XX Liceo de cámara

temporada

2011/2012

opus ultimum

Con la colaboración del Ministerio de Cultura

temporada 2011-2012

Imagen de cubierta: Francisco de Goya. Perro Semihundido (1820-1823). Técnica mixta. Revestimiento mural. 131 x 79 cm. Museo del Prado. Madrid. © Archivo Oronoz.

XX Liceo de cÁmara

XX LICEO DE CÁMARA
TEMPORADA 2011-2012

Opus ultimum

AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA SALA DE CáMARA

ste año no es un compositor, ni una forma o género musical, ni siquiera una época, el hilo conductor que articula la programación de la vigésima edición del Liceo de Cámara. En esta ocasión se trata de un concepto temporal y, de resultas de ello, también estilístico, raras veces explorado en las programaciones. Opus ultimum hace referencia a las producciones artísticas (no solo necesariamente musicales) nacidas al final mismo de la trayectoria de sus autores. Se trata por ello, en principio, de obras nacidas en plena madurez, con un absoluto dominio de los recursos propios, si bien por regla general se derivan asimismo muchas otras connotaciones que hacen que estas obras, por distantes que estén en el tiempo y diversos que sean sus lenguajes, suelan compartir algunas características comunes. Este tipo de creaciones o Spätwerke, por utilizar su denominación alemana, pueden adoptar un tono de despedida, un leve, marcado o penetrante aire testamentario, más aún si, como sucede en muchos casos, nacieron al calor de la sospecha –o la certidumbre– de una muerte cercana. ¿Existe, como concepto significante, el “estilo tardío”? ¿Posee elementos identificativos propios que permitan discernir si una obra concreta es encuadrable o no en esa categoría? ¿Cabe hablar de estilo tardío en compositores que, como Franz Schubert o –un caso aún más extremo– Guillaume Lekeu, murieron recién iniciada la juventud? Nadie podría poner la mano en el fuego a la hora de responder, afirmativa o negativamente, cualquiera de estas preguntas. Karen Painter afirma, por ejemplo, que el “estilo tardío no existe en ningún sentido real”, pero a
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Es el caso. hasta tal punto desligadas de consideraciones prácticas que. Un hipotético estilo tardío parece presuponer de algún modo estilos anteriores diversos: por resumir. que quedó inconcluso. De Haydn podrá oírse uno de sus dos últimos cuartetos completados (el op. al menos uno juvenil y otro de madurez. para un instrumento concreto. Semejante división tripartita nos remite de inmediato a los inmortalizados por Wilhelm von Lenz en su clásico Beethoven et ses trois styles. El arte de la fuga (aquí contrapuesta al Cuarteto op. del op. un pequeño rosario de confesiones íntimas de un hombre solo y en- 4 5 . Gesänge der Frühe. 103. de Johann Sebastian Bach. asimismo. De Wolfgang Amadeus Mozart sonará. muchos de los últimos frutos nacidos de la creatividad de los más grandes artífices de la cultura occidental. remo- zado para la ocasión por quienes serán sus intérpretes. 135. obras nacidas todas ellas en los últimos meses de su vida (en los que el genio schubertiano produjo un aluvión sin precedentes de obras maestras) y que muestran. El caso paradigmático de Beethoven (cuyo Spätstil fue estudiado en un famoso ensayo por el filósofo Theodor W. ya que su autor confesó no tener ya fuerzas y sentirse demasiado viejo para seguir componiendo. la segunda Sonata para violín y piano). Adorno y que es el músico en quien el concepto parece encajar como anillo al dedo) podrán escucharse todos sus últimos cuartetos de cuerda. lo que convierte a estos compases en el verdadero canto del cisne de uno de los compositores más feraces de la historia. que se erigieron desde su nacimiento mismo en su verdadero testamento musical. sino también maneras. 95 al op. de Bach a Richard Strauss. 135 de Beethoven) y la Ofrenda musical. muchas de ellas reveladoras de su precaria salud mental. por ejemplo. las Sonatas para viola y piano o una selección de sus últimas colecciones de piezas pianísticas. algunos de los cuales no llegarían a cristalizar hasta varias décadas después de la muerte del austríaco. podremos admirar páginas infrecuentes del ultimísimo Schumann (Märchenbilder. al menos stricto sensu. la totalidad de El arte de la fuga o varios de los cánones de la Ofrenda musical ni siquiera están concebidos. los dieciocho conciertos del XX Liceo de Cámara intentan ofrecer una panorámica lo más completa posible de cómo los compositores. los Vier ernste Gesänge. que constituye la razón de ser de este ciclo. 77 nº 1) y el op. por ejemplo. su visionario Cuarteto de cuerda en Sol mayor y su Quinteto de cuerda. publicado en 1852. De su coetáneo Franz Schubert se han programado sus dos tríos con piano. ya que fue el género al que dedicó sus últimos esfuerzos como creador. el Réquiem en un arreglo para cuarteto de cuerda de su contemporáneo Peter Lichtenthal. formas y lenguajes premonitorios de estilos futuros. los integrantes del Cuarteto Quiroga.la vez es coeditora de un libro (Late Thoughts: Reflections on Artists and Composers at Work) que explora y reflexiona justamente sobre aquello cuya existencia viene a desmentir. Con las limitaciones obligadas que impone la necesidad de circunscribirse al ámbito de la música de cámara. Brahms nos dejó en los últimos años de su vida una serie de composiciones con un inequívoco carácter de adiós (de la creación y de la propia vida) y en el XX Liceo de Cámara sonarán varias de ellas: el Quinteto con clarinete. 946. fruto de las especulaciones contrapuntísticas de sus últimos años. de quien sonarán sus dos obras más emblemáticas en este sentido. adoptaron en sus últimos años un estilo notoriamente diferente de los anteriores cultivados por ellos mismos y que expresan. Instalados ya en el Romanticismo. Lo cierto es que el XX Liceo de Cámara mostrará a lo largo de sus dieciocho conciertos que la caracterización de “estilo tardío” aplicada a muchos compositores no es un capricho de los musicólogos. como se hará durante esta temporada. no solo su estilo de última época. su Fantasía para violín y piano o sus Tres Piezas para piano D. para abrir la temporada. destilada. la esencia de su pensamiento musical. sino que tiene sentido –y resulta enormemente instructivo– escuchar reunidos.

Nos visitan por primera vez un cuarteto joven emergente del panorama español. Hanna Weinmeister (en el que será también su primer recital como solista en el Liceo de Cámara) o Jan Söderblom (que presentará en España a su flamante trío). Fauré (su Trío con piano. la violinista alema- 6 7 . incluido su propio Quinteto con clarinete. el Cuarteto de Tokio. tres maneras diferentes de entonar una despedida de este mundo por parte del compositor soviético. el Cuarteto Ebène y el Cuarteto Belcea. la partitura que encarna quizá como ninguna otra el concepto de opus ultimum. En él sonarán obras de Guillaume Lekeu (su extraordinario Cuarteto con piano. del Cuarteto nº 15. de ese mundo del ayer: después de una música así. Liszt (cinco de sus piezas para piano de sus últimos años y la versión para cuarteto de cuerda de Am Grabe Richard Wagners) y Richard Strauss (la versión original para septeto de cuerda de Metamorfosis. asimismo. pero líder en esta ocasión de una pequeña formación barroca con instrumentos históricos).fermo. idéntico espíritu se trasluce en el Preludio de Capriccio de Richard Strauss. Hacen también su debut la cantante holandesa Christianne Stotijn. de quien está conmemorándose en 2011 el segundo centenario de su nacimiento. que quedó inconcluso tras su muerte y fue completado por su maestro Vincent d’Indy). el gran y experimentado pianista británico Roger Vignoles. el Cuarteto Arcanto. 106 de Dvořák. el Cuarteto op. contemporáneo del ya citado cuarteto). Especialmente reseñable. Aunque más breve. el Cuarteto nº 3 de Viktor Ullmann o los cuartetos de Gabriel Fauré y César Franck. es el concierto de clausura de la temporada. la Sonata para violín y piano y la Sonata para violonchelo y piano de Debussy. pero que ofrecerá su primer recital como solista en el Liceo de Cámara). su obra más conocida y un ejemplo señero de “estilo tardío”. Antoine Tamestit (que deslumbró en el XIX Liceo de Cámara con su recital para viola sola). por su ambición y por las propias obras que integran el programa. el Cuarteto Quiroga. Pieter Wispelwey. Es el caso. Tabea Zimmermann (habitual como integrante del Cuarteto Arcanto. una de las voces más prometedoras de la actualidad. De este último se ha programado también su Sonata para violín y piano. que será el encargado de inaugurar la temporada. junto a otros que. como el Cuarteto Pavel Haas. la Sonata para violín y piano o la Sonata para viola y piano de Dmitri Shostakovich. Varias de sus extrañas y visionarias piezas para piano compuestas al final de su dilatada vida sonarán en dos conciertos. el Cuarteto Meta4 o el Cuarteto Hagen. Kirill Gerstein. que escucharemos en su versión original para sexteto de cuerda junto a otra música poco programada y muy representativa del a un tiempo melancólico y vitalista estilo de última época de su autor: el Souvenir de Florencia de Tchaikovsky. como el Cuarteto nº 3 de Britten. Otro tanto puede decirse de las diversas composiciones de Max Reger programadas en dos de los conciertos. sino también el final de toda una época. estábamos deseando volver a escuchar. Otro compositor que apuntó nuevos rumbos en sus últimas obras fue Franz Liszt. Indudable carácter testamentario tienen también otras músicas. Vuelven al Liceo de Cámara grupos habituales en los últimos años. de obra que refleja aquí no solo el fin de una vida. Daniel Sepec (también habitual como miembro del Cuarteto Arcanto. todas igualmente sombrías y desesperanzadas. como los hermanos Capuçon (que tocarán en esta ocasión por primera vez con su propio Cuarteto). solo cabe el silencio). todas ellas escritas al borde mismo de la muerte. Alois Posch. no especialmente frecuentadas. También regresan nombres familiares como los de Isabel Charisius (antigua violista del Cuarteto Alban Berg). pero de una calidad indiscutible. Cédric Tiberghien (que tan excelente impresión causó en sus recitales con Alina Ibragimova en el XVIII Liceo de Cámara). en el ambicioso programa monográfico dedicado al último Brahms. Gérard Caussé. aunque no tan veteranos.

na Isabelle Faust. Opus ultimum. al que fuera su fundador y director artístico durante las primeras catorce ediciones. el pianista ruso Alexander Melnikov (juntos forman una de las parejas de mayor éxito de la actualidad). justamente al conmemorar los veinte años de existencia del Liceo de Cámara. Solo cabe esperar que nuestro lema de este año. así como dejar constancia del excelente hacer de Inés Fernández Arias. Antonio Moral. el clarinetista Matthew Hunt (que interpretará los Quintetos de Brahms y Reger con el Cuarteto Meta4) o el joven y prometedor violonchelista francés Yan Levionnois. y que podemos admirar en toda la grandeza de su pequeño formato en el Museo del Prado. no acabe revistiéndose de tintes premonitorios y podamos seguir celebrando juntos muchas más efemérides de la que se ha consolidado como una de las series de conciertos de música de cámara más respetadas de Europa. responsable de la coordinación del ciclo desde el comienzo mismo. ideado y desarrollado antes del brutal azote de la crisis. y que tan buena música sin duda va a depararnos. Luis Gago Programas 8 . también con gratitud. Es de justicia agradecer. el respaldo incondicional e ininterrumpido que ha recibido desde 1992 por parte de la Fundación Caja Madrid y recordar. aún mantiene la cabeza enhiesta y parece empeñado en ascender la pendiente que se levanta –amenazante– ante él. el que servirá de inmejorable tarjeta de felicitación por su vigésimo aniversario. uno de los integrantes del excepcional septeto de cuerda que protagonizará el concierto de clausura del XX Liceo de Cámara. y que continúa felizmente con nosotros. El perro semihundido de Goya que nos acompaña en la cubierta.

BWV 668a DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Cuarteto nº 15 en Mi bemol menor. Adagio – attacca: Nocturno. Adagio molto – attacca: Epílogo. 144 Elegía. Adagio – Adagio molto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violín Cibrán Sierra. 626 (versión para cuarteto de cuerda de Peter Lichtenthal [1780-1853] revisada por el Cuarteto Quiroga) Introitus: Requiem Kyrie Dies irae Tuba mirum Rex tremendae Recordare Confutatis Lacrimosa Domine Jesu Christe Hostias Sanctus Benedictus Agnus Dei Lux aeterna II JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Wenn wir in höchsten Nothen sein. Adagio – attacca: Serenata.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum I ABONO A PROGRAMA 1 Cuarteto Quiroga Aitor Hevia. viola Helena Poggio. K. Adagio – attacca: Intermezzo. violonchelo I WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791) Réquiem.30 horas 11 . SALA DE CÁMARA Jueves. 20 de octubre de 2011. 19. Adagio – attacca: Marcha fúnebre. op. violín Dénes Ludmány.

op. 131d nº 1 Molto sostenuto Vivace – Andantino – Vivace Andante sostenuto Molto vivace DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Sonata para viola y piano. op. op. 24 de noviembre de 2011.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum II ABONO B PROGRAMA 2 Tabea Zimmermann. mit melancholischem Ausdruck II MAX REGER Suite para viola sola en Mi menor. viola Kirill Gerstein. 132 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 113 Nicht schnell Lebhaft Rasch Langsam. piano I ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Märchenbilder. S. SALA DE CÁMARA Jueves. 131d nº 3 Moderato Vivace Adagio Allegro vivace MAX REGER (1873-1916) Sonata para viola sola en Sol menor. op. 143 (selección) I Larghetto II Con moto III Molto Adagio VII Molto sostenuto XI Andantino XII Larghetto FRANZ LISZT (1811-1886) Romance oubliée.30 horas 12 13 . 19. op. 147 Moderato Allegretto Adagio Träume am Kamin.

30 horas 14 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 133 Adagio ma non troppo – Allegro Presto Andante con moto.30 horas 15 . violín Rainer Schmidt. ma non troppo e semplice – Allegretto – Presto – Adagio quasi un poco andante – Allegro AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 898 Allegro moderato Andante un poco mosso Scherzo: Allegro – Trio Rondo: Allegro vivace II Trío en Mi bemol mayor.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum III ABONO A PROGRAMA 3 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum IV ABONO B PROGRAMA 4 Lukas Hagen. op. D. D. piano FRANZ SCHUBERT (1797-1828) I Trío en Si bemol mayor. 131 Adagio ma non troppo e molto espressivo – Allegro molto vivace – Allegro moderato – Andante ma non troppo e molto cantabile – Più mosso – Andante moderato e lusinghiero – Adagio – Allegretto – Adagio. violonchelo LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) I Cuarteto en Si bemol mayor. 29 de noviembre de 2011. violín Veronika Hagen. SALA DE CÁMARA Martes. viola Clemens Hagen. violonchelo Arto Satukangas. 19. 19. 130 / Gran Fuga op. SALA DE CÁMARA Jueves. 929 Allegro Andante con moto Scherzando: Allegro moderato – Trio Allegro moderato II Cuarteto en Do sostenido menor. op. violín Marko Ylönen. 15 de diciembre de 2011. ma non troppo Alla danza tedesca: Allegro assai Cavatina: Adagio molto espressivo Overtura: Allegro – Meno mosso e moderato – Allegro Fuga: Allegro – Meno mosso e moderato – Allegro molto e con brio – Allegro Cuarteto Hagen Jan Söderblom.

121 Denn es gehet dem Menschen Ich wandte mich und sahe an alle Tod. SALA DE CÁMARA Martes. 116 nº 4 Intermezzo. largo e mesto Zwei Gesänge. o Tod. 91 Gestillte Sehnsucht Geistliches Wiegenlied AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 119 nº 1 Adagio Fantasía op. 120 nº 1 Allegretto appassionato – Sostenuto ed espressivo Andante un poco Adagio Allegretto grazioso Vivace II Sonata para viola y piano en Mi bemol mayor. viola Roger Vignoles. 105 nº 1 Immer leiser wird mein Schlummer. 105 nº 2 Auf dem Kirchhofe. wie bitter bist du Wenn ich mit Menschen. Adagio Vier ernste Gesänge. 10 de enero de 2012. op. mezzosoprano Isabel Charisius. piano JOHANNES BRAHMS (1833-1897) I Sonata para viola y piano en Fa menor.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum V ABONO A PROGRAMA 5 Christianne Stotijn. op. op. op. 120 nº 2 Allegro amabile – Tranquillo Allegro appassionato – Sostenuto Andante con moto – Allegro – Più tranquillo Intermezzo op.und mit Engelszungen redete Intermezzo op. 105 nº 4 Intermezzo op. op. 19. op.30 horas 16 17 . op. 117 nº 2 Andante non troppo e con molto espressione Wie Melodien zieht es. 118 nº 6 Andante.

19. D. in Stylo Francese Contrapunctus VII. 134 Andante Allegretto Largo II LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en Fa mayor. alla Decima Contrapunctus XI. a 4 inversus Canon alla Ottava Canon alla Decima in Contrapuncto alla Terza Canon alla Duodecima in Contrapuncto alla Quinta Contrapunctus XIII. alla Duodecima Contrapunctus X.30 horas 19 . 934 Andante molto Allegretto Andantino Allegro vivace – Allegretto – Presto Antje Weithaas. a 4. cantante e tranquillo – Più lento – Tempo I Der schwer gefaßte Entschluß. op. Adagio Presto II FRANZ SCHUBERT Drei Klavierstücke. a 4 Canon per Augmentationem in Contrario Motu Contrapunctus XII. piano I FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Fantasía para violín y piano en Do mayor. Sz. violín Tabea Zimmermann. a 4. violín Alexander Melnikov. 15 de febrero de 2012. 31 de enero de 2012. a 3 rectus Contrapunctus XIII. op. SALA DE CÁMARA Martes.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VI ABONO B PROGRAMA 6 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VII ABONO A PROGRAMA 7 Isabelle Faust. a 4. 135 Allegretto Vivace Lento assai. a 4. violín Daniel Sepec. viola Jean-Guihen Queyras. violonchelo I JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) El arte de la fuga.30 horas 18 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. BWV 1080 Contrapunctus I Contrapunctus II Contrapunctus III Contrapunctus IV Contrapunctus V Contrapunctus VI. SALA DE CÁMARA Miércoles. per Augmentationem et Diminutionem Contrapunctus VIII. 19. 946 Allegro assai Allegretto Allegro DMITRI SHOSTAKOVICH (1906-1975) Sonata para violín y piano. 117 Tempo di ciaccona Fuga. a 3 inversus Canon per Augmentationem in Contrario Motu Contrapunctus XIV (incompleto) Cuarteto Arcanto BÉLA BARTÓK (1881-1945) Sonata para violín solo. a 3 Contrapunctus IX. Risoluto. D. Grave ma non troppo tratto (“Muß es sein?”) – Allegro (“Es muß sein!”) AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. a 4 rectus Contrapunctus XII. non troppo vivo Melodia.

S. 16 de febrero de 2012. violín Tabea Zimmermann. SALA DE CÁMARA Jueves.30 horas 21 . D. piano I FRANZ SCHUBERT (1797-1828) Sonata para arpeggione y piano en La menor.30 horas 20 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. op. 216a II BENJAMIN BRITTEN (1913-1976) Suite para violonchelo solo nº 3. viola Jean-Guihen Queyras. 224 Mephisto Walzer nº 4. 821 Allegro moderato Adagio – Allegretto Olivier Marron. 23 de febrero de 2012. 956 Allegro ma non troppo Adagio Presto – Trio: Andante sostenuto Allegretto CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Sonata para violonchelo y piano Prologue Sérénade Finale AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 87 Introduzione (Lento) Marcia (Allegro) Canto (Con moto) Barcarolla (Lento) Dialogo (Allegretto) Fuga (Andante espressivo) Recitativo (Fantastico) Moto perpetuo (Presto) Passacaglia (Lento solenne) Mournful Song (Molto semplice) – Autumn (Vivace) – Street song (Pesante) – Grant repose together with the saints (Lento) II Quinteto en Do mayor. violoncelo Cédric Tiberghien. 887 Allegro molto moderato Andante un poco mosso Scherzo: Allegro vivace – Trio: Allegretto Allegro assai FRANZ LISZT (1813-1886) Valse oubliée nº 1. D. 19. violonchelo Cuarteto Arcanto Pieter Wispelwey. S. D. S. S. 696 Bagatelle sans tonalité.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum VIII ABONO B PROGRAMA 8 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum IX ABONO A PROGRAMA 9 Antje Weithaas. violonchelo FRANZ SCHUBERT (1797-1828) I Cuarteto nº 15 en Sol mayor. 19. SALA DE CÁMARA Jueves. violín Daniel Sepec. 215 Csárdás macabre.

14 de marzo de 2012. BWV 1087 Variaciones canónicas sobre la canción navideña Vom Himmel hoch da komm ich her. H. contrario Motu Canon a 2 per Tonos Fuga canonica in Epidiapente Ricercar a 6 Canon a 2 Quaerendo invenietis Canon a 4 Quaerendo invenietis Sonata sopr’il Soggetto Reale a Traversa. Hob III:81 Allegro moderato Adagio Presto Presto Cuarteto de Tokio flauta travesera barroca BÉLA BARTÓK (1881-1945) Cuarteto nº 6. BWV 769 (instrumentación de Andreas Tarkmann) Martin Beaver. Andante – Molto adagio – Andante – Molto adagio (Mit innigster Empfindung) Alla marcia. 536 II JOHANN SEBASTIAN BACH Ofrenda musical. 19. in der Lydischen Tonart. Sz. violín barroco Patrick Sepec. 19. 114 Mesto – Più mosso.30 horas 23 . Christine Schornsheim. SALA DE CÁMARA Miércoles. violín barroco Christine Busch.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum X ABONO A PROGRAMA 10 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XI ABONO B PROGRAMA 11 Daniel Sepec. BWV 1079 Ricercar a 3 Canon perpetuus super Thema Regium Canon a 2 cancrizans Canon a 2 Violini in unisono Canon a 2. Molto Adagio – Neue Kraft fühlend. clave y órgano I JOHANN SEBASTIAN BACH (1685-1750) Cánones sobre las ocho notas del bajo del aria de las Variaciones Goldberg. per Motum contrarium Caon a 2 per Augmentationem. 132 Assai sostenuto – Allegro Allegro ma non tanto Heiliger Dankgesang eines Genesenden an die Gottheit. 77 nº 1. op. Violino e Continuo (Largo – Allegro – Andante – Allegro) Canon perpetuus AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violonchelo I JOSEPH HAYDN (1732-1809) Cuarteto en Sol mayor. violín Kazuhide Isomura. violonchelo barroco Michael Schmidt-Casdorff. 28 de marzo de 2012. violín Kikuei Ikeda. SALA DE CÁMARA Miércoles. assai vivace – Più allegro – Allegro appassionato – Presto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. pesante – Vivace Mesto – Marcia Mesto – Burletta Mesto CARL PHILIPP EMANUEL BACH (1714-1788) Fantasía para violín y clave en Fa sostenido menor.30 horas 22 II LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en La menor. viola Clive Greensmith. op.

viola Nicolas Altstaedt.30 horas 24 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA.30 horas 25 . op. violín Gabriel Le Magadure. 4 Sehr langsam – Breiter – Schwer betont – Sehr breit und langsam – Sehr ruhig BENJAMIN BRITTEN (1913-1976) Cuarteto de cuerda nº 3. 127 Maestoso – Allegro Adagio. viola Antoine Lederlin. violonchelo I RICHARD STRAUSS (1864-1949) Preludio de Capriccio. op. 94 Duets Ostinato Solo Burlesque Recitative and Passacaglia (La Serenissima) II PIOTR ILYCH TCHAIKOVSKY (1840-1893) Sexteto en Re menor. SALA DE CÁMARA Jueves. “Souvenir de Florencia” Allegro con spirito Adagio cantabile e con moto Allegretto moderato Allegro vivace II LUDWIG VAN BEETHOVEN Cuarteto en Mi bemol mayor. 26 de abril de 2012. 95 (“Quartett[o] serioso”) Allegro con brio Allegretto ma non troppo – Allegro assai vivace ma serioso – Più allegro Larghetto espressivo – Allegretto agitato – Allegro Cuarteto Belcea Antoine Tamestit. op. 85 ARNOLD SCHOENBERG (1874-1951) Noche transfigurada. 11 de abril de 2012. op. 19. 70.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XII ABONO A PROGRAMA 12 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XIII ABONO A PROGRAMA 13 Pierre Colombet. violonchelo I LUDWIG VAN BEETHOVEN (1770-1827) Cuarteto en Fa menor. SALA DE CÁMARA Miércoles. op. violín Krzysztof Chorzelski. violín Axel Schacher. ma non troppo e molto cantabile – Andante con moto – Adagio molto espressivo – Tempo I Scherzando vivace – Presto – Tempo I Finale: Allegro con moto AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. violonchelo Cuarteto Ebène Corina Belcea-Fisher. 19. violín Mathieu Herzog. viola Raphaël Merlin. op.

SALA DE CÁMARA Miércoles. op. Très animé AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. op. violín Pavel Nikl. M. violonchelo I ANTONÍN DVOŘÁK (1841-1904) Cuarteto nº 13 en Sol mayor. 8 de mayo de 2012. nicht zu rasch Lebhaft Bewegt Im Anfange ruhiges. op. Moderato – Molto lento Allegretto poco mosso VIKTOR ULLMANN (1898-1944) Cuarteto nº 3. 23 de mayo de 2012. einfach Bewegt Gesänge der Frühe. 121 Ziemlich langsam . SALA DE CÁMARA Martes.30 horas 26 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 46 Allegro moderato e semplice Presto Largo Allegro vivace e ritmico CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) Sonata para violín y piano Allegro vivo Intermède. 19. violín Eva Karová. Fantasque et léger Finale.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XIV ABONO B PROGRAMA 14 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XV ABONO A PROGRAMA 15 Cuarteto Pavel Haas Veronika Jarůsková. violín Alexander Lonquich. Andante sostenuto – Allegro con fuoco Hanna Weinmeister.Lebhaft Sehr lebhaft Leise.30 horas 27 . 133 Im ruhigen Tempo Belebt. 8 Allegretto moderato Allegro Recitativo-Fantasia. op. viola Peter Jarůšek. 19. 106 Allegro moderato Adagio ma non troppo Molto vivace Finale. im Verlaufe bewegteres Tempo II LEOŠ JANÁČEK (1854-1928) Cuarteto nº 2. piano I ROBERT SCHUMANN (1810-1856) Sonata para violín y piano en Re menor. “Cartas íntimas” Andante – Con moto – Allegro Adagio – Vivace – Andante – Presto – Allegro – Vivo – Adagio Moderato – Adagio – Allegro Allegro – Andante – Con moto – Adagio – Tempo I II CÉSAR FRANCK (1822-1890) Sonata para violín y piano en La mayor.

30 horas 28 AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. op. violonchelo I JOSEPH HAYDN (1732-1809) Cuarteto en Re menor. 9 Poco Lento – Allegro Scherzo: Vivace Larghetto Finale: Allegro molto II JOHANNES BRAHMS (1833-1897) Quinteto con clarinete en Si menor. ma con sentimento Con moto – Un poco meno mosso AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. 146 Moderato ed amabile Vivace Largo Poco Allegretto II CÉSAR FRANCK (1822-1890) Cuarteto en Re mayor. 115 Allegro Adagio Andantino – Presto non assai. SALA DE CÁMARA Martes. M. 103. violín Minna Pensola. violín Minna Pensola. op. violín Atte Kilpeläinen. T. 19. Presto GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Cuarteto en Mi menor. viola Tomas Djupsjöbacka.30 horas 29 . 121 Allegro moderato Andante Allegro MAX REGER (1875-1916) Quinteto con clarinete en La mayor. quasi Marcia Finale. I clarinete BEDŘICH SMETANA (1824-1884) Cuarteto nº 2 en Re menor. viola Tomas Djupsjöbacka. op. Hob III:83 (incompleto) Andante grazioso Menuet ma non troppo presto Cuarteto Meta4 Matthew Hunt. 31 de mayo de 2012. ma agitato e con fuoco – Molto moderato. 19. SALA DE CÁMARA Jueves. violín Atte Kilpeläinen.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVI ABONO B PROGRAMA 16 XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVII ABONO A PROGRAMA 17 Antti Tikkanen. 131 Allegro Allegro moderato – Andante cantabile Allegro non più moderato. 29 de mayo de 2012. violonchelo Cuarteto Meta4 Antti Tikkanen. op.

S. viola Gautier Capuçon.XX LICEO DE CÁMARA Opus ultimum XVIII ABONO B PROGRAMA 18 Cuarteto Capuçon Renaud Capuçon. violonchelo Gérard Caussé. disastro. ma non troppo Andantino Allegro vivo (reconstrucción de la versión para septeto de cuerda de Rudolf Leopold) RICHARD STRAUSS (1864-1949) Metamorfosis AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA. S. 194 R. 201 Am Grabe Richard Wagners. 199 Schlaflos! Frage und Antwort. viola Yan Levionnois. S. 12 de junio de 2012. Dans un emportement douloureux Lent et passioné GABRIEL FAURÉ (1845-1924) Trío con piano en Re menor. contrabajo Nicholas Angelich. violín Aki Saulière. S. violonchelo Alois Posch. 19. S. piano I GUILLAUME LEKEU (1870-1894) Cuarteto con piano II FRANZ LISZT (1813-1886) Trübe Wolken. Venezia. op. 202 (versión para cuarteto de cuerda) (completado por Vincent d’Indy) Très animé. W. S. 203 Unstern! Sinistre.30 horas 30 31 . SALA DE CÁMARA Martes. 208 Mosonyis Grabgeleit. violín Béatrice Muthelet. 120 Allegro.

Rodríguez .Crónicas musicales del estilo tardío Pablo-L.

en el primer caso uno siempre puede ser consciente de dónde se encuentra. en torno a 1750 comenzó a tenerse una mayor conciencia del pasado. mientras que en la segunda se subraya lo irrepetible. pero en el segundo caso no podemos predecir la extensión e incluso el propio Bach solía anunciar enfáticamente el final unos pocos compases antes para que no resultase inesperado. Rodríguez El círculo de Bach y la flecha de Mozart y Haydn. Esas diferencias no pueden atribuirse simplemente a las disparidades entre ambos géneros. y surgió lo que el científico humanista Stephen J. pero en el compositor de Eisenach resulta imposible hasta que el ritornello final hace su aparición. de lo irrepetible del presente y también de las contingencias del futuro. sabe lo que ha ocurrido desde el principio o puede anticipar lo que está por venir. Karol Berger explicó esa oposición entre círculo y flecha temporal comparando dos pinturas: Il ballo della vita umana al suono del Tempo (1639-1640) de Nicolas Poussin e Il mondo nuovo (1791) de Giandomenico Tiepolo. Padre e hijo Johann Sebastian Bach (1685-1750) plasmó esa visión circular del tiempo especialmente en sus composiciones más estrictamente contrapuntísticas. la concepción temporal era claramente circular y se regía por la recurrencia de meses y estaciones. como los cánones que cultivó con especial énfasis al 35 . Sin embargo. pues lo mismo sucede cuando comparamos un concierto de Mozart y otro de Bach: uno puede anticipar el final de un movimiento desde el principio en el caso de salzburgués. Gould ha denominado la flecha temporal. en la primera se representa la regularidad cíclica y predecible que gobierna la existencia humana. El mismo autor aplica este razonamiento a la música al oponer la audición de un movimiento de sonata de Haydn o Mozart a una fuga de Bach.Crónicas musicales del estilo tardío Pablo-L. pero también la novedad del porvenir. lo sucedido en la historia de la música en torno a 1750 va mucho más allá de la consabida transición desde una época llamada Barroco a otra denominada Clasicismo: supuso un cambio drástico en la concepción del tiempo que tuvo importantes consecuencias culturales. Hasta mediados del siglo xviii.

a Eisenach (Isenaco en latín) y Turingia. signos de articulación. y una vez concluida la ocupación prusiana de Leipzig. estudiante de teología y músico de Leipzig. En realidad. es decir. en los dos acrósticos formados por varias de las palabras de la dedicatoria en latín: “Domine possessor Fidelis Amici Beatum Esse Recordari. o incluso testimonian la afición del compositor por la numerología: catorce es la suma del valor numérico de los caracteres que componen su apellido (de acuerdo con su posición en el alfabeto. A = La. por entonces inspector de música del Ministerio de Cultura galo. respectivamente. indicaciones de tempo o expresión a su monumental ciclo de variaciones (que sonaron el pasado año en el Liceo de Cámara en la transcripción para trío de cuerda de Dmitri Sitkovetsky). que le permitieron homenajear al destinatario o dar rienda suelta a su fascinación por las letras y los números. por tanto. H = Si). En enero de 1974. Franz y Johann Georg Benda o el mismísimo 37 Uno de los hallazgos más recientes y sorprendentes relacionados con la obra de Bach está relacionado con los cánones que cultivó al final de su vida. Este Canon triplex fue presentado por Bach en junio de 1747 junto con las Variaciones canónicas sobre el coral navideño “Vom Himmel hoch da komm ich her” BWV 769 como prueba de su maestría en la ciencia musical para su ingreso en la lipsiense Sozietät der musikalischen Wissenschaften (“Sociedad de Ciencias Musicales”) de Lorenz Christoph Mitzler. aquí Bach introduce una inscripción alusiva a la pasión de Cristo representada musicalmente con cinco semitonos descendentes en la voz aguda. al cultivador del buen arte por tu verdadero amigo”). de hecho. pudo confirmarse que se trataba de un ejemplar propiedad del compositor en el que no solo había añadido numerosas correcciones. el viejo Kantor lipsiense utilizó con asiduidad procedimientos de soggetto cavato. el Canon duplex übers Fundament a 5 se conocía por la copia que realizó el compositor el 15 de octubre de 1747 en el cuaderno de su amigo Johann Gottlieb Fulda. La I y la T hacen referencia. Tras las correspondientes verificaciones llevadas a cabo en el Johann-Sebastian-Bach-Institut de Gotingaen. cuya similitud con el fragmento inicial del bajo del aria de las Variaciones Goldberg quizá no sea una casualidad. junto con el suyo propio. pasaría ahora a situarse en tercer lugar con el fin de conformar una estructura cruciforme. aunque el compositor la revisaría en dos ocasiones tras su publicación con la intención de situar su clímax en el centro en vez de al final: el quinto canon. C = Do. Parece ser que fue el propio rey flautista quien solicitó su visita por medio de su hijo Carl Philipp Emanuel. un puente entre las Variaciones Goldberg de 1741 y la Ofrenda musical de 1747. había una página autógrafa con varios cánones enigmáticos escritos sobre las primeras ocho notas del bajo del aria de las Variaciones Goldberg. Por otro lado. como tantos compositores desde finales del siglo xv. tibi haud ignotum: itaque Bonae Artis Cultorem Habeas verum amIcum Tuum (“Señor poseedor: no puedes dejar de saber que recordar a un fiel amigo significa ser feliz. Se trata de cinco cánones a partir de la melodía del famoso canto navideño. C = 3 y H = 8). El encuentro con el monarca. poco más de un año antes de su muerte. creando temas circulares perpetuos en continua suspensión temporal. B = 2. catalogados como BWV 1087 y hoy conservados en la Bibliothèque nationale de France. Estos cánones autógrafos. indicando en el título que era para órgano de dos teclados y pedalero. fechado el primero de marzo de 1749. Y. toma. que trabajaba para él. dos de ellos ya eran conocidos con anterioridad: los números 11 y 13. como los hermanos Carl Heinrich y Johann Gottlieb Graun. descubrió en Estrasburgo que dentro del ejemplar impreso de la cuarta parte del Clavier-Übung. sino que también había escrito en la hoja de guarda posterior del ejemplar catorce cánones bajo el título Verschiedene Canones über die ersten acht Fundamental-Noten vorheriger Arie (“Diversos cánones sobre las primeras ocho notas del bajo del aria precedente”) donde aplica procedimientos contrapuntísticos cada vez más complejos que parten de una simple exposición del sujeto y su retrogradación hasta un planteamiento a cuatro voces en aumentación y disminución. Un ejemplo de ello lo encontramos en el canon sobre un basso ostinato BWV 1078. cuyo bajo repite una y otra vez las notas Fa-La-Si bemol-Mi (F-A-B-E). la localidad y la región natales del compositor. el organista y musicólogo francés Olivier Alain. el último gran compositor de cánones. donde se deletrea a través de la solmisación germana el apellido de Benjamin Gottlob Faber. del que Forkel hizo una breve y autorizada semblanza a partir de fuentes orales de los hijos de Bach. Por un lado. catalogado como BWV 1077. A = 1. el Canon triplex a 6 fue catalogado originalmente como BWV 1076 y podemos verlo en la mano derecha del compositor en el famoso retrato que pintó Elias Gottlob Haussmann en 1746. Bach dio esta obra a Balthasar Schmidt para imprimirla en notación enigmática. no por casualidad los números 3 y 4 simbolizan el orden divino y el nombre de Dios. con la particularidad de que la última letra “R” significa repetatur (“repítase”). con esa grandiosa coda donde escuchamos en stretta las cuatro melodías del coral que culmina con la firma musical del compositor (B = Si bemol. en clara alusión a las stigmata o cinco llagas de Cristo en la cruz. tuvo lugar el 7 de mayo de 1747 en el palacio municipal de Potsdam (destruido durante la Segunda Guerra Mundial) ante un nutrido grupo de músicos reunidos en torno al rey prusiano. propiedad del clavecinista Paul Blumenroeder. amigo de Bach y representante suyo en el bautismo de su discípulo Johann Christoph Altnickol. conforman 36 .final de su vida: fue. su nombre vuelve a aparecer. La capacidad de Bach como maestro de contrapunto trascendió la ciudad de Leipzig y llegó incluso hasta la corte prusiana de Frederick II (Federico el Grande).

el rey pidió a Bach que probase los fortepianos Silbermann y éste le solicitó un tema para improvisar una fuga que dejó a todos admirados. y quizá ningún conflicto padre-hijo tuvo tantas repercusiones culturales. * * * La historia de la relación de Bach con su segundo hijo. Está claro que Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788). que Bach realizó aunque a partir de otro tema similar. Al día siguiente. representaba una mentalidad más orientada hacia el porvenir relacionada con el tiempo flecha. cambió sustancialmente a lo largo del siglo xix. era un misántropo bisexual con un matrimonio de conveniencia política sin hijos. Leipzig. había llegado a desarrollar teorías casi esotéricas con el espiritual propósito de la glorificación divina. Musicalmente. y se encumbre la fama del rey como el ascenso de esta modulación”). Carl Philipp Emanuel. un caduco calvinista que abogaba por la tolerancia religiosa de gustos afrancesados y que presumía de no haber leído nunca un libro en alemán. no era para Bach más que algo vacío y artificial. Bach se puso a trabajar en ello tras su regreso a Leipzig y lo que en principio no iba más allá de una mera transcripción de la fuga que había improvisado para el monarca prusiano terminó por convertirse en una extensa composición formada por varias partes que tituló Ofrenda musical (catalogada por Wolfgang Schmieder como BWV 1079) y que dedicó obviamente a Frederick II. cuyo estilo había sido rechazado por los jóvenes compositores y también por sus propios hijos. Los rasgos de la música de Carl Philipp inicialmente relacionados con la modernidad fueron considerados a partir de entonces como superficiales. mientras que la música de Bach era símbolo de lo antiguo y trasnochado. en cambio. Federico el Grande y Bach se encontraron en el jalón que separa la cultura antigua de la moderna y lo que surgió de ese encuentro fue algo más que la mera expresión musical de aquel momento histórico. 2) una sonata para flauta travesera. aunque en esta ocasión tocando el órgano de la iglesia del Espíritu Santo. como ha recordado James R. al tiempo que enaltecía el natural deleite de la canción o la ornamentación armónica de una sencilla línea melódica. llegaría al extremo de vender las planchas de impresión de El arte de la fuga de su padre como chatarra para ganar algo de dinero. Para Frederick. el contrapunto era un vestigio de una estética anticuada y consideraba tonterías religiosas los corales de Bach. el hijo mayor del compositor. el viejo Kantor también aprovecharía su viaje para visitar otros órganos de Potsdam o. que había acompañado a su padre en su viaje a Berlín. una con tres. Frederick II. aumentado y modulado: “Notulis crescentibus crescat Fortuna Regis / Ascendenteque Modulatione ascendat Gloria Regis” (“Que la felicidad del rey crezca como estas notas aumentadas. Bach representaba al viejo padre del Barroco y Frederick el hijo de una temprana Ilustración. algo patente al escuchar el Andante de la Sonata para flauta. en Berlín. con su refinamiento melódico y gracia sonora. Incluso la mera comparación de ambos personajes arroja un cúmulo de diferencias más que significativas: Bach era un devoto patriarca luterano que había tenido veinte hijos y que utilizaba principalmente el alemán en su vida cotidiana. En cierto modo. también asistió Wilhelm Friedemann. ahondando en las técnicas contrapuntísticas más estrictas. lo que implicaba un rechazo directo del estilo encarnado por su padre. e incluso su imagen personal se tiñó del grisáceo de la avaricia y la tacañería. pero también en el lenguaje musical moderno del Empfindsamkeit. el nuevo teatro real de ópera Unter den Linden. por el contrario. Frederick representaba todo lo que era nuevo y elegante. lo que volvió a maravillar a todos los presentes. Si al principio se le tenía por un fiel continuador de sus enseñanzas. Bach tampoco se resistió al juego de buscar un lema para sintetizar las pretensiones de su composición y así la palabra “ricercar” adquiere nuevo significado a través de un acróstico: Regis Iussu Cantio Et Reliqua Canonica Arte Resoluta (“A petición del rey. una de las fuentes tradicionalmente más citadas a la hora de documentar 39 . el rey volvió a escuchar a Bach. Su visita había tenido eco en los periódicos de Berlín. donde trascendió además la promesa que hizo al rey de escribir su tema como fuga y hacer con él un grabado en cobre. El viejo Bach pretendió mostrar al monarca todas las posibilidades de su tema. por medio del canon y la fuga. Obviamente. al igual que su patrón Frederick II. Hamburgo. Gaines en su libro Evening in 38 the Palace of Reason. que podemos verificar en la fuga a seis. incluso en la copia enviada al monarca podían leerse dos significativas dedicatorias en latín al margen de los cánones a dos y cuatro voces.Johann Joachim Quantz. Bach sentía que representaba la ancestral tradición del contrapunto que. Según la biografía publicada en 1868 por Carl Hermann Bitter. Sin embargo. Fráncfort. Y es que. la otra con seis voces obbligato. la publicación de la primera edición de las obras completas del viejo Bach a lo largo de la segunda mitad del siglo terminó por enterrar la figura artística del hijo. a pesar de haberse apartado del estilo paterno en favor de la modernidad. 3) varios cánones. el así llamado “estilo galante”. el rey quiso ir más allá y solicitó otra fuga pero a seis voces obligadas. el rey Frederick nunca expresó su agradecimiento a Bach y el compositor tuvo que pagar de su bolsillo los doscientos ejemplares de la edición que regaló a varios amigos o vendió a algunos interesados. el canto y lo demás se resuelve según el arte del canon”). violín y continuo. El 30 de septiembre la gaceta de varias ciudades alemanas recogía tanto la noticia de la inminente comercialización de la obra como el esquema de su estructura: “El desarrollo consiste en 1) Dos fugas. entre los cuales figura una fuga canonica”. Una vez en palacio. violín y continuo. Magdeburgo y Potsdam.

