Documentos de Académico
Documentos de Profesional
Documentos de Cultura
Arte, actividad que requiere un aprendizaje y puede limitarse a una simple habilidad técnica o
ampliarse hasta el punto de englobar la expresión de una visión particular del mundo. El
término arte deriva del latín ars, que significa habilidad y hace referencia a la realización de
acciones que requieren una especialización, como por ejemplo el arte de la jardinería o el arte
de jugar al ajedrez.
Sin embargo, en un sentido más amplio, el concepto hace referencia tanto a la habilidad
técnica como al talento creativo en un contexto musical, literario, visual o de puesta en
escena. El arte procura a la persona o personas que lo practican y a quienes lo observan una
experiencia que puede ser de orden estético, emocional, intelectual o bien combinar todas
esas cualidades.
Los elementos del arte son un grupo de uso común de los aspectos de una obra de arte
utilizado en la enseñanza y el análisis, en combinación con los principios del arte.[1] Las listas
de los elementos del arte varían un poco pero en general incluyen las siguientes: color, valor,
línea, espacio, forma y textura. Dirección y tamaño se agregan algunas fuentes.
LA LÍNEA Y EL DISEÑO
La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados. Representa
la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada.
La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados, teniendo tanta importancia en un
grafismo como la letra en un texto. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más
dinámica y variada.
Está formada por la unión de varios puntos en sucesión, pudiéndose asimilar a la trayectoria seguida por un punto
en movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo. Su presencia crea tensión y afecta al resto de
cualidad se puede usar para dirigir la atención en una dirección concreta, haciendo que el espectador observe el
lugar adecuado.
Una línea divide o circunda un área, se encuentra en el borde de una forma. Expresa separación de planos,
Las propiedades de una línea vendrán definidas por su grosor, su longitud, su orientación (dirección) respecto a la
página, su ubicación (posición), su forma (recta o curva) y su color. Estas propiedades se verán afectadas también
por el número de líneas que haya en la composición, su proximidad y la orientación relativa entre ellas.
La línea es considerada como tal mientras la relación ancho/largo no sobrepase una proporción determinada. Una
línea más ancha que la mitad de su largo pierde la expresión dinámica del trazo y adquiere la estática de una
superficie cuandrangular.
La unión sucesiva de líneas conforma un trazo. Los trazos dan volumen a los objetos que dibujamos y permiten
representar simbólicamente objetos en la composición, eliminando de ellos toda información superflua y dejando
sólo lo esencial.
La línea pueden tener los bordes lisos o dentados, con extremos rectos, redondeados o en punta. Su cuerpo puede
ser sólido o texturado, y su dirección puede ser curva o recta. Y cada una de estas características matizará la forma
Podemos considerar diferentes tipos de líneas, cada uno de los cuales tiene sus propias cualidades:
Línea recta
Define el camino más corto entre dos puntos. Es poco frecuente en la naturaleza, donde predominan las líneas
curvas (el universo en su totalidad es curvo), pero muy abundante en el entorno humano, que necesita de ellas
horizontal de referencia, una línea de horizonte, ya que nos movemos en un plano horizontal.
Las líneas rectas horizontales son muy usadas en las páginas web, tanto que el lenguaje HTML proporciona una
etiqueta específica para introducirlas, HR. Se utilizan sobre todo como elemento delimitador de bloques de
contenido en páginas de poco contenido gráfico, siendo conveniente no presentarlas con efecto tridimensional, sino
La línea recta vertical sugiere elevación, movimiento ascendente, actividad. También expresa equilibrio, pero
inestable, como si estuviera a punto de caer. Esto se puede corregir haciendo trabajar las líneas verticales con
En una páginas web, las líneas rectas verticales pueden ser usadas para separar columnas textuales o bloques de
contenidos, bien como líneas frontales, con un color que destaque lo suficiente sobre el fondo, bien como líneas de
fondo, del mismo color que éste, separando zonas de un color diferente.
La línea recta inclinada, por el contrario, expresa tensión, inestabilidad, desequilibrio. Parecen que están a punto de
caerse. Dentro de las líneas inclinadas, la que forma 45º con la horizontal es la más estable y reconocible.
Línea curva
Es la línea más libre y la más dinámica de todas, pudiendo sugerir desde un movimiento perfectamente definido
Las curvas más comúnmente usadas en diseño gráfico digital son las curvas Bézier. Este tipo de curvas fue
desarrollado por Pierre Bézier por encargo de la empresa Renault, que buscaba una familia de curvas
representables matemáticamente (son curvas de tercer grado) que permitieran representar las curvaturas suaves
Una curva Bézier queda totalmente definida por cuatro puntos característicos, los puntos inicial y final de la curva y
dos puntos de control (manejadores) que definen su forma. Para modificar su forma, basta cambiar de posición uno
Son curvas de manejo poco complejo y muy elegantes, con un desarrollo muy suave, capaces de adaptarse a casi
cualquier forma imaginable, por lo que son muy usadas para diseñar logotipos e iconos y para copiar cualquier
figura.
También son enormemente versátiles, pudiendo adoptar desde curvaturas muy suaves (casi líneas rectas) a
curvaturas muy fuerte (curvas complejas), pasando por todos los valores intermedios. Pueden, incluso, cambiar de
En el diseño web, el uso de líneas curvas aisladas está muy limitado. Es más común encontrarlas como partes
integrantes de formas más complejas, siendo útiles, por ejemplo, para suavizar la dureza de una forma rectangular
producido al no ser capaz el sistema gráfico de los ordenadores de representar con exactitud formas curvas por
medio de píxeles. Es el típico efecto de "dientes de sierra" que aparece en todos los objetos con partes curvas,
Una solución a este problema visual es incluir las líneas curvas como imágenes en formato web (GIF, JPG, PNG,
etc.) y aplicarles el proceso de rastrillado o antialias, disponible en casi todas las aplicaciones gráficas, por medio
del cual se crean uno o más píxeles entre los bordes de la línea y el fondo, de un color intermedio entre ellos.
Trazo
Un trazo es el elemento lineal formado por la unión sucesiva de diferentes líneas. Es tal vez la forma gráfica más
Cada movimiento o estilo artístico refleja el arte con ciertos rasgos similares durante
una etapa de tiempo, siendo un fenómeno de expresión artística que manifiesta las
características propias de la época en el que surge. Los movimientos o estilos artísticos
se clasifican por los historiadores del arte o de la literatura atendiendo a distintos
criterios de periodización (por ejemplo, la generación) y se proyectan en las diferentes
áreas de la literatura y el arte o bellas artes: música, artes visuales (pintura, escultura y
arquitectura). De tal modo que, por ejemplo, para las creaciones culturales de la
civilización occidental del siglo XVII a la primera mitad del XVIII, se ha acuñado el
término barroco y, aunque los productos artísticos de las distintas artes no tengan una
conexión inmediatamente evidente entre sí, se designan habitualmente como
arquitectura barroca, pintura barroca, música barroca o literatura barroca.
• Movimiento literario
• Movimiento pictórico
• Movimiento escultórico
• Movimiento arquitectónico
• Movimiento musical
• Movimientos literarios
• Movimientos pictóricos
• Movimientos escultóricos
• Estilos arquitectónicos
• Géneros musicales
SURREALISMO MODERNO
El surrealismo es una corriente artística surgida a en el siglo XX, donde se manifiesta que a partir de la
propia persona, olvidarse de la lógica y hacer que el interior sea parte esencial de uno mismo, es por ello que
la búsqueda interna es la inspiración de este modo de arte.
Por tanto, esta corriente es lo suficientemente subjetiva para ser fácil de entender, pues como se dice "cada
mente es un mundo" y es precisamente en esto donde se basa la creación de diferentes formas expresivas en
este proceso.
Tachismo
El Tachismo (en idioma español, Tachisme, derivado de la palabra francesa tache - mancha) fue un estilo de
pintura abstracta francés desarrollado durante los años 1940 y 1950. A menudo se le considera el equivalente
europeo al expresionismo abstracto. Partenece al movimiento mas amplio del Informalismo (Art informel).
Un otro nombre del Tachisme (similar a la action painting) es abstraction lyrique (relacionado con la
abstracción lírica estadounidense). Los artistas del Grupo CoBrA y del japonés Gutai también están
relacionados con el tachismo.
