un libro en alemán. el así llamado “estilo galante”. había llegado a desarrollar teorías casi esotéricas con el espiritual propósito de la glorificación divina. cambió sustancialmente a lo largo del siglo xix. llegaría al extremo de vender las planchas de impresión de El arte de la fuga de su padre como chatarra para ganar algo de dinero. algo patente al escuchar el Andante de la Sonata para flauta. al igual que su patrón Frederick II. 3) varios cánones. la publicación de la primera edición de las obras completas del viejo Bach a lo largo de la segunda mitad del siglo terminó por enterrar la figura artística del hijo. El 30 de septiembre la gaceta de varias ciudades alemanas recogía tanto la noticia de la inminente comercialización de la obra como el esquema de su estructura: “El desarrollo consiste en 1) Dos fugas. Está claro que Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788). Bach sentía que representaba la ancestral tradición del contrapunto que. Bach se puso a trabajar en ello tras su regreso a Leipzig y lo que en principio no iba más allá de una mera transcripción de la fuga que había improvisado para el monarca prusiano terminó por convertirse en una extensa composición formada por varias partes que tituló Ofrenda musical (catalogada por Wolfgang Schmieder como BWV 1079) y que dedicó obviamente a Frederick II. incluso en la copia enviada al monarca podían leerse dos significativas dedicatorias en latín al margen de los cánones a dos y cuatro voces. que Bach realizó aunque a partir de otro tema similar. el rey volvió a escuchar a Bach. Leipzig. e incluso su imagen personal se tiñó del grisáceo de la avaricia y la tacañería. que podemos verificar en la fuga a seis. ahondando en las técnicas contrapuntísticas más estrictas. Su visita había tenido eco en los periódicos de Berlín. Bach tampoco se resistió al juego de buscar un lema para sintetizar las pretensiones de su composición y así la palabra “ricercar” adquiere nuevo significado a través de un acróstico: Regis Iussu Cantio Et Reliqua Canonica Arte Resoluta (“A petición del rey. a pesar de haberse apartado del estilo paterno en favor de la modernidad. Sin embargo. el rey pidió a Bach que probase los fortepianos Silbermann y éste le solicitó un tema para improvisar una fuga que dejó a todos admirados. el nuevo teatro real de ópera Unter den Linden. aunque en esta ocasión tocando el órgano de la iglesia del Espíritu Santo. Para Frederick. el viejo Kantor también aprovecharía su viaje para visitar otros órganos de Potsdam o. Magdeburgo y Potsdam. cuyo estilo había sido rechazado por los jóvenes compositores y también por sus propios hijos. el rey Frederick nunca expresó su agradecimiento a Bach y el compositor tuvo que pagar de su bolsillo los doscientos ejemplares de la edición que regaló a varios amigos o vendió a algunos interesados. Carl Philipp Emanuel. Federico el Grande y Bach se encontraron en el jalón que separa la cultura antigua de la moderna y lo que surgió de ese encuentro fue algo más que la mera expresión musical de aquel momento histórico. no era para Bach más que algo vacío y artificial. era un misántropo bisexual con un matrimonio de conveniencia política sin hijos. una con tres. mientras que la música de Bach era símbolo de lo antiguo y trasnochado. Los rasgos de la música de Carl Philipp inicialmente relacionados con la modernidad fueron considerados a partir de entonces como superficiales. al tiempo que enaltecía el natural deleite de la canción o la ornamentación armónica de una sencilla línea melódica. una de las fuentes tradicionalmente más citadas a la hora de documentar 39 . el hijo mayor del compositor. violín y continuo. que había acompañado a su padre en su viaje a Berlín. Una vez en palacio. el contrapunto era un vestigio de una estética anticuada y consideraba tonterías religiosas los corales de Bach.Johann Joachim Quantz. Si al principio se le tenía por un fiel continuador de sus enseñanzas. aumentado y modulado: “Notulis crescentibus crescat Fortuna Regis / Ascendenteque Modulatione ascendat Gloria Regis” (“Que la felicidad del rey crezca como estas notas aumentadas. representaba una mentalidad más orientada hacia el porvenir relacionada con el tiempo flecha. Frederick II. entre los cuales figura una fuga canonica”. Según la biografía publicada en 1868 por Carl Hermann Bitter. En cierto modo. la otra con seis voces obbligato. Frederick representaba todo lo que era nuevo y elegante. Gaines en su libro Evening in 38 the Palace of Reason. El viejo Bach pretendió mostrar al monarca todas las posibilidades de su tema. Bach representaba al viejo padre del Barroco y Frederick el hijo de una temprana Ilustración. el rey quiso ir más allá y solicitó otra fuga pero a seis voces obligadas. * * * La historia de la relación de Bach con su segundo hijo. en Berlín. y se encumbre la fama del rey como el ascenso de esta modulación”). también asistió Wilhelm Friedemann. Musicalmente. con su refinamiento melódico y gracia sonora. Al día siguiente. Hamburgo. 2) una sonata para flauta travesera. violín y continuo. y quizá ningún conflicto padre-hijo tuvo tantas repercusiones culturales. el canto y lo demás se resuelve según el arte del canon”). pero también en el lenguaje musical moderno del Empfindsamkeit. Incluso la mera comparación de ambos personajes arroja un cúmulo de diferencias más que significativas: Bach era un devoto patriarca luterano que había tenido veinte hijos y que utilizaba principalmente el alemán en su vida cotidiana. Fráncfort. donde trascendió además la promesa que hizo al rey de escribir su tema como fuga y hacer con él un grabado en cobre. lo que volvió a maravillar a todos los presentes. Obviamente. por el contrario. lo que implicaba un rechazo directo del estilo encarnado por su padre. Y es que. en cambio. por medio del canon y la fuga.

La otra composición. cuando ya estaba ciego. que el difunto dictó de memoria. si alguno no la tenía. 272 (Wq. afirmó que eran áridas y despreciables piezas de pedantería en las que ningún compositor como tal debería sacrificar su tiempo. aunque ya en el siglo xix Gustav Nottebohm demostró cómo. donde la principal cualidad que exigía era la imaginación: “En cuanto a la inventiva. que le exigían una obra por año. que escucharemos por separado. Y es que a su muerte. contrafugas. Por ello no debe resultar extraño que Carl Philipp. hoy se considera bastante controvertida la presencia al final de dos piezas que en realidad no formaban parte de la obra: el Contrapunctum XIV o “Fuga a 3 soggetti” y el conocido como “Coral del lecho de muerte” o revisión del preludio coral Wenn wir in höchsten Nothen sein BWV 668. algo que Christoph Wolff ha relacionado con lo realizado por Bach en el Et incarnatus del Credo de su Misa en Si menor. De hecho. la última aportación al respecto de Gregory Butler argumenta que quizá esta fuga formase parte de otra colección posterior a El arte de la fuga que Bach estaba empezando a diseñar. conformando un espectacular tratado sobre el tema y ello fue quizá lo que atrajo a Carl Philipp a la hora de hacerse cargo de su edición. en la que aparece el nombre de BACH en el contrasujeto. no conocemos con precisión el título que iba a darle. en 1748 había presentado la Ofrenda musical. Carl Philipp diseñó una publicación de veinticuatro piezas. en el que concluía incluso que es probable que la fuga estuviera completada y hayamos perdido la versión finalizada. fugas espejo. en vez de sobre cuatro pentagramas. Por ejemplo. que podrá escucharse como conclusión del concierto dedicado a El arte de la fuga. al dotar de gran flexibilidad armónica al sujeto. la combinación de los tres temas de la obra encajaba a la perfección con el tema principal de la colección. dobles. triples. La principal controversia en relación con esta fuga se debe a que no utiliza el tema de El arte de la fuga. en el envío no solo incluyó una carta. como el resto de El arte de la fuga. fugas permutadas y cánones. sino que además el compositor la titula “Fuga a 3 soggetti”. a uno de sus amigos”. es bien sabido que Carl Philipp añadió en ese lugar en el manuscrito la siguiente indicación: “NB Mientras trabajaba en esta fuga. 66). En una carta dirigida a Forkel en 1775 explicaba al que fuera primer biógrafo del viejo Bach la forma en que enseñaba a sus alumnos. que vería la luz en 1751. aunque en el manuscrito de Bach tan solo había catorce composiciones 40 (un número nuevamente muy representativo): doce fugas y dos cánones. si de algo son prueba. En realidad. había tenido que retrasar hasta 1750. se implicase personalmente en la primera edición de El arte de la fuga. el manuscrito que conservamos de esta obra no solo está escrito en partitura de teclado. Por esa razón. él exigía esta habilidad desde el principio y. junto con varios de los estudiantes de su progenitor. La primera. Bach había dejado preparada la mayor parte de una nueva edición de cánones y fugas en cumplimiento de lo estipulado por los estatutos de la Sozietät de Mitzler. es una nueva versión que realizó Bach del preludio coral Wenn wir in höchsten Nothen sein y que Carl Philipp añadió al final de la edición de El arte de la fuga a modo de epílogo sentimental con la siguiente justificación: “Se ha querido resarcir a los amigos de la musa con la publicación del coral sacro a cuatro voces añadido al final. No hay duda de que la intervención del segundo hijo de Bach fue decisiva para que la obra fuese publicada. en forma de rondó”) H.ese rechazo es la crónica que publicó Charles Burney en 1773 de su conversación con él: “Cuando volvimos a tratar de la música culta. Para la publicación. para él. En adelante ha habido muchas teorías que culminaron inicialmente en el magno estudio de Christoph Wolff. Las razones de Carl Philipp para 41 . en la parte trasera del manuscrito de la misma puede leerse la indicación “und einen anderen Grund Plan” (“y otro plan básico”). en la práctica. el que hoy tiene de Die Kunst der Fuge (“El arte de la fuga”) fue escrito por su discípulo y ahijado Altnickol en el manuscrito de la obra tras la muerte del compositor. que puede hacer alusión a su pertenencia a otra colección. estamos ante una obra inconclusa que plantea todavía hoy muchas incógnitas sin resolver. en vez de “Contrapunctus”. e incluso hay que reconocer que siempre alabó su método didáctico. Como ya vimos. Carl Philipp Emmanuel Bach vendió su querido clavicordio Silbermann a su amigo y discípulo. H = Si) poco antes de que se interrumpa bruscamente. la obra incluye fugas simples. in einem Rondo (“Despedida de mi clavicordio Silbermann. es la famosa fuga cuádruple inconclusa donde Bach introduce su nombre como sujeto (B = Si bemol. Por otra parte. Tampoco está claro cuándo escribió Bach esta colección. y un año después pensaba entregar impresa la colección que estaba preparando cuando falleció y que. habló de forma irreverente de los cánones. entre estas últimas destaca el Contrapunctus IV como una de las más novedosas. el autor falleció”. le recomendaba que no se dedicara a la composición”. el compositor simplemente revisó y mejoró varias de las fugas o añadió alguna nueva. el barón Dietrich Ewald von Grotthus. En todo caso. C = Do. Carl Philipp nunca renegó directamente de su padre. aunque todo parece indicar que la mayor parte de la misma data de 1742. es de falta de genio de todos aquellos que se dedican a tan miserables estudios e involuntarias creaciones”. pero también que su afán por incluir todo el material que tenía a mano alteró buena parte del plan original del compositor. en su primer año como miembro había publicado las Variaciones canónicas BWV 769. el 28 de julio de 1750. En realidad. por problemas de salud. * * * En 1781. sino incluso una obra expresamente compuesta para la ocasión y titulada Abschied von meinem Silbermannischen Claviere. A = La.

Schack. Adioses clásicos: Mozart y Haydn Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) no murió en su música. Realmente. Todo parece indicar que Carl Philipp pensaba en su evolución como compositor y. el amigo de la familia. y once horas después. una especie de dialecto alemán del estilo galante que fue desarrollado por Carl Philipp especialmente en el repertorio para clavicordio posterior a 1750 y treinta años más tarde en el fortepiano. en las posibilidades expresivas de otros instrumentos como el Tangentenflügel o el fortepiano. en el autógrafo de esta versión con violín. el compositor seguía trabajando en el Requiem postrado irremediablemente en cama: “[Mozart] tenía la partitura cerca de la cama. la temprana muerte de Mozart sigue siendo aún hoy objeto continuo de conjeturas y especulaciones. Esta descripción encaja a la perfección con el Empfindsamkeit o estilo sentimental. Cantaron los primeros compases de Lacrimosa cuando Mozart rompió a llorar amargamente. a lo que añade al pie: “Quizá no resulte inapropiado comparar la cadencia con un sueño. tal como podemos comprobar si comparamos ambos finales. que había adquirido en 1746 y de cuya estima dejó constancia no solo en su correspondencia sino incluso en su tratado Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen (“Ensayo sobre el verdadero arte de tocar los instrumentos de tecla”). Tanto el final como la referida inscripción han sido relacionados por Richard Kramer con la noción de agotamiento y cansancio que exhibe Carl Philipp en su obra durante sus últimos años de vida: “La música se sumerge y parece desaparecer en el sorprendente zumbido de las cuerdas graves del clavicordio.] el oyente debe temblar de felicidad”. sostienen. y que no en otro clavicordio sino en el que tú tienes podrá ser tocado bien”. dejando la partitura a un lado. deseó morir en su música”. sino más bien una segunda redacción de la misma obra. pero sí falleció componiendo una misa de difuntos. cada pasión humana fue sometida a su ejecución y ante su exaltado genio [. que su última noche Mozart estuvo más ocupado en las particularidades del reparto de Die Zauberflöte. en una sugestiva ficción autobiográfica. conservado en la Staatsbibliothek berlinesa. Poco tiempo después de su sepelio comenzaron a difundirse por los mentideros de Viena informaciones falsas sobre las circunstancias de su fallecimiento que han perdurado hasta nuestros días a través de dramaturgos. el tenor Benedikt Schank (creador del papel de Tamino).desprenderse de su más querido instrumento. su expresión encantamiento. con esos imprevisibles cambios de afecto por medio de alteraciones en el pulso y la armonía. tal como pensó el propio Bach que. partió de esta vida”. a la una de la mañana en punto (del 5 de diciembre de 1791. el compositor incluso alude a la calidad del mismo en la referida carta que acompañaba a la composición: “[Esta obra] es prueba de que uno puede componer [en él] afligidos rondeaux. E. 43 . Bachs Empfindungen” (“Sentimientos de C. antaño un bajo en el teatro de Mannheim. su interpretación espíritu y vida. pero también subjetiva y opuesta a lo racional. 42 La versión de la Freye Fantasie de Carl Philipp Emanuel Bach que escucharemos en este ciclo no es la habitual (u original) para teclado solo. y Gerl. 536 (Wq. No obstante. cuñado de Mozart. pero sin coherencia y de forma subconsciente. Hofer. como el de su amigo. no parecen relacionadas con su estado de conservación. Bach”). sin embargo. P. precisamente. arpegios quebrados.. sensible. natural.. que seguía representándose con éxito tras su estreno dos meses atrás. se caracteriza por una profusión de escalas rápidas. concretamente. al menos eso se desprende de algunos testimonios. Y es que. la famosa Freye Fantasie H. 67) de 1787 es un ejemplo muy significativo del Empfindsamkeit tardío de Carl Philipp. además del aura de un sueño. 300 (Wq. los avances técnicos en los fortepianos que conoció tras su llegada a Hamburgo le animaron a componer cada vez con más asiduidad para este instrumento. asumió la de tenor. que asegura en el obituario del compositor publicado en la Allgemeine musikalische Zeitung que la víspera de su muerte. de las emociones y que tiene en las fantasías y los rondós sus formas más habituales. fue el bajo. sino la versión que realizó de la misma también en 1787 con un acompañamiento para violín. como la carta de 1840 del compositor Ignaz Xaver Ritter von Seyfried. cantó la línea de soprano. el compositor escribió la famosa anotación “C. las fantasías de Carl Philipp se relacionaron ya en su tiempo con la capacidad expresiva de un monólogo teatral. sobresaltos y silencios que conformaban un lenguaje extremo encaminado a la expresión directa. como es bien sabido). Concretamente. el flautista Friedrich Ludwig Dülon recuerda en su autobiografía su visita en 1783 a casa de Carl Philipp para hacer una audición y la impresión que le produjo escucharle tras la comida tocar en su fortepiano una sonata. y él mismo (eran las dos del mediodía) cantó la parte de contralto. Otros testimonios. esta versión catalogada como H. Sea como fuere. una fantasía y dos rondós: “Sus sonidos fueron palabras. Uno a veces sueña unos minutos con los sentimientos más apasionados. compositores y cineastas. P. E. como ya había hecho antes. hechos que hemos experimentado y han dejado mella en nosotros”. a pesar de las alabanzas que siempre dedicó al clavicordio. y tampoco es difícil relacionar su construcción con la del recitativo accompagnato operístico. 80) no es un arreglo sensu stricto. cuya concepción estilística aparece resumida dos años más tarde dentro de la definición de “cadencia” de la fundamental Klavierschule de Daniel Gottlob Türk: “La cadencia debe parecerse en todo lo posible a una fantasía creada a partir de una profusión de sentimientos y no a una pieza elaborada”. Concretamente.

Süssmayr terminó la obra en febrero de 1792 y realizó tres copias de la misma con una caligrafía musical muy similar a la del propio Mozart: se quedó con una y entregó las otras dos a Constanze junto con el manuscrito autógrafo original. y que incluye un estudio epidemiológico en perspectiva de las muertes acaecidas en Viena entre noviembre de 1791 y enero de 1792. Mozart murió convencido de que había sido envenenado. Mozart”) que había escrito Anton Herzog en 1839 y cuya publicación había sido entonces prohibida. aunque se trataba de composiciones habitualmente encargadas a compositores profesionales como Franz Anton Hoffmeister. asistente más que discípulo de su marido (de hecho. la última investigación sobre el tema. posteriormente convertida en ópera homónima por Nicolai Rimski-Korsakov y punto de partida de la obra teatral Amadeus (1979) de Peter Schaffer. El 10 de diciembre de 1791 se realizó en la iglesia de San Miguel de Viena una primera audición de parte de esta obra en memoria del compositor. Los meses siguientes. La muerte de la esposa del conde. esos rumores se convirtieron pronto en motivo de una opereta de Albert Lortzing titulada Szenen aus Mozarts Leben (1832) o de una tragedia ligera escrita por Alexander Pushkin titulada Mozart y Salieri (1831). muy apreciado por él (llamaría Franz Xaver a su segundo hijo) y dedicado principalmente a la composición de ópera alemana (en 1794 sería nombrado Kapellmeister en el restablecido National-Singspiel Kärntnertortheater de la corte vienesa). Tras esta primera audición. Benedictus y Agnus Dei. que en un ardid antiitaliano convirtieron al envidioso Antonio Salieri en responsable por envenenamiento de la muerte de Mozart. Herzog. En este sentido. no obstante. del resto había escrito un boceto bastante preciso desde el Kyrie hasta el Hostias. Mozart (“Verdadera y detallada historia del Réquiem de W. La otra copia se la entregó al 45 . A. pagó por adelantado parte del trabajo y se interesó desde ese momento en repetidas ocasiones por la marcha del encargo. Tras consultar a otros compositores. no parece que comenzase su composición antes del estreno de Die Zauberflöte el 30 de septiembre. la viuda de Mozart optó entonces por entregar el manuscrito a Franz Xaver Süssmayr. La historia de la composición del Requiem K. quien acudió de incógnito a casa de Mozart a mediados de julio en representación de un “amante de la 44 música”. tal como indica Franz Xaver Niementschek en su primera biografía publicada en 1808 a partir de un testimonio de su esposa Constanze. un miembro del estrecho círculo de colegas de Mozart. y la culminó con una reelaboración del Introito y Kyrie para la Communio “Lux Aeterna”. Süssmayr revisó las orquestaciones de Freistädtler y Eybler. e incluso pidió más tiempo para trabajar en el Requiem. había sido en su juventud criado del conde Franz von Walsegg y conoció de primera mano no solo todo lo relacionado con el encargo de la obra a Mozart. John Emsley ha aclarado recientemente que el envenenamiento pudo estar relacionado con el polvo de antimonio que le recetó su doctor para combatir la depresión que padecía. el conde era un músico aficionado y solía organizar conciertos en su castillo en Stuppach. Al parecer.Especialmente conocidos son los malvados rumores que circularon por Viena a comienzos del siglo xix. Este “mensajero gris”. que incluía las partes solistas y el coro junto al bajo o algunas leves anotaciones instrumentales. Süssmayr era alumno de Salieri). concluye que el compositor falleció a consecuencia de la complicación de una simple infección por estreptococo. Su salud se quebró especialmente a partir del 20 de noviembre. 622 o la Pequeña Cantata Masónica “Laut verkünde unsre Freude” K. cantante. Constanze se convenció del beneficio que podía reportarle finalizar la obra y solo dos semanas después le entregó el manuscrito a Joseph Leopold Eybler. quien. como Mozart lo definió. sin embargo. e incluso es posible verificar cómo en las semanas siguientes estuvo dedicado a otras composiciones como su Concierto para clarinete K. completó la obra componiendo el Sanctus. actor. renunció a seguir adelante. de las que el conde tenía la exclusividad. Anna von Walsegg. que en ese año era maestro en la escuela de Wiener Neustadt. donde se interpretaban obras copiadas por su mano que hacía pasar por propias. A. sino también todos los intríngulis de su finalización tras la muerte del compositor. después de completar la instrumentación de la secuencia hasta el Confutatis y añadir dos compases en el Lacrimosa. publicada hace dos años. en que siguió trabajando en la obra postrado en cama. y que afectaron tan profundamente al viejo compositor de corte que terminó sus días en 1825 completamente demente. compositor y autor del libreto de Die Zauberflöte) donde tan solo pudo escucharse el Introito y el Kyrie. adaptada a su vez para el cine por Milos Forman en 1984. de hecho. Cuando Mozart murió tan solo había completado el Introito “Requiem Aeternam”. en febrero de 1791 le animó a honrar su memoria con el encargo de una misa de réquiem para su aniversario a Mozart. tal como recuerda Herzog: “Éramos todos jóvenes amigos y considerábamos que le dábamos a nuestro señor un inocente placer”. La viuda de Mozart vendió a comienzos de marzo una de las copias al rey prusiano Friedrich Wilhelm II por una suma considerable y seguramente hizo otros negocios con la obra. fue un evento organizado por Emanuel Schikaneder (empresario teatral. 623. Curiosamente. Mozart siguió dedicado a otros compromisos. El conde utilizó para el encargo a su abogado Johann Sortschan. como los estrenos de La clemenza di Tito en Praga y Die Zauberflöte en Viena. sus criados suponían lo que sucedía pero lo aceptaban. cuya instrumentación había sido terminada para la ocasión por Franz Jakob Freistädtler. 622 de Mozart dio un giro decisivo en 1964 cuando Otto Erich Deutsch dio a conocer el memorándum titulado Wahre und ausführliche Geschichte der Requiem von W.

Stephen Rumph definía su estilo eclesiástico como “una abigarrada mezcla de erudición. obra maestra y obra incompleta. según los bocetos encontrados en 1960 por Wolfgang Plath. que conforma una práctica muy habitual en ambientes privados de la época. pero también mantuvo una amistad con su primer hijo. Carl Thomas. otras claras influencias en el Introito son el tema del coro “The Ways of Zion Do Mourn” del anthem homónimo de Haendel (HWV 264) o el inicio del Réquiem en Do menor de Michael Haydn. está claro que los añadidos de Süssmayr. aunque alrededor de 1800 se hizo con el autógrafo original del Introito y el Kyrie. entre sus principales fuentes contó con el apoyo de la viuda del compositor. como ascensos cromáticos en crescendo que simbolizan el Juicio Final. junto a lacrimógenos contrastes sotto voce acompañados por el plañir de violines. el conde Walsegg inventó una rocambolesca historia: al parecer. Precisamente. la inclusión de procedimientos dramáticos o la presencia de la Volkstümlichkeit. el Requiem completado recibió su primera audición pública organizada por el barón van Swieten a beneficio de Constanze en la Jahn-Saal de Viena. el conde Walsegg no podría volver a utilizar la obra. ni tampoco dominaba la composición de fugas. Las alteraciones de Süssmayr. en la Secuencia muestra todas sus habilidades como compositor teatral. A la luz de los estudios realizados en la últimas décadas por varios especialistas. Lógicamente. A. Herzog informa de que el conde Walsegg sí que volvió a utilizar el Requiem de Mozart. El conde Walsseg interpretó este estreno como una traición a lo acordado en el contrato. Este arreglo para cuarteto de cuerda del Requiem fue realizado a comienzos del siglo xix por Peter Lichtenthal (1780-1853). un médico residente en Milán desde 1810 y músico aficionado que compuso varios ballets estrenados en La Scala o publicó diferentes estudios musicales como el Dizionario e bibliografia della Musica o la primera biografía de Mozart en italiano. claramente comprometida con el reformismo ilustrado del emperador Joseph II. resultan problemáticos al no respetar la estética impuesta por Mozart en la música religiosa de sus 46 . que le llevó a conferir en esta obra un papel protagonista al coro y una importancia mucho menor a la instrumentación. al igual que hiciera poco tiempo atrás en el famoso Ave verum corpus. La obra se inicia en el Introito con paso lento con un solemne motivo sincopado que termina conformando una fuga. sino también ante el mejor ejemplo de equilibrio entre el contrapuntístico stile antico. y algo menos los retoques previos de Freystädtler y Eybler. que apareció en 1816 bajo el título Cenni biografici intorno al celebre maestro W. pero para cuarteto de cuerda. Por lo que hemos conservado escrito por Mozart podemos deducir que estamos no solo ante la obra sacra más excepcional de su catálogo. como ese final de la Secuencia. El Kyrie vuelve a ahondar en el stile antico al plantear una doble fuga sobre el tema del coro “And with His stripes we are healed” de Messiah de Handel (recordemos que Mozart había realizado una reorquestación de esa obra en 1789 por encargo del barón van Swieten). los tres intentos más destacados de com47 El Requiem es la obra más controvertida de Mozart debido a la combinación de su condición de obra tardía. del elemento popular relacionado con los himnos cantados por la congregación de fieles. No obstante. el aura operística o el referido elemento popular. sigue las pretensiones ilustradas del emperador Joseph II al componer una emotiva aria coral inspirada en la voz del pueblo que no renuncia a efectos dramáticos. donde. pero siguió adelante con su propósito de hacer pasar por propia la obra: hizo una copia de su mano que tituló “Requiem composto dal Conde Walsegg” y realizó su propio estreno en el Neukloster de Wiener Neustadt el 14 de diciembre de 1793. como demuestra en su intervención en el Hossana. Mozart. de hecho. En realidad. y que Süssmayr sustituyó por una simple cadencia plagal con tercera de picardía. Robbins Landon. Por otro lado. como hicieron Franz Beyer o Howard C. En los años setenta del siglo pasado se intentó ajustar la instrumentación de la obra a un estilo más mozartiano. En febrero del año siguiente volvió a utilizar “su” Requiem para los servicios del segundo aniversario del fallecimiento de su esposa celebrados en la iglesia de Maria Schutz.conde Walsegg. e incluso también aparece el stile antico en el Amen final que inicialmente planeó incluir Mozart como conclusión. que pensó inicialmente que se trataba del manuscrito de Mozart completado por Süssmayr. había sido alumno de Mozart (algo completamente falso) y le fue enviando partes de un réquiem para su aprobación que fueron erróneamente atribuidas a Mozart tras su muerte. Pocos meses más tarde. pensemos en los arreglos camerísticos de Salomon de algunas sinfonías de Haydn o incluso el que preparó Beethoven para trío con piano de su Sinfonía nº 2. ante las demandas de explicaciones por parte de algunos amigos por haber hecho pasar por suya una obra de Mozart. cerca de Semmering. en este ciclo escucharemos una adaptación prêt-à-porter similar. ni Süssmayr entendió la importancia que tenía para Mozart la Volkstümlichkeit. es decir. si bien en una adaptación realizada por él mismo para quinteto de cuerda en 1794. ya que se había difundido que Mozart era su autor. Después de este servicio. dotando a cada sección de un afecto diferenciado que culmina con el Lacrimosa. en enero de 1793. tomando este último en consideración la labor de Eybler. años finales. ópera y Volkstümlichkeit” y esa definición resulta ideal para comprender el estilo del Requiem: me refiero a esa unión de lo erudito del stile antico. En un reciente estudio sobre la retórica y semiótica de Mozart en relación con la Ilustración. han llevado a varios musicólogos a tratar de aportar en las últimas décadas una versión del Requiem más fiel a las intenciones del compositor.

op. en realidad. De hecho. La composición de los dos primeros cuartetos del ciclo fue realizada conjuntamente: los estudios de László Somfai sobre el autógrafo de ambos cuartetos que se conserva en la Biblioteca Nacional Széchényi de Budapest permiten concluir que Haydn compuso en 1799 el primer movimiento del que abre el ciclo. dos semanas después de su muerte. aunque se ha conservado un borrador del bajo del movimiento inicial. ante todo. o se ahonda en colores tonales más diferenciados. pues Lobkowitz había encargado un ciclo similar al compositor de Bonn que terminaría por convertirse en su op.pletar la obra han sido realizados en torno a 1991. estos tres últimos musicólogos toman en consideración los bocetos encontrados por Plath. especialmente llamativo resulta aquí el trío. Parece que el tremendo esfuerzo que supuso para Haydn la composición del oratorio Las estaciones fue lo que le impidió culminar en 1799 el encargo del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz para componer seis cuartetos. Estos dos movimientos. No hay duda de que los llamados “Cuartetos Lobkowitz” construyen una culminación ideal a cinco décadas dedicadas a la composición para dieciséis cuerdas. se celebró un solemne servicio fúnebre dedicado a él en la Schottenkirche de Viena se interpretó el Réquiem de Mozart. permitió que Artaria sacase a la venta en septiembre de ese año tan solo los dos primeros cuartetos como op. a pesar de que es posible que parte de sus añadidos partieran de esbozos del propio Mozart que fueron destruidos. cita las apoyaturas descendentes en ostinato del movimiento lento de la Sinfonía nº 40 de Mozart. aunque. pero que manifiestan la tristeza de quien vio morir en el cálido verano de su juventud al mejor compositor que había conocido en persona. 49 . Por ejemplo. El más radical de todos es Maunder. tal como había manifestado personalmente a su padre en 1785. A comienzos de 1802. al no poder completarlo. el hombre anciano. en el Invierno de Las estaciones (1799-1801). Hob. dejando. más recientemente. por Duncan Druce. y en él se desarrollan al margen de connotaciones populares aspectos del primero. Richard F. Levin. Georg August Griesinger. verdadero “canto del cisne” haydniano como lo denominó su amigo y primer biógrafo. Haydn concibe el segundo tema como una reinterpretación del primero o el breve motivo melódico que aparece a continuación deriva igualmente de una parte del tema inicial. Haydn siguió componiendo un Andante grazioso para ese tercer cuarteto hasta 1803. ya recuerda el ritmo bókazó del folclore popular húngaro. Ro48 bbins Landon sostienen que. donde. año del bicentenario de la muerte del compositor. * * * En su larga trayectoria musical. 103 se la otorgó ese mismo año la edición parisina de André) junto a una tarjeta de visita enviada por el compositor con su habitual sentido del humor y en la que cita el comienzo de la parte de soprano del cuarteto vocal Der Greis. Joseph Haydn (1732-1809) nunca compuso una misa de difuntos. Seguramente le habría gustado. Mark Anson-Cartwright encontró ya en 2000 ecos de la arietta de Cherubino “Voi che sapete” de Le nozze di Figaro en el esquema tonal del desarrollo del primer movimiento del Cuarteto op. el tema principal del Presto final es un kolo. El tema inicial del Cuarteto en Sol mayor. una obra coral y en la que la instrumentación del Introito (la única que completó Mozart) muestra cómo el compositor quería que la orquesta realizase tan solo un moderado acompañamiento de las voces. pues en sus obras posteriores a 1791 es posible encontrar varios homenajes al compositor salzburgués. serían publicados en 1806 por Breitkopf & Hartel (la denominación de op. con ese aire marcial. Maunder y Robert D. pero también el donaire social o la ternura lírica. III:81). quien rechaza en gran medida la labor de Süssmayr. Precisamente. Michael Spitzer ha planteado el oratorio La Creación (1796-1798) como una especie de comentario filosófico personal a esa ópera de Mozart o incluso ha apuntado dos homenajes fácilmente reconocibles: el Adagio cantabile de la Sinfonía nº 98 (1792) de Haydn como pastiche del movimiento lento de la Sinfonía nº 41 “Júpiter” de Mozart o el fragmento del aria de Simón. cuando el 15 de junio de 1809. Son siempre referencias muy sutiles. a continuación todo el segundo cuarteto y después los tres movimientos restantes del primero. Haydn renunció a terminar el ciclo para evitar una comparación con su discípulo Beethoven. por tanto. Haydn inició el minueto de un tercer cuarteto con intención de publicar al menos los tres primeros. como el énfasis puesto en el diálogo entre los cuatro instrumentos. 64 nº 3 (1790) del músico de Rohrau. que simboliza el sonido de las espuelas de los caballos. es decir. El segundo movimiento se queda a medio camino entre la forma sonata y el tema con variaciones. 76 y ahonda en una síntesis global que abarca la chispa popular y la riqueza tonal. 77 nº 1 (Hob. no obstante. XXVc:5: “Hin ist alle meine Kraft. 77. 18. tras repetir el verso “Erschöpfet deines Sommers Kraft” (“Agotadas las fuerzas de tu verano”). alt und schwach bin ich” (“He perdido toda mi fuerza. quizá por esa razón. Druce y Levin coinciden en la idea de que el Requiem es. estoy viejo y débil”). El tercer movimiento es claramente un scherzo en el que volvemos a encontrar ecos populares del pastoralismo típico del Haydn tardío. en ellos Haydn renuncia a las excentricidades sinfónicas del op. cuando él ya se encontraba en esos primeros años del siglo xix en el crudo invierno de su vejez. completados tan solo los dos movimientos centrales. fecha en que desistió definitivamente de finalizarlo. algunos especialistas como Harold C. que seguramente deriva de alguna danza popular. que permiten completar el Lacrimosa con un Amen fugado.