Las razones de Carl Philipp para 41 . triples. conformando un espectacular tratado sobre el tema y ello fue quizá lo que atrajo a Carl Philipp a la hora de hacerse cargo de su edición. Carl Philipp Emmanuel Bach vendió su querido clavicordio Silbermann a su amigo y discípulo. Carl Philipp diseñó una publicación de veinticuatro piezas. él exigía esta habilidad desde el principio y. Tampoco está claro cuándo escribió Bach esta colección. al dotar de gran flexibilidad armónica al sujeto. que escucharemos por separado. sino incluso una obra expresamente compuesta para la ocasión y titulada Abschied von meinem Silbermannischen Claviere. De hecho.ese rechazo es la crónica que publicó Charles Burney en 1773 de su conversación con él: “Cuando volvimos a tratar de la música culta. que puede hacer alusión a su pertenencia a otra colección. fugas permutadas y cánones. para él. dobles. La primera. contrafugas. había tenido que retrasar hasta 1750. Por ello no debe resultar extraño que Carl Philipp. donde la principal cualidad que exigía era la imaginación: “En cuanto a la inventiva. es la famosa fuga cuádruple inconclusa donde Bach introduce su nombre como sujeto (B = Si bemol. C = Do. H = Si) poco antes de que se interrumpa bruscamente. Por esa razón. Y es que a su muerte. pero también que su afán por incluir todo el material que tenía a mano alteró buena parte del plan original del compositor. 66). La otra composición. por problemas de salud. estamos ante una obra inconclusa que plantea todavía hoy muchas incógnitas sin resolver. que vería la luz en 1751. Como ya vimos. La principal controversia en relación con esta fuga se debe a que no utiliza el tema de El arte de la fuga. se implicase personalmente en la primera edición de El arte de la fuga. no conocemos con precisión el título que iba a darle. En una carta dirigida a Forkel en 1775 explicaba al que fuera primer biógrafo del viejo Bach la forma en que enseñaba a sus alumnos. a uno de sus amigos”. el manuscrito que conservamos de esta obra no solo está escrito en partitura de teclado. es bien sabido que Carl Philipp añadió en ese lugar en el manuscrito la siguiente indicación: “NB Mientras trabajaba en esta fuga. y un año después pensaba entregar impresa la colección que estaba preparando cuando falleció y que. es de falta de genio de todos aquellos que se dedican a tan miserables estudios e involuntarias creaciones”. en el envío no solo incluyó una carta. en la que aparece el nombre de BACH en el contrasujeto. que el difunto dictó de memoria. A = La. el autor falleció”. aunque en el manuscrito de Bach tan solo había catorce composiciones 40 (un número nuevamente muy representativo): doce fugas y dos cánones. como el resto de El arte de la fuga. en el que concluía incluso que es probable que la fuga estuviera completada y hayamos perdido la versión finalizada. Bach había dejado preparada la mayor parte de una nueva edición de cánones y fugas en cumplimiento de lo estipulado por los estatutos de la Sozietät de Mitzler. el que hoy tiene de Die Kunst der Fuge (“El arte de la fuga”) fue escrito por su discípulo y ahijado Altnickol en el manuscrito de la obra tras la muerte del compositor. No hay duda de que la intervención del segundo hijo de Bach fue decisiva para que la obra fuese publicada. En realidad. e incluso hay que reconocer que siempre alabó su método didáctico. habló de forma irreverente de los cánones. afirmó que eran áridas y despreciables piezas de pedantería en las que ningún compositor como tal debería sacrificar su tiempo. En todo caso. Por ejemplo. el barón Dietrich Ewald von Grotthus. Para la publicación. Por otra parte. en su primer año como miembro había publicado las Variaciones canónicas BWV 769. en vez de sobre cuatro pentagramas. in einem Rondo (“Despedida de mi clavicordio Silbermann. el 28 de julio de 1750. en la parte trasera del manuscrito de la misma puede leerse la indicación “und einen anderen Grund Plan” (“y otro plan básico”). el compositor simplemente revisó y mejoró varias de las fugas o añadió alguna nueva. que le exigían una obra por año. cuando ya estaba ciego. si de algo son prueba. 272 (Wq. * * * En 1781. si alguno no la tenía. aunque ya en el siglo xix Gustav Nottebohm demostró cómo. junto con varios de los estudiantes de su progenitor. en forma de rondó”) H. en 1748 había presentado la Ofrenda musical. la última aportación al respecto de Gregory Butler argumenta que quizá esta fuga formase parte de otra colección posterior a El arte de la fuga que Bach estaba empezando a diseñar. la obra incluye fugas simples. En realidad. Carl Philipp nunca renegó directamente de su padre. hoy se considera bastante controvertida la presencia al final de dos piezas que en realidad no formaban parte de la obra: el Contrapunctum XIV o “Fuga a 3 soggetti” y el conocido como “Coral del lecho de muerte” o revisión del preludio coral Wenn wir in höchsten Nothen sein BWV 668. En adelante ha habido muchas teorías que culminaron inicialmente en el magno estudio de Christoph Wolff. es una nueva versión que realizó Bach del preludio coral Wenn wir in höchsten Nothen sein y que Carl Philipp añadió al final de la edición de El arte de la fuga a modo de epílogo sentimental con la siguiente justificación: “Se ha querido resarcir a los amigos de la musa con la publicación del coral sacro a cuatro voces añadido al final. en vez de “Contrapunctus”. le recomendaba que no se dedicara a la composición”. entre estas últimas destaca el Contrapunctus IV como una de las más novedosas. la combinación de los tres temas de la obra encajaba a la perfección con el tema principal de la colección. que podrá escucharse como conclusión del concierto dedicado a El arte de la fuga. en la práctica. algo que Christoph Wolff ha relacionado con lo realizado por Bach en el Et incarnatus del Credo de su Misa en Si menor. aunque todo parece indicar que la mayor parte de la misma data de 1742. sino que además el compositor la titula “Fuga a 3 soggetti”. fugas espejo.

sin embargo. y tampoco es difícil relacionar su construcción con la del recitativo accompagnato operístico.. cuya concepción estilística aparece resumida dos años más tarde dentro de la definición de “cadencia” de la fundamental Klavierschule de Daniel Gottlob Türk: “La cadencia debe parecerse en todo lo posible a una fantasía creada a partir de una profusión de sentimientos y no a una pieza elaborada”. Adioses clásicos: Mozart y Haydn Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) no murió en su música. cantó la línea de soprano. precisamente. y Gerl. a lo que añade al pie: “Quizá no resulte inapropiado comparar la cadencia con un sueño. sino más bien una segunda redacción de la misma obra. concretamente.. sostienen. con esos imprevisibles cambios de afecto por medio de alteraciones en el pulso y la armonía. sino la versión que realizó de la misma también en 1787 con un acompañamiento para violín. como la carta de 1840 del compositor Ignaz Xaver Ritter von Seyfried. asumió la de tenor. 300 (Wq. como ya había hecho antes. cada pasión humana fue sometida a su ejecución y ante su exaltado genio [. a la una de la mañana en punto (del 5 de diciembre de 1791. compositores y cineastas. sobresaltos y silencios que conformaban un lenguaje extremo encaminado a la expresión directa. E. Sea como fuere. tal como pensó el propio Bach que. dejando la partitura a un lado. pero también subjetiva y opuesta a lo racional. las fantasías de Carl Philipp se relacionaron ya en su tiempo con la capacidad expresiva de un monólogo teatral. Hofer. Schack. cuñado de Mozart. pero sí falleció componiendo una misa de difuntos. arpegios quebrados. el compositor escribió la famosa anotación “C. antaño un bajo en el teatro de Mannheim. se caracteriza por una profusión de escalas rápidas. P. 67) de 1787 es un ejemplo muy significativo del Empfindsamkeit tardío de Carl Philipp. en el autógrafo de esta versión con violín. además del aura de un sueño. y que no en otro clavicordio sino en el que tú tienes podrá ser tocado bien”. la temprana muerte de Mozart sigue siendo aún hoy objeto continuo de conjeturas y especulaciones. Bachs Empfindungen” (“Sentimientos de C. E. los avances técnicos en los fortepianos que conoció tras su llegada a Hamburgo le animaron a componer cada vez con más asiduidad para este instrumento. el compositor seguía trabajando en el Requiem postrado irremediablemente en cama: “[Mozart] tenía la partitura cerca de la cama. Bach”). una fantasía y dos rondós: “Sus sonidos fueron palabras. No obstante. su expresión encantamiento. que asegura en el obituario del compositor publicado en la Allgemeine musikalische Zeitung que la víspera de su muerte. sensible. Poco tiempo después de su sepelio comenzaron a difundirse por los mentideros de Viena informaciones falsas sobre las circunstancias de su fallecimiento que han perdurado hasta nuestros días a través de dramaturgos.desprenderse de su más querido instrumento. 42 La versión de la Freye Fantasie de Carl Philipp Emanuel Bach que escucharemos en este ciclo no es la habitual (u original) para teclado solo. 43 . en una sugestiva ficción autobiográfica. su interpretación espíritu y vida. Y es que. pero sin coherencia y de forma subconsciente. Tanto el final como la referida inscripción han sido relacionados por Richard Kramer con la noción de agotamiento y cansancio que exhibe Carl Philipp en su obra durante sus últimos años de vida: “La música se sumerge y parece desaparecer en el sorprendente zumbido de las cuerdas graves del clavicordio. que su última noche Mozart estuvo más ocupado en las particularidades del reparto de Die Zauberflöte. al menos eso se desprende de algunos testimonios. deseó morir en su música”. que había adquirido en 1746 y de cuya estima dejó constancia no solo en su correspondencia sino incluso en su tratado Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen (“Ensayo sobre el verdadero arte de tocar los instrumentos de tecla”). esta versión catalogada como H. una especie de dialecto alemán del estilo galante que fue desarrollado por Carl Philipp especialmente en el repertorio para clavicordio posterior a 1750 y treinta años más tarde en el fortepiano. no parecen relacionadas con su estado de conservación. partió de esta vida”. como el de su amigo. y él mismo (eran las dos del mediodía) cantó la parte de contralto. conservado en la Staatsbibliothek berlinesa.] el oyente debe temblar de felicidad”. a pesar de las alabanzas que siempre dedicó al clavicordio. tal como podemos comprobar si comparamos ambos finales. de las emociones y que tiene en las fantasías y los rondós sus formas más habituales. el amigo de la familia. Todo parece indicar que Carl Philipp pensaba en su evolución como compositor y. Realmente. hechos que hemos experimentado y han dejado mella en nosotros”. y once horas después. el flautista Friedrich Ludwig Dülon recuerda en su autobiografía su visita en 1783 a casa de Carl Philipp para hacer una audición y la impresión que le produjo escucharle tras la comida tocar en su fortepiano una sonata. que seguía representándose con éxito tras su estreno dos meses atrás. Concretamente. en las posibilidades expresivas de otros instrumentos como el Tangentenflügel o el fortepiano. P. el compositor incluso alude a la calidad del mismo en la referida carta que acompañaba a la composición: “[Esta obra] es prueba de que uno puede componer [en él] afligidos rondeaux. Otros testimonios. Uno a veces sueña unos minutos con los sentimientos más apasionados. 80) no es un arreglo sensu stricto. Cantaron los primeros compases de Lacrimosa cuando Mozart rompió a llorar amargamente. 536 (Wq. el tenor Benedikt Schank (creador del papel de Tamino). la famosa Freye Fantasie H. natural. Esta descripción encaja a la perfección con el Empfindsamkeit o estilo sentimental. Concretamente. fue el bajo. como es bien sabido).

en febrero de 1791 le animó a honrar su memoria con el encargo de una misa de réquiem para su aniversario a Mozart. A. cuya instrumentación había sido terminada para la ocasión por Franz Jakob Freistädtler. muy apreciado por él (llamaría Franz Xaver a su segundo hijo) y dedicado principalmente a la composición de ópera alemana (en 1794 sería nombrado Kapellmeister en el restablecido National-Singspiel Kärntnertortheater de la corte vienesa). completó la obra componiendo el Sanctus. quien acudió de incógnito a casa de Mozart a mediados de julio en representación de un “amante de la 44 música”. tal como indica Franz Xaver Niementschek en su primera biografía publicada en 1808 a partir de un testimonio de su esposa Constanze. 622 o la Pequeña Cantata Masónica “Laut verkünde unsre Freude” K. donde se interpretaban obras copiadas por su mano que hacía pasar por propias. Mozart”) que había escrito Anton Herzog en 1839 y cuya publicación había sido entonces prohibida. no parece que comenzase su composición antes del estreno de Die Zauberflöte el 30 de septiembre. La otra copia se la entregó al 45 . y que afectaron tan profundamente al viejo compositor de corte que terminó sus días en 1825 completamente demente. no obstante. posteriormente convertida en ópera homónima por Nicolai Rimski-Korsakov y punto de partida de la obra teatral Amadeus (1979) de Peter Schaffer. 622 de Mozart dio un giro decisivo en 1964 cuando Otto Erich Deutsch dio a conocer el memorándum titulado Wahre und ausführliche Geschichte der Requiem von W. El conde utilizó para el encargo a su abogado Johann Sortschan. pagó por adelantado parte del trabajo y se interesó desde ese momento en repetidas ocasiones por la marcha del encargo. Mozart (“Verdadera y detallada historia del Réquiem de W. Su salud se quebró especialmente a partir del 20 de noviembre. tal como recuerda Herzog: “Éramos todos jóvenes amigos y considerábamos que le dábamos a nuestro señor un inocente placer”. publicada hace dos años. y la culminó con una reelaboración del Introito y Kyrie para la Communio “Lux Aeterna”. Tras consultar a otros compositores. En este sentido. actor. un miembro del estrecho círculo de colegas de Mozart. El 10 de diciembre de 1791 se realizó en la iglesia de San Miguel de Viena una primera audición de parte de esta obra en memoria del compositor. Mozart murió convencido de que había sido envenenado. e incluso es posible verificar cómo en las semanas siguientes estuvo dedicado a otras composiciones como su Concierto para clarinete K. cantante. fue un evento organizado por Emanuel Schikaneder (empresario teatral. la última investigación sobre el tema. que en ese año era maestro en la escuela de Wiener Neustadt. sin embargo. de hecho. La viuda de Mozart vendió a comienzos de marzo una de las copias al rey prusiano Friedrich Wilhelm II por una suma considerable y seguramente hizo otros negocios con la obra. Cuando Mozart murió tan solo había completado el Introito “Requiem Aeternam”. esos rumores se convirtieron pronto en motivo de una opereta de Albert Lortzing titulada Szenen aus Mozarts Leben (1832) o de una tragedia ligera escrita por Alexander Pushkin titulada Mozart y Salieri (1831). La historia de la composición del Requiem K. después de completar la instrumentación de la secuencia hasta el Confutatis y añadir dos compases en el Lacrimosa.Especialmente conocidos son los malvados rumores que circularon por Viena a comienzos del siglo xix. La muerte de la esposa del conde. Tras esta primera audición. como los estrenos de La clemenza di Tito en Praga y Die Zauberflöte en Viena. Anna von Walsegg. renunció a seguir adelante. Mozart siguió dedicado a otros compromisos. de las que el conde tenía la exclusividad. sino también todos los intríngulis de su finalización tras la muerte del compositor. como Mozart lo definió. Este “mensajero gris”. aunque se trataba de composiciones habitualmente encargadas a compositores profesionales como Franz Anton Hoffmeister. en que siguió trabajando en la obra postrado en cama. había sido en su juventud criado del conde Franz von Walsegg y conoció de primera mano no solo todo lo relacionado con el encargo de la obra a Mozart. Constanze se convenció del beneficio que podía reportarle finalizar la obra y solo dos semanas después le entregó el manuscrito a Joseph Leopold Eybler. quien. adaptada a su vez para el cine por Milos Forman en 1984. y que incluye un estudio epidemiológico en perspectiva de las muertes acaecidas en Viena entre noviembre de 1791 y enero de 1792. Süssmayr revisó las orquestaciones de Freistädtler y Eybler. compositor y autor del libreto de Die Zauberflöte) donde tan solo pudo escucharse el Introito y el Kyrie. sus criados suponían lo que sucedía pero lo aceptaban. 623. que en un ardid antiitaliano convirtieron al envidioso Antonio Salieri en responsable por envenenamiento de la muerte de Mozart. Los meses siguientes. asistente más que discípulo de su marido (de hecho. Al parecer. A. Curiosamente. Herzog. que incluía las partes solistas y el coro junto al bajo o algunas leves anotaciones instrumentales. John Emsley ha aclarado recientemente que el envenenamiento pudo estar relacionado con el polvo de antimonio que le recetó su doctor para combatir la depresión que padecía. e incluso pidió más tiempo para trabajar en el Requiem. del resto había escrito un boceto bastante preciso desde el Kyrie hasta el Hostias. concluye que el compositor falleció a consecuencia de la complicación de una simple infección por estreptococo. Süssmayr terminó la obra en febrero de 1792 y realizó tres copias de la misma con una caligrafía musical muy similar a la del propio Mozart: se quedó con una y entregó las otras dos a Constanze junto con el manuscrito autógrafo original. Süssmayr era alumno de Salieri). la viuda de Mozart optó entonces por entregar el manuscrito a Franz Xaver Süssmayr. Benedictus y Agnus Dei. el conde era un músico aficionado y solía organizar conciertos en su castillo en Stuppach.

de hecho. En febrero del año siguiente volvió a utilizar “su” Requiem para los servicios del segundo aniversario del fallecimiento de su esposa celebrados en la iglesia de Maria Schutz. y que Süssmayr sustituyó por una simple cadencia plagal con tercera de picardía. Precisamente. donde. Mozart. los tres intentos más destacados de com47 El Requiem es la obra más controvertida de Mozart debido a la combinación de su condición de obra tardía. y algo menos los retoques previos de Freystädtler y Eybler. que pensó inicialmente que se trataba del manuscrito de Mozart completado por Süssmayr. según los bocetos encontrados en 1960 por Wolfgang Plath. sino también ante el mejor ejemplo de equilibrio entre el contrapuntístico stile antico. el conde Walsegg no podría volver a utilizar la obra. Pocos meses más tarde. El Kyrie vuelve a ahondar en el stile antico al plantear una doble fuga sobre el tema del coro “And with His stripes we are healed” de Messiah de Handel (recordemos que Mozart había realizado una reorquestación de esa obra en 1789 por encargo del barón van Swieten). está claro que los añadidos de Süssmayr. han llevado a varios musicólogos a tratar de aportar en las últimas décadas una versión del Requiem más fiel a las intenciones del compositor. En un reciente estudio sobre la retórica y semiótica de Mozart en relación con la Ilustración. en la Secuencia muestra todas sus habilidades como compositor teatral. el aura operística o el referido elemento popular. A. Las alteraciones de Süssmayr. No obstante. junto a lacrimógenos contrastes sotto voce acompañados por el plañir de violines. Robbins Landon. ni tampoco dominaba la composición de fugas. pero también mantuvo una amistad con su primer hijo. es decir.conde Walsegg. años finales. A la luz de los estudios realizados en la últimas décadas por varios especialistas. entre sus principales fuentes contó con el apoyo de la viuda del compositor. El conde Walsseg interpretó este estreno como una traición a lo acordado en el contrato. el Requiem completado recibió su primera audición pública organizada por el barón van Swieten a beneficio de Constanze en la Jahn-Saal de Viena. que le llevó a conferir en esta obra un papel protagonista al coro y una importancia mucho menor a la instrumentación. pero para cuarteto de cuerda. del elemento popular relacionado con los himnos cantados por la congregación de fieles. ya que se había difundido que Mozart era su autor. como hicieron Franz Beyer o Howard C. como ascensos cromáticos en crescendo que simbolizan el Juicio Final. ópera y Volkstümlichkeit” y esa definición resulta ideal para comprender el estilo del Requiem: me refiero a esa unión de lo erudito del stile antico. claramente comprometida con el reformismo ilustrado del emperador Joseph II. Lógicamente. dotando a cada sección de un afecto diferenciado que culmina con el Lacrimosa. que apareció en 1816 bajo el título Cenni biografici intorno al celebre maestro W. tomando este último en consideración la labor de Eybler. Herzog informa de que el conde Walsegg sí que volvió a utilizar el Requiem de Mozart. resultan problemáticos al no respetar la estética impuesta por Mozart en la música religiosa de sus 46 . Este arreglo para cuarteto de cuerda del Requiem fue realizado a comienzos del siglo xix por Peter Lichtenthal (1780-1853). ni Süssmayr entendió la importancia que tenía para Mozart la Volkstümlichkeit. en este ciclo escucharemos una adaptación prêt-à-porter similar. e incluso también aparece el stile antico en el Amen final que inicialmente planeó incluir Mozart como conclusión. otras claras influencias en el Introito son el tema del coro “The Ways of Zion Do Mourn” del anthem homónimo de Haendel (HWV 264) o el inicio del Réquiem en Do menor de Michael Haydn. La obra se inicia en el Introito con paso lento con un solemne motivo sincopado que termina conformando una fuga. Por otro lado. había sido alumno de Mozart (algo completamente falso) y le fue enviando partes de un réquiem para su aprobación que fueron erróneamente atribuidas a Mozart tras su muerte. Stephen Rumph definía su estilo eclesiástico como “una abigarrada mezcla de erudición. el conde Walsegg inventó una rocambolesca historia: al parecer. un médico residente en Milán desde 1810 y músico aficionado que compuso varios ballets estrenados en La Scala o publicó diferentes estudios musicales como el Dizionario e bibliografia della Musica o la primera biografía de Mozart en italiano. Después de este servicio. que conforma una práctica muy habitual en ambientes privados de la época. ante las demandas de explicaciones por parte de algunos amigos por haber hecho pasar por suya una obra de Mozart. en enero de 1793. si bien en una adaptación realizada por él mismo para quinteto de cuerda en 1794. como demuestra en su intervención en el Hossana. Por lo que hemos conservado escrito por Mozart podemos deducir que estamos no solo ante la obra sacra más excepcional de su catálogo. como ese final de la Secuencia. la inclusión de procedimientos dramáticos o la presencia de la Volkstümlichkeit. aunque alrededor de 1800 se hizo con el autógrafo original del Introito y el Kyrie. obra maestra y obra incompleta. pensemos en los arreglos camerísticos de Salomon de algunas sinfonías de Haydn o incluso el que preparó Beethoven para trío con piano de su Sinfonía nº 2. En realidad. cerca de Semmering. Carl Thomas. sigue las pretensiones ilustradas del emperador Joseph II al componer una emotiva aria coral inspirada en la voz del pueblo que no renuncia a efectos dramáticos. En los años setenta del siglo pasado se intentó ajustar la instrumentación de la obra a un estilo más mozartiano. al igual que hiciera poco tiempo atrás en el famoso Ave verum corpus. pero siguió adelante con su propósito de hacer pasar por propia la obra: hizo una copia de su mano que tituló “Requiem composto dal Conde Walsegg” y realizó su propio estreno en el Neukloster de Wiener Neustadt el 14 de diciembre de 1793.

una obra coral y en la que la instrumentación del Introito (la única que completó Mozart) muestra cómo el compositor quería que la orquesta realizase tan solo un moderado acompañamiento de las voces. 103 se la otorgó ese mismo año la edición parisina de André) junto a una tarjeta de visita enviada por el compositor con su habitual sentido del humor y en la que cita el comienzo de la parte de soprano del cuarteto vocal Der Greis. 49 . fecha en que desistió definitivamente de finalizarlo. 77. El tercer movimiento es claramente un scherzo en el que volvemos a encontrar ecos populares del pastoralismo típico del Haydn tardío. A comienzos de 1802. Mark Anson-Cartwright encontró ya en 2000 ecos de la arietta de Cherubino “Voi che sapete” de Le nozze di Figaro en el esquema tonal del desarrollo del primer movimiento del Cuarteto op. completados tan solo los dos movimientos centrales. XXVc:5: “Hin ist alle meine Kraft. al no poder completarlo. que seguramente deriva de alguna danza popular. por Duncan Druce. op. Haydn inició el minueto de un tercer cuarteto con intención de publicar al menos los tres primeros. alt und schwach bin ich” (“He perdido toda mi fuerza. quizá por esa razón. III:81). en ellos Haydn renuncia a las excentricidades sinfónicas del op. dos semanas después de su muerte. estos tres últimos musicólogos toman en consideración los bocetos encontrados por Plath. cuando el 15 de junio de 1809. Druce y Levin coinciden en la idea de que el Requiem es. más recientemente. es decir. Parece que el tremendo esfuerzo que supuso para Haydn la composición del oratorio Las estaciones fue lo que le impidió culminar en 1799 el encargo del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz para componer seis cuartetos. especialmente llamativo resulta aquí el trío. tal como había manifestado personalmente a su padre en 1785. De hecho. donde. en el Invierno de Las estaciones (1799-1801). * * * En su larga trayectoria musical. no obstante. tras repetir el verso “Erschöpfet deines Sommers Kraft” (“Agotadas las fuerzas de tu verano”). aunque se ha conservado un borrador del bajo del movimiento inicial. y en él se desarrollan al margen de connotaciones populares aspectos del primero. Levin. 76 y ahonda en una síntesis global que abarca la chispa popular y la riqueza tonal. serían publicados en 1806 por Breitkopf & Hartel (la denominación de op. ya recuerda el ritmo bókazó del folclore popular húngaro. Georg August Griesinger. Michael Spitzer ha planteado el oratorio La Creación (1796-1798) como una especie de comentario filosófico personal a esa ópera de Mozart o incluso ha apuntado dos homenajes fácilmente reconocibles: el Adagio cantabile de la Sinfonía nº 98 (1792) de Haydn como pastiche del movimiento lento de la Sinfonía nº 41 “Júpiter” de Mozart o el fragmento del aria de Simón. por tanto. como el énfasis puesto en el diálogo entre los cuatro instrumentos. cuando él ya se encontraba en esos primeros años del siglo xix en el crudo invierno de su vejez. El tema inicial del Cuarteto en Sol mayor. Haydn concibe el segundo tema como una reinterpretación del primero o el breve motivo melódico que aparece a continuación deriva igualmente de una parte del tema inicial. se celebró un solemne servicio fúnebre dedicado a él en la Schottenkirche de Viena se interpretó el Réquiem de Mozart.pletar la obra han sido realizados en torno a 1991. o se ahonda en colores tonales más diferenciados. Por ejemplo. estoy viejo y débil”). No hay duda de que los llamados “Cuartetos Lobkowitz” construyen una culminación ideal a cinco décadas dedicadas a la composición para dieciséis cuerdas. dejando. La composición de los dos primeros cuartetos del ciclo fue realizada conjuntamente: los estudios de László Somfai sobre el autógrafo de ambos cuartetos que se conserva en la Biblioteca Nacional Széchényi de Budapest permiten concluir que Haydn compuso en 1799 el primer movimiento del que abre el ciclo. Maunder y Robert D. Estos dos movimientos. permitió que Artaria sacase a la venta en septiembre de ese año tan solo los dos primeros cuartetos como op. ante todo. quien rechaza en gran medida la labor de Süssmayr. pero que manifiestan la tristeza de quien vio morir en el cálido verano de su juventud al mejor compositor que había conocido en persona. año del bicentenario de la muerte del compositor. Haydn renunció a terminar el ciclo para evitar una comparación con su discípulo Beethoven. verdadero “canto del cisne” haydniano como lo denominó su amigo y primer biógrafo. 18. pues Lobkowitz había encargado un ciclo similar al compositor de Bonn que terminaría por convertirse en su op. El segundo movimiento se queda a medio camino entre la forma sonata y el tema con variaciones. 77 nº 1 (Hob. Seguramente le habría gustado. Haydn siguió componiendo un Andante grazioso para ese tercer cuarteto hasta 1803. a pesar de que es posible que parte de sus añadidos partieran de esbozos del propio Mozart que fueron destruidos. Hob. El más radical de todos es Maunder. pues en sus obras posteriores a 1791 es posible encontrar varios homenajes al compositor salzburgués. aunque. el tema principal del Presto final es un kolo. que simboliza el sonido de las espuelas de los caballos. Precisamente. cita las apoyaturas descendentes en ostinato del movimiento lento de la Sinfonía nº 40 de Mozart. Ro48 bbins Landon sostienen que. Richard F. que permiten completar el Lacrimosa con un Amen fugado. pero también el donaire social o la ternura lírica. 64 nº 3 (1790) del músico de Rohrau. Son siempre referencias muy sutiles. en realidad. Joseph Haydn (1732-1809) nunca compuso una misa de difuntos. el hombre anciano. a continuación todo el segundo cuarteto y después los tres movimientos restantes del primero. algunos especialistas como Harold C. con ese aire marcial.

no por casualidad. rugoso. Brahms (Margaret Notley). es decir. Los dos movimientos del op. el conglomerado de las cinco últimas sonatas pianísticas. 130-133 y 135. Adorno en 1937 al referirse al estilo tardío o Spätstil de Ludwig van Beethoven (1770-1827). que se inicia con un violento despliegue canónico de tintes cromáticos cuya tensión se libera en un tremendo compás de silencio. y que contrasta con el trío central convertido casi en un nostálgico himno en Re mayor. las catástrofes son las obras tardías”. Schubert (Susan Youens). es esencialmente monotemático. comienza denostando las dos características habitualmente relacionadas con el estilo tardío en Beethoven: la riqueza polifónica y 51 La esencia del Spätstil: Ludwig van Beethoven El interés por el fluir temporal desde el pasado hacia el futuro. No obstante. las obras finales de Beethoven. es decir. es el Menuetto ma non troppo presto en Re menor. Por tanto. Los últimos seis cuartetos de cuerda constituyen el observatorio ideal de este exilio beethoveniano: “En ellos encuentro cristalizado del modo más puro el estilo tardío”. así. y que caracteriza la historia de la cultura posterior a 1750. el Andante grazioso en Si bemol mayor con una forma habitual ABA se inicia con un tema encantador que pronto es conducido hacia escenarios cromáticos o contrapuntísticos. pone el ejemplo de Ibsen. pero también de apertura al futuro y. El punto de partida del mismo es el hecho de que la obra de un gran artista y su pensamiento adquieren un nuevo lenguaje al acercarse al final de su vida y ese nuevo lenguaje es lo que se conoce como estilo tardío. que se publicó en 2007 a partir de las anotaciones dejadas por el autor antes de su muerte en 2003. 77 nº 3. Sin embargo. conforman un acontecimiento histórico en nuestra cultura moderna en el que el artista.una danza de rueda de origen croata que Haydn pudo conocer en su juventud. que hemos visto en las obras tardías de Mozart y Haydn. con ideas que se yuxtaponen sin transiciones. de un modo por completo paradójico. expresaban un espíritu de reconciliación o alcanzaban una milagrosa transfiguración. pero también de Carl Philipp Emanuel Bach. las dificultades y ambigüedades. el pensador de la Escuela de Fráncfort introduce un matiz calamitoso en la obra tardía al considerarla más alejada del arte y más próxima a la historia: “En historia del arte. Barone). En adelante se generalizaría la noción de que los compositores reflejaban en sus obras tardías una especial madurez estética. en las que Haydn transita por tonalidades como Sol bemol mayor. tal y como hemos visto en la última composición comentada de Haydn. no solo resultó pionero en el ámbito de la musicología. los seis últimos cuartetos y las diecisiete bagatelas para piano. El texto de esa conferencia. aunque está construido en forma sonata. tras llegar a ser dueño absoluto del medio. publicadas por Forkel. que varios años después fue incluido dentro de su libro póstumo Beethoven. de Beethoven: “El motivo por el cual el estilo tardío de Beethoven caló tan hondamente en los escritos de Adorno es que. cuya imagen tardía es la de un artista furioso y trastornado. áspero y desequilibrado. Este exilio autoimpuesto –esta catástrofe– se manifiesta en la música tardía de Beethoven por medio un planteamiento episódico. los estudios sobre el estilo tardío no han formado parte de la agenda del musicólogo hasta fechas muy recientes. Philosophie der Musik. en la actualidad tan solo existen monografías sobre el tema en relación con Beethoven (Maynard Solomon y Michael Spitzer). el fruto maduro puede volverse inestable. tal como planteó Theodor W. Wagner (Anthony E. sino que introdujo la distinción entre lo temprano y lo tardío. la editorial Artaria los publicaría en 1807 como op. por lo inestable. sino más bien relacionada con la obstinación. Said defiende la idea adorniana de que las obras tardías de Beethoven. inmovilizadas y socialmente resistentes. Edward Said explica con claridad en su ensayo póstumo sobre el estilo tardío las razones por las que Adorno estaba tan interesado en las obras tardías 50 . Todavía más sorprendente. no solo favoreció el nacimiento de la historicidad. que Rosemary Hughes ha retratado poéticamente en su librito de la BBC sobre los cuartetos de Haydn como “la última chispa de una llama ahora cautiva en un cuerpo exánime”. por lo tardío no tanto como armonía y resolución de una vida de esfuerzo estético. el ensayo de Said. Sorprendentemente. Niementschek y Griesinger entre 1802 y 1809. Mozart o Haydn. En el caso concreto de Beethoven. que se pone de manifiesto en las pioneras historias de la música de Burney. la Novena sinfonía. abandona la comunicación con la sociedad a la que pertenece en favor de la contradicción y el distanciamiento. Hawkins o Forkel. un discurso fragmentario. o incluso también en las primeras biografías de Bach. Ambos movimientos siguen la misma estela de síntesis. sino que se benefició además de la sólida tradición de estudios literarios en relación con este tema. dividida por ausencias o silencios. 127. 103 están claramente relacionados con los “Cuartetos Lobkowitz”. aunque llaman poderosamente la atención las dos partes de la sección central. Do sostenido menor o Mi mayor. Said sigue la estela de Adorno junto al clásico estudio de Rose Subotnik sobre este y se interesa principalmente por una orientación más problemática del concepto. De todas formas. constituyen la esencia del aspecto innovador de la música moderna de nuestra era”. amargo. Puccini (Andrew Davis) o Debussy (Marianne Wheeldon) y la mayoría de ellas han aparecido en los últimos cuatro años. afirmaría Adorno en 1966 dentro de una conferencia radiofónica sobre el estilo tardío de Beethoven centrada precisamente en el comentario analítico y filosófico de los Cuartetos opp. la Missa Solemnis. Schumann (Laura Tunbridge).

130 en su versión original con la Grosse Fuge op. que era un gran amante de la música orquestal y disponía de un magnífico conjunto instrumental en su palacio. Así. De todas formas. cuando su deterioro físico y mental motivó un mayor aislamiento social que se traduce musicalmente en obras más serias y espirituales. 127. esta opción sitúa la gigantesca Missa Solemnis op. 133 como final. Desde luego. coincidiendo biográficamente con el inicio de los cuadernos de conversación. No obstante. Esta renuncia es lo que otorga a esta música la referida seriedad que tantas veces se ha relacionado con la muerte y –efectivamente– hay tintes macabros en algunos movimientos de estos cuartetos. y la intensidad expresiva.] Estos dos fragmentos fueron frenéticamente aplaudidos y repetidos como bis. La monumental biografía en tres tomos de Alexander W. 131. 123 como punto de partida del períiodo tardío y coloca a la Sonata para piano op. que llegará mucho más adelante. tras asistir el 21 de marzo de 1826 al estreno del Cuarteto op. como una escritura china”. el estatismo tonal. como la reacción de un hombre envejecido y sordo. Sin duda. acerca de las que funcionan de bisagra entre el período medio y tardío. 90 y 101. estatismo. Ya en 1818. [. sino como una novedosa renuncia a lo afirmativo y al hedonismo musical que caracterizaría a la música del siglo xx. “Hammerklavier” como culminación del período medio.contrapuntística. donde la jerarquía aparece diluida y encontramos la separación de acentos rítmicos de los armónicos que manifiesta la Cavatina del op. 106. permitieron establecer criterios de periodización más precisos relacionados con sus datos biográficos o con la evolución de su proceso creativo. el imponente movimiento final del Cuarteto op. tercero y quinto son severos.. el crítico de la Allgemeine Musikalische Zeitung.. que el compositor llevaba consigo para poder comunicarse ante el irremediable empeoramiento de su sordera. que propuso ya en 1857 una periodización más restrictiva pero no menos interesante al asignar únicamente los tres últimos años de vida del compositor a su período tardío. solo el segundo y el quinto son ricos en alegría y finura. las posibilidades de dividir la obra de Beethoven en varios períodos creativos son infinitas y resultan de gran utilidad tanto para el estudioso como para el melómano. como el de Michael Spitzer. compresión y separación de lo popular y lo erudito es lo que diferencia claramente al Beethoven tardío de Haydn o Mozart. aunque nunca al tonal. la búsqueda de nuevos caminos a partir de 1802 se relacionó con la superación de la depresión que le produjo la noticia de su progresiva sordera y su crecimiento como sinfonista en la primera década del nuevo siglo se puso en relación con el mecenazgo del príncipe Joseph Franz von Lobkowitz. hay algún autor. precisamente esa tendencia suele relacionarse con las Sonatas para piano opp. El estilo tardío en Beethoven no debe verse. Sin embargo. el espíritu del final fugado pareció incomprensible. la yuxtaposición de ideas sin apenas transiciones que podemos encontrar en el Presto del op. como el año 1800 para separar el período temprano del medio en la monografía de Wilhelm von Lenz (1852-1853). Sin embargo. pues hay movimientos en los últimos cuartetos que pertenecen estéticamente al periodo intermedio (por ejemplo. y ello afecta al principio formal clasicista de esta música. como Alexandre Oulibicheff. Por ejemplo. o la capacidad de compresión del contenido que manifiesta esa “fórmula mágica” con que se inicia el Presto del op. como sucede con el Vivace del op. aunque en la actuali53 Las primeras divisiones de la obra de Beethoven en varios períodos creativos o estilísticos son tan antiguas como el propio compositor. otros autores sitúan el inicio del tercer período creativo de Beethoven en 1818. 132. tal como apunta el pensador de la Escuela de Fráncfort. escribió lo siguiente: “Los movimientos primero. cobró una gran importancia estilística lo acontecido tras su traslado a Viena en 1792. por ejemplo. 131 y 132 que han sido profundamente desarrolladas por otros estudios posteriores. 130. junto a la Sonata para violonchelo y piano op. op. los testimonios sobre la recepción de los últimos cuartetos muestran claramente las enormes dificultades del público más especializado para seguir las propuestas de Beethoven. 132. 98. los años que siguieron al estreno en 1824 de su Novena Sinfonía y que se centran precisamente en la composición de los Cuartetos opp. Esa disociación. junto a los pioneros estudios de Gustav Nottebohm sobre los borradores del compositor (1865). es decir. esa idea fascinante de rupturas y discurso musicalmente agujereado que muestra el segundo tema del movimiento inicial del op. Adorno aporta también varias características novedosas centradas en los Cuartetos opp. Para algunos autores fue el doloroso fracaso de su relación con la “amada inmortal” en 1813 lo que marcó el inicio de su período tardío. 102 o el ciclo de Lieder titulado An die ferne Geliebte (“A la amada lejana”). 130. pocos autores se ponen de acuerdo sobre las obras que representan los hitos en su desarrollo creativo y. como el opus 100 que marca el inicio del período tardío en la biografía de Anton Schindler (1840). Thayer (18661879). especialmente. 130-133 y 135 que escucharemos en este ciclo. o los números de opus. oscuros y místicos y al mismo tiempo extraños y caprichosos. lo importante es la seriedad de la que parte el compositor y la espiritualidad que alcanza tras renunciar a todo lo accesorio hasta el punto de llegar a la disociación y la desintegración del discurso musical. medio y tardío) y en sucesivos 52 . Para Adorno. un escritor francés anónimo hablaba de tres períodos en la obra del compositor alemán (temprano. 131). estudios podemos encontrar similares divisiones a partir de referencias cronológicas. 130. Y es que.