Después de la Segunda Guerra Mundial el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo. Algunos
de sus miembros eran Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicholas de Stael, Hans Hartung, Serge Poliakoff, y
Georges Mathieu, el narizon de raul Según Chilvers, el término tachismo «se usó por primera vez en este
sentido alrededor de 1951 (se ha atribuido la acuñación del término a los críticos franceses Charles Estienne
y Pierre Guéguen) y circuló ampliamente a partir del libro del pintor y crítico francés Michel Tapié
Tachismo fue una reacción al cubismo y se caracteriza por una pincelada espontánea, goteos y manchas de
pintura directamente provenientes del tubo, y a veces garabatos que recuerdan a la caligrafía.
Concepto Diseño
Utilizado habitualmente en el contexto de las artes, ingeniería, arquitectura y otras disciplinas creativas,
diseño se define como el proceso previo de configuración mental, "pre-figuración", en la búsqueda de una
solución en cualquier campo.
Etimológicamente derivado del término italiano disegno dibujo, designio, signare, signado "lo por venir", el
porvenir visión representada gráficamente del futuro, lo hecho es la obra, lo por hacer es el proyecto, el acto
de diseñar como prefiguración es el proceso previo en la búsqueda de una solución o conjunto de las mismas.
Plasmar el pensamiento de la solución mediante esbozos, dibujos, bocetos o esquemas trazados en cualquiera
de los soportes, durante o posteriores a un proceso de observación de alternativas o investigación. El acto
intuitivo de diseñar podría llamarse creatividad como acto de creación o innovación si el objeto no existe, o
es una modificación de lo existente inspiración abstracción, síntesis, ordenación y transformación.
CUADRADO
En geometría euclidiana, un cuadrado es un rectángulo que tiene sus cuatro lados iguales, o
también, un rombo que además tiene sus cuatro ángulos iguales (rectos). Un cuadrado es un
cuadrilátero que tiene sus lados opuestos paralelos y, por tanto, es un paralelogramo. Dado
que sus cuatro ángulos internos son rectos, es también un caso especial de rectángulo. De
modo similar, al tener los cuatro lados iguales, es un caso especial de rombo.
RECTANGULO
En geometría plana, un rectángulo es un paralelogramo cuyos cuatro lados forman ángulos rectos entre sí. El
perímetro de un rectángulo es igual a la suma de todos sus lados. El área de un rectángulo es igual al
producto de dos de sus lados contiguos.
• Sus lados paralelos son iguales, dos a dos.
• Sus dos diagonales son iguales, y se cortan en partes iguales (esta característica también lo define)
• Se puede pavimentar el plano, repitiendo infinitos rectángulos.
El cuerpo de revolución generado por un rectángulo, respecto de un eje que contenga a un lado, es un
cilindro.
ROMBO
Circunferencia
Una circunferencia es un conjunto de puntos del plano equidistantes de otro fijo, llamado
centro; esta distancia se denomina radio. El segmento de recta formado por dos radios
alineados se llama diámetro. Es la mayor distancia posible entre dos puntos que pertenezcan
a la circunferencia. La longitud del diámetro es el doble de la longitud del radio. La
circunferencia sólo posee longitud.
CIRCULO
Un circulo, en geometría, es el lugar geométrico de los puntos del plano cuya distancia a otro punto fijo,
llamado centro, es menor o igual que la longitud del radio. Es el conjunto de los puntos de un plano que se
encuentran contenidos en una circunferencia.
En castellano, la palabra círculo tiene varias acepciones, la primera:[1] una superficie geométrica plana
contenida dentro de una circunferencia con área definida; mientras que se denomina circunferencia[2] a la
curva geométrica plana, cerrada, cuyos puntos son equidistantes del centro, y sólo posee longitud.
FIGURAS GEOMETRICAS
Triangulo:
El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres ángulos. La suma de todos sus ángulos siempre es
180 grados.
Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula:
Área del triángulo = (base x altura) / 2
(tipos de triángulos: Isósceles, escaleno y equilátero)
Cuadrado:
El cuadrado es un polígono de cuatro lados, con la particularidad de que todos ellos son iguales. Además sus
cuatro ángulos son de 90 grados cada uno.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del cuadrado = lado al cuadrado
Rectángulo:
El rectángulo es un polígono de cuatro lados, iguales dos a dos. Sus cuatro ángulos son de 90 grados cada
uno.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del rectángulo = base.altura
Rombo:
El rombo es un polígono de cuatro lados iguales, pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del rombo= (diagonal mayor x diagonal meno)/ 2
Trapecio:
El trapecio es un polígono de cuatro lados, pero sus cuatro ángulos son distintos de 90º.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del trapecio = [(base mayor + base menor).altura] / 2
Paralelogramo:
El paralelogramo es un polígono de cuatro lados paralelos dos a dos.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del paralelogramo = base.altura
Pentágono:
El pentágono regular es un polígono de cinco lados iguales y cinco ángulos iguales.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del pentágono = (perímetro x apotema) / 2
Hexágono:
El hexágono regular es un polígono de seis lados iguales y seis ángulos iguales.
Los triángulos formados, al unir el centro con todos los vértices, son equiláteros.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del hexágono = (perímetro x apotema) / 2
Circulo:
El círculo es la región delimitada por una circunferencia, siendo ésta el lugar geométrico de los puntos que
equidistan del centro.
El área de esta figura se calcula mediante la fórmula:
Área del círculo = 3'14. radio al cuadrado
SOLIDOS GEOMETRICOS
* Un sólido geométrico es una región cerrada del espacio limitada por ciertas superficies que
pueden ser planas o curva.
* Un Sólido o Cuerpo Geométrico es una figura geométrica de tres dimensiones (largo, ancho
y alto), que ocupa un lugar en el espacio y en consecuencia tiene un volumen.
LOS POLIEDROS
HEXAEDRO O CUBO:
Formado por seis cuadrados. Permanece estable sobre su base. Está formado por seis caras,
doce aristas, ocho vértices.
# Caras: 6
# Vértices: 8
# Aristas: 12
Área = 6a2
Volumen = a3
TETRAEDRO:
Formado por tres triángulos equiláteros. Es el que tiene menor volumen de los cinco en
comparación con su superficie. Está formado por cuatro caras, seis aristas y cuatro vértices.
OCTAEDRO:
Formado por ocho triángulos equiláteros. Gira libremente cuando se sujeta por vértices
opuestos. Está formado por ocho caras, doce aristas y seis vértices.
ICOSAEDRO:
Formado por veinte triangulo equiláteros. Es el que tiene mayor volumen en relación con su
superficie. Tiene veinte caras, treinta aristas y doce vértices.
POLIEDROS IRREGULARES
Son aquellos que no tienen sus caras como polígonos regulares, ni sus ángulos iguales.
* Ortoedro
* Prisma
* Pirámide
ORTOEDRO:
Es un cuerpo solido de seis caras pudiendo ser dos de ellas cuadras (caras basales) y el resto
rectangulares (caras laterales) Si las caras laterales son perpendiculares a la altura del cuerpo
entonces se le denomina ortoedro recto, en caso contrario se trata de un ortoedro oblicuo.
PRIMA:
Un prisma es un cuerpo geométrico, poliedro, limitado por dos caras iguales y paralelas
(bases), y tantos paralelogramos (caras laterales) como lados tiene la base.
PIRAMIDE:
Poliedro que tiene una cara que es un polígono cualquiera al que se le llama base y las
caras laterales son triángulos isósceles, que tienen un punto en común llamado vértice.
CILINDRO:
Es el sólido conformado por caras paralelas circulares y el conjunto de todos los segmentos de
línea recta perpendiculares a sus caras y comprendidos entre ellas.
CONO:
Es el sólido cuya base es un círculo y su superficie lateral está formada por los segmentos de
línea recta que unen un punto O, sobre la línea perpendicular al círculo y por el centro de este,
con los puntos del círculo. Cualquiera de estos segmentos de línea recta se denomina una
generatriz y su longitud se denota con g. La distancia entre ese punto O y el centro del círculo
se llama altura.
