XX Liceo de cámara

temporada

2011/2012

opus ultimum

Con la colaboración del Ministerio de Cultura

temporada 2011-2012

Imagen de cubierta: Francisco de Goya. Perro Semihundido (1820-1823). Técnica mixta. Revestimiento mural. 131 x 79 cm. Museo del Prado. Madrid. © Archivo Oronoz.

XX Liceo de cÁmara

XX LICEO DE CÁMARA
TEMPORADA 2011-2012

Opus ultimum

AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA SALA DE CáMARA

ste año no es un compositor, ni una forma o género musical, ni siquiera una época, el hilo conductor que articula la programación de la vigésima edición del Liceo de Cámara. En esta ocasión se trata de un concepto temporal y, de resultas de ello, también estilístico, raras veces explorado en las programaciones. Opus ultimum hace referencia a las producciones artísticas (no solo necesariamente musicales) nacidas al final mismo de la trayectoria de sus autores. Se trata por ello, en principio, de obras nacidas en plena madurez, con un absoluto dominio de los recursos propios, si bien por regla general se derivan asimismo muchas otras connotaciones que hacen que estas obras, por distantes que estén en el tiempo y diversos que sean sus lenguajes, suelan compartir algunas características comunes. Este tipo de creaciones o Spätwerke, por utilizar su denominación alemana, pueden adoptar un tono de despedida, un leve, marcado o penetrante aire testamentario, más aún si, como sucede en muchos casos, nacieron al calor de la sospecha –o la certidumbre– de una muerte cercana. ¿Existe, como concepto significante, el “estilo tardío”? ¿Posee elementos identificativos propios que permitan discernir si una obra concreta es encuadrable o no en esa categoría? ¿Cabe hablar de estilo tardío en compositores que, como Franz Schubert o –un caso aún más extremo– Guillaume Lekeu, murieron recién iniciada la juventud? Nadie podría poner la mano en el fuego a la hora de responder, afirmativa o negativamente, cualquiera de estas preguntas. Karen Painter afirma, por ejemplo, que el “estilo tardío no existe en ningún sentido real”, pero a
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95 al op. de Johann Sebastian Bach. De su coetáneo Franz Schubert se han programado sus dos tríos con piano. hasta tal punto desligadas de consideraciones prácticas que. asimismo. la totalidad de El arte de la fuga o varios de los cánones de la Ofrenda musical ni siquiera están concebidos. los dieciocho conciertos del XX Liceo de Cámara intentan ofrecer una panorámica lo más completa posible de cómo los compositores. muchas de ellas reveladoras de su precaria salud mental. por ejemplo. 946. la segunda Sonata para violín y piano). fruto de las especulaciones contrapuntísticas de sus últimos años. De Haydn podrá oírse uno de sus dos últimos cuartetos completados (el op. las Sonatas para viola y piano o una selección de sus últimas colecciones de piezas pianísticas. Con las limitaciones obligadas que impone la necesidad de circunscribirse al ámbito de la música de cámara. Es el caso. De Wolfgang Amadeus Mozart sonará. para abrir la temporada. Adorno y que es el músico en quien el concepto parece encajar como anillo al dedo) podrán escucharse todos sus últimos cuartetos de cuerda.la vez es coeditora de un libro (Late Thoughts: Reflections on Artists and Composers at Work) que explora y reflexiona justamente sobre aquello cuya existencia viene a desmentir. la esencia de su pensamiento musical. los integrantes del Cuarteto Quiroga. remo- zado para la ocasión por quienes serán sus intérpretes. al menos uno juvenil y otro de madurez. 103. del op. Instalados ya en el Romanticismo. Un hipotético estilo tardío parece presuponer de algún modo estilos anteriores diversos: por resumir. adoptaron en sus últimos años un estilo notoriamente diferente de los anteriores cultivados por ellos mismos y que expresan. lo que convierte a estos compases en el verdadero canto del cisne de uno de los compositores más feraces de la historia. Brahms nos dejó en los últimos años de su vida una serie de composiciones con un inequívoco carácter de adiós (de la creación y de la propia vida) y en el XX Liceo de Cámara sonarán varias de ellas: el Quinteto con clarinete. 135 de Beethoven) y la Ofrenda musical. 135. que quedó inconcluso. un pequeño rosario de confesiones íntimas de un hombre solo y en- 4 5 . El caso paradigmático de Beethoven (cuyo Spätstil fue estudiado en un famoso ensayo por el filósofo Theodor W. su visionario Cuarteto de cuerda en Sol mayor y su Quinteto de cuerda. el Réquiem en un arreglo para cuarteto de cuerda de su contemporáneo Peter Lichtenthal. Gesänge der Frühe. sino también maneras. formas y lenguajes premonitorios de estilos futuros. ya que fue el género al que dedicó sus últimos esfuerzos como creador. destilada. para un instrumento concreto. muchos de los últimos frutos nacidos de la creatividad de los más grandes artífices de la cultura occidental. sino que tiene sentido –y resulta enormemente instructivo– escuchar reunidos. algunos de los cuales no llegarían a cristalizar hasta varias décadas después de la muerte del austríaco. de Bach a Richard Strauss. ya que su autor confesó no tener ya fuerzas y sentirse demasiado viejo para seguir componiendo. que constituye la razón de ser de este ciclo. no solo su estilo de última época. los Vier ernste Gesänge. su Fantasía para violín y piano o sus Tres Piezas para piano D. podremos admirar páginas infrecuentes del ultimísimo Schumann (Märchenbilder. que se erigieron desde su nacimiento mismo en su verdadero testamento musical. por ejemplo. publicado en 1852. Lo cierto es que el XX Liceo de Cámara mostrará a lo largo de sus dieciocho conciertos que la caracterización de “estilo tardío” aplicada a muchos compositores no es un capricho de los musicólogos. obras nacidas todas ellas en los últimos meses de su vida (en los que el genio schubertiano produjo un aluvión sin precedentes de obras maestras) y que muestran. Semejante división tripartita nos remite de inmediato a los inmortalizados por Wilhelm von Lenz en su clásico Beethoven et ses trois styles. 77 nº 1) y el op. como se hará durante esta temporada. El arte de la fuga (aquí contrapuesta al Cuarteto op. de quien sonarán sus dos obras más emblemáticas en este sentido. al menos stricto sensu.

sino también el final de toda una época. la Sonata para violín y piano o la Sonata para viola y piano de Dmitri Shostakovich. Especialmente reseñable. como los hermanos Capuçon (que tocarán en esta ocasión por primera vez con su propio Cuarteto). el Cuarteto op. de quien está conmemorándose en 2011 el segundo centenario de su nacimiento. Otro compositor que apuntó nuevos rumbos en sus últimas obras fue Franz Liszt. no especialmente frecuentadas. incluido su propio Quinteto con clarinete. es el concierto de clausura de la temporada. pero de una calidad indiscutible. aunque no tan veteranos. una de las voces más prometedoras de la actualidad. que quedó inconcluso tras su muerte y fue completado por su maestro Vincent d’Indy). Varias de sus extrañas y visionarias piezas para piano compuestas al final de su dilatada vida sonarán en dos conciertos. el Cuarteto de Tokio. pero líder en esta ocasión de una pequeña formación barroca con instrumentos históricos). Cédric Tiberghien (que tan excelente impresión causó en sus recitales con Alina Ibragimova en el XVIII Liceo de Cámara). de obra que refleja aquí no solo el fin de una vida. el gran y experimentado pianista británico Roger Vignoles. De este último se ha programado también su Sonata para violín y piano. Indudable carácter testamentario tienen también otras músicas. Hacen también su debut la cantante holandesa Christianne Stotijn. todas ellas escritas al borde mismo de la muerte. el Cuarteto nº 3 de Viktor Ullmann o los cuartetos de Gabriel Fauré y César Franck. Tabea Zimmermann (habitual como integrante del Cuarteto Arcanto. todas igualmente sombrías y desesperanzadas. el Cuarteto Arcanto. del Cuarteto nº 15. solo cabe el silencio). Alois Posch.fermo. la violinista alema- 6 7 . el Cuarteto Ebène y el Cuarteto Belcea. junto a otros que. En él sonarán obras de Guillaume Lekeu (su extraordinario Cuarteto con piano. la partitura que encarna quizá como ninguna otra el concepto de opus ultimum. Aunque más breve. como el Cuarteto Pavel Haas. contemporáneo del ya citado cuarteto). Kirill Gerstein. la Sonata para violín y piano y la Sonata para violonchelo y piano de Debussy. Antoine Tamestit (que deslumbró en el XIX Liceo de Cámara con su recital para viola sola). el Cuarteto Meta4 o el Cuarteto Hagen. También regresan nombres familiares como los de Isabel Charisius (antigua violista del Cuarteto Alban Berg). en el ambicioso programa monográfico dedicado al último Brahms. estábamos deseando volver a escuchar. el Cuarteto Quiroga. Pieter Wispelwey. que será el encargado de inaugurar la temporada. Es el caso. de ese mundo del ayer: después de una música así. Gérard Caussé. Nos visitan por primera vez un cuarteto joven emergente del panorama español. Hanna Weinmeister (en el que será también su primer recital como solista en el Liceo de Cámara) o Jan Söderblom (que presentará en España a su flamante trío). como el Cuarteto nº 3 de Britten. Fauré (su Trío con piano. 106 de Dvořák. su obra más conocida y un ejemplo señero de “estilo tardío”. idéntico espíritu se trasluce en el Preludio de Capriccio de Richard Strauss. tres maneras diferentes de entonar una despedida de este mundo por parte del compositor soviético. Vuelven al Liceo de Cámara grupos habituales en los últimos años. que escucharemos en su versión original para sexteto de cuerda junto a otra música poco programada y muy representativa del a un tiempo melancólico y vitalista estilo de última época de su autor: el Souvenir de Florencia de Tchaikovsky. por su ambición y por las propias obras que integran el programa. Liszt (cinco de sus piezas para piano de sus últimos años y la versión para cuarteto de cuerda de Am Grabe Richard Wagners) y Richard Strauss (la versión original para septeto de cuerda de Metamorfosis. pero que ofrecerá su primer recital como solista en el Liceo de Cámara). asimismo. Otro tanto puede decirse de las diversas composiciones de Max Reger programadas en dos de los conciertos. Daniel Sepec (también habitual como miembro del Cuarteto Arcanto.

responsable de la coordinación del ciclo desde el comienzo mismo. y que continúa felizmente con nosotros. y que podemos admirar en toda la grandeza de su pequeño formato en el Museo del Prado. el respaldo incondicional e ininterrumpido que ha recibido desde 1992 por parte de la Fundación Caja Madrid y recordar. uno de los integrantes del excepcional septeto de cuerda que protagonizará el concierto de clausura del XX Liceo de Cámara. no acabe revistiéndose de tintes premonitorios y podamos seguir celebrando juntos muchas más efemérides de la que se ha consolidado como una de las series de conciertos de música de cámara más respetadas de Europa.na Isabelle Faust. el que servirá de inmejorable tarjeta de felicitación por su vigésimo aniversario. Luis Gago Programas 8 . Antonio Moral. Opus ultimum. Solo cabe esperar que nuestro lema de este año. aún mantiene la cabeza enhiesta y parece empeñado en ascender la pendiente que se levanta –amenazante– ante él. el pianista ruso Alexander Melnikov (juntos forman una de las parejas de mayor éxito de la actualidad). ideado y desarrollado antes del brutal azote de la crisis. y que tan buena música sin duda va a depararnos. también con gratitud. justamente al conmemorar los veinte años de existencia del Liceo de Cámara. el clarinetista Matthew Hunt (que interpretará los Quintetos de Brahms y Reger con el Cuarteto Meta4) o el joven y prometedor violonchelista francés Yan Levionnois. al que fuera su fundador y director artístico durante las primeras catorce ediciones. El perro semihundido de Goya que nos acompaña en la cubierta. Es de justicia agradecer. así como dejar constancia del excelente hacer de Inés Fernández Arias.

Adagio molto – attacca: Epílogo. 144 Elegía. K. viola Helena Poggio.30 horas 11 .XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum I ABONO A PROGRAMA 1 Cuarteto Quiroga Aitor Hevia. 20 de octubre de 2011. Adagio – attacca: Marcha fúnebre. violín Cibrán Sierra. Adagio – attacca: Nocturno. 19. Adagio – attacca: Serenata. 626 (versión para cuarteto de cuerda de Peter Lichtenthal [1780-1853] revisada por el Cuarteto Quiroga) Introitus: Requiem Kyrie Dies irae Tuba mirum Rex tremendae Recordare Confutatis Lacrimosa Domine Jesu Christe Hostias Sanctus Benedictus Agnus Dei Lux aeterna II JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Wenn wir in höchsten Nothen sein. SALA DE CÁMARA Jueves. violonchelo I WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Réquiem. Adagio – Adagio molto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. Adagio – attacca: Intermezzo. violín Dénes Ludmány. BWV 668a DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Cuarteto nº 15 en Mi bemol menor. op.

SALA DE CÁMARA Jueves. op. op. 131d nº 1 Molto sostenuto Vivace – Andantino – Vivace Andante sostenuto Molto vivace DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Sonata para viola y piano. 132 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA.30 horas 12 13 . viola Kirill Gerstein. op. 19. 147 Moderato Allegretto Adagio Träume am Kamin. 143 (selección) I Larghetto II Con moto III Molto Adagio VII Molto sostenuto XI Andantino XII Larghetto FRANZ LISZT (1811-1886) Romance oubliée. mit melancholischem Ausdruck II MAX REGER Suite para viola sola en Mi menor.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum II ABONO B PROGRAMA 2 Tabea Zimmermann. 24 de noviembre de 2011. op. 113 Nicht schnell Lebhaft Rasch Langsam. piano I ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Märchenbilder. op. S. 131d nº 3 Moderato Vivace Adagio Allegro vivace MAX REGER (1873-1916) Sonata para viola sola en Sol menor.

SALA DE CÁMARA Jueves. op. op.30 horas 14 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 19. piano FRANZ SCHUBERT (1797-1828) I Trío en Si bemol mayor. violín Marko Ylönen. 131 Adagio ma non troppo e molto espressivo – Allegro molto vivace – Allegro moderato – Andante ma non troppo e molto cantabile – Più mosso – Andante moderato e lusinghiero – Adagio – Allegretto – Adagio. 133 Adagio ma non troppo – Allegro Presto Andante con moto. 929 Allegro Andante con moto Scherzando: Allegro moderato – Trio Allegro moderato II Cuarteto en Do sostenido menor. 15 de diciembre de 2011. violín Veronika Hagen. ma non troppo Alla danza tedesca: Allegro assai Cavatina: Adagio molto espressivo Overtura: Allegro – Meno mosso e moderato – Allegro Fuga: Allegro – Meno mosso e moderato – Allegro molto e con brio – Allegro Cuarteto Hagen Jan Söderblom. violonchelo Arto Satukangas. violín Rainer Schmidt.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum III ABONO A PROGRAMA 3 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum IV ABONO B PROGRAMA 4 Lukas Hagen. 898 Allegro moderato Andante un poco mosso Scherzo: Allegro – Trio Rondo: Allegro vivace II Trío en Mi bemol mayor. viola Clemens Hagen. 19. 130 / Gran Fuga op. violonchelo LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) I Cuarteto en Si bemol mayor. ma non troppo e semplice – Allegretto – Presto – Adagio quasi un poco andante – Allegro AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. SALA DE CÁMARA Martes.30 horas 15 . 29 de noviembre de 2011. D. D.

120 nº 1 Allegretto appassionato – Sostenuto ed espressivo Andante un poco Adagio Allegretto grazioso Vivace II Sonata para viola y piano en Mi bemol mayor. 120 nº 2 Allegro amabile – Tranquillo Allegro appassionato – Sostenuto Andante con moto – Allegro – Più tranquillo Intermezzo op. 116 nº 4 Intermezzo. 121 Denn es gehet dem Menschen Ich wandte mich und sahe an alle Tod. viola Roger Vignoles. 19. op. 117 nº 2 Andante non troppo e con molto espressione Wie Melodien zieht es. largo e mesto Zwei Gesänge. 105 nº 2 Auf dem Kirchhofe.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum V ABONO A PROGRAMA 5 Christianne Stotijn. 105 nº 1 Immer leiser wird mein Schlummer. wie bitter bist du Wenn ich mit Menschen. 118 nº 6 Andante. o Tod. 105 nº 4 Intermezzo op. op. mezzosoprano Isabel Charisius. piano JOHANNES BRAHMS (1833-1897) I Sonata para viola y piano en Fa menor. op. op. SALA DE CÁMARA Martes. op.30 horas 16 17 .und mit Engelszungen redete Intermezzo op. 10 de enero de 2012. Adagio Vier ernste Gesänge. 119 nº 1 Adagio Fantasía op. op. 91 Gestillte Sehnsucht Geistliches Wiegenlied AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. op.

Grave ma non troppo tratto (“Muß es sein?”) – Allegro (“Es muß sein!”) AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. a 4. 19. op. a 4. per Augmentationem et Diminutionem Contrapunctus VIII. a 4 inversus Canon alla Ottava Canon alla Decima in Contrapuncto alla Terza Canon alla Duodecima in Contrapuncto alla Quinta Contrapunctus XIII. Adagio Presto II FRANZ SCHUBERT Drei Klavierstücke. a 4 Canon per Augmentationem in Contrario Motu Contrapunctus XII. 31 de enero de 2012. D. D. 19. op. SALA DE CÁMARA Martes.30 horas 19 . alla Duodecima Contrapunctus X. alla Decima Contrapunctus XI. violín Tabea Zimmermann. a 4. 934 Andante molto Allegretto Andantino Allegro vivace – Allegretto – Presto Antje Weithaas. cantante e tranquillo – Più lento – Tempo I Der schwer gefaßte Entschluß. BWV 1080 Contrapunctus I Contrapunctus II Contrapunctus III Contrapunctus IV Contrapunctus V Contrapunctus VI. a 4.30 horas 18 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. a 3 Contrapunctus IX. 117 Tempo di ciaccona Fuga. a 3 inversus Canon per Augmentationem in Contrario Motu Contrapunctus XIV (incompleto) Cuarteto Arcanto BÉLA BARTÓK (1881-1945) Sonata para violín solo. SALA DE CÁMARA Miércoles.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VI ABONO B PROGRAMA 6 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VII ABONO A PROGRAMA 7 Isabelle Faust. a 3 rectus Contrapunctus XIII. 134 Andante Allegretto Largo II LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en Fa mayor. violonchelo I JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) El arte de la fuga. violín Alexander Melnikov. in Stylo Francese Contrapunctus VII. Risoluto. viola Jean-Guihen Queyras. Sz. 135 Allegretto Vivace Lento assai. 15 de febrero de 2012. 946 Allegro assai Allegretto Allegro DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Sonata para violín y piano. a 4 rectus Contrapunctus XII. non troppo vivo Melodia. piano I FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Fantasía para violín y piano en Do mayor. violín Daniel Sepec.

viola Jean-Guihen Queyras. 224 Mephisto Walzer nº 4. 19. S. S. violonchelo Cuarteto Arcanto Pieter Wispelwey.30 horas 20 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. op. 16 de febrero de 2012. 87 Introduzione (Lento) Marcia (Allegro) Canto (Con moto) Barcarolla (Lento) Dialogo (Allegretto) Fuga (Andante espressivo) Recitativo (Fantastico) Moto perpetuo (Presto) Passacaglia (Lento solenne) Mournful Song (Molto semplice) – Autumn (Vivace) – Street song (Pesante) – Grant repose together with the saints (Lento) II Quinteto en Do mayor. violín Daniel Sepec. D. 216a II BENJAMIN BRITTEN (1913-1976) Suite para violonchelo solo nº 3. S. D. piano I FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Sonata para arpeggione y piano en La menor.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VIII ABONO B PROGRAMA 8 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum IX ABONO A PROGRAMA 9 Antje Weithaas. SALA DE CÁMARA Jueves.30 horas 21 . 19. D. 696 Bagatelle sans tonalité. 956 Allegro ma non troppo Adagio Presto – Trio: Andante sostenuto Allegretto CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Sonata para violonchelo y piano Prologue Sérénade Finale AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 215 Csárdás macabre. S. SALA DE CÁMARA Jueves. 23 de febrero de 2012. violoncelo Cédric Tiberghien. violonchelo FRANZ SCHUBERT (1797-1828) I Cuarteto nº 15 en Sol mayor. 887 Allegro molto moderato Andante un poco mosso Scherzo: Allegro vivace – Trio: Allegretto Allegro assai FRANZ LISZT (1813-1886) Valse oubliée nº 1. violín Tabea Zimmermann. 821 Allegro moderato Adagio – Allegretto Olivier Marron.

77 nº 1. Andante – Molto adagio – Andante – Molto adagio (Mit innigster Empfindung) Alla marcia. assai vivace – Più allegro – Allegro appassionato – Presto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violín Kikuei Ikeda. violonchelo I JOSEPH HAYDN (1732-1809) Cuarteto en Sol mayor.30 horas 23 . BWV 1087 Variaciones canónicas sobre la canción navideña Vom Himmel hoch da komm ich her. Sz. pesante – Vivace Mesto – Marcia Mesto – Burletta Mesto CARL PHILIPP EMANUEL BACH (1714-1788) Fantasía para violín y clave en Fa sostenido menor. op. violín Kazuhide Isomura. BWV 769 (instrumentación de Andreas Tarkmann) Martin Beaver. violín barroco Christine Busch. Christine Schornsheim. violín barroco Patrick Sepec. 536 II JOHANN SEBASTIAN BACH Ofrenda musical. 14 de marzo de 2012. contrario Motu Canon a 2 per Tonos Fuga canonica in Epidiapente Ricercar a 6 Canon a 2 Quaerendo invenietis Canon a 4 Quaerendo invenietis Sonata sopr’il Soggetto Reale a Traversa. viola Clive Greensmith.30 horas 22 II LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en La menor. 19. Molto Adagio – Neue Kraft fühlend. 28 de marzo de 2012. SALA DE CÁMARA Miércoles. 19. Violino e Continuo (Largo – Allegro – Andante – Allegro) Canon perpetuus AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. per Motum contrarium Caon a 2 per Augmentationem. Hob III:81 Allegro moderato Adagio Presto Presto Cuarteto de Tokio flauta travesera barroca BÉLA BARTÓK (1881-1945) Cuarteto nº 6. clave y órgano I JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Cánones sobre las ocho notas del bajo del aria de las Variaciones Goldberg. SALA DE CÁMARA Miércoles.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum X ABONO A PROGRAMA 10 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XI ABONO B PROGRAMA 11 Daniel Sepec. op. in der Lydischen Tonart. H. 114 Mesto – Più mosso. violonchelo barroco Michael Schmidt-Casdorff. 132 Assai sostenuto – Allegro Allegro ma non tanto Heiliger Dankgesang eines Genesenden an die Gottheit. BWV 1079 Ricercar a 3 Canon perpetuus super Thema Regium Canon a 2 cancrizans Canon a 2 Violini in unisono Canon a 2.

violonchelo Cuarteto Ebène Corina Belcea-Fisher. 19. 4 Sehr langsam – Breiter – Schwer betont – Sehr breit und langsam – Sehr ruhig BENJAMIN BRITTEN (1913-1976) Cuarteto de cuerda nº 3. 26 de abril de 2012. 94 Duets Ostinato Solo Burlesque Recitative and Passacaglia (La Serenissima) II PIOTR ILYCH TCHAIKOVSKY (1840-1893) Sexteto en Re menor. op. op. 127 Maestoso – Allegro Adagio. 85 ARNOLD SCHOENBERG (1874-1951) Noche transfigurada. violín Krzysztof Chorzelski. violonchelo I RICHARD STRAUSS (1864-1949) Preludio de Capriccio. op. viola Antoine Lederlin.30 horas 25 .30 horas 24 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. viola Nicolas Altstaedt. violonchelo I LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en Fa menor. violín Mathieu Herzog. 95 (“Quartett[o] serioso”) Allegro con brio Allegretto ma non troppo – Allegro assai vivace ma serioso – Più allegro Larghetto espressivo – Allegretto agitato – Allegro Cuarteto Belcea Antoine Tamestit. violín Gabriel Le Magadure. op. SALA DE CÁMARA Miércoles. 70. op. SALA DE CÁMARA Jueves. op. violín Axel Schacher. 11 de abril de 2012. 19. ma non troppo e molto cantabile – Andante con moto – Adagio molto espressivo – Tempo I Scherzando vivace – Presto – Tempo I Finale: Allegro con moto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XII ABONO A PROGRAMA 12 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XIII ABONO A PROGRAMA 13 Pierre Colombet. viola Raphaël Merlin. “Souvenir de Florencia” Allegro con spirito Adagio cantabile e con moto Allegretto moderato Allegro vivace II LUDWIG VAN BEETHOVEN Cuarteto en Mi bemol mayor.

op. 46 Allegro moderato e semplice Presto Largo Allegro vivace e ritmico CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Sonata para violín y piano Allegro vivo Intermède. 23 de mayo de 2012. 19.30 horas 27 . Andante sostenuto – Allegro con fuoco Hanna Weinmeister. M. nicht zu rasch Lebhaft Bewegt Im Anfange ruhiges. op. violín Alexander Lonquich. 8 Allegretto moderato Allegro Recitativo-Fantasia. violonchelo I ANTONÍN DVOŘÁK (1841-1904) Cuarteto nº 13 en Sol mayor. im Verlaufe bewegteres Tempo II LEOŠ JANÁČEK (1854-1928) Cuarteto nº 2. 19. SALA DE CÁMARA Martes. viola Peter Jarůšek. SALA DE CÁMARA Miércoles.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XIV ABONO B PROGRAMA 14 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XV ABONO A PROGRAMA 15 Cuarteto Pavel Haas Veronika Jarůsková. Très animé AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 133 Im ruhigen Tempo Belebt. 8 de mayo de 2012. Fantasque et léger Finale. piano I ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Sonata para violín y piano en Re menor. op. op. Moderato – Molto lento Allegretto poco mosso VIKTOR ULLMANN (1898-1944) Cuarteto nº 3. violín Pavel Nikl. einfach Bewegt Gesänge der Frühe. violín Eva Karová. 121 Ziemlich langsam .30 horas 26 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. “Cartas íntimas” Andante – Con moto – Allegro Adagio – Vivace – Andante – Presto – Allegro – Vivo – Adagio Moderato – Adagio – Allegro Allegro – Andante – Con moto – Adagio – Tempo I II CÉSAR FRANCK (1822-1890) Sonata para violín y piano en La mayor.Lebhaft Sehr lebhaft Leise. 106 Allegro moderato Adagio ma non troppo Molto vivace Finale.

30 horas 29 . violín Atte Kilpeläinen. violonchelo Cuarteto Meta4 Antti Tikkanen. op. op. violín Atte Kilpeläinen. Presto GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Cuarteto en Mi menor. 115 Allegro Adagio Andantino – Presto non assai. viola Tomas Djupsjöbacka. SALA DE CÁMARA Martes. 131 Allegro Allegro moderato – Andante cantabile Allegro non più moderato. M. ma con sentimento Con moto – Un poco meno mosso AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 29 de mayo de 2012. 19. Hob III:83 (incompleto) Andante grazioso Menuet ma non troppo presto Cuarteto Meta4 Matthew Hunt. 31 de mayo de 2012. violín Minna Pensola. I clarinete BEDŘICH SMETANA (1824-1884) Cuarteto nº 2 en Re menor.30 horas 28 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. quasi Marcia Finale. op.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVI ABONO B PROGRAMA 16 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVII ABONO A PROGRAMA 17 Antti Tikkanen. 121 Allegro moderato Andante Allegro MAX REGER (1875-1916) Quinteto con clarinete en La mayor. 19. 103. violín Minna Pensola. 146 Moderato ed amabile Vivace Largo Poco Allegretto II CÉSAR FRANCK (1822-1890) Cuarteto en Re mayor. violonchelo I JOSEPH HAYDN (1732-1809) Cuarteto en Re menor. T. op. ma agitato e con fuoco – Molto moderato. SALA DE CÁMARA Jueves. viola Tomas Djupsjöbacka. 9 Poco Lento – Allegro Scherzo: Vivace Larghetto Finale: Allegro molto II JOHANNES BRAHMS (1833-1897) Quinteto con clarinete en Si menor.

ma non troppo Andantino Allegro vivo (reconstrucción de la versión para septeto de cuerda de Rudolf Leopold) RICHARD STRAUSS (1864-1949) Metamorfosis AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 194 R. Dans un emportement douloureux Lent et passioné GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Trío con piano en Re menor.30 horas 30 31 . violonchelo Alois Posch. op. S. 199 Schlaflos! Frage und Antwort. 203 Unstern! Sinistre. disastro. W. 12 de junio de 2012. contrabajo Nicholas Angelich. violín Béatrice Muthelet. 208 Mosonyis Grabgeleit. piano I GUILLAUME LEKEU (1870-1894) Cuarteto con piano II FRANZ LISZT (1813-1886) Trübe Wolken. viola Gautier Capuçon. 120 Allegro. viola Yan Levionnois. S. violín Aki Saulière. SALA DE CÁMARA Martes. S. Venezia.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVIII ABONO B PROGRAMA 18 Cuarteto Capuçon Renaud Capuçon. violonchelo Gérard Caussé. 19. S. S. 201 Am Grabe Richard Wagners. 202 (versión para cuarteto de cuerda) (completado por Vincent d’Indy) Très animé. S.

Rodríguez .Crónicas musicales del estilo tardío Pablo-L.

mientras que en la segunda se subraya lo irrepetible. sabe lo que ha ocurrido desde el principio o puede anticipar lo que está por venir. lo sucedido en la historia de la música en torno a 1750 va mucho más allá de la consabida transición desde una época llamada Barroco a otra denominada Clasicismo: supuso un cambio drástico en la concepción del tiempo que tuvo importantes consecuencias culturales. de lo irrepetible del presente y también de las contingencias del futuro. pero también la novedad del porvenir. Sin embargo. como los cánones que cultivó con especial énfasis al 35 . la concepción temporal era claramente circular y se regía por la recurrencia de meses y estaciones. Gould ha denominado la flecha temporal. Padre e hijo Johann Sebastian Bach (1685-1750) plasmó esa visión circular del tiempo especialmente en sus composiciones más estrictamente contrapuntísticas. Rodríguez El círculo de Bach y la flecha de Mozart y Haydn. Hasta mediados del siglo xviii. Esas diferencias no pueden atribuirse simplemente a las disparidades entre ambos géneros. pues lo mismo sucede cuando comparamos un concierto de Mozart y otro de Bach: uno puede anticipar el final de un movimiento desde el principio en el caso de salzburgués. El mismo autor aplica este razonamiento a la música al oponer la audición de un movimiento de sonata de Haydn o Mozart a una fuga de Bach. y surgió lo que el científico humanista Stephen J. en torno a 1750 comenzó a tenerse una mayor conciencia del pasado. en la primera se representa la regularidad cíclica y predecible que gobierna la existencia humana.Crónicas musicales del estilo tardío Pablo-L. Karol Berger explicó esa oposición entre círculo y flecha temporal comparando dos pinturas: Il ballo della vita umana al suono del Tempo (1639-1640) de Nicolas Poussin e Il mondo nuovo (1791) de Giandomenico Tiepolo. pero en el compositor de Eisenach resulta imposible hasta que el ritornello final hace su aparición. en el primer caso uno siempre puede ser consciente de dónde se encuentra. pero en el segundo caso no podemos predecir la extensión e incluso el propio Bach solía anunciar enfáticamente el final unos pocos compases antes para que no resultase inesperado.

pasaría ahora a situarse en tercer lugar con el fin de conformar una estructura cruciforme. propiedad del clavecinista Paul Blumenroeder. por tanto. Se trata de cinco cánones a partir de la melodía del famoso canto navideño. y una vez concluida la ocupación prusiana de Leipzig. conforman 36 . poco más de un año antes de su muerte. cuya similitud con el fragmento inicial del bajo del aria de las Variaciones Goldberg quizá no sea una casualidad. creando temas circulares perpetuos en continua suspensión temporal. al cultivador del buen arte por tu verdadero amigo”). Bach dio esta obra a Balthasar Schmidt para imprimirla en notación enigmática. Parece ser que fue el propio rey flautista quien solicitó su visita por medio de su hijo Carl Philipp Emanuel. toma. un puente entre las Variaciones Goldberg de 1741 y la Ofrenda musical de 1747. Estos cánones autógrafos. el Canon duplex übers Fundament a 5 se conocía por la copia que realizó el compositor el 15 de octubre de 1747 en el cuaderno de su amigo Johann Gottlieb Fulda. catalogados como BWV 1087 y hoy conservados en la Bibliothèque nationale de France. amigo de Bach y representante suyo en el bautismo de su discípulo Johann Christoph Altnickol. el viejo Kantor lipsiense utilizó con asiduidad procedimientos de soggetto cavato. En enero de 1974. descubrió en Estrasburgo que dentro del ejemplar impreso de la cuarta parte del Clavier-Übung. junto con el suyo propio. del que Forkel hizo una breve y autorizada semblanza a partir de fuentes orales de los hijos de Bach. el organista y musicólogo francés Olivier Alain. su nombre vuelve a aparecer. A = La. que le permitieron homenajear al destinatario o dar rienda suelta a su fascinación por las letras y los números. El encuentro con el monarca. dos de ellos ya eran conocidos con anterioridad: los números 11 y 13. Franz y Johann Georg Benda o el mismísimo 37 Uno de los hallazgos más recientes y sorprendentes relacionados con la obra de Bach está relacionado con los cánones que cultivó al final de su vida. no por casualidad los números 3 y 4 simbolizan el orden divino y el nombre de Dios. H = Si). con esa grandiosa coda donde escuchamos en stretta las cuatro melodías del coral que culmina con la firma musical del compositor (B = Si bemol. con la particularidad de que la última letra “R” significa repetatur (“repítase”). cuyo bajo repite una y otra vez las notas Fa-La-Si bemol-Mi (F-A-B-E). donde se deletrea a través de la solmisación germana el apellido de Benjamin Gottlob Faber. Y. tibi haud ignotum: itaque Bonae Artis Cultorem Habeas verum amIcum Tuum (“Señor poseedor: no puedes dejar de saber que recordar a un fiel amigo significa ser feliz. La capacidad de Bach como maestro de contrapunto trascendió la ciudad de Leipzig y llegó incluso hasta la corte prusiana de Frederick II (Federico el Grande). Por otro lado. C = Do. pudo confirmarse que se trataba de un ejemplar propiedad del compositor en el que no solo había añadido numerosas correcciones.final de su vida: fue. La I y la T hacen referencia. catalogado como BWV 1077. fechado el primero de marzo de 1749. aquí Bach introduce una inscripción alusiva a la pasión de Cristo representada musicalmente con cinco semitonos descendentes en la voz aguda. A = 1. como tantos compositores desde finales del siglo xv. Tras las correspondientes verificaciones llevadas a cabo en el Johann-Sebastian-Bach-Institut de Gotingaen. o incluso testimonian la afición del compositor por la numerología: catorce es la suma del valor numérico de los caracteres que componen su apellido (de acuerdo con su posición en el alfabeto. indicando en el título que era para órgano de dos teclados y pedalero. respectivamente. signos de articulación. en los dos acrósticos formados por varias de las palabras de la dedicatoria en latín: “Domine possessor Fidelis Amici Beatum Esse Recordari. sino que también había escrito en la hoja de guarda posterior del ejemplar catorce cánones bajo el título Verschiedene Canones über die ersten acht Fundamental-Noten vorheriger Arie (“Diversos cánones sobre las primeras ocho notas del bajo del aria precedente”) donde aplica procedimientos contrapuntísticos cada vez más complejos que parten de una simple exposición del sujeto y su retrogradación hasta un planteamiento a cuatro voces en aumentación y disminución. B = 2. que trabajaba para él. por entonces inspector de música del Ministerio de Cultura galo. aunque el compositor la revisaría en dos ocasiones tras su publicación con la intención de situar su clímax en el centro en vez de al final: el quinto canon. el Canon triplex a 6 fue catalogado originalmente como BWV 1076 y podemos verlo en la mano derecha del compositor en el famoso retrato que pintó Elias Gottlob Haussmann en 1746. a Eisenach (Isenaco en latín) y Turingia. de hecho. había una página autógrafa con varios cánones enigmáticos escritos sobre las primeras ocho notas del bajo del aria de las Variaciones Goldberg. en clara alusión a las stigmata o cinco llagas de Cristo en la cruz. como los hermanos Carl Heinrich y Johann Gottlieb Graun. En realidad. es decir. estudiante de teología y músico de Leipzig. C = 3 y H = 8). tuvo lugar el 7 de mayo de 1747 en el palacio municipal de Potsdam (destruido durante la Segunda Guerra Mundial) ante un nutrido grupo de músicos reunidos en torno al rey prusiano. la localidad y la región natales del compositor. Por un lado. Este Canon triplex fue presentado por Bach en junio de 1747 junto con las Variaciones canónicas sobre el coral navideño “Vom Himmel hoch da komm ich her” BWV 769 como prueba de su maestría en la ciencia musical para su ingreso en la lipsiense Sozietät der musikalischen Wissenschaften (“Sociedad de Ciencias Musicales”) de Lorenz Christoph Mitzler. Un ejemplo de ello lo encontramos en el canon sobre un basso ostinato BWV 1078. indicaciones de tempo o expresión a su monumental ciclo de variaciones (que sonaron el pasado año en el Liceo de Cámara en la transcripción para trío de cuerda de Dmitri Sitkovetsky). el último gran compositor de cánones.