Esta obra ejemplifica con claridad la intención del compositor de unificar y condensar el fluir de una obra de principio a fin. en este sentido. tal como sucede con el recitativo que precede al Finale del op. también conocido como Grosse Fuge o “Gran Fuga”. Beethoven no volvería a interesarse por esta formación hasta junio de 1822. en realidad. Por último. donde se utiliza una convencional pero muy efectiva forma sonata. 127. aunque el último de ellos. 131. el cuarteto se inicia con la exposición de una fuga en Do sostenido menor cuya resolución temática (y dramática) no llega hasta el último movimiento. sino también un ejemplo de la seriedad y espiritualidad que impregnan estos cuartetos y una música en que Beethoven utiliza el modo lidio tratando de evocar a su manera el pasado. Por el borrador conservado del op. también la idea de acotar la tesitura en la transición de un movimiento a otro. Ya se ha indicado que el Finale del op. 74. 131 en siete secciones sin solución de continuidad a partir de un complejo esquema tonal que parte de Do sostenido menor y regresa a esa tonalidad. 127 lo encontramos en los cuartetos siguientes. no solo este cuarteto era difícil de escribir. hay autores que prefieren distinguir tan solo dos fases. se trata no solo de un agradecimiento a Dios por haberse recuperado de una grave enfermedad. otras rigurosa”). cinco meses más tarde recibiría un encargo de tres cuartetos de cuerda del príncipe ruso Nikolas Galitzin. el fugato del movimiento lento podemos encontrarlo en el primer movimiento del op. aunque el primero de ellos no lo terminaría hasta febrero de 1825 debido a la finalización de la Novena Sinfonía y la Missa Solemnis. 130-133 y 135 (1824-1826) claramente delimitan las tres fases de la producción beethoveniana. un Beethoven heredero del pasado y otro modelador del futuro (algo que ya defendió el propio Liszt). la división en tres períodos resulta ideal a la hora de explicar la evolución de los cuartetos de cuerda. tras pasar por Re mayor. 132. constituye una ideal transición al estilo tardío. Al final. pues las diferencias entre los seis Cuartetos op. 127 es posible saber que Beethoven había planificado una obra en seis movimientos. Tras el Quartetto Serioso. optó por una estructura más convencional en cuatro movimientos. ante un resumen casi místico de la vida y el pensamiento de Beethoven que culmina en el op. esto es. 18 (1800). o incluso de preceder el movimiento final con una breve introducción de textura vocal y aire operístico. y esto es lo que me ha salido con mucha dificultad. el op. Beethoven había anotado 55 . Al final fue publicada por separado en mayo de 1827 con el título en francés de “Grande Fugue tantôt libre. aunque el esquema previsto para el op. pero también dispone de un extenso Adagio adicional tras el segundo movimiento titulado “Heiliger Dankgesang” (“Canto sacro de acción de gracias”) que se convierte en el punto de inflexión del cuarteto. es en realidad el último movimiento de la primera versión del op. 95. 131. Si menor. los tres “Rasumovsky” (1806) y los seis últimos opp. tantôt recherchée” (“Gran fuga unas veces libre. 130 dispone igualmente de un Andante tras el segundo movimiento o hace preceder el Finale de una Cavatina de nuevo en clara alusión a la vocalidad operística. 130 que Beethoven relegó tras la primera audición de la obra en marzo de 1826.dad siga defendiéndose la división en tres períodos. mientras que convierte la tercera en un momento muy especial (introduce la indicación “Beklemmt” –“angustiado”–) en el que el violín intenta cantar pero su voz se quiebra una y otra vez. tal como hace en el op. ya puede suponer lo que significa el ‘debe ser’”. “Es muss sein!” (“¿Debe ser?”. 135 con un movimiento titulado “Der schwer gefasste Entschluss” (“La decisión difícil de tomar”). Los Cuartetos op. en el que el compositor suscribe cada uno de los dos motivos principales del Grave y el Allegro a una pregunta con su respuesta: “Muss es sein?”. Beethoven divide el op. en este caso. el op. La interpretación que suele dársele hoy a este movimiento ha dejado a un lado el trivial episodio relacionado con el pago de unos derechos al compositor para centrarse en la carta que escribió Beethoven al editor Moritz Schlesinger y en la que afirma lo siguiente: “Ya ve que soy un hombre infeliz. por tanto. 133. al tiempo que otros se enfrascan en complejas subperiodizaciones que distinguen dos periodos tempranos separados entre Bonn y Viena. “¡Debe ser!”). 127. Para él escribiría los Cuartetos opp. como la sensación de compresión que tiene ese mismo movimiento en el op. que escucharemos en este ciclo. dos fases intermedias afectadas por el referido intimismo o dos períodos finales jalonados por la Novena. había previsto la inclusión de un movimiento denominado “La gaieté” después del Adagio y un movimiento lento adicional que precedía al Finale. “Las arpas” (1809) y op. sino porque se lo había prometido y necesito dinero. Estamos. 132 y 130. una periodización de la obra de Beethoven resulta más o menos útil si nos detenemos a examinar un género musical concreto. Beethoven retrasó más de cinco años su publicación y cuando la permitió no dudó en informar en una carta fechada el 7 de octubre de 1816 a Sir Georg Smart lo siguiente: “Este cuarteto se ha escrito para un reducido círculo de connoisseurs y nunca debe ser interpretado en público”. un admirador de Beethoven y violonchelista aficionado que residía en San Petersburgo. La mayor. 135. Mi mayor y Sol sostenido menor. porque estaba pensando en hacer algo mucho mayor. Ya en el movimiento inicial podemos reconocer características apuntadas en los cuartetos posteriores. 132 viene precedido 54 de un breve recitativo. en este movimiento dispone dos frases melódicas repetidas. Por su parte. siguiendo el consejo del editor vienés Matthias Artaria. “Serioso” (18101811) formarían parte de la etapa intermedia. En todo caso.

sobrevivió a la sífilis. Rita Steblin desmontó ya en 1993 muchos de los argumentos de Solomon y aclaró el episodio relacionado con los pavos reales de Cellini. En la poco fiable biografía beethoveniana de Anton Schindler encontramos documentada una visita de Schubert a Beethoven en 1822 para entregarle un ejemplar de las Variaciones sobre una canción francesa para piano a cuatro manos. tamente relacionada con su enfermedad. Obviamente. Esa anotación alude claramente al universo de contrastes y antagonismos continuados al que nos enfrentamos en una audición de esta compleja partitura. pidiera a su hermano Ferdinand poder escuchar el Cuarteto op. también han podido documentarse affaires amorosos con Therese Grob y con la princesa Carolina Esterházy. Sea como fuere. sobrino de Beethoven. como lo demuestra el hecho de que. o un interior poético unido a un exterior hedonista. al explicar que Bauernfeld tan solo pudo conocer las memorias de Cellini traducidas por Goethe y allí los jóvenes pavos reales se citan como parte de una dieta saludable para superar su enfermedad. le sigue la Fuga. perdóneme si me veo obligado a molestarle tan pronto con otra carta. Ello sumió al compositor en una progresiva depresión que le llevó incluso a cultivar esporádicamente la poesía. pero se dice que él se mantiene oculto”. No obstante. Un famoso estudio de Maynard Solomon inició en 1989 toda una discusión en torno a la sexualidad de Schubert. Schubert había contraído la sífilis al frecuentar varios prostíbulos. Y es que el compositor vienés ya no se asocia con el mito romántico del jovencito descuidado que murió prematuramente. una referencia que Solomon interpretó en relación con lo que sabemos hoy acerca de Cellini. aunque se piensa en una posible orientación bisexual pues. curiosamente. quien en agosto de 1826 anotaba lo siguiente: “Schubert está fuera de sí (lo que necesita son ‘jóvenes pavos reales’ como Benvenuto Cellini)”. Ferdinand consiguió que el violinista Karl Holz reuniera a miembros del Cuarteto Schuppanzigh para realizar una audición privada de la obra el 14 de noviembre de 1828. hemos conservado un poema suyo titulado “Mein Gebet” (“Mi plegaria”) fechado en mayo de 1823. de hecho. que aglutina prácticamente todo lo escuchado. por ejemplo. pues Beethoven combina aquí el rigor de una fuga con una elaboración musical completamente libre. 131 de Beethoven. sino más bien con un hedonista atormentado por sus pasiones venéreas y sumido en una profunda depresión motivada por una enfermedad que le llevaría a morir a los treinta y un años. a finales de 1822. Al parecer. El estudio concluía con la hipótesis de que Schubert era homosexual y uno de los principales testimonios para esa afirmación. que por entonces comenzaba a ser conocido en Viena. a pesar de su vinculación con un círculo muy exclusivo de amigos masculinos. que es doble y se desarrolla tanto conjuntamente como por separado hasta la coda. hoy no se duda acerca de la promiscuidad de Schubert. la primera noticia sobre su enfermedad la encontramos en una carta que escribe al director de orquesta Franz von Mosel en febrero de 1823: “Por favor. Karl Nohl recoge esta anécdota y da testimonio de la gran impresión que produjo esa obra en Schubert: “¿Qué podemos escribir después de esto?” Son muchos los testimonios de admiración y homenaje hacia Beethoven en la biografía y la obra de Schubert. procedía del diario del dramaturgo Eduard von Bauernfeld. cinco días antes de morir y ya postrado en cama. se trataba de un trabajo psicoanalítico a partir de numerosos testimonios en torno a la época del compositor que revelaban una doble naturaleza en Schubert: una mezcla de la gaieté vienesa y una profunda melancolía.ese mismo título –pero en italiano– en su manuscrito: “Grande Fuga. Y es que. una enfermedad por entonces mortal y cuyos pacientes no solían superar los diez años posteriores a su diagnóstico. culminando espectacularmente y a ritmo de tarantella. 10 (D. se vio obligado a cancelar varias invitaciones sociales. Y es que la admiración que sintió Schubert por Beethoven fue perenne. pueden reconocerse condensados en esta obra tanto la forma sonata como la fuga. es imposible reconstruir la conversación entre Beethoven y su sobrino sobre el compositor vienés. la variación y hasta la suite de danzas: se inicia con una Ouverture. donde Beethoven yuxtapone las principales secciones de la posterior fuga en orden inverso. en uno de los cuadernos de conversación durante una visita a su tío en el verano de 1823: “Ellos elogian a Schubert. a pesar de vivir en Viena la práctica totalidad de su corta vida. este trabajo fue tan aceptado como denostado por numerosos estudiosos. 57 Un aluvión de despedidas Franz Schubert (1797-1828) apenas trató personalmente a Beethoven. pero tan solo se conoce uno a la inversa. que precisamente daba título al estudio. 624) en compañía del editor Anton Diabelli y los apuros que pasó el joven compositor vienés al detectar Beethoven un pequeño problema en la obra. tanto libera quanto rigorosa”. era habitual que un enfermo de sífilis apenas saliera de casa en las primeras fases de la enfermedad. pero la razón por la que Schubert se ocultaba por entonces estaba direc56 . uno de los más famosos y creativos artistas homosexuales de todos los tiempos y que. Las investigaciones publicadas en las últimas décadas sobre la vida privada de Schubert han reinterpretado su estilo tardío al profundizar en su personalidad. por lo que Schubert. De nuevo lo encontramos en la problemática biografía de Schindler y es un testimonio personal donde reconoce que mostró a Beethoven en su lecho de muerte los manuscritos de algunos Lieder de Schubert y éste exclamo impresionado: “Verdaderamente en Schubert está la chispa de la divinidad”. Un documento algo más fiable es la anotación que hizo Karl. op. pero por razones de salud no puedo salir de casa”.

nunca conseguiré hallar la paz’ [cita el inicio de su Lied Gretchen am Spinnrade D. A las penurias personales de Schubert se unían una y otra vez las profesionales derivadas de los problemas que tenía para estrenar y publicar sus obras. imagine a un hombre. un movimiento lento que funciona de transición concebido como un Lied y un Finale basado en un motivo popular y en el que se muestran las posibilidades técnicas y tímbricas del nuevo instrumento siguiendo una forma de rondó. que consistía en alternar el consumo de chuletas de cerdo con la panada (algo similar a nuestra sopa de ajo). puesto que su salud había empeorado rápidamente con la aparición de los síntomas del segundo estadio de la enfermedad. 804 o las Variaciones para flauta y piano sobre “Trocken Blumen” D. Después escribiría algunas obras para piano a cuatro manos y culminaría ese año componiendo en septiembre la Sonata para arpeggione y piano en La menor. junto al anterior D. El Scherzo adquiere un aire mendelssohniano. no solo es uno de los más interesantes. transcripción de la parte de arpeggione para violín y violonchelo (con este último instrumento la escucharemos en este ciclo) y consta de tres bellos movimientos: un Allegro moderato con forma clásica de sonata. pues cada vez que me voy a la cama espero no volverme a levantar. pero juntos exhibían mucha vitalidad y sentimiento. Pocos días más tarde. 59 En este estado depresivo acometió Schubert la composición de su cuarteto más famoso: el conocido con el sobrenombre de “Der Tod und das Madchen” (“La muerte y la doncella”). al que la felicidad del amor y la amistad ya no tienen nada que ofrecerle sino a lo sumo dolor. portando una antorcha. precisamente a través de las memorias de este joven estudiante. En enero de 1824. y yo pregunto: ¿no soy un ser miserable e infeliz? ‘Desapareció mi sosiego y el corazón me pesa. sino que los miembros del Cuarteto Schuppanzigh (que.. de estas obras anotaría en un cuaderno lo siguiente: “Lo que he escrito es el resultado de mi comprensión de la música y las desgracias”. 802. como ya vimos. con tal amplitud de miras”. y allí coincidió con Johann Nepomuk Hummel y un joven discípulo suyo de dieciséis años. Al término del mismo. donde la frivolidad y esos toques de opera buffa se combinan con momentos intensos y dramáticos. participaron por entonces en la primera audición de los últimos cuartetos de Beethoven).El estilo tardío de Schubert. que ninguna de las magníficas composiciones que escuchamos habría sido posible interpretarlas con tanta claridad y. cuyas principales esperanzas han desaparecido. al que llegó con poco más de veinticinco años. D. En enero de 1826. En marzo. Vogl poca voz. le produjeron lesiones en boca y garganta. el 29 de marzo de 1827. 118 sobre un texto del Faust de Goethe]. mucho más extenso y ambicioso que el anterior: el Cuarteto en Sol mayor. La obra se publicó en 1871 con 58 . dolor de huesos y unas molestias en el brazo izquierdo que le impedían tocar el piano. lo que animó a Schubert a introducir varios cambios para el estreno oficial. No puede descartarse que Schubert visitase a Beethoven en su lecho de muerte. que le obligaron a llevar la cabeza rapada. 821. al igual que en el Andante con moto que le sigue. D. Se inicia con una introducción que explora las posibilidades de los juegos modales menormayor y en el Allegro molto moderato propiamente dicho destaca la labor del violonchelo. conocemos los detalles de aquella velada: “Un Lied siguió a otro. El arpeggione era un especie de guitarra con arco inventado en Viena en 1814. y donde el uso de bruscos cambios de dinámica aporta una energía adicional. tras el mismo no solo no consiguió editor para publicarlo. ya que combina el sentido lúdico de la vida con la tragedia de una enfermedad que terminaría antes o después con su vida. con veintisiete años recién cumplidos. se encontraba recluido en casa de su amigo Joseph Huber. el Cuarteto Schuppanzigh realizó un estreno privado de su Cuarteto “La muerte y la doncella”. escrito en la tonalidad de Re menor y catalogado como D. parecer ser que a Schubert le atrajeron las posibilidades tímbricas del instrumento. lo que sí está claro es que asistió a su funeral. digo. Schubert tenía poca técnica. pues no está documentado que colaborase con Johann Georg Stauffer. disponiendo un gran contraste en el Trío. Un mes más tarde inició un tratamiento centrado en una dieta equilibrada. tal como lo demuestra una carta que escribe a su amigo Josef Kupelwieser: “Me veo como la criatura más infeliz y desgraciada del mundo. Schubert estaba completamente deprimido. sino también uno de los más contradictorios y fascinantes. Pero Schubert no cejó en su empeño y en junio de ese año escribió otro cuarteto (el último). llamado Ferdinand Hiller. 887. Imagine a un hombre que no recobrará nunca su salud. Bien podría cantar esto ahora todos los días. y es el Allegro assai el movimiento más schubertiano. y que en su profunda desesperación hace las cosas cada vez peor en vez de ir mejorando.. llegaron a decirle a Schubert que se dedicase a los Lieder. aunque de existencia efímera. se refugió en el castillo de Eisenstadt junto a varios amigos y colegas hasta altas horas de la madrugada. que es un encantador Ländler. y según testimonio del compositor Franz Lacher. al mismo tiempo. y cada mañana solo recuerdo el sufrimiento del día anterior”. Schubert fue invitado a cenar con Katharina Lászny. variados y creativos. a quien el entusiasmo (al menos de la estimulante variedad) por las cosas bellas le está desapareciendo. una soprano casada con un noble húngaro. 810. todo ello unido al consumo masivo de té y la toma de baños frecuentes. y estaban tan concentrados en su interpretación. el inventor del arpeggione.

lo que hizo que hasta el crítico abandonara la sala antes de finalizar la obra. Desgraciadamente. además de por la luminosidad y frescura que le atribuye Schumann. Tampoco descuidó Schubert su obra para piano solo en su etapa final. y ambos se complementan con un enérgico Trío. 915 una tercera colección de impromptus. 20/D. 306) y en él. El Andante está basado en una canción sueca de Isaac Berg y adquiere un tono similar a los Lieder coetáneos del Winterreise. y la obra termina con una reexposición modificada y desarrollada al incorporarle dos nuevos pasajes: una nueva variación y una espectacular coda. un Allegretto. 895). mientras que el Allegro vivace final es una mezcla de rondó y forma sonata cuyo tema principal está inspirado en el Lied Skolie (D. pretende sorprendernos al variarlo cada vez que aparece repetido. quienes la estrenaron en enero de 1827 (Artaria la publicaría poco después. a la que pertenecen sus siete últimas sonatas (y de forma especial las tres últimas que culminó tan solo unas semanas antes de su muerte) o sus dos famosas colecciones de impromptus. y donde se subraya mucho la distancia estilística entre el dinámico estribillo y el evocador episodio Andante. las Drei Klavierstücke D. por lo que no disponemos de la fecha exacta de la composición. op. El primero de los dos Tríos destaca. por su haydniano afán por sorprender al oyente y entrar en interacción con él. terminada en septiembre de 1828. la tercera sección es un extenso tema con variaciones sobre el Lied Sei mir gegrüsst (op. En diciembre de ese mismo año. el Quinteto en Do mayor. 70 (D. no se ha conservado el manuscrito de este primer Trío op. aunque por el estudio del papel utilizado en el Nocturno D. Schubert volvió a escribir otra obra para ellos: la Fantasía para violín y piano en Do mayor. al haber suprimido en el manuscrito el segundo episodio. y todo lo que nos rodea se vuelve fresco y brillante de nuevo”. 946 deberían formar. Y no solo estas obras. La segunda pieza. Por ejemplo. Fue el preferido de Schubert y lo incluyó en el concierto que se celebró con su música en Viena el 26 de diciembre de 1827. 741) de gran lucimiento para ambos instrumentos. Allegro assai. por lo que cambió la dedicatoria y eligió vomo destinatario a Robert Schumann en vista de la alta estima en que tenía estas composiciones de Schubert. Sin embargo. 897. 929).De aquel encuentro surgió la admiración de Schubert hacia Hummel y también la dedicatoria de sus tres últimas sonatas pianísticas. Allegro moderato. Schubert había conseguido publicar en esos años su Rondó brillante para violín y piano. en este caso la prensa vienesa fue muy dura con Schubert al juzgar que se había equivocado al “sobrepasar con mucho el tiempo que un vienés está dispuesto a dedicar a los placeres del espíritu”. que fue seguramente una primera versión descartada del movimiento lento de la obra. Andante un poco mosso. En realidad. sino que se considera la cima de toda su obra. en este caso con dos episodios que ahondan en los desesperados y melancólicos paisajes de su coetáneo ciclo de Lieder Winterreise. vuelve a ser un rondó de perfiles muy contrastados. El chispeante Scherzo vuelve a disponer de un meloso vals como Trío. sino otras muchas. op. Aparte de sus Tríos. Schubert escribió estas tres piezas pianísticas en mayo de 1828 y no serían publicadas hasta cuarenta años más tarde por mediación de Brahms y con títulos apócrifos llenos de imaginación literaria. 99. esta obra había sido escrita para sus amigos. violonchelo y piano en Si bemol mayor. La primera. La última pieza. Hummel ya había fallecido. es posible concluir que fue escrito en el otoño de 1827 y prácticamente a la vez que el Trío para violín. 100 resulta mucho mejor cohesionado y se desenvuelve con mayor fluidez a pesar de tener mayores dimensiones. hasta el punto de que puede situarse a la misma altura de los últimos cuartetos beethovenianos. 100 (D. como si no atinase con la tonalidad correcta. El Scherzo vuelve a tener chispa y encanto. en el mes de abril). puesto que modula en una docena de ocasiones. Por último. 934). junto con el Allegretto D. El Trío op. aunque para cuando Artaria fue a publicarlas en 1839. que se encuentra fechado en noviembre de ese año. un Allegro en Do mayor. una vez más. op. 898). Schumann escribió lo siguiente: “Un simple vistazo al Trío (op. Aunque esta Fantasía se publicó. Para esta composición. 956 no solo es la culminación del catálogo camerístico de Schubert. en el primer movimiento. del Trío para violín. el compositor vienés eligió duplicar el 61 . El Allegro inicial fluye con gran soltura al disponer de tres temas y una sección de desarrollo muy inquieta tonalmente. está estructurado en una simple forma ternaria y posee una clara identidad sonora para cada sección basada en la oposición de variedad y reiteración rítmica. 99 (D. 99) de Schubert y los problemas de nuestra existencia humana desaparecen. En realidad. organizado en una estructura liederista ABA y abierto con una bella cantilena en la cuerda. Schubert diferencia estilísticamente todo lo posible en la exposición cada uno de los dos temas y nos sorprende con un guiño cíclico al esbozar el tema del Andante justo antes de la reexposición. que supuso su 60 regreso a esa formación camerística tras diez años de abandono. D. 159 (D. op. le sigue un saltarín y virtuosístico Allegretto con evidentes connotaciones húngaras. es un rondó que funciona casi como un tríptico. Consta de cuatro secciones que se tocan sin pausa: un Andante molto que se inicia con el tremolando en pianissimo del teclado y facilita el despliegue lírico del instrumento de cuerda. y algo similar hace en el segundo movimiento. violonchelo y piano en Mi bemol mayor. se trata en realidad de una edición póstuma fechada en 1850. Andantino molto. el virtuoso checo del violín Josef Slavik y el pianista Carl Maria von Bocklet. En el Finale. Schubert realiza dos intentos falsos de reexposición en Sol bemol mayor y Re bemol mayor.

acaba erigiéndose en un movimiento más de la obra. Dresde y Leipzig en la conmemoración del centenario de Goethe. su “nueva manera” de componer declarada en 1845. o la revisión de su Cuarta Sinfonía. Por su parte. en esa ciudad renana culminaría en tres años nada menos que una cincuentena de composiciones. en Fa menor. Schubert prefirió escuchar uno de los últimos cuartetos de Beethoven antes que su propia música. que coincide con su traslado en 1850 desde Dresde a Düsseldorf. Nos quedamos maravillados”. Schubert tampoco consiguió interesar a ningún editor para publicar esta obra.. querida mesa’. John Daverio ha defendido que el estilo tardío de Schumann no rompe por completo con la trayectoria estética del compositor y Laura Tunbridge ha abierto un nuevo camino hacia el estilo tardío del compositor de Zwickau dejando al margen este tipo de prejuicios relacionados con su enfermedad mental. tras la reciente muerte de Mendelssohn. el Lied. donde pudo escucharse el famoso ritmo del arranque de la Quinta Sinfonía de Beethoven. no obstante. le confesó con una mirada fantasmal que las “mesas” lo sabían todo y comenzó a practicar con la ayuda de su 62 .] pero demasiado lento en un principio. como el Concierto para violonchelo. Sin embargo. en el principal compositor de Alemania. cuando le pregunté por el número en que estaba pensando. amigo de Schumann y con el tiempo también su biógrafo. De hecho. los jalones de la carrera artística de Schumann no ofrecen mayores dificultades: su reorientación desde la música pianística al Lied en 1840. En realidad. El Allegro ma non troppo inicial se abre con un interesante experimento de textura y color al exponer el misterioso tema inicial como cuarteto de cuerda convencional y después prescindiendo del primer violín. que se consigue por medio de una estática melodía en la parte central del conjunto. Luego. al mismo tiempo. que tocan los violonchelos a dúo con enorme encanto y tranquilidad. el contraste con la atormentada sección central del movimiento. ello quizá se deba a la influencia de Boccherini o bien al interés que había desarrollado por este instrumento en sus obras de cámara tardías. y lo repitió al tempo correcto. la música de cámara o el oratorio. la principal novedad aquí es el Trío que. la Tercera Sinfonía. Concretamente. En la actualidad. que era director de orquesta y compositor (y había sido discípulo de Hummel. pues organizaba sesiones de espiritismo a todas horas y con todo tipo de personas. Hiller. que no vería la luz hasta 1853. en 1852 y 1853 se celebraron ciclos de conciertos con música de Schumann 63 Nuevos caminos: Schumann y Brahms Robert Schumann (1810-1856) se pasó los meses previos a su colapso mental de finales de febrero de 1854 obsesionado con la doctrina espiritista que había nacido en Francia pocos años atrás. Al segundo tema. y en las que abordó prácticamente todos los géneros que había cultivado hasta el momento. incluso llegaría a escribir un ensayo sobre el tema que no se ha conservado.violonchelo en vez de la viola como habían hecho en el pasado Mozart y Beethoven. e incluso había llegado a prometerle a la mesa que le compraría un mantel más lujoso. es ciertamente impresionante. todo ello ha terminado afectando profundamente a la consideración del estilo tardío de Schumann y ha habido varios estudiosos. Entonces dije. la sinfonía. tal y como queda reflejado en su último cuarteto o en los dos tríos con piano. En el enérgico Scherzo opta por una textura más orquestal. ‘Pero el tempo es más rápido. como Peter Ostwald. el concierto. se llega transitando parajes escarpados y el dinamismo se recupera con el tercer tema a ritmo de marcha. pero destaca su impresionante suspensión temporal.. Y ello le valió que su música para la escena final del Faust sonase en 1849 simultáneamente en Weimar. El primero. aunque no renuncia al pastoralismo con aires cinegéticos. como el ciclo poético para piano. como hemos visto con anterioridad) estaba más abierto a las ciencias ocultas y llegaría a invocar con Schumann al espíritu de Beethoven para mantener con él una curiosa discusión acerca del tempo precisamente del inicio de su Quinta Sinfonía: “Al final empezó [. que han relacionado la ambigüedad e irregularidad de algunas de sus últimas composiciones con su estado mental. por extensión e independencia estilística. Su esposa Clara estaba encantada de ver a su depresivo marido tan animado. Entre todos los testimonios que existen sobre su interés por el espiritismo destacan los de Wilhelm Joseph von Wasielewski y Ferdinand Hiller. segunda hija en un mesa. para culminar en una deslumbrante coda. aun en el trance final de su vida. concertino de la orquesta de Düsseldorf. Y en el Allegretto final renace el Schubert más optimista y populachero con un primer tema inspirado en aires húngaros y otro más melódico que evoca la música de los cafés vieneses. cuenta que en mayo de 1853 visitó al compositor y lo encontró leyendo compulsivamente un libro sobre “mesas parlantes”. Por su parte. dijo correctamente el tres. el Adagio combina lirismo y melancolía. año de su boda con Clara Wieck. Su estructura se sitúa a medio camino entre el rondó y la forma sonata. El desarrollo se centra en estos dos últimos temas y la reexposición resulta bastante libre. que es acompañada por figuras repetidas en el primer violín o pizzicati en el segundo violonchelo. “Renana”. o su estilo tardío propiamente dicho. Y es que. y tampoco sería estrenada hasta tres años antes. muchas de ellas consideradas obras cruciales de su catálogo. Schumann se había convertido. este tipo de obsesiones daban una imagen de Schumann de cierta inestabilidad psíquica y tanto ella como Wasielewski pensaron que este tipo de obsesiones fueron las primeras manifestaciones de su demencia.

con una extensa canción de cuna cantada prácticamente a la par entre la viola y el piano. La relación de Schumann con Wasielewski también animó al compositor a escribir sonatas para violín y piano. Joseph Joachim. y al poco de llegar a Düsseldorf. terminó siendo dedicada a Ferdinand David y publicada cuando Schumann se encontraba ya internado en Endenich. En 1850. 113 hay que buscarlo en la fascinación de Schumann por los cuentos de hadas. aunque aquí Schumann supera a su primera sonata al integrar con más habilidad los dos instrumentos por medio de un fluido empleo del contrapunto. La obra fue compuesta en marzo de 1851 y consta de cuatro partes con formas bien definidas y secciones bien contrastadas: se abre con un movimiento moderado con una estructura ABA en la que se oponen con evocadora armonía las tonalidades de Re menor y Fa mayor. 133 (“Cantos del alba”). el paso de este movimiento al siguiente. Todo ello contribuyó a un rápido declive. Entre septiembre y noviembre escribió dos sonatas que fueron estrenadas privadamente por el violinista con Clara al piano. aunque también muestra una progresiva carencia de poder espiritual y una menor plenitud de ideas. pero también puede que fuera la poetisa Bettina von Arnim. la Sonata para violín y piano nº 2. sendos episodios de gran fluidez. pero también con sus complejas relaciones con las autoridades de Düsseldorf. que había sido su propio discípulo en Leipzig a principios de los años cuarenta. los músicos del momento tenían obras suyas en repertorio (aparte de Clara. el tercero es un moto perpetuo con un desenfadado intermedio. se inicia con el acompañamiento en pizzicati del violín. arrojándose al Rin en medio de la algarabía del Carnaval. según parece. publicaría varias monografías sobre el tema) y ello animó al compositor a utilizar la viola para representar la ensoñación de la épica romántica. concretamente. las biografías prefieren ahondar en su demencia antes que subrayar el reconocimiento que llegó a cosechar en esos años previos a su internamiento en el sanatorio de Endenich. invitó al violinista Wilhelm Joseph von Wasielewski a que se uniera a su orquesta como concertino y ello lo convirtió enseguida en un habitual de la casa de los Schumann. WoO 27. 121 sería admirablemente redactada por Schumann en menos de una semana. un encantador tema con variaciones sobre el coral luterano Gelobet seist du. le añadió ese mismo mes dos movimientos más para completarla como su Sonata para violín y piano nº 3. El scherzo que sigue resulta ser un curioso precedente del estilo brahmsiano. terminada a comienzos de octubre de 1853. que terminaría por convertirse en su Tercera Sonata: me refiero a los movimientos segundo y último de la curiosa Sonata F-A-E. Conviene aclarar igualmente que Schumann sufrió crisis maniacodepresivas asociadas a un trastorno bipolar durante buena parte de su vida y las razones de que se intensificaran en Düsseldorf hay que relacionarlas con su exceso de trabajo. que le hizo una visita en esas fechas. le dictó un tema sobre el que escribió unas variaciones (Thema mit Variationen für das Pianoforte. por último. 65 El origen de las Märchenbilder para viola y piano. Sin embargo. si bien tampoco puede descartarse que simplemente pensase en la Diotima de Friedrich Hölderlin. A mediados de octubre de ese año inició también la que sería su última obra para piano. pero también por la viola. eran un todo un éxito comercial. la traición de algunos amigos (como el crítico Richard Pohl. que comenzó alabando a Brahms y terminó en el bando progresista de Liszt y Wagner) o su caracterización en numerosos ensayos especializados como un compositor amanerado que se había quedado anticuado. Schumann llegaría a escribir una obra más para violín y piano. Jesu Christ. a la hora de tratar el estilo tardío en Schumann. escrita en colaboración con su alumno Albert Dietrich y Johannes Brahms para homenajear a su amigo el violinista Joseph Joachim utilizando las iniciales de su lema personal como motivo musical: Frei Aber Einsam (“Libre pero solitario”). que sería revisada en 1853 y estrenada en público por Joseph Joachim. op. que incluye una enigmática cita a Diotima. es posible que con ella se refiera a Clara como su ideal de belleza. op. en los años sesenta y setenta. sus ediciones de música doméstica (o Hausmusik). aunque no renuncia al encanto poético de Schumann. Jenny Lind. Wasielewski. De hecho. casi como si fuera un eco del movimiento anterior. En el Finale la tensión no decae en ningún momento y Schumann trenza una forma sonata con desarrollo canónico que para Eduard Hanslick tiene un cierto toque picante. en fin. WoO 24) y que culminó en su intento de suicidio. quien. El primer movimiento tiene una evidente influencia como punto de partida de la Sonata “Kreutzer” de Beethoven. y la obra se cierra. a lo largo de los años cincuenta se publicó su biografía o vieron la luz monografías sobre algunas de sus composiciones. La obra. era un experto conocedor de la historia y particularidades de los instrumentos de cuerda (más tarde. cuya publicación quedó relegada hasta 1956. la conversión de la Neue Zeitschrift für Musik que él mismo había fundado en un manifiesto wagneriano y antischumanniano. op. Gesänge der Frühe. me refiero a Ferdinand Hiller. cuya evocación convive con un homenaje muy personal a Bach.tanto en Leipzig como en el Festival del Bajo Rin. A esta curiosa obra. el último con un planteamiento canónico. le sigue un breve rondó lleno de vivacidad cuyo solemne tema principal con ritmos punteados se contrapone a 64 . como el Album für die Jugend. la filósofa que aparece en El banquete de Platón y que conceptualiza el amor platónico. Anton Rubinstein o Julius Stockhausen). que se inició con alucinaciones auditivas y obsesivas relacionadas con el coral Ein feste Burg o su insistente contacto con el espíritu de compositores muertos como Schubert. cuya presencia le fue prohibida durante su internamiento en Endenich.

algo debió de suceder en torno a 1884 o 1885. sin embargo. donde pudo verlo improvisar compulsivamente al piano. pero Mahler de repente le cogió del brazo y. WoO 25 y también escribiría cinco Romanzen para violonchelo y piano cuyo manuscrito Clara destruyó al considerar que no le hacían justicia. durante un encuentro con el joven Gustav Mahler en Bad Ischl: “Brahms comenzó discutiendo. cuando el compositor contaba veintinueve años. Brahms residió en Mürzzuschlag. deseos. pero quizás aquello que más importe sea si la ola muere en el mar o en una ciénaga”. preguntó Brahms. No resulta fácil delimitar el estilo tardío en Brahms. “¿No lo ve usted? ¡Ahí va la última ola!”. pasando por la evocación de Brahms en la segunda y la cuarta o la monotonía rítmica de la tercera. titulado Gestillte Sehnsucht (“Anhelo aplacado”). especialmente cuando su etapa final coincidió con la de toda una época que iba a ser arrollada por los nuevos vientos del modernismo. pues la mayoría de las observaciones derivan del mismo tronco. precisamente ese cambio de mentalidad coincide con el momento en que muchos historiadores comenzaron a ver los últimos cuartetos de Beethoven como el clímax de su obra y. No obstante. es decir. en la que se trataba de los compositores considerados seguidores o miembros de la “escuela” del compositor de Zwickau. no resulta 66 Durante las vacaciones de 1884. el último de la vida del compositor hamburgués. Richard Sprecht recoge lo sucedido en el verano de 1896. die ihr stets euch reget” (“Vosotros. mire!” “¿Qué es lo que quiere que mire?”. 93 al 96 o terminando la composición de los Zwei Gesänge (“Dos cantos”) op. 18). de toda una época. El segundo. en Estiria. es decir. Con tan solo dieciocho obras publicadas (el estudio llega hasta el Sexteto nº 1. incluso. por extensión. La división de la obra de Brahms en varios períodos se inició en una fecha tan temprana como 1862. musicales y filosóficas en sus últimas composiciones. Es un buen símbolo del eterno movimiento en la vida y el arte. superando con su inspiración divina las limitaciones de su averiada conciencia. doctor. sobre un texto de Friedrich Rückert. “¡Mire. op. que modula a Re menor “Ihr Wünsche. 91: dos Lieder muy especiales en los que Brahms añade una parte de viola obligada a la formación de contralto y piano que no solo aporta un colorido especial. mientras que los especialistas actuales han visto ese mismo estilo como tremendamente elaborado. quien tuvo la última palabra: “Eso está muy bien. os removéis”).la amada idealizada a la que dedicó varios poemas. cuya densidad va aumentando paulatinamente. a lo largo de la segunda mitad del siglo xix. Después de concluir estas piezas en el sanatorio de Endenich. lo tardío dejó de ser considerado históricamente como un síntoma de decadencia para convertirse en algo positivo. El primer canto. De hecho. resulta algo más convulsa. Notley concluye que el estilo tardío es una categoría significativa que va mucho más allá de la artificialidad o las divergencias que plantea cualquier construcción en torno a la obra de Brahms. Schubring sería capaz de distinguir hasta tres etapas distintas en su producción. Resultan conmovedoras las dos últimas imágenes que tenemos de Schumann: la litografía de Henri Fantin-Latour titulada Le dernier thème de Robert Schumann y la descripción que hace Wasiliewski de su última visita a Schumann en el sanatorio. en concreto. Y es que. presenta una forma casi simétrica en la que la viola introduce y cierra la obra. Geistliches Wiegenlied (“Canción de cuna sacra”) es un cantarcillo a la virgen de Lope de Vega recopilado y traducido al alemán por Emanuel von Geibel dentro de su Spanisches Liederbuch que Brahms convier67 . ¿Acaso el colapso del cuerpo conlleva la decadencia del espíritu? nada fácil marcar el inicio de su etapa final e. exclamó. donde dedicó parte del tiempo a poner al día su catálogo de Lieder. El compositor hamburgués representa la desilusión de finales del siglo xix y también la noción adorniana de “envejecimiento” musical. y. entre el estreno y publicación de su Tercera Sinfonía y la composición de la Cuarta. como era habitual. Schumann continuaría con el acompañamiento pianístico de los Caprichos de Paganini. Pero recuerdo que fue Brahms. de la percepción compartida de diferencias estéticas. sino también una espiritualidad desconocida en su catálogo de canciones. dentro de una serie de artículos de Adolf Schubring publicados en la Neue Zeitschrift für Musik que formaron parte de una sección llamada “Schumaniana”. cuando los críticos coetáneos comenzaron a percibir un nuevo estilo en su obra que resultaba más asequible. tanto su biógrafo Karl Geiringer como el propio Adorno coinciden en que el aire otoñal o la constricción expresiva a menudo atribuidas a sus últimas composiciones en numerosos estudios afectan a muchas más composiciones que las cronológicamente ubicadas en su estilo tardío. apuntando hacia el río que pasaba por allí con la otra mano. apoya la línea vocal o la enriquece con figuraciones barrocas y cuya sección central. * * * En su clásica biografía de Johannes Brahms (1833-1897). hasta Margaret Notley ha llegado a plantearse si Brahms tuvo realmente un estilo tardío. acerca del declive y la decadencia de la música. organizando las colecciones que van desde el op. que sabemos que no cesará. La obra consta de cinco piezas que parten de la sencillez de un himno matutino de la primera hasta la solemnidad coral de la quinta.