ROTULACION
Rotulación es el arte que se tiene al momento de realizar un cartel o rótulo. Es toda perfección que se
consigue cuando se está trazando las literales del mismo.
Legibilidad es término empleado en el diseño tipográfico de rotulación, para definir una cualidad deseable en
la impresión de las letras del texto. Algo legible es la facilidad o complejidad de la lectura de una letra.
PERSPECTIVA
La perspectiva es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos. En un
dibujo, la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción.
Perspectiva del Campidoglio, en Roma. Miguel Ángel diseñó la composición de esta pequeña plaza: dispuso
los edificios laterales confluyendo hacia el fondo para reforzar la sensación de profundidad.
Es también la ilusión visual que, percibida por el observador, ayuda a determinar la profundidad y situación
de objetos a distintas distancias.
Por analogía, también se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que rodean al observador, y que
influyen en su percepción o en su juicio.
PERSPECTIVA FRONTAL
La perspectiva frontal es la que tiene un único punto de fuga, ubicado sobre la línea del
horizonte. En esta perspectiva, sólo vemos en fuga las líneas de profundidad, las demás las
vemos paralelas al plano del cuadro.
Perspectiva paralela
Se llama perspectiva paralela a la que consta de un solo punto de fuga que además deberá estar justo frente
a nosotros o desviado solo ligeramente; lo más simple de representar en perspectiva paralela es, por ejemplo,
un cubo.
Perspectiva oblicua
Se llama así a la que dispone de dos “puntos de fuga” de las diagonales del objeto, los cuales se encontrarán
como es lógico sobre la Línea del Horizonte (recordad que corresponde a nuestro “punto de vista”).
La perspectiva cónica es la más compleja de representar gráficamente, pero la más
utilizada en arquitectura y decoración para representar grandes edificios y volúmenes. Ésta es
la que más se aproxima a la visión real, equivale a la imagen que observamos al mirar un
objeto con un solo ojo.
Es aquel que se mira desde lo alto, por eso decimos que es también vista de pájaro. Como
ejemplo, es como si miramos desde una terraza hacia abajo, en donde vemos que las cabezas
de los personajes se ven mas grandes y los pies mas pequeños.
Para dividir en profundidad un espacio en partes iguales en el plano horizontal podemos usar
el metodo de un segundo punto de fuga. Veamos cómo se hace. Partimos de la misma figura
que hemos empleado en el caso anterior .
Prehistoria
Durante la prehistoria surgen los primeros monumentos y el hombre comienza a dominar la técnica de
trabajar la piedra.
El surgimiento de la arquitectura está asociado a la idea de abrigo. El abrigo, como construcción
predominante en las sociedades primitivas, será el elemento principal de la organización espacial de diversos
pueblos. Este tipo de construcción puede ser observado aún en sociedades no integradas totalmente a la
civilización occidental, tal como los pueblos amerindios, africanos y aborígenes, entre otros.
Antigüedad
A medida que las comunidades humanas evolucionaban y aumentaban, presionadas por las amenazas bélicas
constantes, la primera modalidad arquitectónica en desarrollarse fue esencialmente la militar. En ese periodo
surgieron las primeras ciudades cuya configuración estaba limitada por la existencia de murallas y por la
protección de amenazas exteriores.
Antigüedad clásica
La arquitectura y el urbanismo practicados por los griegos y romanos se distinguía claramente de la de los
egipcios y babilonios en la medida en que la vida civil pasaba a tener más importancia. La ciudad se
convierte en el elemento principal de la vida política y social de estos pueblos: los griegos se desarrollaron en
ciudades estado y el Imperio romano surgió de una única ciudad. El arquitecto griego Hipódamo de Mileto es
considerado el primer urbanista de la historia.
Edad Media
Los principales hechos que influyeron la producción arquitectónica medieval fueron el enrarecimiento de la
vida en las ciudades (con la consecuente ruralización y feudalización de Europa) y la hegemonía en todos los
órdenes de la Iglesia Católica. A medida que el poder secular se sometía al poder papal, pasaba a ser la
Iglesia la que aportaba el capital necesario para el desarrollo de las grandes obras arquitectónicas.
Edad Moderna
Con el fin de la Edad Media la estructura de poder europea se modifica radicalmente. Comienzan a surgir los
estados nación y, a pesar de la aún fuerte influencia de la Iglesia Católica, el poder secular vuelve al poder,
especialmente con las crisis recurrentes de la Reforma Protestante.
Renacimiento
El espíritu renacentista evoca las cualidades intrínsecas del ser humano. La idea de progreso del hombre -
científico, espiritual, social - se hace un objetivo importante para el periodo. La antigüedad clásica
redescubierta y el humanismo surgen como una guía para la nueva visión de mundo que se manifiesta en los
artistas del periodo.
Manierismo
Con la evolución del Renacimiento y el constante estudio y aplicación de los ideales clásicos, comienza a
surgir entre los artistas del periodo un sentimiento anticlásico, aunque sus obras continuaran siendo en
esencia predominantemente clásicas. En este momento surge el manierismo.
Los arquitectos manieristas (que rigurosamente pueden continuar siendo llamados renacentistas) se apropian
de las formas clásicas pero comienzan a deconstruir sus ideales.
Siglos XVII y XVIII
Los siglos siguientes al Renacimiento asistieron a un proceso cíclico de constante alejamiento y
aproximación del ideario clásico. El Barroco, en un primer momento, potencia el descontento del
Manierismo por las normas clásicas y propicia la génesis de un tipo de arquitectura inédita, aunque
frecuentemente posea conexiones formales con el pasado.
Arquitectura barroca
El Barroco surge en el escenario artístico europeo en dos contextos muy claros durante el siglo XVII: de
entrada había la sensación de que, con el avance científico representado por el Renacimiento, el Clasicismo,
aunque hubiera ayudado en este progreso, no estaba en condiciones de ofrecer todas las respuestas necesarias
a la dudas del hombre.
Arquitectura neoclásica
A finales del siglo XVIII e inicios del XIX, Europa asistió a un gran avance tecnológico, resultado directo de
los primeros momentos de la Revolución industrial y de la cultura de la Ilustración. Fueron descubiertas
nuevas posibilidades constructivas y estructurales, de forma que los antiguos materiales (cómo la piedra y la
madera) pasaron a ser sustituidos gradualmente por el hormigón (y más tarde por el hormigón armado) y por
el metal.
Edad Contemporánea
La arquitectura que surge con la Edad Contemporánea irá, en mayor o menor grado, a reflejar los avances
tecnológicos y las paradojas socioculturales generadas por el advenimiento de la Revolución industrial. Las
ciudades pasan a crecer de modo desconocido anteriormente y nuevas demandas sociales relativas al control
del espacio urbano deben ser respondidas por el Estado, lo que acabará llevando al surgimiento del
urbanismo como disciplina académica.
EVOLUCION DE LA ARQUITECTURA
La arquitectura se considera como el arte y la ciencia de proyectar y construir edificios, que comienza en los
tiempos prehistóricos en que los hombres construyeron las primeras cabañas de cañas y barro.
En América precolombina la arquitectura solo floreció en México, Guatemala y el Perú; los mexicanos
(aztecas, zapotecas, mayas), levantaron vastos conjuntos de construcción armónica, al aire libre,
caracterizados principalmente por inmensas pirámides truncadas (adoratorios), juegos de pelotas, palacios y
otros edificios públicos; los incas del Perú fabricaron ciudades de piedra, escalonadas en terrazas, con
murallas, torreones, edificios y monumentos, obras de riego, estanques y caminos; los bloques de piedra eran
a veces colosales y los asentaban sin argamasa.
Es entonces la Arquitectura -desde lo contemporáneo y apoyada en los nuevos recursos
tecnológicos- un ejercicio en el que efectivamente se envuelven orden, síntesis, semiología,
materia, pero aun más importante que aquello, es un trabajo creativo, innovativo, inédito, eso
sí, mientras excluyamos la arquitectura producida desde la industria inmobiliaria.