el rey Frederick nunca expresó su agradecimiento a Bach y el compositor tuvo que pagar de su bolsillo los doscientos ejemplares de la edición que regaló a varios amigos o vendió a algunos interesados. Hamburgo. Carl Philipp Emanuel.Johann Joachim Quantz. Al día siguiente. 2) una sonata para flauta travesera. al igual que su patrón Frederick II. Según la biografía publicada en 1868 por Carl Hermann Bitter. había llegado a desarrollar teorías casi esotéricas con el espiritual propósito de la glorificación divina. Sin embargo. Bach representaba al viejo padre del Barroco y Frederick el hijo de una temprana Ilustración. Y es que. 3) varios cánones. y se encumbre la fama del rey como el ascenso de esta modulación”). que podemos verificar en la fuga a seis. llegaría al extremo de vender las planchas de impresión de El arte de la fuga de su padre como chatarra para ganar algo de dinero. que Bach realizó aunque a partir de otro tema similar. que había acompañado a su padre en su viaje a Berlín. Gaines en su libro Evening in 38 the Palace of Reason. En cierto modo. Bach se puso a trabajar en ello tras su regreso a Leipzig y lo que en principio no iba más allá de una mera transcripción de la fuga que había improvisado para el monarca prusiano terminó por convertirse en una extensa composición formada por varias partes que tituló Ofrenda musical (catalogada por Wolfgang Schmieder como BWV 1079) y que dedicó obviamente a Frederick II. a pesar de haberse apartado del estilo paterno en favor de la modernidad. Frederick II. Musicalmente. Su visita había tenido eco en los periódicos de Berlín. Magdeburgo y Potsdam. la publicación de la primera edición de las obras completas del viejo Bach a lo largo de la segunda mitad del siglo terminó por enterrar la figura artística del hijo. donde trascendió además la promesa que hizo al rey de escribir su tema como fuga y hacer con él un grabado en cobre. también asistió Wilhelm Friedemann. no era para Bach más que algo vacío y artificial. Leipzig. el hijo mayor del compositor. el canto y lo demás se resuelve según el arte del canon”). Los rasgos de la música de Carl Philipp inicialmente relacionados con la modernidad fueron considerados a partir de entonces como superficiales. El 30 de septiembre la gaceta de varias ciudades alemanas recogía tanto la noticia de la inminente comercialización de la obra como el esquema de su estructura: “El desarrollo consiste en 1) Dos fugas. el nuevo teatro real de ópera Unter den Linden. el rey pidió a Bach que probase los fortepianos Silbermann y éste le solicitó un tema para improvisar una fuga que dejó a todos admirados. Obviamente. * * * La historia de la relación de Bach con su segundo hijo. pero también en el lenguaje musical moderno del Empfindsamkeit. ahondando en las técnicas contrapuntísticas más estrictas. aumentado y modulado: “Notulis crescentibus crescat Fortuna Regis / Ascendenteque Modulatione ascendat Gloria Regis” (“Que la felicidad del rey crezca como estas notas aumentadas. la otra con seis voces obbligato. con su refinamiento melódico y gracia sonora. en cambio. Bach tampoco se resistió al juego de buscar un lema para sintetizar las pretensiones de su composición y así la palabra “ricercar” adquiere nuevo significado a través de un acróstico: Regis Iussu Cantio Et Reliqua Canonica Arte Resoluta (“A petición del rey. Bach sentía que representaba la ancestral tradición del contrapunto que. una con tres. representaba una mentalidad más orientada hacia el porvenir relacionada con el tiempo flecha. violín y continuo. Federico el Grande y Bach se encontraron en el jalón que separa la cultura antigua de la moderna y lo que surgió de ese encuentro fue algo más que la mera expresión musical de aquel momento histórico. lo que implicaba un rechazo directo del estilo encarnado por su padre. el viejo Kantor también aprovecharía su viaje para visitar otros órganos de Potsdam o. Una vez en palacio. Para Frederick. el rey volvió a escuchar a Bach. por medio del canon y la fuga. incluso en la copia enviada al monarca podían leerse dos significativas dedicatorias en latín al margen de los cánones a dos y cuatro voces. como ha recordado James R. cambió sustancialmente a lo largo del siglo xix. entre los cuales figura una fuga canonica”. al tiempo que enaltecía el natural deleite de la canción o la ornamentación armónica de una sencilla línea melódica. mientras que la música de Bach era símbolo de lo antiguo y trasnochado. Incluso la mera comparación de ambos personajes arroja un cúmulo de diferencias más que significativas: Bach era un devoto patriarca luterano que había tenido veinte hijos y que utilizaba principalmente el alemán en su vida cotidiana. el contrapunto era un vestigio de una estética anticuada y consideraba tonterías religiosas los corales de Bach. una de las fuentes tradicionalmente más citadas a la hora de documentar 39 . el rey quiso ir más allá y solicitó otra fuga pero a seis voces obligadas. algo patente al escuchar el Andante de la Sonata para flauta. el así llamado “estilo galante”. aunque en esta ocasión tocando el órgano de la iglesia del Espíritu Santo. violín y continuo. por el contrario. El viejo Bach pretendió mostrar al monarca todas las posibilidades de su tema. Si al principio se le tenía por un fiel continuador de sus enseñanzas. e incluso su imagen personal se tiñó del grisáceo de la avaricia y la tacañería. era un misántropo bisexual con un matrimonio de conveniencia política sin hijos. Fráncfort. lo que volvió a maravillar a todos los presentes. y quizá ningún conflicto padre-hijo tuvo tantas repercusiones culturales. en Berlín. Está claro que Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788). cuyo estilo había sido rechazado por los jóvenes compositores y también por sus propios hijos. un caduco calvinista que abogaba por la tolerancia religiosa de gustos afrancesados y que presumía de no haber leído nunca un libro en alemán. Frederick representaba todo lo que era nuevo y elegante.

que escucharemos por separado. fugas permutadas y cánones. En realidad. pero también que su afán por incluir todo el material que tenía a mano alteró buena parte del plan original del compositor. 66). 272 (Wq. entre estas últimas destaca el Contrapunctus IV como una de las más novedosas. se implicase personalmente en la primera edición de El arte de la fuga. es de falta de genio de todos aquellos que se dedican a tan miserables estudios e involuntarias creaciones”. No hay duda de que la intervención del segundo hijo de Bach fue decisiva para que la obra fuese publicada. él exigía esta habilidad desde el principio y. Tampoco está claro cuándo escribió Bach esta colección. que podrá escucharse como conclusión del concierto dedicado a El arte de la fuga.ese rechazo es la crónica que publicó Charles Burney en 1773 de su conversación con él: “Cuando volvimos a tratar de la música culta. había tenido que retrasar hasta 1750. habló de forma irreverente de los cánones. en su primer año como miembro había publicado las Variaciones canónicas BWV 769. el compositor simplemente revisó y mejoró varias de las fugas o añadió alguna nueva. estamos ante una obra inconclusa que plantea todavía hoy muchas incógnitas sin resolver. en vez de sobre cuatro pentagramas. si de algo son prueba. cuando ya estaba ciego. el manuscrito que conservamos de esta obra no solo está escrito en partitura de teclado. Por otra parte. es bien sabido que Carl Philipp añadió en ese lugar en el manuscrito la siguiente indicación: “NB Mientras trabajaba en esta fuga. aunque todo parece indicar que la mayor parte de la misma data de 1742. Carl Philipp Emmanuel Bach vendió su querido clavicordio Silbermann a su amigo y discípulo. Por esa razón. conformando un espectacular tratado sobre el tema y ello fue quizá lo que atrajo a Carl Philipp a la hora de hacerse cargo de su edición. La primera. triples. C = Do. en la parte trasera del manuscrito de la misma puede leerse la indicación “und einen anderen Grund Plan” (“y otro plan básico”). en la que aparece el nombre de BACH en el contrasujeto. la obra incluye fugas simples. Carl Philipp nunca renegó directamente de su padre. in einem Rondo (“Despedida de mi clavicordio Silbermann. dobles. * * * En 1781. Por ello no debe resultar extraño que Carl Philipp. junto con varios de los estudiantes de su progenitor. A = La. Como ya vimos. el autor falleció”. Por ejemplo. en 1748 había presentado la Ofrenda musical. como el resto de El arte de la fuga. En todo caso. para él. sino que además el compositor la titula “Fuga a 3 soggetti”. es la famosa fuga cuádruple inconclusa donde Bach introduce su nombre como sujeto (B = Si bemol. en el que concluía incluso que es probable que la fuga estuviera completada y hayamos perdido la versión finalizada. Para la publicación. en la práctica. si alguno no la tenía. donde la principal cualidad que exigía era la imaginación: “En cuanto a la inventiva. es una nueva versión que realizó Bach del preludio coral Wenn wir in höchsten Nothen sein y que Carl Philipp añadió al final de la edición de El arte de la fuga a modo de epílogo sentimental con la siguiente justificación: “Se ha querido resarcir a los amigos de la musa con la publicación del coral sacro a cuatro voces añadido al final. contrafugas. no conocemos con precisión el título que iba a darle. en vez de “Contrapunctus”. Carl Philipp diseñó una publicación de veinticuatro piezas. que le exigían una obra por año. algo que Christoph Wolff ha relacionado con lo realizado por Bach en el Et incarnatus del Credo de su Misa en Si menor. que puede hacer alusión a su pertenencia a otra colección. que vería la luz en 1751. H = Si) poco antes de que se interrumpa bruscamente. a uno de sus amigos”. afirmó que eran áridas y despreciables piezas de pedantería en las que ningún compositor como tal debería sacrificar su tiempo. la última aportación al respecto de Gregory Butler argumenta que quizá esta fuga formase parte de otra colección posterior a El arte de la fuga que Bach estaba empezando a diseñar. por problemas de salud. Bach había dejado preparada la mayor parte de una nueva edición de cánones y fugas en cumplimiento de lo estipulado por los estatutos de la Sozietät de Mitzler. La principal controversia en relación con esta fuga se debe a que no utiliza el tema de El arte de la fuga. Y es que a su muerte. De hecho. el que hoy tiene de Die Kunst der Fuge (“El arte de la fuga”) fue escrito por su discípulo y ahijado Altnickol en el manuscrito de la obra tras la muerte del compositor. Las razones de Carl Philipp para 41 . fugas espejo. la combinación de los tres temas de la obra encajaba a la perfección con el tema principal de la colección. sino incluso una obra expresamente compuesta para la ocasión y titulada Abschied von meinem Silbermannischen Claviere. En realidad. aunque ya en el siglo xix Gustav Nottebohm demostró cómo. en forma de rondó”) H. aunque en el manuscrito de Bach tan solo había catorce composiciones 40 (un número nuevamente muy representativo): doce fugas y dos cánones. en el envío no solo incluyó una carta. y un año después pensaba entregar impresa la colección que estaba preparando cuando falleció y que. el 28 de julio de 1750. En una carta dirigida a Forkel en 1775 explicaba al que fuera primer biógrafo del viejo Bach la forma en que enseñaba a sus alumnos. al dotar de gran flexibilidad armónica al sujeto. hoy se considera bastante controvertida la presencia al final de dos piezas que en realidad no formaban parte de la obra: el Contrapunctum XIV o “Fuga a 3 soggetti” y el conocido como “Coral del lecho de muerte” o revisión del preludio coral Wenn wir in höchsten Nothen sein BWV 668. e incluso hay que reconocer que siempre alabó su método didáctico. La otra composición. le recomendaba que no se dedicara a la composición”. que el difunto dictó de memoria. el barón Dietrich Ewald von Grotthus. En adelante ha habido muchas teorías que culminaron inicialmente en el magno estudio de Christoph Wolff.

no parecen relacionadas con su estado de conservación. a pesar de las alabanzas que siempre dedicó al clavicordio. 300 (Wq. en una sugestiva ficción autobiográfica. como la carta de 1840 del compositor Ignaz Xaver Ritter von Seyfried. y Gerl. como ya había hecho antes. tal como pensó el propio Bach que. como es bien sabido). sensible.] el oyente debe temblar de felicidad”. el tenor Benedikt Schank (creador del papel de Tamino). Uno a veces sueña unos minutos con los sentimientos más apasionados. sobresaltos y silencios que conformaban un lenguaje extremo encaminado a la expresión directa. Tanto el final como la referida inscripción han sido relacionados por Richard Kramer con la noción de agotamiento y cansancio que exhibe Carl Philipp en su obra durante sus últimos años de vida: “La música se sumerge y parece desaparecer en el sorprendente zumbido de las cuerdas graves del clavicordio. a lo que añade al pie: “Quizá no resulte inapropiado comparar la cadencia con un sueño. 80) no es un arreglo sensu stricto. y once horas después. las fantasías de Carl Philipp se relacionaron ya en su tiempo con la capacidad expresiva de un monólogo teatral. antaño un bajo en el teatro de Mannheim. conservado en la Staatsbibliothek berlinesa. Bachs Empfindungen” (“Sentimientos de C. Todo parece indicar que Carl Philipp pensaba en su evolución como compositor y. precisamente. y tampoco es difícil relacionar su construcción con la del recitativo accompagnato operístico. el compositor incluso alude a la calidad del mismo en la referida carta que acompañaba a la composición: “[Esta obra] es prueba de que uno puede componer [en él] afligidos rondeaux. los avances técnicos en los fortepianos que conoció tras su llegada a Hamburgo le animaron a componer cada vez con más asiduidad para este instrumento. sostienen. en las posibilidades expresivas de otros instrumentos como el Tangentenflügel o el fortepiano. pero también subjetiva y opuesta a lo racional. partió de esta vida”. como el de su amigo. Otros testimonios. cada pasión humana fue sometida a su ejecución y ante su exaltado genio [. de las emociones y que tiene en las fantasías y los rondós sus formas más habituales. y que no en otro clavicordio sino en el que tú tienes podrá ser tocado bien”. asumió la de tenor. cantó la línea de soprano. su interpretación espíritu y vida. a la una de la mañana en punto (del 5 de diciembre de 1791. 67) de 1787 es un ejemplo muy significativo del Empfindsamkeit tardío de Carl Philipp. una fantasía y dos rondós: “Sus sonidos fueron palabras. su expresión encantamiento. tal como podemos comprobar si comparamos ambos finales. hechos que hemos experimentado y han dejado mella en nosotros”. concretamente. compositores y cineastas. pero sin coherencia y de forma subconsciente. el flautista Friedrich Ludwig Dülon recuerda en su autobiografía su visita en 1783 a casa de Carl Philipp para hacer una audición y la impresión que le produjo escucharle tras la comida tocar en su fortepiano una sonata. natural. Y es que. Realmente. Sea como fuere. la temprana muerte de Mozart sigue siendo aún hoy objeto continuo de conjeturas y especulaciones. con esos imprevisibles cambios de afecto por medio de alteraciones en el pulso y la armonía. la famosa Freye Fantasie H. cuya concepción estilística aparece resumida dos años más tarde dentro de la definición de “cadencia” de la fundamental Klavierschule de Daniel Gottlob Türk: “La cadencia debe parecerse en todo lo posible a una fantasía creada a partir de una profusión de sentimientos y no a una pieza elaborada”. además del aura de un sueño. que su última noche Mozart estuvo más ocupado en las particularidades del reparto de Die Zauberflöte. sino la versión que realizó de la misma también en 1787 con un acompañamiento para violín. Hofer. el compositor seguía trabajando en el Requiem postrado irremediablemente en cama: “[Mozart] tenía la partitura cerca de la cama. Cantaron los primeros compases de Lacrimosa cuando Mozart rompió a llorar amargamente. 536 (Wq. una especie de dialecto alemán del estilo galante que fue desarrollado por Carl Philipp especialmente en el repertorio para clavicordio posterior a 1750 y treinta años más tarde en el fortepiano. esta versión catalogada como H. Concretamente. y él mismo (eran las dos del mediodía) cantó la parte de contralto. E. arpegios quebrados. Bach”). Esta descripción encaja a la perfección con el Empfindsamkeit o estilo sentimental. que asegura en el obituario del compositor publicado en la Allgemeine musikalische Zeitung que la víspera de su muerte. Schack. el compositor escribió la famosa anotación “C. pero sí falleció componiendo una misa de difuntos. P. sino más bien una segunda redacción de la misma obra. Poco tiempo después de su sepelio comenzaron a difundirse por los mentideros de Viena informaciones falsas sobre las circunstancias de su fallecimiento que han perdurado hasta nuestros días a través de dramaturgos. sin embargo. que había adquirido en 1746 y de cuya estima dejó constancia no solo en su correspondencia sino incluso en su tratado Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen (“Ensayo sobre el verdadero arte de tocar los instrumentos de tecla”). Adioses clásicos: Mozart y Haydn Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) no murió en su música. en el autógrafo de esta versión con violín. No obstante. Concretamente.desprenderse de su más querido instrumento. se caracteriza por una profusión de escalas rápidas.. el amigo de la familia. dejando la partitura a un lado. P. cuñado de Mozart. al menos eso se desprende de algunos testimonios. deseó morir en su música”. fue el bajo.. 42 La versión de la Freye Fantasie de Carl Philipp Emanuel Bach que escucharemos en este ciclo no es la habitual (u original) para teclado solo. que seguía representándose con éxito tras su estreno dos meses atrás. E. 43 .

que en un ardid antiitaliano convirtieron al envidioso Antonio Salieri en responsable por envenenamiento de la muerte de Mozart. sus criados suponían lo que sucedía pero lo aceptaban. donde se interpretaban obras copiadas por su mano que hacía pasar por propias. tal como indica Franz Xaver Niementschek en su primera biografía publicada en 1808 a partir de un testimonio de su esposa Constanze. John Emsley ha aclarado recientemente que el envenenamiento pudo estar relacionado con el polvo de antimonio que le recetó su doctor para combatir la depresión que padecía. y la culminó con una reelaboración del Introito y Kyrie para la Communio “Lux Aeterna”. había sido en su juventud criado del conde Franz von Walsegg y conoció de primera mano no solo todo lo relacionado con el encargo de la obra a Mozart. sin embargo. como los estrenos de La clemenza di Tito en Praga y Die Zauberflöte en Viena. Herzog. Benedictus y Agnus Dei. y que incluye un estudio epidemiológico en perspectiva de las muertes acaecidas en Viena entre noviembre de 1791 y enero de 1792. Süssmayr era alumno de Salieri). Mozart (“Verdadera y detallada historia del Réquiem de W. posteriormente convertida en ópera homónima por Nicolai Rimski-Korsakov y punto de partida de la obra teatral Amadeus (1979) de Peter Schaffer. aunque se trataba de composiciones habitualmente encargadas a compositores profesionales como Franz Anton Hoffmeister. A. e incluso es posible verificar cómo en las semanas siguientes estuvo dedicado a otras composiciones como su Concierto para clarinete K. Los meses siguientes. un miembro del estrecho círculo de colegas de Mozart. como Mozart lo definió. La otra copia se la entregó al 45 . La viuda de Mozart vendió a comienzos de marzo una de las copias al rey prusiano Friedrich Wilhelm II por una suma considerable y seguramente hizo otros negocios con la obra. publicada hace dos años. concluye que el compositor falleció a consecuencia de la complicación de una simple infección por estreptococo. de hecho. del resto había escrito un boceto bastante preciso desde el Kyrie hasta el Hostias. esos rumores se convirtieron pronto en motivo de una opereta de Albert Lortzing titulada Szenen aus Mozarts Leben (1832) o de una tragedia ligera escrita por Alexander Pushkin titulada Mozart y Salieri (1831). compositor y autor del libreto de Die Zauberflöte) donde tan solo pudo escucharse el Introito y el Kyrie. quien. la última investigación sobre el tema. muy apreciado por él (llamaría Franz Xaver a su segundo hijo) y dedicado principalmente a la composición de ópera alemana (en 1794 sería nombrado Kapellmeister en el restablecido National-Singspiel Kärntnertortheater de la corte vienesa). fue un evento organizado por Emanuel Schikaneder (empresario teatral. Mozart”) que había escrito Anton Herzog en 1839 y cuya publicación había sido entonces prohibida. Curiosamente. e incluso pidió más tiempo para trabajar en el Requiem. La muerte de la esposa del conde. de las que el conde tenía la exclusividad. el conde era un músico aficionado y solía organizar conciertos en su castillo en Stuppach. El conde utilizó para el encargo a su abogado Johann Sortschan. Süssmayr revisó las orquestaciones de Freistädtler y Eybler.Especialmente conocidos son los malvados rumores que circularon por Viena a comienzos del siglo xix. Süssmayr terminó la obra en febrero de 1792 y realizó tres copias de la misma con una caligrafía musical muy similar a la del propio Mozart: se quedó con una y entregó las otras dos a Constanze junto con el manuscrito autógrafo original. sino también todos los intríngulis de su finalización tras la muerte del compositor. 622 o la Pequeña Cantata Masónica “Laut verkünde unsre Freude” K. pagó por adelantado parte del trabajo y se interesó desde ese momento en repetidas ocasiones por la marcha del encargo. no parece que comenzase su composición antes del estreno de Die Zauberflöte el 30 de septiembre. En este sentido. quien acudió de incógnito a casa de Mozart a mediados de julio en representación de un “amante de la 44 música”. Anna von Walsegg. y que afectaron tan profundamente al viejo compositor de corte que terminó sus días en 1825 completamente demente. El 10 de diciembre de 1791 se realizó en la iglesia de San Miguel de Viena una primera audición de parte de esta obra en memoria del compositor. no obstante. La historia de la composición del Requiem K. cantante. 622 de Mozart dio un giro decisivo en 1964 cuando Otto Erich Deutsch dio a conocer el memorándum titulado Wahre und ausführliche Geschichte der Requiem von W. tal como recuerda Herzog: “Éramos todos jóvenes amigos y considerábamos que le dábamos a nuestro señor un inocente placer”. Este “mensajero gris”. Mozart siguió dedicado a otros compromisos. en que siguió trabajando en la obra postrado en cama. Tras esta primera audición. después de completar la instrumentación de la secuencia hasta el Confutatis y añadir dos compases en el Lacrimosa. Tras consultar a otros compositores. renunció a seguir adelante. cuya instrumentación había sido terminada para la ocasión por Franz Jakob Freistädtler. que incluía las partes solistas y el coro junto al bajo o algunas leves anotaciones instrumentales. completó la obra componiendo el Sanctus. actor. que en ese año era maestro en la escuela de Wiener Neustadt. Constanze se convenció del beneficio que podía reportarle finalizar la obra y solo dos semanas después le entregó el manuscrito a Joseph Leopold Eybler. adaptada a su vez para el cine por Milos Forman en 1984. Cuando Mozart murió tan solo había completado el Introito “Requiem Aeternam”. asistente más que discípulo de su marido (de hecho. Mozart murió convencido de que había sido envenenado. A. en febrero de 1791 le animó a honrar su memoria con el encargo de una misa de réquiem para su aniversario a Mozart. Al parecer. Su salud se quebró especialmente a partir del 20 de noviembre. 623. la viuda de Mozart optó entonces por entregar el manuscrito a Franz Xaver Süssmayr.

Mozart. El conde Walsseg interpretó este estreno como una traición a lo acordado en el contrato. e incluso también aparece el stile antico en el Amen final que inicialmente planeó incluir Mozart como conclusión. que conforma una práctica muy habitual en ambientes privados de la época. obra maestra y obra incompleta. claramente comprometida con el reformismo ilustrado del emperador Joseph II. había sido alumno de Mozart (algo completamente falso) y le fue enviando partes de un réquiem para su aprobación que fueron erróneamente atribuidas a Mozart tras su muerte. cerca de Semmering. Robbins Landon. En febrero del año siguiente volvió a utilizar “su” Requiem para los servicios del segundo aniversario del fallecimiento de su esposa celebrados en la iglesia de Maria Schutz. ni Süssmayr entendió la importancia que tenía para Mozart la Volkstümlichkeit. según los bocetos encontrados en 1960 por Wolfgang Plath. los tres intentos más destacados de com47 El Requiem es la obra más controvertida de Mozart debido a la combinación de su condición de obra tardía. La obra se inicia en el Introito con paso lento con un solemne motivo sincopado que termina conformando una fuga. ante las demandas de explicaciones por parte de algunos amigos por haber hecho pasar por suya una obra de Mozart.conde Walsegg. el conde Walsegg inventó una rocambolesca historia: al parecer. el conde Walsegg no podría volver a utilizar la obra. y que Süssmayr sustituyó por una simple cadencia plagal con tercera de picardía. A. Stephen Rumph definía su estilo eclesiástico como “una abigarrada mezcla de erudición. ni tampoco dominaba la composición de fugas. ópera y Volkstümlichkeit” y esa definición resulta ideal para comprender el estilo del Requiem: me refiero a esa unión de lo erudito del stile antico. que apareció en 1816 bajo el título Cenni biografici intorno al celebre maestro W. Las alteraciones de Süssmayr. Este arreglo para cuarteto de cuerda del Requiem fue realizado a comienzos del siglo xix por Peter Lichtenthal (1780-1853). Lógicamente. si bien en una adaptación realizada por él mismo para quinteto de cuerda en 1794. como ascensos cromáticos en crescendo que simbolizan el Juicio Final. pensemos en los arreglos camerísticos de Salomon de algunas sinfonías de Haydn o incluso el que preparó Beethoven para trío con piano de su Sinfonía nº 2. resultan problemáticos al no respetar la estética impuesta por Mozart en la música religiosa de sus 46 . El Kyrie vuelve a ahondar en el stile antico al plantear una doble fuga sobre el tema del coro “And with His stripes we are healed” de Messiah de Handel (recordemos que Mozart había realizado una reorquestación de esa obra en 1789 por encargo del barón van Swieten). Por otro lado. Carl Thomas. donde. tomando este último en consideración la labor de Eybler. años finales. el Requiem completado recibió su primera audición pública organizada por el barón van Swieten a beneficio de Constanze en la Jahn-Saal de Viena. está claro que los añadidos de Süssmayr. en este ciclo escucharemos una adaptación prêt-à-porter similar. otras claras influencias en el Introito son el tema del coro “The Ways of Zion Do Mourn” del anthem homónimo de Haendel (HWV 264) o el inicio del Réquiem en Do menor de Michael Haydn. No obstante. de hecho. pero para cuarteto de cuerda. Por lo que hemos conservado escrito por Mozart podemos deducir que estamos no solo ante la obra sacra más excepcional de su catálogo. la inclusión de procedimientos dramáticos o la presencia de la Volkstümlichkeit. ya que se había difundido que Mozart era su autor. pero también mantuvo una amistad con su primer hijo. y algo menos los retoques previos de Freystädtler y Eybler. Herzog informa de que el conde Walsegg sí que volvió a utilizar el Requiem de Mozart. en enero de 1793. En los años setenta del siglo pasado se intentó ajustar la instrumentación de la obra a un estilo más mozartiano. como ese final de la Secuencia. que pensó inicialmente que se trataba del manuscrito de Mozart completado por Süssmayr. como hicieron Franz Beyer o Howard C. en la Secuencia muestra todas sus habilidades como compositor teatral. que le llevó a conferir en esta obra un papel protagonista al coro y una importancia mucho menor a la instrumentación. Después de este servicio. dotando a cada sección de un afecto diferenciado que culmina con el Lacrimosa. En realidad. del elemento popular relacionado con los himnos cantados por la congregación de fieles. pero siguió adelante con su propósito de hacer pasar por propia la obra: hizo una copia de su mano que tituló “Requiem composto dal Conde Walsegg” y realizó su propio estreno en el Neukloster de Wiener Neustadt el 14 de diciembre de 1793. el aura operística o el referido elemento popular. junto a lacrimógenos contrastes sotto voce acompañados por el plañir de violines. es decir. sino también ante el mejor ejemplo de equilibrio entre el contrapuntístico stile antico. entre sus principales fuentes contó con el apoyo de la viuda del compositor. Pocos meses más tarde. En un reciente estudio sobre la retórica y semiótica de Mozart en relación con la Ilustración. Precisamente. aunque alrededor de 1800 se hizo con el autógrafo original del Introito y el Kyrie. como demuestra en su intervención en el Hossana. han llevado a varios musicólogos a tratar de aportar en las últimas décadas una versión del Requiem más fiel a las intenciones del compositor. al igual que hiciera poco tiempo atrás en el famoso Ave verum corpus. sigue las pretensiones ilustradas del emperador Joseph II al componer una emotiva aria coral inspirada en la voz del pueblo que no renuncia a efectos dramáticos. un médico residente en Milán desde 1810 y músico aficionado que compuso varios ballets estrenados en La Scala o publicó diferentes estudios musicales como el Dizionario e bibliografia della Musica o la primera biografía de Mozart en italiano. A la luz de los estudios realizados en la últimas décadas por varios especialistas.

XXVc:5: “Hin ist alle meine Kraft. Estos dos movimientos. Son siempre referencias muy sutiles. El más radical de todos es Maunder. Levin.pletar la obra han sido realizados en torno a 1991. estoy viejo y débil”). dos semanas después de su muerte. pues Lobkowitz había encargado un ciclo similar al compositor de Bonn que terminaría por convertirse en su op. ante todo. tras repetir el verso “Erschöpfet deines Sommers Kraft” (“Agotadas las fuerzas de tu verano”). alt und schwach bin ich” (“He perdido toda mi fuerza. El tercer movimiento es claramente un scherzo en el que volvemos a encontrar ecos populares del pastoralismo típico del Haydn tardío. algunos especialistas como Harold C. pero también el donaire social o la ternura lírica. Haydn inició el minueto de un tercer cuarteto con intención de publicar al menos los tres primeros. por tanto. El segundo movimiento se queda a medio camino entre la forma sonata y el tema con variaciones. quien rechaza en gran medida la labor de Süssmayr. A comienzos de 1802. fecha en que desistió definitivamente de finalizarlo. a pesar de que es posible que parte de sus añadidos partieran de esbozos del propio Mozart que fueron destruidos. que simboliza el sonido de las espuelas de los caballos. completados tan solo los dos movimientos centrales. Por ejemplo. pues en sus obras posteriores a 1791 es posible encontrar varios homenajes al compositor salzburgués. Haydn concibe el segundo tema como una reinterpretación del primero o el breve motivo melódico que aparece a continuación deriva igualmente de una parte del tema inicial. cita las apoyaturas descendentes en ostinato del movimiento lento de la Sinfonía nº 40 de Mozart. al no poder completarlo. donde. se celebró un solemne servicio fúnebre dedicado a él en la Schottenkirche de Viena se interpretó el Réquiem de Mozart. Seguramente le habría gustado. no obstante. que permiten completar el Lacrimosa con un Amen fugado. cuando el 15 de junio de 1809. 64 nº 3 (1790) del músico de Rohrau. De hecho. quizá por esa razón. Hob. como el énfasis puesto en el diálogo entre los cuatro instrumentos. con ese aire marcial. 77. Georg August Griesinger. especialmente llamativo resulta aquí el trío. cuando él ya se encontraba en esos primeros años del siglo xix en el crudo invierno de su vejez. verdadero “canto del cisne” haydniano como lo denominó su amigo y primer biógrafo. ya recuerda el ritmo bókazó del folclore popular húngaro. y en él se desarrollan al margen de connotaciones populares aspectos del primero. el tema principal del Presto final es un kolo. Druce y Levin coinciden en la idea de que el Requiem es. en realidad. op. aunque. serían publicados en 1806 por Breitkopf & Hartel (la denominación de op. a continuación todo el segundo cuarteto y después los tres movimientos restantes del primero. una obra coral y en la que la instrumentación del Introito (la única que completó Mozart) muestra cómo el compositor quería que la orquesta realizase tan solo un moderado acompañamiento de las voces. en ellos Haydn renuncia a las excentricidades sinfónicas del op. Maunder y Robert D. aunque se ha conservado un borrador del bajo del movimiento inicial. Precisamente. La composición de los dos primeros cuartetos del ciclo fue realizada conjuntamente: los estudios de László Somfai sobre el autógrafo de ambos cuartetos que se conserva en la Biblioteca Nacional Széchényi de Budapest permiten concluir que Haydn compuso en 1799 el primer movimiento del que abre el ciclo. 76 y ahonda en una síntesis global que abarca la chispa popular y la riqueza tonal. 18. El tema inicial del Cuarteto en Sol mayor. por Duncan Druce. Michael Spitzer ha planteado el oratorio La Creación (1796-1798) como una especie de comentario filosófico personal a esa ópera de Mozart o incluso ha apuntado dos homenajes fácilmente reconocibles: el Adagio cantabile de la Sinfonía nº 98 (1792) de Haydn como pastiche del movimiento lento de la Sinfonía nº 41 “Júpiter” de Mozart o el fragmento del aria de Simón. Haydn renunció a terminar el ciclo para evitar una comparación con su discípulo Beethoven. es decir. 49 . No hay duda de que los llamados “Cuartetos Lobkowitz” construyen una culminación ideal a cinco décadas dedicadas a la composición para dieciséis cuerdas. en el Invierno de Las estaciones (1799-1801). Joseph Haydn (1732-1809) nunca compuso una misa de difuntos. * * * En su larga trayectoria musical. Parece que el tremendo esfuerzo que supuso para Haydn la composición del oratorio Las estaciones fue lo que le impidió culminar en 1799 el encargo del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz para componer seis cuartetos. permitió que Artaria sacase a la venta en septiembre de ese año tan solo los dos primeros cuartetos como op. Mark Anson-Cartwright encontró ya en 2000 ecos de la arietta de Cherubino “Voi che sapete” de Le nozze di Figaro en el esquema tonal del desarrollo del primer movimiento del Cuarteto op. pero que manifiestan la tristeza de quien vio morir en el cálido verano de su juventud al mejor compositor que había conocido en persona. el hombre anciano. Haydn siguió componiendo un Andante grazioso para ese tercer cuarteto hasta 1803. dejando. 103 se la otorgó ese mismo año la edición parisina de André) junto a una tarjeta de visita enviada por el compositor con su habitual sentido del humor y en la que cita el comienzo de la parte de soprano del cuarteto vocal Der Greis. tal como había manifestado personalmente a su padre en 1785. III:81). más recientemente. Richard F. 77 nº 1 (Hob. Ro48 bbins Landon sostienen que. año del bicentenario de la muerte del compositor. estos tres últimos musicólogos toman en consideración los bocetos encontrados por Plath. que seguramente deriva de alguna danza popular. o se ahonda en colores tonales más diferenciados.

en las que Haydn transita por tonalidades como Sol bemol mayor. el ensayo de Said. cuya imagen tardía es la de un artista furioso y trastornado. sino que introdujo la distinción entre lo temprano y lo tardío. tal como planteó Theodor W. Ambos movimientos siguen la misma estela de síntesis. que Rosemary Hughes ha retratado poéticamente en su librito de la BBC sobre los cuartetos de Haydn como “la última chispa de una llama ahora cautiva en un cuerpo exánime”. la editorial Artaria los publicaría en 1807 como op. los estudios sobre el estilo tardío no han formado parte de la agenda del musicólogo hasta fechas muy recientes. amargo. en la actualidad tan solo existen monografías sobre el tema en relación con Beethoven (Maynard Solomon y Michael Spitzer). pero también de Carl Philipp Emanuel Bach.una danza de rueda de origen croata que Haydn pudo conocer en su juventud. El punto de partida del mismo es el hecho de que la obra de un gran artista y su pensamiento adquieren un nuevo lenguaje al acercarse al final de su vida y ese nuevo lenguaje es lo que se conoce como estilo tardío. y que contrasta con el trío central convertido casi en un nostálgico himno en Re mayor. Mozart o Haydn. la Missa Solemnis. es decir. es decir. con ideas que se yuxtaponen sin transiciones. que se pone de manifiesto en las pioneras historias de la música de Burney. así. dividida por ausencias o silencios. las obras finales de Beethoven. 130-133 y 135. expresaban un espíritu de reconciliación o alcanzaban una milagrosa transfiguración. el fruto maduro puede volverse inestable. es esencialmente monotemático. Schubert (Susan Youens). El texto de esa conferencia. que se inicia con un violento despliegue canónico de tintes cromáticos cuya tensión se libera en un tremendo compás de silencio. aunque llaman poderosamente la atención las dos partes de la sección central. Por tanto. abandona la comunicación con la sociedad a la que pertenece en favor de la contradicción y el distanciamiento. Edward Said explica con claridad en su ensayo póstumo sobre el estilo tardío las razones por las que Adorno estaba tan interesado en las obras tardías 50 . Schumann (Laura Tunbridge). pone el ejemplo de Ibsen. que varios años después fue incluido dentro de su libro póstumo Beethoven. el pensador de la Escuela de Fráncfort introduce un matiz calamitoso en la obra tardía al considerarla más alejada del arte y más próxima a la historia: “En historia del arte. Adorno en 1937 al referirse al estilo tardío o Spätstil de Ludwig van Beethoven (1770-1827). no solo favoreció el nacimiento de la historicidad. publicadas por Forkel. 77 nº 3. y que caracteriza la historia de la cultura posterior a 1750. los seis últimos cuartetos y las diecisiete bagatelas para piano. Puccini (Andrew Davis) o Debussy (Marianne Wheeldon) y la mayoría de ellas han aparecido en los últimos cuatro años. las dificultades y ambigüedades. sino que se benefició además de la sólida tradición de estudios literarios en relación con este tema. aunque está construido en forma sonata. Brahms (Margaret Notley). las catástrofes son las obras tardías”. Sorprendentemente. es el Menuetto ma non troppo presto en Re menor. la Novena sinfonía. Do sostenido menor o Mi mayor. de Beethoven: “El motivo por el cual el estilo tardío de Beethoven caló tan hondamente en los escritos de Adorno es que. Barone). comienza denostando las dos características habitualmente relacionadas con el estilo tardío en Beethoven: la riqueza polifónica y 51 La esencia del Spätstil: Ludwig van Beethoven El interés por el fluir temporal desde el pasado hacia el futuro. Wagner (Anthony E. Los últimos seis cuartetos de cuerda constituyen el observatorio ideal de este exilio beethoveniano: “En ellos encuentro cristalizado del modo más puro el estilo tardío”. 127. Sin embargo. Hawkins o Forkel. Niementschek y Griesinger entre 1802 y 1809. Los dos movimientos del op. tras llegar a ser dueño absoluto del medio. 103 están claramente relacionados con los “Cuartetos Lobkowitz”. no por casualidad. constituyen la esencia del aspecto innovador de la música moderna de nuestra era”. por lo inestable. conforman un acontecimiento histórico en nuestra cultura moderna en el que el artista. tal y como hemos visto en la última composición comentada de Haydn. o incluso también en las primeras biografías de Bach. por lo tardío no tanto como armonía y resolución de una vida de esfuerzo estético. Todavía más sorprendente. no solo resultó pionero en el ámbito de la musicología. Philosophie der Musik. el Andante grazioso en Si bemol mayor con una forma habitual ABA se inicia con un tema encantador que pronto es conducido hacia escenarios cromáticos o contrapuntísticos. de un modo por completo paradójico. un discurso fragmentario. inmovilizadas y socialmente resistentes. En el caso concreto de Beethoven. En adelante se generalizaría la noción de que los compositores reflejaban en sus obras tardías una especial madurez estética. pero también de apertura al futuro y. Said defiende la idea adorniana de que las obras tardías de Beethoven. No obstante. sino más bien relacionada con la obstinación. afirmaría Adorno en 1966 dentro de una conferencia radiofónica sobre el estilo tardío de Beethoven centrada precisamente en el comentario analítico y filosófico de los Cuartetos opp. Este exilio autoimpuesto –esta catástrofe– se manifiesta en la música tardía de Beethoven por medio un planteamiento episódico. que se publicó en 2007 a partir de las anotaciones dejadas por el autor antes de su muerte en 2003. De todas formas. el conglomerado de las cinco últimas sonatas pianísticas. que hemos visto en las obras tardías de Mozart y Haydn. Said sigue la estela de Adorno junto al clásico estudio de Rose Subotnik sobre este y se interesa principalmente por una orientación más problemática del concepto. áspero y desequilibrado. rugoso.

junto a los pioneros estudios de Gustav Nottebohm sobre los borradores del compositor (1865). compresión y separación de lo popular y lo erudito es lo que diferencia claramente al Beethoven tardío de Haydn o Mozart. Así. o los números de opus. como el año 1800 para separar el período temprano del medio en la monografía de Wilhelm von Lenz (1852-1853). 130. Sin embargo. el espíritu del final fugado pareció incomprensible. que el compositor llevaba consigo para poder comunicarse ante el irremediable empeoramiento de su sordera. por ejemplo. es decir. o la capacidad de compresión del contenido que manifiesta esa “fórmula mágica” con que se inicia el Presto del op. 130. tras asistir el 21 de marzo de 1826 al estreno del Cuarteto op. pocos autores se ponen de acuerdo sobre las obras que representan los hitos en su desarrollo creativo y. los años que siguieron al estreno en 1824 de su Novena Sinfonía y que se centran precisamente en la composición de los Cuartetos opp. como la reacción de un hombre envejecido y sordo. “Hammerklavier” como culminación del período medio. como el opus 100 que marca el inicio del período tardío en la biografía de Anton Schindler (1840). la búsqueda de nuevos caminos a partir de 1802 se relacionó con la superación de la depresión que le produjo la noticia de su progresiva sordera y su crecimiento como sinfonista en la primera década del nuevo siglo se puso en relación con el mecenazgo del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz. De todas formas. estatismo. cobró una gran importancia estilística lo acontecido tras su traslado a Viena en 1792. 130.contrapuntística. como sucede con el Vivace del op. Adorno aporta también varias características novedosas centradas en los Cuartetos opp. 130 en su versión original con la Grosse Fuge op. 133 como final. la yuxtaposición de ideas sin apenas transiciones que podemos encontrar en el Presto del op. especialmente. aunque en la actuali53 Las primeras divisiones de la obra de Beethoven en varios períodos creativos o estilísticos son tan antiguas como el propio compositor. 131. 131). esta opción sitúa la gigantesca Missa Solemnis op. 131 y 132 que han sido profundamente desarrolladas por otros estudios posteriores. como Alexandre Oulibicheff. op. cuando su deterioro físico y mental motivó un mayor aislamiento social que se traduce musicalmente en obras más serias y espirituales. esa idea fascinante de rupturas y discurso musicalmente agujereado que muestra el segundo tema del movimiento inicial del op. solo el segundo y el quinto son ricos en alegría y finura. precisamente esa tendencia suele relacionarse con las Sonatas para piano opp. Sin embargo. donde la jerarquía aparece diluida y encontramos la separación de acentos rítmicos de los armónicos que manifiesta la Cavatina del op. el imponente movimiento final del Cuarteto op. Para Adorno. 98. un escritor francés anónimo hablaba de tres períodos en la obra del compositor alemán (temprano. pues hay movimientos en los últimos cuartetos que pertenecen estéticamente al periodo intermedio (por ejemplo. La monumental biografía en tres tomos de Alexander W. 132. Desde luego. como una escritura china”. que llegará mucho más adelante. Ya en 1818. medio y tardío) y en sucesivos 52 . estudios podemos encontrar similares divisiones a partir de referencias cronológicas. el estatismo tonal. junto a la Sonata para violonchelo y piano op. No obstante. Thayer (18661879). como el de Michael Spitzer. y ello afecta al principio formal clasicista de esta música. las posibilidades de dividir la obra de Beethoven en varios períodos creativos son infinitas y resultan de gran utilidad tanto para el estudioso como para el melómano. sino como una novedosa renuncia a lo afirmativo y al hedonismo musical que caracterizaría a la música del siglo xx. oscuros y místicos y al mismo tiempo extraños y caprichosos. 90 y 101. 106. aunque nunca al tonal. permitieron establecer criterios de periodización más precisos relacionados con sus datos biográficos o con la evolución de su proceso creativo. hay algún autor. Por ejemplo.. los testimonios sobre la recepción de los últimos cuartetos muestran claramente las enormes dificultades del público más especializado para seguir las propuestas de Beethoven. 130-133 y 135 que escucharemos en este ciclo. tercero y quinto son severos. que era un gran amante de la música orquestal y disponía de un magnífico conjunto instrumental en su palacio. que propuso ya en 1857 una periodización más restrictiva pero no menos interesante al asignar únicamente los tres últimos años de vida del compositor a su período tardío. Sin duda. 123 como punto de partida del períiodo tardío y coloca a la Sonata para piano op. Para algunos autores fue el doloroso fracaso de su relación con la “amada inmortal” en 1813 lo que marcó el inicio de su período tardío. acerca de las que funcionan de bisagra entre el período medio y tardío. Esa disociación. otros autores sitúan el inicio del tercer período creativo de Beethoven en 1818. Esta renuncia es lo que otorga a esta música la referida seriedad que tantas veces se ha relacionado con la muerte y –efectivamente– hay tintes macabros en algunos movimientos de estos cuartetos. 102 o el ciclo de Lieder titulado An die ferne Geliebte (“A la amada lejana”). coincidiendo biográficamente con el inicio de los cuadernos de conversación. 127.] Estos dos fragmentos fueron frenéticamente aplaudidos y repetidos como bis.. el crítico de la Allgemeine Musikalische Zeitung. El estilo tardío en Beethoven no debe verse. tal como apunta el pensador de la Escuela de Fráncfort. 132. y la intensidad expresiva. lo importante es la seriedad de la que parte el compositor y la espiritualidad que alcanza tras renunciar a todo lo accesorio hasta el punto de llegar a la disociación y la desintegración del discurso musical. Y es que. [. escribió lo siguiente: “Los movimientos primero.