violonchelo y piano op. wie wohl tust du dem Dürftigen” (“¡Oh. 116 al op. 111. Las veinte piezas pianísticas que comprenden las cuatro colecciones que van desde el op. prácticamente su “canto del cisne”: los Vier ernste Gesänge (“Cuatro cantos serios”) op.und mit Engelszungen redete (“Si yo hablase con lenguas de hombres y de ángeles”) en Mi bemol mayor representa el triunfo de la idea del consuelo cristiano. se trata de un ciclo en el que el compositor hamburgués se concentra más en el contenido melancólico y su evocación que en poemas de autores conocidos. Son todas ellas composiciones desconcertantes por su aparente 69 . O Tod. Ich wandte mich und sahe an alle (“Me giré y vi a todos”). a los que ya había puesto música con anterioridad. junto al Lago de Thun. 121. aunque para la mayoría estos cantos serios constituyen en realidad su testamento espiritual. Wenn ich mit Menschen. El primero. Por otro lado. siendo como fue un concertista de piano durante la mayor parte de su vida. Auf dem Kirchhofe (“En el camposanto”). A comienzos de 1891. 119 fueron escritas por Brahms durante los meses veraniegos de 1892 y 1893 en Bad Ischl y constituyen claramente su testamento pianístico. 116 nº 4 marca el grado de novedad de estas piezas finiseculares que suenan a veces como improvisaciones oníricas cuyo halo poético se aproxima a Debussy. pero destaca por su riqueza y concentración melódica. 114. la música de cámara o los Lieder. Precisamente ese camino desde la tragedia a la resignación también lo encontraremos en el último ciclo de Lieder de Brahms. que dos años atrás había homenajeado al compositor. la esperanza y la resignación. Bien es verdad que los conciertos para ese instrumento. muerte. El Intermezzo op. evoca con gran intensidad la muerte. Richard Mühlfeld. Denn es gehet dem Menschen wie dem Vieh (“Porque al hombre le pasa como al animal”). sobre un poema de Klaus Groth. escuchó en marzo mientras descansaba unos días en Meiningen al solista de clarinete de la orquesta de la corte. lo que le animó a iniciar ese mismo verano en Bad Ischl. le sigue una segunda sección acórdica en modo mayor y. Se trata de una serie de cuatro Lieder sobre textos de la Biblia traducida por Lutero que Brahms dio a conocer a sus allegados en su última fiesta de cumpleaños. que Brahms pasó en Hofstetten. Immer leiser wird mein Schlummer (“Mi sueño es cada vez más apacible”). modulando a Do mayor y citando un coral de la Pasión según san Juan de Bach. qué bien haces al necesitado!”). cuya bella melodía surge al principio de una escritura basada en arpegios entrelazados. resulta mucho más trágico e intenso. 117 nº 2. termina en una coda lenta que parece improvisada. constituyen un diario íntimo en el que Brahms representa. La muerte irrumpe desnuda y misteriosa en el inicio del Intermezzo op. Wie Melodien zieht es mir (“Es como si las melodías”). en el segundo. pero termina encontrando la paz al final. después de tomar esa decisión. 105 surgieron en el verano de 1886. regresó a la composición para piano llevaba desde 1879 sin añadir una sola obra a su catálogo pianístico. El canto elegíaco fluido. están dedicados a la memoria del padre del escultor Max Klinger. En el tercer canto. tiene una factura aparentemente sencilla. opone la amargura y la resignación por medio de una milagrosa transición a Mi mayor sobre el verso “O Tod. que contrasta con una sección central heroica e intensa. vuelve a presentar una forma simétrica con el episodio central también en modo menor y con la repetición de la introducción con la viola a modo de coda. sobre un texto de Hermann Lingg. Brahms decidió que era el momento de terminar de poner orden en su obra y retirarse para siempre. que inicia especialmente a partir de 1891. la composición de cuatro obras camerísticas tardías con ese instrumento como protagonista. De hecho. Brahms evoca el lado trágico de la muerte: en el primero. 119 nº 1 como una pieza “dulcemente triste” que evoca el color de una perla opalescente. el 7 de mayo 1896: “Fíjate el regalo tan bello que me he hecho”. con el Trío para clarinete. El cuarto. dedicase tan pocas composiciones a su instrumento. noble y elegante caracteriza el Intermezzo op. Sin embargo. tras una breve reexposición. En el segundo. Desde 1853 no volvería nunca más a escribir una sonata y cuando. En cuanto al cuarto. le dijo a uno de los presentes. la huida de la naturaleza y el amor de los hombres”. representa el Vanitas vanitatum del Eclesiastés con una estructura da capo y acompañamiento de piano de aire organístico en cuya armonía trata de evocar el fabordón por medio de terceras y sextas. “un estado de ánimo que mezcla el dolor y la serenidad. 118 nº 6 con un tema elaborado a partir del Dies Irae gregoriano. habían ocupado toda su labor artística. resulta una obra casi hipnótica por el uso que hace de la disonancia y cuya estética se aproxima a los albores del expresionismo.te en una bella canción de cuna en la que hace uso de la mecedora melodía del coral Joseph. los Lieder op. muerte. Clara Schumann definió el Intermezzo op. hay que enmarcar estas piezas dentro de su proyecto personal de poner orden a su obra. qué amarga eres!”). y después de haber terminado su Quinteto de cuerda nº 2 op. como reacción sentimental al breve affaire que mantuvo con la joven cantante Hermine Spies. evoca el contenido del poema con una melodía vaporosa y refinadísima. por lo que pidió al clarinetista que le mostrase todas las posibilidades de su instrumento. en palabras de Georg Knepler. En los dos primeros. El timbre a medio camino entre la dulzura y la melancolía resultaba ideal para representar su estado de ánimo. 68 En Brahms sorprende que. junto a las sinfonías Tercera y Cuarta. en 1892. wie bitter bist du (“¡Oh. lieber Joseph mein. Por su parte. que utiliza un poema de Detlev von Liliencron. el sufrimiento y las miserias humanas.

de forma especial. que encontramos a lo largo de toda la obra. op. y que recientemente fue publicado en un cofre de noventa y nueve cedés. incluye numerosas reflexiones interesantes escritas por el propio pianista de origen australiano en las carpetillas de los discos.] que mantiene al oyente en suspense”. en una carta dirigida a Camille Saint-Saëns fechada el 19 de julio de 1869 afirma lo siguiente: “En la actualidad 71 . 120 nº 1 el primer movimiento presenta seis temas bastante emparentados entre sí. pero en la entrada de la viola y el violonchelo en el tercer compás comprobamos que estamos en realidad en Si menor. Brahms lograría en ambas profundizar todavía más en esa aparente sencillez que evita cualquier demostración de virtuosismo o exceso de expresividad en favor de la evocación poética y el intimismo. el enciclopédico proyecto fonográfico dedicado a toda la obra pianística de Franz Liszt (1811-1886) realizado en el sello Hyperion por Leslie Howard entre 1986 y 1998. no hay más que examinar los primeros compases de la introducción: se inicia la obra en Re mayor con los dos violines. que relacionan lo tardío con un período menos preocupado por las relaciones personales. sencillez e intimismo que se refleja ya en los primeros compases de la obra. La Sonata en Mi bemol mayor. con el tema inicial de los tres que conforman la forma sonata. El corazón apesadumbrado: Franz Liszt Además de figurar en el Libro Guinness de los Récords. con un Trío central más estático. Durante el verano de 1894. en esa tercera fase la comunicación con el público se vería reemplazada por la meditación en soledad. cuando llega a Roma en octubre de ese año para dedicarse a cultivar su fe religiosa. que tiene estructura de scherzo. op. más proclive a la soledad y a centrarse en las obsesiones íntimas. Por ejemplo. efectivamente. quizás en ello resida la contradicción arriba comentada entre los críticos coetáneos de Brahms y los estudiosos actuales a la hora de retratar las características del estilo tardío del compositor hamburgués. pero siempre dentro de un fluir continuo. seguidos de un desarrollo simplificado y en el que prácticamente tan solo se utiliza el tema de la introducción. 115. se percibe una mayor elaboración y contraste. Brahms aboga por un planteamiento más austero en cuanto al desarrollo temático. el espíritu atribulado de Brahms por la muerte de varios amigos volvería a interesarse por el clarinete en las que serían sus últimas obras camerísticas: las dos Sonatas para clarinete y piano op. un Andantino y un Presto. funciona como una especie de intermezzo cuyo carácter movido conduce al Finale.sencillez que. Y es que. pero que se elabora con gran refinamiento a la hora de repartir el protagonismo en cada variación o crear efectos tonales de “claroscuro”. cuyos temas principales derivan uno del otro. Y la obra concluye su estructura tripartita con un Andante con moto que conjuga un sencillo tema con una serie de variaciones desarrolladas. Y le sigue el Finale. que corre pareja al reconocimiento público. En realidad. se trataría de un tercer período que alcanza todo artista tras una primera fase de preparación y una segunda de maestría e individualidad. Estas dos sonatas las escucharemos en este ciclo en la versión alternativa para viola que publicó Fritz Simrock en 1895 dentro de la primera edición de ambas composiciones. El Andante. el estilo tardío surge en la obra de Liszt cuando abandona su posición de Kapellmeister en Weimar en agosto de 1861 y. pero donde se oculta una exquisita y fecunda elaboración temática y construcción formal.. le sigue un Adagio en Si mayor en forma ABA que se inicia con un maduro y asentado canto de amor liderado por el clarinete cuya sencillez en los extremos contrasta con el melancólico canto zíngaro de la sección central. su obra adquiere un enorme grado de introspección y una gran despreocupación acerca del destino de la misma. es lo que el crítico vienés Richard Hirschfeld denominó en su reseña tras el exitoso estreno vienés de esta obra el “claroscuro de la tonalidad [. o dispone un equilibrio ideal en las proporciones al prever la misma extensión para cada una de las secciones. El tercer movimiento tiene dos secciones.. que Brahms redactaría ese mismo verano de 1891. un poco Adagio está compuesto en forma ABA y también hace gala de una libertad melódica que pretende evocar lo onírico. y hasta el final de su vida. si bien la poética aparición del clarinete en el compás quince confirma nuevamente el tono de Re. en la Sonata en Fa menor. Howard explica el estilo tardío de Liszt a partir de los estudios del psiquiatra inglés Anthony Storr. que plantea una serie de variaciones sobre un tema en apariencia sencillo que prácticamente camina por grados conjuntos. para terminar con una reexposición donde la obra toma aliento y. en realidad. aunque tiene forma de scherzo. En relación con el Quinteto para clarinete y cuerda en Si menor. op. esconden una cuidadísima factura llena de innumerables detalles que ciertamente abren nuevos horizontes. que es un jovial 70 rondó con algunas libertades y con episodios bien diferenciados. Al Allegretto inicial en forma sonata. 120 nº 2 parte del mismo planteamiento de evocación. donde se antepone a lo melódico. pero con un mayor número de ideas secundarias. pero con numerosas licencias. concluye con una apertura a otras posibilidades melódicas o con una vuelta al principio. Tal fue así que muy pocas de sus obras tardías fueron interpretadas en concierto o publicadas durante su vida. 120. Este efecto. tras exponer en orden los tema escuchados en la exposición. algo especialmente evidente en el desarrollo. Desde ese momento. En el Allegro appassionato. El tercer movimiento.

194. trage ich tiefe Trauer im Herzen. que se conoce como Bagatelle ohne Tonart (“Bagatela sin tonalidad”). fechado en 1881 con la intención de escribir una danza que olvida sus características. su obra coral será a pequeña escala y sin acompañamiento orquestal. 224. y tiene que manifestarse de vez en cuando sonando en forma de notas”). pero devolviéndole el cumplido al citar al final de esta pieza el tema de las campanas de la misma ópera (la escucharemos en la versión para cuarteto de cuerda. 216a. limitada a una simple línea melódica en la mano derecha que evoca el tema del primer vals de Mefisto. 215 de los cuatro que compuso Liszt. las canciones se vuelven más sombrías y las texturas que utiliza se tornan sobrias y hasta constreñidas. se trata de dos miniaturas que reflejan quizá su lado más oscuro y que al mismo tiempo exhiben su música más futurista: la impresionista Trübe Wolken o Nuages gris (“Nubes grises”). – Venezia S. sobre todo de cara a la pequeña muestra del opus ultimum de Liszt que escucharemos en este Liceo de Cámara. quizás en sustitución de ésta. W. 527. y Unstern! Sinistre. Liszt reduce drásticamente su música sinfónica o le da una orientación religiosa y. S. 201. sie muss hie und da in Noten ertönend aufbrechen” (“Como usted sabe. una pieza concisa. 202. Más revelador aún. la suite El árbol de Navidad o los Retratos históricos húngaros. Las obras para piano solo más interesantes de este período.no me preocupo de mis composiciones más allá de la escritura de las mismas. son las obras religiosas y las pertenecientes a grandes colecciones. se inicia con el tema de Excelsior!. como el uso de armonías avanzadas o la directa ruptura de la tonalidad. tras culminar el oratorio Christus en 1872. consiste en la transformación de un tema cromático hasta que encuentra una tonalidad en la que poder descansar. como los Vals Mefisto y las Rapsodias. 73 . 208 con la que retrata el lado más diabólico del infortunio y que se inicia de forma muy sencilla pero efectiva con un empleo sorprendente del tritono y de los intervalos aumentados. S. y que algunos especialistas han relacionado con el futuro Webern. la libertad formal. disastro. que permite también la utilización de un arpa ad libitum). el compositor ahonda en el cromatismo y en la oposición modal mayor y menor hasta hacernos perder el horizonte tonal que se acrecienta al dejar un final abierto. sin pensar lo más mínimo acerca de su difusión. pero sin perder su aura de nostalgia. el preludio de la cantata Die Glocken des Strassburger Münster (“Las campanas de la catedral de Estrasburgo”). cuyo título es un homenaje a la Danse macabre de su amigo Camille Saint-Saëns. En él contrapone una brillante escritura en octavas en las secciones extremas a una central. 199. Liszt escribió las Csárdás macabre S. que anticipan efectos asignados más habitualmente a Debussy. ya sea durante mi vida o después”. y en la que Liszt se adentra hasta los límites de la tonalidad sin llegar a ser atonal. que compuso unos meses más tarde en conmemoración del que habría sido su septuagésimo cumpleaños. Poco después escribió una obra mucho más futurista. Scriabin o incluso a Schoenberg o Bartók. en este caso el vals aparece tras una misteriosa introducción en staccato y va intensificándose hasta estallar en una sección marcada como appassionato fortissimo y luego comienza a diluirse (resulta muy significativa la indicación que anota Liszt en esta obra: “Tóquese de forma elegíaca y no tanto como un vals”). enigmática y hasta hipnótica que admiraron Debussy o Stravinsky. aunque Liszt la publicó también para dúo de piano y violín o violonchelo (en realidad fue la respuesta que dio el compositor a un editor que quería reeditar una antigua Romance). que Wagner utilizó en el preludio de su ópera Parsifal. se trata de un lamento al estilo húngaro dedicado a su admirado compositor Mihály Mosonyi en un tono tremendamente sombrío. La más temprana de las piezas que escucharemos data de 1870 y es Mosonyis Grabgeleit (“Procesión fúnebre de Mosonyi”) S. que denomina Espressivo. es lo que escribió el compositor en 1883 a su biógrafa Lina Ramann: “Wie Sie wissen. lo inicia la viola sola con la indicación de Andante malinconico y la obra evoluciona hacia una mayor intensidad. o que le cuesta encontrarlas. 72 En 1881 también escribió dos piezas difíciles de clasificar. Al año siguiente. la desnudez sonora o hasta el desvanecimiento en el silencio. 696 siguiendo la habitual forma ternaria. S. como el tercero de los Années de pèlerinage. La palabra “oubliée” volvemos a encontrarla en el primer Valse oubliée S. y donde combina una melodía nacional húngara con la experimentación tímbrica del piano desde el toque más percutivo al efecto más evocador. Liszt escribió su Vierte Mephisto-Walzer (“Cuarto Vals de Mefisto”) S. incluso en las obras más vinculadas al concierto público. De 1880 es la Romance oubliée S. S. En ellas encontraremos ideas que van más allá de los confines del Romanticismo. aunque en 1885 la revisaría para incorporarla a sus Retratos históricos húngaros. 203 fue inspirado en 1883 por un poema de Antonia Rab que no conservamos. En este último período creativo. y Am Grabe Richard Wagners (“En la tumba de Richard Wagner”) S. En marzo de 1885. Supongo que si tienen algún valor será reconocido en algún momento. Schlaflos! Frage und Antwort (“¡Insomnio! Pregunta y respuesta”). llevo una profunda pesadumbre en el corazón. De 1883 datan también dos obras inspiradas por la muerte de su yerno Richard Wagner: R. que escucharemos en su versión para viola y piano. además de las danzas. la elusión de cadencias confortables. una reacción a la noticia de la inesperada muerte de Wagner en la que se mezclan el dolor con la grandeur.

cuando el compositor tenía treinta y tres años. pero también le reportó alguno de sus éxitos públicos más relevantes. a la que se unía su sordera. plácido y tranquilo el segundo. que acababa de fundar en Praga una institución permanente de música de cámara para cuyo concierto inaugural. pues mientras los últimos cuartetos del primero se convirtieron en la segunda mitad del siglo xix. De hecho. quiso programar un cuarteto de Smetana. compositor y promotor Jan Ludevít Procházka. el joven compositor vienés estudió a fondo también el primer cuarteto de compositor checo y la huella de ambos es posible detectarla en su sexteto Verklärte Nacht. op. la última obra camerística de Franck. en otros casos. Y. Mendelssohn y Brahms. como sucede con su popular Cuarteto nº 1 en Mi menor. que no puede ocultar la huella de los últimos cuartetos de Beethoven. denso y concentrado. T. tal y como ya se ha señalado. En realidad. Schubert. incluso entre los músicos de genio. aunque esté más cerca de una fantasía en torno a tres temas: angustiado y violento el primero. centro y periferia La música de cámara. 131 que surgió de nuevo por el interés de Procházka por promocionar la música del compositor checo. el 19 de febrero de 1877. Se inicia con un Allegro de aparente estructura clásica de sonata. que aportó no solo una estructura muy personal a cada movimiento. en la que se incluye el angustiado tema principal y su tormentoso desarrollo. estuvo motivada por una tragedia como la muerte de su hija Bedřiška a la tierna edad de cuatro años. algo hasta ese momento reservado al repertorio sinfónico. en el paradigma del estilo tardío de cualquier compositor. y el resultado fue un ejemplo único en la tradición de la música de cámara al utilizar un programa. tras estudiar profundamente los cuartetos de Beethoven. sino que incluso afirmó que le había abierto nuevos caminos. escrito en 1899. al que sigue un fugato interrumpido una y otra vez por los referidos trémolos. Esta cita dice claramente mucho más del prestigio póstumo de Beethoven que de Mozart. Este cuarteto. para Bedřich Smetana (1824-1884). T. * * * “El cuarteto de cuerda. Mozart no podía saber al abordar sus Cuartetos “Prusianos” que tan solo le quedaba un año de vida. 4. 64 (1855). A continuación un Allegro moderato. y continúa: “No hay ningún ejemplo. las alucinaciones o los mareos del compositor checo tan solo le permitían componer pequeños segmentos de música y ello quizá determinó que la obra tuviera un estilo más cortante. T. el programa está basado en un poema de Richard Dehmel en el que se relata la conversación entre un hombre enamorado y su mujer cuando esta le confiesa que está esperando un hijo de otro hombre. Tal como confesó el compositor por carta. la tercera sección representa la reacción del hombre y su tristeza. y una mezcla de ambos. aforístico. No obstante. donde se combina con una sombra de amargura una polka rústica y una encantadora dumka. un ejemplo fue Arnold Schoenberg (1874-1951). sino también un argumento fácilmente identificable para el público. el tercero. debe ser una obra de madurez”. 74 Los aspectos novedosos de este cuarteto tuvieron una importante recepción entre los jóvenes compositores del momento. en su caso. Smetana invirtió en la obra los años 1882 y 1883. afirma Vincent d’Indy en la biografía de su maestro César Franck (1822-1890) publicada en 1909. consta de cuatro movimientos. iniciada en la primavera de 1889. quien no solo estudió con gran interés esta obra de Smetana. al valerse no solo de la dramática tonalidad de Re menor sino también del empleo de un programa que determina un discurrir musical determinado. D’Indy trata de introducir con su comentario el Cuarteto en Re mayor. Cuando uno espera un movimiento lento. y que culminó en enero de 1890. En alguna ocasión. para que tenga alguna importancia. para terminar. de un buen cuarteto fechado durante su juventud. violonchelo y piano en Sol menor. se impone otro movimiento rápido que se inicia de forma alocada con el trémolo de los cuatro instrumentos. sigue la confesión de la mujer. entre otros. Sin embargo. 116 de 1878 fue el resultado de un encargo del pianista. La obra concluye con una coda que adopta la forma de un himno a la naturaleza y a la redención del amor en la que se respiran aires wagnerianos. En la primera se sitúa a la pareja en una fría arboleda a la luz de la luna. perteneció siempre a su esfera más íntima.Precursores y epígonos. era ya muy avanzada”. lo que hizo que pocos años después fuera relacionada con las tendencias musicalmente más modernas. la obra fundamental del estilo tardío de Smetana es su Cuarteto nº 2 en Re menor. el insomnio. plasmada en la tonalidad de Mi bemol menor. como sucedió con el Trío para violín. Schoenberg se centra en representar musicalmente la evolución de los sentimientos antes que en narrar simplemente la historia y divide la obra en cuatro secciones y una coda. y esa edad. a Josef Srb: “En esta obra he querido representar en música el discurrir de mi vida”. le sigue un breve desarrollo y únicamente la reexposición del segundo tema. un Presto algo desequilibrado pero con aromas de polka y en el que Smetana utiliza como tema principal el aria de Rarach de su ópera Čertova stěna (El muro del diablo). meses antes de su fortuita muerte atropellado por un coche 75 . que coincidieron con un empeoramiento progresivo de su enfermedad depresiva y mental. “Z mého života” (“De mi vida”). en la cuarta se produce un inesperado cambio a Re mayor cuando el amor del hombre le permite superar el trance y escuchamos el tema principal transfigurado. incluso los mejores de Mozart los escribió entre 1789 y 1790. en lugar del scherzo.

recién casado por entonces con el director de orquesta Hans von Bülow. donde gritos de sufrimiento siguen a largas llamadas de felicidad”. Ysaÿe se había quedado fascinado con la personalidad musical de Lekeu tras escuchar Andròmede. como regalo de boda para el violinista Eugène Ysaÿe. M. según testimonio de Vincent d’Indy. en diferentes movimientos. el Très animé. en la que perseguía lograr una cohesión absoluta entre todos los movimientos a la par que una total unidad de conjunto sin que ningún instrumento fuese protagonista o estuviera subordinado. El Larghetto que sigue. En el segundo movimiento. pocos días más tarde. que fue estrenado privadamente con la intervención de los dos violinistas a quienes está dedicada la obra. cada uno con sus propios temas. Durante el verano de ese año pudo concluir el primer movimiento. El primero. Ben moderato. 9 de Franck presenta una estructura en cuatro movimientos.de caballos cuando. el novio optó por estrenar su regalo y tocó la sonata a primera vista junto con la pianista Marie-Léontine Bordes-Pène. se refiere a la técnica que Franck desarrolló a partir de 76 Liszt y que consistía en el uso de un mismo tema. cuyo segundo movimiento sería completado por su maestro D’Indy. los tres últimos movimientos de la obra fueron estrenados de memoria y completamente a oscuras por Ysaÿe y Bordes-Pène. Scherzo. tras su muerte. Precisamente. el poème lyrique con que había ganado el segundo Premio de Roma belga en 1891. La misma mañana del enlace del violinista belga con Louise Bourdeau de Coutrai. aunque en orden inverso. Lekeu inició la composición de su Cuarteto con piano en enero de 1893. se inicia con un tema tierno y melódico que conforma el estribillo de un rondó de melancólicos episodios. Desgraciadamente. y el compositor los combina con nuevas ideas en una brillante forma sonata. Intentaría con esta nueva composición crear una forma nueva y personal de música de cámara. ante la prohibición que había de utilizar luz artificial en el lugar. “donde miles de sentimientos chocan. en 1886. y que es lo primero escrito por Franck de esta obra. pero transformado. Por su parte. nada más terminar su Sonata para violín. Al igual que vimos en el cuarteto. Eugène Ysaÿe y Matthieu Crickboom. Aunque el éxito de esta obra fue el más importante que tuvo Franck en toda su vida. su principal obra camerística sigue siendo la Sonata para violín y piano en La mayor. que Lekeu escribió con tan solo veintidós años. que antepone en ella el lirismo a cualquier consideración formal y construye a partir del tema cíclico un onírico recitativo entre los dos instrumentos. En el segundo movimiento. el compositor no renuncia a incluir un motivo cíclico que reaparecerá al final de la obra y que escuchamos al principio expuesto por el primer violín en fortissimo sobre la indicación molto largamente e sostenuto. escuchamos por vez primera el motivo cíclico expuesto por el violín. al inicio escuchamos el intenso motivo principal expuesto por el piano sobre un siniestro tapiz de la cuerda y al que más adelante opone otro más 77 . incluye en realidad dos movimientos en uno. Recitativo fantasia. que aparece marcado como Allegro ben moderato y funciona como introducción. constituye una de las creaciones más personales del compositor belga. D’Indy en su referida monografía de 1909 califica esta obra de Franck como “el modelo más refinado de uso cíclico de temas en una sonata”. La Sonata para violín y piano en Sol mayor. cuando llegó el momento de tocar la obra de Franck ya se había hecho prácticamente de noche y. es un rondó cuyo tema principal deriva del motivo cíclico que se expone en forma canónica. indicado como Allegretto poco mosso y uno de los más populares de Franck. se opone un ambiente misterioso y mendelssohniano en forma de moto perpetuo constantemente interrumpido frente a un Trio más tranquilo y apasionado que reaparece nuevamente en la coda. no por casualidad había confesado que su credo musical se resumía en la expresión: “Me mato por poner en mi música toda el alma”. iba a cumplir sesenta y ocho años. dejando incompleto su Cuarteto para cuerda y piano en Si menor. la hija de su amigo Franz Liszt. encontramos una forma sonata con el desarrollo muy simplificado y cuyo apasionado segundo tema deriva del motivo cíclico. Seis años después de la Sonata de César Franck. al inicio del primer movimiento. Ambos la estrenarían en público en diciembre de ese año en el Musée Moderne de Peinture de Bruselas como colofón a un maratoniano concierto que se había iniciado a las tres de la tarde. el movimiento final. Según dejó Lekeu por escrito. Dans un emportement douloureux constituye el marco sentimental de la obra. 8 que escribió tres años antes. el 26 de septiembre de 1886. Poco lento – Allegro. que era una de las invitadas a la ceremonia. el origen de la obra parece ser que estuvo en una sonata que planeó escribir en 1858 para Cosima. Ysaÿe encargaría otra obra similar a uno de los mejores alumnos del belga y que. es su obra maestra y en ella combina un equilibrio muy personal entre el material musical y la temperatura expresiva y espiritual. Al inicio del Finale vuelven a sonar los temas principales de todos los movimientos precedentes. que estuvo presente. M. Allegro. dos años más tarde falleció de resultas de unas fiebres tifoideas. inspirada en “Dios” (la forma en que solía nombrar a Beethoven). El estreno se celebró el 19 de abril de ese año en los conciertos de la Société Nationale en la Salle Pleyel y fue un éxito impresionante: el compositor tuvo que comparecer en escena ante un público entregado y a la salida confesaría a sus allegados: “¡Parece que el público empieza a comprenderme!” El Cuarteto en Re mayor. curiosamente. había proseguido sus estudios con Vincent d’Indy: Guillaume Lekeu (1870-1894). El tercer movimiento.

En octubre de 1890. y aun orquestales. El tema principal es una ardiente y lírica plegaria de ecos populares que incluye una bella alternancia de modo mayor y menor. 78. La primera obra que escribe a su regreso es el Cuarteto nº 13 en Sol mayor. 106 (B. “Souvenir de Florencia” fue la última composición de Tchaikovsky que escribió bajo el mecenazgo de Nadezhna von Meck y también su última partitura de música de cámara. que inició precisamente en los días en que recibió esa trágica misiva de su benefactora. 193). Ese juego se traslada a todo el movimiento con una densidad de escritura nuevamente orquestal que culmina en un clímax indicado como Grandioso y donde los cuatro músicos interpretan el tema en sonoros acordes. en realidad. 106 ya de vuelta en Praga (de ahí esa curiosa paradoja en el número de opus). El Cuarteto en Sol mayor marca un alejamiento de los elementos musicales de su estilo americano hacia unos contornos más clásicos. Un ejemplo de esto último lo encontramos en el inicio del Allegro moderato. según confesó a su hermano Modest. tiene el carácter de un nocturno. El Sexteto en Re menor op. que funciona como un intermedio. Al mismo tiempo. si realmente estaba teniendo problemas económicos o si fue como consecuencia de la tuberculosis que ella había contraído. que redacta entre el 11 de noviembre y el 9 de diciembre de 1895. introducido por un breve y vaporoso Andante sostenuto que parece improvisado y tiene claras reminiscencias del estilizado furiant checo. op. luminosa y encantadora en cuatro movimientos. Los dos movimientos finales tienen ma78 El arranque del estilo tardío en Antonín Dvořák (1841-1904) suele asociarse con el regreso a Praga en abril de 1895 tras su estancia americana. 79 . se trata de una etapa en la que contempla los elementos checos con una renovada mirada. yor influencia folclórica rusa: el Allegro moderato. pero lo terminará después del op. y a consecuencia de la cual moriría unos meses más tarde que Tchaikovsky.lírico. especialmente el segundo de ellos. en el que Lekeu pretende “mostrar al amor como fuente de dolor”. la filántropa Nadezhna von Meck escribió su última carta a Piotr Ilych Tchaikovsky (1840-1893) y en ella ponía fin a su mecenazgo por supuestos problemas económicos. 105 (B. D’Indy consideró siempre a Lekeu como un genio y no dudó en terminar su obra póstuma (intervendría también en el último movimiento de su temprana Sonata para violonchelo de 1888). estaba muy satisfecho. por el contrario. el nº 14 en La bemol Mayor. pero lo cierto es que esta ruptura desató en el compositor ruso una furia creativa que situó sus últimas composiciones en una esfera diferente. y el Allegro vivace final. por la ópera. y tras un viaje a Florencia y la culminación de la ópera Picovaya Dame (La dama de picas) cuando Tchaikovsky encontró el momento. La obra termina con un Finale con forma de rondó. que plantea un increíble reto al oyente y en la que podemos reconocer algunos ecos de lo que sería poco tiempo después su Sinfonía “Patética”. si fue por presiones familiares. Nunca ha estado claro si esa ruptura estuvo motivada por el escándalo social relacionado con la noticia de que Tchaikovsky era homosexual. un músico nada proclive en halagos a colegas compositores. un rápido aleteo y un descenso en tresillos. op. En 1887 había hecho una promesa a la Sociedad de Música de Cámara de San Petersburgo de componer una obra en agradecimiento por su nombramiento como miembro honorífico. El tercer movimiento es un scherzo de brutales acentos rítmicos con dos tríos que suponen un contraste melódico. 192). escribió sobre este joven malogrado lo siguiente: “Este Lekeu es el único músico que conozco que realmente ha sido inspirado por Beethoven”. Incluso Claude Debussy. El Adagio ma non troppo es uno de los momentos más bellos de la obra camerística del compositor checo. que conforma una brillante forma sonata en la que el compositor inserta en la reexposición una fuga a seis voces de la que. cuyo primer tema resulta de la peculiar combinación de dos saltos. 70. Lent et passioné. un regreso a los aromas checos y un avance hacia planteamientos musicales más concentrados. que recuerdan al último Beethoven. El segundo movimiento. Se inicia con un Allegro con spirito que arranca sin introducción y con ímpetu con una forma sonata y tres temas engarzados como si de una impetuosa coreografía se tratase. se trata de un ejemplo de la música más radical y desoladora jamás escrita por Tchaikovsky. tras el estreno de la obra cambió de idea y atribuyó ese final al declive de su poder creativo. aunque paradójicamente se trata de un movimiento que emana tranquilidad y resulta emotivamente sobrio. sin embargo. en el desarrollo. pero no fue hasta 1890. Un ejemplo de ese furor es la balada sinfónica Voyevoda op. para tomarse un respiro y escribir esta obra apasionada. el segundo tema se parece más a una canción con fragancias checas. que fue concluido por D’Indy. Dvořák añade una intensidad e incandescencia casi orquestal. para luego seguir el resto de la forma sonata con alguna licencia personal. con ese aire encantador de canción popular checa. concretamente en junio. y en el que Tchaikovsky cultiva esa ecuación musical idealmente rusa de nostalgia y vivacidad rítmica. Le sigue el Andante cantabile e con moto con forma ABA y bellamente cantado por violín y violonchelo con acompañamiento de pizzicati. se interesa por la música programática y. especialmente. A pesar de sus convicciones contra la inmadura juventud. había empezado en Nueva York el que sería su último cuarteto.

sino que constituye además su última composición terminada en marzo de 1916. y la última iba a combinar todos los instrumentos utilizados en las cinco anteriores. requirió una operación y comenzó un tratamiento con radiación. y especialmente después de su retirada en 1913 a la ciudad turingia de Jena. I contain multitudes” (“Soy inmenso. tras más de un año sin escribir prácticamente nada. clarinete. Por otro lado. Marianne Wheeldom. 143. en este caso. Mozart o Brahms. y en las que el compositor combina la sencillez clásica con ecos de expresividad cromática.si bien añade a modo de contraste reminiscencias de la introducción y de temas ya escuchados en los movimientos precedentes. sin embargo. sus Sonatas para diversos instrumentos (1915-1917) o sus Estudios para piano (1915) muestran un espíritu de reconciliación y una voluntad de aportar algo a una tradición que le precede. En cierto modo. y que no desdeñan ninguna posibilidad estética. El Finale se inicia sin pausa 81 . Debussy avisa en la partitura al pianista que no debe luchar contra el violonchelo. que no se dejan simplemente seducir por lo moderno. al igual que sucede con la mayor parte de los compositores del siglo xx. En mí habitan multitudes”). Debussy retomaría la composición. En cierto modo. que el compositor denominó precisamente “estilo de Jena”: la corriente neobarroca que se manifiesta en su predilección por el estilo fugado y en la que retomó con nuevas miras la obra de Bach. A la segunda corriente de inspiración neoclásica pertenecen las doce pequeñas piezas para piano tituladas Träume am Kamin (Sueños junto a la chimenea). para iniciar un proyecto con el editor Jacques Durand que consistía en componer seis sonatas para diversos instrumentos como homenaje a los maestros franceses del siglo xviii: “Nada puede excusarnos de haber olvidado la tradición inscrita en la obra de Rameau. En la obra de Reger confluyen tres corrientes que se intensifican en su etapa tardía. Aunque tan solo pudo completar las tres primeras sonatas del proyecto. No puede sostenerse hoy sin más que Max Reger (1873-1916) fuera un epígono tardío de Bach. aunque con su estructura completamente alterada. La primera de la colección fue la Sonata para violonchelo y piano. que combina nobleza y melancolía. Debussy insistió en publicar cada obra bajo el título conjunto de Six Sonates pour divers instruments (“Seis sonatas para diversos instrumentos”) y firmarlas con su nombre seguido de la muy significativa apostilla musicien français. La obra se inicia con un Prologue. su reencuentro y puesta al día del clasicismo mozartiano. La estructura sigue el esquema habitual de las obras camerísticas de Reger. cuando su música adquiere un aire más equilibrado y menos pretencioso. lo que muestra su fascinación o quizás identificación con este personaje de la commedia dell’arte que en su versión francesa era un mimo triste y cuya máscara escondía a un ser lleno de anhelo y deseos insatisfechos. al que sigue un tiempo lento y. Debussy fue diagnosticado de cáncer y la enfermedad avanzó los años siguientes hasta que. un tema con variaciones que es un claro homenaje a su admirado Johannes Brahms. Por un lado. lo que muestra el protagonismo que tiene en la obra. Como ejemplo de la primera corriente. muestra cómo las obras escritas por el compositor francés en torno a los años de la Gran Guerra coinciden con las dos definiciones que hemos visto de estilo tardío. su obra fue capaz de combinar relecturas de estos tres compositores que no desentonan con una época que caminaba de forma decidida hacia el modernismo. que se mantienen siempre alerta. que datan igualmente de 1915. las tres que no pudo concluir iban a ser para oboe. combinando lo neoclásico con lo decadente y otoñal. en diciembre de 1915. la parte de violonchelo está llena de efectos como pizzicati con portamentos o armónicos que evocan el sonido de la guitarra o la flauta. 146 no solo es un buen ejemplo de la referida tercera corriente. Reger parte de los antecedentes en este tipo de formación escritos por Mozart y Brahms. 80 Musicien(s) français No resulta fácil definir el estilo tardío de Claude Debussy (1862-1918). En alguna biografía de Reger se ha retratado a este compositor con la famosa sentencia de Walt Whitman: “I am vast. op. 131d que Reger escribió en 1915. pero añadiendo un lenguaje nuevamente sencillo. para trompeta. que Debussy escribió casi como un arrebato entre finales de julio y principios de agosto de 1915. escucharemos en este ciclo dos de las tres Suites para viola op. situando el scherzo tras el primer movimiento. llena de hallazgos geniales casi únicos”. las dos compuestas en modo menor. sin aparentes contrastes y donde también halla cabida algún destello impresionista. En 1909. y que mantiene las proporciones de un allegro de sonata. concretamente. fagot y piano. este compositor bávaro es la personificación del antimoderno. de esos modernos en dificultades con los tiempos modernos. tan solo dos meses antes de su repentina muerte. El Quinteto para clarinete y cuerda en La mayor. áspero y desequilibrado de su lenguaje tardío lo encontramos en su ballet Jeux (1912-1913) junto a esa voluntad deliberada de ir contra las convenciones musicales establecidas. sino acompañarlo. Ese mismo año de dolor y sufrimiento. y el estilo posrromántico de herencia brahmsiana y cromatismo postristanesco que le hizo acercarse al expresionismo de Schoenberg. en su reciente monografía sobre el tema. lo rugoso. en las que el compositor bávaro diseña un esquema de sonata neobarroca en cuatro movimientos lento-rápido-lento-rápido que llena de una música sencilla e intemporal. Inicialmente pensó titularla “Pierrot enfadado con la luna”. op. un año antes de su muerte. Sigue una Sérénade que quizás evoque al desventurado Arlequín dándole un serenata a la indiferente Colombina. trompa y clave.

pero al final regresa victoriosa esa supuesta cita de Leoncavallo que se escucha todavía con mucha más claridad. 121 fue la última composición de Fauré y también el último género camerístico importante que le faltaba por cultivar. aunque enseguida vuelve a enfundarse el disfraz y todo vuelve a la normalidad. 115. está formalmente a medio camino entre el Lied y el rondó. y que le ocuparía los meses de septiembre y octubre de 1915. la sección central le confiere el protagonismo al piano. Debussy abordó inmediatamente la siguiente obra del proyecto. En realidad. El segundo movimiento. Así. el tercer movimiento tardó casi un año en escribirlo e incluso dejó algún esbozo para un cuarto movimiento. es posible que fuera en 1920. 121. En su caso. Fauré odiaba el verismo y se ofendió mucho cuando le preguntaron por ello tras el estreno. 117. con la original combinación instrumental de flauta. después vendría su recaída de diciembre. no puede decirse que el estilo tardío determinase una reconciliación o una ruptura: simplemente siguió adelante en una asombrosa progresión creativa. los dos temas de la exposición son muy melódicos. La obra se inicia con un Allegro moderato que vuelve a tener dos desarrollos y una coda. a medio camino entre el ostinato rítmico y la edulcorada melancolía. op. ese año se retiró del Conservatoire 82 . arpa y viola. Siguieron homenajes en La Sorbona en presencia de las principales autoridades y éxitos importantes gracias a sus óperas Pénélope y Prométhée o al Réquiem. si hay que marcar un año de comienzo del estilo tardío en Fauré. Tras empezar a tener importantes achaques se recluyó y. incluso con procedimientos canónicos. 120 y el Cuarteto de cuerda op. resulta un movimiento de perfil inquietante y diálogo sobrenatural. el Quinteto con piano nº 2. el finale de esta sonata dispone de una curiosa deformación al participar en el juego con un tema simple que se vuelve una y otra vez sobre sí mismo. algo bastante excepcional en un músico. La composición fue lenta debido a su estado de salud. Jacques Thibaud y Pablo Casals. siempre lo había evitado con el fin de eludir comparaciones con los cuartetos de Beethoven o Brahms. ¿hasta dónde llegará?” Esta pregunta se hicieron varios amigos de Gabriel Fauré (1845-1924) en junio de 1923 tras la exitosa interpretación de su Trío para violín. seguido del inicial (en el que reutilizó material temático de su juvenil Concierto para violín op. a menudo son el producto de una mente oscura y malhumorada. op. La obra termina con un Finale (Très animé) en forma de rondó cuyo tema principal gira sobre sí mismo y fue explicado por el compositor a su amigo Robert Godet con esta palabras: “Ten cuidado a partir de ahora con las obras que parecen habitar los cielos. El movimiento añade y elabora dos temas más. como una serpiente que se muerde la cola”. pensó en trabajar en una serie de obras que coronasen su catálogo: la Sonata para violonchelo y piano nº 2. op. también escribió su único cuarteto al final de su vida. 120 consta de tres movimientos. La composición de su Sonata para violín y piano abarcó los meses de febrero y marzo de 1917. 14). pues es introducido por una sección cuyo tema principal parece ser una cita del famoso ““Vesti la giubba” de la ópera Pagliacci de Leoncavallo. se diferencian principalmente por la extensión y son manejados con gran invención en los dos desarrollos. a sus setenta y cinco años. El Trío para violín. tras exponer sus dos temas. como vimos. El Finale tiene una estructura muy 83 * * * “Si vive hasta los cien años. Tras la Sonata para violonchelo y piano. violonchelo y piano en Re menor. El compositor francés no pudo retomar el proyecto hasta finales de 1916. tan solo en la parte central del movimiento hay un pasaje con la indicación “Con morbidezza” en el que se representa la angustia y la soledad. y el estreno se celebró en mayo de ese año en la Salle Gaveau de París en la que sería la última aparición pública del compositor. y. El Finale es un scherzo que resulta bastante contradictorio. Se inicia con un Allegro ma non tropo en forma sonata con dos desarrollos. la operación y la radioterapia. escribió entre 1922 y 1924 dos obras maestras con las que culminó su catálogo: el Trío con piano op. Andante. op. está construido sobre dos temas muy melódicos entre los que apenas hay contrastes. que contaba setenta y ocho años y tenía numerosos achaques como esclerosis. Se inicia con un Allegro vivo que. 120 por el conjunto formado por Alfred Cortot. seguía en plena forma a nivel creativo. que habría de situarse entre el primero y el segundo. pero quizás optó por escribirlo siguiendo el ejemplo de César Franck que. que termina dialogando de forma más intensa con los dos instrumentos de cuerda. siguiendo el encargo del editor Jacques Durand. El Cuarteto de cuerda en Mi menor. violonchelo y piano op. El compositor de Pamiers. presenta un sensual y misterioso pasaje central que evoca un ambiente vaporoso a través de efectos en el instrumento de cuerda y cierta suspensión temporal. pero Fauré mantuvo su habitual orden de empezar por el movimiento lento durante el verano de 1923. en 1920 incluso tendría el honor de recibir la Gran Cruz de la Legión de Honor. problemas respiratorios y hasta algo de sordera.alguna y mantiene el ambiente jovial con ecos de Parfums de la nuit de Iberia. pero ya convertido en una persona muy enferma y mermada. El Andantino que sigue presenta una forma ABA y hace gala de una gran inspiración lírica y emotiva. el ciclo de canciones L’horizon chimérique y el Nocturno nº 13. El Intermède (Fantasque et léger) es un movimiento muy irónico.