ARQUITECTURA GOTICA
Gótico
Es un estilo arquitectónico que tomó su inspiración de la arquitectura medieval. Floreció en Europa del siglo
XII al XVI. Su principio generador se dio en la estructura ojival (arcos con punta)de la bóveda: fundada en el
principio de la bóveda por aristas o crucería. La bóveda gótica nació de la necesidad de aumentar la altura de
las naves y disminuir el empuje de las bóvedas y distribuir mejor el peso. Estos resultados se obtienen con el
uso de los arbotantes y el truncado de las bóvedas.
El equilibro simétrico se produce cuando al dividir una composición en dos partes iguales, existe igualdad de peso
en ambos lados. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso.
Un ejemplo más inmediato de simetría en el mundo orgánico es la mariposa, cuyas alas poseen simetría axial
bilateral, en la que el eje es el cuerpo del insecto. Sus dibujos están dispuestos simétricamente respecto al eje.
Esta regularidad constituye, a nivel de percepción, un factor estético de armonía.
En el equilibrio asimétrico, al ser desiguales los pesos a un lado y otro del eje, el efecto
es variado.
La simetría axial
En estos applets tenemos dos imágenes con simetría axial: un animal y un arco. En ellos se puede mover el deslizador
verde que hay a la izquierda para comprobar cómo se “da la vuelta” a la imagen para coincidir con la original.
La simetría axial (también llamada rotacional, radial o cilíndrica) es la simetría alrededor de un eje, de
modo que un sistema tiene simetría axial o axisimetría cuando todos los semiplanos tomados a partir de
cierto eje y conteniéndolo presentan idénticas características.
Dada una recta se llama simetría axial de eje e al movimiento que transforma a un punto P en otro punto P'
verificando que:
• El segmento PP' es perpendicular a .
• Los puntos P y P' equidistan del eje .
Dicho de otra forma el eje es la mediatriz del segmento PP'
La simetría axial no solo se presenta entre un objeto y su reflexión, pues muchas figuras que mediante una
línea pueden partirse en dos secciones que son simétricas con respecto a la línea. Estos objetos tienen uno (o
más) ejes de simetría.
TUTORIAL DE DIBUJO: DIBUJAR ROSTRO, PROPORCIONES
Cuando uno se decida a dibujar (o pintar posteriormente) el retrato de una persona, lógicamente una de
las cosas fundamentales será el conseguir el parecido de esa persona pero no menos importante será el
partir de una buena base en cuanto a las proporciones en el rostro que se vá a dibujar.
Yo voy a dar unas fórmulas para llevar a cabo en el “encaje”, que son inherentes a todas las personas
(excepción hecha del rostro de un niño, como veremos).
Fórmulas que deberán tenerse en cuenta siempre, ya que de lo contrario ese rostro tendrá
necesariamente imperfecciones en su resultado final (dibujo o pintura) puesto que el realizar esos encajes
“a ojo” es sumamente difícil, salvo que se sea un artista consumado en este tipo de trabajos y salga todo a
la primera.
-
Empezaré diciendo que se puede afirmar que el rostro puede encajarse en un rectángulo que tendrá una
proporción de 3,5:2,5 partes, siendo la medida base de la que partiremos la de la frente que corresponde
exactamente desde el nacimiento del pelo en la cabeza, hasta la altura de las cejas.Nada mejor para
comenzar que un dibujo hecho por mí, al que llamo “figura 1”:
Donde se supone que he calculado la altura del rostro de la persona por alguno de los medios que deben
conocerse (bien con una regla y midiendo si es de una fotografía, bien con la ayuda del propio lápiz
extendiendo el brazo y marcando con el dedo pulgar la altura para trasladar al papel).
Bien, yo en el ejemplo que os muestro, he supuesto que la altura del rostro de la persona a pintar es de
10,5 centímetros así que como ya hemos visto, en la proporción del rostro a lo alto, como son 3,5 partes,
divido 10,5 : 3,5 = 3 cm . (que será la “medida base” que recordareis era la medida de la frente); así que
marco a lo ancho y como habíamos visto que eran 2,5 veces la medida de la frente: 2,5 x 3 = 7,5 cm . que
me dará las referencias suficientes para dibujar el rectángulo que tendrá 10,5 cm de altura y 7,5 cm . de
anchura.
Ahora procedo a dividirlo tanto a lo alto como a lo ancho por la mitad, lo que me dará unas líneas que
serán importantes pues la vertical me dará justo el eje de simetría del rostro, y la horizontal me marcará
justamente el lugar donde acabará la altura de los ojos veis por tanto que comenzamos a tener referencias
importantes. Pero hay mucho más, veréis a continuación más puntos de referencia pero lo mejor es
adjuntar la “figura 2”:
-
Veis que al rectángulo original le añado ahora un montón de referencias más en el momento en que
procedo a dividir tanto el alto como el ancho en sus 3,5 y 2,5 partes respectivamente, por lo que salen una
serie de líneas o “puntos de referencia” que explico: primero de arriba abajo la primera línea verde que
encontramos nos vá a indicar EL NACIMIENTO DEL CABELLO, la segunda que encontramos será la que
nos marque la PARTE SUPERIOR DE LOS OJOS, además en su prolongación nos indicará la PARTE
SUPERIOR DE LAS OREJAS, y seguimos hacia abajo con la línea del eje que ya vimos por lo que
pasamos a la siguiente que nos dará la situación de la BASE DE LA NARIZ.
En cuanto a las verticales y de derecha a izquierda, tendremos la primera de ellas que nos vá a decir
donde empieza EL OJO de la derecha según lo miramos (su arranque cerca de la nariz) y asimismo nos dá
la anchura por su derecha de LA NARIZ ; luego viene el eje de simetría vertical que ya vimos, por lo que la
siguiente vertical nos dará justamente el final del ojo de la izquierda.
Como veis, esto sería suficiente ya para abordar las proporciones, pero es que aún podemos obtener
más referencias, vereis: si las dos divisiones verticales más anchas las dividís ahora por la mitad según
veis en la “figura 3” que adjunto:
-
Apreciamos que la primera línea roja de la derecha nos vá a dar la ANCHURA DEL OJO de la derecha y
la siguiente línea roja sería para el NACIMIENTO DEL OJO de la izquierda y además para referenciarnos el
ANCHO DE LA NARIZ.
Pues solo nos faltaría ahora dividir por la mitad (a lo ancho) la última parte inferior para que tuviésemos la
BASE DEL LABIO INFERIOR.
Así que como veis tenemos un encaje perfecto, con un número de referencias que parece abrumador en
principio, pero que cuando os acostumbreis a efectuar encajes para dibujo del rostro, los sacais enseguida
porque la mecánica es siempre la misma.
Ni que decir tiene que esto sería un encaje para “la persona ideal” pero la práctica os hará ver que es muy
difícil hallar el rostro ideal, ya que alguno presentará una ligera desviación del tabique nasal, otro una
diferencia en la altura de los ojos o cejas…., enfín, pero no me direis que no es mucho más sencillo desviar
a derecha o izquierda un poquito el tabique nasal pero cuando se dispone una referencia clara de donde vá
ese tabique ¿verdad?.
Bien, pues una vez visto lo anterior sería sumamente fácil dibujar esto que adjunto en la “figura 4”:
-
ÁREAS REGULARES E IRREGULARES DE
FIGURAS PLANAS
TRIÁNGULO
El triángulo es un polígono formado por tres lados y tres
ángulos.
La suma de todos sus ángulos siempre es 180 grados.
Para calcular el área se emplea la siguiente fórmula:
Claroscuro
El claroscuro es una técnica artística (en pintura, dibujo y grabado) consistente en el uso de contrastes
fuertes entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos del cuadro para destacar más efectivamente
algunos elementos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento, la
técnica alcanzaría su madurez en el barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado
tenebrismo.
Zonas del claroscuro
Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo. Entre ellas:
Zona de iluminación clara.
Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa
Zona de penumbra.
También llamada medio tono opaco. Esta zona identifica la zona intermedia entre la zona clara y la zona
oscura, va desde la clara y hasta la oscura pasando por variedad de grises.
Zona oscura.
También llamada sombra propia, es la zona que no recibe ningún rayo de luz, y se mantiene oscura.
Zona proyectada.
Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie donde se
encuentra.
Zona de reflejo.
Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan, se caracteriza por medios
tonos luminosos. Esta técnica realza el volumen de los objetos, retratos, expresiones faciales, da más vida al
dibujo.