tras llegar a ser dueño absoluto del medio. no por casualidad. Este exilio autoimpuesto –esta catástrofe– se manifiesta en la música tardía de Beethoven por medio un planteamiento episódico. Puccini (Andrew Davis) o Debussy (Marianne Wheeldon) y la mayoría de ellas han aparecido en los últimos cuatro años. Philosophie der Musik. Said defiende la idea adorniana de que las obras tardías de Beethoven. Todavía más sorprendente. las catástrofes son las obras tardías”.una danza de rueda de origen croata que Haydn pudo conocer en su juventud. y que caracteriza la historia de la cultura posterior a 1750. el pensador de la Escuela de Fráncfort introduce un matiz calamitoso en la obra tardía al considerarla más alejada del arte y más próxima a la historia: “En historia del arte. que varios años después fue incluido dentro de su libro póstumo Beethoven. Niementschek y Griesinger entre 1802 y 1809. así. De todas formas. los seis últimos cuartetos y las diecisiete bagatelas para piano. no solo resultó pionero en el ámbito de la musicología. 103 están claramente relacionados con los “Cuartetos Lobkowitz”. Mozart o Haydn. conforman un acontecimiento histórico en nuestra cultura moderna en el que el artista. Brahms (Margaret Notley). 127. Said sigue la estela de Adorno junto al clásico estudio de Rose Subotnik sobre este y se interesa principalmente por una orientación más problemática del concepto. aunque está construido en forma sonata. en la actualidad tan solo existen monografías sobre el tema en relación con Beethoven (Maynard Solomon y Michael Spitzer). Sin embargo. Do sostenido menor o Mi mayor. que se pone de manifiesto en las pioneras historias de la música de Burney. la Missa Solemnis. o incluso también en las primeras biografías de Bach. que Rosemary Hughes ha retratado poéticamente en su librito de la BBC sobre los cuartetos de Haydn como “la última chispa de una llama ahora cautiva en un cuerpo exánime”. Los últimos seis cuartetos de cuerda constituyen el observatorio ideal de este exilio beethoveniano: “En ellos encuentro cristalizado del modo más puro el estilo tardío”. Barone). Schumann (Laura Tunbridge). el ensayo de Said. de Beethoven: “El motivo por el cual el estilo tardío de Beethoven caló tan hondamente en los escritos de Adorno es que. rugoso. los estudios sobre el estilo tardío no han formado parte de la agenda del musicólogo hasta fechas muy recientes. el conglomerado de las cinco últimas sonatas pianísticas. Los dos movimientos del op. Sorprendentemente. expresaban un espíritu de reconciliación o alcanzaban una milagrosa transfiguración. que se publicó en 2007 a partir de las anotaciones dejadas por el autor antes de su muerte en 2003. sino que introdujo la distinción entre lo temprano y lo tardío. comienza denostando las dos características habitualmente relacionadas con el estilo tardío en Beethoven: la riqueza polifónica y 51 La esencia del Spätstil: Ludwig van Beethoven El interés por el fluir temporal desde el pasado hacia el futuro. es el Menuetto ma non troppo presto en Re menor. Wagner (Anthony E. Ambos movimientos siguen la misma estela de síntesis. y que contrasta con el trío central convertido casi en un nostálgico himno en Re mayor. las obras finales de Beethoven. aunque llaman poderosamente la atención las dos partes de la sección central. es decir. sino que se benefició además de la sólida tradición de estudios literarios en relación con este tema. no solo favoreció el nacimiento de la historicidad. inmovilizadas y socialmente resistentes. Adorno en 1937 al referirse al estilo tardío o Spätstil de Ludwig van Beethoven (1770-1827). pone el ejemplo de Ibsen. constituyen la esencia del aspecto innovador de la música moderna de nuestra era”. es decir. pero también de Carl Philipp Emanuel Bach. que se inicia con un violento despliegue canónico de tintes cromáticos cuya tensión se libera en un tremendo compás de silencio. Edward Said explica con claridad en su ensayo póstumo sobre el estilo tardío las razones por las que Adorno estaba tan interesado en las obras tardías 50 . las dificultades y ambigüedades. abandona la comunicación con la sociedad a la que pertenece en favor de la contradicción y el distanciamiento. Hawkins o Forkel. El punto de partida del mismo es el hecho de que la obra de un gran artista y su pensamiento adquieren un nuevo lenguaje al acercarse al final de su vida y ese nuevo lenguaje es lo que se conoce como estilo tardío. por lo inestable. que hemos visto en las obras tardías de Mozart y Haydn. el Andante grazioso en Si bemol mayor con una forma habitual ABA se inicia con un tema encantador que pronto es conducido hacia escenarios cromáticos o contrapuntísticos. la Novena sinfonía. 130-133 y 135. en las que Haydn transita por tonalidades como Sol bemol mayor. Schubert (Susan Youens). es esencialmente monotemático. pero también de apertura al futuro y. El texto de esa conferencia. de un modo por completo paradójico. el fruto maduro puede volverse inestable. áspero y desequilibrado. publicadas por Forkel. la editorial Artaria los publicaría en 1807 como op. con ideas que se yuxtaponen sin transiciones. sino más bien relacionada con la obstinación. cuya imagen tardía es la de un artista furioso y trastornado. Por tanto. dividida por ausencias o silencios. En adelante se generalizaría la noción de que los compositores reflejaban en sus obras tardías una especial madurez estética. No obstante. por lo tardío no tanto como armonía y resolución de una vida de esfuerzo estético. amargo. un discurso fragmentario. 77 nº 3. afirmaría Adorno en 1966 dentro de una conferencia radiofónica sobre el estilo tardío de Beethoven centrada precisamente en el comentario analítico y filosófico de los Cuartetos opp. En el caso concreto de Beethoven. tal y como hemos visto en la última composición comentada de Haydn. tal como planteó Theodor W.

lo importante es la seriedad de la que parte el compositor y la espiritualidad que alcanza tras renunciar a todo lo accesorio hasta el punto de llegar a la disociación y la desintegración del discurso musical. “Hammerklavier” como culminación del período medio. que era un gran amante de la música orquestal y disponía de un magnífico conjunto instrumental en su palacio. como el año 1800 para separar el período temprano del medio en la monografía de Wilhelm von Lenz (1852-1853). 130 en su versión original con la Grosse Fuge op. hay algún autor. solo el segundo y el quinto son ricos en alegría y finura. que el compositor llevaba consigo para poder comunicarse ante el irremediable empeoramiento de su sordera. las posibilidades de dividir la obra de Beethoven en varios períodos creativos son infinitas y resultan de gran utilidad tanto para el estudioso como para el melómano. El estilo tardío en Beethoven no debe verse. aunque nunca al tonal. el espíritu del final fugado pareció incomprensible. 127. tras asistir el 21 de marzo de 1826 al estreno del Cuarteto op. sino como una novedosa renuncia a lo afirmativo y al hedonismo musical que caracterizaría a la música del siglo xx. Así. Desde luego. 98. 123 como punto de partida del períiodo tardío y coloca a la Sonata para piano op.. el crítico de la Allgemeine Musikalische Zeitung. esta opción sitúa la gigantesca Missa Solemnis op. como la reacción de un hombre envejecido y sordo. Sin embargo. como el opus 100 que marca el inicio del período tardío en la biografía de Anton Schindler (1840). acerca de las que funcionan de bisagra entre el período medio y tardío. como Alexandre Oulibicheff. estudios podemos encontrar similares divisiones a partir de referencias cronológicas. junto a la Sonata para violonchelo y piano op. tal como apunta el pensador de la Escuela de Fráncfort. el estatismo tonal. como el de Michael Spitzer. Para Adorno. medio y tardío) y en sucesivos 52 . junto a los pioneros estudios de Gustav Nottebohm sobre los borradores del compositor (1865). escribió lo siguiente: “Los movimientos primero. 130-133 y 135 que escucharemos en este ciclo. especialmente. La monumental biografía en tres tomos de Alexander W. 131 y 132 que han sido profundamente desarrolladas por otros estudios posteriores. un escritor francés anónimo hablaba de tres períodos en la obra del compositor alemán (temprano. Esa disociación. esa idea fascinante de rupturas y discurso musicalmente agujereado que muestra el segundo tema del movimiento inicial del op.contrapuntística. op. 130. Esta renuncia es lo que otorga a esta música la referida seriedad que tantas veces se ha relacionado con la muerte y –efectivamente– hay tintes macabros en algunos movimientos de estos cuartetos. estatismo. aunque en la actuali53 Las primeras divisiones de la obra de Beethoven en varios períodos creativos o estilísticos son tan antiguas como el propio compositor. tercero y quinto son severos. como una escritura china”. pocos autores se ponen de acuerdo sobre las obras que representan los hitos en su desarrollo creativo y. los testimonios sobre la recepción de los últimos cuartetos muestran claramente las enormes dificultades del público más especializado para seguir las propuestas de Beethoven. como sucede con el Vivace del op.] Estos dos fragmentos fueron frenéticamente aplaudidos y repetidos como bis. Sin duda. los años que siguieron al estreno en 1824 de su Novena Sinfonía y que se centran precisamente en la composición de los Cuartetos opp. donde la jerarquía aparece diluida y encontramos la separación de acentos rítmicos de los armónicos que manifiesta la Cavatina del op. Para algunos autores fue el doloroso fracaso de su relación con la “amada inmortal” en 1813 lo que marcó el inicio de su período tardío. o los números de opus. Thayer (18661879). No obstante. que llegará mucho más adelante. Adorno aporta también varias características novedosas centradas en los Cuartetos opp. Sin embargo. De todas formas. por ejemplo. permitieron establecer criterios de periodización más precisos relacionados con sus datos biográficos o con la evolución de su proceso creativo. 102 o el ciclo de Lieder titulado An die ferne Geliebte (“A la amada lejana”). 130. la búsqueda de nuevos caminos a partir de 1802 se relacionó con la superación de la depresión que le produjo la noticia de su progresiva sordera y su crecimiento como sinfonista en la primera década del nuevo siglo se puso en relación con el mecenazgo del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz. es decir. 131). que propuso ya en 1857 una periodización más restrictiva pero no menos interesante al asignar únicamente los tres últimos años de vida del compositor a su período tardío. cuando su deterioro físico y mental motivó un mayor aislamiento social que se traduce musicalmente en obras más serias y espirituales. 106. el imponente movimiento final del Cuarteto op. pues hay movimientos en los últimos cuartetos que pertenecen estéticamente al periodo intermedio (por ejemplo.. 132. [. 133 como final. y ello afecta al principio formal clasicista de esta música. precisamente esa tendencia suele relacionarse con las Sonatas para piano opp. compresión y separación de lo popular y lo erudito es lo que diferencia claramente al Beethoven tardío de Haydn o Mozart. coincidiendo biográficamente con el inicio de los cuadernos de conversación. y la intensidad expresiva. 90 y 101. 132. la yuxtaposición de ideas sin apenas transiciones que podemos encontrar en el Presto del op. cobró una gran importancia estilística lo acontecido tras su traslado a Viena en 1792. Ya en 1818. 130. oscuros y místicos y al mismo tiempo extraños y caprichosos. otros autores sitúan el inicio del tercer período creativo de Beethoven en 1818. 131. Y es que. Por ejemplo. o la capacidad de compresión del contenido que manifiesta esa “fórmula mágica” con que se inicia el Presto del op.

127. “Serioso” (18101811) formarían parte de la etapa intermedia. ya puede suponer lo que significa el ‘debe ser’”. 130 dispone igualmente de un Andante tras el segundo movimiento o hace preceder el Finale de una Cavatina de nuevo en clara alusión a la vocalidad operística. Beethoven divide el op. En todo caso. 135. tantôt recherchée” (“Gran fuga unas veces libre. por tanto. 130 que Beethoven relegó tras la primera audición de la obra en marzo de 1826.dad siga defendiéndose la división en tres períodos. y esto es lo que me ha salido con mucha dificultad. donde se utiliza una convencional pero muy efectiva forma sonata. aunque el primero de ellos no lo terminaría hasta febrero de 1825 debido a la finalización de la Novena Sinfonía y la Missa Solemnis. 132 viene precedido 54 de un breve recitativo. 130-133 y 135 (1824-1826) claramente delimitan las tres fases de la producción beethoveniana. el fugato del movimiento lento podemos encontrarlo en el primer movimiento del op. en realidad. Mi mayor y Sol sostenido menor. otras rigurosa”). es en realidad el último movimiento de la primera versión del op. 95. 74. Beethoven había anotado 55 . Al final fue publicada por separado en mayo de 1827 con el título en francés de “Grande Fugue tantôt libre. en este caso. 131 en siete secciones sin solución de continuidad a partir de un complejo esquema tonal que parte de Do sostenido menor y regresa a esa tonalidad. o incluso de preceder el movimiento final con una breve introducción de textura vocal y aire operístico. una periodización de la obra de Beethoven resulta más o menos útil si nos detenemos a examinar un género musical concreto. el op. Por el borrador conservado del op. 127 es posible saber que Beethoven había planificado una obra en seis movimientos. el op. aunque el esquema previsto para el op. “Las arpas” (1809) y op. siguiendo el consejo del editor vienés Matthias Artaria. también conocido como Grosse Fuge o “Gran Fuga”. 132 y 130. sino también un ejemplo de la seriedad y espiritualidad que impregnan estos cuartetos y una música en que Beethoven utiliza el modo lidio tratando de evocar a su manera el pasado. hay autores que prefieren distinguir tan solo dos fases. Beethoven no volvería a interesarse por esta formación hasta junio de 1822. en este movimiento dispone dos frases melódicas repetidas. 132. Por su parte. pues las diferencias entre los seis Cuartetos op. un Beethoven heredero del pasado y otro modelador del futuro (algo que ya defendió el propio Liszt). también la idea de acotar la tesitura en la transición de un movimiento a otro. Tras el Quartetto Serioso. Beethoven retrasó más de cinco años su publicación y cuando la permitió no dudó en informar en una carta fechada el 7 de octubre de 1816 a Sir Georg Smart lo siguiente: “Este cuarteto se ha escrito para un reducido círculo de connoisseurs y nunca debe ser interpretado en público”. 18 (1800). el cuarteto se inicia con la exposición de una fuga en Do sostenido menor cuya resolución temática (y dramática) no llega hasta el último movimiento. La mayor. Esta obra ejemplifica con claridad la intención del compositor de unificar y condensar el fluir de una obra de principio a fin. ante un resumen casi místico de la vida y el pensamiento de Beethoven que culmina en el op. en el que el compositor suscribe cada uno de los dos motivos principales del Grave y el Allegro a una pregunta con su respuesta: “Muss es sein?”. “Es muss sein!” (“¿Debe ser?”. Estamos. la división en tres períodos resulta ideal a la hora de explicar la evolución de los cuartetos de cuerda. Para él escribiría los Cuartetos opp. Al final. 127. sino porque se lo había prometido y necesito dinero. La interpretación que suele dársele hoy a este movimiento ha dejado a un lado el trivial episodio relacionado con el pago de unos derechos al compositor para centrarse en la carta que escribió Beethoven al editor Moritz Schlesinger y en la que afirma lo siguiente: “Ya ve que soy un hombre infeliz. Por último. “¡Debe ser!”). Los Cuartetos op. tras pasar por Re mayor. un admirador de Beethoven y violonchelista aficionado que residía en San Petersburgo. se trata no solo de un agradecimiento a Dios por haberse recuperado de una grave enfermedad. tal como hace en el op. los tres “Rasumovsky” (1806) y los seis últimos opp. 131. en este sentido. mientras que convierte la tercera en un momento muy especial (introduce la indicación “Beklemmt” –“angustiado”–) en el que el violín intenta cantar pero su voz se quiebra una y otra vez. esto es. al tiempo que otros se enfrascan en complejas subperiodizaciones que distinguen dos periodos tempranos separados entre Bonn y Viena. dos fases intermedias afectadas por el referido intimismo o dos períodos finales jalonados por la Novena. había previsto la inclusión de un movimiento denominado “La gaieté” después del Adagio y un movimiento lento adicional que precedía al Finale. cinco meses más tarde recibiría un encargo de tres cuartetos de cuerda del príncipe ruso Nikolas Galitzin. Ya se ha indicado que el Finale del op. como la sensación de compresión que tiene ese mismo movimiento en el op. no solo este cuarteto era difícil de escribir. Ya en el movimiento inicial podemos reconocer características apuntadas en los cuartetos posteriores. 135 con un movimiento titulado “Der schwer gefasste Entschluss” (“La decisión difícil de tomar”). pero también dispone de un extenso Adagio adicional tras el segundo movimiento titulado “Heiliger Dankgesang” (“Canto sacro de acción de gracias”) que se convierte en el punto de inflexión del cuarteto. Si menor. constituye una ideal transición al estilo tardío. tal como sucede con el recitativo que precede al Finale del op. aunque el último de ellos. 133. optó por una estructura más convencional en cuatro movimientos. que escucharemos en este ciclo. 131. porque estaba pensando en hacer algo mucho mayor. 127 lo encontramos en los cuartetos siguientes.

culminando espectacularmente y a ritmo de tarantella. pidiera a su hermano Ferdinand poder escuchar el Cuarteto op. sobrevivió a la sífilis. hoy no se duda acerca de la promiscuidad de Schubert. como lo demuestra el hecho de que. sino más bien con un hedonista atormentado por sus pasiones venéreas y sumido en una profunda depresión motivada por una enfermedad que le llevaría a morir a los treinta y un años. op. este trabajo fue tan aceptado como denostado por numerosos estudiosos. al explicar que Bauernfeld tan solo pudo conocer las memorias de Cellini traducidas por Goethe y allí los jóvenes pavos reales se citan como parte de una dieta saludable para superar su enfermedad. Karl Nohl recoge esta anécdota y da testimonio de la gran impresión que produjo esa obra en Schubert: “¿Qué podemos escribir después de esto?” Son muchos los testimonios de admiración y homenaje hacia Beethoven en la biografía y la obra de Schubert. Y es que el compositor vienés ya no se asocia con el mito romántico del jovencito descuidado que murió prematuramente. 131 de Beethoven. en uno de los cuadernos de conversación durante una visita a su tío en el verano de 1823: “Ellos elogian a Schubert. 57 Un aluvión de despedidas Franz Schubert (1797-1828) apenas trató personalmente a Beethoven. tamente relacionada con su enfermedad. hemos conservado un poema suyo titulado “Mein Gebet” (“Mi plegaria”) fechado en mayo de 1823. la primera noticia sobre su enfermedad la encontramos en una carta que escribe al director de orquesta Franz von Mosel en febrero de 1823: “Por favor.ese mismo título –pero en italiano– en su manuscrito: “Grande Fuga. tanto libera quanto rigorosa”. a pesar de su vinculación con un círculo muy exclusivo de amigos masculinos. Al parecer. se trataba de un trabajo psicoanalítico a partir de numerosos testimonios en torno a la época del compositor que revelaban una doble naturaleza en Schubert: una mezcla de la gaieté vienesa y una profunda melancolía. 10 (D. 624) en compañía del editor Anton Diabelli y los apuros que pasó el joven compositor vienés al detectar Beethoven un pequeño problema en la obra. El estudio concluía con la hipótesis de que Schubert era homosexual y uno de los principales testimonios para esa afirmación. pueden reconocerse condensados en esta obra tanto la forma sonata como la fuga. uno de los más famosos y creativos artistas homosexuales de todos los tiempos y que. perdóneme si me veo obligado a molestarle tan pronto con otra carta. que es doble y se desarrolla tanto conjuntamente como por separado hasta la coda. Y es que. Las investigaciones publicadas en las últimas décadas sobre la vida privada de Schubert han reinterpretado su estilo tardío al profundizar en su personalidad. Schubert había contraído la sífilis al frecuentar varios prostíbulos. Ferdinand consiguió que el violinista Karl Holz reuniera a miembros del Cuarteto Schuppanzigh para realizar una audición privada de la obra el 14 de noviembre de 1828. En la poco fiable biografía beethoveniana de Anton Schindler encontramos documentada una visita de Schubert a Beethoven en 1822 para entregarle un ejemplar de las Variaciones sobre una canción francesa para piano a cuatro manos. una referencia que Solomon interpretó en relación con lo que sabemos hoy acerca de Cellini. pues Beethoven combina aquí el rigor de una fuga con una elaboración musical completamente libre. es imposible reconstruir la conversación entre Beethoven y su sobrino sobre el compositor vienés. Obviamente. curiosamente. de hecho. Un documento algo más fiable es la anotación que hizo Karl. también han podido documentarse affaires amorosos con Therese Grob y con la princesa Carolina Esterházy. Rita Steblin desmontó ya en 1993 muchos de los argumentos de Solomon y aclaró el episodio relacionado con los pavos reales de Cellini. pero se dice que él se mantiene oculto”. que por entonces comenzaba a ser conocido en Viena. De nuevo lo encontramos en la problemática biografía de Schindler y es un testimonio personal donde reconoce que mostró a Beethoven en su lecho de muerte los manuscritos de algunos Lieder de Schubert y éste exclamo impresionado: “Verdaderamente en Schubert está la chispa de la divinidad”. donde Beethoven yuxtapone las principales secciones de la posterior fuga en orden inverso. pero la razón por la que Schubert se ocultaba por entonces estaba direc56 . Ello sumió al compositor en una progresiva depresión que le llevó incluso a cultivar esporádicamente la poesía. se vio obligado a cancelar varias invitaciones sociales. No obstante. sobrino de Beethoven. cinco días antes de morir y ya postrado en cama. Un famoso estudio de Maynard Solomon inició en 1989 toda una discusión en torno a la sexualidad de Schubert. a finales de 1822. pero por razones de salud no puedo salir de casa”. quien en agosto de 1826 anotaba lo siguiente: “Schubert está fuera de sí (lo que necesita son ‘jóvenes pavos reales’ como Benvenuto Cellini)”. por lo que Schubert. aunque se piensa en una posible orientación bisexual pues. una enfermedad por entonces mortal y cuyos pacientes no solían superar los diez años posteriores a su diagnóstico. o un interior poético unido a un exterior hedonista. a pesar de vivir en Viena la práctica totalidad de su corta vida. Y es que la admiración que sintió Schubert por Beethoven fue perenne. le sigue la Fuga. la variación y hasta la suite de danzas: se inicia con una Ouverture. era habitual que un enfermo de sífilis apenas saliera de casa en las primeras fases de la enfermedad. Sea como fuere. Esa anotación alude claramente al universo de contrastes y antagonismos continuados al que nos enfrentamos en una audición de esta compleja partitura. por ejemplo. que aglutina prácticamente todo lo escuchado. procedía del diario del dramaturgo Eduard von Bauernfeld. que precisamente daba título al estudio. pero tan solo se conoce uno a la inversa.

804 o las Variaciones para flauta y piano sobre “Trocken Blumen” D. pues cada vez que me voy a la cama espero no volverme a levantar. portando una antorcha. llamado Ferdinand Hiller. pues no está documentado que colaborase con Johann Georg Stauffer. una soprano casada con un noble húngaro. y que en su profunda desesperación hace las cosas cada vez peor en vez de ir mejorando. disponiendo un gran contraste en el Trío. el 29 de marzo de 1827. al mismo tiempo. que consistía en alternar el consumo de chuletas de cerdo con la panada (algo similar a nuestra sopa de ajo). precisamente a través de las memorias de este joven estudiante. se refugió en el castillo de Eisenstadt junto a varios amigos y colegas hasta altas horas de la madrugada. dolor de huesos y unas molestias en el brazo izquierdo que le impedían tocar el piano. al igual que en el Andante con moto que le sigue. nunca conseguiré hallar la paz’ [cita el inicio de su Lied Gretchen am Spinnrade D. D. En enero de 1826. Schubert tenía poca técnica. 59 En este estado depresivo acometió Schubert la composición de su cuarteto más famoso: el conocido con el sobrenombre de “Der Tod und das Madchen” (“La muerte y la doncella”). El Scherzo adquiere un aire mendelssohniano. parecer ser que a Schubert le atrajeron las posibilidades tímbricas del instrumento. todo ello unido al consumo masivo de té y la toma de baños frecuentes. 810. D. de estas obras anotaría en un cuaderno lo siguiente: “Lo que he escrito es el resultado de mi comprensión de la música y las desgracias”. Bien podría cantar esto ahora todos los días. y estaban tan concentrados en su interpretación. cuyas principales esperanzas han desaparecido. no solo es uno de los más interesantes.. y yo pregunto: ¿no soy un ser miserable e infeliz? ‘Desapareció mi sosiego y el corazón me pesa. En marzo. 887. el Cuarteto Schuppanzigh realizó un estreno privado de su Cuarteto “La muerte y la doncella”. mucho más extenso y ambicioso que el anterior: el Cuarteto en Sol mayor. 821. Al término del mismo. y es el Allegro assai el movimiento más schubertiano. Un mes más tarde inició un tratamiento centrado en una dieta equilibrada. En enero de 1824. que ninguna de las magníficas composiciones que escuchamos habría sido posible interpretarlas con tanta claridad y. le produjeron lesiones en boca y garganta. A las penurias personales de Schubert se unían una y otra vez las profesionales derivadas de los problemas que tenía para estrenar y publicar sus obras. que es un encantador Ländler. y cada mañana solo recuerdo el sufrimiento del día anterior”. escrito en la tonalidad de Re menor y catalogado como D. como ya vimos. un movimiento lento que funciona de transición concebido como un Lied y un Finale basado en un motivo popular y en el que se muestran las posibilidades técnicas y tímbricas del nuevo instrumento siguiendo una forma de rondó. que le obligaron a llevar la cabeza rapada. aunque de existencia efímera. tal como lo demuestra una carta que escribe a su amigo Josef Kupelwieser: “Me veo como la criatura más infeliz y desgraciada del mundo. Schubert fue invitado a cenar con Katharina Lászny. al que la felicidad del amor y la amistad ya no tienen nada que ofrecerle sino a lo sumo dolor. El arpeggione era un especie de guitarra con arco inventado en Viena en 1814. Imagine a un hombre que no recobrará nunca su salud. donde la frivolidad y esos toques de opera buffa se combinan con momentos intensos y dramáticos. el inventor del arpeggione. transcripción de la parte de arpeggione para violín y violonchelo (con este último instrumento la escucharemos en este ciclo) y consta de tres bellos movimientos: un Allegro moderato con forma clásica de sonata. ya que combina el sentido lúdico de la vida con la tragedia de una enfermedad que terminaría antes o después con su vida. 802. y según testimonio del compositor Franz Lacher.El estilo tardío de Schubert. a quien el entusiasmo (al menos de la estimulante variedad) por las cosas bellas le está desapareciendo. puesto que su salud había empeorado rápidamente con la aparición de los síntomas del segundo estadio de la enfermedad. con veintisiete años recién cumplidos. participaron por entonces en la primera audición de los últimos cuartetos de Beethoven). Vogl poca voz. imagine a un hombre. llegaron a decirle a Schubert que se dedicase a los Lieder. tras el mismo no solo no consiguió editor para publicarlo. junto al anterior D. digo. No puede descartarse que Schubert visitase a Beethoven en su lecho de muerte. conocemos los detalles de aquella velada: “Un Lied siguió a otro. al que llegó con poco más de veinticinco años. La obra se publicó en 1871 con 58 . Después escribiría algunas obras para piano a cuatro manos y culminaría ese año componiendo en septiembre la Sonata para arpeggione y piano en La menor. sino también uno de los más contradictorios y fascinantes. y allí coincidió con Johann Nepomuk Hummel y un joven discípulo suyo de dieciséis años. sino que los miembros del Cuarteto Schuppanzigh (que. y donde el uso de bruscos cambios de dinámica aporta una energía adicional. Schubert estaba completamente deprimido. variados y creativos. 118 sobre un texto del Faust de Goethe]. con tal amplitud de miras”. lo que animó a Schubert a introducir varios cambios para el estreno oficial. Pero Schubert no cejó en su empeño y en junio de ese año escribió otro cuarteto (el último). Se inicia con una introducción que explora las posibilidades de los juegos modales menormayor y en el Allegro molto moderato propiamente dicho destaca la labor del violonchelo. Pocos días más tarde. se encontraba recluido en casa de su amigo Joseph Huber. pero juntos exhibían mucha vitalidad y sentimiento.. lo que sí está claro es que asistió a su funeral.

20/D. Andantino molto. Tampoco descuidó Schubert su obra para piano solo en su etapa final. Schubert había conseguido publicar en esos años su Rondó brillante para violín y piano. es un rondó que funciona casi como un tríptico. 929). organizado en una estructura liederista ABA y abierto con una bella cantilena en la cuerda. aunque para cuando Artaria fue a publicarlas en 1839. Y no solo estas obras. y donde se subraya mucho la distancia estilística entre el dinámico estribillo y el evocador episodio Andante. El Andante está basado en una canción sueca de Isaac Berg y adquiere un tono similar a los Lieder coetáneos del Winterreise. Schubert realiza dos intentos falsos de reexposición en Sol bemol mayor y Re bemol mayor. 99. aunque por el estudio del papel utilizado en el Nocturno D. El Allegro inicial fluye con gran soltura al disponer de tres temas y una sección de desarrollo muy inquieta tonalmente. Schubert escribió estas tres piezas pianísticas en mayo de 1828 y no serían publicadas hasta cuarenta años más tarde por mediación de Brahms y con títulos apócrifos llenos de imaginación literaria. que se encuentra fechado en noviembre de ese año. Schubert diferencia estilísticamente todo lo posible en la exposición cada uno de los dos temas y nos sorprende con un guiño cíclico al esbozar el tema del Andante justo antes de la reexposición. op. El Scherzo vuelve a tener chispa y encanto. 99 (D. op. 897. terminada en septiembre de 1828. sino que se considera la cima de toda su obra. 70 (D. Allegro moderato. que fue seguramente una primera versión descartada del movimiento lento de la obra. lo que hizo que hasta el crítico abandonara la sala antes de finalizar la obra. Consta de cuatro secciones que se tocan sin pausa: un Andante molto que se inicia con el tremolando en pianissimo del teclado y facilita el despliegue lírico del instrumento de cuerda. La última pieza. es posible concluir que fue escrito en el otoño de 1827 y prácticamente a la vez que el Trío para violín. Por último. El chispeante Scherzo vuelve a disponer de un meloso vals como Trío.De aquel encuentro surgió la admiración de Schubert hacia Hummel y también la dedicatoria de sus tres últimas sonatas pianísticas. sino otras muchas. 100 (D. violonchelo y piano en Si bemol mayor. Desgraciadamente. Hummel ya había fallecido. Fue el preferido de Schubert y lo incluyó en el concierto que se celebró con su música en Viena el 26 de diciembre de 1827. quienes la estrenaron en enero de 1827 (Artaria la publicaría poco después. violonchelo y piano en Mi bemol mayor. La primera. 956 no solo es la culminación del catálogo camerístico de Schubert. y la obra termina con una reexposición modificada y desarrollada al incorporarle dos nuevos pasajes: una nueva variación y una espectacular coda. 898). 306) y en él. como si no atinase con la tonalidad correcta. que supuso su 60 regreso a esa formación camerística tras diez años de abandono. El primero de los dos Tríos destaca. la tercera sección es un extenso tema con variaciones sobre el Lied Sei mir gegrüsst (op. 100 resulta mucho mejor cohesionado y se desenvuelve con mayor fluidez a pesar de tener mayores dimensiones. y algo similar hace en el segundo movimiento. y ambos se complementan con un enérgico Trío. el compositor vienés eligió duplicar el 61 . op. puesto que modula en una docena de ocasiones. En diciembre de ese mismo año. un Allegro en Do mayor. 159 (D. Sin embargo. en este caso la prensa vienesa fue muy dura con Schubert al juzgar que se había equivocado al “sobrepasar con mucho el tiempo que un vienés está dispuesto a dedicar a los placeres del espíritu”. esta obra había sido escrita para sus amigos. pretende sorprendernos al variarlo cada vez que aparece repetido. en el mes de abril). las Drei Klavierstücke D. En el Finale. a la que pertenecen sus siete últimas sonatas (y de forma especial las tres últimas que culminó tan solo unas semanas antes de su muerte) o sus dos famosas colecciones de impromptus. Schubert volvió a escribir otra obra para ellos: la Fantasía para violín y piano en Do mayor. 895). está estructurado en una simple forma ternaria y posee una clara identidad sonora para cada sección basada en la oposición de variedad y reiteración rítmica. Andante un poco mosso. En realidad. 946 deberían formar. En realidad. Allegro assai. 934). Para esta composición. hasta el punto de que puede situarse a la misma altura de los últimos cuartetos beethovenianos. junto con el Allegretto D. 99) de Schubert y los problemas de nuestra existencia humana desaparecen. y todo lo que nos rodea se vuelve fresco y brillante de nuevo”. además de por la luminosidad y frescura que le atribuye Schumann. un Allegretto. por lo que no disponemos de la fecha exacta de la composición. 915 una tercera colección de impromptus. Aparte de sus Tríos. al haber suprimido en el manuscrito el segundo episodio. La segunda pieza. en el primer movimiento. una vez más. del Trío para violín. en este caso con dos episodios que ahondan en los desesperados y melancólicos paisajes de su coetáneo ciclo de Lieder Winterreise. el Quinteto en Do mayor. Aunque esta Fantasía se publicó. le sigue un saltarín y virtuosístico Allegretto con evidentes connotaciones húngaras. se trata en realidad de una edición póstuma fechada en 1850. el virtuoso checo del violín Josef Slavik y el pianista Carl Maria von Bocklet. no se ha conservado el manuscrito de este primer Trío op. Por ejemplo. 741) de gran lucimiento para ambos instrumentos. D. mientras que el Allegro vivace final es una mezcla de rondó y forma sonata cuyo tema principal está inspirado en el Lied Skolie (D. op. por su haydniano afán por sorprender al oyente y entrar en interacción con él. vuelve a ser un rondó de perfiles muy contrastados. por lo que cambió la dedicatoria y eligió vomo destinatario a Robert Schumann en vista de la alta estima en que tenía estas composiciones de Schubert. El Trío op. Schumann escribió lo siguiente: “Un simple vistazo al Trío (op.