Vientos del este (y del oeste) El estilo tardío de Leoš Janáček (1854-1928) estuvo marcado por una mujer. de repente. cuando el compositor ya se había trasladado a Nueva York. Un instrumento tan solo será el narrador durante toda la obra: la viola d’amore. “Cartas íntimas”. JW VII/13. la composición más relacionada con esta historia de amor entre el sexagenario Janáček y la veintañera Stösslová es el Cuarteto nº 2. cada movimiento sigue su propio camino. por ejemplo. aunque en realidad proviene del final del “più mosso pensante” intermedio y evoluciona hacia una forma sonata inspirada en aires folclóricos que mezcla sones nerviosos. como. Le sigue la socarrona y descarada Burletta. ¡Cómo me regocijo con ello! Allí estaré solo contigo. Bartók ya no escribiría más cuartetos. Moderato. por ello suele considerarse que este cuarteto constituye su testamento musical y algunos estudiosos. la música queda como suspendida y camina lentamente hacia un irremediable abismo donde una última cita del ritornello sirve de despedida. como Harry Halbreich. Kamila Stösslová. en el cuarto movimiento. Por ejemplo. aunque el material temático se acerque más al de un rondó o incluso un scherzo. el ritornello se impone y ello paraliza la obra. yo me quedé parado y después corrí hacia ella”. la muerte de su madre y su posterior exilio en Estados Unidos. en la escritura del conjunto muestra su interés por conseguir efectos tímbricos sorprendentes para expresar sus sentimientos. El Adagio que sigue está en la tonalidad de Si bemol menor. tocada por la viola o el violonchelo a modo de ritornello al principio de cada uno de los cuatro movimientos de la obra y que se indica como “Mesto” (“melancólico”). Al final de la composición. ensangrentado y palpitante sobre su cabeza. El estreno se retrasaría hasta 1941. Nadie más que nosotros”. con la que mantuvo una relación amorosa extramatrimonial desde 1917 hasta su muerte. En la Marcia expone el ritornello el violonchelo con trémolo de violines y sigue un movimiento que opone la ironía de la marcha a una especie de amanerado pregón. El propio compositor explicaría por carta a su amante los planes de esta nueva obra con total detalle: “He comenzado a componer algo hermoso que contendrá nuestra vida. Lo he llamado ‘Cartas de amor’. Se trata de la última obra importante del compositor húngaro. ella se quedó en silencio. los diferentes estados de ánimo del compositor cuando se declaró a su amante. pero durante su exilio estadounidense sí que llegaría a aceptar el encargo de un joven violinista llamado Yehudi Menuhin y de él acabaría surgiendo la Sonata para violín solo (Sz. que concluyó en marzo de 1944. Una vez escuchada esta idea.clara de forma sonata. el uso del efecto sul ponticello con sordina. El Finale arranca con una danza rústica que es interrumpida por citas de los movimientos anteriores o de la ópera Katia Kabanová hasta que llega ese impresionante final con trémolos alocados y disonantes que representan esa impactante imagen del compositor en éxtasis con su corazón arrancado. en la que se introducen cuartos de tono en los violines y todavía es mayor el contraste con el ritornello. la zorrita en La zorrita astuta (1924) o Emilia Marty en El caso Makrópulos (1925). el compositor recuerda la anécdota: “Pareció que la tierra se abrió de golpe cuando se lo dije. mientras veraneaba en Saanen en casa de Paul Sacher y la concluyó en noviembre. Janáček optaría por titular su nuevo cuarteto “Cartas íntimas” para evitar el escándalo y optaría por reemplazar la viola d’amore por una viola convencional. 117). La obra se inicia con un Andante donde se evoca de forma rapsódica la impresión que produjo al compositor la primera vez que vio a su amante en el balneario de Luhačovice utilizando la viola como narradora. Molto tranquillo. corrió y se detuvo de nuevo. No obstante. Concretamente el Cuarteto de cuerda nº 6 (Sz. ella sería la inspiradora de los papeles principales de tres de sus óperas: Katia en Katia Kabanová (1921). Sin embargo. la Misa Glagolítica (1926) y la Sinfonietta (1926). lo consideran más avanzado que los cuartetos de Debussy o Ravel. la tonalidad asociada con Katia Kabanová en la ópera homónima. el tema principal del Vivace parece derivar en un principio de la idea temática del ritornello. sombría y melancólica. presenta un insistente lenguaje ostinato unas veces desnudo y otras intenso. Fauré no vivió para asistir al estreno de esta obra. se inicia con una mecedora melodía de aire eslavo que se vuelve cada vez más nerviosa o evoluciona hacia 84 Las dos últimas composiciones camerísticas de Béla Bartók (18811945) estuvieron marcadas por el inicio de la Segunda Guerra Mundial. En una carta. mientras seguía un tratamiento contra la 85 . 114) fue la última partitura que terminó en suelo húngaro. Este cuarteto rezuma desesperación de principio a fin y esa desesperación se materializa en el uso de una misma idea temática. El tercer movimiento. que en algunas progresiones y crescendi refleja una tensión casi alucinatoria y culmina en una coda tan irresistible como desconcertante. inquietantes y grotescos. y está construido con gran virtuosismo a partir de dos temas expuestos por la viola que retratan el estallido del amor en medio de los vapores del balneario. la inició en agosto de 1939. y con ello cambiaría también la dedicatoria: de la inicialmente prevista al Cuarteto Húngaro se pasaría al Cuarteto Kolisch. que fue el que la estrenó. de 1928. también influyó en la composición de El diario de un desaparecido (1920). que se celebró el 12 de junio de 1925 en el Conservatorio de París. el inicio muestra la agitación por medio de los trinos de la viola y sus intervenciones sul ponticello o en ostinato describen los ambientes brumosos y formales del balneario moravo. Sin embargo. aunque en algunas ocasiones adquiere mayor protagonismo.

dirigiendo el Studio für Neue Musik. La obra está construida en cuatro movimientos perfectamente equilibrados. que sobrevivió a Theresienstadt. esto es. En ellas podemos verificar su permanente preocupación acerca de la realización de algunos pasajes que el compositor juzgaba quizá demasiado difíciles y ante los que siempre se mostró abierto a atender las sugerencias del violinista. 19 nº 4 del compositor vienés (el pasado año pudo escucharse en el Liceo de Cámara la versión cuartetística de esta pieza interpretación del Cuarteto Arditti). enseñando. donde pronto se convirtió en una de sus principales figuras musicales. tal como suele ser habitual en la actualidad. tal como he hecho en las alternativas de la última página. pero al año siguiente tuvo que abandonarlo para trabajar en el Nuevo Teatro 86 . lo mejor sería que pudiera tocar ambas versiones. Ullmann había coqueteado en sus inicios con la Segunda Escuela de Viena e incluso había formado parte en 1918 del seminario de composición de Arnold Schoenberg. Todo lo que quiero subrayar es que Theresienstadt ha ayudado más que obstaculizado en mi trabajo musical. la violinista Isabelle Faust utilizará la versión con los cuartos de tono en el movimiento final. aunque en la edición crítica de esta Sonata se incluyeron ambas versiones y. Sin embargo. varias canciones sobre poemas de Conrad Ferdinand Meyer o su Sonata para piano nº 6. Se inicia con un Tempo di ciaccona que trata de tender un puente hacia las variaciones bachianas.. Aunque muchas de sus composiciones fueron destruidas durante la ocupación alemana de Praga. ayudado también por el efecto vaporoso que añade el uso de la sordina y los armónicos. fue recluido junto a su esposa en el campo de concentración de Theresienstadt. por tanto. pues a los dos primeros más estrictos le siguen otros dos más livianos. pueden ser eliminados. se corresponde en realidad con una forma sonata con dos temas que oponen la polifonía a la línea melódica. Se trata de una obra en un movimiento continuo que se subdivide en cuatro partes como reflejo de los cuatro movimientos tradicionales del cuarteto de cuerda. No obstante. su interés por el expresionismo vienés quedó patente por entonces en sus Variaciones y doble fuga sobre una pieza para piano de Schoenberg (1925) basadas en el op.. la segunda de la cuales hace expresa referencia al primer movimiento con la intención de concluir la obra de forma cíclica. y un Presto construido como movimiento perpetuo con tres secciones adicionales.leucemia en Asheville y que sería estrenada en Nueva York en noviembre de ese año. De la tremenda complejidad contrapuntística pasamos en los dos movimientos siguientes al estilo folclórico del compositor húngaro: una Melodia de escritura más sencilla y estructura ternaria. aunque no en el sentido neoclásico. una cuestión muy particular es la negativa de Menuhin a tocar cuartos de tono en el Presto final de la Sonata. una segunda versión de esta obra que el pianista Franz Langer estrenó en el festival de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea de Ginebra fue la que despertó la atención internacional sobre Ullmann. haciendo críticas en el periódico Der Auftakt o también programas de radio. que puede utilizar si no le parece interesante tocar los cuartos de tono. y nuestro deseo de cultura se ha visto alimentado por nuestro deseo de vida”. El segundo movimiento es una Fuga de impresionante virtuosismo y cuyo sujeto vuelve a ser un claro homenaje a Bach. Ullmann consiguió salvar algunas imprimiéndolas por su cuenta y confiándoselas a un amigo. Resulta interesante conocer algunos detalles de la obra a través de las cartas que envío Bartók al joven Menuhin. El 8 de septiembre de 1942. Precisamente. como los cantantes Walter Windholz y Hedda Grab-Kernmayr. 46. no son elementos ‘estructurales’ y. pues desde luego no nos hemos sentado junto a las aguas de Babilonia para llorar. en esos años asistió a los cursos de Alois Hába sobre la composición en cuartos de tono o consiguió en dos ocasiones el Premio Emil Hertzka tanto por la orquestación de sus Variaciones sobre un tema de Schoenberg como por su ópera Der Sturz des Antichrist (La caída del Anticristo). Alemán de Praga. Ullmann fue trasladado junto a su esposa a Auschwitz en uno de los llamados “transportes de liquidación” y ambos fueron gaseados el 16 de octubre de 1944. donde se representa la nostalgia del compositor. lo que le permitió seguir componiendo e incluso también escribir críticas o hacer música junto a otros reclusos. la pianista Edith Steiner-Kraus o el director de orquesta Rafael Schächter: “He escrito un buen montón de nueva música en Theresienstadt [. op. se inicia con una contemplativa reminiscencia del Finale de la Sinfonía “Pastoral” de 87 * * * El estilo tardío del compositor checo Viktor Ullmann (1898-1944) estuvo determinado por su reclusión en 1942 en el campo de concentración nazi de Theresienstadt (hoy Terezín). Allegro moderato e semplice. El azar hizo que los manuscritos de las composiciones de Ullmann fueran conservados gracias al filósofo Emil Utitz. La llegada de los nazis al poder en 1933 obligó al joven compositor checo a volver a Praga y los años siguientes los pasó como músico freelance.]. Menuhin optó por la versión sin ese efecto tímbrico. que por entonces dirigía Alexander von Zemlinsky. Entre todos ellos destaca su Cuarteto de cuerda nº 3. algo que el compositor explicó en una carta fechada en abril de 1944: “Los cuartos de tono del cuarto movimiento son simplemente un efecto tímbrico. La primera parte. que Ullmann escribió en 1943. Entre las obras que Ullmann escribió y estrenó en Theresienstadt destaca una versión dramatizada de las baladas de Villon. y entonces decidir si vale la pena utilizar los cuartos de tono”.

Uno de los más peculiares. fue su coqueteo con el dodecafonismo.Beethoven. Richard Strauss (1864-1949) visitó en una ocasión el campo de concentración de Theresienstadt. Strauss escribió esta obra entre marzo y abril de 1945 en Garmisch. aunque quizás esta obra vaya mucho más allá y constituya un doloroso adiós a toda una época que había quedado completamente arrasada y transformada. fue en 1943. Shostakovich escribió para él una sonata después de haberle obsequiado el año anterior por error con su Concierto para violín nº 2. el cuarteto concluye en modo mayor con una breve cita de la contemplativa reminiscencia beethoveniana convertida ahora en un rayo de esperanza. y también más criticados especialmente fuera de la Unión Soviética. la abuela de su nuera Alice. y entre los que destaca una insistente repetición de la nota Sol en las violas seguida por un descenso con ritmo punteado. en los momentos más duros de 1943. Uno de esos siete músicos era el contrabajista Alois Posch. Conviene aclarar que escucharemos Metamorphosen dentro de este ciclo en una realización para septeto de cuerda de Rudolf Leopold. que plasmó en primer lugar en el Cuarteto de cuerda nº 12 en Re bemol mayor. en el que el gran violinista David Oistrakh celebraba su sexagésimo cumpleaños. en las semanas previas a la rendición de Berlín que marcó el final de la Segunda Guerra Mundial. donde conviven varios temas en un contexto de cierta indeterminación tonal. la última ópera suya estrenada en ese teatro en octubre de 1942. los guardias de la SS lo tomaron por un chiflado y no le hicieron el menor caso. El Presto. subtitulada “El alegre taller”. violas y violonchelos con un contrabajo. febril y sinuosa. Ese mismo año. El Allegro vivace e ritmico que cierra la obra se inicia con un estilo contrapuntístico muy efectivo y colorista al disponer de trémolos y pizzicati. Al parecer. se inicia con un tema áspero y breve que pasa por todos los instrumentos y desemboca en la contemplativa reminiscencia beethoveniana del principio. ese tema se transforma al final en una cita de la Marcia funebre de la Heroica de Beethoven. un estudio para veintitrés instrumentos solistas de cuerda que fue inspirado por la referida noticia de la destrucción de la Ópera de Baviera. 133. Para el viejo Richard. esa etapa final de su vida estuvo marcada por el dolor y el desánimo ante una guerra que consideraba una locura. escribió su encantadora Sonatina para instrumentos de viento nº 1 como una forma de volver a los géneros cultivados en su juventud. Ese mismo año de 1943 había preparado una edición para sexteto del preludio de Capriccio. como cuando en marzo se quedó atrapado por una enfermedad de su esposa Pauline en Múnich durante unos días de intensos bombardeos. De todas formas. y la concibió como un adagio bruckneriano de vastas proporciones. curiosamente. página idealmente mágica y de radiante musicalidad cuya estructura ternaria está presidida por una especie de declaración de amor puro e indolente. Esta realización no es un simple arreglo y está basada en un manuscrito del compositor. que apareció en 1990 en Suiza y hoy se conserva en la Bayerische Staatsbibliothek. y que termina diluida en el mar de belleza y transparencia del tema principal. Esta versión de Leopold incluye todas las variaciones que sufrió la partitura de Strauss en su adaptación para veintitrés instrumentos de cuerda y fue estrenada en junio de 1994 por miembros de la Filarmónica de Viena en la que fuera la residencia privada del compositor en Garmisch. y haciendo un alto en el camino desde Viena a Dresde. que la tocará también en Madrid. que es una especie de scherzo. que lo había dejado consternado. la escribiría ya en Garmisch algunos meses más tarde y casi como una forma de evadirse de la noticia de la destrucción de la Ópera de Múnich. Nada más llegar allí. Y es que hasta la propia Alice Strauss nunca sospechó las atrocidades que se practicaron en aquellos lugares en que perdió hasta veintiséis miembros de su familia. la composición que mejor refleja el estado de abatimiento de Strauss durante la guerra es Metamorphosen (Metamorfosis). escrito en 1968. Dimitri Shostakovich (1906-1975) inició algunos sorprendentes experimentos musicales que determinaron en parte su estilo tardío. se acercó a la puerta y afirmó: “Mi nombre es Richard Strauss y quiero ver a Frau Neumann”. y como queda patente en esa obra. y que demuestra cómo Strauss había concebido inicialmente esta obra para una formación de septeto formado por parejas de violines. op. y cómo después cambió de idea tras recibir un encargo de Paul Sacher de una composición para su Collegium Musicum. * * * En realidad. Esta parte enlaza directamente con el Largo que se inicia con un desolador solo de viola al que van uniéndose lentamente los demás instrumentos. 89 . 88 Amistades tardías (tras el Telón de Acero) A finales de los años sesenta. es decir. op. la Sonatina para instrumentos de viento nº 2. Strauss encontró en la composición un refugio ante la sinrazón que le rodeaba. el dodecafonismo en manos de Shostakovich fue simplemente un recurso emocional que le permitió explotar las tensiones resultantes del uso de “series” cromáticas frente a tonalidades perfectamente afirmadas. precisamente. el anciano compositor pensaba que era un simple campo de trabajo para judíos antes de ser reasentados en cualquier otra parte y por esa razón se acercó allí para visitar a Paula Neumann. que incluye una sección central repentinamente agitada. sobre la que Strauss escribe en la partitura un sentido “In Memoriam”. De hecho. 129. ya en las anotaciones de su diario que siguieron a la invasión de Polonia en 1939 puede leerse entre líneas el vaticinio de la total destrucción de su querido país.

complicado con una mielitis y problemas cardíacos. El segundo movimiento. estuvo relacionado con el Festival “Días de Música Británica” que tuvo lugar en Leningrado y Moscú. esta vez en fusas. que precisamente había terminado de componer un mes antes en Aldeburgh. op. Mstislav Rostropovich. pero que deriva en un tono sardónico y alocado y que acaba produciendo una violenta confrontación entre los dos instrumentos. 144. Moderato. Allegretto. El Andante se inicia con la exposición e inversión en el piano de una serie completa de doce sonidos a la que el violín contrapone una melodía diatónica. de gira por la Unión Soviética en esas fechas. op. Terminada en julio de 1975. en especial. 134. El último movimiento lo dedica Shostakovich “a la memoria de un gran compositor. trata de las obsesiones y pensamientos de un hombre gravemente enfermo: se trata de una obra verdaderamente sublime y serena que 90 se asoma al abismo de la muerte con resignación más que con miedo y desesperación. 147 es el testamento musical de Shostakovich. La obra termina con un Largo que es una monumental passacaglia sobre el tema inicial del Concierto para violín. significativamente. op. donde el compositor elabora un sorprendente catálogo de variaciones que conducen a una coda final en la que se recuperan los temas del primer movimiento para concluir misteriosamente con el violín haciendo un trémolo sul ponticello. La obra se inicia con una Elegía de estática armonía y suaves dinámicas que se convierte en una fuga intemporal. integrados por la técnica de la variación y unificados por una inspiración común en temas populares rusos extraídos de tres arreglos de Tchaikovsky y del kontakion o himno funerario 91 . Sigue una Serenata que se inicia con crispados crescendi en los violines y continúa con un tono sardónico.Con la Sonata para violín y piano op. la viola se queda sola y expone un monólogo. Britten viajó con el manuscrito de su última composición: la Suite nº 3 en Do menor para violonchelo solo. que el compositor indica. siempre en compañía de Peter Pears. Aparte de los experimentos peculiares como el dodecafonismo. ¿hubo algún intercambio creativo entre ellos? Resulta muy interesante conocer el enorme interés que tenían uno y otro en estar al corriente de las obras que estaban componiendo y. a la vez que plantea una obra en tres movimientos (lento-rápido-lento) en la que se cita a sí mismo o introduce un curioso homenaje a Alban Berg. La Sonata para viola y piano op. El Nocturno posterior presenta un ambiente ondulante e inestable y la Marcha fúnebre a continuación expone un tema rítmico al que responden intervenciones solistas de cada instrumento. el estilo tardío de Shostakovich también está marcado por su obsesión con la muerte. mientras el compositor ruso programó un ensayo de su Cuarteto nº 13 en su piso. sabemos que en su última visita a la Unión Soviética. concretamente. lo que muestra cómo Shostakovich asocia el dodecafonismo con un tipo particular de tema cromático. que había escrito el año anterior para el mismo Oistrakh. en este movimiento encontramos también la primera autocita: un pasaje con aroma popular procedente de su Concierto para violín nº 2. el último de su catálogo. el movimiento alcanza el clímax tras una cadenza de la viola para declinar lentamente hasta el final. esa cadenza se convierte en un misterioso ritornello que alterna con un tema desnudo en el violonchelo o la viola y termina en un coro fantasmal acompañado por cuartas y quintas. es uno de los más abstractos de toda la obra de Shostakovich y representa una dramática conversación entre dos instrumentos donde parece que nadie escucha a su interlocutor. que pasa a manos del violonchelo. pero. Ese viaje de Britten a Moscú. en el que plantea diversas reflexiones sobre la muerte a través de seis movimientos lentos que se tocan sin pausas. Tal como indica Elizabeth Wilson en su biografía de Shostakovich. morendo. Beethoven” y. enlaza con un estático Intermedio en el que el primer violín realiza una cadenza que es acompañada por notas tenidas del violonchelo. de Berg. fue la última obra que concluyó un mes antes de su muerte y. 87 de Britten se estructura en nueve movimientos sin pausas. La Suite nº 3 en Do menor. El último movimiento se inicia nuevamente con una cadenza del violín. al igual que el Cuarteto nº 15. El primer movimiento. 87. ambos instrumentos se unen en el tema principal que deriva de la Sonata “Claro de luna” del compositor de Bonn. Sigue un Allegretto que es en realidad un scherzo en el que el compositor utiliza un rústico pasaje de su ópera inacabada Los jugadores y al que opone una sección central sinuosa y machacona. Shostakovich sabía que no le quedaba mucho tiempo y escribió ese mismo año el Cuarteto nº 15 en Mi bemol mayor. avanzado el movimiento. * * * Benjamin Britten (1913-1976) y Dimitri Shostakovich mantuvieron desde 1963 una estrecha amistad que se materializó en viajes del compositor inglés a Moscú y también con visitas del ruso a Aldeburgh. es una especie de scherzo cuyo tema principal se asemeja a la Malagueña de su Sinfonía nº 14. tras un pasaje de la viola sin acompañamiento del piano. el viaje también sirvió para que ambos compositores conocieran sus últimas creaciones y. y donde el compositor dirigió algunas de sus obras a la Orquesta Sinfónica de Londres. acrecentada en 1974 después de haberle diagnosticado un cáncer de pulmón. Britten realizó un concierto privado en el apartamento de Rostropovich en el que él mismo tocó al piano su Suite nº 3 para violonchelo solo. “A la memoria de una ángel”. Shostakovich sigue su personal incursión en el dodecafonismo. en abril de 1971. Ambos se dedicaron composiciones y tuvieron amigos en común.

”. pero sin reexposición. que está precisamente asociada con su protagonista. le sigue una Marcia con dos temas populares y después un Canto basado en la tercera. El primer movimiento. Britten concluyó la partitura de la que sería su última ópera en 1973. una brillante Fuga que desemboca en un Recitativo que. Sigue el tema de la passacaglia en Mi mayor. introducido por el violonchelo y el primer violín. y que cuesta atribuir a un cuarteto de cuerda. es otro scherzo de tono brusco. Ben. A continuación. es decir. Shostakovich se disculpó y le quitó importancia a este detalle. nosotros los compositores tendemos a tocar siempre nuestra música demasiado rápido. al mostrar el uso y significado que atribuye el compositor a Venecia en esta ópera tanto como alegoría para transmitir una sensación de recapitulación y regreso dentro de una larga trayectoria artística. Un Lento inicia la obra a modo de obertura basada en el referido kontakion. De hecho. sardónico y ecos “shostakovichianos” (quizá un homenaje a su amigo fallecido tan solo unos meses atrás) al que sigue un trío juguetón y pendenciero. es una scherzo cuyo tema inicial es cortante y brusco.. representa. glissandi. 94 que concluyó en noviembre de 1975. que coincide con la llegada a Venecia del protagonista. que se estructura en torno a una cantilena del primer violín acompañada por los otros tres instrumentos por medio de pizzicati. se desesperó. “La Serenissima” y que se inicia precisamente con el tema del coro cantando “Serenissima” en la obertura de la ópera. al final. arpegios y trinos. Shostakovich pasó algunos días del verano de 1972 en Aldeburgh y visitó a Britten en su casa mientras trabajaba en la ópera Death in Venice (Muerte en Venecia). en realidad. con el hombre que no puede eludir ni consumar su deseo y quizá. haciendo del cuarteto un apéndice o un comentario de la ópera. aunque Britten evitó estrenar la obra hasta confirmar que. 93 . a su vez. esa particular economía de medios instrumentales. 92 La prueba de que Said tenía razón la encontramos tanto en la biografía de Britten como en la penúltima obra de su catálogo: el Cuarteto de cuerda nº 3. creando un ambiente de efímera belleza que en la coda se trastoca con el violonchelo sosteniendo un desconcertante Re natural. las exóticas influencias tímbricas o el uso que hacía de diferentes tipos de monólogo acompañados o con piano. que podría alterar el tema. enlaza con un Moto perpetuo. el compositor ruso le indicó que la versión que conocía del kontakion difería en alguna nota de las utilizadas por Britten y ello afectó mucho al compositor inglés. lo que le llevó a revisar la partitura en 1974 y ofrecer las dos opciones en la subsiguiente edición de 1976. Gustav von Aschenbach. op. como acaba de apuntarse. pero también como lugar donde es posible la convivencia de elementos discordantes como la gloria y la degradación que la convierten en un escenario ideal para el estilo tardío. levemente acompañados por el primer violín y el violonchelo. había dos versiones del referido kontakion. El tercer movimiento. sí. El cuarto movimiento. a lo que Shostakovich le replicó con comprensión: “Sí. El compositor inglés amaba Venecia por encima de cualquier otra ciudad y durante la composición de este cuarteto hizo su último viaje a la ciudad de los canales y fue allí precisamente donde terminó este cuarteto. tal como afirma Said. Ostinato. y distingue un primer tema de extraña sensación contemplativa de otro mucho más robusto y enérgico. el último movimiento del mismo lo titulo “La Serenissima” y lo convirtió en un impresionante homenaje sentimental a esa ciudad con varias citas de su ópera Death in Venice o el uso de la tonalidad de Mi mayor. siguen un Dialogo arpegiado. resulta imposible no considerarla un ejemplo de su estilo tardío. aquí resida la esencia misma de su obra tardía. El compositor ruso se quedó fascinado con la nueva obra del inglés y se pasó horas examinando los borradores de la partitura con esas complejas interrelaciones motívicas. en este movimiento también encontramos una cita de su juvenil Alla marcia (1933) que muestra el sentido de síntesis que se esconde detrás de esta partitura. es una de las mayores joyas tímbricas de toda la literatura cuartetística.. El cuarteto termina con un Recitativo y Passacaglia que se subtitula. pero no ya sus variaciones: “Voy a tener que reescribir la obra por completo”. A continuación llegamos a una Barcarola con guiños a Bach (no olvidemos que esta Suite fue inspirada por la interpretación de Rostropovich de una suite de Bach). Solo. Duets. Las razones que vinculan esta ópera con el estilo tardío de Britten han sido convincentemente analizadas por Edward Said en su referida monografía póstuma sobre el tema. Y. El segundo movimiento.ortodoxo “Con los Santos haz descansar”. Durante su última visita a Inglaterra. El Cuarteto nº 3 de Britten se divide en cinco movimientos. las posibilidades tímbricas que tiene el improbable dúo dentro de un cuarteto entre el segundo violín y la viola. el movimiento está planteado en forma sonata. y se opone al ambiente más calmado y dialogante del trío. En este final es posible que Britten se identificase con Aschenbach. a los que el compositor da un título simple pero sugerente. Burlesque. la Passacaglia se basa asimismo en el kontakion como imponente conclusión de la obra. aquejado ya entonces de los primeros síntomas de una cardiopatía que terminaría con su vida pocos años después. aunque Donald Mitchell ha demostrado sobradamente que Britten no había previsto que Death in Venice fuera su última ópera. Y es que. o incluye la barcarola orquestal que toca aquí el violonchelo. dentro de una generalizada ambigüedad tonal. Una vez terminada su interpretación al piano. Britten se levantó rápidamente para evitar el aplauso y no paró de disculparse por haber tocado tan deprisa.

Intérpretes Biografías .

Entre los artistas con que colabora habitualmente cabe destacar a Vladimir Mendelssohn. la Kaisersaal en Fráncfort. ha sido galardonado en los concursos internacionales de Burdeos. Claire Desert. Ardeo y Meta4. Chen Halevy. Johannes Meisl. como el Wigmore Hall de Londres. la Westdeutscher Rundfunk. Günter Pichler. Radio France. el dramaturgo alemán Peter Ries o el actor español Jose Luis Gómez. David Kadouch. y mantiene en la actualidad una estrecha relación con el violista Hatto Beyerle. la Sudwestrundfunk. la Primavera de Heidelberg. György Kurtág. Alain Meunier. perfecciona posteriormente sus estudios en la Musikhochschule de Basilea con Walter Levin y el propio Rainer Schmidt. junto con Pablo de Sarasate y Pau Casals.Cuarteto Quiroga El Cuarteto Quiroga nació alentado por el violinista. con el apoyo de la Fundación Herberto Gut de Prosegur. el Palau de la Música Catalana. Formado desde sus inicios en la Escuela Superior de Música Reina Sofía y en el Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid con Rainer Schmidt (miembro del Cuarteto Hagen. Radio Sueca o el canal de televisión Mezzo. los Cuartetos Doric. la Concertgebouw Doelen en Róterdam. Nybrokajen en Estocolmo. Paolo Borciani. Ha tocado en numerosas salas de Europa y América. Les Invalides en París. Ha trabajado también regularmente con músicos como András Keller. el Auditori de Barcelona. Son profesores y cuarteto residente en el Curso Internacional de Música de Llanes desde 2005 y en la actualidad el Cuarteto tiene su residencia en la Fundación Museo Cerralbo de Madrid. Jeremy Menuhin. Ha recibido asimismo el Premio El ojo crítico de Radio Nacional de España en 2007 y la Medalla de Oro del Primer Palau de Barcelona. Ginebra y París. pedagogo y cuartetista francés Charles-André Linale y su nombre rinde homenaje a la figura del violinista gallego Manuel Quiroga. Son invitados habitualmente a impartir cursos y clases magistrales 97 . Ha realizado asimismo numerosas grabaciones para Radio Clásica. el coreógrafo japonés Hideto Heshiki. el Festival de Davos. Quintessence en Aquisgrán. Desde su creación. el Gonfallone en Roma o el Teatro Solís en Montevideo. Javier Perianes. Valentin Erben. el Auditorio Nacional de Madrid. la Fundación Juan March. también presente en esta edición del Liceo de Cámara). la Philharmonie de Berlín. Erich Höbarth. que ha sido. Eberhard Feltz o Ferenc Rados. uno de los más grandes instrumentistas de cuerda de la historia musical española.

con catorce años. en la actualidad da clases en la Hochschule für Musik Hanns Eisler de Berlín.). Webern y Giovanni Solima. a ella dedicada. Autodidacta como pianista de jazz. Santiago. Tabea Zimmermann está casada con el director Steven Sloane y tiene tres hijos. Kirill Gerstein obtuvo el primer premio en el Concurso de Piano Arthur Rubinstein de Tel Aviv en 2001 y desde entonces ha tocado en los principales centros musicales internacionales. Anteriormente su discografía contaba con nu- Kirill Gerstein. para el sello Cobra. Desde el curso 2008-2009 sus cuatro miembros ocupan la cátedra de Música de Cámara/Cuarteto de Cuerda del Conservatorio Superior de Música de Aragón. Wolfgang Rihm (Über die Linie IV). Ganó su primer concurso (el Concurso Internacional Bach de Gorzuw. El Cuarteto Quiroga actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. la ciudad natal del compositor. 98 99 . inició su formación musical en una escuela para niños con un especial talento musical. con Ferenc Rados. y en Budapest. del que forma parte desde su fundación. en las ediciones XV a XIX. La interpretación de la música contemporánea es una prioridad en sus actividades artísticas y ha estrenado obras como la Sonata para viola sola de Ligeti. Siguió estudiando en la Manhattan School of Music de Nueva York. Frank Michael Beyer (Notte di Pasqua). el Rheingau Musikpreis. Ha recibido numerosos premios. Será artista residente en el Festival del Bodensee en mayo de 2012. Universidad Internacional de Andalucía. La última etapa de su formación se desarrolló en Madrid. En las últimas temporadas ha tocado con la Orquesta de Filadelfia (Dutoit). Tras enseñar en Saarbrücken y Fráncfort. que estrenó junto con Antoine Tamestit).en conservatorios superiores y universidades por toda la geografía española (Madrid. En estos años asistió también al programa veraniego de la Universidad de Boston en Tanglewood. Henri Vieuxtemps y Rebecca Clarke. George Lentz (Monh). Como solista actúa regularmente con las orquestas más importantes. Ha actuado con el Cuarteto Alban Berg en la XII edición del Liceo de Cámara y con el Cuarteto Arcanto. ha sido publicado este año y contiene obras de Haydn. Ars Musici publicó una grabación realizada en directo en un concierto ofrecido en la Beethovenhaus con la viola del propio compositor. lo que le hizo concentrarse en la música clásica. Teldec y Deutsche Grammophon. Valladolid. del que fue. en la que ocupa una cátedra desde 2002. viola Estudió con Ulrich Koch en la Musikhochschule de Friburgo y con Sándor Végh en el Mozarteum de Salzburgo. Christian Tetzlaff y el Cuarteto Alban Berg. perfeccionó sus estudios en el Berklee College of Music de Boston. Su grabación de obras para viola sola de Bach y Reger para el sello myrios classics ha recibido numerosos premios y se ha visto seguido de una grabación con el pianista Kirill Gerstein que contiene sonatas de Johannes Brahms. desde la Filarmónica de Berlín (con la que ha tocado este mismo año el Concierto de Béla Bartók) y la Sinfónica de Londres hasta la Filarmónica de Israel y la Orquesta de París. el Premio Internacional de la Accademia Musicale Chigiana de Siena y el Premio Paul Hindemith de Hanau. Ha grabado el repertorio de viola más importante con enorme éxito. Tabea Zimmermann. Málaga. Oviedo. piano Nacido en 1979 en Voronezh (Rusia). Heinz Holliger (Recicanto) o Bruno Mantovani (Doble Concierto. así como los Conciertos para viola de Sally Beamish. construido por Nicola Amati en 1682. Budapest y París. Entre 1982 y 1984 ganó los concursos de Ginebra. Tabea Zimmermann es una camerista muy prestigiosa y ha trabajado con colegas de la talla de Pierre-Laurent Aimard. donde tuvo como profesor a Solomon Mikowsky y donde se graduó a los veinte años. el alumno más joven de la historia del centro. Su primer disco. en Polonia) a los once años. con Dmitri Bashkirov. entre los que destacan el Hessischer Kulturpreis. Cibrán Sierra y los demás miembros del Cuarteto Quiroga desean expresar su gratitud a los herederos de Paola Modiano por su cesión del violín “Rosé”. además de colaborar como profesores de la JONDE (Joven Orquesta Nacional de España). etc. acompañada al piano por Hartmut Höll. Entre sus grabaciones con orquesta más recientes destacan una grabación en vivo de Harold en Italia de Berlioz con la Orquesta Sinfónica de Londres dirigida por Colin Davis y la Suite para viola y orquesta de Bloch con la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín dirigia por Steven Sloane. Hartmut Höll. merosas referencias para sellos como EMI.