Los objetos tienen un relieve que hace que podamos distinguirlos del fondo del entorno
cuando son iluminados.
Cada cuerpo iluminado tendrá dos sombras:
Una propia sobre la zona que no recibe la luz
y proyecta otra que reproduce sus contornos, pero que se deforma según la inclinación de la
superficie donde se proyecta.
Las superficies con aristas determinan cortes nítidos entre luz y sombra, En las superficies
curvas tiene una transición suave.
OBRAS DE REMBRANT
El rapto de Europa, 1632. Óleo sobre tabla. Esta obra se ha considerado "un brillante ejemplo
de la Edad de Oro de la pintura barroca.[34]
A lo largo de su carrera, Rembrandt haría suyos los géneros del retrato, el paisaje y la pintura narrativa. Por
esta última sería especialmente ensalzado por sus contemporáneos, que le consideraban un maestro en la
interpretación de pasajes bíblicos por su profundidad emocional y su cuidado de los detalles.[35]
Estilísticamente, su pintura evolucionó de la suavidad de sus principios —caracterizada por una excelente
técnica de representación ilusionista de formas— a un tratamiento posterior, más "áspero", que invocaba las
cualidades del objeto mediante la calidad táctil con que figuraba en la pintura.[36] En cuanto al grabado, podría
hablarse de un desarrollo similar. En las obras ejecutadas en su madurez, especialmente a partir de finales de
la década de 1640, la libertad y el aliento de sus dibujos encontrarían expresión también en los medios
impresos. En estas obras se combinan tema y técnica de tal modo que en ocasiones, una gran superficie vacía
puede sugerir un espacio, mientras que en otras una compleja trama de líneas articula el volumen de formas
en penumbra.[37]
Leiden (1625-1631)
"El fumador", de Joos van Craesbeeck. En Leiden, Rembrandt también cultivó este tipo de
retratos, muy populares en su época.
Fue durante el período de Rembrandt en Leiden (1625-1631) cuando se puede hablar de una mayor
influencia de Lastman. Es probable hablar también de cierto influjo de Lievens durante aquella primera etapa
de formación.[38] Las pinturas de esta época son bastante pequeñas, pero ricas en detalles, especialmente en
vestiduras y joyería. Los temas preferidos en esta etapa son obras religiosas y alegóricas, al igual que los
"tronie", género popularmente holandés.[38] [39] En 1626 Rembrandt produjo sus primeros grabados, y la
rápida difusión característica de este medio le ganaron fama internacional.[38] En 1629 pintó "Judas
arrepentido, devolviendo las monedas de plata" y "El artista en su estudio", obras que evidencian su
progresivo interés en el uso de la luz y el enriquecimiento de sus registros matéricos; esta obra constituye el
primer gran progreso de su carrera y un punto clave en su crecimiento como pintor.[40]
[editar] Primer período en Ámsterdam (1632-1636)
Detalle de La ronda de noche, también conocida como "La milicia del capitán Frans Banning
Cocq", 1642.
A lo largo de la siguiente década, las pinturas de Rembrandt adoptaron diversidad de tamaños, técnicas y
estilos. La tendencia anterior a crear efectos dramáticos mediante fuertes contrastes de luz y sombra
(claroscuro) dio paso a una iluminación frontal y a mayores y más saturadas zonas de color.
Simultáneamente, las figuras empezarían a disponerse paralelamente al plano del cuadro. Estos cambios
pueden ser vistos como un retorno a la composición clásica y, considerando el mayor trabajo de pincelada,
pueden sugerir cierta familiaridad con el estilo veneciano. De esta época son obras como "Susana y los
viejos", (1637-1647).[44] Al mismo tiempo, se da una visible reducción de obras pintadas en favor de grabados
y dibujos de paisajes.[45] Esta obra gráfica incorpora el valor dramático a partir de pacíficas escenas rurales
holandesas.
[editar] La ronda de noche
Rembrandt pintó este cuadro entre 1640 y 1642. La pintura fue llamada "Nacht Wacht" por los holandeses y
"Night Watch" por Sir Joshua Reynolds porque en el momento de su descubrimiento los colores al óleo se
habían apagado tanto que muchos detalles eran indistinguibles y se parecía bastante a una escena nocturna.
Después de sucesivas restauraciones, se reveló que la escena representada era una escena diurna: una partida
de mosqueteros pasando de un sombrío patio a la cegadora luz del sol. La obra fue encargada para el nuevo
ayuntamiento de los Kloveniersdoelen, la compañía de mosqueteros encargados de la patrulla urbana.
Rembrandt se alejó de la representación convencional de estas agrupaciones —que generalmente eran
retratadas de un modo bastante estático y formal— para pintar una escena que sugiere la observación directa
de la acción: La milicia abandona el acuartelamiento, disponiéndose para salir de misión.[46] A pesar de toda
la especulación desatada, la obra fue reconocida como un éxito desde el momento de su entrega. Se
seccionaron algunas partes[47] del cuadro para ajustarlo a la pared en que estaba destinado a ser colgado
cuando se trasladó al ayuntamiento de Ámsterdam en 1715. De cualquier modo, el Rijksmuseum conserva
una reproducción a menor escala en la que se aprecia la idea original de la obra, con las cuatro figuras
principales en el centro de la imagen. Esta obra está expuesta actualmente en el Rijksmuseum, donde ocupa
toda la pared de la mayor sala de la galería.[48]
Aquí se aprecia la diferencia de estilos entre dos de sus obras maestras: su primer retrato colectivo, la
lección de anatomía del Doctor Tulp, pintado a los 26 años y una de sus obras tardías, los síndicos del
gremio de pañeros, pintada con 56 años en 1662.
Sus pinturas son célebres. Por un lado, han sido copiadas e imitadas por los estudiantes, y por otro han sido el
centro de debate y controversia entre los especialistas. Entre las cualidades, cabe destacar las técnicas
pictóricas innovadoras que empleó, el sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de colores, el
conocimiento profundo de la anatomía humana y animal, de la botánica y la geología, la utilización que hacía
de la luz, el interés por la fisonomía, la capacidad de reflejar la forma en que los humanos utilizan el registro
de las emociones y las expresiones gestuales. Dominaba sobre todo la técnica del «sfumato» y la
combinación de sombras y luces. Todas estas cualidades aparecen reunidas en obras como La Gioconda, La
Última Cena y La Virgen de las rocas.
Primeras obras
El primer trabajo de Leonardo que se conoce es una parte del Bautismo de Cristo de Verrocchio y sus
alumnos. Otra pintura que parece datar de este periodo, es La Anunciación. Uno de ellos es pequeño, 59
centímetros de largo y 14 centímetros de alto. Se trata de un «predela» para ir en la base de una gran
composición, en este caso un cuadro de Lorenzo di Credi del cual se ha separado. El otro es un trabajo
mucho más grande, 217 centímetros de largo.[56] En estas dos Anunciaciones, Leonardo ha representado a la
Virgen María sentada o de rodillas a la derecha de la imagen, y un ángel de perfil que se acerca a ella desde
la izquierda. Gran parte del trabajo es realizado en el movimiento de la ropa y las alas del ángel. Aunque
anteriormente dicho trabajo fue atribuido a Domenico Ghirlandaio, el trabajo es ahora casi universalmente
atribuido a Leonardo.[57] Entre 1478 y 1482, pintó Madona Benois, una obra que le ha sido atribuida pero es
muy debatida en cuanto a su fecha de ejecución. Fechada hacia 1474-1476, otra pintura que ha sido atribuida
al pintor florentino es un pequeño retrato, Ginebra de Benci. La Virgen del clavel, cuya fecha de ejecución se
presume entre 1478 y 1480, es otra de sus obras de este periodo.