Dresde y Leipzig en la conmemoración del centenario de Goethe. o su estilo tardío propiamente dicho. acaba erigiéndose en un movimiento más de la obra. muchas de ellas consideradas obras cruciales de su catálogo. en Fa menor. Schumann se había convertido. dijo correctamente el tres. su “nueva manera” de componer declarada en 1845. la sinfonía. donde pudo escucharse el famoso ritmo del arranque de la Quinta Sinfonía de Beethoven. se llega transitando parajes escarpados y el dinamismo se recupera con el tercer tema a ritmo de marcha. Luego. Y ello le valió que su música para la escena final del Faust sonase en 1849 simultáneamente en Weimar. la Tercera Sinfonía. o la revisión de su Cuarta Sinfonía. segunda hija en un mesa. cuenta que en mayo de 1853 visitó al compositor y lo encontró leyendo compulsivamente un libro sobre “mesas parlantes”. Schubert tampoco consiguió interesar a ningún editor para publicar esta obra. ello quizá se deba a la influencia de Boccherini o bien al interés que había desarrollado por este instrumento en sus obras de cámara tardías. aunque no renuncia al pastoralismo con aires cinegéticos. pero destaca su impresionante suspensión temporal. cuando le pregunté por el número en que estaba pensando. Sin embargo. que se consigue por medio de una estática melodía en la parte central del conjunto. aun en el trance final de su vida. y tampoco sería estrenada hasta tres años antes. en 1852 y 1853 se celebraron ciclos de conciertos con música de Schumann 63 Nuevos caminos: Schumann y Brahms Robert Schumann (1810-1856) se pasó los meses previos a su colapso mental de finales de febrero de 1854 obsesionado con la doctrina espiritista que había nacido en Francia pocos años atrás. incluso llegaría a escribir un ensayo sobre el tema que no se ha conservado. que no vería la luz hasta 1853. el Adagio combina lirismo y melancolía. el Lied. e incluso había llegado a prometerle a la mesa que le compraría un mantel más lujoso. pues organizaba sesiones de espiritismo a todas horas y con todo tipo de personas. Entonces dije. el contraste con la atormentada sección central del movimiento. en esa ciudad renana culminaría en tres años nada menos que una cincuentena de composiciones. Al segundo tema. como el Concierto para violonchelo. le confesó con una mirada fantasmal que las “mesas” lo sabían todo y comenzó a practicar con la ayuda de su 62 .. Entre todos los testimonios que existen sobre su interés por el espiritismo destacan los de Wilhelm Joseph von Wasielewski y Ferdinand Hiller. que era director de orquesta y compositor (y había sido discípulo de Hummel. El desarrollo se centra en estos dos últimos temas y la reexposición resulta bastante libre. todo ello ha terminado afectando profundamente a la consideración del estilo tardío de Schumann y ha habido varios estudiosos. ‘Pero el tempo es más rápido. “Renana”. los jalones de la carrera artística de Schumann no ofrecen mayores dificultades: su reorientación desde la música pianística al Lied en 1840. como hemos visto con anterioridad) estaba más abierto a las ciencias ocultas y llegaría a invocar con Schumann al espíritu de Beethoven para mantener con él una curiosa discusión acerca del tempo precisamente del inicio de su Quinta Sinfonía: “Al final empezó [. que es acompañada por figuras repetidas en el primer violín o pizzicati en el segundo violonchelo. Nos quedamos maravillados”. el concierto. para culminar en una deslumbrante coda. concertino de la orquesta de Düsseldorf. Su esposa Clara estaba encantada de ver a su depresivo marido tan animado. Por su parte. Su estructura se sitúa a medio camino entre el rondó y la forma sonata. y lo repitió al tempo correcto.. En el enérgico Scherzo opta por una textura más orquestal. que tocan los violonchelos a dúo con enorme encanto y tranquilidad. Y en el Allegretto final renace el Schubert más optimista y populachero con un primer tema inspirado en aires húngaros y otro más melódico que evoca la música de los cafés vieneses. De hecho. Por su parte. En realidad.violonchelo en vez de la viola como habían hecho en el pasado Mozart y Beethoven. y en las que abordó prácticamente todos los géneros que había cultivado hasta el momento. es ciertamente impresionante. la principal novedad aquí es el Trío que. El primero. John Daverio ha defendido que el estilo tardío de Schumann no rompe por completo con la trayectoria estética del compositor y Laura Tunbridge ha abierto un nuevo camino hacia el estilo tardío del compositor de Zwickau dejando al margen este tipo de prejuicios relacionados con su enfermedad mental. amigo de Schumann y con el tiempo también su biógrafo. no obstante. que han relacionado la ambigüedad e irregularidad de algunas de sus últimas composiciones con su estado mental. El Allegro ma non troppo inicial se abre con un interesante experimento de textura y color al exponer el misterioso tema inicial como cuarteto de cuerda convencional y después prescindiendo del primer violín. como el ciclo poético para piano. tal y como queda reflejado en su último cuarteto o en los dos tríos con piano. en el principal compositor de Alemania.] pero demasiado lento en un principio. año de su boda con Clara Wieck. Y es que. al mismo tiempo. querida mesa’. En la actualidad. Schubert prefirió escuchar uno de los últimos cuartetos de Beethoven antes que su propia música. este tipo de obsesiones daban una imagen de Schumann de cierta inestabilidad psíquica y tanto ella como Wasielewski pensaron que este tipo de obsesiones fueron las primeras manifestaciones de su demencia. por extensión e independencia estilística. Hiller. tras la reciente muerte de Mendelssohn. que coincide con su traslado en 1850 desde Dresde a Düsseldorf. Concretamente. como Peter Ostwald. la música de cámara o el oratorio.

y la obra se cierra. Schumann llegaría a escribir una obra más para violín y piano. op. que sería revisada en 1853 y estrenada en público por Joseph Joachim. que comenzó alabando a Brahms y terminó en el bando progresista de Liszt y Wagner) o su caracterización en numerosos ensayos especializados como un compositor amanerado que se había quedado anticuado. las biografías prefieren ahondar en su demencia antes que subrayar el reconocimiento que llegó a cosechar en esos años previos a su internamiento en el sanatorio de Endenich. es posible que con ella se refiera a Clara como su ideal de belleza. Gesänge der Frühe. quien. A esta curiosa obra. si bien tampoco puede descartarse que simplemente pensase en la Diotima de Friedrich Hölderlin. que había sido su propio discípulo en Leipzig a principios de los años cuarenta. De hecho. A mediados de octubre de ese año inició también la que sería su última obra para piano. La relación de Schumann con Wasielewski también animó al compositor a escribir sonatas para violín y piano. le añadió ese mismo mes dos movimientos más para completarla como su Sonata para violín y piano nº 3. le dictó un tema sobre el que escribió unas variaciones (Thema mit Variationen für das Pianoforte. 65 El origen de las Märchenbilder para viola y piano. Jesu Christ. WoO 24) y que culminó en su intento de suicidio. aunque también muestra una progresiva carencia de poder espiritual y una menor plenitud de ideas. El primer movimiento tiene una evidente influencia como punto de partida de la Sonata “Kreutzer” de Beethoven. los músicos del momento tenían obras suyas en repertorio (aparte de Clara. según parece. se inicia con el acompañamiento en pizzicati del violín. a la hora de tratar el estilo tardío en Schumann. terminada a comienzos de octubre de 1853. la traición de algunos amigos (como el crítico Richard Pohl. publicaría varias monografías sobre el tema) y ello animó al compositor a utilizar la viola para representar la ensoñación de la épica romántica. escrita en colaboración con su alumno Albert Dietrich y Johannes Brahms para homenajear a su amigo el violinista Joseph Joachim utilizando las iniciales de su lema personal como motivo musical: Frei Aber Einsam (“Libre pero solitario”). eran un todo un éxito comercial. 113 hay que buscarlo en la fascinación de Schumann por los cuentos de hadas. Joseph Joachim. la conversión de la Neue Zeitschrift für Musik que él mismo había fundado en un manifiesto wagneriano y antischumanniano. que terminaría por convertirse en su Tercera Sonata: me refiero a los movimientos segundo y último de la curiosa Sonata F-A-E. le sigue un breve rondó lleno de vivacidad cuyo solemne tema principal con ritmos punteados se contrapone a 64 .tanto en Leipzig como en el Festival del Bajo Rin. sus ediciones de música doméstica (o Hausmusik). y al poco de llegar a Düsseldorf. En 1850. invitó al violinista Wilhelm Joseph von Wasielewski a que se uniera a su orquesta como concertino y ello lo convirtió enseguida en un habitual de la casa de los Schumann. en los años sesenta y setenta. cuya publicación quedó relegada hasta 1956. en fin. En el Finale la tensión no decae en ningún momento y Schumann trenza una forma sonata con desarrollo canónico que para Eduard Hanslick tiene un cierto toque picante. el último con un planteamiento canónico. a lo largo de los años cincuenta se publicó su biografía o vieron la luz monografías sobre algunas de sus composiciones. La obra. por último. el tercero es un moto perpetuo con un desenfadado intermedio. Jenny Lind. pero también puede que fuera la poetisa Bettina von Arnim. Sin embargo. concretamente. El scherzo que sigue resulta ser un curioso precedente del estilo brahmsiano. Wasielewski. que le hizo una visita en esas fechas. pero también con sus complejas relaciones con las autoridades de Düsseldorf. que incluye una enigmática cita a Diotima. WoO 27. con una extensa canción de cuna cantada prácticamente a la par entre la viola y el piano. op. que se inició con alucinaciones auditivas y obsesivas relacionadas con el coral Ein feste Burg o su insistente contacto con el espíritu de compositores muertos como Schubert. terminó siendo dedicada a Ferdinand David y publicada cuando Schumann se encontraba ya internado en Endenich. casi como si fuera un eco del movimiento anterior. Entre septiembre y noviembre escribió dos sonatas que fueron estrenadas privadamente por el violinista con Clara al piano. Conviene aclarar igualmente que Schumann sufrió crisis maniacodepresivas asociadas a un trastorno bipolar durante buena parte de su vida y las razones de que se intensificaran en Düsseldorf hay que relacionarlas con su exceso de trabajo. 133 (“Cantos del alba”). el paso de este movimiento al siguiente. aunque aquí Schumann supera a su primera sonata al integrar con más habilidad los dos instrumentos por medio de un fluido empleo del contrapunto. pero también por la viola. op. cuya evocación convive con un homenaje muy personal a Bach. un encantador tema con variaciones sobre el coral luterano Gelobet seist du. era un experto conocedor de la historia y particularidades de los instrumentos de cuerda (más tarde. como el Album für die Jugend. 121 sería admirablemente redactada por Schumann en menos de una semana. sendos episodios de gran fluidez. me refiero a Ferdinand Hiller. la filósofa que aparece en El banquete de Platón y que conceptualiza el amor platónico. arrojándose al Rin en medio de la algarabía del Carnaval. cuya presencia le fue prohibida durante su internamiento en Endenich. aunque no renuncia al encanto poético de Schumann. Anton Rubinstein o Julius Stockhausen). Todo ello contribuyó a un rápido declive. la Sonata para violín y piano nº 2. La obra fue compuesta en marzo de 1851 y consta de cuatro partes con formas bien definidas y secciones bien contrastadas: se abre con un movimiento moderado con una estructura ABA en la que se oponen con evocadora armonía las tonalidades de Re menor y Fa mayor.

El primer canto. en Estiria. “¿No lo ve usted? ¡Ahí va la última ola!”. el último de la vida del compositor hamburgués. deseos. sin embargo. hasta Margaret Notley ha llegado a plantearse si Brahms tuvo realmente un estilo tardío. 93 al 96 o terminando la composición de los Zwei Gesänge (“Dos cantos”) op. exclamó. preguntó Brahms. El compositor hamburgués representa la desilusión de finales del siglo xix y también la noción adorniana de “envejecimiento” musical. y. en concreto. No obstante. Resultan conmovedoras las dos últimas imágenes que tenemos de Schumann: la litografía de Henri Fantin-Latour titulada Le dernier thème de Robert Schumann y la descripción que hace Wasiliewski de su última visita a Schumann en el sanatorio. 18). es decir. Con tan solo dieciocho obras publicadas (el estudio llega hasta el Sexteto nº 1. especialmente cuando su etapa final coincidió con la de toda una época que iba a ser arrollada por los nuevos vientos del modernismo. a lo largo de la segunda mitad del siglo xix. en la que se trataba de los compositores considerados seguidores o miembros de la “escuela” del compositor de Zwickau. donde dedicó parte del tiempo a poner al día su catálogo de Lieder. titulado Gestillte Sehnsucht (“Anhelo aplacado”). sobre un texto de Friedrich Rückert. musicales y filosóficas en sus últimas composiciones. resulta algo más convulsa. Richard Sprecht recoge lo sucedido en el verano de 1896. mientras que los especialistas actuales han visto ese mismo estilo como tremendamente elaborado. quien tuvo la última palabra: “Eso está muy bien.la amada idealizada a la que dedicó varios poemas. donde pudo verlo improvisar compulsivamente al piano. precisamente ese cambio de mentalidad coincide con el momento en que muchos historiadores comenzaron a ver los últimos cuartetos de Beethoven como el clímax de su obra y. op. Brahms residió en Mürzzuschlag. Pero recuerdo que fue Brahms. acerca del declive y la decadencia de la música. Geistliches Wiegenlied (“Canción de cuna sacra”) es un cantarcillo a la virgen de Lope de Vega recopilado y traducido al alemán por Emanuel von Geibel dentro de su Spanisches Liederbuch que Brahms convier67 . cuando el compositor contaba veintinueve años. pero Mahler de repente le cogió del brazo y. Es un buen símbolo del eterno movimiento en la vida y el arte. Schumann continuaría con el acompañamiento pianístico de los Caprichos de Paganini. dentro de una serie de artículos de Adolf Schubring publicados en la Neue Zeitschrift für Musik que formaron parte de una sección llamada “Schumaniana”. doctor. es decir. El segundo. sino también una espiritualidad desconocida en su catálogo de canciones. algo debió de suceder en torno a 1884 o 1885. Después de concluir estas piezas en el sanatorio de Endenich. os removéis”). organizando las colecciones que van desde el op. cuya densidad va aumentando paulatinamente. “¡Mire. entre el estreno y publicación de su Tercera Sinfonía y la composición de la Cuarta. pues la mayoría de las observaciones derivan del mismo tronco. ¿Acaso el colapso del cuerpo conlleva la decadencia del espíritu? nada fácil marcar el inicio de su etapa final e. pasando por la evocación de Brahms en la segunda y la cuarta o la monotonía rítmica de la tercera. que modula a Re menor “Ihr Wünsche. de toda una época. cuando los críticos coetáneos comenzaron a percibir un nuevo estilo en su obra que resultaba más asequible. die ihr stets euch reget” (“Vosotros. mire!” “¿Qué es lo que quiere que mire?”. tanto su biógrafo Karl Geiringer como el propio Adorno coinciden en que el aire otoñal o la constricción expresiva a menudo atribuidas a sus últimas composiciones en numerosos estudios afectan a muchas más composiciones que las cronológicamente ubicadas en su estilo tardío. lo tardío dejó de ser considerado históricamente como un síntoma de decadencia para convertirse en algo positivo. 91: dos Lieder muy especiales en los que Brahms añade una parte de viola obligada a la formación de contralto y piano que no solo aporta un colorido especial. De hecho. superando con su inspiración divina las limitaciones de su averiada conciencia. La división de la obra de Brahms en varios períodos se inició en una fecha tan temprana como 1862. pero quizás aquello que más importe sea si la ola muere en el mar o en una ciénaga”. de la percepción compartida de diferencias estéticas. incluso. WoO 25 y también escribiría cinco Romanzen para violonchelo y piano cuyo manuscrito Clara destruyó al considerar que no le hacían justicia. La obra consta de cinco piezas que parten de la sencillez de un himno matutino de la primera hasta la solemnidad coral de la quinta. apoya la línea vocal o la enriquece con figuraciones barrocas y cuya sección central. que sabemos que no cesará. presenta una forma casi simétrica en la que la viola introduce y cierra la obra. como era habitual. No resulta fácil delimitar el estilo tardío en Brahms. no resulta 66 Durante las vacaciones de 1884. durante un encuentro con el joven Gustav Mahler en Bad Ischl: “Brahms comenzó discutiendo. Y es que. por extensión. Notley concluye que el estilo tardío es una categoría significativa que va mucho más allá de la artificialidad o las divergencias que plantea cualquier construcción en torno a la obra de Brahms. apuntando hacia el río que pasaba por allí con la otra mano. * * * En su clásica biografía de Johannes Brahms (1833-1897). Schubring sería capaz de distinguir hasta tres etapas distintas en su producción.

la huida de la naturaleza y el amor de los hombres”. Ich wandte mich und sahe an alle (“Me giré y vi a todos”). En los dos primeros. En cuanto al cuarto. evoca el contenido del poema con una melodía vaporosa y refinadísima. El timbre a medio camino entre la dulzura y la melancolía resultaba ideal para representar su estado de ánimo. junto a las sinfonías Tercera y Cuarta. el sufrimiento y las miserias humanas. junto al Lago de Thun. Immer leiser wird mein Schlummer (“Mi sueño es cada vez más apacible”). los Lieder op. noble y elegante caracteriza el Intermezzo op. siendo como fue un concertista de piano durante la mayor parte de su vida. tras una breve reexposición. termina en una coda lenta que parece improvisada. 118 nº 6 con un tema elaborado a partir del Dies Irae gregoriano. Por su parte. Clara Schumann definió el Intermezzo op. que Brahms pasó en Hofstetten. Bien es verdad que los conciertos para ese instrumento. opone la amargura y la resignación por medio de una milagrosa transición a Mi mayor sobre el verso “O Tod. que contrasta con una sección central heroica e intensa. sobre un texto de Hermann Lingg. vuelve a presentar una forma simétrica con el episodio central también en modo menor y con la repetición de la introducción con la viola a modo de coda. El canto elegíaco fluido. Richard Mühlfeld. lieber Joseph mein. en palabras de Georg Knepler. Sin embargo. De hecho. después de tomar esa decisión. 68 En Brahms sorprende que. Denn es gehet dem Menschen wie dem Vieh (“Porque al hombre le pasa como al animal”). pero termina encontrando la paz al final. Desde 1853 no volvería nunca más a escribir una sonata y cuando. aunque para la mayoría estos cantos serios constituyen en realidad su testamento espiritual. que inicia especialmente a partir de 1891. prácticamente su “canto del cisne”: los Vier ernste Gesänge (“Cuatro cantos serios”) op. el 7 de mayo 1896: “Fíjate el regalo tan bello que me he hecho”. O Tod. que utiliza un poema de Detlev von Liliencron. Precisamente ese camino desde la tragedia a la resignación también lo encontraremos en el último ciclo de Lieder de Brahms. 114. escuchó en marzo mientras descansaba unos días en Meiningen al solista de clarinete de la orquesta de la corte. Por otro lado. regresó a la composición para piano llevaba desde 1879 sin añadir una sola obra a su catálogo pianístico. resulta mucho más trágico e intenso. le sigue una segunda sección acórdica en modo mayor y. representa el Vanitas vanitatum del Eclesiastés con una estructura da capo y acompañamiento de piano de aire organístico en cuya armonía trata de evocar el fabordón por medio de terceras y sextas. 117 nº 2. qué bien haces al necesitado!”). en 1892. muerte. hay que enmarcar estas piezas dentro de su proyecto personal de poner orden a su obra. Wenn ich mit Menschen. Brahms evoca el lado trágico de la muerte: en el primero. la composición de cuatro obras camerísticas tardías con ese instrumento como protagonista. “un estado de ánimo que mezcla el dolor y la serenidad. dedicase tan pocas composiciones a su instrumento.und mit Engelszungen redete (“Si yo hablase con lenguas de hombres y de ángeles”) en Mi bemol mayor representa el triunfo de la idea del consuelo cristiano. 116 al op. muerte. que dos años atrás había homenajeado al compositor. como reacción sentimental al breve affaire que mantuvo con la joven cantante Hermine Spies. y después de haber terminado su Quinteto de cuerda nº 2 op. 116 nº 4 marca el grado de novedad de estas piezas finiseculares que suenan a veces como improvisaciones oníricas cuyo halo poético se aproxima a Debussy. en el segundo. lo que le animó a iniciar ese mismo verano en Bad Ischl. Auf dem Kirchhofe (“En el camposanto”). A comienzos de 1891. El primero. qué amarga eres!”). violonchelo y piano op. cuya bella melodía surge al principio de una escritura basada en arpegios entrelazados. pero destaca por su riqueza y concentración melódica. 105 surgieron en el verano de 1886. se trata de un ciclo en el que el compositor hamburgués se concentra más en el contenido melancólico y su evocación que en poemas de autores conocidos. con el Trío para clarinete. le dijo a uno de los presentes. Brahms decidió que era el momento de terminar de poner orden en su obra y retirarse para siempre. En el segundo. tiene una factura aparentemente sencilla. Se trata de una serie de cuatro Lieder sobre textos de la Biblia traducida por Lutero que Brahms dio a conocer a sus allegados en su última fiesta de cumpleaños. wie bitter bist du (“¡Oh. la música de cámara o los Lieder. wie wohl tust du dem Dürftigen” (“¡Oh. Las veinte piezas pianísticas que comprenden las cuatro colecciones que van desde el op. 111. sobre un poema de Klaus Groth. Wie Melodien zieht es mir (“Es como si las melodías”). están dedicados a la memoria del padre del escultor Max Klinger. En el tercer canto. constituyen un diario íntimo en el que Brahms representa. a los que ya había puesto música con anterioridad. El cuarto. por lo que pidió al clarinetista que le mostrase todas las posibilidades de su instrumento. La muerte irrumpe desnuda y misteriosa en el inicio del Intermezzo op. la esperanza y la resignación. 119 fueron escritas por Brahms durante los meses veraniegos de 1892 y 1893 en Bad Ischl y constituyen claramente su testamento pianístico. resulta una obra casi hipnótica por el uso que hace de la disonancia y cuya estética se aproxima a los albores del expresionismo. modulando a Do mayor y citando un coral de la Pasión según san Juan de Bach. 119 nº 1 como una pieza “dulcemente triste” que evoca el color de una perla opalescente. habían ocupado toda su labor artística. evoca con gran intensidad la muerte. El Intermezzo op.te en una bella canción de cuna en la que hace uso de la mecedora melodía del coral Joseph. 121. Son todas ellas composiciones desconcertantes por su aparente 69 .

op. El tercer movimiento. Estas dos sonatas las escucharemos en este ciclo en la versión alternativa para viola que publicó Fritz Simrock en 1895 dentro de la primera edición de ambas composiciones. más proclive a la soledad y a centrarse en las obsesiones íntimas. En relación con el Quinteto para clarinete y cuerda en Si menor. funciona como una especie de intermezzo cuyo carácter movido conduce al Finale. que corre pareja al reconocimiento público. cuyos temas principales derivan uno del otro. que tiene estructura de scherzo. Brahms lograría en ambas profundizar todavía más en esa aparente sencillez que evita cualquier demostración de virtuosismo o exceso de expresividad en favor de la evocación poética y el intimismo. que encontramos a lo largo de toda la obra. incluye numerosas reflexiones interesantes escritas por el propio pianista de origen australiano en las carpetillas de los discos. 120. un poco Adagio está compuesto en forma ABA y también hace gala de una libertad melódica que pretende evocar lo onírico. se percibe una mayor elaboración y contraste. En el Allegro appassionato. pero siempre dentro de un fluir continuo. es lo que el crítico vienés Richard Hirschfeld denominó en su reseña tras el exitoso estreno vienés de esta obra el “claroscuro de la tonalidad [. en la Sonata en Fa menor.. tras exponer en orden los tema escuchados en la exposición. y que recientemente fue publicado en un cofre de noventa y nueve cedés. con el tema inicial de los tres que conforman la forma sonata..] que mantiene al oyente en suspense”. La Sonata en Mi bemol mayor. le sigue un Adagio en Si mayor en forma ABA que se inicia con un maduro y asentado canto de amor liderado por el clarinete cuya sencillez en los extremos contrasta con el melancólico canto zíngaro de la sección central. si bien la poética aparición del clarinete en el compás quince confirma nuevamente el tono de Re. que plantea una serie de variaciones sobre un tema en apariencia sencillo que prácticamente camina por grados conjuntos. Durante el verano de 1894. El corazón apesadumbrado: Franz Liszt Además de figurar en el Libro Guinness de los Récords. 115. pero en la entrada de la viola y el violonchelo en el tercer compás comprobamos que estamos en realidad en Si menor. op. pero con un mayor número de ideas secundarias. o dispone un equilibrio ideal en las proporciones al prever la misma extensión para cada una de las secciones. el enciclopédico proyecto fonográfico dedicado a toda la obra pianística de Franz Liszt (1811-1886) realizado en el sello Hyperion por Leslie Howard entre 1986 y 1998. Y es que. op. concluye con una apertura a otras posibilidades melódicas o con una vuelta al principio. se trataría de un tercer período que alcanza todo artista tras una primera fase de preparación y una segunda de maestría e individualidad. que relacionan lo tardío con un período menos preocupado por las relaciones personales. Tal fue así que muy pocas de sus obras tardías fueron interpretadas en concierto o publicadas durante su vida. el estilo tardío surge en la obra de Liszt cuando abandona su posición de Kapellmeister en Weimar en agosto de 1861 y. Desde ese momento. El Andante.sencillez que. en una carta dirigida a Camille Saint-Saëns fechada el 19 de julio de 1869 afirma lo siguiente: “En la actualidad 71 . Al Allegretto inicial en forma sonata. pero donde se oculta una exquisita y fecunda elaboración temática y construcción formal. aunque tiene forma de scherzo. efectivamente. cuando llega a Roma en octubre de ese año para dedicarse a cultivar su fe religiosa. en esa tercera fase la comunicación con el público se vería reemplazada por la meditación en soledad. quizás en ello resida la contradicción arriba comentada entre los críticos coetáneos de Brahms y los estudiosos actuales a la hora de retratar las características del estilo tardío del compositor hamburgués. En realidad. Este efecto. con un Trío central más estático. y hasta el final de su vida. Y le sigue el Finale. seguidos de un desarrollo simplificado y en el que prácticamente tan solo se utiliza el tema de la introducción. sencillez e intimismo que se refleja ya en los primeros compases de la obra. pero que se elabora con gran refinamiento a la hora de repartir el protagonismo en cada variación o crear efectos tonales de “claroscuro”. de forma especial. el espíritu atribulado de Brahms por la muerte de varios amigos volvería a interesarse por el clarinete en las que serían sus últimas obras camerísticas: las dos Sonatas para clarinete y piano op. 120 nº 1 el primer movimiento presenta seis temas bastante emparentados entre sí. donde se antepone a lo melódico. esconden una cuidadísima factura llena de innumerables detalles que ciertamente abren nuevos horizontes. Por ejemplo. El tercer movimiento tiene dos secciones. algo especialmente evidente en el desarrollo. para terminar con una reexposición donde la obra toma aliento y. su obra adquiere un enorme grado de introspección y una gran despreocupación acerca del destino de la misma. 120 nº 2 parte del mismo planteamiento de evocación. en realidad. no hay más que examinar los primeros compases de la introducción: se inicia la obra en Re mayor con los dos violines. que Brahms redactaría ese mismo verano de 1891. que es un jovial 70 rondó con algunas libertades y con episodios bien diferenciados. Y la obra concluye su estructura tripartita con un Andante con moto que conjuga un sencillo tema con una serie de variaciones desarrolladas. un Andantino y un Presto. Brahms aboga por un planteamiento más austero en cuanto al desarrollo temático. Howard explica el estilo tardío de Liszt a partir de los estudios del psiquiatra inglés Anthony Storr. pero con numerosas licencias.

la elusión de cadencias confortables. 201. Scriabin o incluso a Schoenberg o Bartók. que Wagner utilizó en el preludio de su ópera Parsifal. 215 de los cuatro que compuso Liszt. como el tercero de los Années de pèlerinage. además de las danzas. 73 . Schlaflos! Frage und Antwort (“¡Insomnio! Pregunta y respuesta”). 203 fue inspirado en 1883 por un poema de Antonia Rab que no conservamos. 208 con la que retrata el lado más diabólico del infortunio y que se inicia de forma muy sencilla pero efectiva con un empleo sorprendente del tritono y de los intervalos aumentados. trage ich tiefe Trauer im Herzen. cuyo título es un homenaje a la Danse macabre de su amigo Camille Saint-Saëns. o que le cuesta encontrarlas. que anticipan efectos asignados más habitualmente a Debussy. las canciones se vuelven más sombrías y las texturas que utiliza se tornan sobrias y hasta constreñidas. son las obras religiosas y las pertenecientes a grandes colecciones. W. que permite también la utilización de un arpa ad libitum). se trata de un lamento al estilo húngaro dedicado a su admirado compositor Mihály Mosonyi en un tono tremendamente sombrío. una reacción a la noticia de la inesperada muerte de Wagner en la que se mezclan el dolor con la grandeur. su obra coral será a pequeña escala y sin acompañamiento orquestal. es lo que escribió el compositor en 1883 a su biógrafa Lina Ramann: “Wie Sie wissen. incluso en las obras más vinculadas al concierto público. y en la que Liszt se adentra hasta los límites de la tonalidad sin llegar a ser atonal. limitada a una simple línea melódica en la mano derecha que evoca el tema del primer vals de Mefisto. sie muss hie und da in Noten ertönend aufbrechen” (“Como usted sabe. se trata de dos miniaturas que reflejan quizá su lado más oscuro y que al mismo tiempo exhiben su música más futurista: la impresionista Trübe Wolken o Nuages gris (“Nubes grises”). consiste en la transformación de un tema cromático hasta que encuentra una tonalidad en la que poder descansar. y donde combina una melodía nacional húngara con la experimentación tímbrica del piano desde el toque más percutivo al efecto más evocador. y Unstern! Sinistre. Liszt escribió su Vierte Mephisto-Walzer (“Cuarto Vals de Mefisto”) S. la suite El árbol de Navidad o los Retratos históricos húngaros. pero devolviéndole el cumplido al citar al final de esta pieza el tema de las campanas de la misma ópera (la escucharemos en la versión para cuarteto de cuerda. 194. se inicia con el tema de Excelsior!. Más revelador aún. como el uso de armonías avanzadas o la directa ruptura de la tonalidad. enigmática y hasta hipnótica que admiraron Debussy o Stravinsky. fechado en 1881 con la intención de escribir una danza que olvida sus características. En ellas encontraremos ideas que van más allá de los confines del Romanticismo. y Am Grabe Richard Wagners (“En la tumba de Richard Wagner”) S. S. una pieza concisa. sin pensar lo más mínimo acerca de su difusión. 202. 696 siguiendo la habitual forma ternaria. la libertad formal. que escucharemos en su versión para viola y piano. Al año siguiente. Liszt reduce drásticamente su música sinfónica o le da una orientación religiosa y. como los Vals Mefisto y las Rapsodias. En marzo de 1885. pero sin perder su aura de nostalgia. Las obras para piano solo más interesantes de este período. Poco después escribió una obra mucho más futurista. que compuso unos meses más tarde en conmemoración del que habría sido su septuagésimo cumpleaños. En este último período creativo. y que algunos especialistas han relacionado con el futuro Webern. ya sea durante mi vida o después”. el compositor ahonda en el cromatismo y en la oposición modal mayor y menor hasta hacernos perder el horizonte tonal que se acrecienta al dejar un final abierto. lo inicia la viola sola con la indicación de Andante malinconico y la obra evoluciona hacia una mayor intensidad. y tiene que manifestarse de vez en cuando sonando en forma de notas”). Liszt escribió las Csárdás macabre S. disastro. La más temprana de las piezas que escucharemos data de 1870 y es Mosonyis Grabgeleit (“Procesión fúnebre de Mosonyi”) S. La palabra “oubliée” volvemos a encontrarla en el primer Valse oubliée S. en este caso el vals aparece tras una misteriosa introducción en staccato y va intensificándose hasta estallar en una sección marcada como appassionato fortissimo y luego comienza a diluirse (resulta muy significativa la indicación que anota Liszt en esta obra: “Tóquese de forma elegíaca y no tanto como un vals”). De 1883 datan también dos obras inspiradas por la muerte de su yerno Richard Wagner: R. S. 199. S.no me preocupo de mis composiciones más allá de la escritura de las mismas. 224. sobre todo de cara a la pequeña muestra del opus ultimum de Liszt que escucharemos en este Liceo de Cámara. Supongo que si tienen algún valor será reconocido en algún momento. aunque en 1885 la revisaría para incorporarla a sus Retratos históricos húngaros. 72 En 1881 también escribió dos piezas difíciles de clasificar. quizás en sustitución de ésta. En él contrapone una brillante escritura en octavas en las secciones extremas a una central. la desnudez sonora o hasta el desvanecimiento en el silencio. llevo una profunda pesadumbre en el corazón. De 1880 es la Romance oubliée S. que denomina Espressivo. aunque Liszt la publicó también para dúo de piano y violín o violonchelo (en realidad fue la respuesta que dio el compositor a un editor que quería reeditar una antigua Romance). 216a. 527. S. que se conoce como Bagatelle ohne Tonart (“Bagatela sin tonalidad”). – Venezia S. tras culminar el oratorio Christus en 1872. el preludio de la cantata Die Glocken des Strassburger Münster (“Las campanas de la catedral de Estrasburgo”).

como sucedió con el Trío para violín. T. escrito en 1899. 116 de 1878 fue el resultado de un encargo del pianista. incluso los mejores de Mozart los escribió entre 1789 y 1790. Y. afirma Vincent d’Indy en la biografía de su maestro César Franck (1822-1890) publicada en 1909. lo que hizo que pocos años después fuera relacionada con las tendencias musicalmente más modernas. un ejemplo fue Arnold Schoenberg (1874-1951). 64 (1855). y continúa: “No hay ningún ejemplo. para que tenga alguna importancia. para Bedřich Smetana (1824-1884). de un buen cuarteto fechado durante su juventud. debe ser una obra de madurez”. la tercera sección representa la reacción del hombre y su tristeza. op. 131 que surgió de nuevo por el interés de Procházka por promocionar la música del compositor checo. iniciada en la primavera de 1889. al valerse no solo de la dramática tonalidad de Re menor sino también del empleo de un programa que determina un discurrir musical determinado. Mendelssohn y Brahms. pero también le reportó alguno de sus éxitos públicos más relevantes. Se inicia con un Allegro de aparente estructura clásica de sonata. Tal como confesó el compositor por carta. la obra fundamental del estilo tardío de Smetana es su Cuarteto nº 2 en Re menor. centro y periferia La música de cámara. La obra concluye con una coda que adopta la forma de un himno a la naturaleza y a la redención del amor en la que se respiran aires wagnerianos. se impone otro movimiento rápido que se inicia de forma alocada con el trémolo de los cuatro instrumentos. le sigue un breve desarrollo y únicamente la reexposición del segundo tema. y el resultado fue un ejemplo único en la tradición de la música de cámara al utilizar un programa. A continuación un Allegro moderato. entre otros. quien no solo estudió con gran interés esta obra de Smetana. Esta cita dice claramente mucho más del prestigio póstumo de Beethoven que de Mozart. tras estudiar profundamente los cuartetos de Beethoven. el insomnio. sino también un argumento fácilmente identificable para el público. D’Indy trata de introducir con su comentario el Cuarteto en Re mayor. cuando el compositor tenía treinta y tres años. De hecho. para terminar. plasmada en la tonalidad de Mi bemol menor. “Z mého života” (“De mi vida”). el 19 de febrero de 1877. Mozart no podía saber al abordar sus Cuartetos “Prusianos” que tan solo le quedaba un año de vida. a la que se unía su sordera. el joven compositor vienés estudió a fondo también el primer cuarteto de compositor checo y la huella de ambos es posible detectarla en su sexteto Verklärte Nacht. aforístico. Cuando uno espera un movimiento lento. a Josef Srb: “En esta obra he querido representar en música el discurrir de mi vida”. y una mezcla de ambos. algo hasta ese momento reservado al repertorio sinfónico. donde se combina con una sombra de amargura una polka rústica y una encantadora dumka. consta de cuatro movimientos. aunque esté más cerca de una fantasía en torno a tres temas: angustiado y violento el primero. y que culminó en enero de 1890. un Presto algo desequilibrado pero con aromas de polka y en el que Smetana utiliza como tema principal el aria de Rarach de su ópera Čertova stěna (El muro del diablo). Este cuarteto. estuvo motivada por una tragedia como la muerte de su hija Bedřiška a la tierna edad de cuatro años. era ya muy avanzada”. violonchelo y piano en Sol menor. En la primera se sitúa a la pareja en una fría arboleda a la luz de la luna. las alucinaciones o los mareos del compositor checo tan solo le permitían componer pequeños segmentos de música y ello quizá determinó que la obra tuviera un estilo más cortante. plácido y tranquilo el segundo. Schoenberg se centra en representar musicalmente la evolución de los sentimientos antes que en narrar simplemente la historia y divide la obra en cuatro secciones y una coda. en otros casos. tal y como ya se ha señalado. que acababa de fundar en Praga una institución permanente de música de cámara para cuyo concierto inaugural. sigue la confesión de la mujer. 4. Sin embargo. en la que se incluye el angustiado tema principal y su tormentoso desarrollo. que aportó no solo una estructura muy personal a cada movimiento. perteneció siempre a su esfera más íntima. sino que incluso afirmó que le había abierto nuevos caminos. y esa edad. que no puede ocultar la huella de los últimos cuartetos de Beethoven. al que sigue un fugato interrumpido una y otra vez por los referidos trémolos. compositor y promotor Jan Ludevít Procházka. T. denso y concentrado. * * * “El cuarteto de cuerda. el programa está basado en un poema de Richard Dehmel en el que se relata la conversación entre un hombre enamorado y su mujer cuando esta le confiesa que está esperando un hijo de otro hombre. No obstante. T. En realidad. en lugar del scherzo. En alguna ocasión. quiso programar un cuarteto de Smetana. la última obra camerística de Franck.Precursores y epígonos. meses antes de su fortuita muerte atropellado por un coche 75 . pues mientras los últimos cuartetos del primero se convirtieron en la segunda mitad del siglo xix. 74 Los aspectos novedosos de este cuarteto tuvieron una importante recepción entre los jóvenes compositores del momento. en su caso. Schubert. en el paradigma del estilo tardío de cualquier compositor. que coincidieron con un empeoramiento progresivo de su enfermedad depresiva y mental. el tercero. en la cuarta se produce un inesperado cambio a Re mayor cuando el amor del hombre le permite superar el trance y escuchamos el tema principal transfigurado. como sucede con su popular Cuarteto nº 1 en Mi menor. Smetana invirtió en la obra los años 1882 y 1883. incluso entre los músicos de genio.