ambos prestados amablemente por el Banco Nacional Austriaco. Houston y Atlanta. el conjunto ganó el Primer Premio del Concurso de Cuartetos de cuerda de Portsmouth. Su discografía ha recibido los premios más importantes y en 2011 han celebrado el trigésimo aniversario de su fundación con la publicación de dos discos en el sello myrios classics. Krystian Zimerman. VII. los cuatro hermanos Hagen (Lukas. en concierto y en disco. Su actividad pedagógica se concentra en la Musikhochschule de Stuttgart. la Orquesta Gürzenich de Colonia (Krivine) y la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich (Alsop). como maestros y también como compañeros. Hatto Beyerle. Heinrich Schiff y Walter Levin tuvieron una gran influencia en su formación. En Lockenhaus. seguido de su debut en el Wigmore Hall de Londres. En 1983 ganaron los concursos de Evian. han grabado un amplísimo repertorio que abarca de Bach a Kurtág. donde pudo comprobarse su crecimiento artístico. András Schiff. Heinrich Schiff. Su carrera internacional comenzó en ese período. También ha vuelto a ser invitado por las orquestas de San Francisco. Oleg Maisenberg. el Wigmore Hall o la Universidad de California en Berkeley. así como por la Orquesta de Cámara St. educados en el ambiente musical de su padre violinista. Ha actuado en el XVII Liceo de Cámara formando trío con los citados Kolja Blacher y Clemens Hagen. En la temporada 2011-2012 hará su debut con la Orquesta Filarmónica de Nueva York y la Sinfónica de Seattle. Y de Nueva York. Han colaborado. así como el Premio del Público. así como en el Festival de Música de Aspen y en los Proms de Londres. Al año siguiente. vinculado repetidamente al Cuarteto Hagen en sus proyectos camerísticos en el Festival de Música de Cámara de Lockenhaus. Bordeaux y Banff (Canadá). el conjunto permanece en contacto con sus maestros y mantiene sus firmes convicciones sobre el cómo y el porqué de su fraseo. Lukas Hagen toca un violín de Antonio Stradivarius (Cremona. en las Mozartwochen y en la serie de conciertos de Salzburgo. 100 101 . además de volver a tocar con las Orquestas Sinfónicas de Houston y Baltimore (Graf). la Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa (Nezet-Seguin) y la Orquesta Sinfónica de la Radio Sueca (Mälkki). la Royal Liverpool Philharmonic (Petrenko). la Sinfónica de Dallas (Varga). Liszt y Oliver Knussen. Paul. Veronika y Clemens). la Filarmónica de Múnich y la Filarmonica della Scala (Bychkov). Ha participado asimismo en proyectos camerísticos en el Festival de Salzburgo junto a András Schiff. Paul Gulda. así como en la formación de trío con piano con el violinista Kolja Blacher y el violonchelista Clemens Hagen. movimientos y obras con gran entusiasmo. Mitsuko Uchida. 1724) y Veronika Hagen una viola de Giovanni Paolo Maggini de Brescia. con artistas de la talla de Maurizio Pollini. Hoy. colabora habitualmente con Steven Isserlis. En 2010 recibió dos importantes distinciones: el Gilmore Artist Award (ha sido el sexto músico en recibir este premio excepcional) y la Avery Fisher Career Grant. Su encuentro con Nikolaus Harnoncourt les permitió ampliar su visión de la música. IX y XI-XV del Liceo de Cámara. determinaron la forma de caracterizar temas. Los miembros del Cuarteto Hagen consideran sus estudios realizados en el Mozarteum de Salzburgo. la Orquesta Sinfónica de la SWR (Gielen). donde empezó a dar clases en 2007. Detroit. También han mantenido una estrecha relación con el compositor húngaro György Kurtág. como también lo hizo su relación artística y amistosa con Gidon Kremer. entre otras. Consiguieron que sus interpretaciones imprimieran un toque personal distinto a las variantes ya establecidas en la actuación de los cuartetos. Artistas exclusivos durante décadas de Deutsche Grammophon. Su compromiso con la música contemporánea les ha llevado a tocar obras de compositores como Ligeti y Lutosławski. Pronto actuaron en el Festival de Salzburgo. En el ámbito camerístico. Tiene previsto ofrecer recitales en salas como la 92nd St. esenciales para su desarrollo técnico y artístico. Aquí radicaría la razón del éxito de este cuarteto: mantener su nivel artístico y de conjunto a pesar de los cambios personales y de sus componentes. El Cuarteto Hagen ha actuado en las ediciones V. Su primera grabación a solo para el sello myrios classics se publicó en 2010 y contiene obras de Schumann. con sus consejos y su estímulo. en las Musikhochshulen de Basilea y Hannover. a pesar de sus extensas giras.la Sinfónica de San Francisco (Dudamel). el Cuarteto Hagen obtuvo en 1981 el Premio del Jurado. Cuarteto Hagen Ya en su formación original austriaca. Angelika. Jörg Widmann o Gérard Caussé. así como en la Universidad de Cincinnati.

la Tapiola Sinfonietta. Australia. la Orquesta de Cámara de Sudáfrica. Toca asiduamente con las principales orquestas finlandesas y ha actuado también con agrupaciones como la Camerata de Salzburgo. Ha ofecido recitales como solista y como músico de cámara en Finlandia y en numerosos países europeos. Fue director artístico de la Orquesta de Lappeenranta de 2000 a 2007. la ópera de Thomas Jennefelt Sport och fritid (Deporte y ocio. y ha tocado también con la Orquesta Vivo y la Philharmonia de San Petersburgo. empezó a estudiar violín muy pronto e inició su carrera como solista y músico de cámara en los años ochenta. más tarde expandió sus horizontes dedicándose también a la dirección orquestal. También ha tocado con la Orquesta de Cámara de Sudáfrica y con la Orquesta de Cámara Cuerdas de Belgrado. Juha Kangas. la Orquesta de Cámara Cuerdas de Belgrado. violín Nacido en 1970 en una familia musical. Olli Mustonen y Kari Kriikku. así como en otros países europeos. James de Priest. y grabó discos con música de Sibelius. Como miembro del cuarteto. y para la producción de la ópera de Fredrik Pacius Kung Karks jakt. Jan Söderblom toca un violín de Nicolo Gagliano de 1726 y actuó por primera vez en el XVII Liceo de Cámara. Heinrich Schiff. por ejemplo. Ha tocado como concertino con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Suecia. la Orquesta Sinfónica de RTVE y la Orquesta de Cámara Escocesa. Las primeras visitas al foso de la Ópera Nacional Finlandesa en 2005 dieron paso de inmediato a nuevas invitaciones para producciones de ballet en 2006 y 2007. Okko Kamu. en 1990 obtuvo el segundo premio en el Concurso de Violonchelo de Turku y un premio en el Concurso Tchaikovsky de Moscú. los Virtuosi di Kuhmo. Moshe Atzmon. Alexander Vedernikov. y en 2002 recibió el Chivas Baton Award internacional. John Storgårds. China y Sudáfrica. la Orquesta de Cámara Inglesa. colaboró con artistas como Bella Davidovich. por Japón con la Orquesta de Cámara de Helsinki Occidental y por Grecia con la Orquesta Sinfónica de la Academia Sibelius. un período durante el cual el grupo cosechó éxitos en el concurso Concertino Praga y en el Concurso de Cuartetos de Cuerda de Londres. El Cuarteto estrenó diversas obras. realizó grabaciones para radio y televisión. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Suecia y la Orquesta Sinfónica de Helsingborg. Entre los directores con que ha trabajado se encuentran Leif Segerstam. interpretando obras de Schumann y Ligeti. En temporadas recientes ha dirigido regularmente en la Ópera Real de Estocolmo. además de actuar en numerosas ocasiones en las grandes salas de concierto europeas. En la primavera de 1996 ganó el Concurso de la Asociación de Artistas de Nueva York. además de Japón. además de con la Orquesta Filarmónica de Japón. Ha actuado como director con las Orquestas Filarmónicas de Helsinki. Jukka-Pekka Saraste. Jan Söderblom estudió dirección de orquesta con Jorma Panula y Leif Segerstam en la Academia Sibelius. la Orquesta de Cámara de Praga y la Orquesta de Cámara de Holanda. También ha estado al frente de Musica Fiskars. Ha tocado como solista con la mayor parte de las orquestas finlandesas. Ha actuado como solista. camerista y director invitado en Finlandia y en el resto de los países nórdicos. además de con la Tapiola Sinfonietta. También ha tocado en condición de violinista invitado con la Camerata Académica de Salzburgo y con la Orquesta de Cámara Noruega. 2005) y la ópera de Daniel Börtz Svall (2006). Marko Ylönen. Japón. Finalista del Concurso de Violonchelo de Turku a los quince años. Estados Unidos. estrenada en 2007. Fue nominado como Joven Artista del Año de los Festivales de Finlandia en 1991. Turku y Tampere y con la Sinfonia Lahti. Janáček y Dvořák. así como el director artístico del Festival de Música de Joroinen hasta 2008. la Orquesta de Cámara Avanti!. con Erkki Rautio y Heikki Rautasalo en la Academia Sibelius y con Heinrich Schiff en Basilea. dirigiendo representaciones de la ópera de Janáček El caso Makropoulos y estrenando. el Musikkollegium Winterthur. Grieg. graduándose en 2001. Osmo Vänskä. Jan Söderblom tocó el violín con el New Helsinki Quartet de 1982 a 2001. Ben Wallfish. sustituyendo a un indispuesto Gerhard Schulz. Susanna Mälkki. Ralf Gothóni. Ha realizado giras por Alemania con la Orquesta de Cámara Ostrobonia. violonchelo Estudió violonchelo con Csaba Szilvay en el Instituto de Música de Helsinki. Australia y Nueva Zelanda. Barbara Hendricks. Olli Mustonen y Hannu Lintu. Sakari Oramo.Jan Söderblom. 102 103 .

Leif Segerstam. Dmitri Bashkirov y Nikita Magaloff. Desde el otoño de 2009 Marko Ylönen es profesor de Música de Cámara en la Academia Sibelius de Helsinki. como el Concierto para violonchelo de Jouni Kaipainen en 2003 junto a la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia. Arto Satukangas. Entre 1983 y 1992 recibió clases particulares de este último en Ginebra y Vevey. el Concierto para violonchelo y orquesta de Peteris Vasks (Tampere Filharmonia dirigida por John Storgårds. entre otros. con sólo diecisiete años. En otoño de 2010 realizó una extensa gira por Alemania. organizado por la Fundación Herbert von Karajan. Ha tocado como solista con las mejores orquestas finlandesas. En febrero de 2010 actuó con la Orquesta Ciudad de Lohja. Antoni Ros-Marbà. Jan Krenz. Entre 1991 y 1992 actuó en las más importantes salas de conciertos de Japón. para el sello Ondine) y el Concierto para violonchelo y orquesta de Joonas Kokkonen (Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia dirigida por Sakari Oramo. Las últimas grabaciones son de Sibelius (con la Orquesta Sinfónica de Lahti dirigida por Osmo Vänskä. grabado posteriormente por el sello Ondine. Marko Ylönen toca con frecuencia música contemporánea. como la Orquesta Sinfónica de la Radio de Finlandia. Asimismo imparte clases y conferencias en diversos cursos de verano por toda Finlandia. Desde entonces. conciertos tanto en Finlandia como en el extranjero. Owain Arwel Hughes y Frank Shipway. primero con Liisa von Zweygberg-Jalkanen y desde 1978 con Tapani Valsta. Toca por primera vez en el Liceo de Cámara. la Orquesta Filarmónica de Helsinki y la Orquesta Sinfónica de Lahti bajo la batuta de directores como Jukka-Pekka Saraste. para el sello Ondine). Marko Ylönen toca un violonchelo de Matteo Goffriller y actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Mily Balakirev y Maurice Ravel para el sello Warner Music/Finlandia Records. Es profesor de Música de Cámara en la Universidad de Música de Karlsruhe desde 1992. en el sello BIS). También ha tocado en la mayoría de países europeos y en China. Fue director artístico invitado del Festival de Música de Korsholm en 2008 y 2010. Osmo Vänskä. grabó un disco dedicado a Liszt y tocó junto a la Orquesta Kokkola el Concierto en La menor de Grieg. e incluye tanto música contemporánea como repertorio tradicional. Ese mismo año pasó a ser miembro de la familia de artistas de Steinway. En 2008 realizó giras como solista junto al violonchelista Marko Ylönen en Finlandia y Alemania. En 2009 actuó con los violonchelistas Janne Aalto y Marko Ylönen. Sakari Oramo.Como camerista. En 2003 participó en el Concierto del 150º aniversario de la firma Steinway celebrado en Helsinki. incluyendo conciertos en la Sala Casals de Tokio. Además de interpretar el principal repertorio clásico. BIS y Finlandia. En 1979. un puesto que ya había ostentado en 2003. piano Comenzó sus estudios en la Academia Sibelius en 1973. en Ferrara junto a la violinista Tianwa Yang y ofreció un concierto en la Sala Weill del Carnegie Hall de Nueva York. Corea e Israel. Consiguió su diploma de piano en 1981 con las máximas calificaciones. En 1994 debutó en Estados Unidos. Actuó en el Festival de Música de Korsholm y en el Festival de Música de Cámara de Kuhmo. ha ofrecido numerosos 104 105 . Entre 1981 y 1983 completó su formación con Vladimir Nilsen en el Conservatorio Estatal de San Petersburgo. actuando en la Sala Weill del Carnegie Hall de Nueva York. Entre estos últimos destaca su debut en París en 1987. ganó el prestigioso Concurso de Piano Maj Lind. además de asistir a los cursos de verano impartidos por György Sebök. Ha estrenado varias obras de compositores finlandeses. Ylönen ha actuado con un gran número de conjuntos internacionales y se ha presentado en diversos festivales. con quienes ha grabado obras de Rachmaninov y Chopin (Alba Records). Ha grabado obras para piano de Alexander Glazunov. La discografía de Marko Ylönen está publicada en su mayoría en los sellos Ondine. La Radio de Finlandia lo nombró Solista del Año en 1996. Okko Kamu. Juha Kangas. Petri Sakari. en abril tocó el Concierto nº 5 de Saint-Saëns con la Tapiola Sinfonietta y recientemente ha interpretado el Concierto nº 1 de Chopin con la Orquesta de la Ciudad de Vaasa.

el Carnegie Hall de Nueva York. de nuevo los Rückert-Lieder con la Orquesta Sinfónica de Chicago. Ha sido primera viola de la Orquesta de Cámara de Viena. Sus grabaciones más recientes se encuentran publicadas en el sello Onyx e incluyen Lieder de Schubert. que recibió un premio Echo en 2008. el Mozarteum de Salzburgo. entre otros. Ha tocado. el Teatro Campoamor de Oviedo y el Teatro Arriaga de Bilbao. Como solista ha actuado con la Orquesta Filarmónica de Mú- 106 107 . Ottavia en L’incoronazione di Poppea en la Ópera de Holanda. la Orquesta Nacional de Francia. que la dirigió en la Tercera Sinfonía de Mahler en la inauguración de la pasada edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada en el Palacio de Carlos V. sustituyendo tras su muerte a Thomas Kakuska. Andrew Davis. Cornelia en Giulio Cesare en el Teatro de la Monnaie de Bruselas y la Ópera de Holanda o el personaje protagonista de Tamerlano en la Royal Opera House. la Real Orquesta del Concertgebouw. la Pasión según san Mateo con la Sinfónica de Boston y Das Lied von der Erde de Mahler con la Orquesta Sinfónica de Londres. como el de Estrella Emergente Echo en 2005/2006. junto a Elisabeth Leonskaja. la Orquesta Nacional Danesa y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera. Ha cantado también con directores de la talla de Claudio Abbado.Christianne Stotijn. ha ofrecido recitales en muchas de las salas de concierto más importantes del mundo con los pianistas Joseph Breinl y Julius Drake. También fue elegida por la BBC dentro de su programa de New Generation Artists en 2007. mezzosoprano Nacida en la localidad holandesa de Delft. Desde 1994 se dedica principalmente a la música de cámara. Daniele Gatti. Charles Dutoit. de Frank Martin. el Kennedy Center de Washington y el Spivey Hall en Atlanta. Ivan Fischer. la Orquesta de París. Christian Zacharias. En su carrera operística destacan los papeles de Pauline en La dama de picas en la Ópera de París. el Théâtre des Champs-Élysées y el Théâtre du Châtelet en París. la Sinfónica de Londres. la Filarmónica de Róterdam. Apasionada intérprete de Lieder. Haitink la invitó a cantar la Segunda Sinfonía de Mahler en los Proms de la BBC. recibió su diploma como violinista en 2000. Jörg Widmann y Simon Rattle. Ha colaborado con directores de escena como Graham Vick. la Orquesta del Festival de Budapest. René Jacobs. Andris Nelsons o Zubin Mehta. El gran director de orquesta holandés Bernard Haitink ha tenido una influencia decisiva en su carrera. además de con el Cuarteto Belcea y el Cuarteto Ysaÿe. la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington. Covent Garden. Tabea Zimmermann. Alexander Lonquich. la Novena Sinfonía de Beethoven en el Festival de Lucerna. Heinrich Schiff. la Sinfónica de Dallas. Emilio Sagi. Su debut en la Philharmonie de Berlín fue con la interpretación de Das Buch der hängenden Gärten de Arnold Schoenberg con la pianista Mitsuko Uchida. Maurizio Pollini. el Palais des Beaux Arts de Bruselas. Vladimir Jurowski. A lo largo de su carrera ha obtenido varios premios importantes. A continuación estudió canto con Udo Reinemann en el Conservatorio de ámsterdam y perfeccionó su formación como cantante con Jard van Nes. viola Formó parte del Cuarteto Alban Berg desde 2005 hasta su disolución en 2008. Tras el éxito de sus interpretaciones de los Rückert-Lieder de Mahler con la Orquesta Nacional de Francia y la Real Orquesta del Concertgebouw. Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke. Ha cantado ya en repetidas ocasiones en el Wigmore Hall de Londres. Kurt Masur. la Orchestra of the Age of Enlightenment. Ha actuado en concierto con orquestas tan importantes como la Filarmónica de Berlín. y Lieder de Mahler y canciones de Tchaikowsky acompañada por Julius Drake (este último disco fue premiado por la BBC Music Magazine como mejor grabación vocal de 2010). Isabel Charisius. la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. Pierre Audi y Karl-Ernst y Ursel Hermann. Yannick Nézet-Séguin. con quienes mantiene una larga y fructífera colaboración. Berg y Wolf acompañada por Joseph Breinl. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Viena y la Orquesta Filarmónica de Múnich. Radovan Vlatković. las dos salas del Concertgebouw de ámsterdam. que ha sido su principal profesor y fuente de inspiración. Noelle Barker y Janet Baker. Gustavo Dudamel. Para el sello MDG ha grabado también una obra muy querida para ella. la Konzerthaus y la Musikverein de Viena. la beca de la Fundación Borletti-Buitoni en 2005 y el Premio de la Música Holandés en 2008. Marc Minkowski.

Sarah Walker y Florian Boesch. entró en la Royal Opera House como pianista repetidor y posteriormente completó su formación con Paul Hamburger. como “El joven Brahms”. Recientemente ha realizado también amplias giras por Japón con Mihoko Fujimura y por Norteamérica con Measha Brueggergosman y Kate Royal. Sus actividades como pedagogo le han llevado a impartir clases magistrales en ámsterdam. dirigida por James Levine. Joan Rodgers. desde Lieder alemanes y mélodies francesas hasta repertorio español y canciones de cabaret: Schumann y Brahms con Bernarda Fink en Harmonia Mundi. y en la pasada edición actuó junto al Cuarteto Arditti y Valentin Erben. la Ópera de Fráncfort. Anna Grevelius. piano Su inspiración para emprender una carrera como pianista acompañante fue la manera de tocar de Gerald Moore. Anne Schwanewilms. Ha diseñado varias series en el Queen Elizabeth Hall de Londres. Toca regularmente por todo el mundo en salas como el Wigmore Hall. De 1998 a 2002 fue director artístico del Festival de Invierno de Nagaoka en Japón. en la Dutch String Quartet Academy de ámsterdam y en el Royal Northern College of Music de Manchester. el Concertgebouw de ámsterdam. Su amplísima discografía incluye numerosas grabaciones que han recibido múltiples premios. Montreal y Toronto. Kiri Te Kanawa. Before Life and After de Britten con Mark Padmore en Harmonia Mundi recibió el Diapason d’Or y el Prix Caecilia en 2009. Kathleen Battle. Tras estudiar música en Cambridge. Actualmente es el director artístico de Sommer Lied Weinberg en la Alta Austria. el Musée d’Orsay y el Théâtre des Champs-Élysées de París. donde ha actuado en numerosas ocasiones en el Ciclo de Lied que organiza la Fundación Caja Madrid. el Carnegie Hall y la Frick Collection de Nueva York. y con Miah Persson en la Tonhalle de Zúrich. del Ciclo de Lied de Santiago de Compostela (donde ha tocado el pasado mes de septiembre junto a Mark Padmore. con quien interpretará Winterreise de Franz Schubert el próximo mes de junio en Cádiz. en la Universität der Künste de Berlín. el Wigmore Hall y la Konzerthaus de Viena. Christine Brewer. en el Festival de Schleswig-Holstein. ha impartido clases magistrales de viola y de música de cámara en la Britten-Pears School de Aldeburgh. la edición Strauss para Hyperion. Al igual que sus compañeros del Cuarteto Alban Berg. Es frecuentemente invitado para confeccionar y dirigir programas y festivales en torno a la canción. Toca el instrumento construido por Lorenzo Storioni en 1780 que tocó también en su día Thomas Kakuska. Imparte asimismo clases regularmente en la Universidad de Indiana. Bloomington. Bruselas. Mark Padmore. 108 109 . Florian Boesch y Renata Pokupic en el Wigmore Hall. Thomas Bauer y Sandrine Piau) y del Festival de Tetbury en Inglaterra. Tocó asimismo Roger Vignoles. Philip Smith. Lorraine Hunt Lieberson. la Konzerthaus y la Musikverein de Viena. Andrew Kennedy. la Philharmonie de Colonia. con Christine Brewer. Ha interpretado la mayor parte del repertorio para viola solista. Baltimore. Copenhague. en el Encuentro Música y Academia de Santander. Susan Graham. Bernarda Fink. y Schwanengesang de Schubert con Robert Holl en Hyperion. y como integrante de un octeto de grandes solistas internacionales liderado por la violinista Hanna Weinmeister. con Christine Brewer. A lo largo de su carrera ha colaborado con cantantes tan importantes como Elisabeth Söderström. Felicity Lott. John Mark Ainsley. pero en la actualidad centra su actividad pedagógica en la Musikhochschule de Lucerna.nich en el Festival de Lucerna y en la Philharmonie de Múnich. Thomas Hampson. La pasada temporada ofreció recitales con Measha Brueggergosman y Elizabeth Watts en el Concertgebouw de ámsterdam. Boston. Es catedrático de Acompañamiento en el Royal College of Music de Londres y es miembro honoris causa del Magdalene College de Cambridge. la Beethovenfest de Bonn y el Teatro de la Zarzuela de Madrid. así como en el Britten-Pears Young Artists’ Programme en Snape. Barbara Bonney. Christopher Maltman y Alastair Miles. Brigitte Fassbaender. Ha actuado como miembro del Cuarteto Alban Berg en las ediciones XIV a XVI del Liceo de Cámara. Thomas Allen. Nueva York. En la temporada 2009-2010 presentó una serie de recitales con Lieder de Strauss en el Wigmore Hall. Hubo de cancelar por enfermedad el recital que iba a ofrecer en la edición XVII junto al pianista español Javier Perianes. Estocolmo. el Teatro alla Scala de Milán. aún en curso. Christine Rice. “El paisaje hecho canción” (un homenaje a Schubert) y “Escenas de Schumann”. Además. Isabel Charisius es profesora de música de cámara en la Universidad de Colonia. Su reciente grabación de Winter Words y Holy sonnets of John Donne. la Schubertiade de Schwarzenberg.

Tras ganar en 1987. En aquellos años tuvo para él una importancia capital su relación con Sviatoslav Richter. la Filarmónica de Múnich. Roger Vignoles actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. en el que la escucha es tan importante como expresar tu propia personalidad. Sus últimas grabaciones para Harmonia Mundi contienen las Sonatas y partitas para violín solo de Bach (que obtuvo el Diapason d’Or). el Concierto para violín de Dvořák. En la presente temporada tendrá a su cargo su propia serie de recitales de canciones en el Wigmore Hall. la Orquesta de París. entre otros. no entendida de manera dogmática. Allí alcanzó fama internacional con su primera grabación (que contenía sonatas de Bartók. Isabelle Faust actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. las orquestas de la BBC y la Orquesta de Cámara Mahler. En la actualidad disfruta tocando el fortepiano y admira a Andreas Staier como colega. Toca y graba habitualmente (para el sello Harmonia Mundi) con el pianista Alexander Melnikov. Oxford Lieder y Cheltenham. que le enseñó cómo combinar fuerza y sutileza. el Concurso Leopold Mozart. Isabelle Faust. violín Empezó a estudiar música muy pronto y a los once años fundó ya un cuarteto de cuerda. Su grabación de la integral de las Sonatas de Beethoven recibió los premios Echo y Gramophone. así como de obras olvidadas. donde creció su amor por el repertorio francés. Isabelle Faust toca el Stradivarius de 1704 conocido como “La bella durmiente”. Ha estrenado obras de un gran número de compositores. los apartó de su repertorio durante varios años. se planteó emprender una carrera como solista. Es una ardiente defensora de la música de György Ligeti. Para Faust. Heinz Holliger. prestado por el L-Bank de Baden-Württemberg. Daniel Harding. alentada por Christoph Poppen (durante años primer violín del Cuarteto Cherubini). Otro elemento complementario en su desarrollo fue su contacto con la interpretación históricamente informada. la obra ha seguido siendo un puntal de su repertorio. Esta disposición a abrirse a diferentes leguajes musicales la ha convertido también en una intérprete muy demandada de música contemporánea. Charles Dutoit. A pesar de haberse formado en la escuela rusa y de haber admirado a los grandes románticos rusos. como el Concierto para violín de André Jolivet o el Concierto nº 2 de Martinů. lo que supuso su inmersión en la práctica interpretativa histórica. y fue nominada a un Grammy. entre ellos Olivier Messiaen. sino utilizada como un reto y un incentivo para reevaluar la sustancia de cada nota con objeto de comprender su propósito y su significado. Luigi Nono y Giacinto Scelsi. permitiéndole tocar un Concierto de Mozart de manera igualmente convincente con un grupo historicista como Concerto Köln y con una gran orquesta sinfónica moderna. Realiza habitualmente programas para la BBC y este mismo año presentó un recorrido discográfico por la ópera Tristan und Isolde de Wagner dentro de la serie Building a Library. Fue necesario un 110 111 . Alexander Melnikov. la Orquesta Sinfónica de Boston. En 1993 obtuvo el primer premio en el Concurso Paganini y posteriormente se trasladó a Francia. En 2003 realizó su primera grabación de una gran obra romántica con orquesta. piano Nacido en Moscú en 1973. Szymanowski y Janáček) y siguió ampliando su repertorio. En 2009 estrenó obras dedicadas a ella por los compositores Thomas Larcher y Michael Jarrell. que fue su profesor y que tuvo una influencia decisiva en ella en aquellos años. Ofreció recitales con John Mark Ainsley en la ópera de Fráncfort y el Wigmore Hall. Morton Feldman. con quince años. Mariss Jansons o Ji ř í Bělohlávek y con orquestas como la Filarmónica de Berlín. 36 de Brahms. y con Alek Shrader en el Spivey Hall de Atlanta. mostró su talento para la música desde muy temprana edad.en la Mozartfest de Bath y en los festivales de Tetbury. aunque nunca se calificaría a sí mismo de niño prodigio. Werner Egk y Jörg Widmann. En los últimos años ha colaborado habitualmente con directores como Claudio Abbado. la importancia del diálogo musical requiere establecer un lenguaje común entre los intérpretes. especialmente la música de Fauré y Debussy. En 2007 grabó el Concierto de Beethoven. tocando el Concierto nº 1 de Rachmaninov a los doce años. Sus primeras experiencias camerísticas la convencieron de que la interpretación es un proceso en el que se da y se recibe por igual. el Concierto para violín y el Sexteto de cuerda op. Tras haberlo tocado a los quince años bajo la dirección de Yehudi Menuhin.

en el Vredenburg de Utrecht. en 1988 el Concurso Bach en Leipzig y en 1991 el Concurso Internacional de Hannover. la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. el Suntory Hall de Tokio. el Wigmore Hall de Londres. El amplio espectro de su repertorio incluye los grandes Conciertos de Mozart. Alexander Melnikov actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. en la Festspielhaus de Baden-Baden y en la Cité de la Musique de París. la Real Orquesta del Concertgebouw. Silke Avenhaus. el Théâtre du Châtelet de Pa- 112 113 . tocando con orquestas como la Orquesta Nacional Rusa. con enorme éxito. Beethoven y Schumann. En 1987 ganó el Concurso Kreisler de Graz. donde tocaron el Cuarteto nº 2 de Britten. En 2006 realizó su primera gira por Japón y la pasada temporada hizo su presentación en el Festival Tivoli de Copenhague. tras lo cual realizó grabaciones muy admiradas de música de Rachmaninov y Scriabin para Harmonia Mundi. donde había completado su formación. la Filarmónica de Róterdam (dirigida por Valery Gergiev). el Real Conservatorio de Bruselas. la Alte Oper de Fráncfort. Antje Weithaas. En noviembre de 2010 grabó la integral de los Preludios y fugas op. entre otras. Hartmann y Schoeck. la Kunstfest Weimar. la Philharmonie de Colonia. Ha actuado en salas como la Concertgebouw de ámsterdam. así como los clásicos modernos de Shostakovich. además de volver a tocar en el Wigmore Hall y el Concertgebouw de ámsterdam. y en junio ofrecieron varios conciertos en el Festival de Aldeburgh. Su última grabación para el sello francés contiene obras de Ravel.encuentro con Mijail Pletnev para volver a recuperar el interés por esta música. En la pasada temporada realizaron una gira por Japón. el Concertgebouw de ámsterdam. la Filarmónica de Tokio. Además de su amor por la música y de la amistad existente entre sus miembros. Ligeti o Gubaidulina y obras infrecuentes como los Conciertos para violín de Korngold. Sharon Kam o Lars Vogt. rís. la Sinfónica de la NHK y la Filarmónica de la BBC. El debut del Cuarteto Arcanto tuvo lugar. En enero de 2012 volverán a Japón y. donde ofrecieron diversos conciertos en el Wigmore Hall. Pieter Wispelwey y Jean-Guihen Queyras. este último con la pianista Silke Avenhaus. Cuarteto Arcanto Tras muchos años de hacer música de cámara juntos en diferentes formaciones. el Festival de Música de Cámara de Risør que dirige Leif Ove Andsnes. Clemens Hagen. En octubre del pasado año el grupo ofreció sus primeros conciertos en Estados Unidos. Debussy y Dutilleux. En sus actuaciones en las siguientes temporadas. Tras enseñar en la Universität der Künste de Berlín. la Konzerthaus de Viena y Megaron en Atenas. 87 de Shostakovich. el Cuarteto hizo su presentación en la Beethoven-Haus de Bonn. sus componentes comparten el deseo de dedicarse al placer y a la exigencia que supone el trabajo cuartetístico. Antje Weithaas. Tabea Zimmermann y Jean-Guihen Queyras fundaron el Cuarteto Arcanto. incluyendo desde 2002 la de cuarteto de cuerda. Antje Weithaas empezó a dar clases en la Hochschule für Musik Hanns Eisler. 5 y 6 de Bartók y posteriormente apareció un segundo registro con el Cuarteto op. Su primera grabación para Harmonia Mundi contenía los Cuartetos núms. en Stuttgart en 2004. Ofreció un recital para dos violines junto a Christian Tetzlaff en la XV edición del Liceo de Cámara. la Orquesta de Filadelfia (dirigida por Charles Dutoit). En 2009 fue nombrada Directora Artística de la Camerata de Berna. harán su debut en el Prinzregentheater de Múnich. Su interés por la música de cámara le lleva a compatibilizar sus conciertos como solista con los recitales con músicos de la talla de Natalia Gutman. Su grabación de la integral de las Sonatas para violín y piano de Beethoven obtuvo en 2010 los premios Echo y Gramophone y fue nominada a un Grammy. donde hicieron su presentación en el Carnegie Hall de Nueva York. Antje Weithaas toca un violín del luthier alemán Peter Greiner. Yuri Bashmet. comenzó a tocar a los cuatro años y estudió posteriormente en la Hochschule für Musik Hanns Eisler en Berlín con Werner Scholz. el Festival de Ludwigsburg. un sello al que llegó gracias a su vinculación con la violinista Isabelle Faust. Daniel Sepec. incluido el de mejor grabación de ese año. Actualmente es una de las más cotizadas solistas y cameristas de su generación. 51 nº 1 y el Quinteto con piano de Brahms. la Tonhalle de Zúrich y la Philharmonie de Berlín. violín. Prokofiev. el Rheingau Musik Festival. Trabaja especialmente en el campo de la música de cámara con músicos como Christian y Tanja Tetzlaff. En abril de este año debutaron en la Fundación Gulbenkian de Lisboa y en el Palau de la Música de Barcelona. así como varias actuaciones como artistas residentes en Londres. Alexander Rudin. que ha recibido numerosos premios en varios países. formado por cuatro renombrados instrumentistas que hasta el momento habían sido más conocidos como solistas. la Alte Oper de Fráncfort y el Théâtre du Châtelet de París.

Stefan Wirth. Como cotizado músico de cámara y solista ha tocado en salas tan prestigiosas como el Concertgebouw de ámsterdam. Gilbert Amy. En 2004 ganó el primer premio del Concurso Internacional Johann Sebastian Bach en Leipzig. Viena y ámsterdam. Roger Norrington. Ha tocado música de cámara con Jean-Guihen Queyras. Magnus Lindberg y Helmut Lachenmann. Muhai Tang. con la Sonata “Arpeggione” de Schubert (ambos con el pianista Alexandre Tharaud). el Wigmore Hall de Londres. Hans Graf. estudió en Lyon. David Stern. Amy. la Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. ente otros. prestado por el Mécénat Musical Société Générale. un proyecto que ha tocado en salas como la Konzerthaus de Berlín. Leipzig y San Petersburgo. En la temporada 2011-2012 será artista residente del Ensemble Resonanz de Hamburgo. Ha tocado en salas como la Philharmonie de Berlín. Es también uno de los directores artísticos de los Rencontres Musicales de Haute-Provence que se celebran todos los años en Forcalquier. Günther Herbig. También toca con los especialistas de zarb Kevan y Bijan Chemirani. Kurtág y Kodály. En su repertorio figuran un gran número de piezas contemporáneas y ha ofrecido los estrenos mundiales de los Conciertos para violonchelo de Ivan Fedele. Bruno Mantovani y Phillipe Schoeller. Jean-Claude Casadesus. Alexandre Tharaud. Frans Brüggen. con los que tocará diversos programas en Hamburgo. En el ámbito de la música de cámara toca habitualmente con los pianistas Alexander Melnikov y Alexandre Tharaud y con la violinista Isabelle Faust. George Benjamin. el Palais des Beaux-Arts de Bruselas. Emmanuel Nunes. tras lo cual fue invitado a tocar en Fráncfort. Veress. Finghin Collins. el Suntory Hall de Tokio y el Carnegie Hall de Nueva York. la Tonhalle de Zúrich. Jean-Guihen Queyras. Su interés por la música contemporánea le ha llevado a colaborar con el Ensemble Contrechamps de Ginebra. París. En mayo de 2007 fue artista residente en el Concertgebouw de ámsterdam y el año siguiente hizo su presentación en los Proms de Londres y tocó la Sinfonía para violonchelo y orquesta de Britten en el Festival de Aldeburgh. Ivan Fischer. Ofreció un recital para violonchelo solo en el XIX Liceo de Cámara. la Sinfónica de Tokio. También ha encargado a seis compositores (Kurtág. la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. Colonia. lo que le ha permitido trabajar de cerca con los compositores Pierre Boulez. Juliette Hurel. que ha publicado también otros con obras para violonchelo solo de Britten. la Orquesta Hallé de Manchester. Ha sido violonchelo solista del Ensemble InterContemporain de París.Daniel Sepec. violonchelo Se formó con Jean Deplace en Lyon y Jean-Guihen Queyras en Stuttgart. Ji ř í Bělohlávek. Kari Kriikku. Gerd Albrecht. El Cuarteto Arcanto ha actuado en las ediciones XV a XIX del Liceo de Cámara. Philippe Herreweghe. Olivier Marron. con el que grabó el Concierto para violonchelo de György Ligeti para Deutsche Grammophon bajo la dirección de Pierre Boulez. 114 115 . Daniel Rowland o los Cuartetos Arcanto y Vogler. Desde noviembre de 2005 toca un violonchelo construido por Gioffredo Cappa en 1696. Leonard Slatkin. Emmanuel Pahud y Jean-Yves Thibaudet. el Wigmore Hall de Londres. John Neschling y András Ligeti. con conciertos para violonchelo del siglo xxi y el Concierto para violonchelo de Dvořák con la Philharmonia de Praga dirigida por Ji ř í Bĕlohlávek. Friburgo y en la Juilliard School de Nueva York. violonchelo. Heinz Holliger. de Debussy y Poulenc. En su discografía destaca la publicación en 2008 de las Suites para violonchelo solo de Bach para el sello Harmonia Mundi. Tabea Zimmermann. En el Concurso Domnick de Stuttgart recibió el Premio Especial por su interpretación de la música contemporánea. Nodaïra y Fedele) que escribieran un “eco” para cada una de las Suites de Bach. Ha sido profesor en la Musikhochschule de Trossingen y en la actualidad es catedrático en la Musikhochschule de Stuttgart. la Musikhalle de Hamburgo y la Cité de la Musique en París. Denis Russell Davies. el festival de Aldeburgh y la Bachfest de Leipig. violín Véase su biografía en la página 120. György Kurtág. Olivier Knussen. con Conciertos de Haydn y Monn con la Orquesta Barroca de Friburgo. Ed Gardner. la Filarmónica de Radio Francia y la Orquesta de París con directores como Heinz Holliger. Colabora también con músicos como Pierre-Laurent Aimard. entre otros. la Orquesta de la Suisse Romande. Marek Janowski. viola Véase su biografía en la página 98. Jean-Guihen Queyras ha actuado con orquestas del prestigio de la Sinfónica de la RAI de Turín. Mochizuki. Harvey. Olivier Vivarès. Lars Vogt. Beat Furrer. Antje Weithaas.