Década de 1480
En la década de 1480, Leonardo recibió dos grandes encargos y comenzó a trabajar para otra obra que fue
igualmente de gran importancia en términos de composición. Desgraciadamente, dos de las obras nunca
fueron terminadas, y la tercera fue sometida a un proceso de negociación para la finalización y el pago. Uno
de estos cuadros fue el de 'San Jerónimo. Liana Bortolon, asocia este cuadro a un período difícil de la vida de
Leonardo, los signos de la melancolía se pueden leer en su diario: «Pensaba que aprendía a vivir, aprendía
sólo a morir».[13] La fijación audaz e innovadora de la composición de San Jerónimo, con los elementos del
paisaje y el drama personal, aparece igualmente en otra gran obra inacabada, la Adoración de los Magos, un
encargo de los frailes de San Donato en Scopeto. Fue un cuadro muy complejo, y Leonardo realizó
numerosos dibujos y estudios preparatorios, incluyendo uno muy detallado para la perspectiva lineal de una
ruina de arquitectura clásica que sirve de fondo a la escena. En 1480, el pintor florentino hizo una obra que
ha sido muy famosa, La dama del armiño. Pero, en 1482, a petición de Lorenzo de Médici, Leonardo marchó
a Milán para ganar los favores de Ludovico Sforza. De tal manera que abandonó la creación de dicho cuadro.
[8] [58]
La tercera obra importante de este período fue La Virgen de las Rocas (de esta obra hubo dos versiones,
ambas atribuida a Leonardo[59] ), que fue un encargo de la cofradía de la Inmaculada Concepción de Milán.
La pintura serviría para rellenar un gran retablo ya construido,[35] y tuvo una elaboración casi tan compleja
como la Adoración de los Magos, pese a tener sólo cuatro personajes, y describe un paisaje en lugar de un
fondo arquitectónico. El cuadro pudo ser terminado, se hicieron dos versiones de la pintura: la que ha
quedado en la capilla de la cofradía, y una segunda versión hecha algunos años más tarde, con el añadido de
las aureolas y el bastón de Juan Bautista.
Década de 1490
Entre 1495 y 1498 Leonardo pinta La Última Cena, que representa la última comida compartida por Jesús
con sus discípulos; fue ejecutada directamente sobre un muro del convento de Santa Maria delle Grazie en
Milán. Trabajaba del alba al crepúsculo sin detenerse para comer, para así dejar de hacerlo los tres o cuatro
días siguientes, que topó con la incomprensión del prior del convento.[29] Es una obra maestra en su
concepción y caracterización, que ha recibido la admiración de artistas de la talla de Rubens y Rembrandt. La
obra ha tenido que ser restaurada constantemente debido a la técnica utilizada por Leonardo;[Nota 11] al cabo de
un tiempo ya fue descrita por un testigo como una obra «totalmente dañada».[8] A pesar de todo, es una de las
obras de arte más reproducidas.[Nota 12] Entre 1499 y 1500, Leonardo pintó Santa Ana, la Virgen, el Niño y san
Juanito.
Década de 1500
Entre 1503 y 1506 trabaja en un pequeño retrato, La Gioconda,[60] [61] [62] [63] probablemente el cuadro más
famoso de la pintura occidental. La obra representa a Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo.
Fue un cuadro muy querido por Leonardo y que tuvo con él hasta su muerte. El estado de conservación
destacable y el hecho de que no haya ningún signo visible de reparaciones, sobrecapa o repintes es un hecho
muy raro en una pintura de esta época. Otra obra destacable es La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana, pintada
hacia el 1510, y que ha sido copiada muchas veces. La obra influyó sobre todo en Miguel Ángel, Rafael y
Andrea del Sarto,[8] y a través de ellos, en Pontormo y Antonio da Correggio. El estilo de la composición ha
sido adoptado en particular por pintores venecianos como Tintoretto y Paolo Veronese. Una de las últimas
pinturas de Leonardo fue la de San Juan Bautista, en la que usó como modelo a Salai.[66]
Dibujos
Color
Sir Isaac Newton (25 de diciembre de 1642 JU – 20 de marzo de 1727 JU (4 de enero de 1643 GR – 31 de
marzo de 1727 GR)) fue un físico, filósofo, teólogo, inventor, alquimista y matemático inglés, autor de los
Philosophiae naturalis principia mathematica, más conocidos como los Principia, donde describió la ley de
gravitación universal y estableció las bases de la mecánica clásica mediante las leyes que llevan su nombre.
Entre sus otros descubrimientos científicos destacan los trabajos sobre la naturaleza de la luz y la óptica (que
se presentan principalmente en su obra Opticks) y el desarrollo del cálculo matemático.
Newton comparte con Leibniz el crédito por el desarrollo del cálculo integral y diferencial, que utilizó para
formular sus leyes de la física. También contribuyó en otras áreas de la matemática, desarrollando el teorema
del binomio y las fórmulas de Newton-Cotes.
Entre sus hallazgos científicos se encuentran el descubrimiento de que el espectro de color que se observa
cuando la luz blanca pasa por un prisma es inherente a esa luz, en lugar de provenir del prisma (como había
sido postulado por Roger Bacon en el siglo XIII); su argumentación sobre la posibilidad de que la luz
estuviera compuesta por partículas; su desarrollo de una ley de convección térmica, que describe la tasa de
enfriamiento de los objetos expuestos al aire; sus estudios sobre la velocidad del sonido en el aire; y su
propuesta de una teoría sobre el origen de las estrellas. Fue también un pionero de la mecánica de fluidos,
estableciendo una ley sobre la viscosidad.
Newton fue el primero en demostrar que las leyes naturales que gobiernan el movimiento en la Tierra y las
que gobiernan el movimiento de los cuerpos celestes son las mismas. Es, a menudo, calificado como el
científico más grande de todos los tiempos, y su obra como la culminación de la revolución científica. El
matemático y físico matemático Joseph Louis Lagrange (1736–1813), dijo que "Newton fue el más grande
genio que ha existido y también el más afortunado dado que sólo se puede encontrar una vez un sistema que
rija el mundo."
Los colores análogos son base del esquema armónico en la elección de los colores de la
decoración y las paredes.
Otro ejemplo los análogos del naranja serían el rojo y el amarillo. En un sentido más
específico, los análogos del rojo, serían rojo violáceo y rojo anaranjado. O también gama de
azules, desde el verdoso al violáceo.
Naranja: Es algo mas cálido que el amarillo y actúa como estimulante de los tímidos, tristes o linfáticos.
Simboliza entusiasmo y exaltación y cuando es muy encendido o rojizo, ardor y pasión. Utilizado en pequeñas
extensiones o con acento, es un color utilisimo, pero en grandes áreas es demasiado atrevido y puede crear una
impresión impulsiva que puede ser agresiva.
Mezclado con el negro sugiere engaño, conspiración e intolerancia y cuando es muy oscuro , opresión.
Rojo: Se lo considera con una personalidad extrovertida, que vive hacia afuera , tiene un temperamento vital,
ambicioso y material, y se deja llevar por el impulso, mas que por la reflexión.
Simboliza sangre, fuego, calor, revolución, alegría, acción, pasión, fuerza, disputa, desconfianza, destrucción e
impulso, asi mismo crueldad y rabia. Es el color de los maniáticos y de marte, y también el de los generales y los
emperadores romanos y evoca la guerra, el diablo y el mal.
Como es el color que requiere la atención en mayor grado y el mas saliente, habrá que controlar su extensión e
intensidad por su potencia de excitación en las grandes áreas cansa rápidamente.
Mezclado con blanco es frivolidad, inocencia, y alegría juvenil, y en su mezcla con el negro estimula la imaginación
y sugiere dolor, dominio y tiranía.
Azul: Se lo asocia con los introvertidos o personalidades reconcentradas o de vida interior y esta vinculado con la
circunspección, la inteligencia y las emociones profundas. Es el color del infinito, de los sueños y de lo maravilloso,
y simboliza la sabiduría, fidelidad, verdad eterna e inmortalidad. También significa descanso, lasitud.
Mezclado con blanco es pureza , fe, y cielo, y mezclado con negro, desesperación, fanatismo e intolerancia.
No fatiga los ojos en grandes extensiones.
Verde:Es un color de gran equilibrio, porque esta compuesto por colores de la emoción (amarillo = cálido) y del
juicio (azul = frío) y por su situación transicional en el espectro.
Se lo asocia con las personas superficialmente inteligentes y sociales que gustan de la vanidad de la oratoria y
simboliza la primavera y la caridad.
Incita al desequilibrio y es el favorito de los psiconeuroticos porque produce reposo en el ansia y calma, también
porque sugiere amor y paz y por ser al mismo tiempo el color de los celos, de la degradación moral y de la locura.