inspirada en “Dios” (la forma en que solía nombrar a Beethoven). Por su parte. El tercer movimiento. que aparece marcado como Allegro ben moderato y funciona como introducción. Dans un emportement douloureux constituye el marco sentimental de la obra. que era una de las invitadas a la ceremonia. los tres últimos movimientos de la obra fueron estrenados de memoria y completamente a oscuras por Ysaÿe y Bordes-Pène. Desgraciadamente. M. Precisamente. que estuvo presente. incluye en realidad dos movimientos en uno. en 1886. Allegro. se opone un ambiente misterioso y mendelssohniano en forma de moto perpetuo constantemente interrumpido frente a un Trio más tranquilo y apasionado que reaparece nuevamente en la coda. en diferentes movimientos. la hija de su amigo Franz Liszt. se inicia con un tema tierno y melódico que conforma el estribillo de un rondó de melancólicos episodios. Lekeu inició la composición de su Cuarteto con piano en enero de 1893. Ben moderato. “donde miles de sentimientos chocan. Ysaÿe encargaría otra obra similar a uno de los mejores alumnos del belga y que. dejando incompleto su Cuarteto para cuerda y piano en Si menor. M. nada más terminar su Sonata para violín. en la que perseguía lograr una cohesión absoluta entre todos los movimientos a la par que una total unidad de conjunto sin que ningún instrumento fuese protagonista o estuviera subordinado. Recitativo fantasia. dos años más tarde falleció de resultas de unas fiebres tifoideas. Ysaÿe se había quedado fascinado con la personalidad musical de Lekeu tras escuchar Andròmede. que Lekeu escribió con tan solo veintidós años. cada uno con sus propios temas. se refiere a la técnica que Franck desarrolló a partir de 76 Liszt y que consistía en el uso de un mismo tema. ante la prohibición que había de utilizar luz artificial en el lugar. Poco lento – Allegro. tras su muerte. encontramos una forma sonata con el desarrollo muy simplificado y cuyo apasionado segundo tema deriva del motivo cíclico. curiosamente. El Larghetto que sigue. La misma mañana del enlace del violinista belga con Louise Bourdeau de Coutrai. al inicio escuchamos el intenso motivo principal expuesto por el piano sobre un siniestro tapiz de la cuerda y al que más adelante opone otro más 77 . 8 que escribió tres años antes. La Sonata para violín y piano en Sol mayor. Ambos la estrenarían en público en diciembre de ese año en el Musée Moderne de Peinture de Bruselas como colofón a un maratoniano concierto que se había iniciado a las tres de la tarde. y que es lo primero escrito por Franck de esta obra. Intentaría con esta nueva composición crear una forma nueva y personal de música de cámara. En el segundo movimiento. escuchamos por vez primera el motivo cíclico expuesto por el violín. y el compositor los combina con nuevas ideas en una brillante forma sonata. constituye una de las creaciones más personales del compositor belga. Al inicio del Finale vuelven a sonar los temas principales de todos los movimientos precedentes. pocos días más tarde. 9 de Franck presenta una estructura en cuatro movimientos. es un rondó cuyo tema principal deriva del motivo cíclico que se expone en forma canónica.de caballos cuando. aunque en orden inverso. el novio optó por estrenar su regalo y tocó la sonata a primera vista junto con la pianista Marie-Léontine Bordes-Pène. Eugène Ysaÿe y Matthieu Crickboom. donde gritos de sufrimiento siguen a largas llamadas de felicidad”. el origen de la obra parece ser que estuvo en una sonata que planeó escribir en 1858 para Cosima. no por casualidad había confesado que su credo musical se resumía en la expresión: “Me mato por poner en mi música toda el alma”. D’Indy en su referida monografía de 1909 califica esta obra de Franck como “el modelo más refinado de uso cíclico de temas en una sonata”. Aunque el éxito de esta obra fue el más importante que tuvo Franck en toda su vida. que antepone en ella el lirismo a cualquier consideración formal y construye a partir del tema cíclico un onírico recitativo entre los dos instrumentos. el Très animé. Scherzo. según testimonio de Vincent d’Indy. iba a cumplir sesenta y ocho años. cuyo segundo movimiento sería completado por su maestro D’Indy. había proseguido sus estudios con Vincent d’Indy: Guillaume Lekeu (1870-1894). el compositor no renuncia a incluir un motivo cíclico que reaparecerá al final de la obra y que escuchamos al principio expuesto por el primer violín en fortissimo sobre la indicación molto largamente e sostenuto. Durante el verano de ese año pudo concluir el primer movimiento. En el segundo movimiento. Según dejó Lekeu por escrito. su principal obra camerística sigue siendo la Sonata para violín y piano en La mayor. al inicio del primer movimiento. como regalo de boda para el violinista Eugène Ysaÿe. el movimiento final. cuando llegó el momento de tocar la obra de Franck ya se había hecho prácticamente de noche y. El primero. pero transformado. indicado como Allegretto poco mosso y uno de los más populares de Franck. que fue estrenado privadamente con la intervención de los dos violinistas a quienes está dedicada la obra. Seis años después de la Sonata de César Franck. es su obra maestra y en ella combina un equilibrio muy personal entre el material musical y la temperatura expresiva y espiritual. El estreno se celebró el 19 de abril de ese año en los conciertos de la Société Nationale en la Salle Pleyel y fue un éxito impresionante: el compositor tuvo que comparecer en escena ante un público entregado y a la salida confesaría a sus allegados: “¡Parece que el público empieza a comprenderme!” El Cuarteto en Re mayor. recién casado por entonces con el director de orquesta Hans von Bülow. el 26 de septiembre de 1886. Al igual que vimos en el cuarteto. el poème lyrique con que había ganado el segundo Premio de Roma belga en 1891.

si fue por presiones familiares. 79 . Le sigue el Andante cantabile e con moto con forma ABA y bellamente cantado por violín y violonchelo con acompañamiento de pizzicati. estaba muy satisfecho. Lent et passioné. aunque paradójicamente se trata de un movimiento que emana tranquilidad y resulta emotivamente sobrio. por el contrario. se trata de un ejemplo de la música más radical y desoladora jamás escrita por Tchaikovsky. pero lo cierto es que esta ruptura desató en el compositor ruso una furia creativa que situó sus últimas composiciones en una esfera diferente. El Cuarteto en Sol mayor marca un alejamiento de los elementos musicales de su estilo americano hacia unos contornos más clásicos. 106 (B. por la ópera. un rápido aleteo y un descenso en tresillos. que redacta entre el 11 de noviembre y el 9 de diciembre de 1895. cuyo primer tema resulta de la peculiar combinación de dos saltos. El tema principal es una ardiente y lírica plegaria de ecos populares que incluye una bella alternancia de modo mayor y menor. En 1887 había hecho una promesa a la Sociedad de Música de Cámara de San Petersburgo de componer una obra en agradecimiento por su nombramiento como miembro honorífico. la filántropa Nadezhna von Meck escribió su última carta a Piotr Ilych Tchaikovsky (1840-1893) y en ella ponía fin a su mecenazgo por supuestos problemas económicos. El Adagio ma non troppo es uno de los momentos más bellos de la obra camerística del compositor checo. según confesó a su hermano Modest. para tomarse un respiro y escribir esta obra apasionada. un músico nada proclive en halagos a colegas compositores. se interesa por la música programática y. pero lo terminará después del op. especialmente. La primera obra que escribe a su regreso es el Cuarteto nº 13 en Sol mayor. 78. en realidad. 106 ya de vuelta en Praga (de ahí esa curiosa paradoja en el número de opus). que conforma una brillante forma sonata en la que el compositor inserta en la reexposición una fuga a seis voces de la que. en el desarrollo. en el que Lekeu pretende “mostrar al amor como fuente de dolor”. op. pero no fue hasta 1890. que plantea un increíble reto al oyente y en la que podemos reconocer algunos ecos de lo que sería poco tiempo después su Sinfonía “Patética”. tiene el carácter de un nocturno. para luego seguir el resto de la forma sonata con alguna licencia personal. si realmente estaba teniendo problemas económicos o si fue como consecuencia de la tuberculosis que ella había contraído. sin embargo. el nº 14 en La bemol Mayor. luminosa y encantadora en cuatro movimientos. y tras un viaje a Florencia y la culminación de la ópera Picovaya Dame (La dama de picas) cuando Tchaikovsky encontró el momento. 105 (B. Nunca ha estado claro si esa ruptura estuvo motivada por el escándalo social relacionado con la noticia de que Tchaikovsky era homosexual. yor influencia folclórica rusa: el Allegro moderato. Un ejemplo de esto último lo encontramos en el inicio del Allegro moderato. Los dos movimientos finales tienen ma78 El arranque del estilo tardío en Antonín Dvořák (1841-1904) suele asociarse con el regreso a Praga en abril de 1895 tras su estancia americana. Ese juego se traslada a todo el movimiento con una densidad de escritura nuevamente orquestal que culmina en un clímax indicado como Grandioso y donde los cuatro músicos interpretan el tema en sonoros acordes. había empezado en Nueva York el que sería su último cuarteto.lírico. y el Allegro vivace final. En octubre de 1890. un regreso a los aromas checos y un avance hacia planteamientos musicales más concentrados. La obra termina con un Finale con forma de rondó. Al mismo tiempo. “Souvenir de Florencia” fue la última composición de Tchaikovsky que escribió bajo el mecenazgo de Nadezhna von Meck y también su última partitura de música de cámara. especialmente el segundo de ellos. escribió sobre este joven malogrado lo siguiente: “Este Lekeu es el único músico que conozco que realmente ha sido inspirado por Beethoven”. Dvořák añade una intensidad e incandescencia casi orquestal. Se inicia con un Allegro con spirito que arranca sin introducción y con ímpetu con una forma sonata y tres temas engarzados como si de una impetuosa coreografía se tratase. 192). que funciona como un intermedio. Un ejemplo de ese furor es la balada sinfónica Voyevoda op. D’Indy consideró siempre a Lekeu como un genio y no dudó en terminar su obra póstuma (intervendría también en el último movimiento de su temprana Sonata para violonchelo de 1888). y aun orquestales. concretamente en junio. El Sexteto en Re menor op. op. el segundo tema se parece más a una canción con fragancias checas. A pesar de sus convicciones contra la inmadura juventud. que inició precisamente en los días en que recibió esa trágica misiva de su benefactora. y en el que Tchaikovsky cultiva esa ecuación musical idealmente rusa de nostalgia y vivacidad rítmica. tras el estreno de la obra cambió de idea y atribuyó ese final al declive de su poder creativo. El segundo movimiento. con ese aire encantador de canción popular checa. introducido por un breve y vaporoso Andante sostenuto que parece improvisado y tiene claras reminiscencias del estilizado furiant checo. se trata de una etapa en la que contempla los elementos checos con una renovada mirada. que fue concluido por D’Indy. y a consecuencia de la cual moriría unos meses más tarde que Tchaikovsky. 193). Incluso Claude Debussy. que recuerdan al último Beethoven. 70. El tercer movimiento es un scherzo de brutales acentos rítmicos con dos tríos que suponen un contraste melódico.

En alguna biografía de Reger se ha retratado a este compositor con la famosa sentencia de Walt Whitman: “I am vast. y que no desdeñan ninguna posibilidad estética. En 1909. un tema con variaciones que es un claro homenaje a su admirado Johannes Brahms. fagot y piano. 146 no solo es un buen ejemplo de la referida tercera corriente. La primera de la colección fue la Sonata para violonchelo y piano. en las que el compositor bávaro diseña un esquema de sonata neobarroca en cuatro movimientos lento-rápido-lento-rápido que llena de una música sencilla e intemporal. las dos compuestas en modo menor. para iniciar un proyecto con el editor Jacques Durand que consistía en componer seis sonatas para diversos instrumentos como homenaje a los maestros franceses del siglo xviii: “Nada puede excusarnos de haber olvidado la tradición inscrita en la obra de Rameau. En cierto modo. para trompeta. No puede sostenerse hoy sin más que Max Reger (1873-1916) fuera un epígono tardío de Bach. y la última iba a combinar todos los instrumentos utilizados en las cinco anteriores. escucharemos en este ciclo dos de las tres Suites para viola op. en su reciente monografía sobre el tema. La obra se inicia con un Prologue. op. en este caso. de esos modernos en dificultades con los tiempos modernos. Inicialmente pensó titularla “Pierrot enfadado con la luna”. su reencuentro y puesta al día del clasicismo mozartiano. muestra cómo las obras escritas por el compositor francés en torno a los años de la Gran Guerra coinciden con las dos definiciones que hemos visto de estilo tardío. En mí habitan multitudes”). Debussy insistió en publicar cada obra bajo el título conjunto de Six Sonates pour divers instruments (“Seis sonatas para diversos instrumentos”) y firmarlas con su nombre seguido de la muy significativa apostilla musicien français. aunque con su estructura completamente alterada. al igual que sucede con la mayor parte de los compositores del siglo xx. op. Ese mismo año de dolor y sufrimiento. En cierto modo. concretamente. y que mantiene las proporciones de un allegro de sonata. Por otro lado. su obra fue capaz de combinar relecturas de estos tres compositores que no desentonan con una época que caminaba de forma decidida hacia el modernismo. en diciembre de 1915. este compositor bávaro es la personificación del antimoderno. El Quinteto para clarinete y cuerda en La mayor. pero añadiendo un lenguaje nuevamente sencillo. que datan igualmente de 1915. que el compositor denominó precisamente “estilo de Jena”: la corriente neobarroca que se manifiesta en su predilección por el estilo fugado y en la que retomó con nuevas miras la obra de Bach. Debussy avisa en la partitura al pianista que no debe luchar contra el violonchelo. situando el scherzo tras el primer movimiento. sin aparentes contrastes y donde también halla cabida algún destello impresionista. al que sigue un tiempo lento y. lo rugoso. áspero y desequilibrado de su lenguaje tardío lo encontramos en su ballet Jeux (1912-1913) junto a esa voluntad deliberada de ir contra las convenciones musicales establecidas. sus Sonatas para diversos instrumentos (1915-1917) o sus Estudios para piano (1915) muestran un espíritu de reconciliación y una voluntad de aportar algo a una tradición que le precede. I contain multitudes” (“Soy inmenso. sino acompañarlo. 143. lo que muestra su fascinación o quizás identificación con este personaje de la commedia dell’arte que en su versión francesa era un mimo triste y cuya máscara escondía a un ser lleno de anhelo y deseos insatisfechos. y en las que el compositor combina la sencillez clásica con ecos de expresividad cromática. En la obra de Reger confluyen tres corrientes que se intensifican en su etapa tardía. lo que muestra el protagonismo que tiene en la obra. que no se dejan simplemente seducir por lo moderno. que combina nobleza y melancolía. combinando lo neoclásico con lo decadente y otoñal. y especialmente después de su retirada en 1913 a la ciudad turingia de Jena. las tres que no pudo concluir iban a ser para oboe. trompa y clave. clarinete. Debussy fue diagnosticado de cáncer y la enfermedad avanzó los años siguientes hasta que. cuando su música adquiere un aire más equilibrado y menos pretencioso. la parte de violonchelo está llena de efectos como pizzicati con portamentos o armónicos que evocan el sonido de la guitarra o la flauta. sino que constituye además su última composición terminada en marzo de 1916. A la segunda corriente de inspiración neoclásica pertenecen las doce pequeñas piezas para piano tituladas Träume am Kamin (Sueños junto a la chimenea). Sigue una Sérénade que quizás evoque al desventurado Arlequín dándole un serenata a la indiferente Colombina. que se mantienen siempre alerta. Aunque tan solo pudo completar las tres primeras sonatas del proyecto. Marianne Wheeldom. 80 Musicien(s) français No resulta fácil definir el estilo tardío de Claude Debussy (1862-1918). Reger parte de los antecedentes en este tipo de formación escritos por Mozart y Brahms. sin embargo. tan solo dos meses antes de su repentina muerte. requirió una operación y comenzó un tratamiento con radiación. y el estilo posrromántico de herencia brahmsiana y cromatismo postristanesco que le hizo acercarse al expresionismo de Schoenberg. Como ejemplo de la primera corriente.si bien añade a modo de contraste reminiscencias de la introducción y de temas ya escuchados en los movimientos precedentes. llena de hallazgos geniales casi únicos”. Debussy retomaría la composición. El Finale se inicia sin pausa 81 . que Debussy escribió casi como un arrebato entre finales de julio y principios de agosto de 1915. Mozart o Brahms. La estructura sigue el esquema habitual de las obras camerísticas de Reger. un año antes de su muerte. Por un lado. tras más de un año sin escribir prácticamente nada. 131d que Reger escribió en 1915.

120 por el conjunto formado por Alfred Cortot. Se inicia con un Allegro ma non tropo en forma sonata con dos desarrollos. Jacques Thibaud y Pablo Casals. pero quizás optó por escribirlo siguiendo el ejemplo de César Franck que. El compositor de Pamiers. está formalmente a medio camino entre el Lied y el rondó. En su caso. pues es introducido por una sección cuyo tema principal parece ser una cita del famoso ““Vesti la giubba” de la ópera Pagliacci de Leoncavallo. El Finale es un scherzo que resulta bastante contradictorio. en 1920 incluso tendría el honor de recibir la Gran Cruz de la Legión de Honor. escribió entre 1922 y 1924 dos obras maestras con las que culminó su catálogo: el Trío con piano op. que habría de situarse entre el primero y el segundo. que contaba setenta y ocho años y tenía numerosos achaques como esclerosis. los dos temas de la exposición son muy melódicos. no puede decirse que el estilo tardío determinase una reconciliación o una ruptura: simplemente siguió adelante en una asombrosa progresión creativa. Se inicia con un Allegro vivo que. aunque enseguida vuelve a enfundarse el disfraz y todo vuelve a la normalidad. ese año se retiró del Conservatoire 82 . pero Fauré mantuvo su habitual orden de empezar por el movimiento lento durante el verano de 1923. Fauré odiaba el verismo y se ofendió mucho cuando le preguntaron por ello tras el estreno. incluso con procedimientos canónicos. y el estreno se celebró en mayo de ese año en la Salle Gaveau de París en la que sería la última aparición pública del compositor. a medio camino entre el ostinato rítmico y la edulcorada melancolía. también escribió su único cuarteto al final de su vida. presenta un sensual y misterioso pasaje central que evoca un ambiente vaporoso a través de efectos en el instrumento de cuerda y cierta suspensión temporal. El movimiento añade y elabora dos temas más. a menudo son el producto de una mente oscura y malhumorada. op. La obra termina con un Finale (Très animé) en forma de rondó cuyo tema principal gira sobre sí mismo y fue explicado por el compositor a su amigo Robert Godet con esta palabras: “Ten cuidado a partir de ahora con las obras que parecen habitar los cielos. siguiendo el encargo del editor Jacques Durand. El compositor francés no pudo retomar el proyecto hasta finales de 1916. La composición fue lenta debido a su estado de salud. como una serpiente que se muerde la cola”. 121. pero ya convertido en una persona muy enferma y mermada. pensó en trabajar en una serie de obras que coronasen su catálogo: la Sonata para violonchelo y piano nº 2. y. el ciclo de canciones L’horizon chimérique y el Nocturno nº 13. Tras empezar a tener importantes achaques se recluyó y. y que le ocuparía los meses de septiembre y octubre de 1915. seguía en plena forma a nivel creativo. algo bastante excepcional en un músico. Andante. resulta un movimiento de perfil inquietante y diálogo sobrenatural. Así. es posible que fuera en 1920. Debussy abordó inmediatamente la siguiente obra del proyecto. El Andantino que sigue presenta una forma ABA y hace gala de una gran inspiración lírica y emotiva. con la original combinación instrumental de flauta. 121 fue la última composición de Fauré y también el último género camerístico importante que le faltaba por cultivar. 14). siempre lo había evitado con el fin de eludir comparaciones con los cuartetos de Beethoven o Brahms. 120 consta de tres movimientos. ¿hasta dónde llegará?” Esta pregunta se hicieron varios amigos de Gabriel Fauré (1845-1924) en junio de 1923 tras la exitosa interpretación de su Trío para violín. que termina dialogando de forma más intensa con los dos instrumentos de cuerda. El Finale tiene una estructura muy 83 * * * “Si vive hasta los cien años. 115. como vimos. Tras la Sonata para violonchelo y piano. violonchelo y piano op. arpa y viola. se diferencian principalmente por la extensión y son manejados con gran invención en los dos desarrollos. la operación y la radioterapia. si hay que marcar un año de comienzo del estilo tardío en Fauré. el Quinteto con piano nº 2. En realidad. tan solo en la parte central del movimiento hay un pasaje con la indicación “Con morbidezza” en el que se representa la angustia y la soledad. El segundo movimiento. está construido sobre dos temas muy melódicos entre los que apenas hay contrastes. el finale de esta sonata dispone de una curiosa deformación al participar en el juego con un tema simple que se vuelve una y otra vez sobre sí mismo. El Trío para violín. 120 y el Cuarteto de cuerda op. la sección central le confiere el protagonismo al piano. violonchelo y piano en Re menor. tras exponer sus dos temas. el tercer movimiento tardó casi un año en escribirlo e incluso dejó algún esbozo para un cuarto movimiento. después vendría su recaída de diciembre. 117. La obra se inicia con un Allegro moderato que vuelve a tener dos desarrollos y una coda. op. op. op. El Cuarteto de cuerda en Mi menor. La composición de su Sonata para violín y piano abarcó los meses de febrero y marzo de 1917. El Intermède (Fantasque et léger) es un movimiento muy irónico. problemas respiratorios y hasta algo de sordera. Siguieron homenajes en La Sorbona en presencia de las principales autoridades y éxitos importantes gracias a sus óperas Pénélope y Prométhée o al Réquiem. seguido del inicial (en el que reutilizó material temático de su juvenil Concierto para violín op. a sus setenta y cinco años.alguna y mantiene el ambiente jovial con ecos de Parfums de la nuit de Iberia. pero al final regresa victoriosa esa supuesta cita de Leoncavallo que se escucha todavía con mucha más claridad.

el compositor recuerda la anécdota: “Pareció que la tierra se abrió de golpe cuando se lo dije. ¡Cómo me regocijo con ello! Allí estaré solo contigo. que concluyó en marzo de 1944. corrió y se detuvo de nuevo. aunque el material temático se acerque más al de un rondó o incluso un scherzo. y con ello cambiaría también la dedicatoria: de la inicialmente prevista al Cuarteto Húngaro se pasaría al Cuarteto Kolisch. de 1928. lo consideran más avanzado que los cuartetos de Debussy o Ravel. Una vez escuchada esta idea. pero durante su exilio estadounidense sí que llegaría a aceptar el encargo de un joven violinista llamado Yehudi Menuhin y de él acabaría surgiendo la Sonata para violín solo (Sz. El Finale arranca con una danza rústica que es interrumpida por citas de los movimientos anteriores o de la ópera Katia Kabanová hasta que llega ese impresionante final con trémolos alocados y disonantes que representan esa impactante imagen del compositor en éxtasis con su corazón arrancado. que en algunas progresiones y crescendi refleja una tensión casi alucinatoria y culmina en una coda tan irresistible como desconcertante. y está construido con gran virtuosismo a partir de dos temas expuestos por la viola que retratan el estallido del amor en medio de los vapores del balneario. que se celebró el 12 de junio de 1925 en el Conservatorio de París. la Misa Glagolítica (1926) y la Sinfonietta (1926). inquietantes y grotescos. la zorrita en La zorrita astuta (1924) o Emilia Marty en El caso Makrópulos (1925). los diferentes estados de ánimo del compositor cuando se declaró a su amante. con la que mantuvo una relación amorosa extramatrimonial desde 1917 hasta su muerte. Se trata de la última obra importante del compositor húngaro. 117). en el cuarto movimiento. No obstante. la composición más relacionada con esta historia de amor entre el sexagenario Janáček y la veintañera Stösslová es el Cuarteto nº 2. que fue el que la estrenó. se inicia con una mecedora melodía de aire eslavo que se vuelve cada vez más nerviosa o evoluciona hacia 84 Las dos últimas composiciones camerísticas de Béla Bartók (18811945) estuvieron marcadas por el inicio de la Segunda Guerra Mundial. ella sería la inspiradora de los papeles principales de tres de sus óperas: Katia en Katia Kabanová (1921). la tonalidad asociada con Katia Kabanová en la ópera homónima. el ritornello se impone y ello paraliza la obra. en la escritura del conjunto muestra su interés por conseguir efectos tímbricos sorprendentes para expresar sus sentimientos. en la que se introducen cuartos de tono en los violines y todavía es mayor el contraste con el ritornello. Kamila Stösslová. Sin embargo. la música queda como suspendida y camina lentamente hacia un irremediable abismo donde una última cita del ritornello sirve de despedida. En una carta. mientras seguía un tratamiento contra la 85 . Sin embargo. Lo he llamado ‘Cartas de amor’. Molto tranquillo. como Harry Halbreich. JW VII/13. de repente. mientras veraneaba en Saanen en casa de Paul Sacher y la concluyó en noviembre. aunque en algunas ocasiones adquiere mayor protagonismo. cuando el compositor ya se había trasladado a Nueva York. El propio compositor explicaría por carta a su amante los planes de esta nueva obra con total detalle: “He comenzado a componer algo hermoso que contendrá nuestra vida. el tema principal del Vivace parece derivar en un principio de la idea temática del ritornello. El Adagio que sigue está en la tonalidad de Si bemol menor. presenta un insistente lenguaje ostinato unas veces desnudo y otras intenso. Concretamente el Cuarteto de cuerda nº 6 (Sz. Moderato. tocada por la viola o el violonchelo a modo de ritornello al principio de cada uno de los cuatro movimientos de la obra y que se indica como “Mesto” (“melancólico”). Por ejemplo. Bartók ya no escribiría más cuartetos. como.clara de forma sonata. Vientos del este (y del oeste) El estilo tardío de Leoš Janáček (1854-1928) estuvo marcado por una mujer. por ello suele considerarse que este cuarteto constituye su testamento musical y algunos estudiosos. Un instrumento tan solo será el narrador durante toda la obra: la viola d’amore. Al final de la composición. Janáček optaría por titular su nuevo cuarteto “Cartas íntimas” para evitar el escándalo y optaría por reemplazar la viola d’amore por una viola convencional. En la Marcia expone el ritornello el violonchelo con trémolo de violines y sigue un movimiento que opone la ironía de la marcha a una especie de amanerado pregón. ensangrentado y palpitante sobre su cabeza. la inició en agosto de 1939. aunque en realidad proviene del final del “più mosso pensante” intermedio y evoluciona hacia una forma sonata inspirada en aires folclóricos que mezcla sones nerviosos. “Cartas íntimas”. Fauré no vivió para asistir al estreno de esta obra. 114) fue la última partitura que terminó en suelo húngaro. Nadie más que nosotros”. por ejemplo. La obra se inicia con un Andante donde se evoca de forma rapsódica la impresión que produjo al compositor la primera vez que vio a su amante en el balneario de Luhačovice utilizando la viola como narradora. sombría y melancólica. El estreno se retrasaría hasta 1941. la muerte de su madre y su posterior exilio en Estados Unidos. también influyó en la composición de El diario de un desaparecido (1920). Este cuarteto rezuma desesperación de principio a fin y esa desesperación se materializa en el uso de una misma idea temática. yo me quedé parado y después corrí hacia ella”. El tercer movimiento. ella se quedó en silencio. el uso del efecto sul ponticello con sordina. Le sigue la socarrona y descarada Burletta. el inicio muestra la agitación por medio de los trinos de la viola y sus intervenciones sul ponticello o en ostinato describen los ambientes brumosos y formales del balneario moravo. cada movimiento sigue su propio camino.

Se trata de una obra en un movimiento continuo que se subdivide en cuatro partes como reflejo de los cuatro movimientos tradicionales del cuarteto de cuerda. Sin embargo. Precisamente. que Ullmann escribió en 1943. la pianista Edith Steiner-Kraus o el director de orquesta Rafael Schächter: “He escrito un buen montón de nueva música en Theresienstadt [. Ullmann había coqueteado en sus inicios con la Segunda Escuela de Viena e incluso había formado parte en 1918 del seminario de composición de Arnold Schoenberg. pueden ser eliminados. lo mejor sería que pudiera tocar ambas versiones. y un Presto construido como movimiento perpetuo con tres secciones adicionales. enseñando. aunque en la edición crítica de esta Sonata se incluyeron ambas versiones y. Alemán de Praga. que por entonces dirigía Alexander von Zemlinsky. Resulta interesante conocer algunos detalles de la obra a través de las cartas que envío Bartók al joven Menuhin.]. La primera parte. Entre las obras que Ullmann escribió y estrenó en Theresienstadt destaca una versión dramatizada de las baladas de Villon. aunque no en el sentido neoclásico. la segunda de la cuales hace expresa referencia al primer movimiento con la intención de concluir la obra de forma cíclica. su interés por el expresionismo vienés quedó patente por entonces en sus Variaciones y doble fuga sobre una pieza para piano de Schoenberg (1925) basadas en el op. Entre todos ellos destaca su Cuarteto de cuerda nº 3. ayudado también por el efecto vaporoso que añade el uso de la sordina y los armónicos. Ullmann fue trasladado junto a su esposa a Auschwitz en uno de los llamados “transportes de liquidación” y ambos fueron gaseados el 16 de octubre de 1944. que sobrevivió a Theresienstadt. por tanto. Ullmann consiguió salvar algunas imprimiéndolas por su cuenta y confiándoselas a un amigo. como los cantantes Walter Windholz y Hedda Grab-Kernmayr. op. no son elementos ‘estructurales’ y. esto es. tal como suele ser habitual en la actualidad. La llegada de los nazis al poder en 1933 obligó al joven compositor checo a volver a Praga y los años siguientes los pasó como músico freelance. algo que el compositor explicó en una carta fechada en abril de 1944: “Los cuartos de tono del cuarto movimiento son simplemente un efecto tímbrico. No obstante. El azar hizo que los manuscritos de las composiciones de Ullmann fueran conservados gracias al filósofo Emil Utitz. y entonces decidir si vale la pena utilizar los cuartos de tono”. se inicia con una contemplativa reminiscencia del Finale de la Sinfonía “Pastoral” de 87 * * * El estilo tardío del compositor checo Viktor Ullmann (1898-1944) estuvo determinado por su reclusión en 1942 en el campo de concentración nazi de Theresienstadt (hoy Terezín). una segunda versión de esta obra que el pianista Franz Langer estrenó en el festival de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea de Ginebra fue la que despertó la atención internacional sobre Ullmann. fue recluido junto a su esposa en el campo de concentración de Theresienstadt. Allegro moderato e semplice. El segundo movimiento es una Fuga de impresionante virtuosismo y cuyo sujeto vuelve a ser un claro homenaje a Bach. pero al año siguiente tuvo que abandonarlo para trabajar en el Nuevo Teatro 86 . y nuestro deseo de cultura se ha visto alimentado por nuestro deseo de vida”. El 8 de septiembre de 1942. De la tremenda complejidad contrapuntística pasamos en los dos movimientos siguientes al estilo folclórico del compositor húngaro: una Melodia de escritura más sencilla y estructura ternaria. tal como he hecho en las alternativas de la última página. Menuhin optó por la versión sin ese efecto tímbrico. una cuestión muy particular es la negativa de Menuhin a tocar cuartos de tono en el Presto final de la Sonata. lo que le permitió seguir componiendo e incluso también escribir críticas o hacer música junto a otros reclusos. 19 nº 4 del compositor vienés (el pasado año pudo escucharse en el Liceo de Cámara la versión cuartetística de esta pieza interpretación del Cuarteto Arditti). en esos años asistió a los cursos de Alois Hába sobre la composición en cuartos de tono o consiguió en dos ocasiones el Premio Emil Hertzka tanto por la orquestación de sus Variaciones sobre un tema de Schoenberg como por su ópera Der Sturz des Antichrist (La caída del Anticristo). Aunque muchas de sus composiciones fueron destruidas durante la ocupación alemana de Praga. 46. En ellas podemos verificar su permanente preocupación acerca de la realización de algunos pasajes que el compositor juzgaba quizá demasiado difíciles y ante los que siempre se mostró abierto a atender las sugerencias del violinista. donde pronto se convirtió en una de sus principales figuras musicales. pues a los dos primeros más estrictos le siguen otros dos más livianos.. La obra está construida en cuatro movimientos perfectamente equilibrados. varias canciones sobre poemas de Conrad Ferdinand Meyer o su Sonata para piano nº 6. Todo lo que quiero subrayar es que Theresienstadt ha ayudado más que obstaculizado en mi trabajo musical. haciendo críticas en el periódico Der Auftakt o también programas de radio. pues desde luego no nos hemos sentado junto a las aguas de Babilonia para llorar. Se inicia con un Tempo di ciaccona que trata de tender un puente hacia las variaciones bachianas. donde se representa la nostalgia del compositor. la violinista Isabelle Faust utilizará la versión con los cuartos de tono en el movimiento final. dirigiendo el Studio für Neue Musik. que puede utilizar si no le parece interesante tocar los cuartos de tono.. se corresponde en realidad con una forma sonata con dos temas que oponen la polifonía a la línea melódica.leucemia en Asheville y que sería estrenada en Nueva York en noviembre de ese año.

febril y sinuosa. 88 Amistades tardías (tras el Telón de Acero) A finales de los años sesenta. la última ópera suya estrenada en ese teatro en octubre de 1942. donde conviven varios temas en un contexto de cierta indeterminación tonal. De hecho. que la tocará también en Madrid. Esta versión de Leopold incluye todas las variaciones que sufrió la partitura de Strauss en su adaptación para veintitrés instrumentos de cuerda y fue estrenada en junio de 1994 por miembros de la Filarmónica de Viena en la que fuera la residencia privada del compositor en Garmisch. la Sonatina para instrumentos de viento nº 2. 133. página idealmente mágica y de radiante musicalidad cuya estructura ternaria está presidida por una especie de declaración de amor puro e indolente. un estudio para veintitrés instrumentos solistas de cuerda que fue inspirado por la referida noticia de la destrucción de la Ópera de Baviera. el dodecafonismo en manos de Shostakovich fue simplemente un recurso emocional que le permitió explotar las tensiones resultantes del uso de “series” cromáticas frente a tonalidades perfectamente afirmadas. es decir. Dimitri Shostakovich (1906-1975) inició algunos sorprendentes experimentos musicales que determinaron en parte su estilo tardío. Shostakovich escribió para él una sonata después de haberle obsequiado el año anterior por error con su Concierto para violín nº 2. Uno de los más peculiares. y haciendo un alto en el camino desde Viena a Dresde. El Allegro vivace e ritmico que cierra la obra se inicia con un estilo contrapuntístico muy efectivo y colorista al disponer de trémolos y pizzicati. Richard Strauss (1864-1949) visitó en una ocasión el campo de concentración de Theresienstadt. fue su coqueteo con el dodecafonismo. la composición que mejor refleja el estado de abatimiento de Strauss durante la guerra es Metamorphosen (Metamorfosis). sobre la que Strauss escribe en la partitura un sentido “In Memoriam”. precisamente. el anciano compositor pensaba que era un simple campo de trabajo para judíos antes de ser reasentados en cualquier otra parte y por esa razón se acercó allí para visitar a Paula Neumann. en las semanas previas a la rendición de Berlín que marcó el final de la Segunda Guerra Mundial. curiosamente. el cuarteto concluye en modo mayor con una breve cita de la contemplativa reminiscencia beethoveniana convertida ahora en un rayo de esperanza. Uno de esos siete músicos era el contrabajista Alois Posch. que lo había dejado consternado. y también más criticados especialmente fuera de la Unión Soviética. violas y violonchelos con un contrabajo. ese tema se transforma al final en una cita de la Marcia funebre de la Heroica de Beethoven. El Presto. * * * En realidad. Esta parte enlaza directamente con el Largo que se inicia con un desolador solo de viola al que van uniéndose lentamente los demás instrumentos. Conviene aclarar que escucharemos Metamorphosen dentro de este ciclo en una realización para septeto de cuerda de Rudolf Leopold. Esta realización no es un simple arreglo y está basada en un manuscrito del compositor. Nada más llegar allí. y la concibió como un adagio bruckneriano de vastas proporciones. que incluye una sección central repentinamente agitada.Beethoven. y entre los que destaca una insistente repetición de la nota Sol en las violas seguida por un descenso con ritmo punteado. y que demuestra cómo Strauss había concebido inicialmente esta obra para una formación de septeto formado por parejas de violines. subtitulada “El alegre taller”. se inicia con un tema áspero y breve que pasa por todos los instrumentos y desemboca en la contemplativa reminiscencia beethoveniana del principio. esa etapa final de su vida estuvo marcada por el dolor y el desánimo ante una guerra que consideraba una locura. fue en 1943. los guardias de la SS lo tomaron por un chiflado y no le hicieron el menor caso. De todas formas. se acercó a la puerta y afirmó: “Mi nombre es Richard Strauss y quiero ver a Frau Neumann”. Ese mismo año de 1943 había preparado una edición para sexteto del preludio de Capriccio. que plasmó en primer lugar en el Cuarteto de cuerda nº 12 en Re bemol mayor. Para el viejo Richard. que apareció en 1990 en Suiza y hoy se conserva en la Bayerische Staatsbibliothek. como cuando en marzo se quedó atrapado por una enfermedad de su esposa Pauline en Múnich durante unos días de intensos bombardeos. 129. que es una especie de scherzo. op. la abuela de su nuera Alice. Strauss encontró en la composición un refugio ante la sinrazón que le rodeaba. ya en las anotaciones de su diario que siguieron a la invasión de Polonia en 1939 puede leerse entre líneas el vaticinio de la total destrucción de su querido país. escribió su encantadora Sonatina para instrumentos de viento nº 1 como una forma de volver a los géneros cultivados en su juventud. aunque quizás esta obra vaya mucho más allá y constituya un doloroso adiós a toda una época que había quedado completamente arrasada y transformada. op. en el que el gran violinista David Oistrakh celebraba su sexagésimo cumpleaños. y cómo después cambió de idea tras recibir un encargo de Paul Sacher de una composición para su Collegium Musicum. Strauss escribió esta obra entre marzo y abril de 1945 en Garmisch. la escribiría ya en Garmisch algunos meses más tarde y casi como una forma de evadirse de la noticia de la destrucción de la Ópera de Múnich. 89 . y que termina diluida en el mar de belleza y transparencia del tema principal. Al parecer. Ese mismo año. y como queda patente en esa obra. escrito en 1968. en los momentos más duros de 1943. Y es que hasta la propia Alice Strauss nunca sospechó las atrocidades que se practicaron en aquellos lugares en que perdió hasta veintiséis miembros de su familia.