Al final fue publicada por separado en mayo de 1827 con el título en francés de “Grande Fugue tantôt libre. 130 dispone igualmente de un Andante tras el segundo movimiento o hace preceder el Finale de una Cavatina de nuevo en clara alusión a la vocalidad operística. y esto es lo que me ha salido con mucha dificultad. el op. es en realidad el último movimiento de la primera versión del op. al tiempo que otros se enfrascan en complejas subperiodizaciones que distinguen dos periodos tempranos separados entre Bonn y Viena. sino porque se lo había prometido y necesito dinero. “Es muss sein!” (“¿Debe ser?”. un Beethoven heredero del pasado y otro modelador del futuro (algo que ya defendió el propio Liszt). optó por una estructura más convencional en cuatro movimientos. aunque el último de ellos. 135. en este sentido. mientras que convierte la tercera en un momento muy especial (introduce la indicación “Beklemmt” –“angustiado”–) en el que el violín intenta cantar pero su voz se quiebra una y otra vez. Tras el Quartetto Serioso. tal como hace en el op. la división en tres períodos resulta ideal a la hora de explicar la evolución de los cuartetos de cuerda. aunque el esquema previsto para el op. que escucharemos en este ciclo. el cuarteto se inicia con la exposición de una fuga en Do sostenido menor cuya resolución temática (y dramática) no llega hasta el último movimiento. 133. el op. Beethoven no volvería a interesarse por esta formación hasta junio de 1822. pues las diferencias entre los seis Cuartetos op. ya puede suponer lo que significa el ‘debe ser’”. en el que el compositor suscribe cada uno de los dos motivos principales del Grave y el Allegro a una pregunta con su respuesta: “Muss es sein?”. 127 es posible saber que Beethoven había planificado una obra en seis movimientos. otras rigurosa”). 135 con un movimiento titulado “Der schwer gefasste Entschluss” (“La decisión difícil de tomar”). 127. esto es. 132. “Serioso” (18101811) formarían parte de la etapa intermedia. “Las arpas” (1809) y op. La mayor. Mi mayor y Sol sostenido menor. no solo este cuarteto era difícil de escribir. En todo caso. sino también un ejemplo de la seriedad y espiritualidad que impregnan estos cuartetos y una música en que Beethoven utiliza el modo lidio tratando de evocar a su manera el pasado. 127. Estamos. Los Cuartetos op. Esta obra ejemplifica con claridad la intención del compositor de unificar y condensar el fluir de una obra de principio a fin. porque estaba pensando en hacer algo mucho mayor. se trata no solo de un agradecimiento a Dios por haberse recuperado de una grave enfermedad. una periodización de la obra de Beethoven resulta más o menos útil si nos detenemos a examinar un género musical concreto. Por el borrador conservado del op. Por último. Por su parte. aunque el primero de ellos no lo terminaría hasta febrero de 1825 debido a la finalización de la Novena Sinfonía y la Missa Solemnis. Beethoven había anotado 55 . Beethoven divide el op. como la sensación de compresión que tiene ese mismo movimiento en el op. había previsto la inclusión de un movimiento denominado “La gaieté” después del Adagio y un movimiento lento adicional que precedía al Finale. Ya en el movimiento inicial podemos reconocer características apuntadas en los cuartetos posteriores. 127 lo encontramos en los cuartetos siguientes. por tanto. La interpretación que suele dársele hoy a este movimiento ha dejado a un lado el trivial episodio relacionado con el pago de unos derechos al compositor para centrarse en la carta que escribió Beethoven al editor Moritz Schlesinger y en la que afirma lo siguiente: “Ya ve que soy un hombre infeliz. 132 y 130. o incluso de preceder el movimiento final con una breve introducción de textura vocal y aire operístico. un admirador de Beethoven y violonchelista aficionado que residía en San Petersburgo. también conocido como Grosse Fuge o “Gran Fuga”.dad siga defendiéndose la división en tres períodos. 18 (1800). en este caso. 131. los tres “Rasumovsky” (1806) y los seis últimos opp. 131 en siete secciones sin solución de continuidad a partir de un complejo esquema tonal que parte de Do sostenido menor y regresa a esa tonalidad. Al final. donde se utiliza una convencional pero muy efectiva forma sonata. también la idea de acotar la tesitura en la transición de un movimiento a otro. 74. Si menor. 130-133 y 135 (1824-1826) claramente delimitan las tres fases de la producción beethoveniana. en realidad. dos fases intermedias afectadas por el referido intimismo o dos períodos finales jalonados por la Novena. tras pasar por Re mayor. pero también dispone de un extenso Adagio adicional tras el segundo movimiento titulado “Heiliger Dankgesang” (“Canto sacro de acción de gracias”) que se convierte en el punto de inflexión del cuarteto. “¡Debe ser!”). 130 que Beethoven relegó tras la primera audición de la obra en marzo de 1826. 95. 131. en este movimiento dispone dos frases melódicas repetidas. Para él escribiría los Cuartetos opp. hay autores que prefieren distinguir tan solo dos fases. ante un resumen casi místico de la vida y el pensamiento de Beethoven que culmina en el op. siguiendo el consejo del editor vienés Matthias Artaria. tantôt recherchée” (“Gran fuga unas veces libre. constituye una ideal transición al estilo tardío. 132 viene precedido 54 de un breve recitativo. el fugato del movimiento lento podemos encontrarlo en el primer movimiento del op. tal como sucede con el recitativo que precede al Finale del op. Ya se ha indicado que el Finale del op. cinco meses más tarde recibiría un encargo de tres cuartetos de cuerda del príncipe ruso Nikolas Galitzin. Beethoven retrasó más de cinco años su publicación y cuando la permitió no dudó en informar en una carta fechada el 7 de octubre de 1816 a Sir Georg Smart lo siguiente: “Este cuarteto se ha escrito para un reducido círculo de connoisseurs y nunca debe ser interpretado en público”.

aunque se piensa en una posible orientación bisexual pues. Y es que. Un famoso estudio de Maynard Solomon inició en 1989 toda una discusión en torno a la sexualidad de Schubert. uno de los más famosos y creativos artistas homosexuales de todos los tiempos y que. una referencia que Solomon interpretó en relación con lo que sabemos hoy acerca de Cellini. op. de hecho. le sigue la Fuga. este trabajo fue tan aceptado como denostado por numerosos estudiosos. Schubert había contraído la sífilis al frecuentar varios prostíbulos. a pesar de vivir en Viena la práctica totalidad de su corta vida. a pesar de su vinculación con un círculo muy exclusivo de amigos masculinos. Ferdinand consiguió que el violinista Karl Holz reuniera a miembros del Cuarteto Schuppanzigh para realizar una audición privada de la obra el 14 de noviembre de 1828. en uno de los cuadernos de conversación durante una visita a su tío en el verano de 1823: “Ellos elogian a Schubert. también han podido documentarse affaires amorosos con Therese Grob y con la princesa Carolina Esterházy. Karl Nohl recoge esta anécdota y da testimonio de la gran impresión que produjo esa obra en Schubert: “¿Qué podemos escribir después de esto?” Son muchos los testimonios de admiración y homenaje hacia Beethoven en la biografía y la obra de Schubert. Y es que el compositor vienés ya no se asocia con el mito romántico del jovencito descuidado que murió prematuramente. pero se dice que él se mantiene oculto”. sobrino de Beethoven. que precisamente daba título al estudio. tanto libera quanto rigorosa”. a finales de 1822. pero la razón por la que Schubert se ocultaba por entonces estaba direc56 . cinco días antes de morir y ya postrado en cama. culminando espectacularmente y a ritmo de tarantella. pidiera a su hermano Ferdinand poder escuchar el Cuarteto op. 131 de Beethoven. se trataba de un trabajo psicoanalítico a partir de numerosos testimonios en torno a la época del compositor que revelaban una doble naturaleza en Schubert: una mezcla de la gaieté vienesa y una profunda melancolía. 57 Un aluvión de despedidas Franz Schubert (1797-1828) apenas trató personalmente a Beethoven. No obstante. donde Beethoven yuxtapone las principales secciones de la posterior fuga en orden inverso. la variación y hasta la suite de danzas: se inicia con una Ouverture. hemos conservado un poema suyo titulado “Mein Gebet” (“Mi plegaria”) fechado en mayo de 1823. Al parecer. Las investigaciones publicadas en las últimas décadas sobre la vida privada de Schubert han reinterpretado su estilo tardío al profundizar en su personalidad. que es doble y se desarrolla tanto conjuntamente como por separado hasta la coda. pueden reconocerse condensados en esta obra tanto la forma sonata como la fuga. En la poco fiable biografía beethoveniana de Anton Schindler encontramos documentada una visita de Schubert a Beethoven en 1822 para entregarle un ejemplar de las Variaciones sobre una canción francesa para piano a cuatro manos. una enfermedad por entonces mortal y cuyos pacientes no solían superar los diez años posteriores a su diagnóstico. Rita Steblin desmontó ya en 1993 muchos de los argumentos de Solomon y aclaró el episodio relacionado con los pavos reales de Cellini. pues Beethoven combina aquí el rigor de una fuga con una elaboración musical completamente libre. Ello sumió al compositor en una progresiva depresión que le llevó incluso a cultivar esporádicamente la poesía. por ejemplo. Obviamente. se vio obligado a cancelar varias invitaciones sociales. 624) en compañía del editor Anton Diabelli y los apuros que pasó el joven compositor vienés al detectar Beethoven un pequeño problema en la obra. es imposible reconstruir la conversación entre Beethoven y su sobrino sobre el compositor vienés. que aglutina prácticamente todo lo escuchado. Y es que la admiración que sintió Schubert por Beethoven fue perenne. curiosamente. Sea como fuere. El estudio concluía con la hipótesis de que Schubert era homosexual y uno de los principales testimonios para esa afirmación. pero por razones de salud no puedo salir de casa”. Un documento algo más fiable es la anotación que hizo Karl. procedía del diario del dramaturgo Eduard von Bauernfeld. 10 (D. Esa anotación alude claramente al universo de contrastes y antagonismos continuados al que nos enfrentamos en una audición de esta compleja partitura. era habitual que un enfermo de sífilis apenas saliera de casa en las primeras fases de la enfermedad. sino más bien con un hedonista atormentado por sus pasiones venéreas y sumido en una profunda depresión motivada por una enfermedad que le llevaría a morir a los treinta y un años. hoy no se duda acerca de la promiscuidad de Schubert. la primera noticia sobre su enfermedad la encontramos en una carta que escribe al director de orquesta Franz von Mosel en febrero de 1823: “Por favor. perdóneme si me veo obligado a molestarle tan pronto con otra carta. sobrevivió a la sífilis. tamente relacionada con su enfermedad. pero tan solo se conoce uno a la inversa. quien en agosto de 1826 anotaba lo siguiente: “Schubert está fuera de sí (lo que necesita son ‘jóvenes pavos reales’ como Benvenuto Cellini)”. que por entonces comenzaba a ser conocido en Viena. al explicar que Bauernfeld tan solo pudo conocer las memorias de Cellini traducidas por Goethe y allí los jóvenes pavos reales se citan como parte de una dieta saludable para superar su enfermedad. o un interior poético unido a un exterior hedonista. por lo que Schubert. como lo demuestra el hecho de que. De nuevo lo encontramos en la problemática biografía de Schindler y es un testimonio personal donde reconoce que mostró a Beethoven en su lecho de muerte los manuscritos de algunos Lieder de Schubert y éste exclamo impresionado: “Verdaderamente en Schubert está la chispa de la divinidad”.ese mismo título –pero en italiano– en su manuscrito: “Grande Fuga.

le produjeron lesiones en boca y garganta. conocemos los detalles de aquella velada: “Un Lied siguió a otro. dolor de huesos y unas molestias en el brazo izquierdo que le impedían tocar el piano. y yo pregunto: ¿no soy un ser miserable e infeliz? ‘Desapareció mi sosiego y el corazón me pesa. parecer ser que a Schubert le atrajeron las posibilidades tímbricas del instrumento.. imagine a un hombre. no solo es uno de los más interesantes. sino también uno de los más contradictorios y fascinantes. D. La obra se publicó en 1871 con 58 . 59 En este estado depresivo acometió Schubert la composición de su cuarteto más famoso: el conocido con el sobrenombre de “Der Tod und das Madchen” (“La muerte y la doncella”). que es un encantador Ländler. Pocos días más tarde. 887. tal como lo demuestra una carta que escribe a su amigo Josef Kupelwieser: “Me veo como la criatura más infeliz y desgraciada del mundo. y cada mañana solo recuerdo el sufrimiento del día anterior”. Schubert estaba completamente deprimido. al que la felicidad del amor y la amistad ya no tienen nada que ofrecerle sino a lo sumo dolor. lo que sí está claro es que asistió a su funeral. todo ello unido al consumo masivo de té y la toma de baños frecuentes. como ya vimos. Bien podría cantar esto ahora todos los días. Imagine a un hombre que no recobrará nunca su salud. variados y creativos. y que en su profunda desesperación hace las cosas cada vez peor en vez de ir mejorando. Después escribiría algunas obras para piano a cuatro manos y culminaría ese año componiendo en septiembre la Sonata para arpeggione y piano en La menor. el Cuarteto Schuppanzigh realizó un estreno privado de su Cuarteto “La muerte y la doncella”. y es el Allegro assai el movimiento más schubertiano. 802. No puede descartarse que Schubert visitase a Beethoven en su lecho de muerte. transcripción de la parte de arpeggione para violín y violonchelo (con este último instrumento la escucharemos en este ciclo) y consta de tres bellos movimientos: un Allegro moderato con forma clásica de sonata. al que llegó con poco más de veinticinco años. y según testimonio del compositor Franz Lacher. y donde el uso de bruscos cambios de dinámica aporta una energía adicional. al mismo tiempo. donde la frivolidad y esos toques de opera buffa se combinan con momentos intensos y dramáticos. y estaban tan concentrados en su interpretación. El arpeggione era un especie de guitarra con arco inventado en Viena en 1814. puesto que su salud había empeorado rápidamente con la aparición de los síntomas del segundo estadio de la enfermedad. pues cada vez que me voy a la cama espero no volverme a levantar. Schubert fue invitado a cenar con Katharina Lászny. sino que los miembros del Cuarteto Schuppanzigh (que. junto al anterior D. nunca conseguiré hallar la paz’ [cita el inicio de su Lied Gretchen am Spinnrade D. D. participaron por entonces en la primera audición de los últimos cuartetos de Beethoven). el inventor del arpeggione. En marzo. cuyas principales esperanzas han desaparecido. escrito en la tonalidad de Re menor y catalogado como D. precisamente a través de las memorias de este joven estudiante. Pero Schubert no cejó en su empeño y en junio de ese año escribió otro cuarteto (el último). 118 sobre un texto del Faust de Goethe]. un movimiento lento que funciona de transición concebido como un Lied y un Finale basado en un motivo popular y en el que se muestran las posibilidades técnicas y tímbricas del nuevo instrumento siguiendo una forma de rondó. A las penurias personales de Schubert se unían una y otra vez las profesionales derivadas de los problemas que tenía para estrenar y publicar sus obras. Schubert tenía poca técnica. con tal amplitud de miras”. llegaron a decirle a Schubert que se dedicase a los Lieder. con veintisiete años recién cumplidos. Se inicia con una introducción que explora las posibilidades de los juegos modales menormayor y en el Allegro molto moderato propiamente dicho destaca la labor del violonchelo. tras el mismo no solo no consiguió editor para publicarlo.El estilo tardío de Schubert. que consistía en alternar el consumo de chuletas de cerdo con la panada (algo similar a nuestra sopa de ajo). el 29 de marzo de 1827. y allí coincidió con Johann Nepomuk Hummel y un joven discípulo suyo de dieciséis años. pues no está documentado que colaborase con Johann Georg Stauffer. digo. Al término del mismo. aunque de existencia efímera. llamado Ferdinand Hiller. a quien el entusiasmo (al menos de la estimulante variedad) por las cosas bellas le está desapareciendo. 821. se encontraba recluido en casa de su amigo Joseph Huber. En enero de 1824. que le obligaron a llevar la cabeza rapada. Un mes más tarde inició un tratamiento centrado en una dieta equilibrada. El Scherzo adquiere un aire mendelssohniano. En enero de 1826. se refugió en el castillo de Eisenstadt junto a varios amigos y colegas hasta altas horas de la madrugada. una soprano casada con un noble húngaro. que ninguna de las magníficas composiciones que escuchamos habría sido posible interpretarlas con tanta claridad y. disponiendo un gran contraste en el Trío. Vogl poca voz.. pero juntos exhibían mucha vitalidad y sentimiento. 810. al igual que en el Andante con moto que le sigue. portando una antorcha. ya que combina el sentido lúdico de la vida con la tragedia de una enfermedad que terminaría antes o después con su vida. 804 o las Variaciones para flauta y piano sobre “Trocken Blumen” D. de estas obras anotaría en un cuaderno lo siguiente: “Lo que he escrito es el resultado de mi comprensión de la música y las desgracias”. lo que animó a Schubert a introducir varios cambios para el estreno oficial. mucho más extenso y ambicioso que el anterior: el Cuarteto en Sol mayor.

op. pretende sorprendernos al variarlo cada vez que aparece repetido. quienes la estrenaron en enero de 1827 (Artaria la publicaría poco después. no se ha conservado el manuscrito de este primer Trío op. En realidad. terminada en septiembre de 1828. violonchelo y piano en Mi bemol mayor. El chispeante Scherzo vuelve a disponer de un meloso vals como Trío. Aunque esta Fantasía se publicó. le sigue un saltarín y virtuosístico Allegretto con evidentes connotaciones húngaras. es posible concluir que fue escrito en el otoño de 1827 y prácticamente a la vez que el Trío para violín. a la que pertenecen sus siete últimas sonatas (y de forma especial las tres últimas que culminó tan solo unas semanas antes de su muerte) o sus dos famosas colecciones de impromptus. por lo que no disponemos de la fecha exacta de la composición. 100 resulta mucho mejor cohesionado y se desenvuelve con mayor fluidez a pesar de tener mayores dimensiones. vuelve a ser un rondó de perfiles muy contrastados. en este caso con dos episodios que ahondan en los desesperados y melancólicos paisajes de su coetáneo ciclo de Lieder Winterreise. y ambos se complementan con un enérgico Trío. un Allegretto. se trata en realidad de una edición póstuma fechada en 1850. Schubert volvió a escribir otra obra para ellos: la Fantasía para violín y piano en Do mayor. el virtuoso checo del violín Josef Slavik y el pianista Carl Maria von Bocklet. las Drei Klavierstücke D. sino otras muchas. Tampoco descuidó Schubert su obra para piano solo en su etapa final. 306) y en él. op. Allegro assai. es un rondó que funciona casi como un tríptico. 99. 929). esta obra había sido escrita para sus amigos. y todo lo que nos rodea se vuelve fresco y brillante de nuevo”. El Trío op. al haber suprimido en el manuscrito el segundo episodio. 100 (D. Allegro moderato. Desgraciadamente. 20/D. y algo similar hace en el segundo movimiento. que se encuentra fechado en noviembre de ese año. 934). El primero de los dos Tríos destaca. La última pieza. el compositor vienés eligió duplicar el 61 . Schubert realiza dos intentos falsos de reexposición en Sol bemol mayor y Re bemol mayor. 915 una tercera colección de impromptus. 946 deberían formar. sino que se considera la cima de toda su obra. op. una vez más. 70 (D. La segunda pieza. Schubert escribió estas tres piezas pianísticas en mayo de 1828 y no serían publicadas hasta cuarenta años más tarde por mediación de Brahms y con títulos apócrifos llenos de imaginación literaria. del Trío para violín. Fue el preferido de Schubert y lo incluyó en el concierto que se celebró con su música en Viena el 26 de diciembre de 1827. Hummel ya había fallecido. Por último. op. el Quinteto en Do mayor. en este caso la prensa vienesa fue muy dura con Schubert al juzgar que se había equivocado al “sobrepasar con mucho el tiempo que un vienés está dispuesto a dedicar a los placeres del espíritu”. que supuso su 60 regreso a esa formación camerística tras diez años de abandono. Schubert había conseguido publicar en esos años su Rondó brillante para violín y piano. 159 (D. violonchelo y piano en Si bemol mayor. Por ejemplo. hasta el punto de que puede situarse a la misma altura de los últimos cuartetos beethovenianos. 99) de Schubert y los problemas de nuestra existencia humana desaparecen. que fue seguramente una primera versión descartada del movimiento lento de la obra. puesto que modula en una docena de ocasiones. por lo que cambió la dedicatoria y eligió vomo destinatario a Robert Schumann en vista de la alta estima en que tenía estas composiciones de Schubert. El Andante está basado en una canción sueca de Isaac Berg y adquiere un tono similar a los Lieder coetáneos del Winterreise. 741) de gran lucimiento para ambos instrumentos. junto con el Allegretto D. por su haydniano afán por sorprender al oyente y entrar en interacción con él. en el primer movimiento. 895). El Scherzo vuelve a tener chispa y encanto. la tercera sección es un extenso tema con variaciones sobre el Lied Sei mir gegrüsst (op. Andante un poco mosso. además de por la luminosidad y frescura que le atribuye Schumann. está estructurado en una simple forma ternaria y posee una clara identidad sonora para cada sección basada en la oposición de variedad y reiteración rítmica. El Allegro inicial fluye con gran soltura al disponer de tres temas y una sección de desarrollo muy inquieta tonalmente. En diciembre de ese mismo año. un Allegro en Do mayor. y donde se subraya mucho la distancia estilística entre el dinámico estribillo y el evocador episodio Andante. 956 no solo es la culminación del catálogo camerístico de Schubert. D. Schumann escribió lo siguiente: “Un simple vistazo al Trío (op. Para esta composición.De aquel encuentro surgió la admiración de Schubert hacia Hummel y también la dedicatoria de sus tres últimas sonatas pianísticas. aunque para cuando Artaria fue a publicarlas en 1839. mientras que el Allegro vivace final es una mezcla de rondó y forma sonata cuyo tema principal está inspirado en el Lied Skolie (D. En realidad. organizado en una estructura liederista ABA y abierto con una bella cantilena en la cuerda. Y no solo estas obras. Schubert diferencia estilísticamente todo lo posible en la exposición cada uno de los dos temas y nos sorprende con un guiño cíclico al esbozar el tema del Andante justo antes de la reexposición. Sin embargo. Andantino molto. 99 (D. Consta de cuatro secciones que se tocan sin pausa: un Andante molto que se inicia con el tremolando en pianissimo del teclado y facilita el despliegue lírico del instrumento de cuerda. 897. lo que hizo que hasta el crítico abandonara la sala antes de finalizar la obra. y la obra termina con una reexposición modificada y desarrollada al incorporarle dos nuevos pasajes: una nueva variación y una espectacular coda. como si no atinase con la tonalidad correcta. La primera. en el mes de abril). Aparte de sus Tríos. En el Finale. 898). aunque por el estudio del papel utilizado en el Nocturno D.

Y es que. Schubert prefirió escuchar uno de los últimos cuartetos de Beethoven antes que su propia música. ‘Pero el tempo es más rápido. la principal novedad aquí es el Trío que. Entre todos los testimonios que existen sobre su interés por el espiritismo destacan los de Wilhelm Joseph von Wasielewski y Ferdinand Hiller. el Lied. como hemos visto con anterioridad) estaba más abierto a las ciencias ocultas y llegaría a invocar con Schumann al espíritu de Beethoven para mantener con él una curiosa discusión acerca del tempo precisamente del inicio de su Quinta Sinfonía: “Al final empezó [. que no vería la luz hasta 1853. o la revisión de su Cuarta Sinfonía. Schumann se había convertido. se llega transitando parajes escarpados y el dinamismo se recupera con el tercer tema a ritmo de marcha. que han relacionado la ambigüedad e irregularidad de algunas de sus últimas composiciones con su estado mental. aun en el trance final de su vida. Sin embargo. no obstante. y tampoco sería estrenada hasta tres años antes.. “Renana”. El desarrollo se centra en estos dos últimos temas y la reexposición resulta bastante libre. que tocan los violonchelos a dúo con enorme encanto y tranquilidad. y lo repitió al tempo correcto. que se consigue por medio de una estática melodía en la parte central del conjunto. el Adagio combina lirismo y melancolía. segunda hija en un mesa. aunque no renuncia al pastoralismo con aires cinegéticos.] pero demasiado lento en un principio. querida mesa’. el concierto. en Fa menor. la música de cámara o el oratorio. Entonces dije. El Allegro ma non troppo inicial se abre con un interesante experimento de textura y color al exponer el misterioso tema inicial como cuarteto de cuerda convencional y después prescindiendo del primer violín. Y en el Allegretto final renace el Schubert más optimista y populachero con un primer tema inspirado en aires húngaros y otro más melódico que evoca la música de los cafés vieneses. es ciertamente impresionante. como el Concierto para violonchelo. en el principal compositor de Alemania. la sinfonía. pero destaca su impresionante suspensión temporal. En la actualidad. por extensión e independencia estilística. que es acompañada por figuras repetidas en el primer violín o pizzicati en el segundo violonchelo. o su estilo tardío propiamente dicho. tras la reciente muerte de Mendelssohn. Nos quedamos maravillados”. amigo de Schumann y con el tiempo también su biógrafo. todo ello ha terminado afectando profundamente a la consideración del estilo tardío de Schumann y ha habido varios estudiosos. Al segundo tema. los jalones de la carrera artística de Schumann no ofrecen mayores dificultades: su reorientación desde la música pianística al Lied en 1840. El primero. concertino de la orquesta de Düsseldorf. como Peter Ostwald. cuenta que en mayo de 1853 visitó al compositor y lo encontró leyendo compulsivamente un libro sobre “mesas parlantes”.violonchelo en vez de la viola como habían hecho en el pasado Mozart y Beethoven. que era director de orquesta y compositor (y había sido discípulo de Hummel. Schubert tampoco consiguió interesar a ningún editor para publicar esta obra. En el enérgico Scherzo opta por una textura más orquestal. De hecho. como el ciclo poético para piano. al mismo tiempo. Hiller. Y ello le valió que su música para la escena final del Faust sonase en 1849 simultáneamente en Weimar. muchas de ellas consideradas obras cruciales de su catálogo. su “nueva manera” de componer declarada en 1845. Su estructura se sitúa a medio camino entre el rondó y la forma sonata. incluso llegaría a escribir un ensayo sobre el tema que no se ha conservado. el contraste con la atormentada sección central del movimiento. Por su parte. donde pudo escucharse el famoso ritmo del arranque de la Quinta Sinfonía de Beethoven. este tipo de obsesiones daban una imagen de Schumann de cierta inestabilidad psíquica y tanto ella como Wasielewski pensaron que este tipo de obsesiones fueron las primeras manifestaciones de su demencia. para culminar en una deslumbrante coda. Dresde y Leipzig en la conmemoración del centenario de Goethe. que coincide con su traslado en 1850 desde Dresde a Düsseldorf. John Daverio ha defendido que el estilo tardío de Schumann no rompe por completo con la trayectoria estética del compositor y Laura Tunbridge ha abierto un nuevo camino hacia el estilo tardío del compositor de Zwickau dejando al margen este tipo de prejuicios relacionados con su enfermedad mental. pues organizaba sesiones de espiritismo a todas horas y con todo tipo de personas. En realidad. Su esposa Clara estaba encantada de ver a su depresivo marido tan animado. en 1852 y 1853 se celebraron ciclos de conciertos con música de Schumann 63 Nuevos caminos: Schumann y Brahms Robert Schumann (1810-1856) se pasó los meses previos a su colapso mental de finales de febrero de 1854 obsesionado con la doctrina espiritista que había nacido en Francia pocos años atrás. y en las que abordó prácticamente todos los géneros que había cultivado hasta el momento. tal y como queda reflejado en su último cuarteto o en los dos tríos con piano. en esa ciudad renana culminaría en tres años nada menos que una cincuentena de composiciones. Concretamente. año de su boda con Clara Wieck. e incluso había llegado a prometerle a la mesa que le compraría un mantel más lujoso. cuando le pregunté por el número en que estaba pensando. ello quizá se deba a la influencia de Boccherini o bien al interés que había desarrollado por este instrumento en sus obras de cámara tardías. dijo correctamente el tres. la Tercera Sinfonía. le confesó con una mirada fantasmal que las “mesas” lo sabían todo y comenzó a practicar con la ayuda de su 62 .. Luego. acaba erigiéndose en un movimiento más de la obra. Por su parte.

los músicos del momento tenían obras suyas en repertorio (aparte de Clara. op. le dictó un tema sobre el que escribió unas variaciones (Thema mit Variationen für das Pianoforte. me refiero a Ferdinand Hiller. 113 hay que buscarlo en la fascinación de Schumann por los cuentos de hadas. terminada a comienzos de octubre de 1853. las biografías prefieren ahondar en su demencia antes que subrayar el reconocimiento que llegó a cosechar en esos años previos a su internamiento en el sanatorio de Endenich. La obra. en fin. el último con un planteamiento canónico. publicaría varias monografías sobre el tema) y ello animó al compositor a utilizar la viola para representar la ensoñación de la épica romántica. concretamente. aunque aquí Schumann supera a su primera sonata al integrar con más habilidad los dos instrumentos por medio de un fluido empleo del contrapunto. Joseph Joachim. según parece. El primer movimiento tiene una evidente influencia como punto de partida de la Sonata “Kreutzer” de Beethoven. arrojándose al Rin en medio de la algarabía del Carnaval. A mediados de octubre de ese año inició también la que sería su última obra para piano. que sería revisada en 1853 y estrenada en público por Joseph Joachim. que comenzó alabando a Brahms y terminó en el bando progresista de Liszt y Wagner) o su caracterización en numerosos ensayos especializados como un compositor amanerado que se había quedado anticuado. sus ediciones de música doméstica (o Hausmusik). eran un todo un éxito comercial. el paso de este movimiento al siguiente. cuya presencia le fue prohibida durante su internamiento en Endenich. invitó al violinista Wilhelm Joseph von Wasielewski a que se uniera a su orquesta como concertino y ello lo convirtió enseguida en un habitual de la casa de los Schumann. un encantador tema con variaciones sobre el coral luterano Gelobet seist du. Sin embargo. Anton Rubinstein o Julius Stockhausen). Todo ello contribuyó a un rápido declive. aunque también muestra una progresiva carencia de poder espiritual y una menor plenitud de ideas. op. que terminaría por convertirse en su Tercera Sonata: me refiero a los movimientos segundo y último de la curiosa Sonata F-A-E. la traición de algunos amigos (como el crítico Richard Pohl. cuya evocación convive con un homenaje muy personal a Bach. Jesu Christ. la conversión de la Neue Zeitschrift für Musik que él mismo había fundado en un manifiesto wagneriano y antischumanniano. Entre septiembre y noviembre escribió dos sonatas que fueron estrenadas privadamente por el violinista con Clara al piano. WoO 27. y al poco de llegar a Düsseldorf. que había sido su propio discípulo en Leipzig a principios de los años cuarenta. Conviene aclarar igualmente que Schumann sufrió crisis maniacodepresivas asociadas a un trastorno bipolar durante buena parte de su vida y las razones de que se intensificaran en Düsseldorf hay que relacionarlas con su exceso de trabajo. El scherzo que sigue resulta ser un curioso precedente del estilo brahmsiano. que le hizo una visita en esas fechas. op. escrita en colaboración con su alumno Albert Dietrich y Johannes Brahms para homenajear a su amigo el violinista Joseph Joachim utilizando las iniciales de su lema personal como motivo musical: Frei Aber Einsam (“Libre pero solitario”). como el Album für die Jugend. terminó siendo dedicada a Ferdinand David y publicada cuando Schumann se encontraba ya internado en Endenich. casi como si fuera un eco del movimiento anterior.tanto en Leipzig como en el Festival del Bajo Rin. era un experto conocedor de la historia y particularidades de los instrumentos de cuerda (más tarde. que se inició con alucinaciones auditivas y obsesivas relacionadas con el coral Ein feste Burg o su insistente contacto con el espíritu de compositores muertos como Schubert. en los años sesenta y setenta. Gesänge der Frühe. aunque no renuncia al encanto poético de Schumann. 121 sería admirablemente redactada por Schumann en menos de una semana. si bien tampoco puede descartarse que simplemente pensase en la Diotima de Friedrich Hölderlin. Wasielewski. En 1850. En el Finale la tensión no decae en ningún momento y Schumann trenza una forma sonata con desarrollo canónico que para Eduard Hanslick tiene un cierto toque picante. es posible que con ella se refiera a Clara como su ideal de belleza. con una extensa canción de cuna cantada prácticamente a la par entre la viola y el piano. WoO 24) y que culminó en su intento de suicidio. pero también con sus complejas relaciones con las autoridades de Düsseldorf. le sigue un breve rondó lleno de vivacidad cuyo solemne tema principal con ritmos punteados se contrapone a 64 . La relación de Schumann con Wasielewski también animó al compositor a escribir sonatas para violín y piano. le añadió ese mismo mes dos movimientos más para completarla como su Sonata para violín y piano nº 3. A esta curiosa obra. a lo largo de los años cincuenta se publicó su biografía o vieron la luz monografías sobre algunas de sus composiciones. pero también por la viola. la filósofa que aparece en El banquete de Platón y que conceptualiza el amor platónico. La obra fue compuesta en marzo de 1851 y consta de cuatro partes con formas bien definidas y secciones bien contrastadas: se abre con un movimiento moderado con una estructura ABA en la que se oponen con evocadora armonía las tonalidades de Re menor y Fa mayor. quien. a la hora de tratar el estilo tardío en Schumann. pero también puede que fuera la poetisa Bettina von Arnim. 65 El origen de las Märchenbilder para viola y piano. Schumann llegaría a escribir una obra más para violín y piano. Jenny Lind. se inicia con el acompañamiento en pizzicati del violín. 133 (“Cantos del alba”). el tercero es un moto perpetuo con un desenfadado intermedio. la Sonata para violín y piano nº 2. por último. De hecho. que incluye una enigmática cita a Diotima. cuya publicación quedó relegada hasta 1956. sendos episodios de gran fluidez. y la obra se cierra.

preguntó Brahms. en Estiria. lo tardío dejó de ser considerado históricamente como un síntoma de decadencia para convertirse en algo positivo. acerca del declive y la decadencia de la música. durante un encuentro con el joven Gustav Mahler en Bad Ischl: “Brahms comenzó discutiendo. como era habitual. “¿No lo ve usted? ¡Ahí va la última ola!”. deseos. que sabemos que no cesará. donde dedicó parte del tiempo a poner al día su catálogo de Lieder. por extensión. Brahms residió en Mürzzuschlag. precisamente ese cambio de mentalidad coincide con el momento en que muchos historiadores comenzaron a ver los últimos cuartetos de Beethoven como el clímax de su obra y. sino también una espiritualidad desconocida en su catálogo de canciones. die ihr stets euch reget” (“Vosotros. a lo largo de la segunda mitad del siglo xix. 18). No obstante. exclamó. sin embargo. 91: dos Lieder muy especiales en los que Brahms añade una parte de viola obligada a la formación de contralto y piano que no solo aporta un colorido especial. especialmente cuando su etapa final coincidió con la de toda una época que iba a ser arrollada por los nuevos vientos del modernismo. dentro de una serie de artículos de Adolf Schubring publicados en la Neue Zeitschrift für Musik que formaron parte de una sección llamada “Schumaniana”. Richard Sprecht recoge lo sucedido en el verano de 1896. Pero recuerdo que fue Brahms. cuando el compositor contaba veintinueve años. La obra consta de cinco piezas que parten de la sencillez de un himno matutino de la primera hasta la solemnidad coral de la quinta. WoO 25 y también escribiría cinco Romanzen para violonchelo y piano cuyo manuscrito Clara destruyó al considerar que no le hacían justicia. apoya la línea vocal o la enriquece con figuraciones barrocas y cuya sección central. es decir. Schumann continuaría con el acompañamiento pianístico de los Caprichos de Paganini. ¿Acaso el colapso del cuerpo conlleva la decadencia del espíritu? nada fácil marcar el inicio de su etapa final e. cuando los críticos coetáneos comenzaron a percibir un nuevo estilo en su obra que resultaba más asequible. Schubring sería capaz de distinguir hasta tres etapas distintas en su producción. donde pudo verlo improvisar compulsivamente al piano. resulta algo más convulsa. no resulta 66 Durante las vacaciones de 1884. os removéis”). El segundo. El primer canto. 93 al 96 o terminando la composición de los Zwei Gesänge (“Dos cantos”) op. pero quizás aquello que más importe sea si la ola muere en el mar o en una ciénaga”. es decir. en concreto. Notley concluye que el estilo tardío es una categoría significativa que va mucho más allá de la artificialidad o las divergencias que plantea cualquier construcción en torno a la obra de Brahms. De hecho. “¡Mire. Después de concluir estas piezas en el sanatorio de Endenich. Con tan solo dieciocho obras publicadas (el estudio llega hasta el Sexteto nº 1. superando con su inspiración divina las limitaciones de su averiada conciencia. el último de la vida del compositor hamburgués. pero Mahler de repente le cogió del brazo y. Es un buen símbolo del eterno movimiento en la vida y el arte. mire!” “¿Qué es lo que quiere que mire?”. incluso. Geistliches Wiegenlied (“Canción de cuna sacra”) es un cantarcillo a la virgen de Lope de Vega recopilado y traducido al alemán por Emanuel von Geibel dentro de su Spanisches Liederbuch que Brahms convier67 . quien tuvo la última palabra: “Eso está muy bien.la amada idealizada a la que dedicó varios poemas. organizando las colecciones que van desde el op. en la que se trataba de los compositores considerados seguidores o miembros de la “escuela” del compositor de Zwickau. doctor. * * * En su clásica biografía de Johannes Brahms (1833-1897). La división de la obra de Brahms en varios períodos se inició en una fecha tan temprana como 1862. apuntando hacia el río que pasaba por allí con la otra mano. pasando por la evocación de Brahms en la segunda y la cuarta o la monotonía rítmica de la tercera. entre el estreno y publicación de su Tercera Sinfonía y la composición de la Cuarta. No resulta fácil delimitar el estilo tardío en Brahms. pues la mayoría de las observaciones derivan del mismo tronco. que modula a Re menor “Ihr Wünsche. algo debió de suceder en torno a 1884 o 1885. presenta una forma casi simétrica en la que la viola introduce y cierra la obra. Y es que. El compositor hamburgués representa la desilusión de finales del siglo xix y también la noción adorniana de “envejecimiento” musical. sobre un texto de Friedrich Rückert. titulado Gestillte Sehnsucht (“Anhelo aplacado”). musicales y filosóficas en sus últimas composiciones. de toda una época. mientras que los especialistas actuales han visto ese mismo estilo como tremendamente elaborado. op. tanto su biógrafo Karl Geiringer como el propio Adorno coinciden en que el aire otoñal o la constricción expresiva a menudo atribuidas a sus últimas composiciones en numerosos estudios afectan a muchas más composiciones que las cronológicamente ubicadas en su estilo tardío. cuya densidad va aumentando paulatinamente. de la percepción compartida de diferencias estéticas. y. Resultan conmovedoras las dos últimas imágenes que tenemos de Schumann: la litografía de Henri Fantin-Latour titulada Le dernier thème de Robert Schumann y la descripción que hace Wasiliewski de su última visita a Schumann en el sanatorio. hasta Margaret Notley ha llegado a plantearse si Brahms tuvo realmente un estilo tardío.