Significa realidad, esperanza, razón, lógica y juventud.
Aquellos que prefieren este color detestan la soledad y buscan la compania.
Mezclado con blanco expresa debilidad o pobreza.
Sugiere humedad, frescura y vegetación, simboliza la naturaleza y el crecimiento.
Blanco: Es el que mayor sensibilidad posee frente a la luz. Es la suma o síntesis de todos los colores, y el
símbolo de lo absoluto, de la unidad y de la inocencia, significa paz o rendición.
Mezclado con cualquier color reduce su croma y cambia sus potencias psíquicas, la del blanco es siempre positiva y
afirmativa.
Los cuerpos blancos nos dan la idea de pureza y modestia.
Gris: No es un color, sino la transición entre el blanco y el negro, y el producto de la mezcla de ambos. Simboliza
neutralidad, sugiere tristeza y es una fusión de alegrías y penas , del bien y del mal.
Negro:El color más oscuro. De hecho, el negro puro es la ausencia de color y de luz. Sólo existe (en teoría) en
los objetos estelares conocidos como "Agujeros negros", que no dejan escapar radicación alguna, luz visible
incluida. No reflejan nada, no emiten luz.
En la vida más normal, el negro es el color neutro más oscuro que un aparato, pintura o tinta son capaces de
reproducir. La cuestión de la neutralidad (ausencia de predominio de una longitud de onda concreta) es esencial
para que el ojo humano considere "negro" ese tono.
Símbolo del error y del mal. Es la muerte, es la ausencia del color. Estiliza y acerca. También transmite nobleza y
elegancia. Entre los chinos y los egipcios, sin embargo, el negro fue signo de fertilidad. Entre los primeros, además
representaba el yin femenino. Pese a la consideración negativa del negro, la razón por la cual se impuso, sobre
todo durante una época, el uso del color negro como singularización de un determinado estatus social, tiene que
ver con la protección que este color ejercía contra los movimientos del mal.
Numerosos test selectivos han demostrado que el orden de preferencia de los colores es el azul, rojo y verde, los
amarillos, naranjas y violetas ocupan un segundo plano en el gusto colectivo, las mujeres sitúan el rojo en primer
lugar, y los hombres el azul.
Cromoterapia
La Cromoterapia es una Terapia que se suele utilizar dentro de la Medicina Natural y que se lleva a cabo a través
de los colores en que se divide el espectro de la luz solar.
Sin la luz solar, la vida no sería posible. Su influencia sobre los seres vivos es fundamental. Este poderoso agente
natural es, a la vez, un notable elemento curativo.
La Naturaleza proporciona gratuitamente los mejores remedios para preservar la salud y para recuperarla en caso
de enfermedad. Sólo los cuatro elementos, debidamente combinados, el sistema naturista ha venido venciendo
muchas de las llamadas " enfermedades incurables ". La Cromoterapia es una de las facetas de la Medicina Natural.
Conocida desde las más antiguas civilizaciones, la investigación médica ha redescubierto ahora este medio de
curación natural que brinda a la Humanidad la posibilidad de alcanzar la salud sin caer en el riesgo de las
venenosas drogas sintéticas de la Medicina moderna. Mediante los diversos rayos de la luz solar, visibles e
invisibles, se pueden sustituir con éxito centenares de los medicamentos hoy en uso.
Químicamente muy rica, la luz solar transmite esta riqueza a la Tierra, de manera que pueda ser asimilada por los
organismos vivos : animales y plantas.
De hecho, los colores existen en todas las sustancias del Universo. La ciencia demuestra que cada una de ellas
tiene un espectro propio, desde los simples átomos a las más lejanas galaxias.
La utilización de los colores en la prevención y en el tratamiento de las enfermedades, se basa en el hecho de que
los sentidos tienen una gran influencia sobre la mente, haciendo permeable al ser humano según la información
que recibe.
Esta técnica se basa utilizando crayones de madera, puedes combinar tonos (como amarillo y rojo,
obtendríamos el naranja) así logrando tonalidades únicas, realismo y facilidad de trabajar tu arte. Puedes
dejar de trabajarlo por horas, días y podrás seguir pintando sin ninguna dificultad. Esta técnica se trata de
pintar en la dirección correcta para que logre volúmenes así como trabajar con luces y sombras. Las
tonalidades de las sombras es mejor que se trabajen con el color morado mas el tono del objeto donde nace la
sombra, porque el color negro ensucia el trabajo y mira al rededor, las sombras no son negras… Puedes
trabajarlo en un papel con textura, como Cascara de Huevo y Lino.
Armonía cromática
La Armonía cromática, o Armonía de los colores, es concebida hoy, sobre todo en los ámbitos pictóricos y
en los de la Iconolingüística, como el conjunto de técnicas que se aplica a la creación de un colorido para
lograr cierto equilibrio en la interacción de los colores que lo componen. Asimismo se denomina así al efecto
estético de calma que ese equilibrio produce en el espectador. Suelen emplearse también las designaciones
armonía del color y armonía del colorido.
Dicho conjunto de técnicas ha venido evolucionando paralelamente al desarrollo de la Pintura y las artes
relacionadas con ella, desde la Antigüedad griega, hasta alcanzar su actual conceptualización en la
perspectiva iconolingüística de los distintos ámbitos de las Artes visuales y del Diseño. La tradición de la
Armonía cromática ha implicado una incorporación sucesiva de conceptos, entre los que destacan: el ajuste
cromático, la complementariedad, la extensión cromática, el acorde cromático y la coloración acorde.
Colores secundarios.
Son los que se obtienen mezclando dos los colores primarios al 50 %, obteniendo: Verde (S), violeta (S) y naranja
o anaranjado (S).
Colores intermedios.
Mezclando un primario y un secundario se obtienen los llamados colores intermedios (I), que como su nombre
indica estan "entre medio" de un color primario (P) y un secundario (S) o viceversa. Otra característica de estos
colore es que se denominan con los colores que intervienen en su composición, primero citando el color primario y
a continuación el secundario: amarillo-verdoso, rojo-anaranjado, azul-verdoso, azul-violeta, rojo-violeta y amarillo-
anaranjado.
Colores terciarios
Los tonos terciarios se consiguen al mezclar partes iguales de un primario (P) y de un secundario (S) adyacente:
amarillo terciario (verde+naranja), rojo terciario (naranja+violeta) y azul terciario (verde+violeta).
Los colores terciarios son los más abundantes en la naturaleza y por lo tanto los más usados en la pintura, ya que
por ellos brillan los más exaltados y cobran vida los de intensidad media.
Colores elementales
Los ocho colores elementales corresponden a las ocho posibilidades extremas de percepción del órgano de la
vista. Las posibilidades últimas de sensibilidad de color que es capaz de captar el ojo humano. Estos resultan
de las combinaciones que pueden realizar los tres tipos de conos del ojo, o lo que es lo mismo las
posibilidades que ofrecen de combinarse los tres primarios. Estas ocho posibilidades son los tres colores
primarios, los tres secundarios que resultan de la combinación de dos primarios, más los dos colores
acromáticos, el blanco que es percibido como la combinación de los tres primarios (síntesis aditiva: colores
luz) y el negro es la ausencia de los tres.
Colores complementarios
En el círculo cromático se llaman colores complementarios o colores opuestos a los pares de colores
ubicados diametralmente opuestos en la circunferencia, unidos por su diámetro. Al situar juntos y no
mezclados colores complementarios el contraste que se logra es máximo.
La denominación complementario depende en gran medida del modelo de círculo cromático empleado. Así
en el sistema RGB (del inglés Red, Green, Blue; rojo, verde, azul), el complementario del color verde es el
color magenta, el del azul es el amarillo y del rojo el cyan. En el Modelo de color RYB (Red, Yellow, Blue =
rojo, amarillo, azul) que es un modelo de síntesis sustractiva de color, el amarillo es el complementario del
violeta y el naranja el complementario del azul. Hoy, los científicos saben que el conjunto correcto es el
modelo CMYK, que usa el cian en lugar del azul y magenta en lugar del rojo.
En la teoría del color se dice que dos colores se denominan complementarios si, al ser mezclados en una
proporción dada el resultado de la mezcla es un color neutral (gris, blanco, o negro).