El segundo movimiento. op. complicado con una mielitis y problemas cardíacos. estuvo relacionado con el Festival “Días de Música Británica” que tuvo lugar en Leningrado y Moscú. Beethoven” y. y donde el compositor dirigió algunas de sus obras a la Orquesta Sinfónica de Londres. lo que muestra cómo Shostakovich asocia el dodecafonismo con un tipo particular de tema cromático. el último de su catálogo. Ese viaje de Britten a Moscú.Con la Sonata para violín y piano op. La obra se inicia con una Elegía de estática armonía y suaves dinámicas que se convierte en una fuga intemporal. sabemos que en su última visita a la Unión Soviética. Sigue un Allegretto que es en realidad un scherzo en el que el compositor utiliza un rústico pasaje de su ópera inacabada Los jugadores y al que opone una sección central sinuosa y machacona. que precisamente había terminado de componer un mes antes en Aldeburgh. en especial. en este movimiento encontramos también la primera autocita: un pasaje con aroma popular procedente de su Concierto para violín nº 2. significativamente. 147 es el testamento musical de Shostakovich. 87. la viola se queda sola y expone un monólogo. que había escrito el año anterior para el mismo Oistrakh. “A la memoria de una ángel”. Shostakovich sigue su personal incursión en el dodecafonismo. 134. el movimiento alcanza el clímax tras una cadenza de la viola para declinar lentamente hasta el final. La Sonata para viola y piano op. fue la última obra que concluyó un mes antes de su muerte y. Terminada en julio de 1975. Britten realizó un concierto privado en el apartamento de Rostropovich en el que él mismo tocó al piano su Suite nº 3 para violonchelo solo. avanzado el movimiento. El primer movimiento. siempre en compañía de Peter Pears. esta vez en fusas. enlaza con un estático Intermedio en el que el primer violín realiza una cadenza que es acompañada por notas tenidas del violonchelo. op. concretamente. tras un pasaje de la viola sin acompañamiento del piano. 144. esa cadenza se convierte en un misterioso ritornello que alterna con un tema desnudo en el violonchelo o la viola y termina en un coro fantasmal acompañado por cuartas y quintas. 87 de Britten se estructura en nueve movimientos sin pausas. de Berg. de gira por la Unión Soviética en esas fechas. a la vez que plantea una obra en tres movimientos (lento-rápido-lento) en la que se cita a sí mismo o introduce un curioso homenaje a Alban Berg. Allegretto. Tal como indica Elizabeth Wilson en su biografía de Shostakovich. ¿hubo algún intercambio creativo entre ellos? Resulta muy interesante conocer el enorme interés que tenían uno y otro en estar al corriente de las obras que estaban componiendo y. Sigue una Serenata que se inicia con crispados crescendi en los violines y continúa con un tono sardónico. Shostakovich sabía que no le quedaba mucho tiempo y escribió ese mismo año el Cuarteto nº 15 en Mi bemol mayor. que pasa a manos del violonchelo. op. El último movimiento lo dedica Shostakovich “a la memoria de un gran compositor. Britten viajó con el manuscrito de su última composición: la Suite nº 3 en Do menor para violonchelo solo. que el compositor indica. es uno de los más abstractos de toda la obra de Shostakovich y representa una dramática conversación entre dos instrumentos donde parece que nadie escucha a su interlocutor. acrecentada en 1974 después de haberle diagnosticado un cáncer de pulmón. en abril de 1971. La obra termina con un Largo que es una monumental passacaglia sobre el tema inicial del Concierto para violín. ambos instrumentos se unen en el tema principal que deriva de la Sonata “Claro de luna” del compositor de Bonn. en el que plantea diversas reflexiones sobre la muerte a través de seis movimientos lentos que se tocan sin pausas. Ambos se dedicaron composiciones y tuvieron amigos en común. Mstislav Rostropovich. * * * Benjamin Britten (1913-1976) y Dimitri Shostakovich mantuvieron desde 1963 una estrecha amistad que se materializó en viajes del compositor inglés a Moscú y también con visitas del ruso a Aldeburgh. pero que deriva en un tono sardónico y alocado y que acaba produciendo una violenta confrontación entre los dos instrumentos. Moderato. El Nocturno posterior presenta un ambiente ondulante e inestable y la Marcha fúnebre a continuación expone un tema rítmico al que responden intervenciones solistas de cada instrumento. El último movimiento se inicia nuevamente con una cadenza del violín. es una especie de scherzo cuyo tema principal se asemeja a la Malagueña de su Sinfonía nº 14. mientras el compositor ruso programó un ensayo de su Cuarteto nº 13 en su piso. La Suite nº 3 en Do menor. morendo. integrados por la técnica de la variación y unificados por una inspiración común en temas populares rusos extraídos de tres arreglos de Tchaikovsky y del kontakion o himno funerario 91 . Aparte de los experimentos peculiares como el dodecafonismo. el estilo tardío de Shostakovich también está marcado por su obsesión con la muerte. trata de las obsesiones y pensamientos de un hombre gravemente enfermo: se trata de una obra verdaderamente sublime y serena que 90 se asoma al abismo de la muerte con resignación más que con miedo y desesperación. pero. donde el compositor elabora un sorprendente catálogo de variaciones que conducen a una coda final en la que se recuperan los temas del primer movimiento para concluir misteriosamente con el violín haciendo un trémolo sul ponticello. al igual que el Cuarteto nº 15. el viaje también sirvió para que ambos compositores conocieran sus últimas creaciones y. El Andante se inicia con la exposición e inversión en el piano de una serie completa de doce sonidos a la que el violín contrapone una melodía diatónica.

arpegios y trinos. a su vez. el movimiento está planteado en forma sonata. El cuarto movimiento. Ostinato. sí. se desesperó. 93 . a los que el compositor da un título simple pero sugerente. siguen un Dialogo arpegiado. que podría alterar el tema.. Las razones que vinculan esta ópera con el estilo tardío de Britten han sido convincentemente analizadas por Edward Said en su referida monografía póstuma sobre el tema. una brillante Fuga que desemboca en un Recitativo que. Duets. Gustav von Aschenbach. Burlesque. que se estructura en torno a una cantilena del primer violín acompañada por los otros tres instrumentos por medio de pizzicati. o incluye la barcarola orquestal que toca aquí el violonchelo.. representa. A continuación. resulta imposible no considerarla un ejemplo de su estilo tardío. enlaza con un Moto perpetuo. haciendo del cuarteto un apéndice o un comentario de la ópera. Shostakovich se disculpó y le quitó importancia a este detalle. Una vez terminada su interpretación al piano. es una de las mayores joyas tímbricas de toda la literatura cuartetística. nosotros los compositores tendemos a tocar siempre nuestra música demasiado rápido. al mostrar el uso y significado que atribuye el compositor a Venecia en esta ópera tanto como alegoría para transmitir una sensación de recapitulación y regreso dentro de una larga trayectoria artística. Britten se levantó rápidamente para evitar el aplauso y no paró de disculparse por haber tocado tan deprisa. El compositor inglés amaba Venecia por encima de cualquier otra ciudad y durante la composición de este cuarteto hizo su último viaje a la ciudad de los canales y fue allí precisamente donde terminó este cuarteto.”. aunque Donald Mitchell ha demostrado sobradamente que Britten no había previsto que Death in Venice fuera su última ópera. Un Lento inicia la obra a modo de obertura basada en el referido kontakion. aquí resida la esencia misma de su obra tardía. Shostakovich pasó algunos días del verano de 1972 en Aldeburgh y visitó a Britten en su casa mientras trabajaba en la ópera Death in Venice (Muerte en Venecia). esa particular economía de medios instrumentales. que coincide con la llegada a Venecia del protagonista. y distingue un primer tema de extraña sensación contemplativa de otro mucho más robusto y enérgico. que está precisamente asociada con su protagonista. Solo. Sigue el tema de la passacaglia en Mi mayor. había dos versiones del referido kontakion. es una scherzo cuyo tema inicial es cortante y brusco. El compositor ruso se quedó fascinado con la nueva obra del inglés y se pasó horas examinando los borradores de la partitura con esas complejas interrelaciones motívicas. El Cuarteto nº 3 de Britten se divide en cinco movimientos. creando un ambiente de efímera belleza que en la coda se trastoca con el violonchelo sosteniendo un desconcertante Re natural. pero sin reexposición. pero también como lugar donde es posible la convivencia de elementos discordantes como la gloria y la degradación que la convierten en un escenario ideal para el estilo tardío. las posibilidades tímbricas que tiene el improbable dúo dentro de un cuarteto entre el segundo violín y la viola.ortodoxo “Con los Santos haz descansar”. y que cuesta atribuir a un cuarteto de cuerda. el último movimiento del mismo lo titulo “La Serenissima” y lo convirtió en un impresionante homenaje sentimental a esa ciudad con varias citas de su ópera Death in Venice o el uso de la tonalidad de Mi mayor. al final. Britten concluyó la partitura de la que sería su última ópera en 1973. Durante su última visita a Inglaterra. aunque Britten evitó estrenar la obra hasta confirmar que. pero no ya sus variaciones: “Voy a tener que reescribir la obra por completo”. y se opone al ambiente más calmado y dialogante del trío. es decir. El tercer movimiento. en realidad. El cuarteto termina con un Recitativo y Passacaglia que se subtitula. las exóticas influencias tímbricas o el uso que hacía de diferentes tipos de monólogo acompañados o con piano. El segundo movimiento. levemente acompañados por el primer violín y el violonchelo. 94 que concluyó en noviembre de 1975. “La Serenissima” y que se inicia precisamente con el tema del coro cantando “Serenissima” en la obertura de la ópera. sardónico y ecos “shostakovichianos” (quizá un homenaje a su amigo fallecido tan solo unos meses atrás) al que sigue un trío juguetón y pendenciero. De hecho. Y es que. como acaba de apuntarse. lo que le llevó a revisar la partitura en 1974 y ofrecer las dos opciones en la subsiguiente edición de 1976. le sigue una Marcia con dos temas populares y después un Canto basado en la tercera. es otro scherzo de tono brusco. El primer movimiento. con el hombre que no puede eludir ni consumar su deseo y quizá. Y. glissandi. Ben. En este final es posible que Britten se identificase con Aschenbach. el compositor ruso le indicó que la versión que conocía del kontakion difería en alguna nota de las utilizadas por Britten y ello afectó mucho al compositor inglés. en este movimiento también encontramos una cita de su juvenil Alla marcia (1933) que muestra el sentido de síntesis que se esconde detrás de esta partitura. dentro de una generalizada ambigüedad tonal. la Passacaglia se basa asimismo en el kontakion como imponente conclusión de la obra. a lo que Shostakovich le replicó con comprensión: “Sí. introducido por el violonchelo y el primer violín. A continuación llegamos a una Barcarola con guiños a Bach (no olvidemos que esta Suite fue inspirada por la interpretación de Rostropovich de una suite de Bach). aquejado ya entonces de los primeros síntomas de una cardiopatía que terminaría con su vida pocos años después. tal como afirma Said. 92 La prueba de que Said tenía razón la encontramos tanto en la biografía de Britten como en la penúltima obra de su catálogo: el Cuarteto de cuerda nº 3. op.

Intérpretes Biografías .

Johannes Meisl. el dramaturgo alemán Peter Ries o el actor español Jose Luis Gómez. Radio Sueca o el canal de televisión Mezzo. la Sudwestrundfunk. también presente en esta edición del Liceo de Cámara). Erich Höbarth. Radio France. Claire Desert. Les Invalides en París. y mantiene en la actualidad una estrecha relación con el violista Hatto Beyerle. Günter Pichler. Ha trabajado también regularmente con músicos como András Keller. como el Wigmore Hall de Londres. Son profesores y cuarteto residente en el Curso Internacional de Música de Llanes desde 2005 y en la actualidad el Cuarteto tiene su residencia en la Fundación Museo Cerralbo de Madrid. Jeremy Menuhin. los Cuartetos Doric. junto con Pablo de Sarasate y Pau Casals. Formado desde sus inicios en la Escuela Superior de Música Reina Sofía y en el Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid con Rainer Schmidt (miembro del Cuarteto Hagen. Ha recibido asimismo el Premio El ojo crítico de Radio Nacional de España en 2007 y la Medalla de Oro del Primer Palau de Barcelona. Valentin Erben. Ha realizado asimismo numerosas grabaciones para Radio Clásica. Nybrokajen en Estocolmo.Cuarteto Quiroga El Cuarteto Quiroga nació alentado por el violinista. Ginebra y París. la Philharmonie de Berlín. pedagogo y cuartetista francés Charles-André Linale y su nombre rinde homenaje a la figura del violinista gallego Manuel Quiroga. la Westdeutscher Rundfunk. Desde su creación. la Fundación Juan March. el Gonfallone en Roma o el Teatro Solís en Montevideo. la Concertgebouw Doelen en Róterdam. Paolo Borciani. Son invitados habitualmente a impartir cursos y clases magistrales 97 . el Auditorio Nacional de Madrid. Entre los artistas con que colabora habitualmente cabe destacar a Vladimir Mendelssohn. ha sido galardonado en los concursos internacionales de Burdeos. el Palau de la Música Catalana. uno de los más grandes instrumentistas de cuerda de la historia musical española. György Kurtág. perfecciona posteriormente sus estudios en la Musikhochschule de Basilea con Walter Levin y el propio Rainer Schmidt. el coreógrafo japonés Hideto Heshiki. que ha sido. con el apoyo de la Fundación Herberto Gut de Prosegur. la Kaisersaal en Fráncfort. Alain Meunier. Ardeo y Meta4. el Festival de Davos. Chen Halevy. Ha tocado en numerosas salas de Europa y América. Eberhard Feltz o Ferenc Rados. David Kadouch. Javier Perianes. el Auditori de Barcelona. Quintessence en Aquisgrán. la Primavera de Heidelberg.

Ars Musici publicó una grabación realizada en directo en un concierto ofrecido en la Beethovenhaus con la viola del propio compositor. Budapest y París. construido por Nicola Amati en 1682. Autodidacta como pianista de jazz. Tabea Zimmermann es una camerista muy prestigiosa y ha trabajado con colegas de la talla de Pierre-Laurent Aimard. en la actualidad da clases en la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlín. Teldec y Deutsche Grammophon. En las últimas temporadas ha tocado con la Orquesta de Filadelfia (Dutoit). merosas referencias para sellos como EMI. Oviedo. Málaga. Anteriormente su discografía contaba con nu- Kirill Gerstein. Heinz Holliger (Recicanto) o Bruno Mantovani (Doble Concierto. Henri Vieuxtemps y Rebecca Clarke. perfeccionó sus estudios en el Berklee College of Music de Boston. viola Estudió con Ulrich Koch en la Musikhochschule de Friburgo y con Sándor Végh en el Mozarteum de Salzburgo. el alumno más joven de la historia del centro. Valladolid. Tras enseñar en Saarbrücken y Fráncfort. La última etapa de su formación se desarrolló en Madrid. Cibrán Sierra y los demás miembros del Cuarteto Quiroga desean expresar su gratitud a los herederos de Paola Modiano por su cesión del violín “Rosé”. con catorce años. Tabea Zimmermann está casada con el director Steven Sloane y tiene tres hijos. y en Budapest. ha sido publicado este año y contiene obras de Haydn. 98 99 . a ella dedicada. etc. del que fue. entre los que destacan el Hessischer Kulturpreis. Tabea Zimmermann. Como solista actúa regularmente con las orquestas más importantes. Webern y Giovanni Solima. Entre sus grabaciones con orquesta más recientes destacan una grabación en vivo de Harold en Italia de Berlioz con la Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por Colin Davis y la Suite para viola y orquesta de Bloch con la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín dirigia por Steven Sloane. En estos años asistió también al programa veraniego de la Universidad de Boston en Tanglewood. además de colaborar como profesores de la JONDE (Joven Orquesta Nacional de España). Será artista residente en el Festival del Bodensee en mayo de 2012. El Cuarteto Quiroga actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. George Lentz (Monh). Ganó su primer concurso (el Concurso Internacional Bach de Gorzuw. que estrenó junto con Antoine Tamestit). Universidad Internacional de Andalucía. Entre 1982 y 1984 ganó los concursos de Ginebra. acompañada al piano por Hartmut Höll. lo que le hizo concentrarse en la música clásica. con Dmitri Bashkirov. donde tuvo como profesor a Solomon Mikowsky y donde se graduó a los veinte años. Kirill Gerstein obtuvo el primer premio en el Concurso de Piano Arthur Rubinstein de Tel Aviv en 2001 y desde entonces ha tocado en los principales centros musicales internacionales. Ha recibido numerosos premios. para el sello Cobra. Desde el curso 2008-2009 sus cuatro miembros ocupan la cátedra de Música de Cámara/Cuarteto de Cuerda del Conservatorio Superior de Música de Aragón. Su grabación de obras para viola sola de Bach y Reger para el sello myrios classics ha recibido numerosos premios y se ha visto seguido de una grabación con el pianista Kirill Gerstein que contiene sonatas de Johannes Brahms. en las ediciones XV a XIX. Frank Michael Beyer (Notte di Pasqua). Wolfgang Rihm (Über die Linie IV). con Ferenc Rados. en Polonia) a los once años. el Premio Internacional de la Accademia Musicale Chigiana de Siena y el Premio Paul Hindemith de Hanau. la ciudad natal del compositor. Ha grabado el repertorio de viola más importante con enorme éxito. Ha actuado con el Cuarteto Alban Berg en la XII edición del Liceo de Cámara y con el Cuarteto Arcanto. Siguió estudiando en la Manhattan School of Music de Nueva York. el Rheingau Musikpreis.en conservatorios superiores y universidades por toda la geografía española (Madrid. del que forma parte desde su fundación. Hartmut Höll. piano Nacido en 1979 en Voronezh (Rusia). La interpretación de la música contemporánea es una prioridad en sus actividades artísticas y ha estrenado obras como la Sonata para viola sola de Ligeti. inició su formación musical en una escuela para niños con un especial talento musical. Christian Tetzlaff y el Cuarteto Alban Berg. así como los Conciertos para viola de Sally Beamish. desde la Filarmónica de Berlín (con la que ha tocado este mismo año el Concierto de Béla Bartók) y la Sinfónica de Londres hasta la Filarmónica de Israel y la Orquesta de París.). Santiago. en la que ocupa una cátedra desde 2002. Su primer disco.

educados en el ambiente musical de su padre violinista. Detroit. Krystian Zimerman. la Orquesta Sinfónica de la SWR (Gielen). donde empezó a dar clases en 2007. han grabado un amplísimo repertorio que abarca de Bach a Kurtág. como también lo hizo su relación artística y amistosa con Gidon Kremer. 1724) y Veronika Hagen una viola de Giovanni Paolo Maggini de Brescia. Al año siguiente. VII. a pesar de sus extensas giras. Bordeaux y Banff (Canadá). 100 101 . Su compromiso con la música contemporánea les ha llevado a tocar obras de compositores como Ligeti y Lutosławski. También ha vuelto a ser invitado por las orquestas de San Francisco. Su discografía ha recibido los premios más importantes y en 2011 han celebrado el trigésimo aniversario de su fundación con la publicación de dos discos en el sello myrios classics. la Orquesta Gürzenich de Colonia (Krivine) y la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich (Alsop). En 2010 recibió dos importantes distinciones: el Gilmore Artist Award (ha sido el sexto músico en recibir este premio excepcional) y la Avery Fisher Career Grant. El Cuarteto Hagen ha actuado en las ediciones V. así como en la Universidad de Cincinnati. Paul Gulda. Oleg Maisenberg. Ha participado asimismo en proyectos camerísticos en el Festival de Salzburgo junto a András Schiff. ambos prestados amablemente por el Banco Nacional Austriaco. Y de Nueva York. así como en la formación de trío con piano con el violinista Kolja Blacher y el violonchelista Clemens Hagen. Cuarteto Hagen Ya en su formación original austriaca. IX y XI-XV del Liceo de Cámara. en las Musikhochshulen de Basilea y Hannover.la Sinfónica de San Francisco (Dudamel). la Royal Liverpool Philharmonic (Petrenko). En la temporada 2011-2012 hará su debut con la Orquesta Filarmónica de Nueva York y la Sinfónica de Seattle. movimientos y obras con gran entusiasmo. vinculado repetidamente al Cuarteto Hagen en sus proyectos camerísticos en el Festival de Música de Cámara de Lockenhaus. Consiguieron que sus interpretaciones imprimieran un toque personal distinto a las variantes ya establecidas en la actuación de los cuartetos. Mitsuko Uchida. Aquí radicaría la razón del éxito de este cuarteto: mantener su nivel artístico y de conjunto a pesar de los cambios personales y de sus componentes. Liszt y Oliver Knussen. la Filarmónica de Múnich y la Filarmonica della Scala (Bychkov). los cuatro hermanos Hagen (Lukas. Veronika y Clemens). con sus consejos y su estímulo. el Wigmore Hall o la Universidad de California en Berkeley. la Sinfónica de Dallas (Varga). Hatto Beyerle. Su carrera internacional comenzó en ese período. con artistas de la talla de Maurizio Pollini. en concierto y en disco. Jörg Widmann o Gérard Caussé. En 1983 ganaron los concursos de Evian. András Schiff. el conjunto permanece en contacto con sus maestros y mantiene sus firmes convicciones sobre el cómo y el porqué de su fraseo. Artistas exclusivos durante décadas de Deutsche Grammophon. Heinrich Schiff y Walter Levin tuvieron una gran influencia en su formación. esenciales para su desarrollo técnico y artístico. En el ámbito camerístico. Han colaborado. Los miembros del Cuarteto Hagen consideran sus estudios realizados en el Mozarteum de Salzburgo. colabora habitualmente con Steven Isserlis. además de volver a tocar con las Orquestas Sinfónicas de Houston y Baltimore (Graf). así como el Premio del Público. así como por la Orquesta de Cámara St. Tiene previsto ofrecer recitales en salas como la 92nd St. Su encuentro con Nikolaus Harnoncourt les permitió ampliar su visión de la música. donde pudo comprobarse su crecimiento artístico. Pronto actuaron en el Festival de Salzburgo. Lukas Hagen toca un violín de Antonio Stradivarius (Cremona. Ha actuado en el XVII Liceo de Cámara formando trío con los citados Kolja Blacher y Clemens Hagen. Houston y Atlanta. Hoy. seguido de su debut en el Wigmore Hall de Londres. También han mantenido una estrecha relación con el compositor húngaro György Kurtág. en las Mozartwochen y en la serie de conciertos de Salzburgo. Heinrich Schiff. la Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa (Nezet-Seguin) y la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca (Mälkki). el conjunto ganó el Primer Premio del Concurso de Cuartetos de cuerda de Portsmouth. determinaron la forma de caracterizar temas. Paul. Su primera grabación a solo para el sello myrios classics se publicó en 2010 y contiene obras de Schumann. entre otras. así como en el Festival de Música de Aspen y en los Proms de Londres. el Cuarteto Hagen obtuvo en 1981 el Premio del Jurado. Su actividad pedagógica se concentra en la Musikhochschule de Stuttgart. En Lockenhaus. como maestros y también como compañeros. Angelika.

Ha realizado giras por Alemania con la Orquesta de Cámara Ostrobonia. 102 103 . Moshe Atzmon. violonchelo Estudió violonchelo con Csaba Szilvay en el Instituto de Música de Helsinki. por ejemplo. estrenada en 2007. la ópera de Thomas Jennefelt Sport och fritid (Deporte y ocio. China y Sudáfrica. Australia y Nueva Zelanda. Ben Wallfish. También ha tocado con la Orquesta de Cámara de Sudáfrica y con la Orquesta de Cámara Cuerdas de Belgrado. Como miembro del cuarteto. Ha ofecido recitales como solista y como músico de cámara en Finlandia y en numerosos países europeos. Olli Mustonen y Kari Kriikku. Entre los directores con que ha trabajado se encuentran Leif Segerstam. Ralf Gothóni. la Orquesta de Cámara de Sudáfrica. Ha actuado como solista. Estados Unidos. Sakari Oramo. Juha Kangas. El Cuarteto estrenó diversas obras. y grabó discos con música de Sibelius. Las primeras visitas al foso de la Ópera Nacional Finlandesa en 2005 dieron paso de inmediato a nuevas invitaciones para producciones de ballet en 2006 y 2007. así como el director artístico del Festival de Música de Joroinen hasta 2008. Marko Ylönen. Fue nominado como Joven Artista del Año de los Festivales de Finlandia en 1991. camerista y director invitado en Finlandia y en el resto de los países nórdicos. además de con la Tapiola Sinfonietta. Barbara Hendricks. el Musikkollegium Winterthur. además de actuar en numerosas ocasiones en las grandes salas de concierto europeas.Jan Söderblom. más tarde expandió sus horizontes dedicándose también a la dirección orquestal. la Orquesta de Cámara Inglesa. Finalista del Concurso de Violonchelo de Turku a los quince años. Janáček y Dvořák. Jan Söderblom estudió dirección de orquesta con Jorma Panula y Leif Segerstam en la Academia Sibelius. además de con la Orquesta Filarmónica de Japón. la Tapiola Sinfonietta. Okko Kamu. y para la producción de la ópera de Fredrik Pacius Kung Karks jakt. Jan Söderblom toca un violín de Nicolo Gagliano de 1726 y actuó por primera vez en el XVII Liceo de Cámara. Fue director artístico de la Orquesta de Lappeenranta de 2000 a 2007. violín Nacido en 1970 en una familia musical. 2005) y la ópera de Daniel Börtz Svall (2006). Grieg. y en 2002 recibió el Chivas Baton Award internacional. por Japón con la Orquesta de Cámara de Helsinki Occidental y por Grecia con la Orquesta Sinfónica de la Academia Sibelius. Heinrich Schiff. la Orquesta de Cámara de Praga y la Orquesta de Cámara de Holanda. la Orquesta Sinfónica de RTVE y la Orquesta de Cámara Escocesa. Japón. Jukka-Pekka Saraste. y ha tocado también con la Orquesta Vivo y la Philharmonia de San Petersburgo. También ha tocado en condición de violinista invitado con la Camerata Académica de Salzburgo y con la Orquesta de Cámara Noruega. En la primavera de 1996 ganó el Concurso de la Asociación de Artistas de Nueva York. un período durante el cual el grupo cosechó éxitos en el concurso Concertino Praga y en el Concurso de Cuartetos de Cuerda de Londres. Ha tocado como concertino con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Suecia. Ha actuado como director con las Orquestas Filarmónicas de Helsinki. empezó a estudiar violín muy pronto e inició su carrera como solista y músico de cámara en los años ochenta. Toca asiduamente con las principales orquestas finlandesas y ha actuado también con agrupaciones como la Camerata de Salzburgo. Turku y Tampere y con la Sinfonia Lahti. También ha estado al frente de Musica Fiskars. Olli Mustonen y Hannu Lintu. además de Japón. en 1990 obtuvo el segundo premio en el Concurso de Violonchelo de Turku y un premio en el Concurso Tchaikovsky de Moscú. interpretando obras de Schumann y Ligeti. James de Priest. la Orquesta de Cámara Cuerdas de Belgrado. sustituyendo a un indispuesto Gerhard Schulz. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Suecia y la Orquesta Sinfónica de Helsingborg. Ha tocado como solista con la mayor parte de las orquestas finlandesas. Jan Söderblom tocó el violín con el New Helsinki Quartet de 1982 a 2001. Alexander Vedernikov. John Storgårds. la Orquesta de Cámara Avanti!. dirigiendo representaciones de la ópera de Janáček El caso Makropoulos y estrenando. realizó grabaciones para radio y televisión. graduándose en 2001. así como en otros países europeos. Susanna Mälkki. Australia. con Erkki Rautio y Heikki Rautasalo en la Academia Sibelius y con Heinrich Schiff en Basilea. Osmo Vänskä. En temporadas recientes ha dirigido regularmente en la Ópera Real de Estocolmo. los Virtuosi di Kuhmo. colaboró con artistas como Bella Davidovich.

En 2009 actuó con los violonchelistas Janne Aalto y Marko Ylönen. además de asistir a los cursos de verano impartidos por György Sebök. Juha Kangas. primero con Liisa von Zweygberg-Jalkanen y desde 1978 con Tapani Valsta. Además de interpretar el principal repertorio clásico. Marko Ylönen toca un violonchelo de Matteo Goffriller y actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. con quienes ha grabado obras de Rachmaninov y Chopin (Alba Records). para el sello Ondine). En 2003 participó en el Concierto del 150º aniversario de la firma Steinway celebrado en Helsinki. Consiguió su diploma de piano en 1981 con las máximas calificaciones. La discografía de Marko Ylönen está publicada en su mayoría en los sellos Ondine. En otoño de 2010 realizó una extensa gira por Alemania. Arto Satukangas. Osmo Vänskä. piano Comenzó sus estudios en la Academia Sibelius en 1973. Es profesor de Música de Cámara en la Universidad de Música de Karlsruhe desde 1992. como el Concierto para violonchelo de Jouni Kaipainen en 2003 junto a la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia. Desde el otoño de 2009 Marko Ylönen es profesor de Música de Cámara en la Academia Sibelius de Helsinki. entre otros. Marko Ylönen toca con frecuencia música contemporánea. en Ferrara junto a la violinista Tianwa Yang y ofreció un concierto en la Sala Weill del Carnegie Hall de Nueva York.Como camerista. Mily Balakirev y Maurice Ravel para el sello Warner Music/Finlandia Records. como la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia. ganó el prestigioso Concurso de Piano Maj Lind. En febrero de 2010 actuó con la Orquesta Ciudad de Lohja. conciertos tanto en Finlandia como en el extranjero. Okko Kamu. Ha estrenado varias obras de compositores finlandeses. Actuó en el Festival de Música de Korsholm y en el Festival de Música de Cámara de Kuhmo. el Concierto para violonchelo y orquesta de Peteris Vasks (Tampere Filharmonia dirigida por John Storgårds. Leif Segerstam. un puesto que ya había ostentado en 2003. Ha grabado obras para piano de Alexander Glazunov. También ha tocado en la mayoría de países europeos y en China. ha ofrecido numerosos 104 105 . Corea e Israel. BIS y Finlandia. grabó un disco dedicado a Liszt y tocó junto a la Orquesta Kokkola el Concierto en La menor de Grieg. Sakari Oramo. Antoni Ros-Marbà. actuando en la Sala Weill del Carnegie Hall de Nueva York. Las últimas grabaciones son de Sibelius (con la Orquesta Sinfónica de Lahti dirigida por Osmo Vänskä. Entre 1983 y 1992 recibió clases particulares de este último en Ginebra y Vevey. para el sello Ondine) y el Concierto para violonchelo y orquesta de Joonas Kokkonen (Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia dirigida por Sakari Oramo. Desde entonces. incluyendo conciertos en la Sala Casals de Tokio. En 1979. Entre 1981 y 1983 completó su formación con Vladimir Nilsen en el Conservatorio Estatal de San Petersburgo. la Orquesta Filarmónica de Helsinki y la Orquesta Sinfónica de Lahti bajo la batuta de directores como Jukka-Pekka Saraste. Ylönen ha actuado con un gran número de conjuntos internacionales y se ha presentado en diversos festivales. Toca por primera vez en el Liceo de Cámara. Ese mismo año pasó a ser miembro de la familia de artistas de Steinway. organizado por la Fundación Herbert von Karajan. Dmitri Bashkirov y Nikita Magaloff. en el sello BIS). Jan Krenz. Petri Sakari. e incluye tanto música contemporánea como repertorio tradicional. en abril tocó el Concierto nº 5 de Saint-Saëns con la Tapiola Sinfonietta y recientemente ha interpretado el Concierto nº 1 de Chopin con la Orquesta de la Ciudad de Vaasa. grabado posteriormente por el sello Ondine. Fue director artístico invitado del Festival de Música de Korsholm en 2008 y 2010. Entre 1991 y 1992 actuó en las más importantes salas de conciertos de Japón. Owain Arwel Hughes y Frank Shipway. Ha tocado como solista con las mejores orquestas finlandesas. Entre estos últimos destaca su debut en París en 1987. En 1994 debutó en Estados Unidos. En 2008 realizó giras como solista junto al violonchelista Marko Ylönen en Finlandia y Alemania. Asimismo imparte clases y conferencias en diversos cursos de verano por toda Finlandia. con sólo diecisiete años. La Radio de Finlandia lo nombró Solista del Año en 1996.