Brahms evoca el lado trágico de la muerte: en el primero. sobre un poema de Klaus Groth. dedicase tan pocas composiciones a su instrumento. noble y elegante caracteriza el Intermezzo op. Las veinte piezas pianísticas que comprenden las cuatro colecciones que van desde el op. Bien es verdad que los conciertos para ese instrumento. Auf dem Kirchhofe (“En el camposanto”). el sufrimiento y las miserias humanas. resulta mucho más trágico e intenso. evoca con gran intensidad la muerte. Denn es gehet dem Menschen wie dem Vieh (“Porque al hombre le pasa como al animal”). Por otro lado. qué amarga eres!”). a los que ya había puesto música con anterioridad. resulta una obra casi hipnótica por el uso que hace de la disonancia y cuya estética se aproxima a los albores del expresionismo. le sigue una segunda sección acórdica en modo mayor y.te en una bella canción de cuna en la que hace uso de la mecedora melodía del coral Joseph. opone la amargura y la resignación por medio de una milagrosa transición a Mi mayor sobre el verso “O Tod. El canto elegíaco fluido. En cuanto al cuarto. después de tomar esa decisión. que utiliza un poema de Detlev von Liliencron. 121. la esperanza y la resignación. 114. wie wohl tust du dem Dürftigen” (“¡Oh. En el segundo. 116 al op. prácticamente su “canto del cisne”: los Vier ernste Gesänge (“Cuatro cantos serios”) op. Desde 1853 no volvería nunca más a escribir una sonata y cuando. En el tercer canto. 118 nº 6 con un tema elaborado a partir del Dies Irae gregoriano. siendo como fue un concertista de piano durante la mayor parte de su vida. wie bitter bist du (“¡Oh. Brahms decidió que era el momento de terminar de poner orden en su obra y retirarse para siempre. cuya bella melodía surge al principio de una escritura basada en arpegios entrelazados. 116 nº 4 marca el grado de novedad de estas piezas finiseculares que suenan a veces como improvisaciones oníricas cuyo halo poético se aproxima a Debussy. Se trata de una serie de cuatro Lieder sobre textos de la Biblia traducida por Lutero que Brahms dio a conocer a sus allegados en su última fiesta de cumpleaños. en el segundo. la composición de cuatro obras camerísticas tardías con ese instrumento como protagonista. tiene una factura aparentemente sencilla. regresó a la composición para piano llevaba desde 1879 sin añadir una sola obra a su catálogo pianístico. le dijo a uno de los presentes. Sin embargo. 105 surgieron en el verano de 1886. lo que le animó a iniciar ese mismo verano en Bad Ischl. hay que enmarcar estas piezas dentro de su proyecto personal de poner orden a su obra. como reacción sentimental al breve affaire que mantuvo con la joven cantante Hermine Spies. El primero. 111. 68 En Brahms sorprende que. 117 nº 2. Son todas ellas composiciones desconcertantes por su aparente 69 . escuchó en marzo mientras descansaba unos días en Meiningen al solista de clarinete de la orquesta de la corte. se trata de un ciclo en el que el compositor hamburgués se concentra más en el contenido melancólico y su evocación que en poemas de autores conocidos. A comienzos de 1891. por lo que pidió al clarinetista que le mostrase todas las posibilidades de su instrumento. violonchelo y piano op. pero destaca por su riqueza y concentración melódica. junto a las sinfonías Tercera y Cuarta. habían ocupado toda su labor artística. lieber Joseph mein. vuelve a presentar una forma simétrica con el episodio central también en modo menor y con la repetición de la introducción con la viola a modo de coda. en palabras de Georg Knepler. De hecho. 119 nº 1 como una pieza “dulcemente triste” que evoca el color de una perla opalescente. que dos años atrás había homenajeado al compositor.und mit Engelszungen redete (“Si yo hablase con lenguas de hombres y de ángeles”) en Mi bemol mayor representa el triunfo de la idea del consuelo cristiano. Por su parte. representa el Vanitas vanitatum del Eclesiastés con una estructura da capo y acompañamiento de piano de aire organístico en cuya armonía trata de evocar el fabordón por medio de terceras y sextas. 119 fueron escritas por Brahms durante los meses veraniegos de 1892 y 1893 en Bad Ischl y constituyen claramente su testamento pianístico. Clara Schumann definió el Intermezzo op. que Brahms pasó en Hofstetten. los Lieder op. pero termina encontrando la paz al final. O Tod. Richard Mühlfeld. el 7 de mayo 1896: “Fíjate el regalo tan bello que me he hecho”. qué bien haces al necesitado!”). El timbre a medio camino entre la dulzura y la melancolía resultaba ideal para representar su estado de ánimo. la música de cámara o los Lieder. que contrasta con una sección central heroica e intensa. aunque para la mayoría estos cantos serios constituyen en realidad su testamento espiritual. Wenn ich mit Menschen. evoca el contenido del poema con una melodía vaporosa y refinadísima. con el Trío para clarinete. y después de haber terminado su Quinteto de cuerda nº 2 op. Precisamente ese camino desde la tragedia a la resignación también lo encontraremos en el último ciclo de Lieder de Brahms. sobre un texto de Hermann Lingg. Immer leiser wird mein Schlummer (“Mi sueño es cada vez más apacible”). tras una breve reexposición. La muerte irrumpe desnuda y misteriosa en el inicio del Intermezzo op. están dedicados a la memoria del padre del escultor Max Klinger. en 1892. En los dos primeros. El cuarto. muerte. Ich wandte mich und sahe an alle (“Me giré y vi a todos”). la huida de la naturaleza y el amor de los hombres”. que inicia especialmente a partir de 1891. junto al Lago de Thun. muerte. El Intermezzo op. Wie Melodien zieht es mir (“Es como si las melodías”). modulando a Do mayor y citando un coral de la Pasión según san Juan de Bach. “un estado de ánimo que mezcla el dolor y la serenidad. constituyen un diario íntimo en el que Brahms representa. termina en una coda lenta que parece improvisada.

pero donde se oculta una exquisita y fecunda elaboración temática y construcción formal.. 120. Este efecto. en realidad. Y la obra concluye su estructura tripartita con un Andante con moto que conjuga un sencillo tema con una serie de variaciones desarrolladas. Y le sigue el Finale. el enciclopédico proyecto fonográfico dedicado a toda la obra pianística de Franz Liszt (1811-1886) realizado en el sello Hyperion por Leslie Howard entre 1986 y 1998. El Andante. sencillez e intimismo que se refleja ya en los primeros compases de la obra. cuyos temas principales derivan uno del otro. Al Allegretto inicial en forma sonata. La Sonata en Mi bemol mayor. para terminar con una reexposición donde la obra toma aliento y. Y es que. El tercer movimiento tiene dos secciones. si bien la poética aparición del clarinete en el compás quince confirma nuevamente el tono de Re. En relación con el Quinteto para clarinete y cuerda en Si menor. Tal fue así que muy pocas de sus obras tardías fueron interpretadas en concierto o publicadas durante su vida. es lo que el crítico vienés Richard Hirschfeld denominó en su reseña tras el exitoso estreno vienés de esta obra el “claroscuro de la tonalidad [. pero siempre dentro de un fluir continuo. y hasta el final de su vida. o dispone un equilibrio ideal en las proporciones al prever la misma extensión para cada una de las secciones.] que mantiene al oyente en suspense”. pero que se elabora con gran refinamiento a la hora de repartir el protagonismo en cada variación o crear efectos tonales de “claroscuro”. Por ejemplo. que es un jovial 70 rondó con algunas libertades y con episodios bien diferenciados. esconden una cuidadísima factura llena de innumerables detalles que ciertamente abren nuevos horizontes. funciona como una especie de intermezzo cuyo carácter movido conduce al Finale. pero con numerosas licencias. cuando llega a Roma en octubre de ese año para dedicarse a cultivar su fe religiosa. 120 nº 1 el primer movimiento presenta seis temas bastante emparentados entre sí. pero con un mayor número de ideas secundarias. su obra adquiere un enorme grado de introspección y una gran despreocupación acerca del destino de la misma. en la Sonata en Fa menor. se percibe una mayor elaboración y contraste. que encontramos a lo largo de toda la obra. que plantea una serie de variaciones sobre un tema en apariencia sencillo que prácticamente camina por grados conjuntos. no hay más que examinar los primeros compases de la introducción: se inicia la obra en Re mayor con los dos violines. se trataría de un tercer período que alcanza todo artista tras una primera fase de preparación y una segunda de maestría e individualidad. Brahms aboga por un planteamiento más austero en cuanto al desarrollo temático. que corre pareja al reconocimiento público. aunque tiene forma de scherzo. que Brahms redactaría ese mismo verano de 1891. En el Allegro appassionato. tras exponer en orden los tema escuchados en la exposición. le sigue un Adagio en Si mayor en forma ABA que se inicia con un maduro y asentado canto de amor liderado por el clarinete cuya sencillez en los extremos contrasta con el melancólico canto zíngaro de la sección central. con un Trío central más estático. El corazón apesadumbrado: Franz Liszt Además de figurar en el Libro Guinness de los Récords. un Andantino y un Presto. en esa tercera fase la comunicación con el público se vería reemplazada por la meditación en soledad. el espíritu atribulado de Brahms por la muerte de varios amigos volvería a interesarse por el clarinete en las que serían sus últimas obras camerísticas: las dos Sonatas para clarinete y piano op. quizás en ello resida la contradicción arriba comentada entre los críticos coetáneos de Brahms y los estudiosos actuales a la hora de retratar las características del estilo tardío del compositor hamburgués. de forma especial. algo especialmente evidente en el desarrollo. que tiene estructura de scherzo.. Howard explica el estilo tardío de Liszt a partir de los estudios del psiquiatra inglés Anthony Storr. incluye numerosas reflexiones interesantes escritas por el propio pianista de origen australiano en las carpetillas de los discos. Durante el verano de 1894. más proclive a la soledad y a centrarse en las obsesiones íntimas. El tercer movimiento. 120 nº 2 parte del mismo planteamiento de evocación. op. Desde ese momento. 115.sencillez que. efectivamente. op. en una carta dirigida a Camille Saint-Saëns fechada el 19 de julio de 1869 afirma lo siguiente: “En la actualidad 71 . seguidos de un desarrollo simplificado y en el que prácticamente tan solo se utiliza el tema de la introducción. concluye con una apertura a otras posibilidades melódicas o con una vuelta al principio. pero en la entrada de la viola y el violonchelo en el tercer compás comprobamos que estamos en realidad en Si menor. y que recientemente fue publicado en un cofre de noventa y nueve cedés. En realidad. que relacionan lo tardío con un período menos preocupado por las relaciones personales. con el tema inicial de los tres que conforman la forma sonata. op. Brahms lograría en ambas profundizar todavía más en esa aparente sencillez que evita cualquier demostración de virtuosismo o exceso de expresividad en favor de la evocación poética y el intimismo. Estas dos sonatas las escucharemos en este ciclo en la versión alternativa para viola que publicó Fritz Simrock en 1895 dentro de la primera edición de ambas composiciones. el estilo tardío surge en la obra de Liszt cuando abandona su posición de Kapellmeister en Weimar en agosto de 1861 y. donde se antepone a lo melódico. un poco Adagio está compuesto en forma ABA y también hace gala de una libertad melódica que pretende evocar lo onírico.

incluso en las obras más vinculadas al concierto público. se trata de un lamento al estilo húngaro dedicado a su admirado compositor Mihály Mosonyi en un tono tremendamente sombrío. disastro. que permite también la utilización de un arpa ad libitum). que se conoce como Bagatelle ohne Tonart (“Bagatela sin tonalidad”). 203 fue inspirado en 1883 por un poema de Antonia Rab que no conservamos. En él contrapone una brillante escritura en octavas en las secciones extremas a una central. una reacción a la noticia de la inesperada muerte de Wagner en la que se mezclan el dolor con la grandeur. sin pensar lo más mínimo acerca de su difusión. pero devolviéndole el cumplido al citar al final de esta pieza el tema de las campanas de la misma ópera (la escucharemos en la versión para cuarteto de cuerda. como el uso de armonías avanzadas o la directa ruptura de la tonalidad. sie muss hie und da in Noten ertönend aufbrechen” (“Como usted sabe. su obra coral será a pequeña escala y sin acompañamiento orquestal. Schlaflos! Frage und Antwort (“¡Insomnio! Pregunta y respuesta”). S. Más revelador aún. Poco después escribió una obra mucho más futurista. Supongo que si tienen algún valor será reconocido en algún momento. la libertad formal. enigmática y hasta hipnótica que admiraron Debussy o Stravinsky. Liszt escribió las Csárdás macabre S. que escucharemos en su versión para viola y piano. aunque Liszt la publicó también para dúo de piano y violín o violonchelo (en realidad fue la respuesta que dio el compositor a un editor que quería reeditar una antigua Romance). en este caso el vals aparece tras una misteriosa introducción en staccato y va intensificándose hasta estallar en una sección marcada como appassionato fortissimo y luego comienza a diluirse (resulta muy significativa la indicación que anota Liszt en esta obra: “Tóquese de forma elegíaca y no tanto como un vals”). la elusión de cadencias confortables. una pieza concisa. tras culminar el oratorio Christus en 1872. 224. Liszt escribió su Vierte Mephisto-Walzer (“Cuarto Vals de Mefisto”) S. S. Scriabin o incluso a Schoenberg o Bartók. y que algunos especialistas han relacionado con el futuro Webern. 201. Al año siguiente. la suite El árbol de Navidad o los Retratos históricos húngaros. se trata de dos miniaturas que reflejan quizá su lado más oscuro y que al mismo tiempo exhiben su música más futurista: la impresionista Trübe Wolken o Nuages gris (“Nubes grises”). como los Vals Mefisto y las Rapsodias. Liszt reduce drásticamente su música sinfónica o le da una orientación religiosa y. 216a. el preludio de la cantata Die Glocken des Strassburger Münster (“Las campanas de la catedral de Estrasburgo”). limitada a una simple línea melódica en la mano derecha que evoca el tema del primer vals de Mefisto. En este último período creativo. las canciones se vuelven más sombrías y las texturas que utiliza se tornan sobrias y hasta constreñidas. llevo una profunda pesadumbre en el corazón. 194. S. que denomina Espressivo. 696 siguiendo la habitual forma ternaria. y Unstern! Sinistre. que compuso unos meses más tarde en conmemoración del que habría sido su septuagésimo cumpleaños.no me preocupo de mis composiciones más allá de la escritura de las mismas. consiste en la transformación de un tema cromático hasta que encuentra una tonalidad en la que poder descansar. sobre todo de cara a la pequeña muestra del opus ultimum de Liszt que escucharemos en este Liceo de Cámara. fechado en 1881 con la intención de escribir una danza que olvida sus características. son las obras religiosas y las pertenecientes a grandes colecciones. como el tercero de los Années de pèlerinage. además de las danzas. De 1883 datan también dos obras inspiradas por la muerte de su yerno Richard Wagner: R. que anticipan efectos asignados más habitualmente a Debussy. el compositor ahonda en el cromatismo y en la oposición modal mayor y menor hasta hacernos perder el horizonte tonal que se acrecienta al dejar un final abierto. lo inicia la viola sola con la indicación de Andante malinconico y la obra evoluciona hacia una mayor intensidad. 527. quizás en sustitución de ésta. ya sea durante mi vida o después”. 72 En 1881 también escribió dos piezas difíciles de clasificar. 208 con la que retrata el lado más diabólico del infortunio y que se inicia de forma muy sencilla pero efectiva con un empleo sorprendente del tritono y de los intervalos aumentados. aunque en 1885 la revisaría para incorporarla a sus Retratos históricos húngaros. W. y Am Grabe Richard Wagners (“En la tumba de Richard Wagner”) S. es lo que escribió el compositor en 1883 a su biógrafa Lina Ramann: “Wie Sie wissen. cuyo título es un homenaje a la Danse macabre de su amigo Camille Saint-Saëns. o que le cuesta encontrarlas. En marzo de 1885. y tiene que manifestarse de vez en cuando sonando en forma de notas”). Las obras para piano solo más interesantes de este período. S. y donde combina una melodía nacional húngara con la experimentación tímbrica del piano desde el toque más percutivo al efecto más evocador. 199. se inicia con el tema de Excelsior!. La palabra “oubliée” volvemos a encontrarla en el primer Valse oubliée S. trage ich tiefe Trauer im Herzen. En ellas encontraremos ideas que van más allá de los confines del Romanticismo. La más temprana de las piezas que escucharemos data de 1870 y es Mosonyis Grabgeleit (“Procesión fúnebre de Mosonyi”) S. – Venezia S. 215 de los cuatro que compuso Liszt. De 1880 es la Romance oubliée S. la desnudez sonora o hasta el desvanecimiento en el silencio. que Wagner utilizó en el preludio de su ópera Parsifal. 202. 73 . pero sin perder su aura de nostalgia. y en la que Liszt se adentra hasta los límites de la tonalidad sin llegar a ser atonal.

incluso los mejores de Mozart los escribió entre 1789 y 1790. al que sigue un fugato interrumpido una y otra vez por los referidos trémolos. T. y una mezcla de ambos. como sucede con su popular Cuarteto nº 1 en Mi menor. el programa está basado en un poema de Richard Dehmel en el que se relata la conversación entre un hombre enamorado y su mujer cuando esta le confiesa que está esperando un hijo de otro hombre. sigue la confesión de la mujer. como sucedió con el Trío para violín. incluso entre los músicos de genio. Se inicia con un Allegro de aparente estructura clásica de sonata. 131 que surgió de nuevo por el interés de Procházka por promocionar la música del compositor checo. Este cuarteto. donde se combina con una sombra de amargura una polka rústica y una encantadora dumka. las alucinaciones o los mareos del compositor checo tan solo le permitían componer pequeños segmentos de música y ello quizá determinó que la obra tuviera un estilo más cortante. Esta cita dice claramente mucho más del prestigio póstumo de Beethoven que de Mozart. No obstante. compositor y promotor Jan Ludevít Procházka. para que tenga alguna importancia. el tercero. que aportó no solo una estructura muy personal a cada movimiento. cuando el compositor tenía treinta y tres años. a la que se unía su sordera. pues mientras los últimos cuartetos del primero se convirtieron en la segunda mitad del siglo xix. 116 de 1878 fue el resultado de un encargo del pianista. 4. En la primera se sitúa a la pareja en una fría arboleda a la luz de la luna. sino que incluso afirmó que le había abierto nuevos caminos. sino también un argumento fácilmente identificable para el público. en su caso. Smetana invirtió en la obra los años 1882 y 1883. tras estudiar profundamente los cuartetos de Beethoven. En realidad. estuvo motivada por una tragedia como la muerte de su hija Bedřiška a la tierna edad de cuatro años. quien no solo estudió con gran interés esta obra de Smetana. que coincidieron con un empeoramiento progresivo de su enfermedad depresiva y mental. iniciada en la primavera de 1889. A continuación un Allegro moderato. y continúa: “No hay ningún ejemplo. Schubert. y esa edad. algo hasta ese momento reservado al repertorio sinfónico. para Bedřich Smetana (1824-1884). 64 (1855). que no puede ocultar la huella de los últimos cuartetos de Beethoven. “Z mého života” (“De mi vida”). en otros casos. op. plasmada en la tonalidad de Mi bemol menor. le sigue un breve desarrollo y únicamente la reexposición del segundo tema. De hecho. el 19 de febrero de 1877. afirma Vincent d’Indy en la biografía de su maestro César Franck (1822-1890) publicada en 1909. violonchelo y piano en Sol menor. 74 Los aspectos novedosos de este cuarteto tuvieron una importante recepción entre los jóvenes compositores del momento. escrito en 1899. Schoenberg se centra en representar musicalmente la evolución de los sentimientos antes que en narrar simplemente la historia y divide la obra en cuatro secciones y una coda. tal y como ya se ha señalado. la tercera sección representa la reacción del hombre y su tristeza. quiso programar un cuarteto de Smetana. aunque esté más cerca de una fantasía en torno a tres temas: angustiado y violento el primero. se impone otro movimiento rápido que se inicia de forma alocada con el trémolo de los cuatro instrumentos. Y. En alguna ocasión. en la cuarta se produce un inesperado cambio a Re mayor cuando el amor del hombre le permite superar el trance y escuchamos el tema principal transfigurado. Mozart no podía saber al abordar sus Cuartetos “Prusianos” que tan solo le quedaba un año de vida. y que culminó en enero de 1890. debe ser una obra de madurez”.Precursores y epígonos. el joven compositor vienés estudió a fondo también el primer cuarteto de compositor checo y la huella de ambos es posible detectarla en su sexteto Verklärte Nacht. Mendelssohn y Brahms. el insomnio. pero también le reportó alguno de sus éxitos públicos más relevantes. meses antes de su fortuita muerte atropellado por un coche 75 . * * * “El cuarteto de cuerda. denso y concentrado. a Josef Srb: “En esta obra he querido representar en música el discurrir de mi vida”. la obra fundamental del estilo tardío de Smetana es su Cuarteto nº 2 en Re menor. T. y el resultado fue un ejemplo único en la tradición de la música de cámara al utilizar un programa. Sin embargo. de un buen cuarteto fechado durante su juventud. para terminar. un ejemplo fue Arnold Schoenberg (1874-1951). aforístico. la última obra camerística de Franck. en la que se incluye el angustiado tema principal y su tormentoso desarrollo. al valerse no solo de la dramática tonalidad de Re menor sino también del empleo de un programa que determina un discurrir musical determinado. T. D’Indy trata de introducir con su comentario el Cuarteto en Re mayor. que acababa de fundar en Praga una institución permanente de música de cámara para cuyo concierto inaugural. perteneció siempre a su esfera más íntima. un Presto algo desequilibrado pero con aromas de polka y en el que Smetana utiliza como tema principal el aria de Rarach de su ópera Čertova stěna (El muro del diablo). centro y periferia La música de cámara. lo que hizo que pocos años después fuera relacionada con las tendencias musicalmente más modernas. Cuando uno espera un movimiento lento. en el paradigma del estilo tardío de cualquier compositor. entre otros. consta de cuatro movimientos. plácido y tranquilo el segundo. La obra concluye con una coda que adopta la forma de un himno a la naturaleza y a la redención del amor en la que se respiran aires wagnerianos. Tal como confesó el compositor por carta. era ya muy avanzada”. en lugar del scherzo.

Según dejó Lekeu por escrito. el movimiento final. el origen de la obra parece ser que estuvo en una sonata que planeó escribir en 1858 para Cosima. Scherzo. curiosamente. en diferentes movimientos. el 26 de septiembre de 1886. dejando incompleto su Cuarteto para cuerda y piano en Si menor. Por su parte. el novio optó por estrenar su regalo y tocó la sonata a primera vista junto con la pianista Marie-Léontine Bordes-Pène. 9 de Franck presenta una estructura en cuatro movimientos. encontramos una forma sonata con el desarrollo muy simplificado y cuyo apasionado segundo tema deriva del motivo cíclico. cuando llegó el momento de tocar la obra de Franck ya se había hecho prácticamente de noche y. es su obra maestra y en ella combina un equilibrio muy personal entre el material musical y la temperatura expresiva y espiritual. ante la prohibición que había de utilizar luz artificial en el lugar.de caballos cuando. En el segundo movimiento. El tercer movimiento. cada uno con sus propios temas. Poco lento – Allegro. pero transformado. que aparece marcado como Allegro ben moderato y funciona como introducción. Ambos la estrenarían en público en diciembre de ese año en el Musée Moderne de Peinture de Bruselas como colofón a un maratoniano concierto que se había iniciado a las tres de la tarde. Al igual que vimos en el cuarteto. según testimonio de Vincent d’Indy. aunque en orden inverso. Recitativo fantasia. no por casualidad había confesado que su credo musical se resumía en la expresión: “Me mato por poner en mi música toda el alma”. nada más terminar su Sonata para violín. Lekeu inició la composición de su Cuarteto con piano en enero de 1893. que estuvo presente. La Sonata para violín y piano en Sol mayor. La misma mañana del enlace del violinista belga con Louise Bourdeau de Coutrai. la hija de su amigo Franz Liszt. como regalo de boda para el violinista Eugène Ysaÿe. Al inicio del Finale vuelven a sonar los temas principales de todos los movimientos precedentes. En el segundo movimiento. pocos días más tarde. que era una de las invitadas a la ceremonia. constituye una de las creaciones más personales del compositor belga. es un rondó cuyo tema principal deriva del motivo cíclico que se expone en forma canónica. Ben moderato. el Très animé. Ysaÿe se había quedado fascinado con la personalidad musical de Lekeu tras escuchar Andròmede. al inicio del primer movimiento. y el compositor los combina con nuevas ideas en una brillante forma sonata. que Lekeu escribió con tan solo veintidós años. Seis años después de la Sonata de César Franck. su principal obra camerística sigue siendo la Sonata para violín y piano en La mayor. El Larghetto que sigue. donde gritos de sufrimiento siguen a largas llamadas de felicidad”. indicado como Allegretto poco mosso y uno de los más populares de Franck. se opone un ambiente misterioso y mendelssohniano en forma de moto perpetuo constantemente interrumpido frente a un Trio más tranquilo y apasionado que reaparece nuevamente en la coda. y que es lo primero escrito por Franck de esta obra. M. iba a cumplir sesenta y ocho años. se inicia con un tema tierno y melódico que conforma el estribillo de un rondó de melancólicos episodios. dos años más tarde falleció de resultas de unas fiebres tifoideas. Allegro. Ysaÿe encargaría otra obra similar a uno de los mejores alumnos del belga y que. en 1886. El primero. el compositor no renuncia a incluir un motivo cíclico que reaparecerá al final de la obra y que escuchamos al principio expuesto por el primer violín en fortissimo sobre la indicación molto largamente e sostenuto. en la que perseguía lograr una cohesión absoluta entre todos los movimientos a la par que una total unidad de conjunto sin que ningún instrumento fuese protagonista o estuviera subordinado. Durante el verano de ese año pudo concluir el primer movimiento. tras su muerte. “donde miles de sentimientos chocan. Aunque el éxito de esta obra fue el más importante que tuvo Franck en toda su vida. cuyo segundo movimiento sería completado por su maestro D’Indy. que antepone en ella el lirismo a cualquier consideración formal y construye a partir del tema cíclico un onírico recitativo entre los dos instrumentos. recién casado por entonces con el director de orquesta Hans von Bülow. Precisamente. M. 8 que escribió tres años antes. el poème lyrique con que había ganado el segundo Premio de Roma belga en 1891. inspirada en “Dios” (la forma en que solía nombrar a Beethoven). Desgraciadamente. que fue estrenado privadamente con la intervención de los dos violinistas a quienes está dedicada la obra. Dans un emportement douloureux constituye el marco sentimental de la obra. al inicio escuchamos el intenso motivo principal expuesto por el piano sobre un siniestro tapiz de la cuerda y al que más adelante opone otro más 77 . D’Indy en su referida monografía de 1909 califica esta obra de Franck como “el modelo más refinado de uso cíclico de temas en una sonata”. Intentaría con esta nueva composición crear una forma nueva y personal de música de cámara. incluye en realidad dos movimientos en uno. se refiere a la técnica que Franck desarrolló a partir de 76 Liszt y que consistía en el uso de un mismo tema. había proseguido sus estudios con Vincent d’Indy: Guillaume Lekeu (1870-1894). El estreno se celebró el 19 de abril de ese año en los conciertos de la Société Nationale en la Salle Pleyel y fue un éxito impresionante: el compositor tuvo que comparecer en escena ante un público entregado y a la salida confesaría a sus allegados: “¡Parece que el público empieza a comprenderme!” El Cuarteto en Re mayor. los tres últimos movimientos de la obra fueron estrenados de memoria y completamente a oscuras por Ysaÿe y Bordes-Pène. escuchamos por vez primera el motivo cíclico expuesto por el violín. Eugène Ysaÿe y Matthieu Crickboom.

Al mismo tiempo. que redacta entre el 11 de noviembre y el 9 de diciembre de 1895. Un ejemplo de ese furor es la balada sinfónica Voyevoda op. sin embargo. un músico nada proclive en halagos a colegas compositores. A pesar de sus convicciones contra la inmadura juventud. si realmente estaba teniendo problemas económicos o si fue como consecuencia de la tuberculosis que ella había contraído. 106 (B. y tras un viaje a Florencia y la culminación de la ópera Picovaya Dame (La dama de picas) cuando Tchaikovsky encontró el momento.lírico. En 1887 había hecho una promesa a la Sociedad de Música de Cámara de San Petersburgo de componer una obra en agradecimiento por su nombramiento como miembro honorífico. estaba muy satisfecho. En octubre de 1890. El Adagio ma non troppo es uno de los momentos más bellos de la obra camerística del compositor checo. que recuerdan al último Beethoven. según confesó a su hermano Modest. que conforma una brillante forma sonata en la que el compositor inserta en la reexposición una fuga a seis voces de la que. D’Indy consideró siempre a Lekeu como un genio y no dudó en terminar su obra póstuma (intervendría también en el último movimiento de su temprana Sonata para violonchelo de 1888). para luego seguir el resto de la forma sonata con alguna licencia personal. en el que Lekeu pretende “mostrar al amor como fuente de dolor”. escribió sobre este joven malogrado lo siguiente: “Este Lekeu es el único músico que conozco que realmente ha sido inspirado por Beethoven”. El Sexteto en Re menor op. y a consecuencia de la cual moriría unos meses más tarde que Tchaikovsky. pero no fue hasta 1890. op. con ese aire encantador de canción popular checa. La primera obra que escribe a su regreso es el Cuarteto nº 13 en Sol mayor. tras el estreno de la obra cambió de idea y atribuyó ese final al declive de su poder creativo. Incluso Claude Debussy. El segundo movimiento. El tema principal es una ardiente y lírica plegaria de ecos populares que incluye una bella alternancia de modo mayor y menor. Los dos movimientos finales tienen ma78 El arranque del estilo tardío en Antonín Dvořák (1841-1904) suele asociarse con el regreso a Praga en abril de 1895 tras su estancia americana. que funciona como un intermedio. Un ejemplo de esto último lo encontramos en el inicio del Allegro moderato. concretamente en junio. el nº 14 en La bemol Mayor. había empezado en Nueva York el que sería su último cuarteto. y aun orquestales. yor influencia folclórica rusa: el Allegro moderato. se trata de un ejemplo de la música más radical y desoladora jamás escrita por Tchaikovsky. introducido por un breve y vaporoso Andante sostenuto que parece improvisado y tiene claras reminiscencias del estilizado furiant checo. especialmente. el segundo tema se parece más a una canción con fragancias checas. si fue por presiones familiares. en el desarrollo. La obra termina con un Finale con forma de rondó. que inició precisamente en los días en que recibió esa trágica misiva de su benefactora. Dvořák añade una intensidad e incandescencia casi orquestal. pero lo terminará después del op. 193). pero lo cierto es que esta ruptura desató en el compositor ruso una furia creativa que situó sus últimas composiciones en una esfera diferente. 79 . 78. la filántropa Nadezhna von Meck escribió su última carta a Piotr Ilych Tchaikovsky (1840-1893) y en ella ponía fin a su mecenazgo por supuestos problemas económicos. especialmente el segundo de ellos. El tercer movimiento es un scherzo de brutales acentos rítmicos con dos tríos que suponen un contraste melódico. por la ópera. en realidad. Nunca ha estado claro si esa ruptura estuvo motivada por el escándalo social relacionado con la noticia de que Tchaikovsky era homosexual. tiene el carácter de un nocturno. 192). Le sigue el Andante cantabile e con moto con forma ABA y bellamente cantado por violín y violonchelo con acompañamiento de pizzicati. aunque paradójicamente se trata de un movimiento que emana tranquilidad y resulta emotivamente sobrio. 105 (B. que fue concluido por D’Indy. Se inicia con un Allegro con spirito que arranca sin introducción y con ímpetu con una forma sonata y tres temas engarzados como si de una impetuosa coreografía se tratase. luminosa y encantadora en cuatro movimientos. un rápido aleteo y un descenso en tresillos. “Souvenir de Florencia” fue la última composición de Tchaikovsky que escribió bajo el mecenazgo de Nadezhna von Meck y también su última partitura de música de cámara. y en el que Tchaikovsky cultiva esa ecuación musical idealmente rusa de nostalgia y vivacidad rítmica. y el Allegro vivace final. se interesa por la música programática y. que plantea un increíble reto al oyente y en la que podemos reconocer algunos ecos de lo que sería poco tiempo después su Sinfonía “Patética”. 70. 106 ya de vuelta en Praga (de ahí esa curiosa paradoja en el número de opus). se trata de una etapa en la que contempla los elementos checos con una renovada mirada. El Cuarteto en Sol mayor marca un alejamiento de los elementos musicales de su estilo americano hacia unos contornos más clásicos. por el contrario. Lent et passioné. op. Ese juego se traslada a todo el movimiento con una densidad de escritura nuevamente orquestal que culmina en un clímax indicado como Grandioso y donde los cuatro músicos interpretan el tema en sonoros acordes. cuyo primer tema resulta de la peculiar combinación de dos saltos. para tomarse un respiro y escribir esta obra apasionada. un regreso a los aromas checos y un avance hacia planteamientos musicales más concentrados.

lo que muestra su fascinación o quizás identificación con este personaje de la commedia dell’arte que en su versión francesa era un mimo triste y cuya máscara escondía a un ser lleno de anhelo y deseos insatisfechos. las dos compuestas en modo menor. en las que el compositor bávaro diseña un esquema de sonata neobarroca en cuatro movimientos lento-rápido-lento-rápido que llena de una música sencilla e intemporal. este compositor bávaro es la personificación del antimoderno. I contain multitudes” (“Soy inmenso. lo que muestra el protagonismo que tiene en la obra. y en las que el compositor combina la sencillez clásica con ecos de expresividad cromática. Por un lado. En 1909. su obra fue capaz de combinar relecturas de estos tres compositores que no desentonan con una época que caminaba de forma decidida hacia el modernismo. llena de hallazgos geniales casi únicos”. Aunque tan solo pudo completar las tres primeras sonatas del proyecto. un tema con variaciones que es un claro homenaje a su admirado Johannes Brahms. y que mantiene las proporciones de un allegro de sonata. Debussy avisa en la partitura al pianista que no debe luchar contra el violonchelo. y la última iba a combinar todos los instrumentos utilizados en las cinco anteriores. Debussy retomaría la composición. pero añadiendo un lenguaje nuevamente sencillo. situando el scherzo tras el primer movimiento. escucharemos en este ciclo dos de las tres Suites para viola op. Como ejemplo de la primera corriente. 146 no solo es un buen ejemplo de la referida tercera corriente. tras más de un año sin escribir prácticamente nada. la parte de violonchelo está llena de efectos como pizzicati con portamentos o armónicos que evocan el sonido de la guitarra o la flauta. sin embargo. las tres que no pudo concluir iban a ser para oboe. trompa y clave. En cierto modo. En mí habitan multitudes”). que combina nobleza y melancolía. En alguna biografía de Reger se ha retratado a este compositor con la famosa sentencia de Walt Whitman: “I am vast. 131d que Reger escribió en 1915. La primera de la colección fue la Sonata para violonchelo y piano. Mozart o Brahms. op. cuando su música adquiere un aire más equilibrado y menos pretencioso. El Quinteto para clarinete y cuerda en La mayor. Debussy fue diagnosticado de cáncer y la enfermedad avanzó los años siguientes hasta que. En cierto modo. 80 Musicien(s) français No resulta fácil definir el estilo tardío de Claude Debussy (1862-1918). Inicialmente pensó titularla “Pierrot enfadado con la luna”. Debussy insistió en publicar cada obra bajo el título conjunto de Six Sonates pour divers instruments (“Seis sonatas para diversos instrumentos”) y firmarlas con su nombre seguido de la muy significativa apostilla musicien français. El Finale se inicia sin pausa 81 . Sigue una Sérénade que quizás evoque al desventurado Arlequín dándole un serenata a la indiferente Colombina. muestra cómo las obras escritas por el compositor francés en torno a los años de la Gran Guerra coinciden con las dos definiciones que hemos visto de estilo tardío. Marianne Wheeldom. A la segunda corriente de inspiración neoclásica pertenecen las doce pequeñas piezas para piano tituladas Träume am Kamin (Sueños junto a la chimenea). que el compositor denominó precisamente “estilo de Jena”: la corriente neobarroca que se manifiesta en su predilección por el estilo fugado y en la que retomó con nuevas miras la obra de Bach. Por otro lado.si bien añade a modo de contraste reminiscencias de la introducción y de temas ya escuchados en los movimientos precedentes. su reencuentro y puesta al día del clasicismo mozartiano. en diciembre de 1915. sino acompañarlo. áspero y desequilibrado de su lenguaje tardío lo encontramos en su ballet Jeux (1912-1913) junto a esa voluntad deliberada de ir contra las convenciones musicales establecidas. que no se dejan simplemente seducir por lo moderno. al que sigue un tiempo lento y. requirió una operación y comenzó un tratamiento con radiación. en este caso. Reger parte de los antecedentes en este tipo de formación escritos por Mozart y Brahms. y especialmente después de su retirada en 1913 a la ciudad turingia de Jena. La estructura sigue el esquema habitual de las obras camerísticas de Reger. La obra se inicia con un Prologue. para trompeta. op. al igual que sucede con la mayor parte de los compositores del siglo xx. para iniciar un proyecto con el editor Jacques Durand que consistía en componer seis sonatas para diversos instrumentos como homenaje a los maestros franceses del siglo xviii: “Nada puede excusarnos de haber olvidado la tradición inscrita en la obra de Rameau. combinando lo neoclásico con lo decadente y otoñal. aunque con su estructura completamente alterada. concretamente. que datan igualmente de 1915. que se mantienen siempre alerta. lo rugoso. 143. en su reciente monografía sobre el tema. sino que constituye además su última composición terminada en marzo de 1916. fagot y piano. clarinete. y que no desdeñan ninguna posibilidad estética. Ese mismo año de dolor y sufrimiento. y el estilo posrromántico de herencia brahmsiana y cromatismo postristanesco que le hizo acercarse al expresionismo de Schoenberg. En la obra de Reger confluyen tres corrientes que se intensifican en su etapa tardía. sus Sonatas para diversos instrumentos (1915-1917) o sus Estudios para piano (1915) muestran un espíritu de reconciliación y una voluntad de aportar algo a una tradición que le precede. No puede sostenerse hoy sin más que Max Reger (1873-1916) fuera un epígono tardío de Bach. de esos modernos en dificultades con los tiempos modernos. sin aparentes contrastes y donde también halla cabida algún destello impresionista. que Debussy escribió casi como un arrebato entre finales de julio y principios de agosto de 1915. un año antes de su muerte. tan solo dos meses antes de su repentina muerte.