Círculo cromático
Materiales necesarios:
- Block de dibujo,
- Compás y regla,
- Lapicero y goma de borrar,
- Témperas (cyan, magenta, amarillo, blanco y negro) y pinceles...
Esquema de trabajo:
Para todos aquellos que aún no sepan cómo se mezclan los colores para obtener los secundarios y los
terciarios pueden acudir al video del siguiente enlace:
El Surrealismo (en francés: surréalisme; sur [sobre, por encima] más réalisme [realismo]) o
superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo,
en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba
descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando
imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.
a su esposa Julia Domna. Pintura de El Fayum. La segunda ilustración corresponde a una joven
mujer escribiendo. Es un significativo ejemplo de pintura pompeyana del siglo I. Estos retratos,
como el de la pareja imperial, son representaciones relativamente realistas de personas de
cierta relevancia política o social. Se colocaban sobre el rostro de la momia de la persona
fallecida. Eran ejecutados en madera o sobre las vendas de lino. Los modelos eran siempre
jóvenes e idealizados, puesto que los retratos debieron ser realizados cuando el modelo aun
vivía. Es factible que el retrato fuese usado expuesto en la vivienda y que, únicamente tras el
fallecimiento del dueño de la casa, se aplicase sobre su momia. La pintura romana, por su
parte, se empleaba en edificios públicos para denotar realismo. Generalmente al fresco, las
pinturas se protegían con una capa de cera para avivar los colores. Suele hablarse de cuatro
estilos pictóricos en la pintura pompeyana: el de incrustaciones, de origen helenístico; el
arquitectónico, que llega hasta comienzos del imperio, y presenta espacios arquitectónicos
que se completan con paisajes ajardinados y figuras; el ornamental (siglo I), de detallada
decoración, y el del ilusionismo arquitectónico, escenográfico o teatral, bien representado por
las pinturas de la Villa de los Misterios en Pompeya.
Pintura renacentista
Posimpresionismo
Textura
Textura es la propiedad que tienen las superficies externas de los objetos, así como las sensaciones que
causan, que son captadas por el sentido del tacto. La textura es a veces descrita como la capacidad de sentir
sensaciones no táctiles (o sea que no se captan por las manos). Se puede referir específicamente a:
• Textura de la música, calidad general del sonido de una composición musical.
• Textura de la pintura, sensación de la tela basado en la pintura y su método de
aplicación.
• Textura del tejido, entrelazamiento , disposición y orden de los hilos en un tejido,
también se refiere a la superficie de un vestido o al material de su confección, existen
varios tipos de fibras, las naturales: algodón, lana, seda y lino. Las de algodón y lino son
fibras naturales vegetales y la lana y seda son fibras naturales animales. Por otra parte
también tenemos las fibras artificiales siendo estas las de polyester y nylon.
• Textura (gráficos por computadora), una imagen bitmap aplicada sobre una
superficie en gráficos por computadora.
La textura es expresiva, significativa y trasmite de por sí reacciones variables en el
espectador, las que son utilizadas por los artistas, que llevan la materia a un nivel superior del
que ella tiene, para aumentar el grado de contenido a transmitir en su obra.
Volumen
El volumen es una magnitud definida como el espacio ocupado por un cuerpo. Es una función derivada ya
que se halla multiplicando las tres dimensiones.
En matemáticas el volumen es una medida que se define como los demás conceptos métricos a partir de una
distancia o tensor métrico.
En física, el volumen es una magnitud física extensiva asociada a la propiedad de los cuerpos físicos de ser
extensos, que a su vez se debe al principio de exclusión de Pauli.
La unidad de medida de volumen en el Sistema Internacional de Unidades es el metro cúbico, aunque
temporalmente también acepta el litro, que se utiliza comúnmente en la vida práctica.
DEFINICIÓN DE VOLUMEN
Efigie
Una efigie es la representación de una persona en una moneda, pintura o escultura.
Busto
Un busto es una representación artística de la parte superior del cuerpo humano.Puede ser una escultura,
pintura, dibujo o grabado. Incluye la cabeza, los hombros, el nacimiento de los brazos y el pecho, o parte de
él.
Torso
Torso puede designar:
• al cuerpo humano excluyendo las extremidades, también llamado tronco;
• a una representación escultórica de esta parte del cuerpo.
Aunque utilizan tintas planas carentes de perspectiva los muralistas mayas supieron crear la ilusión del espacio. Primero trazaban
el dibujo en rojo diluido sobre una capa de estuco, después se pintaba el fondo quedando las figuras en blanco y posteriormente se
iban rellenando los diferentes espacios con sus respectivos colores. Para sugerir la perspectiva y el volumen recurrían al fileteado
de las figuras, la yuxtaposición de colores y la distribución de los motivos en diversos registros de bandas horizontales. Los murales
más importantes que se conservan son los del sitio de Bonampak (Chiapas). Las pinturas ocupan la totalidad de las paredes de
tres habitaciones de un edificio (790 d.C.). Relatan acontecimientos bélicos que incluyen las ceremonias preliminares a la batalla
(cuarto I), la batalla (cuarto II) y el sacrificio final (cuarto III). Existen fragmentos de antiguas pinturas en Uaxactún, Palenque, Coba
y Chichén Itzá.
Cerámica y lítica
De la misma forma que los muralistas mayas plasmaron escenas mitológicas y
cortesanas en sus composiciones, los ceramistas reflejaron diversos aspectos
relacionados con temas similares. La cerámica polícroma —asociada con el mundo
funerario— fue la más extendida. La técnica era similar a la de los murales aunque
jugaron también con las posibilidades expresivas que les brindaban el engobe y el
pulimento. Suelen ser cilindros, platos y fuentes de distintas dimensiones donde la
pintura cubría casi la totalidad de la superficie. Los perfiles de los dibujos se
realizaban en negro sobre un fondo monocromo, crema o anaranjado. El otro
estilo, del que se conservan muy pocos, llamado códice, recuerda la técnica
utilizada por los escribas mayas sobre las tiras de papel vegetal estucadas y
pintadas. Las figuras antropomorfas alcanzaron también una gran popularidad y
perfección. Las llamadas figuritas de la isla de Jaina (Campeche) incluyen una
variada muestra de tipos físicos diferentes. A esta lejana isla llegaban para
enterrarse personajes ilustres de muy diversa procedencia, y los artesanos de la
necrópolis preparaban los ajuares que habían de acompañarles en su viaje al
mundo de los muertos (Xibalbá).
La talla de las piedras semipreciosas, en jade y obsidiana, suponen una
valiosa aportación al arte maya. Figuras humanas, excéntricos y collares
alcanzaron un grado de perfección que las hizo ser incluidas en los ajuares
de las tumbas más principescas.
Mundo de las Artesanías
Artesanía se refiere tanto al trabajo del artesano -normalmente realizado de forma manual por una persona
sin el auxilio de maquinaria o automatizaciones -, como al objeto o producto obtenido -en el que cada pieza
es distinta a las demás. La artesanía como actividad material se suele diferenciar del trabajo en serie o
industrial.
Con el objeto de definir a la artesanía y distinguirla de la industria, Eutimio Tovar Rodríguez en "La
artesanía su importancia económica y social"[1] ha propuesto como definición de artesanía "toda técnica
manual creativa, para producir individualmente, bienes y servicios" y por lo tanto ha definido industria como
"toda técnica mecánica aplicada, para producir socialmente, bienes y servicios".
Para muchas personas, la artesanía es un término medio entre el diseño y el arte. Para otros es una
continuación de los oficios tradicionales, en los que la estética tiene un papel destacado pero el sentido
práctico del objeto elaborado es también importante.
También quedan algunos artesanos que se dedican a los llamados «oficios tradicionales», pero cada vez son
menos.
Uno de los principales problemas de la artesanía es la competencia con los productos procedentes de
procesos industriales de bajo coste, con apariencia similar a los productos artesanos, pero con menor precio y
calidad.
Otra dificultad para los artesanos es la forma de comercializar sus productos, ya que es una característica de
la artesanía, que se realiza en talleres individuales o de pocas personas, con poca capacidad para llegar al
mercado.
Cestería