Christianne Stotijn. que ha sido su principal profesor y fuente de inspiración. la Orquesta de París. mezzosoprano Nacida en la localidad holandesa de Delft. la Sinfónica de Dallas. A lo largo de su carrera ha obtenido varios premios importantes. la Real Orquesta del Concertgebouw. el Carnegie Hall de Nueva York. Cornelia en Giulio Cesare en el Teatro de la Monnaie de Bruselas y la Ópera de Holanda o el personaje protagonista de Tamerlano en la Royal Opera House. Haitink la invitó a cantar la Segunda Sinfonía de Mahler en los Proms de la BBC. la Orchestra of the Age of Enlightenment. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena y la Orquesta Filarmónica de Múnich. el Kennedy Center de Washington y el Spivey Hall en Atlanta. además de con el Cuarteto Belcea y el Cuarteto Ysaÿe. que recibió un premio Echo en 2008. la Orquesta Nacional Danesa y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Berg y Wolf acompañada por Joseph Breinl. También fue elegida por la BBC dentro de su programa de New Generation Artists en 2007. René Jacobs. la Orquesta del Festival de Budapest. Daniele Gatti. con quienes mantiene una larga y fructífera colaboración. de Frank Martin. Sus grabaciones más recientes se encuentran publicadas en el sello Onyx e incluyen Lieder de Schubert. Vladimir Jurowski. A continuación estudió canto con Udo Reinemann en el Conservatorio de ámsterdam y perfeccionó su formación como cantante con Jard van Nes. Kurt Masur. Noelle Barker y Janet Baker. viola Formó parte del Cuarteto Alban Berg desde 2005 hasta su disolución en 2008. Andrew Davis. la Filarmónica de Róterdam. Ha sido primera viola de la Orquesta de Cámara de Viena. junto a Elisabeth Leonskaja. el Théâtre des Champs-Élysées y el Théâtre du Châtelet en París. las dos salas del Concertgebouw de ámsterdam. Ha cantado ya en repetidas ocasiones en el Wigmore Hall de Londres. Yannick Nézet-Séguin. Radovan Vlatković. la Konzerthaus y la Musikverein de Viena. Heinrich Schiff. En su carrera operística destacan los papeles de Pauline en La dama de picas en la Ópera de París. Tras el éxito de sus interpretaciones de los Rückert-Lieder de Mahler con la Orquesta Nacional de Francia y la Real Orquesta del Concertgebouw. ha ofrecido recitales en muchas de las salas de concierto más importantes del mundo con los pianistas Joseph Breinl y Julius Drake. el Palais des Beaux Arts de Bruselas. entre otros. como el de Estrella Emergente Echo en 2005/2006. Emilio Sagi. Jörg Widmann y Simon Rattle. y Lieder de Mahler y canciones de Tchaikowsky acompañada por Julius Drake (este último disco fue premiado por la BBC Music Magazine como mejor grabación vocal de 2010). Marc Minkowski. la Pasión según san Mateo con la Sinfónica de Boston y Das Lied von der Erde de Mahler con la Orquesta Sinfónica de Londres. Como solista ha actuado con la Orquesta Filarmónica de Mú- 106 107 . Su debut en la Philharmonie de Berlín fue con la interpretación de Das Buch der hängenden Gärten de Arnold Schoenberg con la pianista Mitsuko Uchida. de nuevo los Rückert-Lieder con la Orquesta Sinfónica de Chicago. Ivan Fischer. Charles Dutoit. la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. la Sinfónica de Londres. Covent Garden. que la dirigió en la Tercera Sinfonía de Mahler en la inauguración de la pasada edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada en el Palacio de Carlos V. la Orquesta Nacional de Francia. sustituyendo tras su muerte a Thomas Kakuska. Tabea Zimmermann. Ha cantado también con directores de la talla de Claudio Abbado. Ha colaborado con directores de escena como Graham Vick. la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington. Isabel Charisius. Maurizio Pollini. el Mozarteum de Salzburgo. Gustavo Dudamel. Apasionada intérprete de Lieder. Pierre Audi y Karl-Ernst y Ursel Hermann. la Novena Sinfonía de Beethoven en el Festival de Lucerna. Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke. Ottavia en L’incoronazione di Poppea en la Ópera de Holanda. Ha actuado en concierto con orquestas tan importantes como la Filarmónica de Berlín. Alexander Lonquich. recibió su diploma como violinista en 2000. Para el sello MDG ha grabado también una obra muy querida para ella. Christian Zacharias. la beca de la Fundación Borletti-Buitoni en 2005 y el Premio de la Música Holandés en 2008. Ha tocado. Andris Nelsons o Zubin Mehta. El gran director de orquesta holandés Bernard Haitink ha tenido una influencia decisiva en su carrera. el Teatro Campoamor de Oviedo y el Teatro Arriaga de Bilbao. Desde 1994 se dedica principalmente a la música de cámara.

la Ópera de Fráncfort. ha impartido clases magistrales de viola y de música de cámara en la Britten-Pears School de Aldeburgh. Toca el instrumento construido por Lorenzo Storioni en 1780 que tocó también en su día Thomas Kakuska. Bruselas. Thomas Bauer y Sandrine Piau) y del Festival de Tetbury en Inglaterra. Ha interpretado la mayor parte del repertorio para viola solista. Kathleen Battle.nich en el Festival de Lucerna y en la Philharmonie de Múnich. Susan Graham. Ha diseñado varias series en el Queen Elizabeth Hall de Londres. Isabel Charisius es profesora de música de cámara en la Universidad de Colonia. Es frecuentemente invitado para confeccionar y dirigir programas y festivales en torno a la canción. con quien interpretará Winterreise de Franz Schubert el próximo mes de junio en Cádiz. Thomas Allen. Christine Brewer. Montreal y Toronto. en el Encuentro Música y Academia de Santander. entró en la Royal Opera House como pianista repetidor y posteriormente completó su formación con Paul Hamburger. Brigitte Fassbaender. la Beethovenfest de Bonn y el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Felicity Lott. 108 109 . A lo largo de su carrera ha colaborado con cantantes tan importantes como Elisabeth Söderström. Kiri Te Kanawa. Christopher Maltman y Alastair Miles. dirigida por James Levine. Toca regularmente por todo el mundo en salas como el Wigmore Hall. donde ha actuado en numerosas ocasiones en el Ciclo de Lied que organiza la Fundación Caja Madrid. Es catedrático de Acompañamiento en el Royal College of Music de Londres y es miembro honoris causa del Magdalene College de Cambridge. en la Universität der Künste de Berlín. como “El joven Brahms”. Su amplísima discografía incluye numerosas grabaciones que han recibido múltiples premios. y Schwanengesang de Schubert con Robert Holl en Hyperion. Mark Padmore. el Musée d’Orsay y el Théâtre des Champs-Élysées de París. la edición Strauss para Hyperion. piano Su inspiración para emprender una carrera como pianista acompañante fue la manera de tocar de Gerald Moore. Actualmente es el director artístico de Sommer Lied Weinberg en la Alta Austria. con Christine Brewer. Hubo de cancelar por enfermedad el recital que iba a ofrecer en la edición XVII junto al pianista español Javier Perianes. del Ciclo de Lied de Santiago de Compostela (donde ha tocado el pasado mes de septiembre junto a Mark Padmore. Nueva York. Florian Boesch y Renata Pokupic en el Wigmore Hall. y en la pasada edición actuó junto al Cuarteto Arditti y Valentin Erben. la Philharmonie de Colonia. la Schubertiade de Schwarzenberg. En la temporada 2009-2010 presentó una serie de recitales con Lieder de Strauss en el Wigmore Hall. y como integrante de un octeto de grandes solistas internacionales liderado por la violinista Hanna Weinmeister. aún en curso. Anne Schwanewilms. pero en la actualidad centra su actividad pedagógica en la Musikhochschule de Lucerna. Philip Smith. Recientemente ha realizado también amplias giras por Japón con Mihoko Fujimura y por Norteamérica con Measha Brueggergosman y Kate Royal. la Konzerthaus y la Musikverein de Viena. Christine Rice. desde Lieder alemanes y mélodies francesas hasta repertorio español y canciones de cabaret: Schumann y Brahms con Bernarda Fink en Harmonia Mundi. La pasada temporada ofreció recitales con Measha Brueggergosman y Elizabeth Watts en el Concertgebouw de ámsterdam. así como en el Britten-Pears Young Artists’ Programme en Snape. Baltimore. Boston. Sus actividades como pedagogo le han llevado a impartir clases magistrales en ámsterdam. Estocolmo. De 1998 a 2002 fue director artístico del Festival de Invierno de Nagaoka en Japón. con Christine Brewer. Copenhague. el Teatro alla Scala de Milán. y con Miah Persson en la Tonhalle de Zúrich. Al igual que sus compañeros del Cuarteto Alban Berg. John Mark Ainsley. Thomas Hampson. Tras estudiar música en Cambridge. Bloomington. el Wigmore Hall y la Konzerthaus de Viena. el Concertgebouw de ámsterdam. Anna Grevelius. Imparte asimismo clases regularmente en la Universidad de Indiana. Tocó asimismo Roger Vignoles. Bernarda Fink. en la Dutch String Quartet Academy de ámsterdam y en el Royal Northern College of Music de Manchester. Before Life and After de Britten con Mark Padmore en Harmonia Mundi recibió el Diapason d’Or y el Prix Caecilia en 2009. Además. Ha actuado como miembro del Cuarteto Alban Berg en las ediciones XIV a XVI del Liceo de Cámara. el Carnegie Hall y la Frick Collection de Nueva York. Andrew Kennedy. Barbara Bonney. “El paisaje hecho canción” (un homenaje a Schubert) y “Escenas de Schumann”. Lorraine Hunt Lieberson. Su reciente grabación de Winter Words y Holy sonnets of John Donne. en el Festival de Schleswig-Holstein. Joan Rodgers. Sarah Walker y Florian Boesch.

la Filarmónica de Múnich. aunque nunca se calificaría a sí mismo de niño prodigio. 36 de Brahms. Alexander Melnikov. Tras ganar en 1987. como el Concierto para violín de André Jolivet o el Concierto nº 2 de Martinů. Para Faust. Sus últimas grabaciones para Harmonia Mundi contienen las Sonatas y partitas para violín solo de Bach (que obtuvo el Diapason d’Or). Ofreció recitales con John Mark Ainsley en la ópera de Fráncfort y el Wigmore Hall. el Concierto para violín y el Sexteto de cuerda op. En 2009 estrenó obras dedicadas a ella por los compositores Thomas Larcher y Michael Jarrell. En la actualidad disfruta tocando el fortepiano y admira a Andreas Staier como colega. Isabelle Faust. Roger Vignoles actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. En 2003 realizó su primera grabación de una gran obra romántica con orquesta. Daniel Harding. con quince años. entre otros. Oxford Lieder y Cheltenham. En 2007 grabó el Concierto de Beethoven. Charles Dutoit. Toca y graba habitualmente (para el sello Harmonia Mundi) con el pianista Alexander Melnikov. entre ellos Olivier Messiaen. sino utilizada como un reto y un incentivo para reevaluar la sustancia de cada nota con objeto de comprender su propósito y su significado. el Concierto para violín de Dvořák. En los últimos años ha colaborado habitualmente con directores como Claudio Abbado. Mariss Jansons o Ji ř í Bělohlávek y con orquestas como la Filarmónica de Berlín. Esta disposición a abrirse a diferentes leguajes musicales la ha convertido también en una intérprete muy demandada de música contemporánea. Luigi Nono y Giacinto Scelsi. En la presente temporada tendrá a su cargo su propia serie de recitales de canciones en el Wigmore Hall. En aquellos años tuvo para él una importancia capital su relación con Sviatoslav Richter. el Concurso Leopold Mozart. Tras haberlo tocado a los quince años bajo la dirección de Yehudi Menuhin. y fue nominada a un Grammy. Realiza habitualmente programas para la BBC y este mismo año presentó un recorrido discográfico por la ópera Tristan und Isolde de Wagner dentro de la serie Building a Library. en el que la escucha es tan importante como expresar tu propia personalidad. especialmente la música de Fauré y Debussy. y con Alek Shrader en el Spivey Hall de Atlanta. piano Nacido en Moscú en 1973. que le enseñó cómo combinar fuerza y sutileza. Sus primeras experiencias camerísticas la convencieron de que la interpretación es un proceso en el que se da y se recibe por igual. las orquestas de la BBC y la Orquesta de Cámara Mahler. Allí alcanzó fama internacional con su primera grabación (que contenía sonatas de Bartók. donde creció su amor por el repertorio francés. alentada por Christoph Poppen (durante años primer violín del Cuarteto Cherubini). Morton Feldman. Szymanowski y Janáček) y siguió ampliando su repertorio. la Orquesta de París. Otro elemento complementario en su desarrollo fue su contacto con la interpretación históricamente informada. mostró su talento para la música desde muy temprana edad. permitiéndole tocar un Concierto de Mozart de manera igualmente convincente con un grupo historicista como Concerto Köln y con una gran orquesta sinfónica moderna. Heinz Holliger. Isabelle Faust actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. los apartó de su repertorio durante varios años. se planteó emprender una carrera como solista. lo que supuso su inmersión en la práctica interpretativa histórica. así como de obras olvidadas. Su grabación de la integral de las Sonatas de Beethoven recibió los premios Echo y Gramophone. Ha estrenado obras de un gran número de compositores. violín Empezó a estudiar música muy pronto y a los once años fundó ya un cuarteto de cuerda. Werner Egk y Jörg Widmann. A pesar de haberse formado en la escuela rusa y de haber admirado a los grandes románticos rusos. que fue su profesor y que tuvo una influencia decisiva en ella en aquellos años. la obra ha seguido siendo un puntal de su repertorio. la Orquesta Sinfónica de Boston. tocando el Concierto nº 1 de Rachmaninov a los doce años. En 1993 obtuvo el primer premio en el Concurso Paganini y posteriormente se trasladó a Francia. no entendida de manera dogmática.en la Mozartfest de Bath y en los festivales de Tetbury. prestado por el L-Bank de Baden-Württemberg. Isabelle Faust toca el Stradivarius de 1704 conocido como “La bella durmiente”. Es una ardiente defensora de la música de György Ligeti. la importancia del diálogo musical requiere establecer un lenguaje común entre los intérpretes. Fue necesario un 110 111 .

Alexander Melnikov actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Además de su amor por la música y de la amistad existente entre sus miembros. la Filarmónica de Tokio. la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. tras lo cual realizó grabaciones muy admiradas de música de Rachmaninov y Scriabin para Harmonia Mundi. donde tocaron el Cuarteto nº 2 de Britten. comenzó a tocar a los cuatro años y estudió posteriormente en la Hochschule für Musik Hanns Eisler en Berlín con Werner Scholz. la Alte Oper de Fráncfort. Sharon Kam o Lars Vogt. el Suntory Hall de Tokio. Ofreció un recital para dos violines junto a Christian Tetzlaff en la XV edición del Liceo de Cámara. este último con la pianista Silke Avenhaus. Clemens Hagen. el Festival de Música de Cámara de Risør que dirige Leif Ove Andsnes. Su última grabación para el sello francés contiene obras de Ravel. en Stuttgart en 2004. el Festival de Ludwigsburg. en la Festspielhaus de Baden-Baden y en la Cité de la Musique de París. que ha recibido numerosos premios en varios países. incluyendo desde 2002 la de cuarteto de cuerda. Tras enseñar en la Universität der Künste de Berlín. Silke Avenhaus. harán su debut en el Prinzregentheater de Múnich. 87 de Shostakovich. Beethoven y Schumann. En noviembre de 2010 grabó la integral de los Preludios y fugas op. así como los clásicos modernos de Shostakovich. con enorme éxito. además de volver a tocar en el Wigmore Hall y el Concertgebouw de ámsterdam. En la pasada temporada realizaron una gira por Japón. 5 y 6 de Bartók y posteriormente apareció un segundo registro con el Cuarteto op. Actualmente es una de las más cotizadas solistas y cameristas de su generación. Su interés por la música de cámara le lleva a compatibilizar sus conciertos como solista con los recitales con músicos de la talla de Natalia Gutman. en 1988 el Concurso Bach en Leipzig y en 1991 el Concurso Internacional de Hannover. Pieter Wispelwey y Jean-Guihen Queyras. la Konzerthaus de Viena y Megaron en Atenas. el Cuarteto hizo su presentación en la Beethoven-Haus de Bonn. rís. Prokofiev. Daniel Sepec. la Tonhalle de Zúrich y la Philharmonie de Berlín. violín. En octubre del pasado año el grupo ofreció sus primeros conciertos en Estados Unidos. En 2006 realizó su primera gira por Japón y la pasada temporada hizo su presentación en el Festival Tivoli de Copenhague. Alexander Rudin. un sello al que llegó gracias a su vinculación con la violinista Isabelle Faust. la Sinfónica de la NHK y la Filarmónica de la BBC. donde había completado su formación. el Wigmore Hall de Londres. Debussy y Dutilleux. la Real Orquesta del Concertgebouw. el Rheingau Musik Festival. Tabea Zimmermann y Jean-Guihen Queyras fundaron el Cuarteto Arcanto. Antje Weithaas. la Filarmónica de Róterdam (dirigida por Valery Gergiev). entre otras. 51 nº 1 y el Quinteto con piano de Brahms. el Théâtre du Châtelet de Pa- 112 113 . En abril de este año debutaron en la Fundación Gulbenkian de Lisboa y en el Palau de la Música de Barcelona. sus componentes comparten el deseo de dedicarse al placer y a la exigencia que supone el trabajo cuartetístico. Hartmann y Schoeck. la Orquesta de Filadelfia (dirigida por Charles Dutoit). incluido el de mejor grabación de ese año.encuentro con Mijail Pletnev para volver a recuperar el interés por esta música. Yuri Bashmet. El amplio espectro de su repertorio incluye los grandes Conciertos de Mozart. Cuarteto Arcanto Tras muchos años de hacer música de cámara juntos en diferentes formaciones. formado por cuatro renombrados instrumentistas que hasta el momento habían sido más conocidos como solistas. y en junio ofrecieron varios conciertos en el Festival de Aldeburgh. En sus actuaciones en las siguientes temporadas. El debut del Cuarteto Arcanto tuvo lugar. en el Vredenburg de Utrecht. Antje Weithaas toca un violín del luthier alemán Peter Greiner. Antje Weithaas empezó a dar clases en la Hochschule für Musik Hanns Eisler. En 1987 ganó el Concurso Kreisler de Graz. Antje Weithaas. donde ofrecieron diversos conciertos en el Wigmore Hall. el Real Conservatorio de Bruselas. Trabaja especialmente en el campo de la música de cámara con músicos como Christian y Tanja Tetzlaff. así como varias actuaciones como artistas residentes en Londres. Ligeti o Gubaidulina y obras infrecuentes como los Conciertos para violín de Korngold. Su grabación de la integral de las Sonatas para violín y piano de Beethoven obtuvo en 2010 los premios Echo y Gramophone y fue nominada a un Grammy. la Philharmonie de Colonia. la Kunstfest Weimar. donde hicieron su presentación en el Carnegie Hall de Nueva York. la Alte Oper de Fráncfort y el Théâtre du Châtelet de París. En enero de 2012 volverán a Japón y. En 2009 fue nombrada Directora Artística de la Camerata de Berna. el Concertgebouw de ámsterdam. Ha actuado en salas como la Concertgebouw de ámsterdam. Su primera grabación para Harmonia Mundi contenía los Cuartetos núms. tocando con orquestas como la Orquesta Nacional Rusa.

Ji ř í Bělohlávek. También ha encargado a seis compositores (Kurtág. En su repertorio figuran un gran número de piezas contemporáneas y ha ofrecido los estrenos mundiales de los Conciertos para violonchelo de Ivan Fedele. la Orquesta de la Suisse Romande. estudió en Lyon. Gerd Albrecht. Günther Herbig. En la temporada 2011-2012 será artista residente del Ensemble Resonanz de Hamburgo. Hans Graf. Olivier Vivarès. Viena y ámsterdam. Ha sido profesor en la Musikhochschule de Trossingen y en la actualidad es catedrático en la Musikhochschule de Stuttgart. con Conciertos de Haydn y Monn con la Orquesta Barroca de Friburgo. violonchelo Se formó con Jean Deplace en Lyon y Jean-Guihen Queyras en Stuttgart. Tabea Zimmermann. el Palais des Beaux-Arts de Bruselas. El Cuarteto Arcanto ha actuado en las ediciones XV a XIX del Liceo de Cámara. el Wigmore Hall de Londres. con conciertos para violonchelo del siglo xxi y el Concierto para violonchelo de Dvořák con la Philharmonia de Praga dirigida por Ji ř í Bĕlohlávek. Ofreció un recital para violonchelo solo en el XIX Liceo de Cámara. Como cotizado músico de cámara y solista ha tocado en salas tan prestigiosas como el Concertgebouw de ámsterdam. la Tonhalle de Zúrich. Colonia. Veress. Alexandre Tharaud. También toca con los especialistas de zarb Kevan y Bijan Chemirani. Roger Norrington. Leipzig y San Petersburgo. Colabora también con músicos como Pierre-Laurent Aimard. En su discografía destaca la publicación en 2008 de las Suites para violonchelo solo de Bach para el sello Harmonia Mundi. Jean-Guihen Queyras. Beat Furrer. David Stern. En 2004 ganó el primer premio del Concurso Internacional Johann Sebastian Bach en Leipzig. Emmanuel Pahud y Jean-Yves Thibaudet. Harvey. Kurtág y Kodály. Ha tocado música de cámara con Jean-Guihen Queyras. Denis Russell Davies. prestado por el Mécénat Musical Société Générale. En mayo de 2007 fue artista residente en el Concertgebouw de ámsterdam y el año siguiente hizo su presentación en los Proms de Londres y tocó la Sinfonía para violonchelo y orquesta de Britten en el Festival de Aldeburgh. En el Concurso Domnick de Stuttgart recibió el Premio Especial por su interpretación de la música contemporánea. con el que grabó el Concierto para violonchelo de György Ligeti para Deutsche Grammophon bajo la dirección de Pierre Boulez. Su interés por la música contemporánea le ha llevado a colaborar con el Ensemble Contrechamps de Ginebra. 114 115 . Friburgo y en la Juilliard School de Nueva York. lo que le ha permitido trabajar de cerca con los compositores Pierre Boulez. Gilbert Amy. Stefan Wirth. ente otros. Magnus Lindberg y Helmut Lachenmann. Antje Weithaas. el Suntory Hall de Tokio y el Carnegie Hall de Nueva York. la Musikhalle de Hamburgo y la Cité de la Musique en París. París. el Wigmore Hall de Londres. György Kurtág. Amy. Juliette Hurel. Lars Vogt. Heinz Holliger. con la Sonata “Arpeggione” de Schubert (ambos con el pianista Alexandre Tharaud). violín Véase su biografía en la página 120. con los que tocará diversos programas en Hamburgo. Philippe Herreweghe. Muhai Tang. Olivier Knussen. la Sinfónica de Tokio. de Debussy y Poulenc. la Orquesta Hallé de Manchester. Ivan Fischer. Emmanuel Nunes. Finghin Collins. Frans Brüggen.Daniel Sepec. Nodaïra y Fedele) que escribieran un “eco” para cada una de las Suites de Bach. Mochizuki. entre otros. John Neschling y András Ligeti. Ha tocado en salas como la Philharmonie de Berlín. Ed Gardner. Marek Janowski. la Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. la Filarmónica de Radio Francia y la Orquesta de París con directores como Heinz Holliger. violonchelo. Desde noviembre de 2005 toca un violonchelo construido por Gioffredo Cappa en 1696. Jean-Guihen Queyras ha actuado con orquestas del prestigio de la Sinfónica de la RAI de Turín. Es también uno de los directores artísticos de los Rencontres Musicales de Haute-Provence que se celebran todos los años en Forcalquier. Bruno Mantovani y Phillipe Schoeller. tras lo cual fue invitado a tocar en Fráncfort. Kari Kriikku. Jean-Claude Casadesus. En el ámbito de la música de cámara toca habitualmente con los pianistas Alexander Melnikov y Alexandre Tharaud y con la violinista Isabelle Faust. la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. George Benjamin. un proyecto que ha tocado en salas como la Konzerthaus de Berlín. el festival de Aldeburgh y la Bachfest de Leipig. Daniel Rowland o los Cuartetos Arcanto y Vogler. viola Véase su biografía en la página 98. que ha publicado también otros con obras para violonchelo solo de Britten. Olivier Marron. Ha sido violonchelo solista del Ensemble InterContemporain de París. Leonard Slatkin.

Entre sus futuros proyectos se encuentra la interpretación de conciertos dedicados a Rostropovich con orquestas sinfónicas australianas. También ha grabado piezas para violonchelo de Schubert (algunas de ellas en su propia transcripción para su instrumento) con instrumentos históricos junto a Paolo Giacometti. la Sinfónica de la BBC. Ton Koopman. Vladimir Jurowski. Louis Langrée. la Sinfónica de Dallas. la Celebrity Series de Boston. concedido al músico joven más prometedor del país. Sus grabaciones más recientes son el Concierto para violonchelo de William Walton (con la Sinfónica de Sydney y Jeffrey Tate). la Orquesta de Cámara Escocesa. recitales y música de cámara. en Seúl y en festivales en ámsterdam (Prinsengracht). Alemania y Norteamérica. Actuó en el X Liceo de Cámara tocando la integral de las Suites para violonchelo de Bach. En la siguiente edición tocó las tres Suites para violonchelo solo de Britten. Jeffrey Tate. el Teatro Colón de Buenos Aires. incluyendo numerosas obras compuestas específicamente para él. la Orquesta Hallé. la Sinfónica de Sydney. la Orquesta del Festival de Budapest o la Camerata de Salzburgo. Kent Nagano. Neville Marriner. reuniendo durante una semana a los mejores violonchelistas del mundo en una serie de conciertos. colaborando con directores como Ivan Fischer. Entre 2009 y 2011 fue el director artístico del Festival de Violonchelo de Beauvais (Fancia). Pieter Wispelwey. el Wigmore Hall y St. Polonia (Wratislavia Cantans) y giras por Italia. Desde enero de 2009 hasta marzo de 2001 ha dado clases en la Staatliche Hochschule für Musik de Stuttgart como ayudante de Jean-Guihen Queyras. la Sala Megaron de Atenas. la Sinfónica de São Paulo. Esa-Pekka Salonen. la Società del Quartetto de Milán. la Filarmónica de Tokio. En 1992 se convirtió en el primer violonchelista en obtener el Premio de la Música Holandés.Toca un instrumento construido por Jean-Baptiste Vuillaume en París en 1852 que le ha cedido generosamente el Fonds Instrumental Français. Pieter Wispelwey toca un violonchelo construido por Giovanni Battista Guadagnini en 1760. la Orquesta de Cámara St. la Sinfonía concertante de Prokofiev (con la Filarmónica de Róterdam y Vassily Sinaisky) y la Sinfonía para violonchelo y orquesta de Britten (con la Sinfónica de Flandes y Seikyo Kim). la Academy of Ancient Music. el Centro Nacional de Artes Interpretativas de Pekín. la Sinfónica de la NHK. se formó con Dicky Boeke y Anner Bylsma en ámsterdam. la Orchestra of the Age of Enlightenment. la Sala Topan de Tokio. Yannick Nézet-Séguin. la Sinfónica de la Radio Danesa. Marc Minkowski. el Walt Disney Hall de Los ángeles y el Lincoln Center de Nueva York. el Théâtre du Châtelet en París. además de actuaciones con la Filarmónica de Japón. con Paul Katz en Estados Unidos y con William Pleeth en Gran Bretaña. como la Sinfónica de Boston. todas ellas realizadas en directo. recitales a solo en el Museo del Louvre de París. la Konzerthaus de Dortmund. Bozar en Bruselas. Su versatilidad le permite tocar igualmente el violonchelo barroco y el violonchelo moderno en un repertorio que abarca de Johann Sebastian Bach a Elliott Carter. Vassily Sinaisky. Luke’s en Londres. Concertgebouw de Brujas). A lo largo de su carrera ha tocado con muchas de las mejores orquestas del mundo. Herbert Blomstedt. la Konzerthaus de Berlín. Su amplísima discografía se encuentra recogida principalmente en los sellos Onyx y Channel Classics. el Concertgebouw de ámsterdam. Philippe Herreweghe. Paavo Berglund. el pianista Cédric Tiberghien (Wigmore Hall de Londres). la Orquesta Yomiuri Nippon. con quien acaba de publicar también en el sello Onyx las Sonatas para violonchelo de Mendelssohn y una selección de Valses de Chopin arreglados para violonchelo y piano. Wigmore Hall de Londres. la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. la Filarmónica de Lieja y una gira con la Orquesta Sinfónica de Flandes. la Filarmónica de Londres. Entre sus recitales destacan los proyectos con el fortepianista Kristian Bezuidenhout (Konzerthaus de Viena. la Sinfónica 116 117 . Libor Pešek o Roger Norrington. Sus recitales le han llevado a tocar de forma habitual en el Wigmore Hall de Londres. violonchelo Nacido en Haarlem (Holanda). Actuó en el XVII Liceo de Cámara interpretando los dos Sextetos de cuerda de Brahms con el Cuarteto Arcanto de Sapporo. la Utzon Room de Sydney. Paul.

así como un disco con las Mazurcas de Chopin. piano Cédric Tiberghien estudió en el Conservatorio de París con Frédéric Aguessy y Gérard Frémy y recibió el Premier Prix en 1992. y en Francia la Filarmónica de Radio Francia. la New Japan Philharmonic. Yutaka Sado y Jerzy Semkow. Tel Aviv. el Quinteto Moraguès. Ji ř i Bělohlávek. y los violinistas Amanda Favier (Sonatas de Janáček y Strauss en Lyrinx) y Vadim Tchijik (obras de Fauré y Ravel). En 2011 ha sido el pianista invitado del Musikkollegium Winterthur para un proyecto Bach en el que interpretó el Libro II completo del Clave bien temperado. incluidos el Premio del Público y el Premio de la Orquesta. con siete giras por Japón y apariciones en toda Europa. Cédric Tiberghien ha aparecido con un gran número de orquestas internacionales. Bach (Partitas). Antes hicieron su debut discográfico con la grabación de las obras completas para violín y piano de Szymanowski. la Sala Bechstein en Berlín. el Concertgebouw de ámsterdam. la Orquesta de París y la Orquesta Nacional de Francia. la Salle Pleyel y el Théâtre des Champs Élysées en París. la Philharmonie y la Konzerthaus de Berlín y en diversos festivales de verano por toda Europa. el Wigmore Hall. Luego resultó vencedor en diversos concursos internacionales (Bremen. un disco con diez Danzas Húngaras. la Sinfónica Nacional de Irlanda. Ha ofrecido recitales por todo el mundo en las salas más importantes. lo que le ha granjeado de inmediato una invitación para tocar en la presente temporada dos conciertos con la Sinfónica de Boston en Boston y en el Carnegie Hall de Nueva York. Su discografía a solo. la Orchestre de la Suisse Romande. entre muchos otros. Sonatas de Britten. 76 y los Valses op. además de otros cinco galardones especiales. el Royal Albert Hall. Bacri y Debussy en Fuga Libera) y Valérie Aimard (repertorio francés en Lyrinx). 118 119 . Esto impulsó su carrera internacional. Beethoven (Variaciones). la Filarmónica de Hamburgo. el Cuarteto Psophos. la Sinfónica de São Paulo. con sólo diecisiete años. la integral de los Conciertos de Beethoven con la Orchestre National d’Île de France y una gira con las orquestas más destacadas de Australia y Nueva Zelanda. Chopin. como el Kennedy Centre en Washington. la Orquesta Sinfónica de la NHK. La integral se ha publicado también en disco con gran éxito en el sello Wigmore Live. así como en Bozar y el Théâtre de la Monnaie de Bruselas. Con más de sesenta conciertos para piano y orquesta en su repertorio. la Gelders Orkest. en el Jersey Arts Centre y durante una residencia en el Festival de Aldeburgh. Ha realizado también grabaciones con las violonchelistas Marie Hallynck (Sonatas de Schumann y Grieg en Harmonia Mundi. Valérie Aimard. más recientemente. Louis Langrée.Cédric Tiberghien. la Filarmónica de Tokio. incluye un disco concertante (el Concierto nº 1 de Brahms con la Sinfónica de la BBC y Ji ř i B ělohlávek) y cinco discos de recitales: Debussy. además de dos de los Conciertos para teclado de Bach. En 2011 se ha publicado su grabación de las Variaciones sinfónicas y Les Djinns de César Franck para el sello Cyprès. Recientemente ha hecho su debut con orquesta en Estados Unidos. En recital tiene previsto aparecer las siguientes tres temporadas en el Wigmore Hall de Londres. Ha colaborado con directores como Simone Young. Cédric Tiberghien tocó dos conciertos con Sonatas para violín y piano de Beethoven junto a Alina Ibragimova en el XVIII Liceo de Cámara. Marie Devellereau y Gweneth-Ann Jeffers. la Sinfónica de Sydney. Kurt Masur. Ginebra. la Orquesta Hallé. la Sinfónica de Tokio. publicada a comienzos de 2009 por el sello Hyperion. en el Wigmore Hall de Londres. Milán) y obtuvo el primer premio en el prestigioso Concurso Long-Thibaud en París en 1998. tocando la Sinfonía Turangalîla de Messiaen con la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington dirigida por Christoph Eschenbach. con más de un centenar y medio de compromisos en todo el mundo. Myung-Whun Chung. la Orquesta del Festival de Budapest. las Klavierstücke op. Dublín. Bertrand Chamayou. el Mozarteum de Salzburgo. Cédric Tiberghien es también un apasionado camerista: en la temporada 2009-2010 interpretó el ciclo completo de las Sonatas para violín y piano de Beethoven con su compañera de dúo. Ivan Fischer. el Cuarteto Ysaÿe. Alain Planès. Christoph Eschenbach. la Ópera de Sydney y las salas Bunka Kaikan y Asahi de Tokio. Nicholas Angelich. Marie Hallynck. publicada por Harmonia Mundi. incluidas la Sinfónica de la BBC. Colabora también en música de cámara con artistas como Sophie Karthäuser. las Baladas de Brahms y. Antoine Tamestit. Pierre Amoyal. que acaba de lanzar al mercado su integral de las obras para violín y piano de Ravel junto con la Sonata de Guillaume Lekeu. el Queen Elizabeth Hall y el Barbican Centre en Londres. Leif Segerstam. publicado en 2010. También va a tocar próximamente con la Sinfónica de Seattle. Alina Ibragimova. Stuttgart Staatsorchester. 39 de Brahms.