El Finale es un scherzo que resulta bastante contradictorio. es posible que fuera en 1920. pero al final regresa victoriosa esa supuesta cita de Leoncavallo que se escucha todavía con mucha más claridad. La obra se inicia con un Allegro moderato que vuelve a tener dos desarrollos y una coda. y que le ocuparía los meses de septiembre y octubre de 1915. pero Fauré mantuvo su habitual orden de empezar por el movimiento lento durante el verano de 1923. siempre lo había evitado con el fin de eludir comparaciones con los cuartetos de Beethoven o Brahms. el finale de esta sonata dispone de una curiosa deformación al participar en el juego con un tema simple que se vuelve una y otra vez sobre sí mismo. ese año se retiró del Conservatoire 82 . problemas respiratorios y hasta algo de sordera. Andante. que habría de situarse entre el primero y el segundo. El Andantino que sigue presenta una forma ABA y hace gala de una gran inspiración lírica y emotiva. Fauré odiaba el verismo y se ofendió mucho cuando le preguntaron por ello tras el estreno. presenta un sensual y misterioso pasaje central que evoca un ambiente vaporoso a través de efectos en el instrumento de cuerda y cierta suspensión temporal. Tras la Sonata para violonchelo y piano. 14). en 1920 incluso tendría el honor de recibir la Gran Cruz de la Legión de Honor. pensó en trabajar en una serie de obras que coronasen su catálogo: la Sonata para violonchelo y piano nº 2. no puede decirse que el estilo tardío determinase una reconciliación o una ruptura: simplemente siguió adelante en una asombrosa progresión creativa. El Finale tiene una estructura muy 83 * * * “Si vive hasta los cien años. 117. tan solo en la parte central del movimiento hay un pasaje con la indicación “Con morbidezza” en el que se representa la angustia y la soledad. El segundo movimiento. arpa y viola. y el estreno se celebró en mayo de ese año en la Salle Gaveau de París en la que sería la última aparición pública del compositor. está formalmente a medio camino entre el Lied y el rondó. op. los dos temas de la exposición son muy melódicos. si hay que marcar un año de comienzo del estilo tardío en Fauré. El Trío para violín. 120 consta de tres movimientos. ¿hasta dónde llegará?” Esta pregunta se hicieron varios amigos de Gabriel Fauré (1845-1924) en junio de 1923 tras la exitosa interpretación de su Trío para violín. El Intermède (Fantasque et léger) es un movimiento muy irónico. tras exponer sus dos temas. el Quinteto con piano nº 2. como vimos. El movimiento añade y elabora dos temas más. con la original combinación instrumental de flauta. a medio camino entre el ostinato rítmico y la edulcorada melancolía. algo bastante excepcional en un músico. 120 y el Cuarteto de cuerda op. y. violonchelo y piano op. siguiendo el encargo del editor Jacques Durand. pero ya convertido en una persona muy enferma y mermada. op. seguido del inicial (en el que reutilizó material temático de su juvenil Concierto para violín op. En su caso.alguna y mantiene el ambiente jovial con ecos de Parfums de la nuit de Iberia. el ciclo de canciones L’horizon chimérique y el Nocturno nº 13. como una serpiente que se muerde la cola”. pues es introducido por una sección cuyo tema principal parece ser una cita del famoso ““Vesti la giubba” de la ópera Pagliacci de Leoncavallo. Así. La composición fue lenta debido a su estado de salud. op. que termina dialogando de forma más intensa con los dos instrumentos de cuerda. está construido sobre dos temas muy melódicos entre los que apenas hay contrastes. pero quizás optó por escribirlo siguiendo el ejemplo de César Franck que. seguía en plena forma a nivel creativo. resulta un movimiento de perfil inquietante y diálogo sobrenatural. La composición de su Sonata para violín y piano abarcó los meses de febrero y marzo de 1917. a menudo son el producto de una mente oscura y malhumorada. Se inicia con un Allegro ma non tropo en forma sonata con dos desarrollos. 121. también escribió su único cuarteto al final de su vida. la sección central le confiere el protagonismo al piano. a sus setenta y cinco años. aunque enseguida vuelve a enfundarse el disfraz y todo vuelve a la normalidad. después vendría su recaída de diciembre. la operación y la radioterapia. se diferencian principalmente por la extensión y son manejados con gran invención en los dos desarrollos. violonchelo y piano en Re menor. El Cuarteto de cuerda en Mi menor. incluso con procedimientos canónicos. 115. el tercer movimiento tardó casi un año en escribirlo e incluso dejó algún esbozo para un cuarto movimiento. Se inicia con un Allegro vivo que. 121 fue la última composición de Fauré y también el último género camerístico importante que le faltaba por cultivar. Debussy abordó inmediatamente la siguiente obra del proyecto. escribió entre 1922 y 1924 dos obras maestras con las que culminó su catálogo: el Trío con piano op. Tras empezar a tener importantes achaques se recluyó y. En realidad. El compositor francés no pudo retomar el proyecto hasta finales de 1916. 120 por el conjunto formado por Alfred Cortot. La obra termina con un Finale (Très animé) en forma de rondó cuyo tema principal gira sobre sí mismo y fue explicado por el compositor a su amigo Robert Godet con esta palabras: “Ten cuidado a partir de ahora con las obras que parecen habitar los cielos. Siguieron homenajes en La Sorbona en presencia de las principales autoridades y éxitos importantes gracias a sus óperas Pénélope y Prométhée o al Réquiem. que contaba setenta y ocho años y tenía numerosos achaques como esclerosis. op. Jacques Thibaud y Pablo Casals. El compositor de Pamiers.

la inició en agosto de 1939. que fue el que la estrenó. inquietantes y grotescos. como. por ejemplo. que concluyó en marzo de 1944. de 1928. se inicia con una mecedora melodía de aire eslavo que se vuelve cada vez más nerviosa o evoluciona hacia 84 Las dos últimas composiciones camerísticas de Béla Bartók (18811945) estuvieron marcadas por el inicio de la Segunda Guerra Mundial. yo me quedé parado y después corrí hacia ella”. la muerte de su madre y su posterior exilio en Estados Unidos. aunque en algunas ocasiones adquiere mayor protagonismo. la música queda como suspendida y camina lentamente hacia un irremediable abismo donde una última cita del ritornello sirve de despedida. “Cartas íntimas”. ¡Cómo me regocijo con ello! Allí estaré solo contigo. Al final de la composición. Bartók ya no escribiría más cuartetos. Concretamente el Cuarteto de cuerda nº 6 (Sz. los diferentes estados de ánimo del compositor cuando se declaró a su amante. pero durante su exilio estadounidense sí que llegaría a aceptar el encargo de un joven violinista llamado Yehudi Menuhin y de él acabaría surgiendo la Sonata para violín solo (Sz. La obra se inicia con un Andante donde se evoca de forma rapsódica la impresión que produjo al compositor la primera vez que vio a su amante en el balneario de Luhačovice utilizando la viola como narradora. de repente. y está construido con gran virtuosismo a partir de dos temas expuestos por la viola que retratan el estallido del amor en medio de los vapores del balneario. por ello suele considerarse que este cuarteto constituye su testamento musical y algunos estudiosos. la composición más relacionada con esta historia de amor entre el sexagenario Janáček y la veintañera Stösslová es el Cuarteto nº 2.clara de forma sonata. No obstante. mientras seguía un tratamiento contra la 85 . lo consideran más avanzado que los cuartetos de Debussy o Ravel. Lo he llamado ‘Cartas de amor’. cada movimiento sigue su propio camino. ella sería la inspiradora de los papeles principales de tres de sus óperas: Katia en Katia Kabanová (1921). En una carta. la tonalidad asociada con Katia Kabanová en la ópera homónima. Moderato. tocada por la viola o el violonchelo a modo de ritornello al principio de cada uno de los cuatro movimientos de la obra y que se indica como “Mesto” (“melancólico”). sombría y melancólica. Sin embargo. el uso del efecto sul ponticello con sordina. en el cuarto movimiento. aunque en realidad proviene del final del “più mosso pensante” intermedio y evoluciona hacia una forma sonata inspirada en aires folclóricos que mezcla sones nerviosos. En la Marcia expone el ritornello el violonchelo con trémolo de violines y sigue un movimiento que opone la ironía de la marcha a una especie de amanerado pregón. El Finale arranca con una danza rústica que es interrumpida por citas de los movimientos anteriores o de la ópera Katia Kabanová hasta que llega ese impresionante final con trémolos alocados y disonantes que representan esa impactante imagen del compositor en éxtasis con su corazón arrancado. JW VII/13. Vientos del este (y del oeste) El estilo tardío de Leoš Janáček (1854-1928) estuvo marcado por una mujer. presenta un insistente lenguaje ostinato unas veces desnudo y otras intenso. mientras veraneaba en Saanen en casa de Paul Sacher y la concluyó en noviembre. que en algunas progresiones y crescendi refleja una tensión casi alucinatoria y culmina en una coda tan irresistible como desconcertante. en la escritura del conjunto muestra su interés por conseguir efectos tímbricos sorprendentes para expresar sus sentimientos. Este cuarteto rezuma desesperación de principio a fin y esa desesperación se materializa en el uso de una misma idea temática. Le sigue la socarrona y descarada Burletta. 117). la Misa Glagolítica (1926) y la Sinfonietta (1926). también influyó en la composición de El diario de un desaparecido (1920). el inicio muestra la agitación por medio de los trinos de la viola y sus intervenciones sul ponticello o en ostinato describen los ambientes brumosos y formales del balneario moravo. El estreno se retrasaría hasta 1941. que se celebró el 12 de junio de 1925 en el Conservatorio de París. en la que se introducen cuartos de tono en los violines y todavía es mayor el contraste con el ritornello. El propio compositor explicaría por carta a su amante los planes de esta nueva obra con total detalle: “He comenzado a componer algo hermoso que contendrá nuestra vida. el ritornello se impone y ello paraliza la obra. cuando el compositor ya se había trasladado a Nueva York. Janáček optaría por titular su nuevo cuarteto “Cartas íntimas” para evitar el escándalo y optaría por reemplazar la viola d’amore por una viola convencional. la zorrita en La zorrita astuta (1924) o Emilia Marty en El caso Makrópulos (1925). aunque el material temático se acerque más al de un rondó o incluso un scherzo. Molto tranquillo. ella se quedó en silencio. 114) fue la última partitura que terminó en suelo húngaro. ensangrentado y palpitante sobre su cabeza. Una vez escuchada esta idea. Fauré no vivió para asistir al estreno de esta obra. Por ejemplo. corrió y se detuvo de nuevo. y con ello cambiaría también la dedicatoria: de la inicialmente prevista al Cuarteto Húngaro se pasaría al Cuarteto Kolisch. El tercer movimiento. Sin embargo. Kamila Stösslová. con la que mantuvo una relación amorosa extramatrimonial desde 1917 hasta su muerte. Nadie más que nosotros”. el compositor recuerda la anécdota: “Pareció que la tierra se abrió de golpe cuando se lo dije. Un instrumento tan solo será el narrador durante toda la obra: la viola d’amore. Se trata de la última obra importante del compositor húngaro. como Harry Halbreich. el tema principal del Vivace parece derivar en un principio de la idea temática del ritornello. El Adagio que sigue está en la tonalidad de Si bemol menor.

aunque no en el sentido neoclásico. y un Presto construido como movimiento perpetuo con tres secciones adicionales. una segunda versión de esta obra que el pianista Franz Langer estrenó en el festival de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea de Ginebra fue la que despertó la atención internacional sobre Ullmann. No obstante. como los cantantes Walter Windholz y Hedda Grab-Kernmayr. De la tremenda complejidad contrapuntística pasamos en los dos movimientos siguientes al estilo folclórico del compositor húngaro: una Melodia de escritura más sencilla y estructura ternaria. no son elementos ‘estructurales’ y.]. por tanto. ayudado también por el efecto vaporoso que añade el uso de la sordina y los armónicos. pero al año siguiente tuvo que abandonarlo para trabajar en el Nuevo Teatro 86 . la segunda de la cuales hace expresa referencia al primer movimiento con la intención de concluir la obra de forma cíclica. que por entonces dirigía Alexander von Zemlinsky. El azar hizo que los manuscritos de las composiciones de Ullmann fueran conservados gracias al filósofo Emil Utitz. y entonces decidir si vale la pena utilizar los cuartos de tono”. En ellas podemos verificar su permanente preocupación acerca de la realización de algunos pasajes que el compositor juzgaba quizá demasiado difíciles y ante los que siempre se mostró abierto a atender las sugerencias del violinista. varias canciones sobre poemas de Conrad Ferdinand Meyer o su Sonata para piano nº 6. esto es. fue recluido junto a su esposa en el campo de concentración de Theresienstadt. tal como suele ser habitual en la actualidad. una cuestión muy particular es la negativa de Menuhin a tocar cuartos de tono en el Presto final de la Sonata.leucemia en Asheville y que sería estrenada en Nueva York en noviembre de ese año. en esos años asistió a los cursos de Alois Hába sobre la composición en cuartos de tono o consiguió en dos ocasiones el Premio Emil Hertzka tanto por la orquestación de sus Variaciones sobre un tema de Schoenberg como por su ópera Der Sturz des Antichrist (La caída del Anticristo). pueden ser eliminados. pues a los dos primeros más estrictos le siguen otros dos más livianos. que Ullmann escribió en 1943. se inicia con una contemplativa reminiscencia del Finale de la Sinfonía “Pastoral” de 87 * * * El estilo tardío del compositor checo Viktor Ullmann (1898-1944) estuvo determinado por su reclusión en 1942 en el campo de concentración nazi de Theresienstadt (hoy Terezín). Entre todos ellos destaca su Cuarteto de cuerda nº 3. haciendo críticas en el periódico Der Auftakt o también programas de radio. donde pronto se convirtió en una de sus principales figuras musicales. Alemán de Praga. tal como he hecho en las alternativas de la última página. Allegro moderato e semplice. Ullmann había coqueteado en sus inicios con la Segunda Escuela de Viena e incluso había formado parte en 1918 del seminario de composición de Arnold Schoenberg. 46. Resulta interesante conocer algunos detalles de la obra a través de las cartas que envío Bartók al joven Menuhin. op. la violinista Isabelle Faust utilizará la versión con los cuartos de tono en el movimiento final. El 8 de septiembre de 1942. pues desde luego no nos hemos sentado junto a las aguas de Babilonia para llorar. Ullmann fue trasladado junto a su esposa a Auschwitz en uno de los llamados “transportes de liquidación” y ambos fueron gaseados el 16 de octubre de 1944. algo que el compositor explicó en una carta fechada en abril de 1944: “Los cuartos de tono del cuarto movimiento son simplemente un efecto tímbrico. lo mejor sería que pudiera tocar ambas versiones.. Ullmann consiguió salvar algunas imprimiéndolas por su cuenta y confiándoselas a un amigo. Precisamente. Menuhin optó por la versión sin ese efecto tímbrico. la pianista Edith Steiner-Kraus o el director de orquesta Rafael Schächter: “He escrito un buen montón de nueva música en Theresienstadt [. La primera parte.. El segundo movimiento es una Fuga de impresionante virtuosismo y cuyo sujeto vuelve a ser un claro homenaje a Bach. dirigiendo el Studio für Neue Musik. Se trata de una obra en un movimiento continuo que se subdivide en cuatro partes como reflejo de los cuatro movimientos tradicionales del cuarteto de cuerda. enseñando. se corresponde en realidad con una forma sonata con dos temas que oponen la polifonía a la línea melódica. y nuestro deseo de cultura se ha visto alimentado por nuestro deseo de vida”. su interés por el expresionismo vienés quedó patente por entonces en sus Variaciones y doble fuga sobre una pieza para piano de Schoenberg (1925) basadas en el op. Sin embargo. que puede utilizar si no le parece interesante tocar los cuartos de tono. Todo lo que quiero subrayar es que Theresienstadt ha ayudado más que obstaculizado en mi trabajo musical. Se inicia con un Tempo di ciaccona que trata de tender un puente hacia las variaciones bachianas. Entre las obras que Ullmann escribió y estrenó en Theresienstadt destaca una versión dramatizada de las baladas de Villon. 19 nº 4 del compositor vienés (el pasado año pudo escucharse en el Liceo de Cámara la versión cuartetística de esta pieza interpretación del Cuarteto Arditti). donde se representa la nostalgia del compositor. aunque en la edición crítica de esta Sonata se incluyeron ambas versiones y. lo que le permitió seguir componiendo e incluso también escribir críticas o hacer música junto a otros reclusos. La obra está construida en cuatro movimientos perfectamente equilibrados. Aunque muchas de sus composiciones fueron destruidas durante la ocupación alemana de Praga. La llegada de los nazis al poder en 1933 obligó al joven compositor checo a volver a Praga y los años siguientes los pasó como músico freelance. que sobrevivió a Theresienstadt.

la última ópera suya estrenada en ese teatro en octubre de 1942. en las semanas previas a la rendición de Berlín que marcó el final de la Segunda Guerra Mundial. 129. sobre la que Strauss escribe en la partitura un sentido “In Memoriam”. que es una especie de scherzo. que apareció en 1990 en Suiza y hoy se conserva en la Bayerische Staatsbibliothek. la escribiría ya en Garmisch algunos meses más tarde y casi como una forma de evadirse de la noticia de la destrucción de la Ópera de Múnich. en los momentos más duros de 1943. 88 Amistades tardías (tras el Telón de Acero) A finales de los años sesenta. y como queda patente en esa obra. la abuela de su nuera Alice. Ese mismo año. se inicia con un tema áspero y breve que pasa por todos los instrumentos y desemboca en la contemplativa reminiscencia beethoveniana del principio. violas y violonchelos con un contrabajo. fue en 1943. Esta versión de Leopold incluye todas las variaciones que sufrió la partitura de Strauss en su adaptación para veintitrés instrumentos de cuerda y fue estrenada en junio de 1994 por miembros de la Filarmónica de Viena en la que fuera la residencia privada del compositor en Garmisch. la Sonatina para instrumentos de viento nº 2. y cómo después cambió de idea tras recibir un encargo de Paul Sacher de una composición para su Collegium Musicum. febril y sinuosa. El Allegro vivace e ritmico que cierra la obra se inicia con un estilo contrapuntístico muy efectivo y colorista al disponer de trémolos y pizzicati. Strauss encontró en la composición un refugio ante la sinrazón que le rodeaba. que incluye una sección central repentinamente agitada. y que demuestra cómo Strauss había concebido inicialmente esta obra para una formación de septeto formado por parejas de violines. un estudio para veintitrés instrumentos solistas de cuerda que fue inspirado por la referida noticia de la destrucción de la Ópera de Baviera. De todas formas. Esta realización no es un simple arreglo y está basada en un manuscrito del compositor. ese tema se transforma al final en una cita de la Marcia funebre de la Heroica de Beethoven. Shostakovich escribió para él una sonata después de haberle obsequiado el año anterior por error con su Concierto para violín nº 2. y también más criticados especialmente fuera de la Unión Soviética. aunque quizás esta obra vaya mucho más allá y constituya un doloroso adiós a toda una época que había quedado completamente arrasada y transformada. y la concibió como un adagio bruckneriano de vastas proporciones. que plasmó en primer lugar en el Cuarteto de cuerda nº 12 en Re bemol mayor. y que termina diluida en el mar de belleza y transparencia del tema principal. los guardias de la SS lo tomaron por un chiflado y no le hicieron el menor caso. op. el cuarteto concluye en modo mayor con una breve cita de la contemplativa reminiscencia beethoveniana convertida ahora en un rayo de esperanza. Y es que hasta la propia Alice Strauss nunca sospechó las atrocidades que se practicaron en aquellos lugares en que perdió hasta veintiséis miembros de su familia. como cuando en marzo se quedó atrapado por una enfermedad de su esposa Pauline en Múnich durante unos días de intensos bombardeos. que la tocará también en Madrid. donde conviven varios temas en un contexto de cierta indeterminación tonal. Al parecer. Para el viejo Richard. Conviene aclarar que escucharemos Metamorphosen dentro de este ciclo en una realización para septeto de cuerda de Rudolf Leopold. Nada más llegar allí. 133. escrito en 1968. página idealmente mágica y de radiante musicalidad cuya estructura ternaria está presidida por una especie de declaración de amor puro e indolente. El Presto. precisamente. Richard Strauss (1864-1949) visitó en una ocasión el campo de concentración de Theresienstadt. curiosamente. Dimitri Shostakovich (1906-1975) inició algunos sorprendentes experimentos musicales que determinaron en parte su estilo tardío. fue su coqueteo con el dodecafonismo. Uno de los más peculiares. el dodecafonismo en manos de Shostakovich fue simplemente un recurso emocional que le permitió explotar las tensiones resultantes del uso de “series” cromáticas frente a tonalidades perfectamente afirmadas. y haciendo un alto en el camino desde Viena a Dresde. se acercó a la puerta y afirmó: “Mi nombre es Richard Strauss y quiero ver a Frau Neumann”. el anciano compositor pensaba que era un simple campo de trabajo para judíos antes de ser reasentados en cualquier otra parte y por esa razón se acercó allí para visitar a Paula Neumann. 89 . escribió su encantadora Sonatina para instrumentos de viento nº 1 como una forma de volver a los géneros cultivados en su juventud. es decir. la composición que mejor refleja el estado de abatimiento de Strauss durante la guerra es Metamorphosen (Metamorfosis). * * * En realidad. Strauss escribió esta obra entre marzo y abril de 1945 en Garmisch. subtitulada “El alegre taller”. Esta parte enlaza directamente con el Largo que se inicia con un desolador solo de viola al que van uniéndose lentamente los demás instrumentos. op. en el que el gran violinista David Oistrakh celebraba su sexagésimo cumpleaños.Beethoven. Uno de esos siete músicos era el contrabajista Alois Posch. ya en las anotaciones de su diario que siguieron a la invasión de Polonia en 1939 puede leerse entre líneas el vaticinio de la total destrucción de su querido país. que lo había dejado consternado. De hecho. y entre los que destaca una insistente repetición de la nota Sol en las violas seguida por un descenso con ritmo punteado. esa etapa final de su vida estuvo marcada por el dolor y el desánimo ante una guerra que consideraba una locura. Ese mismo año de 1943 había preparado una edición para sexteto del preludio de Capriccio.

op. el estilo tardío de Shostakovich también está marcado por su obsesión con la muerte. es una especie de scherzo cuyo tema principal se asemeja a la Malagueña de su Sinfonía nº 14. 144. complicado con una mielitis y problemas cardíacos. concretamente. Moderato. El Andante se inicia con la exposición e inversión en el piano de una serie completa de doce sonidos a la que el violín contrapone una melodía diatónica. significativamente. Shostakovich sigue su personal incursión en el dodecafonismo. 134. Mstislav Rostropovich. Britten viajó con el manuscrito de su última composición: la Suite nº 3 en Do menor para violonchelo solo. Beethoven” y. tras un pasaje de la viola sin acompañamiento del piano. mientras el compositor ruso programó un ensayo de su Cuarteto nº 13 en su piso. estuvo relacionado con el Festival “Días de Música Británica” que tuvo lugar en Leningrado y Moscú. la viola se queda sola y expone un monólogo. 87. ambos instrumentos se unen en el tema principal que deriva de la Sonata “Claro de luna” del compositor de Bonn. en especial. El Nocturno posterior presenta un ambiente ondulante e inestable y la Marcha fúnebre a continuación expone un tema rítmico al que responden intervenciones solistas de cada instrumento. en este movimiento encontramos también la primera autocita: un pasaje con aroma popular procedente de su Concierto para violín nº 2. siempre en compañía de Peter Pears. integrados por la técnica de la variación y unificados por una inspiración común en temas populares rusos extraídos de tres arreglos de Tchaikovsky y del kontakion o himno funerario 91 . es uno de los más abstractos de toda la obra de Shostakovich y representa una dramática conversación entre dos instrumentos donde parece que nadie escucha a su interlocutor. op. Ese viaje de Britten a Moscú. que precisamente había terminado de componer un mes antes en Aldeburgh. esta vez en fusas. Britten realizó un concierto privado en el apartamento de Rostropovich en el que él mismo tocó al piano su Suite nº 3 para violonchelo solo.Con la Sonata para violín y piano op. Aparte de los experimentos peculiares como el dodecafonismo. El último movimiento se inicia nuevamente con una cadenza del violín. a la vez que plantea una obra en tres movimientos (lento-rápido-lento) en la que se cita a sí mismo o introduce un curioso homenaje a Alban Berg. 87 de Britten se estructura en nueve movimientos sin pausas. el último de su catálogo. pero. fue la última obra que concluyó un mes antes de su muerte y. Ambos se dedicaron composiciones y tuvieron amigos en común. de gira por la Unión Soviética en esas fechas. Sigue una Serenata que se inicia con crispados crescendi en los violines y continúa con un tono sardónico. de Berg. acrecentada en 1974 después de haberle diagnosticado un cáncer de pulmón. sabemos que en su última visita a la Unión Soviética. La Sonata para viola y piano op. que había escrito el año anterior para el mismo Oistrakh. La obra termina con un Largo que es una monumental passacaglia sobre el tema inicial del Concierto para violín. que pasa a manos del violonchelo. en el que plantea diversas reflexiones sobre la muerte a través de seis movimientos lentos que se tocan sin pausas. Tal como indica Elizabeth Wilson en su biografía de Shostakovich. op. ¿hubo algún intercambio creativo entre ellos? Resulta muy interesante conocer el enorme interés que tenían uno y otro en estar al corriente de las obras que estaban componiendo y. lo que muestra cómo Shostakovich asocia el dodecafonismo con un tipo particular de tema cromático. Sigue un Allegretto que es en realidad un scherzo en el que el compositor utiliza un rústico pasaje de su ópera inacabada Los jugadores y al que opone una sección central sinuosa y machacona. Shostakovich sabía que no le quedaba mucho tiempo y escribió ese mismo año el Cuarteto nº 15 en Mi bemol mayor. en abril de 1971. avanzado el movimiento. al igual que el Cuarteto nº 15. morendo. donde el compositor elabora un sorprendente catálogo de variaciones que conducen a una coda final en la que se recuperan los temas del primer movimiento para concluir misteriosamente con el violín haciendo un trémolo sul ponticello. Allegretto. trata de las obsesiones y pensamientos de un hombre gravemente enfermo: se trata de una obra verdaderamente sublime y serena que 90 se asoma al abismo de la muerte con resignación más que con miedo y desesperación. El segundo movimiento. el movimiento alcanza el clímax tras una cadenza de la viola para declinar lentamente hasta el final. Terminada en julio de 1975. 147 es el testamento musical de Shostakovich. el viaje también sirvió para que ambos compositores conocieran sus últimas creaciones y. El primer movimiento. enlaza con un estático Intermedio en el que el primer violín realiza una cadenza que es acompañada por notas tenidas del violonchelo. La Suite nº 3 en Do menor. esa cadenza se convierte en un misterioso ritornello que alterna con un tema desnudo en el violonchelo o la viola y termina en un coro fantasmal acompañado por cuartas y quintas. “A la memoria de una ángel”. y donde el compositor dirigió algunas de sus obras a la Orquesta Sinfónica de Londres. El último movimiento lo dedica Shostakovich “a la memoria de un gran compositor. La obra se inicia con una Elegía de estática armonía y suaves dinámicas que se convierte en una fuga intemporal. * * * Benjamin Britten (1913-1976) y Dimitri Shostakovich mantuvieron desde 1963 una estrecha amistad que se materializó en viajes del compositor inglés a Moscú y también con visitas del ruso a Aldeburgh. que el compositor indica. pero que deriva en un tono sardónico y alocado y que acaba produciendo una violenta confrontación entre los dos instrumentos.

se desesperó. el compositor ruso le indicó que la versión que conocía del kontakion difería en alguna nota de las utilizadas por Britten y ello afectó mucho al compositor inglés. las posibilidades tímbricas que tiene el improbable dúo dentro de un cuarteto entre el segundo violín y la viola. El cuarteto termina con un Recitativo y Passacaglia que se subtitula. Britten se levantó rápidamente para evitar el aplauso y no paró de disculparse por haber tocado tan deprisa. Ben. op. había dos versiones del referido kontakion. a los que el compositor da un título simple pero sugerente. sí. representa. Duets. y que cuesta atribuir a un cuarteto de cuerda. “La Serenissima” y que se inicia precisamente con el tema del coro cantando “Serenissima” en la obertura de la ópera. glissandi.ortodoxo “Con los Santos haz descansar”. en realidad. una brillante Fuga que desemboca en un Recitativo que. el último movimiento del mismo lo titulo “La Serenissima” y lo convirtió en un impresionante homenaje sentimental a esa ciudad con varias citas de su ópera Death in Venice o el uso de la tonalidad de Mi mayor. enlaza con un Moto perpetuo. creando un ambiente de efímera belleza que en la coda se trastoca con el violonchelo sosteniendo un desconcertante Re natural. aquejado ya entonces de los primeros síntomas de una cardiopatía que terminaría con su vida pocos años después. dentro de una generalizada ambigüedad tonal. le sigue una Marcia con dos temas populares y después un Canto basado en la tercera.. Durante su última visita a Inglaterra. aquí resida la esencia misma de su obra tardía. es una scherzo cuyo tema inicial es cortante y brusco. A continuación. haciendo del cuarteto un apéndice o un comentario de la ópera. El segundo movimiento. Un Lento inicia la obra a modo de obertura basada en el referido kontakion. las exóticas influencias tímbricas o el uso que hacía de diferentes tipos de monólogo acompañados o con piano. siguen un Dialogo arpegiado. que está precisamente asociada con su protagonista. lo que le llevó a revisar la partitura en 1974 y ofrecer las dos opciones en la subsiguiente edición de 1976. el movimiento está planteado en forma sonata. Sigue el tema de la passacaglia en Mi mayor. 94 que concluyó en noviembre de 1975. esa particular economía de medios instrumentales. levemente acompañados por el primer violín y el violonchelo. Solo. aunque Donald Mitchell ha demostrado sobradamente que Britten no había previsto que Death in Venice fuera su última ópera.”. que se estructura en torno a una cantilena del primer violín acompañada por los otros tres instrumentos por medio de pizzicati. pero también como lugar donde es posible la convivencia de elementos discordantes como la gloria y la degradación que la convierten en un escenario ideal para el estilo tardío. que coincide con la llegada a Venecia del protagonista. En este final es posible que Britten se identificase con Aschenbach. sardónico y ecos “shostakovichianos” (quizá un homenaje a su amigo fallecido tan solo unos meses atrás) al que sigue un trío juguetón y pendenciero. es una de las mayores joyas tímbricas de toda la literatura cuartetística. introducido por el violonchelo y el primer violín. Ostinato. El compositor ruso se quedó fascinado con la nueva obra del inglés y se pasó horas examinando los borradores de la partitura con esas complejas interrelaciones motívicas. Burlesque. con el hombre que no puede eludir ni consumar su deseo y quizá. y distingue un primer tema de extraña sensación contemplativa de otro mucho más robusto y enérgico. El cuarto movimiento. arpegios y trinos. Shostakovich pasó algunos días del verano de 1972 en Aldeburgh y visitó a Britten en su casa mientras trabajaba en la ópera Death in Venice (Muerte en Venecia). pero no ya sus variaciones: “Voy a tener que reescribir la obra por completo”. De hecho. Las razones que vinculan esta ópera con el estilo tardío de Britten han sido convincentemente analizadas por Edward Said en su referida monografía póstuma sobre el tema. El Cuarteto nº 3 de Britten se divide en cinco movimientos. en este movimiento también encontramos una cita de su juvenil Alla marcia (1933) que muestra el sentido de síntesis que se esconde detrás de esta partitura. Gustav von Aschenbach. que podría alterar el tema. Y. al final. la Passacaglia se basa asimismo en el kontakion como imponente conclusión de la obra. El primer movimiento. El tercer movimiento. tal como afirma Said. al mostrar el uso y significado que atribuye el compositor a Venecia en esta ópera tanto como alegoría para transmitir una sensación de recapitulación y regreso dentro de una larga trayectoria artística. aunque Britten evitó estrenar la obra hasta confirmar que.. Shostakovich se disculpó y le quitó importancia a este detalle. Una vez terminada su interpretación al piano. Y es que. 92 La prueba de que Said tenía razón la encontramos tanto en la biografía de Britten como en la penúltima obra de su catálogo: el Cuarteto de cuerda nº 3. A continuación llegamos a una Barcarola con guiños a Bach (no olvidemos que esta Suite fue inspirada por la interpretación de Rostropovich de una suite de Bach). Britten concluyó la partitura de la que sería su última ópera en 1973. a su vez. pero sin reexposición. es decir. es otro scherzo de tono brusco. y se opone al ambiente más calmado y dialogante del trío. El compositor inglés amaba Venecia por encima de cualquier otra ciudad y durante la composición de este cuarteto hizo su último viaje a la ciudad de los canales y fue allí precisamente donde terminó este cuarteto. resulta imposible no considerarla un ejemplo de su estilo tardío. a lo que Shostakovich le replicó con comprensión: “Sí. nosotros los compositores tendemos a tocar siempre nuestra música demasiado rápido. o incluye la barcarola orquestal que toca aquí el violonchelo. como acaba de apuntarse. 93 .

Intérpretes Biografías .

Ha realizado asimismo numerosas grabaciones para Radio Clásica. Eberhard Feltz o Ferenc Rados. Johannes Meisl. Javier Perianes. perfecciona posteriormente sus estudios en la Musikhochschule de Basilea con Walter Levin y el propio Rainer Schmidt. Radio Sueca o el canal de televisión Mezzo. Erich Höbarth. el coreógrafo japonés Hideto Heshiki. la Westdeutscher Rundfunk. el Palau de la Música Catalana. el Auditorio Nacional de Madrid.Cuarteto Quiroga El Cuarteto Quiroga nació alentado por el violinista. Ha tocado en numerosas salas de Europa y América. Jeremy Menuhin. el Auditori de Barcelona. Son profesores y cuarteto residente en el Curso Internacional de Música de Llanes desde 2005 y en la actualidad el Cuarteto tiene su residencia en la Fundación Museo Cerralbo de Madrid. la Primavera de Heidelberg. Desde su creación. David Kadouch. junto con Pablo de Sarasate y Pau Casals. Ardeo y Meta4. la Fundación Juan March. Claire Desert. el dramaturgo alemán Peter Ries o el actor español Jose Luis Gómez. Entre los artistas con que colabora habitualmente cabe destacar a Vladimir Mendelssohn. Les Invalides en París. Quintessence en Aquisgrán. el Gonfallone en Roma o el Teatro Solís en Montevideo. Ha trabajado también regularmente con músicos como András Keller. ha sido galardonado en los concursos internacionales de Burdeos. György Kurtág. Formado desde sus inicios en la Escuela Superior de Música Reina Sofía y en el Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid con Rainer Schmidt (miembro del Cuarteto Hagen. Günter Pichler. Nybrokajen en Estocolmo. los Cuartetos Doric. Valentin Erben. la Kaisersaal en Fráncfort. Ginebra y París. Radio France. también presente en esta edición del Liceo de Cámara). la Sudwestrundfunk. pedagogo y cuartetista francés Charles-André Linale y su nombre rinde homenaje a la figura del violinista gallego Manuel Quiroga. Chen Halevy. uno de los más grandes instrumentistas de cuerda de la historia musical española. Paolo Borciani. como el Wigmore Hall de Londres. el Festival de Davos. con el apoyo de la Fundación Herberto Gut de Prosegur. Ha recibido asimismo el Premio El ojo crítico de Radio Nacional de España en 2007 y la Medalla de Oro del Primer Palau de Barcelona. y mantiene en la actualidad una estrecha relación con el violista Hatto Beyerle. Alain Meunier. la Philharmonie de Berlín. Son invitados habitualmente a impartir cursos y clases magistrales 97 . que ha sido. la Concertgebouw Doelen en Róterdam.

Frank Michael Beyer (Notte di Pasqua). el Rheingau Musikpreis. Desde el curso 2008-2009 sus cuatro miembros ocupan la cátedra de Música de Cámara/Cuarteto de Cuerda del Conservatorio Superior de Música de Aragón. Ha actuado con el Cuarteto Alban Berg en la XII edición del Liceo de Cámara y con el Cuarteto Arcanto. Será artista residente en el Festival del Bodensee en mayo de 2012. ha sido publicado este año y contiene obras de Haydn. en la actualidad da clases en la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlín. Ars Musici publicó una grabación realizada en directo en un concierto ofrecido en la Beethovenhaus con la viola del propio compositor. Budapest y París. Teldec y Deutsche Grammophon. Cibrán Sierra y los demás miembros del Cuarteto Quiroga desean expresar su gratitud a los herederos de Paola Modiano por su cesión del violín “Rosé”. Christian Tetzlaff y el Cuarteto Alban Berg. Su primer disco. acompañada al piano por Hartmut Höll. Entre sus grabaciones con orquesta más recientes destacan una grabación en vivo de Harold en Italia de Berlioz con la Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por Colin Davis y la Suite para viola y orquesta de Bloch con la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín dirigia por Steven Sloane. en las ediciones XV a XIX. Ha grabado el repertorio de viola más importante con enorme éxito.en conservatorios superiores y universidades por toda la geografía española (Madrid. en la que ocupa una cátedra desde 2002. Oviedo. entre los que destacan el Hessischer Kulturpreis. La interpretación de la música contemporánea es una prioridad en sus actividades artísticas y ha estrenado obras como la Sonata para viola sola de Ligeti. el alumno más joven de la historia del centro. En las últimas temporadas ha tocado con la Orquesta de Filadelfia (Dutoit). 98 99 . desde la Filarmónica de Berlín (con la que ha tocado este mismo año el Concierto de Béla Bartók) y la Sinfónica de Londres hasta la Filarmónica de Israel y la Orquesta de París. a ella dedicada. Su grabación de obras para viola sola de Bach y Reger para el sello myrios classics ha recibido numerosos premios y se ha visto seguido de una grabación con el pianista Kirill Gerstein que contiene sonatas de Johannes Brahms. en Polonia) a los once años. Tras enseñar en Saarbrücken y Fráncfort. con Dmitri Bashkirov. merosas referencias para sellos como EMI. del que forma parte desde su fundación. viola Estudió con Ulrich Koch en la Musikhochschule de Friburgo y con Sándor Végh en el Mozarteum de Salzburgo. etc. perfeccionó sus estudios en el Berklee College of Music de Boston. Universidad Internacional de Andalucía. Como solista actúa regularmente con las orquestas más importantes. Tabea Zimmermann está casada con el director Steven Sloane y tiene tres hijos. donde tuvo como profesor a Solomon Mikowsky y donde se graduó a los veinte años. Kirill Gerstein obtuvo el primer premio en el Concurso de Piano Arthur Rubinstein de Tel Aviv en 2001 y desde entonces ha tocado en los principales centros musicales internacionales. Wolfgang Rihm (Über die Linie IV).). así como los Conciertos para viola de Sally Beamish. con catorce años. Entre 1982 y 1984 ganó los concursos de Ginebra. Heinz Holliger (Recicanto) o Bruno Mantovani (Doble Concierto. Santiago. del que fue. que estrenó junto con Antoine Tamestit). además de colaborar como profesores de la JONDE (Joven Orquesta Nacional de España). Webern y Giovanni Solima. Hartmut Höll. la ciudad natal del compositor. Ganó su primer concurso (el Concurso Internacional Bach de Gorzuw. Autodidacta como pianista de jazz. piano Nacido en 1979 en Voronezh (Rusia). Valladolid. Tabea Zimmermann. El Cuarteto Quiroga actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. En estos años asistió también al programa veraniego de la Universidad de Boston en Tanglewood. para el sello Cobra. George Lentz (Monh). construido por Nicola Amati en 1682. inició su formación musical en una escuela para niños con un especial talento musical. La última etapa de su formación se desarrolló en Madrid. Málaga. Anteriormente su discografía contaba con nu- Kirill Gerstein. Ha recibido numerosos premios. Siguió estudiando en la Manhattan School of Music de Nueva York. con Ferenc Rados. Tabea Zimmermann es una camerista muy prestigiosa y ha trabajado con colegas de la talla de Pierre-Laurent Aimard. Henri Vieuxtemps y Rebecca Clarke. el Premio Internacional de la Accademia Musicale Chigiana de Siena y el Premio Paul Hindemith de Hanau. lo que le hizo concentrarse en la música clásica. y en Budapest.