la Orquesta Yomiuri Nippon. Sus recitales le han llevado a tocar de forma habitual en el Wigmore Hall de Londres.Toca un instrumento construido por Jean-Baptiste Vuillaume en París en 1852 que le ha cedido generosamente el Fonds Instrumental Français. la Celebrity Series de Boston. Desde enero de 2009 hasta marzo de 2001 ha dado clases en la Staatliche Hochschule für Musik de Stuttgart como ayudante de Jean-Guihen Queyras. Ton Koopman. la Orquesta de Cámara Escocesa. la Sinfonía concertante de Prokofiev (con la Filarmónica de Róterdam y Vassily Sinaisky) y la Sinfonía para violonchelo y orquesta de Britten (con la Sinfónica de Flandes y Seikyo Kim). el Centro Nacional de Artes Interpretativas de Pekín. Jeffrey Tate. la Orquesta de la Gewandhaus de Leipzig. el Walt Disney Hall de Los ángeles y el Lincoln Center de Nueva York. el Teatro Colón de Buenos Aires. Philippe Herreweghe. la Filarmónica de Tokio. la Sala Megaron de Atenas. la Sinfónica de São Paulo. Kent Nagano. Entre sus recitales destacan los proyectos con el fortepianista Kristian Bezuidenhout (Konzerthaus de Viena. Entre sus futuros proyectos se encuentra la interpretación de conciertos dedicados a Rostropovich con orquestas sinfónicas australianas. incluyendo numerosas obras compuestas específicamente para él. Bozar en Bruselas. la Sinfónica de la BBC. la Sinfónica de la Radio Danesa. violonchelo Nacido en Haarlem (Holanda). Vassily Sinaisky. Luke’s en Londres. Paul. En 1992 se convirtió en el primer violonchelista en obtener el Premio de la Música Holandés. la Società del Quartetto de Milán. recitales a solo en el Museo del Louvre de París. Marc Minkowski. la Konzerthaus de Dortmund. Louis Langrée. colaborando con directores como Ivan Fischer. Esa-Pekka Salonen. recitales y música de cámara. la Sala Topan de Tokio. Actuó en el XVII Liceo de Cámara interpretando los dos Sextetos de cuerda de Brahms con el Cuarteto Arcanto de Sapporo. Libor Pešek o Roger Norrington. concedido al músico joven más prometedor del país. la Filarmónica de Lieja y una gira con la Orquesta Sinfónica de Flandes. la Utzon Room de Sydney. la Filarmónica de Londres. Vladimir Jurowski. con quien acaba de publicar también en el sello Onyx las Sonatas para violonchelo de Mendelssohn y una selección de Valses de Chopin arreglados para violonchelo y piano. en Seúl y en festivales en ámsterdam (Prinsengracht). reuniendo durante una semana a los mejores violonchelistas del mundo en una serie de conciertos. la Sinfónica de la NHK. Wigmore Hall de Londres. la Orquesta de Cámara St. con Paul Katz en Estados Unidos y con William Pleeth en Gran Bretaña. el Concertgebouw de ámsterdam. la Sinfónica de Sydney. la Sinfónica 116 117 . se formó con Dicky Boeke y Anner Bylsma en ámsterdam. todas ellas realizadas en directo. Sus grabaciones más recientes son el Concierto para violonchelo de William Walton (con la Sinfónica de Sydney y Jeffrey Tate). Herbert Blomstedt. También ha grabado piezas para violonchelo de Schubert (algunas de ellas en su propia transcripción para su instrumento) con instrumentos históricos junto a Paolo Giacometti. En la siguiente edición tocó las tres Suites para violonchelo solo de Britten. Pieter Wispelwey toca un violonchelo construido por Giovanni Battista Guadagnini en 1760. Concertgebouw de Brujas). Yannick Nézet-Séguin. Su amplísima discografía se encuentra recogida principalmente en los sellos Onyx y Channel Classics. el pianista Cédric Tiberghien (Wigmore Hall de Londres). la Orquesta Hallé. Neville Marriner. el Théâtre du Châtelet en París. Alemania y Norteamérica. como la Sinfónica de Boston. Polonia (Wratislavia Cantans) y giras por Italia. además de actuaciones con la Filarmónica de Japón. la Academy of Ancient Music. A lo largo de su carrera ha tocado con muchas de las mejores orquestas del mundo. Entre 2009 y 2011 fue el director artístico del Festival de Violonchelo de Beauvais (Fancia). la Sinfónica de Dallas. Actuó en el X Liceo de Cámara tocando la integral de las Suites para violonchelo de Bach. Pieter Wispelwey. el Wigmore Hall y St. Su versatilidad le permite tocar igualmente el violonchelo barroco y el violonchelo moderno en un repertorio que abarca de Johann Sebastian Bach a Elliott Carter. la Konzerthaus de Berlín. Paavo Berglund. la Orchestra of the Age of Enlightenment. la Orquesta del Festival de Budapest o la Camerata de Salzburgo.

piano Cédric Tiberghien estudió en el Conservatorio de París con Frédéric Aguessy y Gérard Frémy y recibió el Premier Prix en 1992. Beethoven (Variaciones). Sonatas de Britten. incluidos el Premio del Público y el Premio de la Orquesta. Ivan Fischer. Ji ř i Bělohlávek. más recientemente. la Orquesta del Festival de Budapest. tocando la Sinfonía Turangalîla de Messiaen con la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington dirigida por Christoph Eschenbach. la New Japan Philharmonic. la Sinfónica de Sydney. el Mozarteum de Salzburgo. Pierre Amoyal. Christoph Eschenbach. y los violinistas Amanda Favier (Sonatas de Janáček y Strauss en Lyrinx) y Vadim Tchijik (obras de Fauré y Ravel). la integral de los Conciertos de Beethoven con la Orchestre National d’Île de France y una gira con las orquestas más destacadas de Australia y Nueva Zelanda. las Baladas de Brahms y. Recientemente ha hecho su debut con orquesta en Estados Unidos. el Wigmore Hall. Milán) y obtuvo el primer premio en el prestigioso Concurso Long-Thibaud en París en 1998. así como en Bozar y el Théâtre de la Monnaie de Bruselas. la Sinfónica de Tokio. En recital tiene previsto aparecer las siguientes tres temporadas en el Wigmore Hall de Londres. 39 de Brahms. Colabora también en música de cámara con artistas como Sophie Karthäuser. Nicholas Angelich. lo que le ha granjeado de inmediato una invitación para tocar en la presente temporada dos conciertos con la Sinfónica de Boston en Boston y en el Carnegie Hall de Nueva York. 76 y los Valses op. Tel Aviv. Marie Hallynck. Leif Segerstam. en el Wigmore Hall de Londres. Ginebra. el Concertgebouw de ámsterdam. la Filarmónica de Hamburgo. Bach (Partitas). Louis Langrée. la Orquesta Hallé. el Cuarteto Ysaÿe. Su discografía a solo. Cédric Tiberghien tocó dos conciertos con Sonatas para violín y piano de Beethoven junto a Alina Ibragimova en el XVIII Liceo de Cámara. publicada a comienzos de 2009 por el sello Hyperion. Ha ofrecido recitales por todo el mundo en las salas más importantes. Alain Planès. Antes hicieron su debut discográfico con la grabación de las obras completas para violín y piano de Szymanowski. un disco con diez Danzas Húngaras. el Queen Elizabeth Hall y el Barbican Centre en Londres. Alina Ibragimova. la Gelders Orkest. En 2011 ha sido el pianista invitado del Musikkollegium Winterthur para un proyecto Bach en el que interpretó el Libro II completo del Clave bien temperado. incluye un disco concertante (el Concierto nº 1 de Brahms con la Sinfónica de la BBC y Ji ř i B ělohlávek) y cinco discos de recitales: Debussy. publicado en 2010. publicada por Harmonia Mundi. Chopin. la Philharmonie y la Konzerthaus de Berlín y en diversos festivales de verano por toda Europa. Con más de sesenta conciertos para piano y orquesta en su repertorio. En 2011 se ha publicado su grabación de las Variaciones sinfónicas y Les Djinns de César Franck para el sello Cyprès. además de otros cinco galardones especiales. La integral se ha publicado también en disco con gran éxito en el sello Wigmore Live. en el Jersey Arts Centre y durante una residencia en el Festival de Aldeburgh. Stuttgart Staatsorchester. así como un disco con las Mazurcas de Chopin. la Ópera de Sydney y las salas Bunka Kaikan y Asahi de Tokio. Dublín. Cédric Tiberghien es también un apasionado camerista: en la temporada 2009-2010 interpretó el ciclo completo de las Sonatas para violín y piano de Beethoven con su compañera de dúo. Ha colaborado con directores como Simone Young. Cédric Tiberghien ha aparecido con un gran número de orquestas internacionales. la Filarmónica de Tokio. Ha realizado también grabaciones con las violonchelistas Marie Hallynck (Sonatas de Schumann y Grieg en Harmonia Mundi. También va a tocar próximamente con la Sinfónica de Seattle. Esto impulsó su carrera internacional. el Quinteto Moraguès. la Orquesta Sinfónica de la NHK. Myung-Whun Chung. la Sala Bechstein en Berlín. la Sinfónica Nacional de Irlanda. que acaba de lanzar al mercado su integral de las obras para violín y piano de Ravel junto con la Sonata de Guillaume Lekeu. 118 119 . con sólo diecisiete años. Bacri y Debussy en Fuga Libera) y Valérie Aimard (repertorio francés en Lyrinx). con siete giras por Japón y apariciones en toda Europa. la Orchestre de la Suisse Romande. entre muchos otros. Antoine Tamestit. como el Kennedy Centre en Washington. la Orquesta de París y la Orquesta Nacional de Francia. con más de un centenar y medio de compromisos en todo el mundo. las Klavierstücke op. Yutaka Sado y Jerzy Semkow. el Cuarteto Psophos.Cédric Tiberghien. la Salle Pleyel y el Théâtre des Champs Élysées en París. Kurt Masur. Marie Devellereau y Gweneth-Ann Jeffers. Bertrand Chamayou. la Sinfónica de São Paulo. Luego resultó vencedor en diversos concursos internacionales (Bremen. y en Francia la Filarmónica de Radio Francia. además de dos de los Conciertos para teclado de Bach. Valérie Aimard. incluidas la Sinfónica de la BBC. el Royal Albert Hall.

Christine Busch. Patrick Sepec. Su última grabación con Andreas Staier para Harmonia Mundi contiene las dos Sonatas de Robert Schumann y la Chacona de Bach con el acompañamiento pianístico añadido por Schumann. violonchelo barroco Nacido en 1969 en Fráncfort. Christine Busch toca por primera vez en el Liceo de Cámara. violín barroco Estudió con Dieter Vorholz en Fráncfort. Posteriormente las ha llevado al disco para el sello Coviello Classics con Hille Perl (viola da gamba). Ese mismo año formó un trío con el flautista Eugen Bertel y el guitarrista Alexander Swete. En 2004 fundó. Atraído por la riqueza de expresividades de la música barroca. Thomas Hengelbrock y Kay Johanssen y ha sido invitada como directora por la Camerata de Berna y la Kammerakademie Potsdam. bajo la dirección de Thomas Hengelbrock. se crió en Mössingen/Tubinga y estudió con Wolfgang Marschner y Rainer Kussmaul en Friburgo. cuyo repertorio se sitúa entre Haydn y Mendelssohn. Como músico de cámara participa regularmente desde 1995 en la Schubertiade de Hohenems. Lee Santana (laúd) y Michael Behringer (órgano). Daniel Sepec ha tocado como miembro del Cuarteto Arcanto en las ediciones XV a XIX del Liceo de Cámara. A finales de 2003 apareció en el sello Carus su grabación de las Sonatas para violín y clave de Bach (con Kay Johannsen). Claudia Hofert y Gesine Queyras el Cuarteto Salagon. estudió de 1990 a 1997 con Thomas Demenga y Reinhard Latzko en la Musikhochschule de Basilea. Thomas Hengelbrock. así como con Gerhard Schulz en Viena. Ha tocado las Sonatas del Rosario de Biber con violín barroco en la Konzerthaus de Viena y en la Semana de Música Antigua de Innsbruck. Posteriormente asistió a las clases de violonchelo barroco de Christophe Coin en la Schola Cantorum Basiliensis y desde entonces se ha concentrado en la interpretación con instrumentos históricos. A partir de 1997 dio clases en la Hochschule der Künste de Berlín y tres años después fue nombrada profesora de la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst en Stuttgart. con la Wiener Akademie y Martin Haselböck y con la Orchestre des Champs-Élysées dirigida por Philippe Herreweghe. violín barroco Nacida en Stuttgart. Poco después publicó su primera grabación con el Cuarteto Salagon. Ha realizado grabaciones para los sellos Harmonia Mundi. Como solista ha tocado con la Academy of Ancient Music dirigida por Christopher Hogwood. que incluía obras de Joseph Martin Krause. entre ellos uno con obras de Beethoven en el que utilizaba el violín que había pertenecido al compositor alemán y que se encuentra en la Beethoven-Haus de Bonn. la Orquesta de Cámara de Europa y la Orquesta Barroca de Friburgo. en los últimos años. compatibilizando siempre la interpretación del violín barroco y del violín moderno. un conjunto de instrumentos originales. un cuarteto con instrumentos históricos. con Boris Kuschmir en Viena y con Nora Chastain en Winterthur. Como concertino invitado ha actuado con la Orquesta de Cámara de Europa. También ofrece conciertos y ha grabado diversos discos con Andreas Staier. Actúa como concertino regularmente en el Ensemble Balthasar-Neumann. Con el Ensemble Explorations ha grabado para Harmonia Mundi Quintetos de cuerda de Boccherini y obras de cámara de Dvořák con instrumentos de época. Frans Brüggen y Trevor Pinnock. la Camerata del siglo xviii. y asistió a clases magistrales con Sándor Végh y el Cuarteto Alban Berg. Con él ha publicado un disco con obras de Beethoven y Hummel. actuando también de manera regular como solista con directores como Daniel Harding. Salzburger Hofmusik y. junto con Kathrin Tröger. Ha tocado regularmente con el Concentus Musicus de Viena. la Camerata de Berna y la Camerata Académica de Salzburgo. En 2003 formó un trío con piano con el violonchelista Jean-Guihen Queyras y el fortepianista Andreas Staier para tocar el repertorio clásico vienés. Forma parte habitualmente de grupos como la Orquesta Barroca de Friburgo. Desde septiembre de 2010 da clases de violín en la Hochschule für Musik de Basilea. En la XVII edición tocó en solitario la Passagalia de Biber con violín barroco. Daniel Sepec ha mostrado un interés creciente por el violín barroco. la Akademie für Alte 120 121 . MDG y CPO con grupos como la Akademie für Alte Musik de Berlín. Ha sido también concertino en agrupaciones dirigidas por Philippe Herreweghe. Desde 1993 ha sido concertino de la Deutsche Kammerphilharmonie de Bremen. principalmente con el Ensemble Explorations que dirige el violonchelista belga Roel Dieltiens.Daniel Sepec.

Georg Christoph Biller. estudió con Konrad Hünteler en la Musikhochschule de Detmold y su formación se enriqueció con los consejos de Frans Brüggen. Más tarde completó su formación con Gustav Leonhardt. Desde 1985 se concentra en su labor como clavecinista y fortepianista. Entre 1988 y 1992 fue profesora de clave y bajo continuo en la Hochschule für Musik und Theater de Leipzig. Salzburgo. trabajó como pianista repetidora en el Hans-Otto-Theater de Potsdam y durante ese tiempo estudió clave y bajo continuo con Walter Heinz Bernstein en Leipzig. dirigido por Ilia Korol y Julia Moretti. Hermann Max y Christoph Poppen. Karlsruhe. Patrick Sepec toca por primera vez en el Liceo de Cámara. Desde octubre de 2002 es catedrática de clave en la Hochschule für Musik und Theater de Múnich. y su 122 123 . colaborando con directores como René Jacobs. de la Orquesta del Siglo xviii (que dirige Frans Brüggen) y de Neuen Düsseldorfer Hofmusik. Hellmuth Rilling. Christine Schornsheim. Cuarteto de Tokio El Cuarteto de Tokio ha cautivado a público y crítica desde su fundación hace más de cuarenta años.Musik de Berlín. Nikolaus Harnoncourt. Además de impartir cursos de flauta travesera histórica y música de cámara (en ciudades como Basilea. lo que le ha llevado a colaborar con directores como Georg Solti. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Covent Garden. especializado en el repertorio contemporáneo. clave y órgano Tras completar sus estudios de piano en la Hochschule für Musik de Berlín. André Jaunet y Robert Aitken. Como solista ha actuado también por toda Europa y en Israel. Christine Schornsheim actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. En 2005 apareció su grabación de las obras completas para teclado de Haydn en cinco instrumentos históricos. Wilhelm Friedemann y Johann Christian Bach. Christoph Huntgeburth. Es flauta solista del Balthasar-Neumann Ensemble (que dirige Thomas Hengelbrock). que recibió el Diapason d’Or. Es además miembro del grupo Les cornets noirs. Hizo su presentación como fortepianista en 1994 acompañando al tenor Peter Schreier y colabora especialmente con Andreas Staier (en la interpretación de conciertos para dos claves). Ton Koopman y Johann Sonnleitner. el grupo ha colaborado con numerosos artistas y compositores. Markus Creed. realiza talleres de interpretación histórica de instrumentos de viento para orquesta moderna como la Philharmonische Staatsorchester de Halle. También es invitado frecuentemente por Alice y Nikolaus Harnoncourt para participar en numerosos proyectos con el Concentus Musicus de Viena. También ha colaborado con Ivor Bolton interpretando la parte de continuo en la Ópera Estatal de Baviera y en la Royal Opera House. Jos van Immerseel. Conciertos para clave de Carl Philipp Emanuel. Philippe Herreweghe. Como instrumentista moderno formó parte entre 2011 y 2008 del Ensemble Resonanz. flauta travesera barroca Nacido en Beckum. entre las que destacan las Variaciones Goldberg y obras poco frecuentes para teclado de Johann Sebastian Bach. Da clases también regularmente en la Folkwang Hochschule de Essen. Más tarde dio clases también de fortepiano y fue responsable de la creación del departamento de Música Antigua. Desde 2009 toca como primer violonchelo con el conjunto austriaco moderntimes_1800. Peter Schreier. Ulla Bundies y Mary Utiger. Varsovia. la Hochschule für Musik und Theater de Múnich y en la Academia de Música Feliks Nowowiejski Bydgoszcz de Bromberg (Polonia). Claudio Abbado. con el que ha grabado para el sello Challenge Classics Conciertos para cuerda de Johann Gottlieb Graun. Desde 2003 es miembro del grupo Münchener Cammer-Music. Considerado como uno de los más prestigiosos conjuntos de cámara del mundo. la Konzerthausorchester de Berlín y la Filarmónica de Stuttgart. Düsseldorf y Neuburg). La Stagione o Al Ayre Español. Michael Schmidt-Casdorff. Gilbert Varga. Ha realizado numerosas grabaciones discográficas. especializado en la interpretación de la música italiana y alemana del siglo xvii. Japón y Estados Unidos. Conciertos para fortepiano de Mozart y obras para flauta de Beethoven con el flautista Christoph Huntgeburth. Seiji Ozawa. Anima Eterna. el Preis der Deutschen Schallplattenkritik y el Premio Echo. Leopold Hager. Eduardo López Banzo y Marcus Creed.

“Primera Luz”. Jennifer Higdon y Peter Sculthorpe. como Deutsche Grammophon. el Cuarteto de Tokio ha actuado sistemáticamente en el Liceo de Cámara y ha sido en varias ocasiones Cuarteto Residente del ciclo. Han realizado más de treinta grabaciones para diferentes casas discográficas. Desde entonces ha permanecido vinculado a dicha fundación. el Cuarteto Ebène ha crecido hasta convertirse en uno de los cuartetos más destacados del panorama internacional. La pasada temporada tocaron quintetos colaborando con músicos como David Watkin. Su disco con el Quinteto con clarinete de Brahms con Joan Enric Lluna (Harmonia Mundi) ha recibido unas excelentes críticas. Leon Fleisher. En los últimos años han completado una integral de los Cuartetos de Beethoven para esta casa discográfica francesa. En las ediciones XVI y XVII interpretó las opp. El estreno de la obra de Higdon fue presentado por la Asociación de Amigos de la Música de Cámara de Arizona en marzo de 2006.discografía ha merecido las críticas más entusiastas. BMG/RCA. se formó en París con el Cuarteto Ysaÿe y junto a maestros como Gábor Takács. la misma obra que tocaron en el XVI Liceo de Cámara. el Concertgebouw de ámsterdam. Mejor Grabación de Música de Cámara del Año por parte de las revistas Stereo Review y Gramophone y han recibido siete nominaciones al Grammy. Muy comprometidos con la enseñanza a jóvenes cuartetos de cuerda. que generosamente les ha proporcionado instrumentos antiguos italianos. El grupo se dio a conocer en el prestigioso Concurso Internacional de la ARD en Múnich en su edición de 2004 al recibir cinco galardones especiales. Roberto Díaz y Michael Tree. sino también en ciudades que van de Australia a Estonia y de Escandinavia al Lejano Oriente. En 2009. Jeremy Denk y Emanuel Ax. grabado en directo. Suele ofrecer más de cien conciertos al año por todo el mundo. Cuarteto Ebène Fundado en 1999. Durante la temporada 2007-2008 el grupo actuó en toda Europa. así llamados por haber sido adquiridos y utilizados por el virtuoso Niccolò Paganini durante el siglo xix. y en su gira por nuestro país el Cuarteto ofreció en la primavera de 2006 el estreno mundial del Cuarteto nº 2. Desde la III edición. EMI. El Cuarteto de Tokio es reconocido a nivel mundial por su amplio repertorio. que patrocinó su primer disco. que contiene obras de Joseph Haydn y que fue muy alabado por la crítica. le dedican gran parte de su tiempo durante el curso académico. Muchas de estas grabaciones han sido galardonadas con el Grand Prix du Disque de Montreux. En ese mismo año comenzó su cola- 124 125 . Asia y Estados Unidos. En 2005 obtuvo el Premio Belmont de la Fundación Forberg-Schneider. Recientemente fueron seleccionados para tomar parte en el prestigioso esquema “New Generation Artists” de la BBC y han sido apoyados por la Fundación Borletti-Buitoni. además de mantener su compromiso con la enseñanza. así como al prestigioso Festival de Música de Cámara de Norfolk en el verano. prestados al grupo por sus propietarios privados. no solamente en las grandes capitales. el Cuarteto Ebène participó en el ciclo dedicado a Haydn en el Wigmore Hall de Londres. junto a los Cuartetos Hagen. 50 y 76 completas de Joseph Haydn. El Cuarteto de Tokio utiliza el grupo de famosos instrumentos Stradivarius conocidos como el “Cuarteto Paganini”. En 2010 ofreció dos conciertos que se enmarcaron dentro de una amplia gira mundial con motivo de la celebración del 40º aniversario de su fundación. Europa y Asia. Emerson y Arcanto. CBS y Vox Cum Laude. la Philharmonie de Berlín y el Carnegie Hall de Nueva York. Sabine Meyer (con la que tocaron en el Liceo de Cámara). así como un segundo dedicado a Béla Bartók. tocando en algunos de los auditorios más prestigiosos. que abarca tanto obras clásicas como contemporáneas. como la Musikverein de Viena. de Lera Auerbach. además de tocar Quintetos de Mozart en varios países con los violistas Naoko Shimizu. También imparten regularmente clases magistrales en Norteamérica. En la temporada 2005-2006 estrenó tres nuevos encargos de los compositores Lera Auerbach. El estreno mundial del Cuarteto de este último tuvo lugar en Melbourne y posteriormente en otras ciudades australianas. Desde su condición de joven promesa. En abril de 2010 estrenaron en el Liceo de Cámara el Cuarteto Breve del compositor Alberto Iglesias en uno de los dos conciertos ofrecidos con motivo del cuadragésimo aniversario de la creación del grupo. El sello Biddulph ha publicado los Cuartetos “Prusianos” de Mozart. Desde 1976 los miembros del Cuarteto de Tokio han colaborado con la Escuela de Música de Yale. Estos instrumentos constituyen un préstamo de la Fundación Nipona de Música desde 1995. Eberhard Feltz y György Kurtág.

Isabelle Faust. Un recital con obras de Schubert y Tríos de cuerda con Frank Peter Zimmermann y Christian Poltera constituyen sus últimos registros discográficos. Haydn y Debussy para. la Cité de la Musique de París. En sus conciertos es habitual que interpreten primero. el Lincoln Center de Nueva York o las Follées Journées en Francia y Japón. No es fácil encontrar otro cuarteto que se mueva con tanta facilidad y entusiasmo entre los distintos estilos. Su primer disco con obras de Ravel. en la Universidad de Yale con Jesse Levine y el Cuarteto de Tokio. el jazz. Renaud y Gautier Capuçon. en el que también recibió el Premio del Público y dos premios especiales. Su repertorio abarca del Barroco a la música contemporánea. En su última incursión discográfica han retomado el repertorio clásico con los Cuartetos K. Emmanuel Pahud. la Orquesta Sinfónica de la Radio Bávara. Destacado camerista. Duante la temporada 2009-2010 fue artista residente en la Konzerthaus de Berlín. aunque raramente presenta programas que combinen en un mismo concierto la música clásica y el jazz. Debussy y Fauré obtuvo dos premios Gramophone en 2009 dentro de las categorías de “Mejor Grabación del Año” y “Mejor Grabación de Música de Cámara”. 2003) y en el Concurso Internacional de la ARD (Múnich. el “ffff” de Télérama y el “Choc” de Le Monde de la Musique. Es uno de los ganadores del premio de la Fundación Borletti-Buitoni en 2006. la Festspielhaus en Baden-Baden. con la participación de estrellas invitadas como Fanny Ardant. donde abordan también la interpretación de música pop y de una de las grandes especialidades del grupo. la Orquesta de Lieja y la Orquesta de la WDR de Colonia estrenó también un Concierto para dos violas escrito por Bruno Mantovani para Tabea Zimmermann y para él mismo. Megaron en Atenas. 138 de Mozart. Julian Rachlin. tras la pausa. con obras de Bach y Ligeti. 421 y 465 y el Divertimento K. Janine Jansen. Sus proyectos más inmediatos son Harold en Italia de Berlioz con Antoine Tamestit. Colabora habitualmente en recital con el pianista alemán Markus Hadulla. Viola de George Benjamin junto a Tabea Zimmermann. 126 127 . Ha obtenido el primer premio en el Concurso Maurice Vieux (París. la Filarmónica de la BBC. Tocó por primera vez en el concierto inaugural del XIX Liceo de Cámara. que recibió un premio Echo. Con la Orquesta Filarmónica de Radio France. Paul Meyer. el Carnegie Hall de Nueva York. La compositora Olga Neuwirth escribió para él un Concierto estrenado en Berlín. 2004). Como solista. el Palais des Beaux-Arts en Bruselas. toca habitualmente con músicos como Gidon Kremer. Mischa Maisky. Posteriormente ha grabado la Sinfonía concertante de Mozart con Renaud Capuçon y la Orquesta de Cámara Escocesa dirigida por Louis Langrée para el sello Virgin Classics. la Konserthuset en Estocolmo. A estos premios se suman el Premio Echo de la prensa alemana. en las Audiciones Internacionales de YCA (Nueva York. la Orquesta Nacional de Lyon. Jean-Guihen Queyras. la Musikverein de Viena. Posteriormente grabaron un disco con obras de Brahms junto a la pianista Akiko Yamamoto y el año pasado de publicó su disco Fiction. Alois Posch y Martin Helmchen (Pentaton). En el Festival de Feldkirch en 2002 estrenó Viola. 2001). ofrecer su propio arreglo de la banda sonora de la película Pulp Fiction. ha tocado con las Orquestas de Cámara de Múnich y Viena. la Orquesta de la Gewandhaus. En la presente temporada tiene previsto tocar con la Orquesta de París. viola Nacido en 1979. además de recibir el Förderpreis Deutschlandfunk en 2008 y. la Filarmónica de Varsovia y la Sinfónica de Berlín. estudió con Jean Sulem en el Conservatorio de París. Marie-Elisabeth Hecker. Graz y Viena. Nicholas Angelich o Natalia Gutman. el Wigmore Hall de Londres. por ejemplo. el Premio Joven Artista de Crédit Suisse. una improvisación sobre Spain de Chick Corea y regalar una propina en la que el grupo desvela los talentos vocales de un grupo a cappella. en ese mismo año. En 2007 fue nombrado “Révélation Instrumentale de l’Année” de Victoires de la Musique. Boris Pergamenschikov. la Orquesta Filarmónica de Radio Francia. la Filarmónica de Viena (con la que debutó en 2008 en el Festival de Lucerna bajo la dirección de Riccardo Muti). la Nueva Filarmónica de Japón y la Orquesta Filarmónica de Radio France y Myung-Whun Chung en una gira por Alemania. 2000). entre otras. y con Tabea Zimmermann en Berlín. con quien posteriormente grabaría la obra para el sello Nimbus. con quien ha tocado en el Concertgebouw de ámsterdam.boración con el sello Virgin Classics. El sello Ambroisie ha publicado su primera grabación a solo. Stacey Kent y Natalie Dessay. También toca en trío con Frank Peter Zimmermann y Christian Poltera. Luz Casal. el Concurso William Primrose (Chicago. el Concierto para viola de Schnittke con la Filarmónica de Varsovia y Dmitri Kitaienko (Ambroisie) y el Quinteto “La trucha” de Schubert con Christian Tetzlaff.

Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. el Festival de las Artes de Hong Kong. la Konserthuset de Estocolmo. Bath y Cheltenham. fue uno de los últimos alumnos de Boris Pergamenschikow en Berlín. el Palais des Beaux Arts de Bruselas. Posteriormente ha recibido una fuerte influencia de músicos como Mstislav Rostropovich. el Concertgebouw de ámsterdam. además de frecuentar los festivales de Luberon. Alina Ibragimova. la Tapiola Sinfonietta y la Orquesta Juvenil Simón Bolívar. como la Konzerthaus y la Musikverein de Viena. la Philharmonie Austrohúngara Haydn y Adam Fischer. Steven Isserlis y Anner Bylsma. Miklós Perényi. Son asimismo habituales en todos los grandes festivales del Reino Unido: Edimburgo. Carolin Widmann. violonchelo Nacido en 1982 en el seno de una familia de ascendencia francesa y alemana. las Orquestas Sinfónicas de Melbourne y Adelaida. la Tonhalle de Zúrich. Mecklenburg y la Schubertiade de Schwarzenberg. el Mozarteum de Salzburgo y la Konzerthaus de Viena.Marc Minkowski y los Tríos de cuerda de Beethoven. la Sala Verdi de Milán. Su última grabación contiene obras camerísticas de Robert Schumann y Wilhelm Killmayer. la Tonhalle de Zúrich. Tabea Zimmermann. la Fundación Gulbenkian de Lisboa. así como con la Sinfónica de Bamberg. Alexander Lonquich. la Philharmonie de Colonia. Su primer disco lo publicó el sello Genuin en 2007. Kronberg o la Beethovenfest de Bonn. Da clases en la Musikhochschule de Colonia y toca un instrumento excepcional construido por Antonio Stradivarius en 1672. En las últimas temporadas ha tocado con la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich y Neville Marriner. Patricia Kopatchinskaja. Franghiz Ali-Sade. en 2009 obtuvo una beca de la Fundación Borletti Buitoni y el año siguiente recibió el prestigioso premio Crédit Suisse Young Artist Award. Después de salir triunfador en diversos concursos internacionales. Perth. que le permitió hacer su debut con la Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por Gustavo Dudamel en el Festival de Lucerna. Trondheim. Kirill Gerstein. el Cuarteto Ebène. la Orquesta de Cámara de Stuttgart y Dennis Russell Davies. el Carnegie Hall de Nueva York. Heinrich Schiff. el Théâtre du Châtelet de París. Pekka Kuusisto. Nicolas Altstaedt. prestado por la Deutsche Stiftung Musikleben. Toca un instrumento construido por Nicolas Lupot en París en 1821. Salzburgo. Tchaikovsky y Friedrich Gulda. Salzburgo. donde prosiguió sus estudios con Eberhard Feltz. Actuó en el XVII Liceo de Cámara tocando los Quintetos y Sextetos de cuerda de Brahms junto con el Cuarteto Arcanto y en el XIX Liceo de Cámara con un recital para viola sola. la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart y Roger Norrington. la Philharmonie de Berlín. Rheingau. Moritz Eggert. Daniel Hope. de nuevo con Zimmermann y Poltera. Jörg Widmann. la Orquesta Sinfónica de la Radio Danesa. el Ensemble Scharoun de la Filarmónica de Berlín o la intérprete de bajan Elsbeth Moser. También es invitado regularmente a festivales internacionales como los de Lockenhaus. y fueron Cuarteto Residente en el Wigmore Hall entre 2001 y 2006. Lera Auerbach. prestado por la Fundación Habisreutinger. Posteriormente grabó para el sello Claves obras concertantes de Schumann. Aldeburgh. el Carnegie Hall y el Alice Tully Hall de Nueva York y el Teatro Herbst de San Francisco. Lausanne. entre otras. En 2010 fue elegido como uno de los integrantes del programa New Generation Artists de la BBC. Cuarteto Belcea Fundado en el Royal College of Music en 1994. Siente una especial afinidad hacia la música contemporánea y ha trabajado con compositores como Gyorgy Kurtág. el Théâtre du Châtelet de París. y los Conciertos de Haydn con la Potsdamer Kammerakademie dirigida por Michael Sanderling (de nuevo para Genuin). ha tocado en las salas de concierto más importantes del mundo. la Sala Hércules de Múnich. la Konzerthaus de Berlín. Sus conciertos le han llevado a tocar en escenarios tan prestigiosos como el Centro de las Artes de Seúl. Ludwigsburg. Sofia Gubaidulina. HK Gruber y Wilhelm Killmayer. Schleswig-Holstein. Barnabás Kelemen. En el ámbito de la música de cámara toca habitualmente con Gidon Kremer. la Orquesta de Cámara de Zúrich. Yuri Bashmet. el Musikkollegium Winterthur y Mario Venzago. Estambul. Jerusalén. 128 129 .

Yovan Markovitch. Es Cuarteto Residente en la Guildhall School de Londres y desde la pasada temporada es también conjunto residente en la Konzerthaus de Viena. Mozart y las integrales cuartetísticas de Bartók y Britten. la Schubertiade de Hohenems. el Palau de la Música de Barcelona. en el Wigmore Hall. Alemania. Isabelle van Keulen. Junto con la pianista Mihaela Ursuleasa. Piotr Anderszewski y Valentin Erben. Gran Bretaña. donde volvieron a actuar el pasado verano con Valentin Erben interpretando el Quinteto en Do mayor de Schubert. Fauré. el Concertgebouw de ámsterdam y la Konzerthaus de Viena. También han mantenido una estrecha relación con Milan Škampa (Cuarteto Smetana) en Praga y Walter Levin (Cuarteto LaSalle) en Basilea. Schubert. Il tramonto de Respighi con Angelika Kirchschlager en el Wigmore Hall de Londres. estrenarán el Quinteto con piano de Thomas Larcher en el Wigmore Hall. Ha realizado también giras por Estados Unidos. fue cuarteto residente en los Glasgow Royal Concert Halls y volvió a colaborar asiduamente con la BBC. contiene el Cuarteto nº 2 de Haas y el Cuarteto nº 2. tocó en el Festival Dvořák de Praga. en el Wigmore Hall. la Cité de la Musique de París. el Mozarteum de Salzburgo. el Cuarteto Borodin y el Cuarteto Amadeus. además de realizar giras por Alemania. Obtuvo el Premio Gramophone por el mejor debut discográfico en 2001. Austria. En la presente temporada se han embarcado en la interpretación de los cuartetos de cuerda completos de Beethoven. en la Schubertiade de Schwarzenberg. En la temporada 2006-2007 ofrecieron ya numerosos conciertos por toda Europa en lugares como el Museo del Louvre en París. que le ofreció una gira por Europa en la temporada 2007-2008 en salas como la Konzerthaus de Viena. el Cuarteto Pavel Haas participó en el programa New Generation Artists de la BBC. contenía el Cuarteto nº 1 de Janáček y los Cuartetos núms. Su última grabación recoge obras de Schubert. el Cuarteto Mo- 130 131 . el Wigmore Hall de Londres y el Concertgebouw de ámsterdam. asimismo. Italia y Gran Bretaña. CD de la Semana por BBC Radio 3 y Mejor Disco de Música de Cámara por la BBC Music Magazine. la Festspielhaus de BadenBaden. También han interpretado La bonne chanson de Fauré con Anne Sofie von Otter en la Cité de la Musique de París. llevaron a cabo su propio proyecto “Beethoven y Schubert: Últimos Años” con conciertos en Aldeburgh. Entre septiembre de 2007 y septiembre de 2009. Además. En 2006 el Cuarteto fue nombrado por la Philharmonie de Colonia como una de las “estrellas emergentes” de la Asociación de Salas de Concierto Europeas. La pasada temporada ofreció dos conciertos en el Festival de Edimburgo. la Konserthuset de Estocolmo. y han actuado con Ian Bostridge en el Zankel Hall de Nueva Cork y la Biblioteca del Congreso en Washington. Fue elegido como uno de los mejores CDs de 2006 por The Daily Telegraph. 1 y 3 de Haas. Su discografía con EMI incluye obras de Brahms. los Proms de la BBC y la Konzerthaus de Berlín. Japón. la Philharmonie de Colonia. La pasada temporada estrenaron el cuarteto de cuerda Twisted Blues with Twisted Ballad. incluido el Quinteto en Do mayor con Valentin Erben. Su primer CD. a la Konzerthaus de Viena. saïques. que fue nominado a los Premios Gramophone. sus integrantes han pasado los últimos años viajando por toda Europa para estudiar con miembros del Quartetto Italiano. Su segunda grabación. complementaria de la anterior. el Symphony Hall de Birmingham y el Carnegie Hall de Nueva York. la Philharmonie de Berlín. publicado por el sello Supraphon. Alemania y Australia. “Cartas íntimas”. Aunque basado en Praga. el Palais des Beaux-Arts de Bruselas. la Fundación Gulbenkian y la Philharmonie de Luxemburgo. Suecia y Estados Unidos. En otoño de Cuarteto Pavel Haas Desde que ganó el Concurso Paolo Borciani en Italia en la primavera de 2005. lo que le supuso realizar diversas grabaciones para la emisora británica (entre ellas una con Cuartetos de Beethoven) y tocar en importantes salas del Reino Unido. la Philharmonie de Colonia. de Leoš Janáček. Imogen Cooper. la Konzerthaus de Viena y la Konzerthaus de Dortmund. En la temporada 2009-2010 debutó en el Festival de Lucerna. El Cuarteto Belcea actuó en el XIII Liceo de Cámara. con ciclos de conciertos en el Reino Unido. la Frick Collection de Nueva York. Regresó. de Mark Anthony Turnage. seguido de su debut en los Proms. el Concertgebouw de ámsterdam. el Cuarteto Pavel Haas inició una fulgurante carrera internacional. Michael Collins. la Alte Oper de Fráncfort y la Philharmonie de Essen. Paul Lewis. Su concierto en el Wigmore Hall en julio de 2007 le granjeó la invitación de seguir tocando en la sala en años sucesivos.Colaboran con instrumentistas como Thomas Adès. además de realizar importantes giras por Estados Unidos y Australia.

el Cuarteto Joven de aquella edición. Dénes Várjon. entre otros. organizados por Renaud Capuçon. Ha grabado el Concierto para violín de Krenek con el Musikkollegium Winterthur dirigido por Heinrich Schiff. El grupo cultiva con especial entusiasmo el repertorio checo. y en 1995 obtuvo el primer premio en el Concurso Parkhouse en Londres. Desde entonces ha tocado en las salas de concierto de todo el mundo y ha sido invitado regularmente por festivales como el de Salzburgo. 1 y 2 y el Dúo para dos violines de Prokofiev. Cheltenham. Ton Koopman. violín Nacida en Salzburgo en 1969. Hans Graf. Eliahu Inbal y Hans Graf. entre otros. Paul Badura-Skoda. 21 de Othmar Schoeck con la Orquesta de la Suiza Italiana dirigida por Heinz Holliger. Volvió a visitarnos en la XIX edición. Actuó por primera vez en el XVIII Liceo de Cámara en un sexteto de cuerda liderado por Leonidas Kavakos y volvió en la edición XIX. ganó el concurso Jacques Thibaud en París en 1994. Después amplió su formación con Gerhard Schulz en Viena y con Zakhar Bron en Lübeck. Heinz Holliger. Como solista ha tocado el Concierto para violín de Sándor Veress bajo la dirección de Heinz Holliger en Basilea y Liubliana. También interpretó el Concierto para violín op. Emmanuel Krivine. Ha ganado el Primer Premio en el Concurso “Jugend Musiziert” para músicos jóvenes. Yuri Bashmet. Radovan Vlatković y Alexei Lubimov. El Cuarteto toma su nombre del compositor checo Pavel Haas (1899-1944). siempre para el sello Supraphon. Benjamin Schmid. Christian Zacharias. En 1989 ganó el concurso Stefanie-Hohl en Viena y en 1991 obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional Mozart que se celebra en Salzburgo. la Orquesta Bruckner de Linz y las Sinfónicas de Calgary y San Luis. En la pasada temporada destacan sus proyectos camerísticos con Alexander Lonquich en Italia. la Sinfónica de Berlín. con ella misma al frente de un octeto de grandes solistas internacionales que tocó en varias capitales europeas. Su último disco. Andreji Jasinski y Ilonka Deckers e inició su carrera internacional ganando el Primer Premio en el Concurso Internacional de Piano “Antonio Casagrande” de Terni (Italia) a los dieciséis años. Entre 2000 y 2004 dio clases de violín en la Hochschule für Musik und Theater de Berna. junto con el Cuarteto Sacconi. Philippe Herreweghe. Lucerna. Alexander Lonquich. Franz Welser-Möst. así como con la Orquesta de Cámara Inglesa. que fue trágicamente deportado de Checoslovaquia en 1941 y murió en Auschwitz tres años más tarde. así como el Concierto de cámara de Alban Berg en la Kunstfest de Weimar. Heinz Holliger. Alexander Lonquich. aunque sus interpretaciones de Mozart y Beethoven han sido también recibidas con grandes elogios. Toca el Stradivarius “Bennett” de 1692 cedido por la compañía de seguros Winterthur. También es miembro del Cuarteto Tetzlaff (en el que toca la viola) y del Trío Weinmeister (junto a sus hermanos Gertrud y Bruno). la Orquesta de la SWR de Stuttgart. con Leonidas Kavakos en Holanda y su participación en la última edición de los Rencontres Musicales de Bel-Air. El Cuarteto Pavel Haas actuó en el XVI Liceo de Cámara y fue. estudió con Bruno Steinschaden en el Mozarteum de su ciudad natal. 132 133 . Heinz Holliger. Schleswig-Holstein. contiene cuartetos de última época de Antonín Dvořák y acaba de recibir el Premio Gramophone al mejor disco del año en el apartado de música de cámara. Edimburgo. la Mozartwoche de Salzburgo. Kissinger Sommer. el Festival de Piano del Ruhr o la Beethovenfest de Bonn y Varsovia. Lockenhaus. la Schubertiade de Schwarzenberg. la Orquesta de la Ópera de Zúrich. Clemens Hagen. Más tarde. En el ámbito de la música de cámara ha colaborado junto a Heinrich Schiff. piano Nacido en Trier (Alemania). Ha tocado como solista bajo la dirección de Claudio Abbado. Hanna Weinmeister ha actuado junto a Heinrich Schiff. Su legado incluye tres Cuartetos de cuerda. Mark Minkowski. Desde 1988 es concertino de la Orquesta de la Ópera de Zúrich. con quien mantiene una especial relación de admiración. Kurt Sanderling y Sándor Végh. Leonidas Kavakos. entre otros. En 2009 tocó el Doble Concierto de Brahms con su hermano Bruno bajo la dirección de Heinrich Schiff en Constanza y Lübeck. Gidon Kremer.2009 se publicó un nuevo disco que contenía los Cuartetos núms. y ha tocado junto a la Orquesta Filarmónica de Múnich. estudió con Astrid Schmidt-Neuhaus. Hanna Weinmeister.