Posteriormente las ha llevado al disco para el sello Coviello Classics con Hille Perl (viola da gamba). Ha tocado regularmente con el Concentus Musicus de Viena. la Camerata del siglo xviii. En 2003 formó un trío con piano con el violonchelista Jean-Guihen Queyras y el fortepianista Andreas Staier para tocar el repertorio clásico vienés. un conjunto de instrumentos originales. Ese mismo año formó un trío con el flautista Eugen Bertel y el guitarrista Alexander Swete. actuando también de manera regular como solista con directores como Daniel Harding. Desde 1993 ha sido concertino de la Deutsche Kammerphilharmonie de Bremen. en los últimos años. Frans Brüggen y Trevor Pinnock. Como solista ha tocado con la Academy of Ancient Music dirigida por Christopher Hogwood. MDG y CPO con grupos como la Akademie für Alte Musik de Berlín. Thomas Hengelbrock y Kay Johanssen y ha sido invitada como directora por la Camerata de Berna y la Kammerakademie Potsdam. compatibilizando siempre la interpretación del violín barroco y del violín moderno. la Akademie für Alte 120 121 . así como con Gerhard Schulz en Viena. Con el Ensemble Explorations ha grabado para Harmonia Mundi Quintetos de cuerda de Boccherini y obras de cámara de Dvořák con instrumentos de época. junto con Kathrin Tröger. con Boris Kuschmir en Viena y con Nora Chastain en Winterthur. Ha realizado grabaciones para los sellos Harmonia Mundi. Daniel Sepec ha tocado como miembro del Cuarteto Arcanto en las ediciones XV a XIX del Liceo de Cámara. violín barroco Nacida en Stuttgart. Como concertino invitado ha actuado con la Orquesta de Cámara de Europa. A partir de 1997 dio clases en la Hochschule der Künste de Berlín y tres años después fue nombrada profesora de la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst en Stuttgart. violonchelo barroco Nacido en 1969 en Fráncfort. Actúa como concertino regularmente en el Ensemble Balthasar-Neumann.Daniel Sepec. Atraído por la riqueza de expresividades de la música barroca. Christine Busch toca por primera vez en el Liceo de Cámara. Salzburger Hofmusik y. bajo la dirección de Thomas Hengelbrock. se crió en Mössingen/Tubinga y estudió con Wolfgang Marschner y Rainer Kussmaul en Friburgo. Christine Busch. estudió de 1990 a 1997 con Thomas Demenga y Reinhard Latzko en la Musikhochschule de Basilea. También ofrece conciertos y ha grabado diversos discos con Andreas Staier. Ha tocado las Sonatas del Rosario de Biber con violín barroco en la Konzerthaus de Viena y en la Semana de Música Antigua de Innsbruck. entre ellos uno con obras de Beethoven en el que utilizaba el violín que había pertenecido al compositor alemán y que se encuentra en la Beethoven-Haus de Bonn. un cuarteto con instrumentos históricos. principalmente con el Ensemble Explorations que dirige el violonchelista belga Roel Dieltiens. En 2004 fundó. la Camerata de Berna y la Camerata Académica de Salzburgo. cuyo repertorio se sitúa entre Haydn y Mendelssohn. que incluía obras de Joseph Martin Krause. Posteriormente asistió a las clases de violonchelo barroco de Christophe Coin en la Schola Cantorum Basiliensis y desde entonces se ha concentrado en la interpretación con instrumentos históricos. con la Wiener Akademie y Martin Haselböck y con la Orchestre des Champs-Élysées dirigida por Philippe Herreweghe. A finales de 2003 apareció en el sello Carus su grabación de las Sonatas para violín y clave de Bach (con Kay Johannsen). y asistió a clases magistrales con Sándor Végh y el Cuarteto Alban Berg. Como músico de cámara participa regularmente desde 1995 en la Schubertiade de Hohenems. Ha sido también concertino en agrupaciones dirigidas por Philippe Herreweghe. Poco después publicó su primera grabación con el Cuarteto Salagon. Lee Santana (laúd) y Michael Behringer (órgano). Forma parte habitualmente de grupos como la Orquesta Barroca de Friburgo. Thomas Hengelbrock. la Orquesta de Cámara de Europa y la Orquesta Barroca de Friburgo. Claudia Hofert y Gesine Queyras el Cuarteto Salagon. Con él ha publicado un disco con obras de Beethoven y Hummel. Patrick Sepec. violín barroco Estudió con Dieter Vorholz en Fráncfort. En la XVII edición tocó en solitario la Passagalia de Biber con violín barroco. Su última grabación con Andreas Staier para Harmonia Mundi contiene las dos Sonatas de Robert Schumann y la Chacona de Bach con el acompañamiento pianístico añadido por Schumann. Daniel Sepec ha mostrado un interés creciente por el violín barroco. Desde septiembre de 2010 da clases de violín en la Hochschule für Musik de Basilea.

Desde octubre de 2002 es catedrática de clave en la Hochschule für Musik und Theater de Múnich. Desde 1985 se concentra en su labor como clavecinista y fortepianista. Considerado como uno de los más prestigiosos conjuntos de cámara del mundo. especializado en la interpretación de la música italiana y alemana del siglo xvii.Musik de Berlín. Wilhelm Friedemann y Johann Christian Bach. la Hochschule für Musik und Theater de Múnich y en la Academia de Música Feliks Nowowiejski Bydgoszcz de Bromberg (Polonia). Michael Schmidt-Casdorff. Varsovia. Leopold Hager. de la Orquesta del Siglo xviii (que dirige Frans Brüggen) y de Neuen Düsseldorfer Hofmusik. Es flauta solista del Balthasar-Neumann Ensemble (que dirige Thomas Hengelbrock). el grupo ha colaborado con numerosos artistas y compositores. Karlsruhe. Conciertos para clave de Carl Philipp Emanuel. y su 122 123 . Desde 2003 es miembro del grupo Münchener Cammer-Music. Nikolaus Harnoncourt. Ulla Bundies y Mary Utiger. clave y órgano Tras completar sus estudios de piano en la Hochschule für Musik de Berlín. especializado en el repertorio contemporáneo. Peter Schreier. Hellmuth Rilling. Gilbert Varga. Entre 1988 y 1992 fue profesora de clave y bajo continuo en la Hochschule für Musik und Theater de Leipzig. Anima Eterna. Hizo su presentación como fortepianista en 1994 acompañando al tenor Peter Schreier y colabora especialmente con Andreas Staier (en la interpretación de conciertos para dos claves). Eduardo López Banzo y Marcus Creed. En 2005 apareció su grabación de las obras completas para teclado de Haydn en cinco instrumentos históricos. lo que le ha llevado a colaborar con directores como Georg Solti. Como instrumentista moderno formó parte entre 2011 y 2008 del Ensemble Resonanz. Ha realizado numerosas grabaciones discográficas. Japón y Estados Unidos. con el que ha grabado para el sello Challenge Classics Conciertos para cuerda de Johann Gottlieb Graun. Ton Koopman y Johann Sonnleitner. Christine Schornsheim. Covent Garden. flauta travesera barroca Nacido en Beckum. Más tarde dio clases también de fortepiano y fue responsable de la creación del departamento de Música Antigua. También ha colaborado con Ivor Bolton interpretando la parte de continuo en la Ópera Estatal de Baviera y en la Royal Opera House. Claudio Abbado. Como solista ha actuado también por toda Europa y en Israel. Hermann Max y Christoph Poppen. colaborando con directores como René Jacobs. Patrick Sepec toca por primera vez en el Liceo de Cámara. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Es además miembro del grupo Les cornets noirs. la Konzerthausorchester de Berlín y la Filarmónica de Stuttgart. realiza talleres de interpretación histórica de instrumentos de viento para orquesta moderna como la Philharmonische Staatsorchester de Halle. estudió con Konrad Hünteler en la Musikhochschule de Detmold y su formación se enriqueció con los consejos de Frans Brüggen. dirigido por Ilia Korol y Julia Moretti. La Stagione o Al Ayre Español. Da clases también regularmente en la Folkwang Hochschule de Essen. el Preis der Deutschen Schallplattenkritik y el Premio Echo. Philippe Herreweghe. Jos van Immerseel. Georg Christoph Biller. Seiji Ozawa. Markus Creed. que recibió el Diapason d’Or. Más tarde completó su formación con Gustav Leonhardt. Desde 2009 toca como primer violonchelo con el conjunto austriaco moderntimes_1800. Christine Schornsheim actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Düsseldorf y Neuburg). Salzburgo. trabajó como pianista repetidora en el Hans-Otto-Theater de Potsdam y durante ese tiempo estudió clave y bajo continuo con Walter Heinz Bernstein en Leipzig. Cuarteto de Tokio El Cuarteto de Tokio ha cautivado a público y crítica desde su fundación hace más de cuarenta años. Christoph Huntgeburth. Además de impartir cursos de flauta travesera histórica y música de cámara (en ciudades como Basilea. También es invitado frecuentemente por Alice y Nikolaus Harnoncourt para participar en numerosos proyectos con el Concentus Musicus de Viena. André Jaunet y Robert Aitken. Conciertos para fortepiano de Mozart y obras para flauta de Beethoven con el flautista Christoph Huntgeburth. entre las que destacan las Variaciones Goldberg y obras poco frecuentes para teclado de Johann Sebastian Bach.

Suele ofrecer más de cien conciertos al año por todo el mundo. así llamados por haber sido adquiridos y utilizados por el virtuoso Niccolò Paganini durante el siglo xix. así como un segundo dedicado a Béla Bartók. le dedican gran parte de su tiempo durante el curso académico. Su disco con el Quinteto con clarinete de Brahms con Joan Enric Lluna (Harmonia Mundi) ha recibido unas excelentes críticas. Eberhard Feltz y György Kurtág. tocando en algunos de los auditorios más prestigiosos. Desde entonces ha permanecido vinculado a dicha fundación. En la temporada 2005-2006 estrenó tres nuevos encargos de los compositores Lera Auerbach. que patrocinó su primer disco. CBS y Vox Cum Laude. 50 y 76 completas de Joseph Haydn. Recientemente fueron seleccionados para tomar parte en el prestigioso esquema “New Generation Artists” de la BBC y han sido apoyados por la Fundación Borletti-Buitoni. La pasada temporada tocaron quintetos colaborando con músicos como David Watkin. Desde 1976 los miembros del Cuarteto de Tokio han colaborado con la Escuela de Música de Yale. El estreno mundial del Cuarteto de este último tuvo lugar en Melbourne y posteriormente en otras ciudades australianas. el Cuarteto de Tokio ha actuado sistemáticamente en el Liceo de Cámara y ha sido en varias ocasiones Cuarteto Residente del ciclo. BMG/RCA. Asia y Estados Unidos. Desde la III edición. En abril de 2010 estrenaron en el Liceo de Cámara el Cuarteto Breve del compositor Alberto Iglesias en uno de los dos conciertos ofrecidos con motivo del cuadragésimo aniversario de la creación del grupo. “Primera Luz”. prestados al grupo por sus propietarios privados. Leon Fleisher. En ese mismo año comenzó su cola- 124 125 . Durante la temporada 2007-2008 el grupo actuó en toda Europa. el Concertgebouw de ámsterdam. En 2005 obtuvo el Premio Belmont de la Fundación Forberg-Schneider. El estreno de la obra de Higdon fue presentado por la Asociación de Amigos de la Música de Cámara de Arizona en marzo de 2006. Jeremy Denk y Emanuel Ax.discografía ha merecido las críticas más entusiastas. Roberto Díaz y Michael Tree. Jennifer Higdon y Peter Sculthorpe. También imparten regularmente clases magistrales en Norteamérica. En 2010 ofreció dos conciertos que se enmarcaron dentro de una amplia gira mundial con motivo de la celebración del 40º aniversario de su fundación. junto a los Cuartetos Hagen. se formó en París con el Cuarteto Ysaÿe y junto a maestros como Gábor Takács. sino también en ciudades que van de Australia a Estonia y de Escandinavia al Lejano Oriente. que abarca tanto obras clásicas como contemporáneas. Han realizado más de treinta grabaciones para diferentes casas discográficas. El Cuarteto de Tokio es reconocido a nivel mundial por su amplio repertorio. El sello Biddulph ha publicado los Cuartetos “Prusianos” de Mozart. que generosamente les ha proporcionado instrumentos antiguos italianos. que contiene obras de Joseph Haydn y que fue muy alabado por la crítica. Estos instrumentos constituyen un préstamo de la Fundación Nipona de Música desde 1995. Sabine Meyer (con la que tocaron en el Liceo de Cámara). Emerson y Arcanto. El grupo se dio a conocer en el prestigioso Concurso Internacional de la ARD en Múnich en su edición de 2004 al recibir cinco galardones especiales. además de tocar Quintetos de Mozart en varios países con los violistas Naoko Shimizu. el Cuarteto Ebène ha crecido hasta convertirse en uno de los cuartetos más destacados del panorama internacional. EMI. la Philharmonie de Berlín y el Carnegie Hall de Nueva York. el Cuarteto Ebène participó en el ciclo dedicado a Haydn en el Wigmore Hall de Londres. Muchas de estas grabaciones han sido galardonadas con el Grand Prix du Disque de Montreux. Desde su condición de joven promesa. la misma obra que tocaron en el XVI Liceo de Cámara. de Lera Auerbach. Europa y Asia. En los últimos años han completado una integral de los Cuartetos de Beethoven para esta casa discográfica francesa. además de mantener su compromiso con la enseñanza. Cuarteto Ebène Fundado en 1999. Muy comprometidos con la enseñanza a jóvenes cuartetos de cuerda. y en su gira por nuestro país el Cuarteto ofreció en la primavera de 2006 el estreno mundial del Cuarteto nº 2. como la Musikverein de Viena. En 2009. así como al prestigioso Festival de Música de Cámara de Norfolk en el verano. no solamente en las grandes capitales. grabado en directo. En las ediciones XVI y XVII interpretó las opp. como Deutsche Grammophon. El Cuarteto de Tokio utiliza el grupo de famosos instrumentos Stradivarius conocidos como el “Cuarteto Paganini”. Mejor Grabación de Música de Cámara del Año por parte de las revistas Stereo Review y Gramophone y han recibido siete nominaciones al Grammy.

En sus conciertos es habitual que interpreten primero. el Lincoln Center de Nueva York o las Follées Journées en Francia y Japón. ha tocado con las Orquestas de Cámara de Múnich y Viena. Emmanuel Pahud. 2001). toca habitualmente con músicos como Gidon Kremer. Renaud y Gautier Capuçon. con la participación de estrellas invitadas como Fanny Ardant. tras la pausa. Posteriormente ha grabado la Sinfonía concertante de Mozart con Renaud Capuçon y la Orquesta de Cámara Escocesa dirigida por Louis Langrée para el sello Virgin Classics. con quien posteriormente grabaría la obra para el sello Nimbus. Graz y Viena. En 2007 fue nombrado “Révélation Instrumentale de l’Année” de Victoires de la Musique. El sello Ambroisie ha publicado su primera grabación a solo. Luz Casal. en las Audiciones Internacionales de YCA (Nueva York. En el Festival de Feldkirch en 2002 estrenó Viola. Como solista. donde abordan también la interpretación de música pop y de una de las grandes especialidades del grupo. con quien ha tocado en el Concertgebouw de ámsterdam. y con Tabea Zimmermann en Berlín. la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. la Musikverein de Viena. Sus proyectos más inmediatos son Harold en Italia de Berlioz con Antoine Tamestit. el Wigmore Hall de Londres. En su última incursión discográfica han retomado el repertorio clásico con los Cuartetos K. el Concierto para viola de Schnittke con la Filarmónica de Varsovia y Dmitri Kitaienko (Ambroisie) y el Quinteto “La trucha” de Schubert con Christian Tetzlaff. la Filarmónica de Varsovia y la Sinfónica de Berlín. la Orquesta de la Gewandhaus. la Filarmónica de Viena (con la que debutó en 2008 en el Festival de Lucerna bajo la dirección de Riccardo Muti). Su repertorio abarca del Barroco a la música contemporánea. Haydn y Debussy para. Duante la temporada 2009-2010 fue artista residente en la Konzerthaus de Berlín. por ejemplo. ofrecer su propio arreglo de la banda sonora de la película Pulp Fiction. Destacado camerista. Boris Pergamenschikov. Nicholas Angelich o Natalia Gutman. aunque raramente presenta programas que combinen en un mismo concierto la música clásica y el jazz.boración con el sello Virgin Classics. el Premio Joven Artista de Crédit Suisse. 126 127 . También toca en trío con Frank Peter Zimmermann y Christian Poltera. el Carnegie Hall de Nueva York. Con la Orquesta Filarmónica de Radio France. 421 y 465 y el Divertimento K. en la Universidad de Yale con Jesse Levine y el Cuarteto de Tokio. Paul Meyer. Debussy y Fauré obtuvo dos premios Gramophone en 2009 dentro de las categorías de “Mejor Grabación del Año” y “Mejor Grabación de Música de Cámara”. viola Nacido en 1979. el jazz. Mischa Maisky. En la presente temporada tiene previsto tocar con la Orquesta de París. la Filarmónica de la BBC. Janine Jansen. una improvisación sobre Spain de Chick Corea y regalar una propina en la que el grupo desvela los talentos vocales de un grupo a cappella. A estos premios se suman el Premio Echo de la prensa alemana. la Orquesta Nacional de Lyon. el Concurso William Primrose (Chicago. Ha obtenido el primer premio en el Concurso Maurice Vieux (París. Es uno de los ganadores del premio de la Fundación Borletti-Buitoni en 2006. Viola de George Benjamin junto a Tabea Zimmermann. la Festspielhaus en Baden-Baden. La compositora Olga Neuwirth escribió para él un Concierto estrenado en Berlín. Tocó por primera vez en el concierto inaugural del XIX Liceo de Cámara. 138 de Mozart. Stacey Kent y Natalie Dessay. Un recital con obras de Schubert y Tríos de cuerda con Frank Peter Zimmermann y Christian Poltera constituyen sus últimos registros discográficos. con obras de Bach y Ligeti. la Cité de la Musique de París. 2000). que recibió un premio Echo. en el que también recibió el Premio del Público y dos premios especiales. No es fácil encontrar otro cuarteto que se mueva con tanta facilidad y entusiasmo entre los distintos estilos. 2003) y en el Concurso Internacional de la ARD (Múnich. la Orquesta de Lieja y la Orquesta de la WDR de Colonia estrenó también un Concierto para dos violas escrito por Bruno Mantovani para Tabea Zimmermann y para él mismo. además de recibir el Förderpreis Deutschlandfunk en 2008 y. estudió con Jean Sulem en el Conservatorio de París. Marie-Elisabeth Hecker. Megaron en Atenas. Posteriormente grabaron un disco con obras de Brahms junto a la pianista Akiko Yamamoto y el año pasado de publicó su disco Fiction. Su primer disco con obras de Ravel. la Nueva Filarmónica de Japón y la Orquesta Filarmónica de Radio France y Myung-Whun Chung en una gira por Alemania. el Palais des Beaux-Arts en Bruselas. Julian Rachlin. el “ffff” de Télérama y el “Choc” de Le Monde de la Musique. 2004). la Konserthuset en Estocolmo. Alois Posch y Martin Helmchen (Pentaton). la Orquesta Filarmónica de Radio Francia. Isabelle Faust. en ese mismo año. entre otras. Jean-Guihen Queyras. Colabora habitualmente en recital con el pianista alemán Markus Hadulla.

Posteriormente ha recibido una fuerte influencia de músicos como Mstislav Rostropovich. la Orquesta de Cámara de Zúrich. entre otras. así como con la Sinfónica de Bamberg. En 2010 fue elegido como uno de los integrantes del programa New Generation Artists de la BBC. la Tonhalle de Zúrich.Marc Minkowski y los Tríos de cuerda de Beethoven. ha tocado en las salas de concierto más importantes del mundo. Trondheim. Patricia Kopatchinskaja. Jerusalén. la Philharmonie de Colonia. Ludwigsburg. Lausanne. Alina Ibragimova. Tchaikovsky y Friedrich Gulda. Da clases en la Musikhochschule de Colonia y toca un instrumento excepcional construido por Antonio Stradivarius en 1672. Sofia Gubaidulina. la Orquesta Sinfónica de la Radio Danesa. Perth. en 2009 obtuvo una beca de la Fundación Borletti Buitoni y el año siguiente recibió el prestigioso premio Crédit Suisse Young Artist Award. las Orquestas Sinfónicas de Melbourne y Adelaida. Toca un instrumento construido por Nicolas Lupot en París en 1821. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart y Roger Norrington. Schleswig-Holstein. la Philharmonie Austrohúngara Haydn y Adam Fischer. Carolin Widmann. el Cuarteto Ebène. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. el Mozarteum de Salzburgo y la Konzerthaus de Viena. HK Gruber y Wilhelm Killmayer. el Ensemble Scharoun de la Filarmónica de Berlín o la intérprete de bajan Elsbeth Moser. Posteriormente grabó para el sello Claves obras concertantes de Schumann. donde prosiguió sus estudios con Eberhard Feltz. el Carnegie Hall y el Alice Tully Hall de Nueva York y el Teatro Herbst de San Francisco. que le permitió hacer su debut con la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Gustavo Dudamel en el Festival de Lucerna. Actuó en el XVII Liceo de Cámara tocando los Quintetos y Sextetos de cuerda de Brahms junto con el Cuarteto Arcanto y en el XIX Liceo de Cámara con un recital para viola sola. Yuri Bashmet. la Orquesta de Cámara de Stuttgart y Dennis Russell Davies. violonchelo Nacido en 1982 en el seno de una familia de ascendencia francesa y alemana. Bath y Cheltenham. la Philharmonie de Berlín. Heinrich Schiff. Kirill Gerstein. la Konserthuset de Estocolmo. Rheingau. como la Konzerthaus y la Musikverein de Viena. la Tapiola Sinfonietta y la Orquesta Juvenil Simón Bolívar. En las últimas temporadas ha tocado con la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich y Neville Marriner. Kronberg o la Beethovenfest de Bonn. Miklós Perényi. Cuarteto Belcea Fundado en el Royal College of Music en 1994. además de frecuentar los festivales de Luberon. el Théâtre du Châtelet de París. Sus conciertos le han llevado a tocar en escenarios tan prestigiosos como el Centro de las Artes de Seúl. prestado por la Fundación Habisreutinger. Después de salir triunfador en diversos concursos internacionales. Jörg Widmann. Franghiz Ali-Sade. En el ámbito de la música de cámara toca habitualmente con Gidon Kremer. el Palais des Beaux Arts de Bruselas. Alexander Lonquich. Su primer disco lo publicó el sello Genuin en 2007. Aldeburgh. la Sala Verdi de Milán. Daniel Hope. 128 129 . fue uno de los últimos alumnos de Boris Pergamenschikow en Berlín. la Sala Hércules de Múnich. de nuevo con Zimmermann y Poltera. el Festival de las Artes de Hong Kong. Son asimismo habituales en todos los grandes festivales del Reino Unido: Edimburgo. la Tonhalle de Zúrich. Pekka Kuusisto. Siente una especial afinidad hacia la música contemporánea y ha trabajado con compositores como Gyorgy Kurtág. Tabea Zimmermann. Moritz Eggert. Barnabás Kelemen. Lera Auerbach. el Concertgebouw de ámsterdam. También es invitado regularmente a festivales internacionales como los de Lockenhaus. la Konzerthaus de Berlín. Estambul. y fueron Cuarteto Residente en el Wigmore Hall entre 2001 y 2006. el Théâtre du Châtelet de París. prestado por la Deutsche Stiftung Musikleben. Nicolas Altstaedt. Salzburgo. el Carnegie Hall de Nueva York. y los Conciertos de Haydn con la Potsdamer Kammerakademie dirigida por Michael Sanderling (de nuevo para Genuin). la Fundación Gulbenkian de Lisboa. el Musikkollegium Winterthur y Mario Venzago. Su última grabación contiene obras camerísticas de Robert Schumann y Wilhelm Killmayer. Mecklenburg y la Schubertiade de Schwarzenberg. Salzburgo. Steven Isserlis y Anner Bylsma.

llevaron a cabo su propio proyecto “Beethoven y Schubert: Últimos Años” con conciertos en Aldeburgh. que le ofreció una gira por Europa en la temporada 2007-2008 en salas como la Konzerthaus de Viena. En 2006 el Cuarteto fue nombrado por la Philharmonie de Colonia como una de las “estrellas emergentes” de la Asociación de Salas de Concierto Europeas. Su primer CD. la Schubertiade de Hohenems. que fue nominado a los Premios Gramophone. de Leoš Janáček. el Cuarteto Borodin y el Cuarteto Amadeus. Il tramonto de Respighi con Angelika Kirchschlager en el Wigmore Hall de Londres. Schubert. En la temporada 2006-2007 ofrecieron ya numerosos conciertos por toda Europa en lugares como el Museo del Louvre en París. de Mark Anthony Turnage. Además. Su concierto en el Wigmore Hall en julio de 2007 le granjeó la invitación de seguir tocando en la sala en años sucesivos. Su última grabación recoge obras de Schubert. contiene el Cuarteto nº 2 de Haas y el Cuarteto nº 2. publicado por el sello Supraphon. el Wigmore Hall de Londres y el Concertgebouw de ámsterdam. Michael Collins. el Symphony Hall de Birmingham y el Carnegie Hall de Nueva York. el Cuarteto Pavel Haas inició una fulgurante carrera internacional. Imogen Cooper. el Concertgebouw de ámsterdam y la Konzerthaus de Viena. complementaria de la anterior. Italia y Gran Bretaña. la Konzerthaus de Viena y la Konzerthaus de Dortmund. Su discografía con EMI incluye obras de Brahms. Ha realizado también giras por Estados Unidos. el Palau de la Música de Barcelona. También han mantenido una estrecha relación con Milan Škampa (Cuarteto Smetana) en Praga y Walter Levin (Cuarteto LaSalle) en Basilea. la Philharmonie de Colonia. incluido el Quinteto en Do mayor con Valentin Erben. a la Konzerthaus de Viena. además de realizar importantes giras por Estados Unidos y Australia. contenía el Cuarteto nº 1 de Janáček y los Cuartetos núms. la Fundación Gulbenkian y la Philharmonie de Luxemburgo. lo que le supuso realizar diversas grabaciones para la emisora británica (entre ellas una con Cuartetos de Beethoven) y tocar en importantes salas del Reino Unido. el Mozarteum de Salzburgo. La pasada temporada ofreció dos conciertos en el Festival de Edimburgo. asimismo. Isabelle van Keulen. Es Cuarteto Residente en la Guildhall School de Londres y desde la pasada temporada es también conjunto residente en la Konzerthaus de Viena. la Cité de la Musique de París. Suecia y Estados Unidos. Aunque basado en Praga. También han interpretado La bonne chanson de Fauré con Anne Sofie von Otter en la Cité de la Musique de París. Japón. En otoño de Cuarteto Pavel Haas Desde que ganó el Concurso Paolo Borciani en Italia en la primavera de 2005. tocó en el Festival Dvořák de Praga. Austria. con ciclos de conciertos en el Reino Unido. “Cartas íntimas”. la Konserthuset de Estocolmo. Junto con la pianista Mihaela Ursuleasa. la Philharmonie de Colonia. en el Wigmore Hall. seguido de su debut en los Proms. Entre septiembre de 2007 y septiembre de 2009. además de realizar giras por Alemania. la Frick Collection de Nueva York. Fauré. los Proms de la BBC y la Konzerthaus de Berlín. estrenarán el Quinteto con piano de Thomas Larcher en el Wigmore Hall. Fue elegido como uno de los mejores CDs de 2006 por The Daily Telegraph. Gran Bretaña.Colaboran con instrumentistas como Thomas Adès. en la Schubertiade de Schwarzenberg. Yovan Markovitch. la Philharmonie de Berlín. CD de la Semana por BBC Radio 3 y Mejor Disco de Música de Cámara por la BBC Music Magazine. Paul Lewis. La pasada temporada estrenaron el cuarteto de cuerda Twisted Blues with Twisted Ballad. Alemania. En la temporada 2009-2010 debutó en el Festival de Lucerna. Su segunda grabación. saïques. en el Wigmore Hall. Alemania y Australia. el Concertgebouw de ámsterdam. Piotr Anderszewski y Valentin Erben. 1 y 3 de Haas. Regresó. la Alte Oper de Fráncfort y la Philharmonie de Essen. el Cuarteto Pavel Haas participó en el programa New Generation Artists de la BBC. y han actuado con Ian Bostridge en el Zankel Hall de Nueva Cork y la Biblioteca del Congreso en Washington. Obtuvo el Premio Gramophone por el mejor debut discográfico en 2001. El Cuarteto Belcea actuó en el XIII Liceo de Cámara. sus integrantes han pasado los últimos años viajando por toda Europa para estudiar con miembros del Quartetto Italiano. fue cuarteto residente en los Glasgow Royal Concert Halls y volvió a colaborar asiduamente con la BBC. el Palais des Beaux-Arts de Bruselas. el Cuarteto Mo- 130 131 . la Festspielhaus de BadenBaden. donde volvieron a actuar el pasado verano con Valentin Erben interpretando el Quinteto en Do mayor de Schubert. En la presente temporada se han embarcado en la interpretación de los cuartetos de cuerda completos de Beethoven. Mozart y las integrales cuartetísticas de Bartók y Britten.

contiene cuartetos de última época de Antonín Dvořák y acaba de recibir el Premio Gramophone al mejor disco del año en el apartado de música de cámara. Edimburgo. Ton Koopman. Schleswig-Holstein. la Sinfónica de Berlín. Hanna Weinmeister ha actuado junto a Heinrich Schiff. Como solista ha tocado el Concierto para violín de Sándor Veress bajo la dirección de Heinz Holliger en Basilea y Liubliana. entre otros. Dénes Várjon. Ha grabado el Concierto para violín de Krenek con el Musikkollegium Winterthur dirigido por Heinrich Schiff. Emmanuel Krivine. Philippe Herreweghe. También interpretó el Concierto para violín op. la Schubertiade de Schwarzenberg. Heinz Holliger. 21 de Othmar Schoeck con la Orquesta de la Suiza Italiana dirigida por Heinz Holliger. Andreji Jasinski y Ilonka Deckers e inició su carrera internacional ganando el Primer Premio en el Concurso Internacional de Piano “Antonio Casagrande” de Terni (Italia) a los dieciséis años. entre otros. y ha tocado junto a la Orquesta Filarmónica de Múnich. También es miembro del Cuarteto Tetzlaff (en el que toca la viola) y del Trío Weinmeister (junto a sus hermanos Gertrud y Bruno). Volvió a visitarnos en la XIX edición. con quien mantiene una especial relación de admiración. estudió con Bruno Steinschaden en el Mozarteum de su ciudad natal.2009 se publicó un nuevo disco que contenía los Cuartetos núms. piano Nacido en Trier (Alemania). con ella misma al frente de un octeto de grandes solistas internacionales que tocó en varias capitales europeas. Eliahu Inbal y Hans Graf. siempre para el sello Supraphon. Hans Graf. Su legado incluye tres Cuartetos de cuerda. aunque sus interpretaciones de Mozart y Beethoven han sido también recibidas con grandes elogios. así como con la Orquesta de Cámara Inglesa. Benjamin Schmid. ganó el concurso Jacques Thibaud en París en 1994. Hanna Weinmeister. El Cuarteto Pavel Haas actuó en el XVI Liceo de Cámara y fue. Toca el Stradivarius “Bennett” de 1692 cedido por la compañía de seguros Winterthur. Heinz Holliger. Gidon Kremer. En el ámbito de la música de cámara ha colaborado junto a Heinrich Schiff. Radovan Vlatković y Alexei Lubimov. Mark Minkowski. En la pasada temporada destacan sus proyectos camerísticos con Alexander Lonquich en Italia. que fue trágicamente deportado de Checoslovaquia en 1941 y murió en Auschwitz tres años más tarde. Kurt Sanderling y Sándor Végh. Heinz Holliger. Más tarde. entre otros. la Orquesta de la SWR de Stuttgart. Yuri Bashmet. el Festival de Piano del Ruhr o la Beethovenfest de Bonn y Varsovia. el Cuarteto Joven de aquella edición. así como el Concierto de cámara de Alban Berg en la Kunstfest de Weimar. Ha tocado como solista bajo la dirección de Claudio Abbado. Entre 2000 y 2004 dio clases de violín en la Hochschule für Musik und Theater de Berna. Alexander Lonquich. Desde entonces ha tocado en las salas de concierto de todo el mundo y ha sido invitado regularmente por festivales como el de Salzburgo. estudió con Astrid Schmidt-Neuhaus. la Orquesta Bruckner de Linz y las Sinfónicas de Calgary y San Luis. Cheltenham. Franz Welser-Möst. Kissinger Sommer. En 1989 ganó el concurso Stefanie-Hohl en Viena y en 1991 obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional Mozart que se celebra en Salzburgo. En 2009 tocó el Doble Concierto de Brahms con su hermano Bruno bajo la dirección de Heinrich Schiff en Constanza y Lübeck. Alexander Lonquich. 1 y 2 y el Dúo para dos violines de Prokofiev. Clemens Hagen. Su último disco. 132 133 . El grupo cultiva con especial entusiasmo el repertorio checo. y en 1995 obtuvo el primer premio en el Concurso Parkhouse en Londres. Actuó por primera vez en el XVIII Liceo de Cámara en un sexteto de cuerda liderado por Leonidas Kavakos y volvió en la edición XIX. la Mozartwoche de Salzburgo. Después amplió su formación con Gerhard Schulz en Viena y con Zakhar Bron en Lübeck. Christian Zacharias. Lucerna. Leonidas Kavakos. con Leonidas Kavakos en Holanda y su participación en la última edición de los Rencontres Musicales de Bel-Air. junto con el Cuarteto Sacconi. Desde 1988 es concertino de la Orquesta de la Ópera de Zúrich. organizados por Renaud Capuçon. El Cuarteto toma su nombre del compositor checo Pavel Haas (1899-1944). Paul Badura-Skoda. Ha ganado el Primer Premio en el Concurso “Jugend Musiziert” para músicos jóvenes. la Orquesta de la Ópera de Zúrich. violín Nacida en Salzburgo en 1969. Lockenhaus.