Jörg Widmann o Gérard Caussé. vinculado repetidamente al Cuarteto Hagen en sus proyectos camerísticos en el Festival de Música de Cámara de Lockenhaus. la Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa (Nezet-Seguin) y la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca (Mälkki). Pronto actuaron en el Festival de Salzburgo. Detroit. en las Mozartwochen y en la serie de conciertos de Salzburgo. En Lockenhaus. Y de Nueva York. la Orquesta Gürzenich de Colonia (Krivine) y la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich (Alsop). Artistas exclusivos durante décadas de Deutsche Grammophon. el Wigmore Hall o la Universidad de California en Berkeley. 1724) y Veronika Hagen una viola de Giovanni Paolo Maggini de Brescia. el conjunto ganó el Primer Premio del Concurso de Cuartetos de cuerda de Portsmouth. además de volver a tocar con las Orquestas Sinfónicas de Houston y Baltimore (Graf). Ha participado asimismo en proyectos camerísticos en el Festival de Salzburgo junto a András Schiff. Paul. Su encuentro con Nikolaus Harnoncourt les permitió ampliar su visión de la música. También han mantenido una estrecha relación con el compositor húngaro György Kurtág. así como en la formación de trío con piano con el violinista Kolja Blacher y el violonchelista Clemens Hagen. Han colaborado. así como en el Festival de Música de Aspen y en los Proms de Londres. colabora habitualmente con Steven Isserlis. ambos prestados amablemente por el Banco Nacional Austriaco. Cuarteto Hagen Ya en su formación original austriaca.la Sinfónica de San Francisco (Dudamel). Houston y Atlanta. En el ámbito camerístico. Ha actuado en el XVII Liceo de Cámara formando trío con los citados Kolja Blacher y Clemens Hagen. con sus consejos y su estímulo. Hatto Beyerle. IX y XI-XV del Liceo de Cámara. la Sinfónica de Dallas (Varga). Lukas Hagen toca un violín de Antonio Stradivarius (Cremona. Su discografía ha recibido los premios más importantes y en 2011 han celebrado el trigésimo aniversario de su fundación con la publicación de dos discos en el sello myrios classics. Consiguieron que sus interpretaciones imprimieran un toque personal distinto a las variantes ya establecidas en la actuación de los cuartetos. seguido de su debut en el Wigmore Hall de Londres. el conjunto permanece en contacto con sus maestros y mantiene sus firmes convicciones sobre el cómo y el porqué de su fraseo. como maestros y también como compañeros. la Orquesta Sinfónica de la SWR (Gielen). En 2010 recibió dos importantes distinciones: el Gilmore Artist Award (ha sido el sexto músico en recibir este premio excepcional) y la Avery Fisher Career Grant. Liszt y Oliver Knussen. Bordeaux y Banff (Canadá). la Royal Liverpool Philharmonic (Petrenko). En la temporada 2011-2012 hará su debut con la Orquesta Filarmónica de Nueva York y la Sinfónica de Seattle. así como el Premio del Público. Krystian Zimerman. Heinrich Schiff. Heinrich Schiff y Walter Levin tuvieron una gran influencia en su formación. Los miembros del Cuarteto Hagen consideran sus estudios realizados en el Mozarteum de Salzburgo. han grabado un amplísimo repertorio que abarca de Bach a Kurtág. 100 101 . El Cuarteto Hagen ha actuado en las ediciones V. el Cuarteto Hagen obtuvo en 1981 el Premio del Jurado. determinaron la forma de caracterizar temas. donde pudo comprobarse su crecimiento artístico. Paul Gulda. Oleg Maisenberg. Veronika y Clemens). con artistas de la talla de Maurizio Pollini. También ha vuelto a ser invitado por las orquestas de San Francisco. los cuatro hermanos Hagen (Lukas. como también lo hizo su relación artística y amistosa con Gidon Kremer. András Schiff. Mitsuko Uchida. movimientos y obras con gran entusiasmo. Al año siguiente. Hoy. esenciales para su desarrollo técnico y artístico. entre otras. la Filarmónica de Múnich y la Filarmonica della Scala (Bychkov). Su compromiso con la música contemporánea les ha llevado a tocar obras de compositores como Ligeti y Lutosławski. en las Musikhochshulen de Basilea y Hannover. Tiene previsto ofrecer recitales en salas como la 92nd St. Angelika. Su actividad pedagógica se concentra en la Musikhochschule de Stuttgart. VII. en concierto y en disco. a pesar de sus extensas giras. Su carrera internacional comenzó en ese período. así como por la Orquesta de Cámara St. En 1983 ganaron los concursos de Evian. así como en la Universidad de Cincinnati. Su primera grabación a solo para el sello myrios classics se publicó en 2010 y contiene obras de Schumann. Aquí radicaría la razón del éxito de este cuarteto: mantener su nivel artístico y de conjunto a pesar de los cambios personales y de sus componentes. donde empezó a dar clases en 2007. educados en el ambiente musical de su padre violinista.

y ha tocado también con la Orquesta Vivo y la Philharmonia de San Petersburgo. Ha realizado giras por Alemania con la Orquesta de Cámara Ostrobonia. Susanna Mälkki. Jan Söderblom tocó el violín con el New Helsinki Quartet de 1982 a 2001. Ha tocado como solista con la mayor parte de las orquestas finlandesas. Toca asiduamente con las principales orquestas finlandesas y ha actuado también con agrupaciones como la Camerata de Salzburgo. Ralf Gothóni. Ha tocado como concertino con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Suecia. y para la producción de la ópera de Fredrik Pacius Kung Karks jakt. Moshe Atzmon. la Orquesta de Cámara Avanti!. camerista y director invitado en Finlandia y en el resto de los países nórdicos. Alexander Vedernikov. Turku y Tampere y con la Sinfonia Lahti. la Orquesta de Cámara de Sudáfrica. por ejemplo. más tarde expandió sus horizontes dedicándose también a la dirección orquestal. 2005) y la ópera de Daniel Börtz Svall (2006). Juha Kangas. Fue director artístico de la Orquesta de Lappeenranta de 2000 a 2007. sustituyendo a un indispuesto Gerhard Schulz. Entre los directores con que ha trabajado se encuentran Leif Segerstam. la Tapiola Sinfonietta. violonchelo Estudió violonchelo con Csaba Szilvay en el Instituto de Música de Helsinki. la Orquesta de Cámara Cuerdas de Belgrado. Ha ofecido recitales como solista y como músico de cámara en Finlandia y en numerosos países europeos. Marko Ylönen. Japón. Grieg. Olli Mustonen y Kari Kriikku. la Orquesta de Cámara de Praga y la Orquesta de Cámara de Holanda. También ha estado al frente de Musica Fiskars. la ópera de Thomas Jennefelt Sport och fritid (Deporte y ocio. Fue nominado como Joven Artista del Año de los Festivales de Finlandia en 1991.Jan Söderblom. John Storgårds. graduándose en 2001. China y Sudáfrica. Janáček y Dvořák. con Erkki Rautio y Heikki Rautasalo en la Academia Sibelius y con Heinrich Schiff en Basilea. y en 2002 recibió el Chivas Baton Award internacional. por Japón con la Orquesta de Cámara de Helsinki Occidental y por Grecia con la Orquesta Sinfónica de la Academia Sibelius. Jan Söderblom toca un violín de Nicolo Gagliano de 1726 y actuó por primera vez en el XVII Liceo de Cámara. Finalista del Concurso de Violonchelo de Turku a los quince años. Jan Söderblom estudió dirección de orquesta con Jorma Panula y Leif Segerstam en la Academia Sibelius. estrenada en 2007. En temporadas recientes ha dirigido regularmente en la Ópera Real de Estocolmo. Australia y Nueva Zelanda. así como el director artístico del Festival de Música de Joroinen hasta 2008. En la primavera de 1996 ganó el Concurso de la Asociación de Artistas de Nueva York. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Suecia y la Orquesta Sinfónica de Helsingborg. además de Japón. 102 103 . además de con la Orquesta Filarmónica de Japón. violín Nacido en 1970 en una familia musical. interpretando obras de Schumann y Ligeti. También ha tocado con la Orquesta de Cámara de Sudáfrica y con la Orquesta de Cámara Cuerdas de Belgrado. Como miembro del cuarteto. Las primeras visitas al foso de la Ópera Nacional Finlandesa en 2005 dieron paso de inmediato a nuevas invitaciones para producciones de ballet en 2006 y 2007. Okko Kamu. colaboró con artistas como Bella Davidovich. El Cuarteto estrenó diversas obras. en 1990 obtuvo el segundo premio en el Concurso de Violonchelo de Turku y un premio en el Concurso Tchaikovsky de Moscú. Heinrich Schiff. la Orquesta Sinfónica de RTVE y la Orquesta de Cámara Escocesa. realizó grabaciones para radio y televisión. además de actuar en numerosas ocasiones en las grandes salas de concierto europeas. y grabó discos con música de Sibelius. el Musikkollegium Winterthur. empezó a estudiar violín muy pronto e inició su carrera como solista y músico de cámara en los años ochenta. Barbara Hendricks. los Virtuosi di Kuhmo. James de Priest. Jukka-Pekka Saraste. Australia. Sakari Oramo. así como en otros países europeos. Ben Wallfish. Ha actuado como solista. Olli Mustonen y Hannu Lintu. Osmo Vänskä. Ha actuado como director con las Orquestas Filarmónicas de Helsinki. además de con la Tapiola Sinfonietta. la Orquesta de Cámara Inglesa. Estados Unidos. También ha tocado en condición de violinista invitado con la Camerata Académica de Salzburgo y con la Orquesta de Cámara Noruega. un período durante el cual el grupo cosechó éxitos en el concurso Concertino Praga y en el Concurso de Cuartetos de Cuerda de Londres. dirigiendo representaciones de la ópera de Janáček El caso Makropoulos y estrenando.

conciertos tanto en Finlandia como en el extranjero. con sólo diecisiete años. Ese mismo año pasó a ser miembro de la familia de artistas de Steinway. También ha tocado en la mayoría de países europeos y en China. con quienes ha grabado obras de Rachmaninov y Chopin (Alba Records). Entre 1981 y 1983 completó su formación con Vladimir Nilsen en el Conservatorio Estatal de San Petersburgo. En 1994 debutó en Estados Unidos. Mily Balakirev y Maurice Ravel para el sello Warner Music/Finlandia Records. grabado posteriormente por el sello Ondine. Sakari Oramo.Como camerista. Marko Ylönen toca con frecuencia música contemporánea. Desde entonces. La discografía de Marko Ylönen está publicada en su mayoría en los sellos Ondine. ha ofrecido numerosos 104 105 . Antoni Ros-Marbà. primero con Liisa von Zweygberg-Jalkanen y desde 1978 con Tapani Valsta. Entre 1991 y 1992 actuó en las más importantes salas de conciertos de Japón. En 2008 realizó giras como solista junto al violonchelista Marko Ylönen en Finlandia y Alemania. En 2009 actuó con los violonchelistas Janne Aalto y Marko Ylönen. grabó un disco dedicado a Liszt y tocó junto a la Orquesta Kokkola el Concierto en La menor de Grieg. En 1979. En febrero de 2010 actuó con la Orquesta Ciudad de Lohja. La Radio de Finlandia lo nombró Solista del Año en 1996. Entre estos últimos destaca su debut en París en 1987. Fue director artístico invitado del Festival de Música de Korsholm en 2008 y 2010. para el sello Ondine). el Concierto para violonchelo y orquesta de Peteris Vasks (Tampere Filharmonia dirigida por John Storgårds. para el sello Ondine) y el Concierto para violonchelo y orquesta de Joonas Kokkonen (Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia dirigida por Sakari Oramo. Actuó en el Festival de Música de Korsholm y en el Festival de Música de Cámara de Kuhmo. Owain Arwel Hughes y Frank Shipway. Ha tocado como solista con las mejores orquestas finlandesas. Ha estrenado varias obras de compositores finlandeses. Osmo Vänskä. la Orquesta Filarmónica de Helsinki y la Orquesta Sinfónica de Lahti bajo la batuta de directores como Jukka-Pekka Saraste. Es profesor de Música de Cámara en la Universidad de Música de Karlsruhe desde 1992. e incluye tanto música contemporánea como repertorio tradicional. Desde el otoño de 2009 Marko Ylönen es profesor de Música de Cámara en la Academia Sibelius de Helsinki. Ha grabado obras para piano de Alexander Glazunov. además de asistir a los cursos de verano impartidos por György Sebök. Juha Kangas. Petri Sakari. Entre 1983 y 1992 recibió clases particulares de este último en Ginebra y Vevey. organizado por la Fundación Herbert von Karajan. Consiguió su diploma de piano en 1981 con las máximas calificaciones. Jan Krenz. en abril tocó el Concierto nº 5 de Saint-Saëns con la Tapiola Sinfonietta y recientemente ha interpretado el Concierto nº 1 de Chopin con la Orquesta de la Ciudad de Vaasa. Además de interpretar el principal repertorio clásico. Okko Kamu. como la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia. entre otros. Asimismo imparte clases y conferencias en diversos cursos de verano por toda Finlandia. Leif Segerstam. Marko Ylönen toca un violonchelo de Matteo Goffriller y actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Corea e Israel. incluyendo conciertos en la Sala Casals de Tokio. Arto Satukangas. piano Comenzó sus estudios en la Academia Sibelius en 1973. como el Concierto para violonchelo de Jouni Kaipainen en 2003 junto a la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia. Las últimas grabaciones son de Sibelius (con la Orquesta Sinfónica de Lahti dirigida por Osmo Vänskä. BIS y Finlandia. en el sello BIS). Toca por primera vez en el Liceo de Cámara. actuando en la Sala Weill del Carnegie Hall de Nueva York. Dmitri Bashkirov y Nikita Magaloff. un puesto que ya había ostentado en 2003. Ylönen ha actuado con un gran número de conjuntos internacionales y se ha presentado en diversos festivales. En 2003 participó en el Concierto del 150º aniversario de la firma Steinway celebrado en Helsinki. ganó el prestigioso Concurso de Piano Maj Lind. en Ferrara junto a la violinista Tianwa Yang y ofreció un concierto en la Sala Weill del Carnegie Hall de Nueva York. En otoño de 2010 realizó una extensa gira por Alemania.

y Lieder de Mahler y canciones de Tchaikowsky acompañada por Julius Drake (este último disco fue premiado por la BBC Music Magazine como mejor grabación vocal de 2010). Marc Minkowski. Apasionada intérprete de Lieder. Ivan Fischer. el Carnegie Hall de Nueva York. la Novena Sinfonía de Beethoven en el Festival de Lucerna. como el de Estrella Emergente Echo en 2005/2006.Christianne Stotijn. Maurizio Pollini. Andris Nelsons o Zubin Mehta. Kurt Masur. el Kennedy Center de Washington y el Spivey Hall en Atlanta. A lo largo de su carrera ha obtenido varios premios importantes. Como solista ha actuado con la Orquesta Filarmónica de Mú- 106 107 . la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington. viola Formó parte del Cuarteto Alban Berg desde 2005 hasta su disolución en 2008. Emilio Sagi. de Frank Martin. ha ofrecido recitales en muchas de las salas de concierto más importantes del mundo con los pianistas Joseph Breinl y Julius Drake. el Mozarteum de Salzburgo. la Sinfónica de Dallas. la Konzerthaus y la Musikverein de Viena. la Orquesta de París. Ha colaborado con directores de escena como Graham Vick. Cornelia en Giulio Cesare en el Teatro de la Monnaie de Bruselas y la Ópera de Holanda o el personaje protagonista de Tamerlano en la Royal Opera House. Noelle Barker y Janet Baker. Ha actuado en concierto con orquestas tan importantes como la Filarmónica de Berlín. el Théâtre des Champs-Élysées y el Théâtre du Châtelet en París. Yannick Nézet-Séguin. la Real Orquesta del Concertgebouw. que la dirigió en la Tercera Sinfonía de Mahler en la inauguración de la pasada edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada en el Palacio de Carlos V. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena y la Orquesta Filarmónica de Múnich. la beca de la Fundación Borletti-Buitoni en 2005 y el Premio de la Música Holandés en 2008. junto a Elisabeth Leonskaja. René Jacobs. Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke. Radovan Vlatković. Charles Dutoit. Daniele Gatti. el Palais des Beaux Arts de Bruselas. además de con el Cuarteto Belcea y el Cuarteto Ysaÿe. que ha sido su principal profesor y fuente de inspiración. mezzosoprano Nacida en la localidad holandesa de Delft. la Pasión según san Mateo con la Sinfónica de Boston y Das Lied von der Erde de Mahler con la Orquesta Sinfónica de Londres. Pierre Audi y Karl-Ernst y Ursel Hermann. Isabel Charisius. Ha tocado. El gran director de orquesta holandés Bernard Haitink ha tenido una influencia decisiva en su carrera. la Orquesta Nacional de Francia. Vladimir Jurowski. sustituyendo tras su muerte a Thomas Kakuska. Su debut en la Philharmonie de Berlín fue con la interpretación de Das Buch der hängenden Gärten de Arnold Schoenberg con la pianista Mitsuko Uchida. Christian Zacharias. la Orquesta Nacional Danesa y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. que recibió un premio Echo en 2008. la Orchestra of the Age of Enlightenment. Alexander Lonquich. las dos salas del Concertgebouw de ámsterdam. Desde 1994 se dedica principalmente a la música de cámara. Sus grabaciones más recientes se encuentran publicadas en el sello Onyx e incluyen Lieder de Schubert. la Orquesta del Festival de Budapest. Tras el éxito de sus interpretaciones de los Rückert-Lieder de Mahler con la Orquesta Nacional de Francia y la Real Orquesta del Concertgebouw. Ha cantado también con directores de la talla de Claudio Abbado. Ottavia en L’incoronazione di Poppea en la Ópera de Holanda. el Teatro Campoamor de Oviedo y el Teatro Arriaga de Bilbao. En su carrera operística destacan los papeles de Pauline en La dama de picas en la Ópera de París. Ha sido primera viola de la Orquesta de Cámara de Viena. Tabea Zimmermann. Para el sello MDG ha grabado también una obra muy querida para ella. de nuevo los Rückert-Lieder con la Orquesta Sinfónica de Chicago. También fue elegida por la BBC dentro de su programa de New Generation Artists en 2007. Covent Garden. Ha cantado ya en repetidas ocasiones en el Wigmore Hall de Londres. la Sinfónica de Londres. Heinrich Schiff. la Filarmónica de Róterdam. la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. entre otros. Haitink la invitó a cantar la Segunda Sinfonía de Mahler en los Proms de la BBC. A continuación estudió canto con Udo Reinemann en el Conservatorio de ámsterdam y perfeccionó su formación como cantante con Jard van Nes. Berg y Wolf acompañada por Joseph Breinl. con quienes mantiene una larga y fructífera colaboración. Jörg Widmann y Simon Rattle. Gustavo Dudamel. recibió su diploma como violinista en 2000. Andrew Davis.

Ha interpretado la mayor parte del repertorio para viola solista. y en la pasada edición actuó junto al Cuarteto Arditti y Valentin Erben. Su amplísima discografía incluye numerosas grabaciones que han recibido múltiples premios. el Teatro alla Scala de Milán. Imparte asimismo clases regularmente en la Universidad de Indiana. Ha diseñado varias series en el Queen Elizabeth Hall de Londres. Christine Brewer. así como en el Britten-Pears Young Artists’ Programme en Snape. John Mark Ainsley. Toca el instrumento construido por Lorenzo Storioni en 1780 que tocó también en su día Thomas Kakuska. aún en curso. Toca regularmente por todo el mundo en salas como el Wigmore Hall. Thomas Allen. en la Dutch String Quartet Academy de ámsterdam y en el Royal Northern College of Music de Manchester. “El paisaje hecho canción” (un homenaje a Schubert) y “Escenas de Schumann”. Felicity Lott. el Carnegie Hall y la Frick Collection de Nueva York. Christopher Maltman y Alastair Miles. Mark Padmore. y Schwanengesang de Schubert con Robert Holl en Hyperion. Copenhague. De 1998 a 2002 fue director artístico del Festival de Invierno de Nagaoka en Japón. la Beethovenfest de Bonn y el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Andrew Kennedy. Kathleen Battle. Estocolmo. Brigitte Fassbaender. Thomas Bauer y Sandrine Piau) y del Festival de Tetbury en Inglaterra. Al igual que sus compañeros del Cuarteto Alban Berg. la Ópera de Fráncfort. Baltimore. Bernarda Fink. Montreal y Toronto. La pasada temporada ofreció recitales con Measha Brueggergosman y Elizabeth Watts en el Concertgebouw de ámsterdam. Recientemente ha realizado también amplias giras por Japón con Mihoko Fujimura y por Norteamérica con Measha Brueggergosman y Kate Royal. como “El joven Brahms”. del Ciclo de Lied de Santiago de Compostela (donde ha tocado el pasado mes de septiembre junto a Mark Padmore. la Philharmonie de Colonia. la Konzerthaus y la Musikverein de Viena.nich en el Festival de Lucerna y en la Philharmonie de Múnich. Hubo de cancelar por enfermedad el recital que iba a ofrecer en la edición XVII junto al pianista español Javier Perianes. en el Festival de Schleswig-Holstein. Tras estudiar música en Cambridge. Actualmente es el director artístico de Sommer Lied Weinberg en la Alta Austria. la Schubertiade de Schwarzenberg. Sarah Walker y Florian Boesch. piano Su inspiración para emprender una carrera como pianista acompañante fue la manera de tocar de Gerald Moore. Isabel Charisius es profesora de música de cámara en la Universidad de Colonia. Sus actividades como pedagogo le han llevado a impartir clases magistrales en ámsterdam. Ha actuado como miembro del Cuarteto Alban Berg en las ediciones XIV a XVI del Liceo de Cámara. Es frecuentemente invitado para confeccionar y dirigir programas y festivales en torno a la canción. Bruselas. Lorraine Hunt Lieberson. Kiri Te Kanawa. Anne Schwanewilms. pero en la actualidad centra su actividad pedagógica en la Musikhochschule de Lucerna. Su reciente grabación de Winter Words y Holy sonnets of John Donne. donde ha actuado en numerosas ocasiones en el Ciclo de Lied que organiza la Fundación Caja Madrid. Además. Joan Rodgers. ha impartido clases magistrales de viola y de música de cámara en la Britten-Pears School de Aldeburgh. con quien interpretará Winterreise de Franz Schubert el próximo mes de junio en Cádiz. en el Encuentro Música y Academia de Santander. Tocó asimismo Roger Vignoles. y como integrante de un octeto de grandes solistas internacionales liderado por la violinista Hanna Weinmeister. dirigida por James Levine. 108 109 . con Christine Brewer. entró en la Royal Opera House como pianista repetidor y posteriormente completó su formación con Paul Hamburger. Boston. con Christine Brewer. Es catedrático de Acompañamiento en el Royal College of Music de Londres y es miembro honoris causa del Magdalene College de Cambridge. Bloomington. Philip Smith. el Wigmore Hall y la Konzerthaus de Viena. A lo largo de su carrera ha colaborado con cantantes tan importantes como Elisabeth Söderström. Susan Graham. Florian Boesch y Renata Pokupic en el Wigmore Hall. el Musée d’Orsay y el Théâtre des Champs-Élysées de París. Thomas Hampson. y con Miah Persson en la Tonhalle de Zúrich. En la temporada 2009-2010 presentó una serie de recitales con Lieder de Strauss en el Wigmore Hall. la edición Strauss para Hyperion. Anna Grevelius. Nueva York. Christine Rice. desde Lieder alemanes y mélodies francesas hasta repertorio español y canciones de cabaret: Schumann y Brahms con Bernarda Fink en Harmonia Mundi. el Concertgebouw de ámsterdam. en la Universität der Künste de Berlín. Barbara Bonney. Before Life and After de Britten con Mark Padmore en Harmonia Mundi recibió el Diapason d’Or y el Prix Caecilia en 2009.

Isabelle Faust toca el Stradivarius de 1704 conocido como “La bella durmiente”. Para Faust. Werner Egk y Jörg Widmann. que fue su profesor y que tuvo una influencia decisiva en ella en aquellos años. Luigi Nono y Giacinto Scelsi. alentada por Christoph Poppen (durante años primer violín del Cuarteto Cherubini). Es una ardiente defensora de la música de György Ligeti. entre ellos Olivier Messiaen. En 2007 grabó el Concierto de Beethoven. la obra ha seguido siendo un puntal de su repertorio. En la presente temporada tendrá a su cargo su propia serie de recitales de canciones en el Wigmore Hall. Alexander Melnikov. el Concierto para violín de Dvořák. Heinz Holliger. Esta disposición a abrirse a diferentes leguajes musicales la ha convertido también en una intérprete muy demandada de música contemporánea. Realiza habitualmente programas para la BBC y este mismo año presentó un recorrido discográfico por la ópera Tristan und Isolde de Wagner dentro de la serie Building a Library. Toca y graba habitualmente (para el sello Harmonia Mundi) con el pianista Alexander Melnikov. lo que supuso su inmersión en la práctica interpretativa histórica. sino utilizada como un reto y un incentivo para reevaluar la sustancia de cada nota con objeto de comprender su propósito y su significado. En 2003 realizó su primera grabación de una gran obra romántica con orquesta. En 1993 obtuvo el primer premio en el Concurso Paganini y posteriormente se trasladó a Francia. Fue necesario un 110 111 . como el Concierto para violín de André Jolivet o el Concierto nº 2 de Martinů. así como de obras olvidadas. la Orquesta Sinfónica de Boston. en el que la escucha es tan importante como expresar tu propia personalidad. A pesar de haberse formado en la escuela rusa y de haber admirado a los grandes románticos rusos. los apartó de su repertorio durante varios años. Otro elemento complementario en su desarrollo fue su contacto con la interpretación históricamente informada. donde creció su amor por el repertorio francés. permitiéndole tocar un Concierto de Mozart de manera igualmente convincente con un grupo historicista como Concerto Köln y con una gran orquesta sinfónica moderna. la importancia del diálogo musical requiere establecer un lenguaje común entre los intérpretes. Charles Dutoit. Sus primeras experiencias camerísticas la convencieron de que la interpretación es un proceso en el que se da y se recibe por igual. que le enseñó cómo combinar fuerza y sutileza. Ofreció recitales con John Mark Ainsley en la ópera de Fráncfort y el Wigmore Hall. Morton Feldman. Mariss Jansons o Ji ř í Bělohlávek y con orquestas como la Filarmónica de Berlín. la Orquesta de París. el Concierto para violín y el Sexteto de cuerda op. aunque nunca se calificaría a sí mismo de niño prodigio. En los últimos años ha colaborado habitualmente con directores como Claudio Abbado. En la actualidad disfruta tocando el fortepiano y admira a Andreas Staier como colega. especialmente la música de Fauré y Debussy. no entendida de manera dogmática. Isabelle Faust actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Su grabación de la integral de las Sonatas de Beethoven recibió los premios Echo y Gramophone. con quince años. En aquellos años tuvo para él una importancia capital su relación con Sviatoslav Richter. Oxford Lieder y Cheltenham. prestado por el L-Bank de Baden-Württemberg. mostró su talento para la música desde muy temprana edad. y fue nominada a un Grammy.en la Mozartfest de Bath y en los festivales de Tetbury. tocando el Concierto nº 1 de Rachmaninov a los doce años. Daniel Harding. Tras ganar en 1987. Isabelle Faust. se planteó emprender una carrera como solista. Ha estrenado obras de un gran número de compositores. Sus últimas grabaciones para Harmonia Mundi contienen las Sonatas y partitas para violín solo de Bach (que obtuvo el Diapason d’Or). En 2009 estrenó obras dedicadas a ella por los compositores Thomas Larcher y Michael Jarrell. las orquestas de la BBC y la Orquesta de Cámara Mahler. Szymanowski y Janáček) y siguió ampliando su repertorio. violín Empezó a estudiar música muy pronto y a los once años fundó ya un cuarteto de cuerda. Tras haberlo tocado a los quince años bajo la dirección de Yehudi Menuhin. 36 de Brahms. entre otros. y con Alek Shrader en el Spivey Hall de Atlanta. piano Nacido en Moscú en 1973. la Filarmónica de Múnich. el Concurso Leopold Mozart. Roger Vignoles actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Allí alcanzó fama internacional con su primera grabación (que contenía sonatas de Bartók.

entre otras. 51 nº 1 y el Quinteto con piano de Brahms. En noviembre de 2010 grabó la integral de los Preludios y fugas op. El amplio espectro de su repertorio incluye los grandes Conciertos de Mozart. Beethoven y Schumann. la Filarmónica de Tokio. Su grabación de la integral de las Sonatas para violín y piano de Beethoven obtuvo en 2010 los premios Echo y Gramophone y fue nominada a un Grammy. Cuarteto Arcanto Tras muchos años de hacer música de cámara juntos en diferentes formaciones. tras lo cual realizó grabaciones muy admiradas de música de Rachmaninov y Scriabin para Harmonia Mundi. Yuri Bashmet. comenzó a tocar a los cuatro años y estudió posteriormente en la Hochschule für Musik Hanns Eisler en Berlín con Werner Scholz. la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. Trabaja especialmente en el campo de la música de cámara con músicos como Christian y Tanja Tetzlaff. Antje Weithaas. el Real Conservatorio de Bruselas. en Stuttgart en 2004. tocando con orquestas como la Orquesta Nacional Rusa. y en junio ofrecieron varios conciertos en el Festival de Aldeburgh. donde hicieron su presentación en el Carnegie Hall de Nueva York. el Festival de Ludwigsburg. Prokofiev. Silke Avenhaus. En la pasada temporada realizaron una gira por Japón. En 1987 ganó el Concurso Kreisler de Graz. Clemens Hagen. en 1988 el Concurso Bach en Leipzig y en 1991 el Concurso Internacional de Hannover. Antje Weithaas toca un violín del luthier alemán Peter Greiner. el Rheingau Musik Festival. 5 y 6 de Bartók y posteriormente apareció un segundo registro con el Cuarteto op. Tras enseñar en la Universität der Künste de Berlín. Ofreció un recital para dos violines junto a Christian Tetzlaff en la XV edición del Liceo de Cámara. la Tonhalle de Zúrich y la Philharmonie de Berlín. donde ofrecieron diversos conciertos en el Wigmore Hall. Actualmente es una de las más cotizadas solistas y cameristas de su generación. Su primera grabación para Harmonia Mundi contenía los Cuartetos núms. Alexander Melnikov actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. el Théâtre du Châtelet de Pa- 112 113 . Tabea Zimmermann y Jean-Guihen Queyras fundaron el Cuarteto Arcanto. Antje Weithaas empezó a dar clases en la Hochschule für Musik Hanns Eisler. la Kunstfest Weimar. un sello al que llegó gracias a su vinculación con la violinista Isabelle Faust. el Suntory Hall de Tokio. el Concertgebouw de ámsterdam. Debussy y Dutilleux. incluido el de mejor grabación de ese año. la Real Orquesta del Concertgebouw. la Filarmónica de Róterdam (dirigida por Valery Gergiev). donde tocaron el Cuarteto nº 2 de Britten. El debut del Cuarteto Arcanto tuvo lugar.encuentro con Mijail Pletnev para volver a recuperar el interés por esta música. la Sinfónica de la NHK y la Filarmónica de la BBC. Ligeti o Gubaidulina y obras infrecuentes como los Conciertos para violín de Korngold. Hartmann y Schoeck. violín. En 2006 realizó su primera gira por Japón y la pasada temporada hizo su presentación en el Festival Tivoli de Copenhague. que ha recibido numerosos premios en varios países. En abril de este año debutaron en la Fundación Gulbenkian de Lisboa y en el Palau de la Música de Barcelona. la Philharmonie de Colonia. en la Festspielhaus de Baden-Baden y en la Cité de la Musique de París. 87 de Shostakovich. sus componentes comparten el deseo de dedicarse al placer y a la exigencia que supone el trabajo cuartetístico. En 2009 fue nombrada Directora Artística de la Camerata de Berna. harán su debut en el Prinzregentheater de Múnich. además de volver a tocar en el Wigmore Hall y el Concertgebouw de ámsterdam. formado por cuatro renombrados instrumentistas que hasta el momento habían sido más conocidos como solistas. En enero de 2012 volverán a Japón y. Alexander Rudin. la Alte Oper de Fráncfort. así como varias actuaciones como artistas residentes en Londres. Pieter Wispelwey y Jean-Guihen Queyras. el Wigmore Hall de Londres. así como los clásicos modernos de Shostakovich. rís. la Orquesta de Filadelfia (dirigida por Charles Dutoit). incluyendo desde 2002 la de cuarteto de cuerda. Su última grabación para el sello francés contiene obras de Ravel. Su interés por la música de cámara le lleva a compatibilizar sus conciertos como solista con los recitales con músicos de la talla de Natalia Gutman. la Alte Oper de Fráncfort y el Théâtre du Châtelet de París. Antje Weithaas. la Konzerthaus de Viena y Megaron en Atenas. donde había completado su formación. Ha actuado en salas como la Concertgebouw de ámsterdam. el Cuarteto hizo su presentación en la Beethoven-Haus de Bonn. el Festival de Música de Cámara de Risør que dirige Leif Ove Andsnes. Además de su amor por la música y de la amistad existente entre sus miembros. En sus actuaciones en las siguientes temporadas. Daniel Sepec. con enorme éxito. en el Vredenburg de Utrecht. En octubre del pasado año el grupo ofreció sus primeros conciertos en Estados Unidos. este último con la pianista Silke Avenhaus. Sharon Kam o Lars Vogt.

También ha encargado a seis compositores (Kurtág. con Conciertos de Haydn y Monn con la Orquesta Barroca de Friburgo. Finghin Collins. la Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. con los que tocará diversos programas en Hamburgo. También toca con los especialistas de zarb Kevan y Bijan Chemirani. de Debussy y Poulenc. un proyecto que ha tocado en salas como la Konzerthaus de Berlín. entre otros. el Suntory Hall de Tokio y el Carnegie Hall de Nueva York. el festival de Aldeburgh y la Bachfest de Leipig. Tabea Zimmermann. En el ámbito de la música de cámara toca habitualmente con los pianistas Alexander Melnikov y Alexandre Tharaud y con la violinista Isabelle Faust. Olivier Vivarès. David Stern. Marek Janowski. Heinz Holliger. viola Véase su biografía en la página 98. Como cotizado músico de cámara y solista ha tocado en salas tan prestigiosas como el Concertgebouw de ámsterdam. Hans Graf. Jean-Claude Casadesus. Alexandre Tharaud. Emmanuel Nunes. Veress. Harvey. estudió en Lyon. Frans Brüggen. En su discografía destaca la publicación en 2008 de las Suites para violonchelo solo de Bach para el sello Harmonia Mundi. con conciertos para violonchelo del siglo xxi y el Concierto para violonchelo de Dvořák con la Philharmonia de Praga dirigida por Ji ř í Bĕlohlávek. Ha sido profesor en la Musikhochschule de Trossingen y en la actualidad es catedrático en la Musikhochschule de Stuttgart. tras lo cual fue invitado a tocar en Fráncfort. Daniel Rowland o los Cuartetos Arcanto y Vogler. la Filarmónica de Radio Francia y la Orquesta de París con directores como Heinz Holliger. Ji ř í Bělohlávek. George Benjamin. el Wigmore Hall de Londres. Kari Kriikku. Ha tocado música de cámara con Jean-Guihen Queyras. Magnus Lindberg y Helmut Lachenmann. György Kurtág. el Wigmore Hall de Londres. Ofreció un recital para violonchelo solo en el XIX Liceo de Cámara. Ivan Fischer. Antje Weithaas. Denis Russell Davies. Gilbert Amy. Philippe Herreweghe. Günther Herbig.Daniel Sepec. con el que grabó el Concierto para violonchelo de György Ligeti para Deutsche Grammophon bajo la dirección de Pierre Boulez. violonchelo Se formó con Jean Deplace en Lyon y Jean-Guihen Queyras en Stuttgart. 114 115 . que ha publicado también otros con obras para violonchelo solo de Britten. Colonia. Jean-Guihen Queyras. El Cuarteto Arcanto ha actuado en las ediciones XV a XIX del Liceo de Cámara. con la Sonata “Arpeggione” de Schubert (ambos con el pianista Alexandre Tharaud). lo que le ha permitido trabajar de cerca con los compositores Pierre Boulez. Roger Norrington. Amy. violín Véase su biografía en la página 120. Es también uno de los directores artísticos de los Rencontres Musicales de Haute-Provence que se celebran todos los años en Forcalquier. Beat Furrer. Kurtág y Kodály. Olivier Knussen. el Palais des Beaux-Arts de Bruselas. Jean-Guihen Queyras ha actuado con orquestas del prestigio de la Sinfónica de la RAI de Turín. En 2004 ganó el primer premio del Concurso Internacional Johann Sebastian Bach en Leipzig. Nodaïra y Fedele) que escribieran un “eco” para cada una de las Suites de Bach. la Sinfónica de Tokio. la Orquesta Hallé de Manchester. Olivier Marron. la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. En el Concurso Domnick de Stuttgart recibió el Premio Especial por su interpretación de la música contemporánea. Juliette Hurel. En la temporada 2011-2012 será artista residente del Ensemble Resonanz de Hamburgo. violonchelo. Stefan Wirth. Mochizuki. Leipzig y San Petersburgo. Ed Gardner. John Neschling y András Ligeti. París. Muhai Tang. Viena y ámsterdam. Gerd Albrecht. prestado por el Mécénat Musical Société Générale. Emmanuel Pahud y Jean-Yves Thibaudet. la Tonhalle de Zúrich. Lars Vogt. Su interés por la música contemporánea le ha llevado a colaborar con el Ensemble Contrechamps de Ginebra. ente otros. Friburgo y en la Juilliard School de Nueva York. Desde noviembre de 2005 toca un violonchelo construido por Gioffredo Cappa en 1696. la Musikhalle de Hamburgo y la Cité de la Musique en París. Colabora también con músicos como Pierre-Laurent Aimard. En mayo de 2007 fue artista residente en el Concertgebouw de ámsterdam y el año siguiente hizo su presentación en los Proms de Londres y tocó la Sinfonía para violonchelo y orquesta de Britten en el Festival de Aldeburgh. Bruno Mantovani y Phillipe Schoeller. la Orquesta de la Suisse Romande. Leonard Slatkin. Ha sido violonchelo solista del Ensemble InterContemporain de París. Ha tocado en salas como la Philharmonie de Berlín. En su repertorio figuran un gran número de piezas contemporáneas y ha ofrecido los estrenos mundiales de los Conciertos para violonchelo de Ivan Fedele.