Utrecht (Vredenburgh). la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. Berg y Ligeti. Cuarteto Meta4 El Cuarteto Meta4 se creó en 2001. la Orquesta Filarmónica Nacional Húngara o la Filarmónica Eslovena. y Tomas Djupsjöbacka toca un violonchelo de 1780 construido por el lutier cremonés Lorenzo Storioni. Alexander Lonquich actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo. En el año 2009 grabó los tres Cuartetos op. Ha actuado en varios festivales finlandeses. El Ministro de Cultura finlandés les ha entregado el Premio Finlandia. Como solista ha tocado con la Filarmónica de Viena. Melartin. el Cuarteto Meta4 obtuvo el Primer Premio en el Concurso Internacional de Cuartetos de cuerda Shostakovich de Moscú. Steven Isserlis. Kokkonen. Jörg Widmann. ámsterdam (Concertgebouw). algunas de ellas dedicadas al grupo. Ha intervenido también en las ediciones XVII. Brahms. En la pasada temporada destacan los conciertos ofrecidos en el Festival de Salzburgo tocando y dirigiendo a la Orquesta del Mozarteum. donde recibieron enseñanzas de Johannes Meissl y Christoph Richter. entre los que cabe mencionar los de Kuhmo. de Anselmo Bellosio. Ha grabado también para el sello ECM y su último disco contiene obras de Robert Schumann y Heinz Holliger. a petición del Festival Mänttä Music de Finlandia. Beethoven. Holmström y Heiniö. Veronika Hagen. Heinz Holliger. Christian Tetzlaff. También ofreció la integral de las Sonatas para violin y piano de Beethoven con Christian Teztlaff en el Festival de Tanglewood. y dos programas monográficos dedicados al compositor polaco Karol Szymanowski. En 2004. fue galardonado con el Primer Premio en el Concurso Internacional Joseph Haydn de Música de Cámara de Viena. Bruselas (Palais des Beaux Arts). Han ofrecido conciertos en Viena (Sala Mozart). Dortmund (Konzerthaus). Tabea Zimmermann o los Cuartetos Auryn y Carmina. Rasmussen. 55 de Haydn para el sello alemán Hänssler Classic. la Orquesta de Cámara de Stuttgart o la Orquesta Sinfónica de la Radio de Fráncfort. un ámbito en el que ha colaborado con músicos como Renaud y Gautier Capuçon. lo que le ha llevado a ponerse al frente de la Camerata de Salzburgo. Su repertorio abarca desde Haydn hasta las obras de vanguardia. El Cuarteto ha sido elegido para formar parte del programa “BBC New Generation Artists” durante el período 2008-2010. Milán (Sala Verdi). el Premio Abbiati en Italia y el Premio Edison en Holanda. Isabelle van Keulen. Dedica buena parte de su tiempo a la interpretación de música de cámara. En la presente temporada volverá al Festival de Salzburgo y tocará como solista con la Orquesta Sinfónica de Viena y la Orquesta Filarmónica de Viena. la Royal Philharmonic Orchestra. 134 135 . Londres (Wigmore Hall). Sabine Meyer. además de los compositores contemporáneos. En 2004 el grupo participó en la Orquesta de Cámara de Europa. Puumala. la Orquesta de Cámara de Mantua. concebido para promover a los jóvenes y prometedores artistas finlandeses. propietaria también de la viola Johannes Florenus Guidantus de 1737 que toca Atte Kilpeläinen. Estocolmo (Konserthuset) y Nueva York (Carnegie Hall). y es el Director Artístico del Festival de Música de Oulunsalo. la Orquesta Sinfonica de Düsseldorf. El Cuarteto Meta4 actuó por primera vez como Cuarteto Joven en el XV Liceo de Cámara. Leonidas Kavakos. la Orquesta de Cámara Mahler. la Orquesta de Cámara de Basilea. Heinrich Schiff. Sus grabaciones de obras de Mozart y Schubert para el sello EMI han recibido premios como el Diapason d’Or en Francia. amablemente cedido por el Banco de la Cooperativa Local de Sysmä. El cuarteto también ha actuado en el Festival de Música de Cámara de Lockenhaus y en los festivales finlandeses de Kuhmo y Helsinki. También recibieron el Premio Especial por la mejor interpretación de un cuarteto de Shostakovich. En abril de 2007. una grabación que fue elegida posteriormente Disco del Mes por la revista Classic FM. la Orquesta Filarmónica Checa. París (Théâtre de la Ville y Musée d’Orsay). Turku y Helsinki. Minna Pensola toca un violín de 1770. concierto en el que estrenó la obra Bach is the name de Jorge Fernández Guerra. El grupo comenzó sus estudios en 2003 con Hatto Beyerle. viola fundador del Cuarteto Alban Berg. Kaipainen. que ha tenido una influencia decisiva en su manera de tocar. En marzo de 2010 realizó una gira por China. incluyendo a Sallinen. realizó una gira por Alemania con la Camerata Salzburg y ofreció diversos conciertos en Austria con la Orquesta de Cámara de Mantua.Compatibiliza sus actuaciones como solista y como director. Hong Kong y Japón. Antti Tikkanen toca un violín Stradivarius de 1702 amablemente cedido por la Fundación Artística del Banco Pohjola. por lo que ha realizado diversos conciertos y grabaciones para la emisora de radio británica. la Orquesta de la Tonhalle de Zúrich. XVIII y XIX interpretando obras de Haydn. la Orquesta de Cámara de Múnich. Están también muy involucrados en la interpretación de obras escandinavas como las de Sibelius y Grieg. Saariaho.

en la que toca como clarinete solista. Bel-Air. Daniel Barenboim. Charlottesville y Newhaven. Francia. la Filarmónica de Tokio. la Sinfónica de la Radio de Suecia. Wolfgang Sawallisch. la Orquesta de la Suisse Romande y las orquestas de cámara de Lausana y Zúrich. Junto a la Orchestre de Paris y Christoph Eschenbach realizó una gira por China en noviembre de 2004 y otra por Alemania en febrero de 2005. bajo la batuta de directores como Roberto Abbado. John Nelson. el Trío Kungsbacka e instrumentistas como Pekka Kuusisto. En 2000 obtuvo el premio Victoires de la Musique al “Artista Revelación del año” y en 2005 al “Solista Instrumental del año”. entre otros. la Orquesta de Cámara de Europa. Lawrence Power. ha tocado como clarinetista invitado junto a la Orquesta de Cámara de Europa. David Robertson. Deauville. Christoph Eschenbach. la Orquesta Filarmónica della Scala de Milán. la Filarmónica de Radio France. Claudio Abbado. Invitado por Claudio Abbado en 1997. la Real Orquesta Danesa. la Real Orquesta del Concertgebouw y las principales orquestas británicas. Ha tocado como solista junto a orquestas como la Sinfónica de la Radio Bávara. las Orquestas Sinfónicas de Montreal. Renaud Capuçon. Thomas Dausgaard. Matthew Hunt actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Ha participado en la grabación de numerosas bandas sonoras y ha grabado las partes de clarinete solista para las películas Love Actually y Orgullo y prejuicio. clarinete Comenzó su educación musical como miembro del coro de la Catedral de Lichfield. Cassis. Charles Dutoit. Emily Beynon. Daniel Harding. El pasado verano debutó en los Proms de la BBC interpretando el Doble Concierto de Brahms y el Triple Concierto de Beethoven junto a su hermano Gautier y a Frank Braley y la Orquesta Filarmónica de Radio Francia dirigida por Myung-Whun Chung Cuarteto Capuçon Fundado en 2001 por los hermanos Capuçon. ambos registros para el sello EMI.Matthew Hunt. Como solista y como músico de cámara ha tocado en festivales y salas de conciertos de todo el mundo. Finlandia. Gunther Herbig. como los de Gstaad. Lichfield. Ivan Fischer. la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín. Cheltenham. Armin Jordan. Seiji Ozawa. Pinchas Steinberg y Hugh Wolff. las orquestas de Burdeos. Italia. comenzó sus estudios en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París en las clases de Gérard Poulet y Veda Reynolds. nació en Chambéry en 1976. por supuesto. Natalie Clein. 136 137 . Franz Welser-Möst y. Jean-Claude Casadesus. como el Wigmore Hall de Londres y los festivales de Aldeburgh. así como en salas como la Musikverein de Viena. Christian Arming. Denis. Como músico de orquesta. Vladimir Fedoseyev. Su actividad profesional se centra en el Ensemble 360 y en la Deutsche Kammerphilharmonie. la Orquesta Tchaikovsky de la Radio de Moscú. Arditti y Meta4. Philippe Jordan. Leif Segerstam. la Cité de la Musique y la Salle Pleyel de París o el Auditorio 400 del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Lyon. Edimburgo. En noviembre de 2002 debutó con la Filarmónica de Berlín y Bernard Haitink. Alemania. Rumanía. Grecia. la Sinfónica de Bamberg. St. En 2011 fue nombrado Chevalier dans l’Ordre National du Mérite por el Gobierno francés. así como en Suiza. tocando bajo la dirección de maestros como Pierre Boulez. Semyon Bychkov. Ha colaborado con los Cuartetos Belcea. Marc Albrecht. ha tocado en diversos festivales. Montecarlo y Toulouse. Thomas Adès y Konstantin Lifschitz. la Sinfónica de la NDR de Hamburgo. violín. Lille. la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino. Houston y Jerusalén. Marc Minkowski. la Sinfónica de la Ciudad de Birmingham. la Joven Orquesta Gustav Mahler. fue concertino de la Joven Orquesta Gustav Mahler durante tres veranos. donde han tocado en la serie de conciertos del CDMC. Japón. España e India. Posteriormente estudió en la Guildhall School of Music y junto a Pascal Moraguès en París. la Sinfónica de la NHK. Suecia. Posteriormente completó su formación con Thomas Brandis en Berlín y con Isaac Stern. la Orquesta de Santa Cecilia de Roma. Elias. Périgord Noir o la Schubertiade de Schwarzenberg. Michael Schønwandt. Participa habitualmente en el seminario internacional IMS Prussia Cove y formó parte del grupo que fue premiado en 2008 con el Premio de Música de Cámara de la Royal Philharmonic Society por un ciclo de conciertos ofrecidos durante el otoño de 2007. y en julio de 2004 con la Orquesta Sinfónica de Boston y Christoph von Dohnányi. la Orquesta Nacional de Francia. Emmanuel Krivine. Kurt Masur. la Orquesta de París. Ha grabado el Quinteto con clarinete de Brahms con Paul Meyer y El carnaval de los animales y el Septeto de Camille Saint-Saëns. la Orquesta de Cámara Mahler. Myung-Whun Chung. Hans Graf. Jesús López Cobos. el Ensemble Orquestal de París.

Renaud Capuçon toca un violín Guarneri del Gesù de 1737. Es invitado habitual de festivales como el Mostly Mozart de Londres. convirtiéndose en la única violista en la clase de Pinchas Zukerman en la Manhattan School of Music. el Concierto de Dutilleux junto a la Orquesta Filarmónica de Radio France y Myung-Whun Chung. viola. Realizó también un curso de perfeccionamiento en el Mozarteum de Salzburgo y dos años en la Academia Karajan de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Berliner Festspiele. de Berlioz. Nikolaus Harnoncourt y Frans Brüggen. Completó su formación musical estudiando con Yuko Mori y György Kurtág. el violonchelista Gautier Capuçon. Myung-Whun Chung. donde estudió con el profesor Haim Taub. Vadim Repin. A los veintidós años regresó a Europa e ingresó en la Academia Karajan de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Como intérprete de música de cámara. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Por otra parte. Entre sus grabaciones se encuentran el Quinteto con piano de Schumann junto a Maria João Pires. Aki Saulière es asistente de Yuko Mori en el Chicago College of Music. los Conciertos de Korngold y Beethoven junto a la Filarmónica de Róterdam dirigida por Yannick Nézet-Séguin. Como artista exclusivo de Virgin Classics. La Roque d’Anthéron. la Orquesta Sinfónica de Londres y la Camerata de Salzburgo. Lucerna.Renaud Capuçon suele interpretar música de cámara junto a solistas como Martha Argerich. y Frank Braley. ha sido invitada con asiduidad por Renaud Capuçon a participar en festivales como los de Deauville. Yuri Bashmet. ha sido invitada a tocar junto a orquestas como la Deutsche Kammerphilharmonie y la Gewandhaus de Leipzig. como Newport. Yefim Bronfman. Bel-Air y Tautavel. Verbier. Mikhail Pletnev. Brescia-Bergamo. Ha sido durante quince años el director de los Rencontres Musicales de Bel-Air en su localidad natal de Chambéry. de la que fue miembro hasta 1999. Menton. la Folle Journée de Nantes. l’Empéri. Tras su regreso a Francia en 1998. el Doble Concierto y el Quinteto con clarinete de Brahms. ha grabado obras de Schubert. Heimbach. Gérard Caussé y Jian Wang (Deutsche Grammophon). Elena Bashkirova. con Louis Langrée y Antoine Tamestit. Saint-Denis. Ha actuado en las ediciones XIV. la integral de las Sonatas para violín y piano de Beethoven con Frank Braley. como primer atril. el disco Inventions. Béatrice Muthelet. Jerusalén. ha participado en numerosos festivales. San Sebastián. Miembro del Cuarteto Capuçon y de Musique Oblique. “Panette”. Hélène Grimaud. Sus últimas grabaciones para Virgin Classics son las Sonatas de Brahms junto a Nicholas Angelich. Stephen Kovacevich. Saint-Saëns. También es miembro fundadora de la Orquesta del Festival de Lucerna creada por Claudio Abbado. Es fundadora del Kyoto Ensemble y del Nagaokakyo Chamber Ensemble. comenzó a estudiar violín a los siete años en el Conservatorio de Versalles y a los diecinueve años. música de cámara de Ravel junto a su hermano. el Quinteto “La Trucha” de Schubert y Conciertos de Mendelssohn y Schumann con la Orquesta de Cámara Mahler dirigida por Daniel Harding. Truls Mørk y Paul Meyer. XVII. Edimburgo. actúa regularmente en Japón en conciertos de música de cámara. Gérard Caussé y Nicholas Angelich. a dúo junto a su hermano Gautier. los Conciertos núms. Katia y Marielle Labèque. Lucerna. Aix-en-Provence. Aix-en-Provence. Stresa. o Tríos de Mendelssohn y Haydn y el Triple Concierto de Beethoven junto a Martha Argerich (EMI). Lockenhaus. XVI. que perteneció a Isaac Stern. adquirido para él por la Banca della Svizzera Italiana. los Tríos de Schubert con Gautier Capuçon y Frank Braley. Daniel Barenboim. Stavanger. Denis. a la que regresa durante dos meses al año junto a directores como Claudio Abbado. tras pasar algún tiempo en Israel. Ha actuado con agrupaciones como la Orquesta Filarmónica de Berlín. Bel-Air. Su última grabación contiene la obra de cámara completa de Gabriel Fauré. Actualmente es la primera viola de la Orquesta de Cámara Mahler y. Recibió una beca para estudiar en Nueva York y se trasladó allí. Sus discos han recibido numerosos premios. Estrasburgo y Tanglewood. decidió dedicarse a la viola. ha sido la primera violinista francesa en formar parte de la Orquesta de Cámara de Europa. violín. Schubertiade de 138 139 . Berlín. Milhaud y Ravel con la Deutsche Kammerphilharmonie bajo la batuta de Daniel Harding. Verbier. 1 y 3 y la Sinfonía concertante de Mozart junto a la Orquesta de Cámara de Escocia. los Cuartetos para piano de Brahms con su hermano Gautier. St. los Tríos de Brahms con Gautier Capuçon y Nicholas Angelich. Aki Saulière. un disco a dúo con su hermano. comenzó sus estudios musicales en Francia con Marie-Claude Theuveny y prosiguió su formación en la Guildhall School of Music and Drama de Londres con David Takeno. Augustin Dumay. Jean-Yves Thibaudet. Edimburgo. XVIII y XIX del Liceo de Cámara.

San Sebastián (con la Orquesta Sinfónica de la WDR y Semyon Bychkov). Hélène Grimaud. la Filarmónica de Montecarlo. un recital de dúos con Renaud. el Ensemble Orquestal de París. comenzó a estudiar violonchelo a los cinco años en su ciudad natal. Ha actuado. Yuri Bashmet. la Sinfónica de Boston. Nikolaj Znaider. Jerusalén. con la Filarmónica de Berlín y Gustavo Dudamel y con la Orquesta Sinfónica de Londres y Valery Gergiev en la Konzerthaus de Viena. Ha participado en dos grabaciones de EMI: el Quinteto en Sol menor de Mozart. el Doble Concierto y el Quinteto con clarinete de Brahms. En 1997-1998. interpretando su Concierto para violonchelo en Buenos Aires. nació en Chambéry en 1981. junto a instrumentistas como Lars Vogt. Verbier. Pierre Boulez. el Segundo Premio en el Concurso Internacional de Violonchelo de Christchurch (Nueva Zelanda) y el Primer Premio en el Concurso André Navarra de Toulouse. Gautier Capuçon. Nicholas Angelich. Berlín (invitado por Claudio Abbado). Seiji Ozawa y Claudio Abbado. Gérard Caussé. Delft y Pisa. Belgrado. Dresde. Michel Dalberto. con Christian Tetzlaff y Boris Pergamenchikov. Como artista exclusivo de Virgin Classics. Hannover. Estrasburgo. Menton. entre muchas otras ciudades. Bruselas. la Sinfónica de Montreal y. en los festivales de Divonne. También ha grabado para EMI Tríos de Mendelssohn y Haydn junto a Martha Argerich y su hermano. La Roque d’Anthéron y Tokio. violonchelo. Rheingau. Entusiasta de la música de cámara. también junto a Christian Tetzlaff y Alban Gerhardt. París y Viena. En la presente temporada tiene previsto su debut con la Sinfónica de Chicago. Escocia y Zúrich. obteniendo el Primer Premio de violonchelo. Emmanuel Pahud. la Orquesta Tchaikovsky de la Radio de Moscú y Vladimir Fedoseyev. Lucerna. Paul Meyer. Edimburgo. Myung-Whun Chung. Actúa por primera vez en el Liceo de Cámara. Viktoria Mullova. Davos. con obras de Mendelssohn. la Filarmónica de Radio France. donde estudió violonchelo con Annie Cochet-Zakine y piano con Christophe Egiziano. como miembro de la Joven Orquesta de la Comunidad Europea y la Joven Orquesta Gustav Mahler. En 2005 participó en numerosos homenajes a Friedrich Gulda junto a Martha Argerich. Gabriela Montero. y la Sinfonía de cámara de Schoenberg. las Orquestas de Cámara de Viena. Stresa. Daniele Gatti. a dúo junto a su hermano Renaud. Múnich. el Quinteto “La Trucha” de Schubert. la Sinfónica de Malmö. Spoleto. Ha ofrecido recitales en Berlín. y un recital junto a la pianista venezolana Gabriela Montero. Gérard Caussé. Sus últimos discos son Inventions. la Sinfónica de la Radio Bávara. la Orquesta de Santa Cecilia de Roma.Schwarzenberg. Stephen Kovacevich. entre otros. Estrasburgo. tuvo la oportunidad de tocar junto a directores como Bernard Haitink. La Roque d’Anthéron. Bruno Canino. Hélène Grimaud. En 1999 obtuvo el Primer Premio en la Academia de Música Maurice Ravel de San Juan de Luz. Paul Meyer. Lockenhaus. la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín. Katia y Marielle Labèque. Joshua Bell. Jean-Yves Thibaudet. Ingresó en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París. Conciertos de Haydn con la Orquesta de Cámara Mahler dirigida por Daniel Harding. Oleg Maisenberg. Emmanuel Pahud. Londres. Más recientemente ha salido al mercado un disco con el Concierto para violonchelo de Dvořák con la Orquesta de la Radio de Fráncfort y Paavo Järvi. Sarah Chang. Maxim Vengerov. El pasado verano debutó en los Proms de la BBC interpretando el Doble Concierto de Brahms y el Triple Concierto de Beethoven junto a su hermano Renaud y a Frank Braley y la Orquesta Filarmónica de Radio Francia dirigida por MyungWhun Chung. Paul Gulda. la Filarmónica de Múnich y Paavo Järvi. Toulouse. Vadim Repin. entre otros. Saint-Denis. Frank Braley. Mostly Mozart (Londres) y el Festival Martha Argerich de Lugano. posteriormente completó su formación con Philippe Muller en París y Heinrich Schiff en Viena. Kent Nagano. Kolja Blacher. Pascal Rogé. Jerusalén y Lieja. Daniel Barenboim. Lille. en Europa. Mikhail Pletnev. Clemens Hagen y Alois Posch. Bruselas. Wolfram Christ. el Cuarteto Ysaÿe y su hermano Renaud. Ha actuado junto a las orquestas de Burdeos. Prokofiev y Rachmaninov. Isabelle van Keulen. Steven Isserlis. música de cámara de Saint-Saëns y los Tríos de Brahms con Renaud Capuçon y Nicholas Angelich. Lilya Zilberstein. actúa regularmente junto a Martha Argerich. ha grabado música de cámara de Ravel junto a su hermano Renaud y Frank Braley. la Orquesta de Cámara de Europa y Myung-Whun Chung. así como el Trío de Shostakovich con Martha Argerich y Maxim Vengerov. la Orquesta de París y Christoph Eschenbach y la Sinfónica de Houston. las orquestas sinfónicas de la BBC de Escocia y de Gales. así como su grabación de la Sinfonía concertante de Prokofiev y las Variaciones Rococó de Tchaikovsky con la Orquesta del 140 141 .

Teatro Mariinsky dirigida por Valery Gergiev. Sus grabaciones han recibido numerosos premios. La adquisición del arco Dominique Peccatte que utiliza Gautier Capuçon ha sido posible gracias a una colaboración con el Grupo Colas, quien también ha coproducido, junto a Virgin Classics, su última grabación con Valery Gergiev. Desde 2007 es embajador del proyecto Zegna & Music, que fue creado en 1997 como una actividad filantrópica para promover la música y sus valores. En febrero de 2001 fue nombrado “Nuevo Talento del Año” por la revista francesa Victoires de la Musique. En 2004 recibió el Premio Echo de la Televisión Alemana y un premio de la Fundación Borletti-Buitoni. Gautier Capuçon toca un violonchelo de Matteo Goffriller de 1701, cedido por la Banca della Svizzera Italiana. Ha actuado en las ediciones XIV, XVI, XVII, XVIII y XIX del Liceo de Cámara.

Respondiendo a la invitación de Maria João Pires desde el seno de la Fundación Caja Duero, Caussé se ha encargado de crear y dirigir la Camerata de la Fundación Caja Duero, con sede en Salamanca, que está integrada por jóvenes músicos. Este trabajo busca realizar una aproximación experimental a todos los repertorios. Caussé actúa y graba habitualmente con músicos tan conocidos como Maxim Vengerov, Frank Peter Zimmermann, Renaud y Gautier Capuçon, Charles Dutoit, Kent Nagano, Gidon Kremer, Emmanuel Krivine, Nicholas Angelich, Frank Braley, Jean-Philippe Collard, Maria João Pires, Augustin Dumay, François-René Duchable, Paul Meyer, Michel Portal y Emmanuel Pahud. Su discografía se compone de más de treinta grabaciones en diversos sellos, que incluyen el Quinteto “La trucha” de Schubert para Virgin Classics, un recital con obras de Lévinas y Hindemith para el sello Aeon, obras de Bloch para viola y orquesta junto a la Orquesta de la Suisse Romande y la grabación del concierto Le cyprès blanc de Hugues Dufourt, estrenado por Gérard Caussé en 2004 en el Festival de Música de Estrasburgo junto a la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo (grabado para el sello Timpani). Gérard Caussé imparte clases de viola en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París y en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid. Es director del Festival de Música Florilegio y de la Orquesta de la Fundación Caja Duero en Salamanca. Gérard Caussé toca un excepcional instrumento construido por Gasparo da Salò en 1560. Actuó junto a Renaud y Gautier Capuçon en las ediciones XIV y XIX del Liceo de Cámara.

Gérard Caussé, viola
Alcanzó el reconocimiento internacional a mediados de los años setenta como miembro fundador y viola solista del Ensemble Intercontemporain. Ha actuado también como solista con la mayoría de las grandes orquestas internacionales en un amplio repertorio que abarca desde el Barroco hasta Bruch, Berlioz, Bartók, Stravinsky, Britten, Walton y Martinů, pasando por Mozart quien, según el propio Caussé, fue el primero en comprender el papel de árbitro de la viola. Dedicado igualmente a fomentar el repertorio de su instrumento, cuenta con más de veinte conciertos escritos expresamente para él, entre los que se encuentran los de Philippe Hersant, Michaël Levinas, Pascal Dusapin y Hugues Dufourt. Recientemente ha estrenado en Europa el Doble Concierto para viola y clarinete de Wolfgang Rihm junto a Michel Portal y la Orquesta Nacional de Francia. De 2002 a 2004 Gérard Caussé fue director artístico de la Orquesta de Cámara Nacional de Toulouse, junto a la que actuó como director y solista. Recientemente ha actuado con la Orquesta Nacional de Francia, Orquesta de la Suisse Romande, Orquesta Nacional de Lille y Jean-Claude Casadesus, la Orquesta Filarmónica de Montpellier y Yoel Levi, la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo y Emmanuel Krivine, la Orquesta Sinfónica de São Paulo y John Neschling y la Orquesta del Capitolio de Toulouse.

Yan Levionnois, violonchelo
Nacido en 1990, comenzó a tocar con su padre, violonchelo solista de la Orquesta Filarmónica de Radio Francia, para posteriormente estudiar con Xavier Richard y Marc Coppey. En 2006 ingresó en la clase de Philippe Muller en el Conservatorio Superior de Música de París, donde obtuvo un Primer Premio en 2009. Ha recibido también asesoramiento de Natalia Shakovskaia, Natalia Gutman, Gary Hoffman y Jean-Guihen Queyras.

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Ha obtenido el Gran Premio en el Concurso Internacional André Navarra en 2008, el Primer Premio en el Concurso Rostropovich de Londres en 2009, y el Segundo Premio y el premio a la mejor interpretación en el Concurso Internacional de Música Francesa “Note et Bien”. Ha interpretado como solista los Conciertos de Haydn, Schumann, Dvořák, Lalo, Elgar, Shostakovich, Tchaikovsky (Variaciones sobre un tema rococó) y SaintSaëns (Concierto nº 1) junto a agrupaciones como la Orquesta Nacional del Capitolio de Toulouse, la Orquesta de Burdeos, la Orquesta de Cámara de Praga, el conjunto Les Dissonances y con el grupo de violonchelos de la Orquesta de París, interpretando Messagesquisse de Pierre Boulez. Ha ofrecido recitales en el Wigmore Hall de Londres y ha participado en los festivales de Bel-Air, Auvers-sur-Oise, Cordes sur Ciel, Deauville, La Roque d’Anthéron, los Encuentros Musicales de Santander, el Festival Pablo Casals de Prades y las Folles Journées de Nantes. En música de cámara, ha compartido escenario con Augustin Dumay, Svetlin Roussev, Gérard Caussé, Frank Braley, David Guerrier, Zakhar Bron, Nelson Goerner, el Cuarteto Ebène, Renaud Capuçon y Nicholas Angelich. Esta temporada ha sido invitado por la Orquesta de Bretaña (con el Concierto de Haydn), la Orquesta de Toulouse (Dutilleux), la Sinfónica de Cape Town y la Orquesta Filarmónica de Londres, además de actuar en diferentes festivales. Ha sido seleccionado para participar en el programa Déclic de CulturesFrance, lo que le reportará actuaciones en América Central. Asimismo ha recibido una beca de la Banca della Svizzera Italiana de Lugano. Toca un violonchelo de Patrick Robin de 2005 y actúa por primera vez en el Liceo de Cámara.

Desde 1983 hasta 2008 fue solista de contrabajo de la Staatsoper de Viena y de la Orquesta Filarmónica de Viena. Después de trabajar durante cuatro años como profesor invitado en la Hochschule für Musik und darstellende Kunst del Mozarteum de Salzburgo, pasó a ocupar desde 1993 una cátedra de contrabajo en la Universität für Musik und darstellende Kunst de Viena. Es primer contrabajo de la Orquesta del Festival de Lucerna y de la Orchestra Mozart de Bolonia, ambas bajo la dirección de Claudio Abbado. Ha sido invitado a numerosos festivales internacionales y ha colaborado con los más importantes solistas y grupos de cámara europeos, incluido el Cuarteto Alban Berg o los hermanos Renaud y Gautier Capuçon, con los que ha realizado numerosas grabaciones discográficas. Toca un contrabajo vienés de Johann Joseph Stadlmann construido en 1779. En el XIX Liceo de Cámara tocó como miembro de un octeto integrado por grandes solistas internacionales y junto con el Ensemble Waldstein el Quinteto “La trucha” de Franz Schubert, la misma obra que tocó en el XII Liceo de Cámara junto con el Cuarteto Alban Berg y Elisabeth Leonskaja.

Nicholas Angelich, piano
Nacido en Estados Unidos en 1970, Nicholas Angelich comenzó a estudiar piano con su madre a los cinco años. Dos años después ofreció su primera actuación interpretando el Concierto K467 de Mozart. A los trece años ingresó en el Conservatorio Nacional Superior de Música de París, donde estudió con Aldo Ciccolini, Yvonne Loriod y Michel Beroff, obteniendo el Primer Premio de piano y música de cámara. También trabajó con Marie-Françoise Bucquet. Nicholas Angelich continuó su formación asistiendo a las clases magistrales de Leon Fleisher, Dimitri Bashkirov y Maria João Pires. En 1989 ganó el Segundo Premio del Concurso Internacional de Piano Robert Casadesus de Cleveland y en 1994 el Primer Premio del Concurso Internacional de Piano Gina Bachauer. En 1996 fue invitado como músico residente de la Fundación Internacional de Piano de Cadenabbia (Italia). En 2002 recibió de Leon Fleischer el “Premio al Joven Talento” del Festival Internacional de Piano del Ruhr (Alemania), tras lo cual fue invitado a actuar allí en junio de 2003.

Alois Posch, contrabajo
Nacido en 1959 en Steiermark (Austria), empezó a estudiar a los diez años piano y violín. A los catorce años dio sus primeras clases de contrabajo y el año siguiente ya fue admitido en la Hochschule für Musik und darstellende Kunst de Graz, donde tuvo como profesor a Johannes Auersperg. Después de ganar diversos concursos se presentó a los dieciocho años a las audiciones de la Orquesta Filarmónica de Viena, tras las cuales entró a formar parte de la agrupación, concluyendo sus estudios el año siguiente.

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Ha actuado con la Orquesta Nacional de Francia y Marc Minkowski, la Orquesta Filarmónica de Radio France y Paavo Järvi, la Orquesta Nacional de Lyon y David Robertson, la Orquesta Nacional de Burdeos y Yutako Sado, la Orquesta Nacional de Lille y Matthias Bamert, la Orquesta Filarmónica de Montecarlo y Jesús López-Cobos y Kenneth Montgomery, la Orquesta de Lieja y la Orquesta Sinfónica de San Petersburgo con Alexandre Dimitriev, las orquestas de Estrasburgo y Montpellier con Jerzy Semkow, la Orquesta de Toulouse y Jaap van Zweden en ámsterdam y Yannick Nézet-Séguin en San Sebastián, la Orquesta de Cámara de Lausana y Christian Zacharias, la Orquesta de la SWR de Baden-Baden y Michael Gielen, la Orquesta de la Radio de Fráncfort y Hugh Wolf, además de ofrecer recitales en Hannover, Múnich, Ginebra, ámsterdam, Bruselas, Luxemburgo, Roma, Lisboa, Brescia, Tokio y París. En mayo de 2003 debutó con la Filarmónica de Nueva York y Kurt Masur en el Lincoln Center. Con este mismo director realizó una gira por Japón en abril de 2004 con la Orquesta Nacional de Francia. Fue invitado al Festival de Verbier en 2003 y 2005 y al Festival Martha Argerich en Lugano. Recientemente ha actuado con la Filarmónica de Londres y Kazuchi Ono y ha ofrecido recitales en Londres, ámsterdam, París, Lyon, Milán y Ginebra. Vladimir Jurowski lo invitó a abrir juntos la temporada 20072008 de la Orquesta Nacional de Rusia en Moscú. Posteriormente ha actuado en España (Las Palmas, Castellón y Oviedo) junto a la Orquesta Nacional de España y Josep Pons, en Viena con la Tonkünstler Orchester y Kristjan Järvi, con la Filarmónica de Róterdam y la Orquesta Metropolitana de Montreal dirigidos por Yannick Nézet-Séguin (con quien debutó en los Proms de Londres en 2009), la Sinfónica de Atlanta y Emmanuel Krivine, la Orquesta Gürzenich de Colonia, la Orquesta de la Radio de Stuttgart y Roger Norrington, y ha tocado música de cámara en Japón con Akiko Suwanai y en Norteamérica con Renaud y Gautier Capuçon. Nicholas Angelich está ofreciendo en recital todas las Sonatas de Beethoven y los Años de Peregrinaje de Liszt en varios países (La Roque d’Anthéron, Toulouse y Nantes en Francia; Festival de Piano del Ruhr y Bayer Leverkusen en Alemania; La Lanaudière en Canadá; Washington en Estados Unidos; Brescia en Italia y Bilbao en España). También está muy interesado en la música del siglo xx de compositores como Rachmaninov, Prokofiev, Shostakovitch, Bartók y Ravel, además de Messiaen, Stockhausen, Pierre Boulez, Eric Tanguy y Pierre Henry, quien le dedicó su Concierto para piano sin orquesta.

Entusiasta de la música de cámara, toca junto a compañeros como Renaud Capuçon, Maxim Vengerov, Akiko Suwanai, Dimitri Sitkovetsky, Joshua Bell, Gérard Caussé, Alexander Kniazev, Gautier Capuçon, Jian Wang, Paul Meyer y los Cuartetos Ysaÿe, Prazak y Ebène. Ha grabado para Harmonia Mundi un recital con obras de Rachmaninov; para Lynx un recital con obras de Ravel; para Mirare los Años de Peregrinaje de Liszt (que obtuvo el “Choc” de la revista Le Monde de la Musique y fue “disco recomendado” por Classica/Répertoire) y un recital de Beethoven (Sonatas op. 26, op. 53, op. 111). Su gran proyecto con obras de Brahms para Virgin Classics incluye los Tríos junto a Renaud y Gautier Capuçon (“Preis der deutschen Schallplattenkritik”), las Sonatas para violín y piano junto a Renaud Capuçon (“Diapason d’Or”, “Choc” de Le Monde de la Musique, “Editor’s Choice” de Gramophone y “Excepcional” de Scherzo) y dos recitales: Baladas, Rapsodias y las Variaciones Paganini (“Choc” de Le Monde de la Musique) y los opp. 116, 117, 118 y 119 (“Choc” de Le Monde de la Musique, BBC Music Choice, “Excepcional” de Scherzo). Ha grabado un recital Beethoven junto a Akiko Suwanai para Decca y los dos Conciertos para piano y orquesta de Brahms junto a Paavo Järvi y la Orquesta de la Radio de Fráncfort (para Virgin Classics). Su última grabación en solitario está dedicada a las Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach y participa también en la integral de las obras de cámara de Gabriel Fauré publicada por Virgin Classics. Actuó por primera vez en el XVII Liceo de Cámara tocando dos conciertos con Tríos con piano de Haydn y Brahms con los hermanos Capuçon.

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149 . Reino Unido. Francia. interpretación musical y discología. Además de su labor docente e investigadora. Irlanda. y en el Boletín discográfico de Diverdi. Suiza y Holanda. es doctor en Musicología por la Universidad de Zaragoza y profesor de la licenciatura de Historia y Ciencias de la Música de la Universidad de La Rioja. Asimismo. ha sido colaborador en las ediciones revisadas del New Grove Dictorionary of Music and Musicians (2001) y del Oxford Companion to Music (2002). mantiene una importante actividad como crítico y divulgador musical. Italia. Rodríguez Musicólogo y crítico musical. Polonia. Teatro Real y Gran Teatre del Liceu. Ha publicado diferentes trabajos sobre historia de la música española de los siglos xvii al xix. y ha participado en diferentes congresos de musicología tanto en España como en Portugal. Bélgica.Pablo-L. así como también en las revistas Audio Clásica y Scherzo. y es asiduo colaborador en los programas de mano del Auditorio Nacional.

Rodríguez Padre e hijo Adioses clásicos: Mozart y Haydn La esencia del Spätstil: Ludwig van Beethoven Un aluvión de despedidas Nuevos caminos: Schumann y Brahms El corazón apesadumbrado: Franz Liszt Precursores y epígonos.Índice Presentación Programas Crónicas musicales del estilo tardío por Pablo-L. centro y periferia Musicien(s) français Vientos del este (y del oeste) Amistades tardías (tras el Telón de Acero) 3 9 33 35 43 50 56 62 71 74 81 84 89 95 Biografías de los intérpretes .

. coordinadora área Gráfica Roberto Turégano. Francisco Baquero Noriega D. Arturo Fernández álvarez D.L. Rodrigo de Rato Figaredo Patronos D. Juan José Azcona Olóndriz D. José Manuel Fernández Norniella D. Jorge Gómez Moreno D. Virgilio Zapatero Gómez Secretario D.ª Mercedes Rojo Izquierdo D. Ricardo Romero de Tejada y Picatoste D. José Antonio Moral Santín D. Miguel Crespo Rodríguez XX LICEO DE CáMARA Fundación Caja Madrid. Estanislao Rodríguez-Ponga y Salamanca D.ª Enedina álvarez Gayol D.PATRONATO DE LA FUNDACIÓN CAJA MADRID Presidente D. Pedro Bedia Pérez D. Ignacio Navasqües Cobián D.fundacioncajamadrid. José Ricardo Martínez Castro D.ª Mercedes de la Merced Monge D. dirección y coordinación Luis Gago. Javier López Madrid D. Jesús Pedroche Nieto D.es . director artístico Inés Fernández Arias. maquetación Tresigraf S. Luis Blasco Bosqued D.ª Carmen Cafranga Cavestany D. impresión www. Guillermo R. José María de la Riva Amez D. Marcos Guerrero D.

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