y Tomas Djupsjöbacka toca un violonchelo de 1780 construido por el lutier cremonés Lorenzo Storioni. Holmström y Heiniö. Isabelle van Keulen. Leonidas Kavakos. Su repertorio abarca desde Haydn hasta las obras de vanguardia. El cuarteto también ha actuado en el Festival de Música de Cámara de Lockenhaus y en los festivales finlandeses de Kuhmo y Helsinki. y dos programas monográficos dedicados al compositor polaco Karol Szymanowski. la Orquesta de Cámara de Múnich. En marzo de 2010 realizó una gira por China. amablemente cedido por el Banco de la Cooperativa Local de Sysmä. Ha grabado también para el sello ECM y su último disco contiene obras de Robert Schumann y Heinz Holliger. donde recibieron enseñanzas de Johannes Meissl y Christoph Richter. Berg y Ligeti. Como solista ha tocado con la Filarmónica de Viena. la Royal Philharmonic Orchestra. ámsterdam (Concertgebouw). Londres (Wigmore Hall). En 2004. Kokkonen. Heinrich Schiff. realizó una gira por Alemania con la Camerata Salzburg y ofreció diversos conciertos en Austria con la Orquesta de Cámara de Mantua. XVIII y XIX interpretando obras de Haydn. Dortmund (Konzerthaus). En 2004 el grupo participó en la Orquesta de Cámara de Europa. Brahms. la Orquesta de Cámara Mahler. el Premio Abbiati en Italia y el Premio Edison en Holanda. la Orquesta Sinfonica de Düsseldorf. algunas de ellas dedicadas al grupo. Sabine Meyer. Bruselas (Palais des Beaux Arts). Tabea Zimmermann o los Cuartetos Auryn y Carmina. concebido para promover a los jóvenes y prometedores artistas finlandeses. la Orquesta de Cámara de Stuttgart o la Orquesta Sinfónica de la Radio de Fráncfort. viola fundador del Cuarteto Alban Berg. Están también muy involucrados en la interpretación de obras escandinavas como las de Sibelius y Grieg. concierto en el que estrenó la obra Bach is the name de Jorge Fernández Guerra. Kaipainen. Alexander Lonquich actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. El grupo comenzó sus estudios en 2003 con Hatto Beyerle. a petición del Festival Mänttä Music de Finlandia. Turku y Helsinki. Melartin. por lo que ha realizado diversos conciertos y grabaciones para la emisora de radio británica. la Orquesta de Cámara de Basilea. Hong Kong y Japón. Ha actuado en varios festivales finlandeses. Puumala. la Orquesta Filarmónica Checa. Han ofrecido conciertos en Viena (Sala Mozart). lo que le ha llevado a ponerse al frente de la Camerata de Salzburgo. El Ministro de Cultura finlandés les ha entregado el Premio Finlandia. Minna Pensola toca un violín de 1770. El Cuarteto ha sido elegido para formar parte del programa “BBC New Generation Artists” durante el período 2008-2010. En el año 2009 grabó los tres Cuartetos op. Jörg Widmann. París (Théâtre de la Ville y Musée d’Orsay). Milán (Sala Verdi). el Cuarteto Meta4 obtuvo el Primer Premio en el Concurso Internacional de Cuartetos de cuerda Shostakovich de Moscú. En abril de 2007. En la presente temporada volverá al Festival de Salzburgo y tocará como solista con la Orquesta Sinfónica de Viena y la Orquesta Filarmónica de Viena. una grabación que fue elegida posteriormente Disco del Mes por la revista Classic FM. También recibieron el Premio Especial por la mejor interpretación de un cuarteto de Shostakovich. Utrecht (Vredenburgh). Ha intervenido también en las ediciones XVII. propietaria también de la viola Johannes Florenus Guidantus de 1737 que toca Atte Kilpeläinen. 134 135 . entre los que cabe mencionar los de Kuhmo. que ha tenido una influencia decisiva en su manera de tocar. Sus grabaciones de obras de Mozart y Schubert para el sello EMI han recibido premios como el Diapason d’Or en Francia. la Orquesta de Cámara de Mantua. En la pasada temporada destacan los conciertos ofrecidos en el Festival de Salzburgo tocando y dirigiendo a la Orquesta del Mozarteum. Veronika Hagen. Christian Tetzlaff. Estocolmo (Konserthuset) y Nueva York (Carnegie Hall).Compatibiliza sus actuaciones como solista y como director. fue galardonado con el Primer Premio en el Concurso Internacional Joseph Haydn de Música de Cámara de Viena. Antti Tikkanen toca un violín Stradivarius de 1702 amablemente cedido por la Fundación Artística del Banco Pohjola. También ofreció la integral de las Sonatas para violin y piano de Beethoven con Christian Teztlaff en el Festival de Tanglewood. Saariaho. Dedica buena parte de su tiempo a la interpretación de música de cámara. 55 de Haydn para el sello alemán Hänssler Classic. y es el Director Artístico del Festival de Música de Oulunsalo. El Cuarteto Meta4 actuó por primera vez como Cuarteto Joven en el XV Liceo de Cámara. Rasmussen. Steven Isserlis. Cuarteto Meta4 El Cuarteto Meta4 se creó en 2001. la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo. la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. Heinz Holliger. la Orquesta Filarmónica Nacional Húngara o la Filarmónica Eslovena. un ámbito en el que ha colaborado con músicos como Renaud y Gautier Capuçon. Beethoven. incluyendo a Sallinen. además de los compositores contemporáneos. la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich. de Anselmo Bellosio.

entre otros. Lawrence Power. Marc Minkowski. Charles Dutoit. la Sinfónica de la NDR de Hamburgo. 136 137 . Christian Arming. así como en Suiza. Lyon. Natalie Clein. España e India. Jesús López Cobos. donde han tocado en la serie de conciertos del CDMC. la Filarmónica de Tokio. Arditti y Meta4. fue concertino de la Joven Orquesta Gustav Mahler durante tres veranos. Semyon Bychkov. Hans Graf. la Joven Orquesta Gustav Mahler. en la que toca como clarinete solista. Posteriormente completó su formación con Thomas Brandis en Berlín y con Isaac Stern. clarinete Comenzó su educación musical como miembro del coro de la Catedral de Lichfield. Rumanía. David Robertson. Charlottesville y Newhaven. Deauville. En 2011 fue nombrado Chevalier dans l’Ordre National du Mérite por el Gobierno francés. la Orquesta Nacional de Francia. la Orquesta de Cámara de Europa. Claudio Abbado. Grecia. Invitado por Claudio Abbado en 1997. las Orquestas Sinfónicas de Montreal. Suecia. Bel-Air. ambos registros para el sello EMI. Ha participado en la grabación de numerosas bandas sonoras y ha grabado las partes de clarinete solista para las películas Love Actually y Orgullo y prejuicio. la Filarmónica de Radio France. Junto a la Orchestre de Paris y Christoph Eschenbach realizó una gira por China en noviembre de 2004 y otra por Alemania en febrero de 2005. Como solista y como músico de cámara ha tocado en festivales y salas de conciertos de todo el mundo. Houston y Jerusalén. Seiji Ozawa. y en julio de 2004 con la Orquesta Sinfónica de Boston y Christoph von Dohnányi. En noviembre de 2002 debutó con la Filarmónica de Berlín y Bernard Haitink. Kurt Masur. la Orquesta Filarmónica della Scala de Milán. Michael Schønwandt. Ha colaborado con los Cuartetos Belcea. la Orquesta de Santa Cecilia de Roma. Francia. Montecarlo y Toulouse. la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín. por supuesto. Denis. Daniel Barenboim. Leif Segerstam. Finlandia. Wolfgang Sawallisch. tocando bajo la dirección de maestros como Pierre Boulez. Marc Albrecht. ha tocado como clarinetista invitado junto a la Orquesta de Cámara de Europa. Christoph Eschenbach. Franz Welser-Möst y. la Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. violín. la Sinfónica de Bamberg. Como músico de orquesta. Emily Beynon. Ha tocado como solista junto a orquestas como la Sinfónica de la Radio Bávara. nació en Chambéry en 1976. Pinchas Steinberg y Hugh Wolff. la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino. Emmanuel Krivine. Jean-Claude Casadesus. Posteriormente estudió en la Guildhall School of Music y junto a Pascal Moraguès en París. así como en salas como la Musikverein de Viena. la Orquesta Tchaikovsky de la Radio de Moscú. Matthew Hunt actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Ivan Fischer. Armin Jordan. Lichfield. Gunther Herbig. John Nelson. como los de Gstaad. Alemania. la Cité de la Musique y la Salle Pleyel de París o el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. la Orquesta de la Suisse Romande y las orquestas de cámara de Lausana y Zúrich. la Orquesta de Cámara Mahler. Ha grabado el Quinteto con clarinete de Brahms con Paul Meyer y El carnaval de los animales y el Septeto de Camille Saint-Saëns. Daniel Harding. Périgord Noir o la Schubertiade de Schwarzenberg. bajo la batuta de directores como Roberto Abbado. Japón. la Real Orquesta del Concertgebouw y las principales orquestas británicas. la Sinfónica de la Radio de Suecia. el Trío Kungsbacka e instrumentistas como Pekka Kuusisto. Vladimir Fedoseyev. la Sinfónica de la NHK. Su actividad profesional se centra en el Ensemble 360 y en la Deutsche Kammerphilharmonie.Matthew Hunt. la Orquesta de París. El pasado verano debutó en los Proms de la BBC interpretando el Doble Concierto de Brahms y el Triple Concierto de Beethoven junto a su hermano Gautier y a Frank Braley y la Orquesta Filarmónica de Radio Francia dirigida por Myung-Whun Chung Cuarteto Capuçon Fundado en 2001 por los hermanos Capuçon. las orquestas de Burdeos. St. Myung-Whun Chung. la Real Orquesta Danesa. comenzó sus estudios en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París en las clases de Gérard Poulet y Veda Reynolds. En 2000 obtuvo el premio Victoires de la Musique al “Artista Revelación del año” y en 2005 al “Solista Instrumental del año”. Philippe Jordan. Thomas Dausgaard. el Ensemble Orquestal de París. ha tocado en diversos festivales. Renaud Capuçon. como el Wigmore Hall de Londres y los festivales de Aldeburgh. Cassis. Italia. Edimburgo. Cheltenham. Lille. Participa habitualmente en el seminario internacional IMS Prussia Cove y formó parte del grupo que fue premiado en 2008 con el Premio de Música de Cámara de la Royal Philharmonic Society por un ciclo de conciertos ofrecidos durante el otoño de 2007. Thomas Adès y Konstantin Lifschitz. Elias.

decidió dedicarse a la viola. o Tríos de Mendelssohn y Haydn y el Triple Concierto de Beethoven junto a Martha Argerich (EMI). Schubertiade de 138 139 . Aix-en-Provence. Vadim Repin. XVIII y XIX del Liceo de Cámara. el Quinteto “La Trucha” de Schubert y Conciertos de Mendelssohn y Schumann con la Orquesta de Cámara Mahler dirigida por Daniel Harding. Truls Mørk y Paul Meyer. Ha sido durante quince años el director de los Rencontres Musicales de Bel-Air en su localidad natal de Chambéry. Bel-Air. los Conciertos núms. los Conciertos de Korngold y Beethoven junto a la Filarmónica de Róterdam dirigida por Yannick Nézet-Séguin. Realizó también un curso de perfeccionamiento en el Mozarteum de Salzburgo y dos años en la Academia Karajan de la Orquesta Filarmónica de Berlín. donde estudió con el profesor Haim Taub. 1 y 3 y la Sinfonía concertante de Mozart junto a la Orquesta de Cámara de Escocia. Stresa. Recibió una beca para estudiar en Nueva York y se trasladó allí. la Folle Journée de Nantes. Aki Saulière es asistente de Yuko Mori en el Chicago College of Music. ha sido invitada con asiduidad por Renaud Capuçon a participar en festivales como los de Deauville. Daniel Barenboim. Entre sus grabaciones se encuentran el Quinteto con piano de Schumann junto a Maria João Pires. Stavanger. XVII. Verbier. Verbier. adquirido para él por la Banca della Svizzera Italiana. el Concierto de Dutilleux junto a la Orquesta Filarmónica de Radio France y Myung-Whun Chung. comenzó sus estudios musicales en Francia con Marie-Claude Theuveny y prosiguió su formación en la Guildhall School of Music and Drama de Londres con David Takeno. Yefim Bronfman. que perteneció a Isaac Stern. Elena Bashkirova. ha sido la primera violinista francesa en formar parte de la Orquesta de Cámara de Europa. Berlín. comenzó a estudiar violín a los siete años en el Conservatorio de Versalles y a los diecinueve años. convirtiéndose en la única violista en la clase de Pinchas Zukerman en la Manhattan School of Music. “Panette”. Berliner Festspiele. un disco a dúo con su hermano. Brescia-Bergamo. Katia y Marielle Labèque. Estrasburgo y Tanglewood. Completó su formación musical estudiando con Yuko Mori y György Kurtág. Stephen Kovacevich. el disco Inventions. Edimburgo. Como intérprete de música de cámara. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Gérard Caussé y Jian Wang (Deutsche Grammophon). viola. de la que fue miembro hasta 1999. los Tríos de Schubert con Gautier Capuçon y Frank Braley. Nikolaus Harnoncourt y Frans Brüggen. ha participado en numerosos festivales. Menton. Es fundadora del Kyoto Ensemble y del Nagaokakyo Chamber Ensemble. Hélène Grimaud. tras pasar algún tiempo en Israel. la Orquesta Sinfónica de Londres y la Camerata de Salzburgo. Su última grabación contiene la obra de cámara completa de Gabriel Fauré. Saint-Denis. violín. como Newport. XVI. Sus últimas grabaciones para Virgin Classics son las Sonatas de Brahms junto a Nicholas Angelich. l’Empéri. a dúo junto a su hermano Gautier. Heimbach. También es miembro fundadora de la Orquesta del Festival de Lucerna creada por Claudio Abbado. La Roque d’Anthéron. la integral de las Sonatas para violín y piano de Beethoven con Frank Braley. Jean-Yves Thibaudet. ha sido invitada a tocar junto a orquestas como la Deutsche Kammerphilharmonie y la Gewandhaus de Leipzig. los Cuartetos para piano de Brahms con su hermano Gautier. Aix-en-Provence. Es invitado habitual de festivales como el Mostly Mozart de Londres. Jerusalén. a la que regresa durante dos meses al año junto a directores como Claudio Abbado. St. Augustin Dumay. los Tríos de Brahms con Gautier Capuçon y Nicholas Angelich. ha grabado obras de Schubert. Miembro del Cuarteto Capuçon y de Musique Oblique. San Sebastián. Yuri Bashmet. Lockenhaus. Sus discos han recibido numerosos premios. Ha actuado en las ediciones XIV. el violonchelista Gautier Capuçon. el Doble Concierto y el Quinteto con clarinete de Brahms. A los veintidós años regresó a Europa e ingresó en la Academia Karajan de la Orquesta Filarmónica de Berlín. con Louis Langrée y Antoine Tamestit. Myung-Whun Chung. Bel-Air y Tautavel. Lucerna. Denis.Renaud Capuçon suele interpretar música de cámara junto a solistas como Martha Argerich. Tras su regreso a Francia en 1998. Gérard Caussé y Nicholas Angelich. Aki Saulière. Béatrice Muthelet. actúa regularmente en Japón en conciertos de música de cámara. Renaud Capuçon toca un violín Guarneri del Gesù de 1737. y Frank Braley. de Berlioz. Saint-Saëns. Actualmente es la primera viola de la Orquesta de Cámara Mahler y. Por otra parte. Lucerna. Como artista exclusivo de Virgin Classics. música de cámara de Ravel junto a su hermano. como primer atril. Ha actuado con agrupaciones como la Orquesta Filarmónica de Berlín. Edimburgo. Mikhail Pletnev. Milhaud y Ravel con la Deutsche Kammerphilharmonie bajo la batuta de Daniel Harding.

posteriormente completó su formación con Philippe Muller en París y Heinrich Schiff en Viena. Ha actuado. Escocia y Zúrich. y un recital junto a la pianista venezolana Gabriela Montero. Nikolaj Znaider. Emmanuel Pahud. junto a instrumentistas como Lars Vogt. el Segundo Premio en el Concurso Internacional de Violonchelo de Christchurch (Nueva Zelanda) y el Primer Premio en el Concurso André Navarra de Toulouse. Pascal Rogé. música de cámara de Saint-Saëns y los Tríos de Brahms con Renaud Capuçon y Nicholas Angelich. Davos. Berlín (invitado por Claudio Abbado). Sus últimos discos son Inventions. la Orquesta de Santa Cecilia de Roma. tuvo la oportunidad de tocar junto a directores como Bernard Haitink. París y Viena. la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín. Jean-Yves Thibaudet. Nicholas Angelich. la Sinfónica de Montreal y. En 2005 participó en numerosos homenajes a Friedrich Gulda junto a Martha Argerich. Seiji Ozawa y Claudio Abbado. Bruselas. nació en Chambéry en 1981. Maxim Vengerov. la Sinfónica de la Radio Bávara. la Orquesta de Cámara de Europa y Myung-Whun Chung. la Sinfónica de Boston. Toulouse. la Filarmónica de Montecarlo. Londres. con la Filarmónica de Berlín y Gustavo Dudamel y con la Orquesta Sinfónica de Londres y Valery Gergiev en la Konzerthaus de Viena. Mikhail Pletnev. Múnich.Schwarzenberg. a dúo junto a su hermano Renaud. Saint-Denis. Pierre Boulez. En 1999 obtuvo el Primer Premio en la Academia de Música Maurice Ravel de San Juan de Luz. entre muchas otras ciudades. Prokofiev y Rachmaninov. donde estudió violonchelo con Annie Cochet-Zakine y piano con Christophe Egiziano. En la presente temporada tiene previsto su debut con la Sinfónica de Chicago. como miembro de la Joven Orquesta de la Comunidad Europea y la Joven Orquesta Gustav Mahler. Estrasburgo. ha grabado música de cámara de Ravel junto a su hermano Renaud y Frank Braley. Verbier. La Roque d’Anthéron. Mostly Mozart (Londres) y el Festival Martha Argerich de Lugano. Gautier Capuçon. en Europa. Conciertos de Haydn con la Orquesta de Cámara Mahler dirigida por Daniel Harding. comenzó a estudiar violonchelo a los cinco años en su ciudad natal. Isabelle van Keulen. así como el Trío de Shostakovich con Martha Argerich y Maxim Vengerov. Bruno Canino. con obras de Mendelssohn. Estrasburgo. San Sebastián (con la Orquesta Sinfónica de la WDR y Semyon Bychkov). Vadim Repin. Stephen Kovacevich. Frank Braley. Ingresó en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París. Jerusalén. Menton. el Cuarteto Ysaÿe y su hermano Renaud. Joshua Bell. Yuri Bashmet. Katia y Marielle Labèque. Oleg Maisenberg. con Christian Tetzlaff y Boris Pergamenchikov. Lilya Zilberstein. Paul Gulda. Stresa. también junto a Christian Tetzlaff y Alban Gerhardt. la Filarmónica de Múnich y Paavo Järvi. Myung-Whun Chung. Lockenhaus. la Filarmónica de Radio France. el Doble Concierto y el Quinteto con clarinete de Brahms. Más recientemente ha salido al mercado un disco con el Concierto para violonchelo de Dvořák con la Orquesta de la Radio de Fráncfort y Paavo Järvi. Sarah Chang. Dresde. el Quinteto “La Trucha” de Schubert. Gérard Caussé. Clemens Hagen y Alois Posch. Entusiasta de la música de cámara. la Orquesta Tchaikovsky de la Radio de Moscú y Vladimir Fedoseyev. en los festivales de Divonne. Michel Dalberto. Edimburgo. Kent Nagano. Jerusalén y Lieja. Lucerna. la Orquesta de París y Christoph Eschenbach y la Sinfónica de Houston. entre otros. Gabriela Montero. entre otros. Belgrado. Bruselas. Rheingau. El pasado verano debutó en los Proms de la BBC interpretando el Doble Concierto de Brahms y el Triple Concierto de Beethoven junto a su hermano Renaud y a Frank Braley y la Orquesta Filarmónica de Radio Francia dirigida por MyungWhun Chung. Lille. Gérard Caussé. así como su grabación de la Sinfonía concertante de Prokofiev y las Variaciones Rococó de Tchaikovsky con la Orquesta del 140 141 . obteniendo el Primer Premio de violonchelo. actúa regularmente junto a Martha Argerich. un recital de dúos con Renaud. La Roque d’Anthéron y Tokio. Daniel Barenboim. Paul Meyer. Como artista exclusivo de Virgin Classics. Ha participado en dos grabaciones de EMI: el Quinteto en Sol menor de Mozart. También ha grabado para EMI Tríos de Mendelssohn y Haydn junto a Martha Argerich y su hermano. el Ensemble Orquestal de París. violonchelo. y la Sinfonía de cámara de Schoenberg. Hélène Grimaud. interpretando su Concierto para violonchelo en Buenos Aires. Daniele Gatti. Ha ofrecido recitales en Berlín. Ha actuado junto a las orquestas de Burdeos. Kolja Blacher. En 1997-1998. Spoleto. Steven Isserlis. Hélène Grimaud. Hannover. Paul Meyer. Emmanuel Pahud. Viktoria Mullova. Wolfram Christ. la Sinfónica de Malmö. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. las orquestas sinfónicas de la BBC de Escocia y de Gales. las Orquestas de Cámara de Viena. Delft y Pisa.

Teatro Mariinsky dirigida por Valery Gergiev. Sus grabaciones han recibido numerosos premios. La adquisición del arco Dominique Peccatte que utiliza Gautier Capuçon ha sido posible gracias a una colaboración con el Grupo Colas, quien también ha coproducido, junto a Virgin Classics, su última grabación con Valery Gergiev. Desde 2007 es embajador del proyecto Zegna & Music, que fue creado en 1997 como una actividad filantrópica para promover la música y sus valores. En febrero de 2001 fue nombrado “Nuevo Talento del Año” por la revista francesa Victoires de la Musique. En 2004 recibió el Premio Echo de la Televisión Alemana y un premio de la Fundación Borletti-Buitoni. Gautier Capuçon toca un violonchelo de Matteo Goffriller de 1701, cedido por la Banca della Svizzera Italiana. Ha actuado en las ediciones XIV, XVI, XVII, XVIII y XIX del Liceo de Cámara.

Respondiendo a la invitación de Maria João Pires desde el seno de la Fundación Caja Duero, Caussé se ha encargado de crear y dirigir la Camerata de la Fundación Caja Duero, con sede en Salamanca, que está integrada por jóvenes músicos. Este trabajo busca realizar una aproximación experimental a todos los repertorios. Caussé actúa y graba habitualmente con músicos tan conocidos como Maxim Vengerov, Frank Peter Zimmermann, Renaud y Gautier Capuçon, Charles Dutoit, Kent Nagano, Gidon Kremer, Emmanuel Krivine, Nicholas Angelich, Frank Braley, Jean-Philippe Collard, Maria João Pires, Augustin Dumay, François-René Duchable, Paul Meyer, Michel Portal y Emmanuel Pahud. Su discografía se compone de más de treinta grabaciones en diversos sellos, que incluyen el Quinteto “La trucha” de Schubert para Virgin Classics, un recital con obras de Lévinas y Hindemith para el sello Aeon, obras de Bloch para viola y orquesta junto a la Orquesta de la Suisse Romande y la grabación del concierto Le cyprès blanc de Hugues Dufourt, estrenado por Gérard Caussé en 2004 en el Festival de Música de Estrasburgo junto a la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo (grabado para el sello Timpani). Gérard Caussé imparte clases de viola en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París y en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid. Es director del Festival de Música Florilegio y de la Orquesta de la Fundación Caja Duero en Salamanca. Gérard Caussé toca un excepcional instrumento construido por Gasparo da Salò en 1560. Actuó junto a Renaud y Gautier Capuçon en las ediciones XIV y XIX del Liceo de Cámara.

Gérard Caussé, viola
Alcanzó el reconocimiento internacional a mediados de los años setenta como miembro fundador y viola solista del Ensemble Intercontemporain. Ha actuado también como solista con la mayoría de las grandes orquestas internacionales en un amplio repertorio que abarca desde el Barroco hasta Bruch, Berlioz, Bartók, Stravinsky, Britten, Walton y Martinů, pasando por Mozart quien, según el propio Caussé, fue el primero en comprender el papel de árbitro de la viola. Dedicado igualmente a fomentar el repertorio de su instrumento, cuenta con más de veinte conciertos escritos expresamente para él, entre los que se encuentran los de Philippe Hersant, Michaël Levinas, Pascal Dusapin y Hugues Dufourt. Recientemente ha estrenado en Europa el Doble Concierto para viola y clarinete de Wolfgang Rihm junto a Michel Portal y la Orquesta Nacional de Francia. De 2002 a 2004 Gérard Caussé fue director artístico de la Orquesta de Cámara Nacional de Toulouse, junto a la que actuó como director y solista. Recientemente ha actuado con la Orquesta Nacional de Francia, Orquesta de la Suisse Romande, Orquesta Nacional de Lille y Jean-Claude Casadesus, la Orquesta Filarmónica de Montpellier y Yoel Levi, la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo y Emmanuel Krivine, la Orquesta Sinfónica de São Paulo y John Neschling y la Orquesta del Capitolio de Toulouse.

Yan Levionnois, violonchelo
Nacido en 1990, comenzó a tocar con su padre, violonchelo solista de la Orquesta Filarmónica de Radio Francia, para posteriormente estudiar con Xavier Richard y Marc Coppey. En 2006 ingresó en la clase de Philippe Muller en el Conservatorio Superior de Música de París, donde obtuvo un Primer Premio en 2009. Ha recibido también asesoramiento de Natalia Shakovskaia, Natalia Gutman, Gary Hoffman y Jean-Guihen Queyras.

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Ha obtenido el Gran Premio en el Concurso Internacional André Navarra en 2008, el Primer Premio en el Concurso Rostropovich de Londres en 2009, y el Segundo Premio y el premio a la mejor interpretación en el Concurso Internacional de Música Francesa “Note et Bien”. Ha interpretado como solista los Conciertos de Haydn, Schumann, Dvořák, Lalo, Elgar, Shostakovich, Tchaikovsky (Variaciones sobre un tema rococó) y SaintSaëns (Concierto nº 1) junto a agrupaciones como la Orquesta Nacional del Capitolio de Toulouse, la Orquesta de Burdeos, la Orquesta de Cámara de Praga, el conjunto Les Dissonances y con el grupo de violonchelos de la Orquesta de París, interpretando Messagesquisse de Pierre Boulez. Ha ofrecido recitales en el Wigmore Hall de Londres y ha participado en los festivales de Bel-Air, Auvers-sur-Oise, Cordes sur Ciel, Deauville, La Roque d’Anthéron, los Encuentros Musicales de Santander, el Festival Pablo Casals de Prades y las Folles Journées de Nantes. En música de cámara, ha compartido escenario con Augustin Dumay, Svetlin Roussev, Gérard Caussé, Frank Braley, David Guerrier, Zakhar Bron, Nelson Goerner, el Cuarteto Ebène, Renaud Capuçon y Nicholas Angelich. Esta temporada ha sido invitado por la Orquesta de Bretaña (con el Concierto de Haydn), la Orquesta de Toulouse (Dutilleux), la Sinfónica de Cape Town y la Orquesta Filarmónica de Londres, además de actuar en diferentes festivales. Ha sido seleccionado para participar en el programa Déclic de CulturesFrance, lo que le reportará actuaciones en América Central. Asimismo ha recibido una beca de la Banca della Svizzera Italiana de Lugano. Toca un violonchelo de Patrick Robin de 2005 y actúa por primera vez en el Liceo de Cámara.

Desde 1983 hasta 2008 fue solista de contrabajo de la Staatsoper de Viena y de la Orquesta Filarmónica de Viena. Después de trabajar durante cuatro años como profesor invitado en la Hochschule für Musik und darstellende Kunst del Mozarteum de Salzburgo, pasó a ocupar desde 1993 una cátedra de contrabajo en la Universität für Musik und darstellende Kunst de Viena. Es primer contrabajo de la Orquesta del Festival de Lucerna y de la Orchestra Mozart de Bolonia, ambas bajo la dirección de Claudio Abbado. Ha sido invitado a numerosos festivales internacionales y ha colaborado con los más importantes solistas y grupos de cámara europeos, incluido el Cuarteto Alban Berg o los hermanos Renaud y Gautier Capuçon, con los que ha realizado numerosas grabaciones discográficas. Toca un contrabajo vienés de Johann Joseph Stadlmann construido en 1779. En el XIX Liceo de Cámara tocó como miembro de un octeto integrado por grandes solistas internacionales y junto con el Ensemble Waldstein el Quinteto “La trucha” de Franz Schubert, la misma obra que tocó en el XII Liceo de Cámara junto con el Cuarteto Alban Berg y Elisabeth Leonskaja.

Nicholas Angelich, piano
Nacido en Estados Unidos en 1970, Nicholas Angelich comenzó a estudiar piano con su madre a los cinco años. Dos años después ofreció su primera actuación interpretando el Concierto K467 de Mozart. A los trece años ingresó en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París, donde estudió con Aldo Ciccolini, Yvonne Loriod y Michel Beroff, obteniendo el Primer Premio de piano y música de cámara. También trabajó con Marie-Françoise Bucquet. Nicholas Angelich continuó su formación asistiendo a las clases magistrales de Leon Fleisher, Dimitri Bashkirov y Maria João Pires. En 1989 ganó el Segundo Premio del Concurso Internacional de Piano Robert Casadesus de Cleveland y en 1994 el Primer Premio del Concurso Internacional de Piano Gina Bachauer. En 1996 fue invitado como músico residente de la Fundación Internacional de Piano de Cadenabbia (Italia). En 2002 recibió de Leon Fleischer el “Premio al Joven Talento” del Festival Internacional de Piano del Ruhr (Alemania), tras lo cual fue invitado a actuar allí en junio de 2003.

Alois Posch, contrabajo
Nacido en 1959 en Steiermark (Austria), empezó a estudiar a los diez años piano y violín. A los catorce años dio sus primeras clases de contrabajo y el año siguiente ya fue admitido en la Hochschule für Musik und darstellende Kunst de Graz, donde tuvo como profesor a Johannes Auersperg. Después de ganar diversos concursos se presentó a los dieciocho años a las audiciones de la Orquesta Filarmónica de Viena, tras las cuales entró a formar parte de la agrupación, concluyendo sus estudios el año siguiente.

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Ha actuado con la Orquesta Nacional de Francia y Marc Minkowski, la Orquesta Filarmónica de Radio France y Paavo Järvi, la Orquesta Nacional de Lyon y David Robertson, la Orquesta Nacional de Burdeos y Yutako Sado, la Orquesta Nacional de Lille y Matthias Bamert, la Orquesta Filarmónica de Montecarlo y Jesús López-Cobos y Kenneth Montgomery, la Orquesta de Lieja y la Orquesta Sinfónica de San Petersburgo con Alexandre Dimitriev, las orquestas de Estrasburgo y Montpellier con Jerzy Semkow, la Orquesta de Toulouse y Jaap van Zweden en ámsterdam y Yannick Nézet-Séguin en San Sebastián, la Orquesta de Cámara de Lausana y Christian Zacharias, la Orquesta de la SWR de Baden-Baden y Michael Gielen, la Orquesta de la Radio de Fráncfort y Hugh Wolf, además de ofrecer recitales en Hannover, Múnich, Ginebra, ámsterdam, Bruselas, Luxemburgo, Roma, Lisboa, Brescia, Tokio y París. En mayo de 2003 debutó con la Filarmónica de Nueva York y Kurt Masur en el Lincoln Center. Con este mismo director realizó una gira por Japón en abril de 2004 con la Orquesta Nacional de Francia. Fue invitado al Festival de Verbier en 2003 y 2005 y al Festival Martha Argerich en Lugano. Recientemente ha actuado con la Filarmónica de Londres y Kazuchi Ono y ha ofrecido recitales en Londres, ámsterdam, París, Lyon, Milán y Ginebra. Vladimir Jurowski lo invitó a abrir juntos la temporada 20072008 de la Orquesta Nacional de Rusia en Moscú. Posteriormente ha actuado en España (Las Palmas, Castellón y Oviedo) junto a la Orquesta Nacional de España y Josep Pons, en Viena con la Tonkünstler Orchester y Kristjan Järvi, con la Filarmónica de Róterdam y la Orquesta Metropolitana de Montreal dirigidos por Yannick Nézet-Séguin (con quien debutó en los Proms de Londres en 2009), la Sinfónica de Atlanta y Emmanuel Krivine, la Orquesta Gürzenich de Colonia, la Orquesta de la Radio de Stuttgart y Roger Norrington, y ha tocado música de cámara en Japón con Akiko Suwanai y en Norteamérica con Renaud y Gautier Capuçon. Nicholas Angelich está ofreciendo en recital todas las Sonatas de Beethoven y los Años de Peregrinaje de Liszt en varios países (La Roque d’Anthéron, Toulouse y Nantes en Francia; Festival de Piano del Ruhr y Bayer Leverkusen en Alemania; La Lanaudière en Canadá; Washington en Estados Unidos; Brescia en Italia y Bilbao en España). También está muy interesado en la música del siglo xx de compositores como Rachmaninov, Prokofiev, Shostakovitch, Bartók y Ravel, además de Messiaen, Stockhausen, Pierre Boulez, Eric Tanguy y Pierre Henry, quien le dedicó su Concierto para piano sin orquesta.

Entusiasta de la música de cámara, toca junto a compañeros como Renaud Capuçon, Maxim Vengerov, Akiko Suwanai, Dimitri Sitkovetsky, Joshua Bell, Gérard Caussé, Alexander Kniazev, Gautier Capuçon, Jian Wang, Paul Meyer y los Cuartetos Ysaÿe, Prazak y Ebène. Ha grabado para Harmonia Mundi un recital con obras de Rachmaninov; para Lynx un recital con obras de Ravel; para Mirare los Años de Peregrinaje de Liszt (que obtuvo el “Choc” de la revista Le Monde de la Musique y fue “disco recomendado” por Classica/Répertoire) y un recital de Beethoven (Sonatas op. 26, op. 53, op. 111). Su gran proyecto con obras de Brahms para Virgin Classics incluye los Tríos junto a Renaud y Gautier Capuçon (“Preis der deutschen Schallplattenkritik”), las Sonatas para violín y piano junto a Renaud Capuçon (“Diapason d’Or”, “Choc” de Le Monde de la Musique, “Editor’s Choice” de Gramophone y “Excepcional” de Scherzo) y dos recitales: Baladas, Rapsodias y las Variaciones Paganini (“Choc” de Le Monde de la Musique) y los opp. 116, 117, 118 y 119 (“Choc” de Le Monde de la Musique, BBC Music Choice, “Excepcional” de Scherzo). Ha grabado un recital Beethoven junto a Akiko Suwanai para Decca y los dos Conciertos para piano y orquesta de Brahms junto a Paavo Järvi y la Orquesta de la Radio de Fráncfort (para Virgin Classics). Su última grabación en solitario está dedicada a las Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach y participa también en la integral de las obras de cámara de Gabriel Fauré publicada por Virgin Classics. Actuó por primera vez en el XVII Liceo de Cámara tocando dos conciertos con Tríos con piano de Haydn y Brahms con los hermanos Capuçon.

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y en el Boletín discográfico de Diverdi. Suiza y Holanda. y es asiduo colaborador en los programas de mano del Auditorio Nacional. Irlanda. Italia. Reino Unido. Además de su labor docente e investigadora. mantiene una importante actividad como crítico y divulgador musical. Bélgica. Polonia.Pablo-L. Teatro Real y Gran Teatre del Liceu. es doctor en Musicología por la Universidad de Zaragoza y profesor de la licenciatura de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de La Rioja. 149 . Asimismo. Rodríguez Musicólogo y crítico musical. así como también en las revistas Audio Clásica y Scherzo. y ha participado en diferentes congresos de musicología tanto en España como en Portugal. Ha publicado diferentes trabajos sobre historia de la música española de los siglos xvii al xix. ha sido colaborador en las ediciones revisadas del New Grove Dictorionary of Music and Musicians (2001) y del Oxford Companion to Music (2002). Francia. interpretación musical y discología.

Índice Presentación Programas Crónicas musicales del estilo tardío por Pablo-L. centro y periferia Musicien(s) français Vientos del este (y del oeste) Amistades tardías (tras el Telón de Acero) 3 9 33 35 43 50 56 62 71 74 81 84 89 95 Biografías de los intérpretes . Rodríguez Padre e hijo Adioses clásicos: Mozart y Haydn La esencia del Spätstil: Ludwig van Beethoven Un aluvión de despedidas Nuevos caminos: Schumann y Brahms El corazón apesadumbrado: Franz Liszt Precursores y epígonos.

Pedro Bedia Pérez D. José Ricardo Martínez Castro D. Juan José Azcona Olóndriz D. José Antonio Moral Santín D. Guillermo R. dirección y coordinación Luis Gago. Rodrigo de Rato Figaredo Patronos D. Francisco Baquero Noriega D. impresión www.ª Mercedes Rojo Izquierdo D. Ignacio Navasqües Cobián D.ª Enedina álvarez Gayol D. José Manuel Fernández Norniella D.ª Mercedes de la Merced Monge D.fundacioncajamadrid.PATRONATO DE LA FUNDACIÓN CAJA MADRID Presidente D. Ricardo Romero de Tejada y Picatoste D. Arturo Fernández álvarez D. Estanislao Rodríguez-Ponga y Salamanca D.. maquetación Tresigraf S.ª Carmen Cafranga Cavestany D. Jorge Gómez Moreno D. José María de la Riva Amez D. Marcos Guerrero D. Jesús Pedroche Nieto D. director artístico Inés Fernández Arias. coordinadora área Gráfica Roberto Turégano.L. Virgilio Zapatero Gómez Secretario D. Miguel Crespo Rodríguez XX LICEO DE CáMARA Fundación Caja Madrid. Luis Blasco Bosqued D.es . Javier López Madrid D.

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