Su versatilidad le permite tocar igualmente el violonchelo barroco y el violonchelo moderno en un repertorio que abarca de Johann Sebastian Bach a Elliott Carter. Marc Minkowski. como la Sinfónica de Boston. la Utzon Room de Sydney. recitales y música de cámara. Ton Koopman. la Filarmónica de Lieja y una gira con la Orquesta Sinfónica de Flandes. el Teatro Colón de Buenos Aires. la Sinfónica de la NHK. todas ellas realizadas en directo. la Società del Quartetto de Milán. Wigmore Hall de Londres. colaborando con directores como Ivan Fischer. Actuó en el XVII Liceo de Cámara interpretando los dos Sextetos de cuerda de Brahms con el Cuarteto Arcanto de Sapporo. el Concertgebouw de ámsterdam. la Sinfónica de São Paulo. la Sala Topan de Tokio. Vladimir Jurowski. Entre sus recitales destacan los proyectos con el fortepianista Kristian Bezuidenhout (Konzerthaus de Viena. Paul. Philippe Herreweghe. además de actuaciones con la Filarmónica de Japón. la Sinfonía concertante de Prokofiev (con la Filarmónica de Róterdam y Vassily Sinaisky) y la Sinfonía para violonchelo y orquesta de Britten (con la Sinfónica de Flandes y Seikyo Kim). con Paul Katz en Estados Unidos y con William Pleeth en Gran Bretaña. en Seúl y en festivales en ámsterdam (Prinsengracht). la Filarmónica de Tokio. Entre 2009 y 2011 fue el director artístico del Festival de Violonchelo de Beauvais (Fancia). Louis Langrée. recitales a solo en el Museo del Louvre de París. Kent Nagano.Toca un instrumento construido por Jean-Baptiste Vuillaume en París en 1852 que le ha cedido generosamente el Fonds Instrumental Français. Su amplísima discografía se encuentra recogida principalmente en los sellos Onyx y Channel Classics. la Orchestra of the Age of Enlightenment. la Sinfónica de Dallas. Sus grabaciones más recientes son el Concierto para violonchelo de William Walton (con la Sinfónica de Sydney y Jeffrey Tate). la Orquesta Hallé. Vassily Sinaisky. la Orquesta Yomiuri Nippon. el Wigmore Hall y St. la Sala Megaron de Atenas. la Filarmónica de Londres. con quien acaba de publicar también en el sello Onyx las Sonatas para violonchelo de Mendelssohn y una selección de Valses de Chopin arreglados para violonchelo y piano. Actuó en el X Liceo de Cámara tocando la integral de las Suites para violonchelo de Bach. Polonia (Wratislavia Cantans) y giras por Italia. Neville Marriner. Paavo Berglund. Esa-Pekka Salonen. el Walt Disney Hall de Los ángeles y el Lincoln Center de Nueva York. la Orquesta de Cámara St. Libor Pešek o Roger Norrington. reuniendo durante una semana a los mejores violonchelistas del mundo en una serie de conciertos. Bozar en Bruselas. También ha grabado piezas para violonchelo de Schubert (algunas de ellas en su propia transcripción para su instrumento) con instrumentos históricos junto a Paolo Giacometti. Luke’s en Londres. la Sinfónica de Sydney. A lo largo de su carrera ha tocado con muchas de las mejores orquestas del mundo. Pieter Wispelwey toca un violonchelo construido por Giovanni Battista Guadagnini en 1760. el Théâtre du Châtelet en París. concedido al músico joven más prometedor del país. Jeffrey Tate. la Orquesta del Festival de Budapest o la Camerata de Salzburgo. violonchelo Nacido en Haarlem (Holanda). la Sinfónica de la BBC. la Sinfónica de la Radio Danesa. se formó con Dicky Boeke y Anner Bylsma en ámsterdam. Entre sus futuros proyectos se encuentra la interpretación de conciertos dedicados a Rostropovich con orquestas sinfónicas australianas. Yannick Nézet-Séguin. Pieter Wispelwey. incluyendo numerosas obras compuestas específicamente para él. la Orquesta de Cámara Escocesa. la Konzerthaus de Berlín. el Centro Nacional de Artes Interpretativas de Pekín. la Sinfónica 116 117 . Alemania y Norteamérica. la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. Concertgebouw de Brujas). el pianista Cédric Tiberghien (Wigmore Hall de Londres). la Academy of Ancient Music. En la siguiente edición tocó las tres Suites para violonchelo solo de Britten. la Konzerthaus de Dortmund. la Celebrity Series de Boston. En 1992 se convirtió en el primer violonchelista en obtener el Premio de la Música Holandés. Sus recitales le han llevado a tocar de forma habitual en el Wigmore Hall de Londres. Herbert Blomstedt. Desde enero de 2009 hasta marzo de 2001 ha dado clases en la Staatliche Hochschule für Musik de Stuttgart como ayudante de Jean-Guihen Queyras.

Bacri y Debussy en Fuga Libera) y Valérie Aimard (repertorio francés en Lyrinx). Alina Ibragimova. publicada a comienzos de 2009 por el sello Hyperion. Cédric Tiberghien ha aparecido con un gran número de orquestas internacionales. el Royal Albert Hall. tocando la Sinfonía Turangalîla de Messiaen con la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington dirigida por Christoph Eschenbach. la Sinfónica de São Paulo. la Orquesta Hallé. la Orquesta Sinfónica de la NHK. Sonatas de Britten. la Salle Pleyel y el Théâtre des Champs Élysées en París. entre muchos otros. Ha realizado también grabaciones con las violonchelistas Marie Hallynck (Sonatas de Schumann y Grieg en Harmonia Mundi. 76 y los Valses op. Yutaka Sado y Jerzy Semkow. Milán) y obtuvo el primer premio en el prestigioso Concurso Long-Thibaud en París en 1998. Valérie Aimard. en el Wigmore Hall de Londres. Ginebra. la Sinfónica Nacional de Irlanda. un disco con diez Danzas Húngaras. la Ópera de Sydney y las salas Bunka Kaikan y Asahi de Tokio. Ji ř i Bělohlávek. así como en Bozar y el Théâtre de la Monnaie de Bruselas. el Concertgebouw de ámsterdam. También va a tocar próximamente con la Sinfónica de Seattle. Chopin. La integral se ha publicado también en disco con gran éxito en el sello Wigmore Live. la Sinfónica de Tokio. las Baladas de Brahms y. más recientemente. con siete giras por Japón y apariciones en toda Europa. con sólo diecisiete años. el Cuarteto Ysaÿe. Leif Segerstam. Nicholas Angelich. En 2011 ha sido el pianista invitado del Musikkollegium Winterthur para un proyecto Bach en el que interpretó el Libro II completo del Clave bien temperado. piano Cédric Tiberghien estudió en el Conservatorio de París con Frédéric Aguessy y Gérard Frémy y recibió el Premier Prix en 1992. Tel Aviv. la Sinfónica de Sydney. 39 de Brahms. En recital tiene previsto aparecer las siguientes tres temporadas en el Wigmore Hall de Londres. con más de un centenar y medio de compromisos en todo el mundo. así como un disco con las Mazurcas de Chopin. Ha ofrecido recitales por todo el mundo en las salas más importantes. la Sala Bechstein en Berlín. y en Francia la Filarmónica de Radio Francia. el Cuarteto Psophos. Alain Planès. Christoph Eschenbach. Recientemente ha hecho su debut con orquesta en Estados Unidos. Bertrand Chamayou.Cédric Tiberghien. como el Kennedy Centre en Washington. Marie Hallynck. Marie Devellereau y Gweneth-Ann Jeffers. el Queen Elizabeth Hall y el Barbican Centre en Londres. que acaba de lanzar al mercado su integral de las obras para violín y piano de Ravel junto con la Sonata de Guillaume Lekeu. la New Japan Philharmonic. Luego resultó vencedor en diversos concursos internacionales (Bremen. Su discografía a solo. la integral de los Conciertos de Beethoven con la Orchestre National d’Île de France y una gira con las orquestas más destacadas de Australia y Nueva Zelanda. la Filarmónica de Tokio. las Klavierstücke op. lo que le ha granjeado de inmediato una invitación para tocar en la presente temporada dos conciertos con la Sinfónica de Boston en Boston y en el Carnegie Hall de Nueva York. incluidos el Premio del Público y el Premio de la Orquesta. Myung-Whun Chung. el Wigmore Hall. la Orchestre de la Suisse Romande. incluye un disco concertante (el Concierto nº 1 de Brahms con la Sinfónica de la BBC y Ji ř i B ělohlávek) y cinco discos de recitales: Debussy. publicado en 2010. Antes hicieron su debut discográfico con la grabación de las obras completas para violín y piano de Szymanowski. además de dos de los Conciertos para teclado de Bach. el Mozarteum de Salzburgo. en el Jersey Arts Centre y durante una residencia en el Festival de Aldeburgh. Cédric Tiberghien es también un apasionado camerista: en la temporada 2009-2010 interpretó el ciclo completo de las Sonatas para violín y piano de Beethoven con su compañera de dúo. la Filarmónica de Hamburgo. Bach (Partitas). Colabora también en música de cámara con artistas como Sophie Karthäuser. la Philharmonie y la Konzerthaus de Berlín y en diversos festivales de verano por toda Europa. y los violinistas Amanda Favier (Sonatas de Janáček y Strauss en Lyrinx) y Vadim Tchijik (obras de Fauré y Ravel). Esto impulsó su carrera internacional. Cédric Tiberghien tocó dos conciertos con Sonatas para violín y piano de Beethoven junto a Alina Ibragimova en el XVIII Liceo de Cámara. Ha colaborado con directores como Simone Young. Ivan Fischer. Beethoven (Variaciones). Dublín. publicada por Harmonia Mundi. Antoine Tamestit. Stuttgart Staatsorchester. la Gelders Orkest. Con más de sesenta conciertos para piano y orquesta en su repertorio. el Quinteto Moraguès. además de otros cinco galardones especiales. 118 119 . Pierre Amoyal. Louis Langrée. Kurt Masur. la Orquesta del Festival de Budapest. la Orquesta de París y la Orquesta Nacional de Francia. incluidas la Sinfónica de la BBC. En 2011 se ha publicado su grabación de las Variaciones sinfónicas y Les Djinns de César Franck para el sello Cyprès.

Posteriormente las ha llevado al disco para el sello Coviello Classics con Hille Perl (viola da gamba). A finales de 2003 apareció en el sello Carus su grabación de las Sonatas para violín y clave de Bach (con Kay Johannsen). Con el Ensemble Explorations ha grabado para Harmonia Mundi Quintetos de cuerda de Boccherini y obras de cámara de Dvořák con instrumentos de época. Forma parte habitualmente de grupos como la Orquesta Barroca de Friburgo. Ha tocado regularmente con el Concentus Musicus de Viena. Desde 1993 ha sido concertino de la Deutsche Kammerphilharmonie de Bremen. Como músico de cámara participa regularmente desde 1995 en la Schubertiade de Hohenems. se crió en Mössingen/Tubinga y estudió con Wolfgang Marschner y Rainer Kussmaul en Friburgo. actuando también de manera regular como solista con directores como Daniel Harding. Thomas Hengelbrock y Kay Johanssen y ha sido invitada como directora por la Camerata de Berna y la Kammerakademie Potsdam. Poco después publicó su primera grabación con el Cuarteto Salagon. bajo la dirección de Thomas Hengelbrock. la Orquesta de Cámara de Europa y la Orquesta Barroca de Friburgo. con Boris Kuschmir en Viena y con Nora Chastain en Winterthur. Christine Busch toca por primera vez en el Liceo de Cámara. y asistió a clases magistrales con Sándor Végh y el Cuarteto Alban Berg. un conjunto de instrumentos originales. la Akademie für Alte 120 121 . que incluía obras de Joseph Martin Krause. Daniel Sepec ha mostrado un interés creciente por el violín barroco. compatibilizando siempre la interpretación del violín barroco y del violín moderno. Salzburger Hofmusik y. entre ellos uno con obras de Beethoven en el que utilizaba el violín que había pertenecido al compositor alemán y que se encuentra en la Beethoven-Haus de Bonn. violín barroco Nacida en Stuttgart. Patrick Sepec. la Camerata del siglo xviii. En 2003 formó un trío con piano con el violonchelista Jean-Guihen Queyras y el fortepianista Andreas Staier para tocar el repertorio clásico vienés. En 2004 fundó. Christine Busch. Desde septiembre de 2010 da clases de violín en la Hochschule für Musik de Basilea. Posteriormente asistió a las clases de violonchelo barroco de Christophe Coin en la Schola Cantorum Basiliensis y desde entonces se ha concentrado en la interpretación con instrumentos históricos. Claudia Hofert y Gesine Queyras el Cuarteto Salagon. También ofrece conciertos y ha grabado diversos discos con Andreas Staier. Con él ha publicado un disco con obras de Beethoven y Hummel. la Camerata de Berna y la Camerata Académica de Salzburgo. En la XVII edición tocó en solitario la Passagalia de Biber con violín barroco. Atraído por la riqueza de expresividades de la música barroca. así como con Gerhard Schulz en Viena. Su última grabación con Andreas Staier para Harmonia Mundi contiene las dos Sonatas de Robert Schumann y la Chacona de Bach con el acompañamiento pianístico añadido por Schumann. junto con Kathrin Tröger. MDG y CPO con grupos como la Akademie für Alte Musik de Berlín. Thomas Hengelbrock. violín barroco Estudió con Dieter Vorholz en Fráncfort. estudió de 1990 a 1997 con Thomas Demenga y Reinhard Latzko en la Musikhochschule de Basilea. en los últimos años. Daniel Sepec ha tocado como miembro del Cuarteto Arcanto en las ediciones XV a XIX del Liceo de Cámara. Como concertino invitado ha actuado con la Orquesta de Cámara de Europa. Ha sido también concertino en agrupaciones dirigidas por Philippe Herreweghe. Frans Brüggen y Trevor Pinnock. Ha tocado las Sonatas del Rosario de Biber con violín barroco en la Konzerthaus de Viena y en la Semana de Música Antigua de Innsbruck. Actúa como concertino regularmente en el Ensemble Balthasar-Neumann. violonchelo barroco Nacido en 1969 en Fráncfort. Ese mismo año formó un trío con el flautista Eugen Bertel y el guitarrista Alexander Swete. A partir de 1997 dio clases en la Hochschule der Künste de Berlín y tres años después fue nombrada profesora de la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst en Stuttgart. principalmente con el Ensemble Explorations que dirige el violonchelista belga Roel Dieltiens. Lee Santana (laúd) y Michael Behringer (órgano). Como solista ha tocado con la Academy of Ancient Music dirigida por Christopher Hogwood. cuyo repertorio se sitúa entre Haydn y Mendelssohn. con la Wiener Akademie y Martin Haselböck y con la Orchestre des Champs-Élysées dirigida por Philippe Herreweghe.Daniel Sepec. un cuarteto con instrumentos históricos. Ha realizado grabaciones para los sellos Harmonia Mundi.

trabajó como pianista repetidora en el Hans-Otto-Theater de Potsdam y durante ese tiempo estudió clave y bajo continuo con Walter Heinz Bernstein en Leipzig. realiza talleres de interpretación histórica de instrumentos de viento para orquesta moderna como la Philharmonische Staatsorchester de Halle. Seiji Ozawa. Christine Schornsheim actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. la Hochschule für Musik und Theater de Múnich y en la Academia de Música Feliks Nowowiejski Bydgoszcz de Bromberg (Polonia). Covent Garden. También es invitado frecuentemente por Alice y Nikolaus Harnoncourt para participar en numerosos proyectos con el Concentus Musicus de Viena. que recibió el Diapason d’Or. Considerado como uno de los más prestigiosos conjuntos de cámara del mundo. Wilhelm Friedemann y Johann Christian Bach. Cuarteto de Tokio El Cuarteto de Tokio ha cautivado a público y crítica desde su fundación hace más de cuarenta años. Hermann Max y Christoph Poppen. Ton Koopman y Johann Sonnleitner. Como solista ha actuado también por toda Europa y en Israel. Conciertos para clave de Carl Philipp Emanuel. Düsseldorf y Neuburg). Desde 2009 toca como primer violonchelo con el conjunto austriaco moderntimes_1800.Musik de Berlín. Además de impartir cursos de flauta travesera histórica y música de cámara (en ciudades como Basilea. Ulla Bundies y Mary Utiger. Japón y Estados Unidos. Desde 2003 es miembro del grupo Münchener Cammer-Music. especializado en el repertorio contemporáneo. con el que ha grabado para el sello Challenge Classics Conciertos para cuerda de Johann Gottlieb Graun. Christoph Huntgeburth. Hizo su presentación como fortepianista en 1994 acompañando al tenor Peter Schreier y colabora especialmente con Andreas Staier (en la interpretación de conciertos para dos claves). Desde octubre de 2002 es catedrática de clave en la Hochschule für Musik und Theater de Múnich. estudió con Konrad Hünteler en la Musikhochschule de Detmold y su formación se enriqueció con los consejos de Frans Brüggen. Como instrumentista moderno formó parte entre 2011 y 2008 del Ensemble Resonanz. Conciertos para fortepiano de Mozart y obras para flauta de Beethoven con el flautista Christoph Huntgeburth. Da clases también regularmente en la Folkwang Hochschule de Essen. Gilbert Varga. Anima Eterna. lo que le ha llevado a colaborar con directores como Georg Solti. flauta travesera barroca Nacido en Beckum. Michael Schmidt-Casdorff. dirigido por Ilia Korol y Julia Moretti. Philippe Herreweghe. Leopold Hager. Más tarde dio clases también de fortepiano y fue responsable de la creación del departamento de Música Antigua. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Eduardo López Banzo y Marcus Creed. Georg Christoph Biller. Markus Creed. Patrick Sepec toca por primera vez en el Liceo de Cámara. Claudio Abbado. Ha realizado numerosas grabaciones discográficas. André Jaunet y Robert Aitken. Christine Schornsheim. Nikolaus Harnoncourt. el Preis der Deutschen Schallplattenkritik y el Premio Echo. la Konzerthausorchester de Berlín y la Filarmónica de Stuttgart. En 2005 apareció su grabación de las obras completas para teclado de Haydn en cinco instrumentos históricos. Es flauta solista del Balthasar-Neumann Ensemble (que dirige Thomas Hengelbrock). Salzburgo. Hellmuth Rilling. Desde 1985 se concentra en su labor como clavecinista y fortepianista. La Stagione o Al Ayre Español. el grupo ha colaborado con numerosos artistas y compositores. especializado en la interpretación de la música italiana y alemana del siglo xvii. Karlsruhe. También ha colaborado con Ivor Bolton interpretando la parte de continuo en la Ópera Estatal de Baviera y en la Royal Opera House. Jos van Immerseel. Peter Schreier. y su 122 123 . de la Orquesta del Siglo xviii (que dirige Frans Brüggen) y de Neuen Düsseldorfer Hofmusik. Varsovia. clave y órgano Tras completar sus estudios de piano en la Hochschule für Musik de Berlín. colaborando con directores como René Jacobs. entre las que destacan las Variaciones Goldberg y obras poco frecuentes para teclado de Johann Sebastian Bach. Más tarde completó su formación con Gustav Leonhardt. Es además miembro del grupo Les cornets noirs. Entre 1988 y 1992 fue profesora de clave y bajo continuo en la Hochschule für Musik und Theater de Leipzig.

También imparten regularmente clases magistrales en Norteamérica. Desde su condición de joven promesa. que contiene obras de Joseph Haydn y que fue muy alabado por la crítica. En abril de 2010 estrenaron en el Liceo de Cámara el Cuarteto Breve del compositor Alberto Iglesias en uno de los dos conciertos ofrecidos con motivo del cuadragésimo aniversario de la creación del grupo. el Concertgebouw de ámsterdam. grabado en directo. Asia y Estados Unidos. Desde 1976 los miembros del Cuarteto de Tokio han colaborado con la Escuela de Música de Yale. como Deutsche Grammophon. En ese mismo año comenzó su cola- 124 125 . tocando en algunos de los auditorios más prestigiosos. la misma obra que tocaron en el XVI Liceo de Cámara.discografía ha merecido las críticas más entusiastas. prestados al grupo por sus propietarios privados. así como al prestigioso Festival de Música de Cámara de Norfolk en el verano. Cuarteto Ebène Fundado en 1999. le dedican gran parte de su tiempo durante el curso académico. Eberhard Feltz y György Kurtág. Estos instrumentos constituyen un préstamo de la Fundación Nipona de Música desde 1995. La pasada temporada tocaron quintetos colaborando con músicos como David Watkin. En 2010 ofreció dos conciertos que se enmarcaron dentro de una amplia gira mundial con motivo de la celebración del 40º aniversario de su fundación. Muy comprometidos con la enseñanza a jóvenes cuartetos de cuerda. que abarca tanto obras clásicas como contemporáneas. Suele ofrecer más de cien conciertos al año por todo el mundo. que generosamente les ha proporcionado instrumentos antiguos italianos. Roberto Díaz y Michael Tree. el Cuarteto Ebène participó en el ciclo dedicado a Haydn en el Wigmore Hall de Londres. Recientemente fueron seleccionados para tomar parte en el prestigioso esquema “New Generation Artists” de la BBC y han sido apoyados por la Fundación Borletti-Buitoni. la Philharmonie de Berlín y el Carnegie Hall de Nueva York. Sabine Meyer (con la que tocaron en el Liceo de Cámara). En las ediciones XVI y XVII interpretó las opp. Desde la III edición. Durante la temporada 2007-2008 el grupo actuó en toda Europa. Europa y Asia. El estreno de la obra de Higdon fue presentado por la Asociación de Amigos de la Música de Cámara de Arizona en marzo de 2006. En los últimos años han completado una integral de los Cuartetos de Beethoven para esta casa discográfica francesa. no solamente en las grandes capitales. El Cuarteto de Tokio es reconocido a nivel mundial por su amplio repertorio. Su disco con el Quinteto con clarinete de Brahms con Joan Enric Lluna (Harmonia Mundi) ha recibido unas excelentes críticas. así llamados por haber sido adquiridos y utilizados por el virtuoso Niccolò Paganini durante el siglo xix. además de mantener su compromiso con la enseñanza. que patrocinó su primer disco. de Lera Auerbach. Muchas de estas grabaciones han sido galardonadas con el Grand Prix du Disque de Montreux. Leon Fleisher. sino también en ciudades que van de Australia a Estonia y de Escandinavia al Lejano Oriente. 50 y 76 completas de Joseph Haydn. En 2009. EMI. En 2005 obtuvo el Premio Belmont de la Fundación Forberg-Schneider. el Cuarteto de Tokio ha actuado sistemáticamente en el Liceo de Cámara y ha sido en varias ocasiones Cuarteto Residente del ciclo. El Cuarteto de Tokio utiliza el grupo de famosos instrumentos Stradivarius conocidos como el “Cuarteto Paganini”. El grupo se dio a conocer en el prestigioso Concurso Internacional de la ARD en Múnich en su edición de 2004 al recibir cinco galardones especiales. y en su gira por nuestro país el Cuarteto ofreció en la primavera de 2006 el estreno mundial del Cuarteto nº 2. El sello Biddulph ha publicado los Cuartetos “Prusianos” de Mozart. junto a los Cuartetos Hagen. Mejor Grabación de Música de Cámara del Año por parte de las revistas Stereo Review y Gramophone y han recibido siete nominaciones al Grammy. En la temporada 2005-2006 estrenó tres nuevos encargos de los compositores Lera Auerbach. Desde entonces ha permanecido vinculado a dicha fundación. El estreno mundial del Cuarteto de este último tuvo lugar en Melbourne y posteriormente en otras ciudades australianas. además de tocar Quintetos de Mozart en varios países con los violistas Naoko Shimizu. BMG/RCA. Jennifer Higdon y Peter Sculthorpe. como la Musikverein de Viena. el Cuarteto Ebène ha crecido hasta convertirse en uno de los cuartetos más destacados del panorama internacional. se formó en París con el Cuarteto Ysaÿe y junto a maestros como Gábor Takács. CBS y Vox Cum Laude. “Primera Luz”. Han realizado más de treinta grabaciones para diferentes casas discográficas. Jeremy Denk y Emanuel Ax. Emerson y Arcanto. así como un segundo dedicado a Béla Bartók.

ha tocado con las Orquestas de Cámara de Múnich y Viena. Haydn y Debussy para. estudió con Jean Sulem en el Conservatorio de París. Julian Rachlin. el Concurso William Primrose (Chicago. Duante la temporada 2009-2010 fue artista residente en la Konzerthaus de Berlín. la Festspielhaus en Baden-Baden. Isabelle Faust. Graz y Viena. el “ffff” de Télérama y el “Choc” de Le Monde de la Musique. por ejemplo. además de recibir el Förderpreis Deutschlandfunk en 2008 y. Janine Jansen. la Orquesta de la Gewandhaus. aunque raramente presenta programas que combinen en un mismo concierto la música clásica y el jazz. en ese mismo año. En la presente temporada tiene previsto tocar con la Orquesta de París. el Concierto para viola de Schnittke con la Filarmónica de Varsovia y Dmitri Kitaienko (Ambroisie) y el Quinteto “La trucha” de Schubert con Christian Tetzlaff. Destacado camerista. Boris Pergamenschikov. con obras de Bach y Ligeti. el Carnegie Hall de Nueva York. el jazz. A estos premios se suman el Premio Echo de la prensa alemana. Mischa Maisky. la Filarmónica de la BBC. con la participación de estrellas invitadas como Fanny Ardant. que recibió un premio Echo. Emmanuel Pahud. Stacey Kent y Natalie Dessay. en la Universidad de Yale con Jesse Levine y el Cuarteto de Tokio. Megaron en Atenas. No es fácil encontrar otro cuarteto que se mueva con tanta facilidad y entusiasmo entre los distintos estilos. Marie-Elisabeth Hecker. Jean-Guihen Queyras. viola Nacido en 1979. tras la pausa. En 2007 fue nombrado “Révélation Instrumentale de l’Année” de Victoires de la Musique. 138 de Mozart. con quien posteriormente grabaría la obra para el sello Nimbus. Paul Meyer. La compositora Olga Neuwirth escribió para él un Concierto estrenado en Berlín. Tocó por primera vez en el concierto inaugural del XIX Liceo de Cámara. Es uno de los ganadores del premio de la Fundación Borletti-Buitoni en 2006. la Filarmónica de Viena (con la que debutó en 2008 en el Festival de Lucerna bajo la dirección de Riccardo Muti). 2001). Ha obtenido el primer premio en el Concurso Maurice Vieux (París. la Cité de la Musique de París. la Orquesta Filarmónica de Radio Francia. Un recital con obras de Schubert y Tríos de cuerda con Frank Peter Zimmermann y Christian Poltera constituyen sus últimos registros discográficos. Posteriormente ha grabado la Sinfonía concertante de Mozart con Renaud Capuçon y la Orquesta de Cámara Escocesa dirigida por Louis Langrée para el sello Virgin Classics. la Konserthuset en Estocolmo. Su repertorio abarca del Barroco a la música contemporánea. la Filarmónica de Varsovia y la Sinfónica de Berlín. entre otras. Sus proyectos más inmediatos son Harold en Italia de Berlioz con Antoine Tamestit.boración con el sello Virgin Classics. En el Festival de Feldkirch en 2002 estrenó Viola. la Orquesta de Lieja y la Orquesta de la WDR de Colonia estrenó también un Concierto para dos violas escrito por Bruno Mantovani para Tabea Zimmermann y para él mismo. el Lincoln Center de Nueva York o las Follées Journées en Francia y Japón. 421 y 465 y el Divertimento K. con quien ha tocado en el Concertgebouw de ámsterdam. la Musikverein de Viena. También toca en trío con Frank Peter Zimmermann y Christian Poltera. Luz Casal. Alois Posch y Martin Helmchen (Pentaton). ofrecer su propio arreglo de la banda sonora de la película Pulp Fiction. una improvisación sobre Spain de Chick Corea y regalar una propina en la que el grupo desvela los talentos vocales de un grupo a cappella. En sus conciertos es habitual que interpreten primero. Su primer disco con obras de Ravel. el Palais des Beaux-Arts en Bruselas. Debussy y Fauré obtuvo dos premios Gramophone en 2009 dentro de las categorías de “Mejor Grabación del Año” y “Mejor Grabación de Música de Cámara”. Colabora habitualmente en recital con el pianista alemán Markus Hadulla. donde abordan también la interpretación de música pop y de una de las grandes especialidades del grupo. Viola de George Benjamin junto a Tabea Zimmermann. en el que también recibió el Premio del Público y dos premios especiales. el Premio Joven Artista de Crédit Suisse. la Orquesta Nacional de Lyon. y con Tabea Zimmermann en Berlín. toca habitualmente con músicos como Gidon Kremer. la Nueva Filarmónica de Japón y la Orquesta Filarmónica de Radio France y Myung-Whun Chung en una gira por Alemania. en las Audiciones Internacionales de YCA (Nueva York. la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. 2004). Con la Orquesta Filarmónica de Radio France. Posteriormente grabaron un disco con obras de Brahms junto a la pianista Akiko Yamamoto y el año pasado de publicó su disco Fiction. el Wigmore Hall de Londres. 2000). Nicholas Angelich o Natalia Gutman. El sello Ambroisie ha publicado su primera grabación a solo. 126 127 . Como solista. 2003) y en el Concurso Internacional de la ARD (Múnich. Renaud y Gautier Capuçon. En su última incursión discográfica han retomado el repertorio clásico con los Cuartetos K.

Posteriormente ha recibido una fuerte influencia de músicos como Mstislav Rostropovich. el Mozarteum de Salzburgo y la Konzerthaus de Viena. Sofia Gubaidulina. Alexander Lonquich. Carolin Widmann. Después de salir triunfador en diversos concursos internacionales. Su primer disco lo publicó el sello Genuin en 2007. Nicolas Altstaedt. También es invitado regularmente a festivales internacionales como los de Lockenhaus. de nuevo con Zimmermann y Poltera. Alina Ibragimova. Miklós Perényi. Da clases en la Musikhochschule de Colonia y toca un instrumento excepcional construido por Antonio Stradivarius en 1672.Marc Minkowski y los Tríos de cuerda de Beethoven. Yuri Bashmet. Mecklenburg y la Schubertiade de Schwarzenberg. ha tocado en las salas de concierto más importantes del mundo. prestado por la Deutsche Stiftung Musikleben. así como con la Sinfónica de Bamberg. la Fundación Gulbenkian de Lisboa. el Musikkollegium Winterthur y Mario Venzago. En el ámbito de la música de cámara toca habitualmente con Gidon Kremer. Su última grabación contiene obras camerísticas de Robert Schumann y Wilhelm Killmayer. el Ensemble Scharoun de la Filarmónica de Berlín o la intérprete de bajan Elsbeth Moser. Perth. el Théâtre du Châtelet de París. Schleswig-Holstein. Ludwigsburg. el Palais des Beaux Arts de Bruselas. la Sala Verdi de Milán. la Philharmonie de Colonia. Posteriormente grabó para el sello Claves obras concertantes de Schumann. Cuarteto Belcea Fundado en el Royal College of Music en 1994. la Tonhalle de Zúrich. la Orquesta de Cámara de Stuttgart y Dennis Russell Davies. Patricia Kopatchinskaja. prestado por la Fundación Habisreutinger. el Cuarteto Ebène. fue uno de los últimos alumnos de Boris Pergamenschikow en Berlín. Salzburgo. Bath y Cheltenham. la Sala Hércules de Múnich. las Orquestas Sinfónicas de Melbourne y Adelaida. entre otras. la Orquesta de Cámara de Zúrich. Heinrich Schiff. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. la Tapiola Sinfonietta y la Orquesta Juvenil Simón Bolívar. Son asimismo habituales en todos los grandes festivales del Reino Unido: Edimburgo. y fueron Cuarteto Residente en el Wigmore Hall entre 2001 y 2006. como la Konzerthaus y la Musikverein de Viena. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart y Roger Norrington. el Carnegie Hall y el Alice Tully Hall de Nueva York y el Teatro Herbst de San Francisco. Sus conciertos le han llevado a tocar en escenarios tan prestigiosos como el Centro de las Artes de Seúl. HK Gruber y Wilhelm Killmayer. el Théâtre du Châtelet de París. Daniel Hope. Rheingau. que le permitió hacer su debut con la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Gustavo Dudamel en el Festival de Lucerna. 128 129 . la Konzerthaus de Berlín. Lausanne. Pekka Kuusisto. la Philharmonie de Berlín. Steven Isserlis y Anner Bylsma. violonchelo Nacido en 1982 en el seno de una familia de ascendencia francesa y alemana. y los Conciertos de Haydn con la Potsdamer Kammerakademie dirigida por Michael Sanderling (de nuevo para Genuin). el Carnegie Hall de Nueva York. la Konserthuset de Estocolmo. Toca un instrumento construido por Nicolas Lupot en París en 1821. el Festival de las Artes de Hong Kong. Jörg Widmann. Trondheim. la Philharmonie Austrohúngara Haydn y Adam Fischer. Aldeburgh. En las últimas temporadas ha tocado con la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich y Neville Marriner. Actuó en el XVII Liceo de Cámara tocando los Quintetos y Sextetos de cuerda de Brahms junto con el Cuarteto Arcanto y en el XIX Liceo de Cámara con un recital para viola sola. Moritz Eggert. Barnabás Kelemen. Kirill Gerstein. Kronberg o la Beethovenfest de Bonn. la Tonhalle de Zúrich. Tchaikovsky y Friedrich Gulda. Estambul. la Orquesta Sinfónica de la Radio Danesa. Franghiz Ali-Sade. Salzburgo. en 2009 obtuvo una beca de la Fundación Borletti Buitoni y el año siguiente recibió el prestigioso premio Crédit Suisse Young Artist Award. En 2010 fue elegido como uno de los integrantes del programa New Generation Artists de la BBC. el Concertgebouw de ámsterdam. Siente una especial afinidad hacia la música contemporánea y ha trabajado con compositores como Gyorgy Kurtág. donde prosiguió sus estudios con Eberhard Feltz. Tabea Zimmermann. Lera Auerbach. Jerusalén. además de frecuentar los festivales de Luberon.

tocó en el Festival Dvořák de Praga. el Cuarteto Pavel Haas participó en el programa New Generation Artists de la BBC. el Mozarteum de Salzburgo. Fauré. el Wigmore Hall de Londres y el Concertgebouw de ámsterdam. la Philharmonie de Berlín. En 2006 el Cuarteto fue nombrado por la Philharmonie de Colonia como una de las “estrellas emergentes” de la Asociación de Salas de Concierto Europeas. que le ofreció una gira por Europa en la temporada 2007-2008 en salas como la Konzerthaus de Viena. el Palau de la Música de Barcelona. y han actuado con Ian Bostridge en el Zankel Hall de Nueva Cork y la Biblioteca del Congreso en Washington. la Philharmonie de Colonia. la Fundación Gulbenkian y la Philharmonie de Luxemburgo. sus integrantes han pasado los últimos años viajando por toda Europa para estudiar con miembros del Quartetto Italiano. seguido de su debut en los Proms. Aunque basado en Praga. además de realizar giras por Alemania. la Schubertiade de Hohenems. el Concertgebouw de ámsterdam y la Konzerthaus de Viena. Alemania. CD de la Semana por BBC Radio 3 y Mejor Disco de Música de Cámara por la BBC Music Magazine. en el Wigmore Hall. complementaria de la anterior. lo que le supuso realizar diversas grabaciones para la emisora británica (entre ellas una con Cuartetos de Beethoven) y tocar en importantes salas del Reino Unido.Colaboran con instrumentistas como Thomas Adès. Austria. la Alte Oper de Fráncfort y la Philharmonie de Essen. la Philharmonie de Colonia. publicado por el sello Supraphon. la Frick Collection de Nueva York. Fue elegido como uno de los mejores CDs de 2006 por The Daily Telegraph. Gran Bretaña. el Cuarteto Borodin y el Cuarteto Amadeus. Regresó. el Symphony Hall de Birmingham y el Carnegie Hall de Nueva York. En la temporada 2009-2010 debutó en el Festival de Lucerna. de Mark Anthony Turnage. La pasada temporada ofreció dos conciertos en el Festival de Edimburgo. asimismo. con ciclos de conciertos en el Reino Unido. Imogen Cooper. saïques. además de realizar importantes giras por Estados Unidos y Australia. el Concertgebouw de ámsterdam. En otoño de Cuarteto Pavel Haas Desde que ganó el Concurso Paolo Borciani en Italia en la primavera de 2005. incluido el Quinteto en Do mayor con Valentin Erben. Su concierto en el Wigmore Hall en julio de 2007 le granjeó la invitación de seguir tocando en la sala en años sucesivos. La pasada temporada estrenaron el cuarteto de cuerda Twisted Blues with Twisted Ballad. la Cité de la Musique de París. contiene el Cuarteto nº 2 de Haas y el Cuarteto nº 2. Su segunda grabación. Su primer CD. Yovan Markovitch. la Konserthuset de Estocolmo. En la presente temporada se han embarcado en la interpretación de los cuartetos de cuerda completos de Beethoven. que fue nominado a los Premios Gramophone. el Cuarteto Pavel Haas inició una fulgurante carrera internacional. Obtuvo el Premio Gramophone por el mejor debut discográfico en 2001. Alemania y Australia. Piotr Anderszewski y Valentin Erben. a la Konzerthaus de Viena. Su discografía con EMI incluye obras de Brahms. Italia y Gran Bretaña. Isabelle van Keulen. Su última grabación recoge obras de Schubert. donde volvieron a actuar el pasado verano con Valentin Erben interpretando el Quinteto en Do mayor de Schubert. los Proms de la BBC y la Konzerthaus de Berlín. En la temporada 2006-2007 ofrecieron ya numerosos conciertos por toda Europa en lugares como el Museo del Louvre en París. Suecia y Estados Unidos. “Cartas íntimas”. Junto con la pianista Mihaela Ursuleasa. Japón. Es Cuarteto Residente en la Guildhall School de Londres y desde la pasada temporada es también conjunto residente en la Konzerthaus de Viena. Il tramonto de Respighi con Angelika Kirchschlager en el Wigmore Hall de Londres. el Cuarteto Mo- 130 131 . También han mantenido una estrecha relación con Milan Škampa (Cuarteto Smetana) en Praga y Walter Levin (Cuarteto LaSalle) en Basilea. También han interpretado La bonne chanson de Fauré con Anne Sofie von Otter en la Cité de la Musique de París. Mozart y las integrales cuartetísticas de Bartók y Britten. 1 y 3 de Haas. la Festspielhaus de BadenBaden. Paul Lewis. la Konzerthaus de Viena y la Konzerthaus de Dortmund. en la Schubertiade de Schwarzenberg. fue cuarteto residente en los Glasgow Royal Concert Halls y volvió a colaborar asiduamente con la BBC. El Cuarteto Belcea actuó en el XIII Liceo de Cámara. estrenarán el Quinteto con piano de Thomas Larcher en el Wigmore Hall. Michael Collins. Ha realizado también giras por Estados Unidos. Entre septiembre de 2007 y septiembre de 2009. contenía el Cuarteto nº 1 de Janáček y los Cuartetos núms. el Palais des Beaux-Arts de Bruselas. llevaron a cabo su propio proyecto “Beethoven y Schubert: Últimos Años” con conciertos en Aldeburgh. Schubert. de Leoš Janáček. en el Wigmore Hall. Además.

Eliahu Inbal y Hans Graf. 1 y 2 y el Dúo para dos violines de Prokofiev. En la pasada temporada destacan sus proyectos camerísticos con Alexander Lonquich en Italia. Schleswig-Holstein. siempre para el sello Supraphon. así como el Concierto de cámara de Alban Berg en la Kunstfest de Weimar. Kissinger Sommer. Más tarde. Lockenhaus. Heinz Holliger. entre otros. la Schubertiade de Schwarzenberg. También es miembro del Cuarteto Tetzlaff (en el que toca la viola) y del Trío Weinmeister (junto a sus hermanos Gertrud y Bruno). 21 de Othmar Schoeck con la Orquesta de la Suiza Italiana dirigida por Heinz Holliger. contiene cuartetos de última época de Antonín Dvořák y acaba de recibir el Premio Gramophone al mejor disco del año en el apartado de música de cámara. Ha ganado el Primer Premio en el Concurso “Jugend Musiziert” para músicos jóvenes. Como solista ha tocado el Concierto para violín de Sándor Veress bajo la dirección de Heinz Holliger en Basilea y Liubliana. Alexander Lonquich. estudió con Bruno Steinschaden en el Mozarteum de su ciudad natal. El Cuarteto Pavel Haas actuó en el XVI Liceo de Cámara y fue. Radovan Vlatković y Alexei Lubimov. Cheltenham. Clemens Hagen. la Mozartwoche de Salzburgo. Actuó por primera vez en el XVIII Liceo de Cámara en un sexteto de cuerda liderado por Leonidas Kavakos y volvió en la edición XIX. Andreji Jasinski y Ilonka Deckers e inició su carrera internacional ganando el Primer Premio en el Concurso Internacional de Piano “Antonio Casagrande” de Terni (Italia) a los dieciséis años. Yuri Bashmet. El grupo cultiva con especial entusiasmo el repertorio checo. Entre 2000 y 2004 dio clases de violín en la Hochschule für Musik und Theater de Berna. Su último disco. 132 133 .2009 se publicó un nuevo disco que contenía los Cuartetos núms. Toca el Stradivarius “Bennett” de 1692 cedido por la compañía de seguros Winterthur. estudió con Astrid Schmidt-Neuhaus. Hanna Weinmeister. la Orquesta de la Ópera de Zúrich. Heinz Holliger. piano Nacido en Trier (Alemania). Volvió a visitarnos en la XIX edición. Ha grabado el Concierto para violín de Krenek con el Musikkollegium Winterthur dirigido por Heinrich Schiff. Alexander Lonquich. En el ámbito de la música de cámara ha colaborado junto a Heinrich Schiff. Edimburgo. la Sinfónica de Berlín. Hanna Weinmeister ha actuado junto a Heinrich Schiff. Heinz Holliger. ganó el concurso Jacques Thibaud en París en 1994. organizados por Renaud Capuçon. Benjamin Schmid. También interpretó el Concierto para violín op. Su legado incluye tres Cuartetos de cuerda. entre otros. que fue trágicamente deportado de Checoslovaquia en 1941 y murió en Auschwitz tres años más tarde. Paul Badura-Skoda. con Leonidas Kavakos en Holanda y su participación en la última edición de los Rencontres Musicales de Bel-Air. Philippe Herreweghe. El Cuarteto toma su nombre del compositor checo Pavel Haas (1899-1944). así como con la Orquesta de Cámara Inglesa. Gidon Kremer. Leonidas Kavakos. Mark Minkowski. Ha tocado como solista bajo la dirección de Claudio Abbado. Después amplió su formación con Gerhard Schulz en Viena y con Zakhar Bron en Lübeck. con ella misma al frente de un octeto de grandes solistas internacionales que tocó en varias capitales europeas. violín Nacida en Salzburgo en 1969. el Festival de Piano del Ruhr o la Beethovenfest de Bonn y Varsovia. Christian Zacharias. entre otros. y en 1995 obtuvo el primer premio en el Concurso Parkhouse en Londres. En 1989 ganó el concurso Stefanie-Hohl en Viena y en 1991 obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional Mozart que se celebra en Salzburgo. Lucerna. Ton Koopman. la Orquesta de la SWR de Stuttgart. Desde 1988 es concertino de la Orquesta de la Ópera de Zúrich. Dénes Várjon. Desde entonces ha tocado en las salas de concierto de todo el mundo y ha sido invitado regularmente por festivales como el de Salzburgo. y ha tocado junto a la Orquesta Filarmónica de Múnich. con quien mantiene una especial relación de admiración. Franz Welser-Möst. junto con el Cuarteto Sacconi. el Cuarteto Joven de aquella edición. Hans Graf. aunque sus interpretaciones de Mozart y Beethoven han sido también recibidas con grandes elogios. Kurt Sanderling y Sándor Végh. En 2009 tocó el Doble Concierto de Brahms con su hermano Bruno bajo la dirección de Heinrich Schiff en Constanza y Lübeck. la Orquesta Bruckner de Linz y las Sinfónicas de Calgary y San Luis. Emmanuel Krivine.

Isabelle van Keulen. Melartin. En el año 2009 grabó los tres Cuartetos op. Dedica buena parte de su tiempo a la interpretación de música de cámara. propietaria también de la viola Johannes Florenus Guidantus de 1737 que toca Atte Kilpeläinen. Bruselas (Palais des Beaux Arts). la Orquesta de Cámara de Basilea. Kaipainen. la Orquesta Filarmónica Checa. Cuarteto Meta4 El Cuarteto Meta4 se creó en 2001. Están también muy involucrados en la interpretación de obras escandinavas como las de Sibelius y Grieg. Utrecht (Vredenburgh). concebido para promover a los jóvenes y prometedores artistas finlandeses. En 2004 el grupo participó en la Orquesta de Cámara de Europa. Han ofrecido conciertos en Viena (Sala Mozart). Como solista ha tocado con la Filarmónica de Viena. En 2004. la Orquesta Filarmónica Nacional Húngara o la Filarmónica Eslovena. Leonidas Kavakos. un ámbito en el que ha colaborado con músicos como Renaud y Gautier Capuçon. algunas de ellas dedicadas al grupo. fue galardonado con el Primer Premio en el Concurso Internacional Joseph Haydn de Música de Cámara de Viena. El Cuarteto ha sido elegido para formar parte del programa “BBC New Generation Artists” durante el período 2008-2010. amablemente cedido por el Banco de la Cooperativa Local de Sysmä. Ha intervenido también en las ediciones XVII. Christian Tetzlaff. concierto en el que estrenó la obra Bach is the name de Jorge Fernández Guerra. además de los compositores contemporáneos. Dortmund (Konzerthaus). donde recibieron enseñanzas de Johannes Meissl y Christoph Richter. realizó una gira por Alemania con la Camerata Salzburg y ofreció diversos conciertos en Austria con la Orquesta de Cámara de Mantua. y dos programas monográficos dedicados al compositor polaco Karol Szymanowski. En la pasada temporada destacan los conciertos ofrecidos en el Festival de Salzburgo tocando y dirigiendo a la Orquesta del Mozarteum. Veronika Hagen. Saariaho. Steven Isserlis. Rasmussen. la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. Heinz Holliger. 134 135 . Holmström y Heiniö. En abril de 2007. 55 de Haydn para el sello alemán Hänssler Classic. Milán (Sala Verdi). Ha actuado en varios festivales finlandeses. lo que le ha llevado a ponerse al frente de la Camerata de Salzburgo. una grabación que fue elegida posteriormente Disco del Mes por la revista Classic FM. la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo. París (Théâtre de la Ville y Musée d’Orsay). de Anselmo Bellosio. la Orquesta de Cámara de Stuttgart o la Orquesta Sinfónica de la Radio de Fráncfort. y Tomas Djupsjöbacka toca un violonchelo de 1780 construido por el lutier cremonés Lorenzo Storioni. Beethoven. la Orquesta de Cámara de Múnich. Sus grabaciones de obras de Mozart y Schubert para el sello EMI han recibido premios como el Diapason d’Or en Francia. También ofreció la integral de las Sonatas para violin y piano de Beethoven con Christian Teztlaff en el Festival de Tanglewood. el Premio Abbiati en Italia y el Premio Edison en Holanda. viola fundador del Cuarteto Alban Berg. Sabine Meyer. la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich. Minna Pensola toca un violín de 1770. el Cuarteto Meta4 obtuvo el Primer Premio en el Concurso Internacional de Cuartetos de cuerda Shostakovich de Moscú. que ha tenido una influencia decisiva en su manera de tocar. la Orquesta de Cámara de Mantua. Hong Kong y Japón. y es el Director Artístico del Festival de Música de Oulunsalo. También recibieron el Premio Especial por la mejor interpretación de un cuarteto de Shostakovich. Heinrich Schiff. la Orquesta Sinfonica de Düsseldorf. Alexander Lonquich actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. El cuarteto también ha actuado en el Festival de Música de Cámara de Lockenhaus y en los festivales finlandeses de Kuhmo y Helsinki. Brahms. Ha grabado también para el sello ECM y su último disco contiene obras de Robert Schumann y Heinz Holliger. ámsterdam (Concertgebouw). Tabea Zimmermann o los Cuartetos Auryn y Carmina. Londres (Wigmore Hall). por lo que ha realizado diversos conciertos y grabaciones para la emisora de radio británica. En marzo de 2010 realizó una gira por China. En la presente temporada volverá al Festival de Salzburgo y tocará como solista con la Orquesta Sinfónica de Viena y la Orquesta Filarmónica de Viena. Jörg Widmann. incluyendo a Sallinen. El Ministro de Cultura finlandés les ha entregado el Premio Finlandia. Su repertorio abarca desde Haydn hasta las obras de vanguardia. la Orquesta de Cámara Mahler. XVIII y XIX interpretando obras de Haydn. Antti Tikkanen toca un violín Stradivarius de 1702 amablemente cedido por la Fundación Artística del Banco Pohjola.Compatibiliza sus actuaciones como solista y como director. Puumala. Estocolmo (Konserthuset) y Nueva York (Carnegie Hall). la Royal Philharmonic Orchestra. Berg y Ligeti. entre los que cabe mencionar los de Kuhmo. Turku y Helsinki. a petición del Festival Mänttä Music de Finlandia. Kokkonen. El grupo comenzó sus estudios en 2003 con Hatto Beyerle. El Cuarteto Meta4 actuó por primera vez como Cuarteto Joven en el XV Liceo de Cámara.

Ha participado en la grabación de numerosas bandas sonoras y ha grabado las partes de clarinete solista para las películas Love Actually y Orgullo y prejuicio. Bel-Air. Hans Graf. como el Wigmore Hall de Londres y los festivales de Aldeburgh. Lawrence Power. Junto a la Orchestre de Paris y Christoph Eschenbach realizó una gira por China en noviembre de 2004 y otra por Alemania en febrero de 2005. En noviembre de 2002 debutó con la Filarmónica de Berlín y Bernard Haitink. Gunther Herbig. la Sinfónica de la NHK. Finlandia. ambos registros para el sello EMI. Natalie Clein. Arditti y Meta4. Wolfgang Sawallisch. entre otros. violín. Lyon. St. Como músico de orquesta. la Orquesta de Cámara de Europa. la Joven Orquesta Gustav Mahler. la Orquesta de París. En 2011 fue nombrado Chevalier dans l’Ordre National du Mérite por el Gobierno francés. la Orquesta de Santa Cecilia de Roma. Charlottesville y Newhaven. Denis. donde han tocado en la serie de conciertos del CDMC. fue concertino de la Joven Orquesta Gustav Mahler durante tres veranos. Lichfield. Edimburgo. clarinete Comenzó su educación musical como miembro del coro de la Catedral de Lichfield. la Real Orquesta del Concertgebouw y las principales orquestas británicas. Marc Minkowski. Matthew Hunt actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. tocando bajo la dirección de maestros como Pierre Boulez.Matthew Hunt. bajo la batuta de directores como Roberto Abbado. la Sinfónica de Bamberg. la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín. Suecia. Cassis. así como en salas como la Musikverein de Viena. Emily Beynon. Christoph Eschenbach. El pasado verano debutó en los Proms de la BBC interpretando el Doble Concierto de Brahms y el Triple Concierto de Beethoven junto a su hermano Gautier y a Frank Braley y la Orquesta Filarmónica de Radio Francia dirigida por Myung-Whun Chung Cuarteto Capuçon Fundado en 2001 por los hermanos Capuçon. Myung-Whun Chung. la Sinfónica de la NDR de Hamburgo. Cheltenham. Grecia. Philippe Jordan. Ha grabado el Quinteto con clarinete de Brahms con Paul Meyer y El carnaval de los animales y el Septeto de Camille Saint-Saëns. en la que toca como clarinete solista. Thomas Adès y Konstantin Lifschitz. la Orquesta de la Suisse Romande y las orquestas de cámara de Lausana y Zúrich. Charles Dutoit. Vladimir Fedoseyev. el Trío Kungsbacka e instrumentistas como Pekka Kuusisto. Marc Albrecht. Su actividad profesional se centra en el Ensemble 360 y en la Deutsche Kammerphilharmonie. Rumanía. ha tocado en diversos festivales. Christian Arming. David Robertson. Michael Schønwandt. la Filarmónica de Radio France. Armin Jordan. ha tocado como clarinetista invitado junto a la Orquesta de Cámara de Europa. Posteriormente completó su formación con Thomas Brandis en Berlín y con Isaac Stern. Ha tocado como solista junto a orquestas como la Sinfónica de la Radio Bávara. Posteriormente estudió en la Guildhall School of Music y junto a Pascal Moraguès en París. Houston y Jerusalén. Deauville. Seiji Ozawa. Ha colaborado con los Cuartetos Belcea. Emmanuel Krivine. Daniel Barenboim. Claudio Abbado. Montecarlo y Toulouse. Kurt Masur. la Filarmónica de Tokio. Alemania. Japón. la Real Orquesta Danesa. Daniel Harding. la Cité de la Musique y la Salle Pleyel de París o el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Pinchas Steinberg y Hugh Wolff. Italia. la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino. Elias. la Orquesta de Cámara Mahler. por supuesto. como los de Gstaad. Semyon Bychkov. las Orquestas Sinfónicas de Montreal. así como en Suiza. John Nelson. la Orquesta Tchaikovsky de la Radio de Moscú. Ivan Fischer. y en julio de 2004 con la Orquesta Sinfónica de Boston y Christoph von Dohnányi. Como solista y como músico de cámara ha tocado en festivales y salas de conciertos de todo el mundo. las orquestas de Burdeos. el Ensemble Orquestal de París. Renaud Capuçon. la Sinfónica de la Radio de Suecia. Francia. En 2000 obtuvo el premio Victoires de la Musique al “Artista Revelación del año” y en 2005 al “Solista Instrumental del año”. la Orquesta Filarmónica della Scala de Milán. nació en Chambéry en 1976. la Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. España e India. Franz Welser-Möst y. Jesús López Cobos. Jean-Claude Casadesus. comenzó sus estudios en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París en las clases de Gérard Poulet y Veda Reynolds. Participa habitualmente en el seminario internacional IMS Prussia Cove y formó parte del grupo que fue premiado en 2008 con el Premio de Música de Cámara de la Royal Philharmonic Society por un ciclo de conciertos ofrecidos durante el otoño de 2007. Périgord Noir o la Schubertiade de Schwarzenberg. Lille. Thomas Dausgaard. Leif Segerstam. Invitado por Claudio Abbado en 1997. 136 137 . la Orquesta Nacional de Francia.

Renaud Capuçon toca un violín Guarneri del Gesù de 1737. Mikhail Pletnev. viola. Brescia-Bergamo. Edimburgo. los Conciertos núms. Ha sido durante quince años el director de los Rencontres Musicales de Bel-Air en su localidad natal de Chambéry. Estrasburgo y Tanglewood. comenzó sus estudios musicales en Francia con Marie-Claude Theuveny y prosiguió su formación en la Guildhall School of Music and Drama de Londres con David Takeno. XVI. Schubertiade de 138 139 . los Cuartetos para piano de Brahms con su hermano Gautier. ha sido invitada a tocar junto a orquestas como la Deutsche Kammerphilharmonie y la Gewandhaus de Leipzig. con Louis Langrée y Antoine Tamestit. donde estudió con el profesor Haim Taub. Actualmente es la primera viola de la Orquesta de Cámara Mahler y. ha participado en numerosos festivales. Recibió una beca para estudiar en Nueva York y se trasladó allí. Miembro del Cuarteto Capuçon y de Musique Oblique.Renaud Capuçon suele interpretar música de cámara junto a solistas como Martha Argerich. Verbier. Menton. Vadim Repin. Hélène Grimaud. St. Sus discos han recibido numerosos premios. a dúo junto a su hermano Gautier. Saint-Denis. San Sebastián. Truls Mørk y Paul Meyer. Katia y Marielle Labèque. “Panette”. Entre sus grabaciones se encuentran el Quinteto con piano de Schumann junto a Maria João Pires. l’Empéri. Aix-en-Provence. los Tríos de Brahms con Gautier Capuçon y Nicholas Angelich. Realizó también un curso de perfeccionamiento en el Mozarteum de Salzburgo y dos años en la Academia Karajan de la Orquesta Filarmónica de Berlín. convirtiéndose en la única violista en la clase de Pinchas Zukerman en la Manhattan School of Music. Como artista exclusivo de Virgin Classics. Stephen Kovacevich. tras pasar algún tiempo en Israel. el Doble Concierto y el Quinteto con clarinete de Brahms. ha sido la primera violinista francesa en formar parte de la Orquesta de Cámara de Europa. Por otra parte. Verbier. Tras su regreso a Francia en 1998. Saint-Saëns. el disco Inventions. Edimburgo. 1 y 3 y la Sinfonía concertante de Mozart junto a la Orquesta de Cámara de Escocia. adquirido para él por la Banca della Svizzera Italiana. Es invitado habitual de festivales como el Mostly Mozart de Londres. Myung-Whun Chung. ha sido invitada con asiduidad por Renaud Capuçon a participar en festivales como los de Deauville. Stavanger. de la que fue miembro hasta 1999. Sus últimas grabaciones para Virgin Classics son las Sonatas de Brahms junto a Nicholas Angelich. Lockenhaus. o Tríos de Mendelssohn y Haydn y el Triple Concierto de Beethoven junto a Martha Argerich (EMI). música de cámara de Ravel junto a su hermano. Stresa. y Frank Braley. Como intérprete de música de cámara. Denis. Lucerna. Jerusalén. Aki Saulière. Aki Saulière es asistente de Yuko Mori en el Chicago College of Music. Berlín. Daniel Barenboim. Heimbach. el violonchelista Gautier Capuçon. ha grabado obras de Schubert. los Conciertos de Korngold y Beethoven junto a la Filarmónica de Róterdam dirigida por Yannick Nézet-Séguin. Bel-Air. Aix-en-Provence. Béatrice Muthelet. a la que regresa durante dos meses al año junto a directores como Claudio Abbado. los Tríos de Schubert con Gautier Capuçon y Frank Braley. Bel-Air y Tautavel. Nikolaus Harnoncourt y Frans Brüggen. La Roque d’Anthéron. Completó su formación musical estudiando con Yuko Mori y György Kurtág. la Folle Journée de Nantes. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Jean-Yves Thibaudet. Yuri Bashmet. violín. Berliner Festspiele. A los veintidós años regresó a Europa e ingresó en la Academia Karajan de la Orquesta Filarmónica de Berlín. como Newport. un disco a dúo con su hermano. decidió dedicarse a la viola. la integral de las Sonatas para violín y piano de Beethoven con Frank Braley. el Concierto de Dutilleux junto a la Orquesta Filarmónica de Radio France y Myung-Whun Chung. XVII. comenzó a estudiar violín a los siete años en el Conservatorio de Versalles y a los diecinueve años. Elena Bashkirova. Augustin Dumay. Ha actuado con agrupaciones como la Orquesta Filarmónica de Berlín. Gérard Caussé y Jian Wang (Deutsche Grammophon). XVIII y XIX del Liceo de Cámara. la Orquesta Sinfónica de Londres y la Camerata de Salzburgo. Gérard Caussé y Nicholas Angelich. Lucerna. Ha actuado en las ediciones XIV. Su última grabación contiene la obra de cámara completa de Gabriel Fauré. de Berlioz. como primer atril. Yefim Bronfman. Milhaud y Ravel con la Deutsche Kammerphilharmonie bajo la batuta de Daniel Harding. También es miembro fundadora de la Orquesta del Festival de Lucerna creada por Claudio Abbado. que perteneció a Isaac Stern. el Quinteto “La Trucha” de Schubert y Conciertos de Mendelssohn y Schumann con la Orquesta de Cámara Mahler dirigida por Daniel Harding. actúa regularmente en Japón en conciertos de música de cámara. Es fundadora del Kyoto Ensemble y del Nagaokakyo Chamber Ensemble.

Mostly Mozart (Londres) y el Festival Martha Argerich de Lugano. Lille. En 1999 obtuvo el Primer Premio en la Academia de Música Maurice Ravel de San Juan de Luz. Saint-Denis. Prokofiev y Rachmaninov. la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín. Ingresó en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París. violonchelo. Jerusalén y Lieja. Bruselas. La Roque d’Anthéron y Tokio. así como el Trío de Shostakovich con Martha Argerich y Maxim Vengerov. Londres. Verbier. Lucerna. Paul Gulda. el Quinteto “La Trucha” de Schubert. la Orquesta de Santa Cecilia de Roma. Hélène Grimaud. comenzó a estudiar violonchelo a los cinco años en su ciudad natal. la Orquesta de Cámara de Europa y Myung-Whun Chung. con obras de Mendelssohn. Kent Nagano. Joshua Bell. Sarah Chang. Dresde. Jean-Yves Thibaudet. Gérard Caussé. las Orquestas de Cámara de Viena. la Sinfónica de Boston. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. junto a instrumentistas como Lars Vogt. Maxim Vengerov. entre otros. las orquestas sinfónicas de la BBC de Escocia y de Gales. la Filarmónica de Montecarlo. Stephen Kovacevich. Nicholas Angelich. donde estudió violonchelo con Annie Cochet-Zakine y piano con Christophe Egiziano. Paul Meyer. Delft y Pisa. con la Filarmónica de Berlín y Gustavo Dudamel y con la Orquesta Sinfónica de Londres y Valery Gergiev en la Konzerthaus de Viena. un recital de dúos con Renaud. Oleg Maisenberg. Yuri Bashmet. Emmanuel Pahud. Michel Dalberto. con Christian Tetzlaff y Boris Pergamenchikov. Spoleto. como miembro de la Joven Orquesta de la Comunidad Europea y la Joven Orquesta Gustav Mahler. Sus últimos discos son Inventions. la Sinfónica de Montreal y. el Ensemble Orquestal de París. Myung-Whun Chung. la Orquesta de París y Christoph Eschenbach y la Sinfónica de Houston. Más recientemente ha salido al mercado un disco con el Concierto para violonchelo de Dvořák con la Orquesta de la Radio de Fráncfort y Paavo Järvi. y la Sinfonía de cámara de Schoenberg. Clemens Hagen y Alois Posch. Menton. Gautier Capuçon. Estrasburgo. París y Viena. el Doble Concierto y el Quinteto con clarinete de Brahms. interpretando su Concierto para violonchelo en Buenos Aires. Gabriela Montero. Daniel Barenboim. actúa regularmente junto a Martha Argerich. nació en Chambéry en 1981. Bruselas. Steven Isserlis. Belgrado. Estrasburgo. Lilya Zilberstein. Pascal Rogé. tuvo la oportunidad de tocar junto a directores como Bernard Haitink. en los festivales de Divonne. la Sinfónica de la Radio Bávara. el Segundo Premio en el Concurso Internacional de Violonchelo de Christchurch (Nueva Zelanda) y el Primer Premio en el Concurso André Navarra de Toulouse. Rheingau. Bruno Canino. En 2005 participó en numerosos homenajes a Friedrich Gulda junto a Martha Argerich. entre muchas otras ciudades. Conciertos de Haydn con la Orquesta de Cámara Mahler dirigida por Daniel Harding. la Filarmónica de Radio France. Katia y Marielle Labèque. Escocia y Zúrich. en Europa. Gérard Caussé. Davos. la Filarmónica de Múnich y Paavo Järvi. Entusiasta de la música de cámara. Nikolaj Znaider. Paul Meyer. Isabelle van Keulen. Hélène Grimaud. Ha actuado junto a las orquestas de Burdeos. Berlín (invitado por Claudio Abbado). posteriormente completó su formación con Philippe Muller en París y Heinrich Schiff en Viena. En la presente temporada tiene previsto su debut con la Sinfónica de Chicago. Toulouse. ha grabado música de cámara de Ravel junto a su hermano Renaud y Frank Braley. Daniele Gatti. Ha participado en dos grabaciones de EMI: el Quinteto en Sol menor de Mozart.Schwarzenberg. Frank Braley. Viktoria Mullova. Mikhail Pletnev. El pasado verano debutó en los Proms de la BBC interpretando el Doble Concierto de Brahms y el Triple Concierto de Beethoven junto a su hermano Renaud y a Frank Braley y la Orquesta Filarmónica de Radio Francia dirigida por MyungWhun Chung. música de cámara de Saint-Saëns y los Tríos de Brahms con Renaud Capuçon y Nicholas Angelich. Edimburgo. Emmanuel Pahud. obteniendo el Primer Premio de violonchelo. Kolja Blacher. el Cuarteto Ysaÿe y su hermano Renaud. Vadim Repin. Stresa. En 1997-1998. la Orquesta Tchaikovsky de la Radio de Moscú y Vladimir Fedoseyev. Lockenhaus. y un recital junto a la pianista venezolana Gabriela Montero. la Sinfónica de Malmö. Pierre Boulez. Hannover. también junto a Christian Tetzlaff y Alban Gerhardt. entre otros. Ha actuado. San Sebastián (con la Orquesta Sinfónica de la WDR y Semyon Bychkov). Wolfram Christ. Ha ofrecido recitales en Berlín. Como artista exclusivo de Virgin Classics. a dúo junto a su hermano Renaud. Jerusalén. La Roque d’Anthéron. También ha grabado para EMI Tríos de Mendelssohn y Haydn junto a Martha Argerich y su hermano. Múnich. así como su grabación de la Sinfonía concertante de Prokofiev y las Variaciones Rococó de Tchaikovsky con la Orquesta del 140 141 . Seiji Ozawa y Claudio Abbado.

Teatro Mariinsky dirigida por Valery Gergiev. Sus grabaciones han recibido numerosos premios. La adquisición del arco Dominique Peccatte que utiliza Gautier Capuçon ha sido posible gracias a una colaboración con el Grupo Colas, quien también ha coproducido, junto a Virgin Classics, su última grabación con Valery Gergiev. Desde 2007 es embajador del proyecto Zegna & Music, que fue creado en 1997 como una actividad filantrópica para promover la música y sus valores. En febrero de 2001 fue nombrado “Nuevo Talento del Año” por la revista francesa Victoires de la Musique. En 2004 recibió el Premio Echo de la Televisión Alemana y un premio de la Fundación Borletti-Buitoni. Gautier Capuçon toca un violonchelo de Matteo Goffriller de 1701, cedido por la Banca della Svizzera Italiana. Ha actuado en las ediciones XIV, XVI, XVII, XVIII y XIX del Liceo de Cámara.

Respondiendo a la invitación de Maria João Pires desde el seno de la Fundación Caja Duero, Caussé se ha encargado de crear y dirigir la Camerata de la Fundación Caja Duero, con sede en Salamanca, que está integrada por jóvenes músicos. Este trabajo busca realizar una aproximación experimental a todos los repertorios. Caussé actúa y graba habitualmente con músicos tan conocidos como Maxim Vengerov, Frank Peter Zimmermann, Renaud y Gautier Capuçon, Charles Dutoit, Kent Nagano, Gidon Kremer, Emmanuel Krivine, Nicholas Angelich, Frank Braley, Jean-Philippe Collard, Maria João Pires, Augustin Dumay, François-René Duchable, Paul Meyer, Michel Portal y Emmanuel Pahud. Su discografía se compone de más de treinta grabaciones en diversos sellos, que incluyen el Quinteto “La trucha” de Schubert para Virgin Classics, un recital con obras de Lévinas y Hindemith para el sello Aeon, obras de Bloch para viola y orquesta junto a la Orquesta de la Suisse Romande y la grabación del concierto Le cyprès blanc de Hugues Dufourt, estrenado por Gérard Caussé en 2004 en el Festival de Música de Estrasburgo junto a la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo (grabado para el sello Timpani). Gérard Caussé imparte clases de viola en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París y en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid. Es director del Festival de Música Florilegio y de la Orquesta de la Fundación Caja Duero en Salamanca. Gérard Caussé toca un excepcional instrumento construido por Gasparo da Salò en 1560. Actuó junto a Renaud y Gautier Capuçon en las ediciones XIV y XIX del Liceo de Cámara.

Gérard Caussé, viola
Alcanzó el reconocimiento internacional a mediados de los años setenta como miembro fundador y viola solista del Ensemble Intercontemporain. Ha actuado también como solista con la mayoría de las grandes orquestas internacionales en un amplio repertorio que abarca desde el Barroco hasta Bruch, Berlioz, Bartók, Stravinsky, Britten, Walton y Martinů, pasando por Mozart quien, según el propio Caussé, fue el primero en comprender el papel de árbitro de la viola. Dedicado igualmente a fomentar el repertorio de su instrumento, cuenta con más de veinte conciertos escritos expresamente para él, entre los que se encuentran los de Philippe Hersant, Michaël Levinas, Pascal Dusapin y Hugues Dufourt. Recientemente ha estrenado en Europa el Doble Concierto para viola y clarinete de Wolfgang Rihm junto a Michel Portal y la Orquesta Nacional de Francia. De 2002 a 2004 Gérard Caussé fue director artístico de la Orquesta de Cámara Nacional de Toulouse, junto a la que actuó como director y solista. Recientemente ha actuado con la Orquesta Nacional de Francia, Orquesta de la Suisse Romande, Orquesta Nacional de Lille y Jean-Claude Casadesus, la Orquesta Filarmónica de Montpellier y Yoel Levi, la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo y Emmanuel Krivine, la Orquesta Sinfónica de São Paulo y John Neschling y la Orquesta del Capitolio de Toulouse.

Yan Levionnois, violonchelo
Nacido en 1990, comenzó a tocar con su padre, violonchelo solista de la Orquesta Filarmónica de Radio Francia, para posteriormente estudiar con Xavier Richard y Marc Coppey. En 2006 ingresó en la clase de Philippe Muller en el Conservatorio Superior de Música de París, donde obtuvo un Primer Premio en 2009. Ha recibido también asesoramiento de Natalia Shakovskaia, Natalia Gutman, Gary Hoffman y Jean-Guihen Queyras.

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Ha obtenido el Gran Premio en el Concurso Internacional André Navarra en 2008, el Primer Premio en el Concurso Rostropovich de Londres en 2009, y el Segundo Premio y el premio a la mejor interpretación en el Concurso Internacional de Música Francesa “Note et Bien”. Ha interpretado como solista los Conciertos de Haydn, Schumann, Dvořák, Lalo, Elgar, Shostakovich, Tchaikovsky (Variaciones sobre un tema rococó) y SaintSaëns (Concierto nº 1) junto a agrupaciones como la Orquesta Nacional del Capitolio de Toulouse, la Orquesta de Burdeos, la Orquesta de Cámara de Praga, el conjunto Les Dissonances y con el grupo de violonchelos de la Orquesta de París, interpretando Messagesquisse de Pierre Boulez. Ha ofrecido recitales en el Wigmore Hall de Londres y ha participado en los festivales de Bel-Air, Auvers-sur-Oise, Cordes sur Ciel, Deauville, La Roque d’Anthéron, los Encuentros Musicales de Santander, el Festival Pablo Casals de Prades y las Folles Journées de Nantes. En música de cámara, ha compartido escenario con Augustin Dumay, Svetlin Roussev, Gérard Caussé, Frank Braley, David Guerrier, Zakhar Bron, Nelson Goerner, el Cuarteto Ebène, Renaud Capuçon y Nicholas Angelich. Esta temporada ha sido invitado por la Orquesta de Bretaña (con el Concierto de Haydn), la Orquesta de Toulouse (Dutilleux), la Sinfónica de Cape Town y la Orquesta Filarmónica de Londres, además de actuar en diferentes festivales. Ha sido seleccionado para participar en el programa Déclic de CulturesFrance, lo que le reportará actuaciones en América Central. Asimismo ha recibido una beca de la Banca della Svizzera Italiana de Lugano. Toca un violonchelo de Patrick Robin de 2005 y actúa por primera vez en el Liceo de Cámara.

Desde 1983 hasta 2008 fue solista de contrabajo de la Staatsoper de Viena y de la Orquesta Filarmónica de Viena. Después de trabajar durante cuatro años como profesor invitado en la Hochschule für Musik und darstellende Kunst del Mozarteum de Salzburgo, pasó a ocupar desde 1993 una cátedra de contrabajo en la Universität für Musik und darstellende Kunst de Viena. Es primer contrabajo de la Orquesta del Festival de Lucerna y de la Orchestra Mozart de Bolonia, ambas bajo la dirección de Claudio Abbado. Ha sido invitado a numerosos festivales internacionales y ha colaborado con los más importantes solistas y grupos de cámara europeos, incluido el Cuarteto Alban Berg o los hermanos Renaud y Gautier Capuçon, con los que ha realizado numerosas grabaciones discográficas. Toca un contrabajo vienés de Johann Joseph Stadlmann construido en 1779. En el XIX Liceo de Cámara tocó como miembro de un octeto integrado por grandes solistas internacionales y junto con el Ensemble Waldstein el Quinteto “La trucha” de Franz Schubert, la misma obra que tocó en el XII Liceo de Cámara junto con el Cuarteto Alban Berg y Elisabeth Leonskaja.

Nicholas Angelich, piano
Nacido en Estados Unidos en 1970, Nicholas Angelich comenzó a estudiar piano con su madre a los cinco años. Dos años después ofreció su primera actuación interpretando el Concierto K467 de Mozart. A los trece años ingresó en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París, donde estudió con Aldo Ciccolini, Yvonne Loriod y Michel Beroff, obteniendo el Primer Premio de piano y música de cámara. También trabajó con Marie-Françoise Bucquet. Nicholas Angelich continuó su formación asistiendo a las clases magistrales de Leon Fleisher, Dimitri Bashkirov y Maria João Pires. En 1989 ganó el Segundo Premio del Concurso Internacional de Piano Robert Casadesus de Cleveland y en 1994 el Primer Premio del Concurso Internacional de Piano Gina Bachauer. En 1996 fue invitado como músico residente de la Fundación Internacional de Piano de Cadenabbia (Italia). En 2002 recibió de Leon Fleischer el “Premio al Joven Talento” del Festival Internacional de Piano del Ruhr (Alemania), tras lo cual fue invitado a actuar allí en junio de 2003.

Alois Posch, contrabajo
Nacido en 1959 en Steiermark (Austria), empezó a estudiar a los diez años piano y violín. A los catorce años dio sus primeras clases de contrabajo y el año siguiente ya fue admitido en la Hochschule für Musik und darstellende Kunst de Graz, donde tuvo como profesor a Johannes Auersperg. Después de ganar diversos concursos se presentó a los dieciocho años a las audiciones de la Orquesta Filarmónica de Viena, tras las cuales entró a formar parte de la agrupación, concluyendo sus estudios el año siguiente.

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Ha actuado con la Orquesta Nacional de Francia y Marc Minkowski, la Orquesta Filarmónica de Radio France y Paavo Järvi, la Orquesta Nacional de Lyon y David Robertson, la Orquesta Nacional de Burdeos y Yutako Sado, la Orquesta Nacional de Lille y Matthias Bamert, la Orquesta Filarmónica de Montecarlo y Jesús López-Cobos y Kenneth Montgomery, la Orquesta de Lieja y la Orquesta Sinfónica de San Petersburgo con Alexandre Dimitriev, las orquestas de Estrasburgo y Montpellier con Jerzy Semkow, la Orquesta de Toulouse y Jaap van Zweden en ámsterdam y Yannick Nézet-Séguin en San Sebastián, la Orquesta de Cámara de Lausana y Christian Zacharias, la Orquesta de la SWR de Baden-Baden y Michael Gielen, la Orquesta de la Radio de Fráncfort y Hugh Wolf, además de ofrecer recitales en Hannover, Múnich, Ginebra, ámsterdam, Bruselas, Luxemburgo, Roma, Lisboa, Brescia, Tokio y París. En mayo de 2003 debutó con la Filarmónica de Nueva York y Kurt Masur en el Lincoln Center. Con este mismo director realizó una gira por Japón en abril de 2004 con la Orquesta Nacional de Francia. Fue invitado al Festival de Verbier en 2003 y 2005 y al Festival Martha Argerich en Lugano. Recientemente ha actuado con la Filarmónica de Londres y Kazuchi Ono y ha ofrecido recitales en Londres, ámsterdam, París, Lyon, Milán y Ginebra. Vladimir Jurowski lo invitó a abrir juntos la temporada 20072008 de la Orquesta Nacional de Rusia en Moscú. Posteriormente ha actuado en España (Las Palmas, Castellón y Oviedo) junto a la Orquesta Nacional de España y Josep Pons, en Viena con la Tonkünstler Orchester y Kristjan Järvi, con la Filarmónica de Róterdam y la Orquesta Metropolitana de Montreal dirigidos por Yannick Nézet-Séguin (con quien debutó en los Proms de Londres en 2009), la Sinfónica de Atlanta y Emmanuel Krivine, la Orquesta Gürzenich de Colonia, la Orquesta de la Radio de Stuttgart y Roger Norrington, y ha tocado música de cámara en Japón con Akiko Suwanai y en Norteamérica con Renaud y Gautier Capuçon. Nicholas Angelich está ofreciendo en recital todas las Sonatas de Beethoven y los Años de Peregrinaje de Liszt en varios países (La Roque d’Anthéron, Toulouse y Nantes en Francia; Festival de Piano del Ruhr y Bayer Leverkusen en Alemania; La Lanaudière en Canadá; Washington en Estados Unidos; Brescia en Italia y Bilbao en España). También está muy interesado en la música del siglo xx de compositores como Rachmaninov, Prokofiev, Shostakovitch, Bartók y Ravel, además de Messiaen, Stockhausen, Pierre Boulez, Eric Tanguy y Pierre Henry, quien le dedicó su Concierto para piano sin orquesta.

Entusiasta de la música de cámara, toca junto a compañeros como Renaud Capuçon, Maxim Vengerov, Akiko Suwanai, Dimitri Sitkovetsky, Joshua Bell, Gérard Caussé, Alexander Kniazev, Gautier Capuçon, Jian Wang, Paul Meyer y los Cuartetos Ysaÿe, Prazak y Ebène. Ha grabado para Harmonia Mundi un recital con obras de Rachmaninov; para Lynx un recital con obras de Ravel; para Mirare los Años de Peregrinaje de Liszt (que obtuvo el “Choc” de la revista Le Monde de la Musique y fue “disco recomendado” por Classica/Répertoire) y un recital de Beethoven (Sonatas op. 26, op. 53, op. 111). Su gran proyecto con obras de Brahms para Virgin Classics incluye los Tríos junto a Renaud y Gautier Capuçon (“Preis der deutschen Schallplattenkritik”), las Sonatas para violín y piano junto a Renaud Capuçon (“Diapason d’Or”, “Choc” de Le Monde de la Musique, “Editor’s Choice” de Gramophone y “Excepcional” de Scherzo) y dos recitales: Baladas, Rapsodias y las Variaciones Paganini (“Choc” de Le Monde de la Musique) y los opp. 116, 117, 118 y 119 (“Choc” de Le Monde de la Musique, BBC Music Choice, “Excepcional” de Scherzo). Ha grabado un recital Beethoven junto a Akiko Suwanai para Decca y los dos Conciertos para piano y orquesta de Brahms junto a Paavo Järvi y la Orquesta de la Radio de Fráncfort (para Virgin Classics). Su última grabación en solitario está dedicada a las Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach y participa también en la integral de las obras de cámara de Gabriel Fauré publicada por Virgin Classics. Actuó por primera vez en el XVII Liceo de Cámara tocando dos conciertos con Tríos con piano de Haydn y Brahms con los hermanos Capuçon.

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Teatro Real y Gran Teatre del Liceu. Suiza y Holanda. 149 . es doctor en Musicología por la Universidad de Zaragoza y profesor de la licenciatura de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de La Rioja. interpretación musical y discología. Italia. ha sido colaborador en las ediciones revisadas del New Grove Dictorionary of Music and Musicians (2001) y del Oxford Companion to Music (2002). así como también en las revistas Audio Clásica y Scherzo. y es asiduo colaborador en los programas de mano del Auditorio Nacional. Irlanda. Francia. Ha publicado diferentes trabajos sobre historia de la música española de los siglos xvii al xix. Bélgica. mantiene una importante actividad como crítico y divulgador musical. Rodríguez Musicólogo y crítico musical. y en el Boletín discográfico de Diverdi.Pablo-L. Asimismo. Además de su labor docente e investigadora. Reino Unido. y ha participado en diferentes congresos de musicología tanto en España como en Portugal. Polonia.

centro y periferia Musicien(s) français Vientos del este (y del oeste) Amistades tardías (tras el Telón de Acero) 3 9 33 35 43 50 56 62 71 74 81 84 89 95 Biografías de los intérpretes . Rodríguez Padre e hijo Adioses clásicos: Mozart y Haydn La esencia del Spätstil: Ludwig van Beethoven Un aluvión de despedidas Nuevos caminos: Schumann y Brahms El corazón apesadumbrado: Franz Liszt Precursores y epígonos.Índice Presentación Programas Crónicas musicales del estilo tardío por Pablo-L.

L.PATRONATO DE LA FUNDACIÓN CAJA MADRID Presidente D. José Antonio Moral Santín D. Francisco Baquero Noriega D. dirección y coordinación Luis Gago. impresión www.ª Mercedes Rojo Izquierdo D. Marcos Guerrero D. Guillermo R. Luis Blasco Bosqued D.. Jorge Gómez Moreno D.ª Carmen Cafranga Cavestany D. Arturo Fernández álvarez D. Javier López Madrid D. Estanislao Rodríguez-Ponga y Salamanca D.fundacioncajamadrid.es . Juan José Azcona Olóndriz D. coordinadora área Gráfica Roberto Turégano. Miguel Crespo Rodríguez XX LICEO DE CáMARA Fundación Caja Madrid.ª Enedina álvarez Gayol D. maquetación Tresigraf S. Ricardo Romero de Tejada y Picatoste D. Rodrigo de Rato Figaredo Patronos D. José María de la Riva Amez D. Pedro Bedia Pérez D. José Ricardo Martínez Castro D.ª Mercedes de la Merced Monge D. José Manuel Fernández Norniella D. Jesús Pedroche Nieto D. director artístico Inés Fernández Arias. Virgilio Zapatero Gómez Secretario D. Ignacio Navasqües Cobián D.